22 mai 2018

L'Ecriture de l'Univers

Zao Wou-Ki comprend dans les années 1970 que l'univers n'est pas limité au combat de sa passion intérieure. Pour continuer à tout englober depuis la création jusqu'à l'expansion illimitée, il réétudie les encres noires des Song et crée de nombreux lavis sur papier.

Vers la fin de la décennie il entre dans une phase nouvelle en transposant à l'huile sur toile ses observations concernant l'art ancien. Les nuances du lavis permettent de remplir avec subtilité les zones claires qui apportent le repos et le vide qui lui avaient toujours psychologiquement manqué. Il choisit pour le reste de son image des couleurs vibrantes avec des coups de pinceau d'une grande finesse qu'il construit comme une écriture rapide.

L'effet d'ensemble apporté par 8.11.79 est une chaîne de montagnes bien centrée entre le ciel et le lac. Cette peinture 90 x 117 cm est petite pour cet artiste à cette époque. Elle a été vendue par Christie's le 25 novembre 2017 pour HK$ 50M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 12M.

Le 27 mai à Hong Kong, Phillips vend au lot 5 une huile sur toile 250 x 260 cm peinte en 1979, intitulée 4.1.79.

Composée en trois parties comme l'autre exemple ci-dessus, cette peinture qui ressemble de loin à un lavis est une montagne abstraite presque monochrome dans un environnement bouillonnant de nuées blanches. L'inspection rapprochée permet d'observer les traits et taches de couleurs vives entremêlées dans la partie centrale, apportant à l'ensemble son illusion naturelle.

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Zao Wou Ki | May 2018 | Hong Kong from Phillips on Vimeo.

21 mai 2018

Le Bouddha de la Fin des Temps

Selon des prophéties énoncées il y a environ 1800 ans, l'enseignement de Bouddha Sakyamuni sera un jour oublié, créant une période d'anarchie et de misère. La paix, le bonheur et l'abondance seront rétablis par le Bouddha Maitreya, qui signifie "bienveillant" en Sanskrit. En attendant son règne glorieux Maitreya est un bodhisattva.

Le culte de Maitreya prend de l'ampleur avec les superstitions millénaristes, mille ans après la prédication historique de Gautama Bouddha. Le premier empereur de la dynastie des Sui s'appuie astucieusement sur le Bouddhisme pour unifier la Chine. Les images de Sakyamuni et de Maitreya sont souvent indifférenciées.

Le régime des Sui est une théocratie militaire. L'empereur utilise les armes pour éliminer ceux qui ne suivent pas sa propre conception de l'orthodoxie Bouddhiste. On est déjà bien loin des principes moraux de cette religion.

Son fils et successeur est un mégalomane qui veut conquérir le Viet-Nam et la Corée avec d'immenses armées de conscrits. Il échoue lamentablement et les soldats rescapés reviennent avec le paludisme. Les révoltes paysannes qui éclatent partout dans le pays mettent fin à l'unité de l'empire des Sui. L'ambiance apocalyptique est propice à un regain de faveur du culte de Maitreya. Plus concrètement l'ordre et l'unification ne sont pas rétablis par la divinité mais par un habile général qui fonde la dynastie des Tang.

Le 30 mai à Hong Kong, Christie's vend au lot 2801 une figure en bronze doré de Bouddha Maitreya réalisée pendant la transition Sui-Tang il y a environ 1400 ans. Le futur rédempteur fait le geste de la prédication dans une attitude de pacification souriante. Il est assis, chaque pied posé sur un lotus.

Entre les Han et les Tang la sculpture est dominée par la pierre. Le bronze doré est plus rare, choisi pour simuler par ses reflets la lumière émanant de la divinité. Sa hauteur de 32 cm apparaît comme une limite de faisabilité de cette technique à cette époque.

Je vous invite à regarder la video partagée par Christie's.

Les Huit Vertus du Brésil

Partisan du Kuomintang, Zhang Daqian s'exile en 1949. Dans les années suivantes il voyage énormément tout en cherchant aussi un pied-à-terre durable. Il n'est cependant pas un artiste cosmopolite : jamais il n'oubliera que sa sensibilité et ses thèmes sont Chinois.

Il achète en 1953 un terrain près de Sao Paulo pour y installer son Jardin des Huit Vertus. Il est épuisé par cette tâche et sa vue baisse. Dans ses peintures de paysages les contours des montagnes deviennent épais et durs.

Zhang n'est pas seulement le meilleur connaisseur de deux mille ans d'art graphique Chinois. Il est aussi un chercheur de nouveaux styles. Le 29 mai à Hong Kong, Christie's vend Viewing the waterfall, rouleau 134 x 68 cm à l'encre et couleurs, lot 1379 estimé HK$ 60M.

La montagne très escarpée ressemble à un Pain de Sucre de Rio mais c'est peut-être seulement un hasard. Par un autre hasard elle est aussi proche des montagnes Maoïstes de Li Keran. Elle est en fait profondément ancrée dans la tradition Chinoise.

Elle est datée par l'artiste en Chinois, douzième mois de l'année guimao correspondant à 1963 CE. Ce paysage pourrait être universel mais le sommet abrite un ancien temple typique. Tout en bas deux voyageurs sont confrontés à l'immensité de la nature, un des thèmes les plus traditionnels du paysage Chinois.

Cette oeuvre est un des plus anciens exemples du mélange de deux techniques que Zhang pratiquera avec une grande réussite pendant vingt ans. La cascade, les personnages, les temples sont dessinés avec finesse. Les surfaces qui ne servent pas à la narration sont diluées dans de larges éclaboussures de bleu et de vert.

Il ne fait pas de doute que cette technique sans précédent dans l'art moderne est une référence aux lavis Mogu aimés par les Tang. Elle est peut-être aussi utile pour ménager la vision affaiblie de l'artiste.

20 mai 2018

Tianqiuping pour l'Empereur Qianlong

La forme d'un vase est importante pour accompagner son message. Pour présenter des voeux de longévité à l'empereur de Chine, il est recommandé d'offrir un récipient symbolisant la sphère céleste avec laquelle le Fils du Ciel est le seul intercesseur sur Terre. La forme tianqiuping est un corps rond surmonté d'un col très légèrement concave. Les plus grosses pièces sont les plus appréciées mais elles représentent un exploit technique à cause du risque de basculement du col pendant la cuisson.

L'artiste Qing a le choix entre plusieurs techniques de décoration : doucai, wucai, fencai. Le doucai apporte une difficulté supplémentaire. Le bleu est réalisé dans son contour final avant la réalisation de la glaçure sur laquelle les émaux des autres couleurs seront ensuite appliqués. La porosité de la matière de base doit être compatible avec la finesse désirée pour le dessin. Une asymétrie créée par la première cuisson endommage une figure doucai de façon irréparable.

Le 30 mai à Hong Kong, Christie's vend un tianqiuping en doucai de 54 cm de haut qui est proche des limites technologiques au-delà desquelles les imperfections de forme sont inévitables. Il est estimé HK$ 70M, lot 8888. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Ce vase qui porte la marque impériale de Qianlong est décoré des emblèmes des huit immortels du Taoïsme. Ce thème est rare pour cet empereur qui préférait le Bouddhisme. L'enregistrement dans les archives impériales pendant la troisième année du règne (1738 CE) d'un tiangqiuping en wucai d'illustration similaire est peut-être un terminus post quem.

Considérés séparément tous ces éléments sont dans le goût de Yongzheng. La mort de cet empereur n'a pas stoppé l'incitation impériale aux potiers de Jingdezhen à réaliser les exploits techniques de la plus haute virtuosité. Le script de la marque impériale de Qianlong est un modèle en usage selon certains experts entre la 7ème et la 35ème année du règne. Une date autour de la décennie 1740 CE apparaît comme plausible.

Pour des auspices similaires, la pêche, autre symbole d'immortalité, est un thème favori pour un tianqiuping tout au long des règnes de Yongzheng et Qianlong. Deux vases Qianlong en yangcai de 51 et 55 cm de haut sans estimation de date dans ce règne de 60 ans ont été vendus par Sotheby's : HK$ 90M incluant premium le 5 octobre 2011 et HK$ 63M incluant premium le 7 octobre 2015.

Les Nouvelles Beautés Chinoises

Chen Yifei aimait les belles femmes et les beaux vêtements. Formé à la peinture à l'huile par un artiste Soviétique, il abandonne sans regret la peinture politique après la Révolution Culturelle mais maintient un trait entièrement réaliste avec des couleurs chatoyantes.

Revenu à Shanghai en 1990 après dix ans aux Etats-Unis, Chen observe que les femmes s'habillent mal. Il va consacrer une énergie considérable à y remédier en ravivant les traditions anciennes.

Il peint des groupes de beautés qui auraient leur place dans un défilé de mode. Il devient également cinéaste, crée la marque Layefe d'abord pour des vêtements élégants et abordables puis pour la décoration d'intérieur, pilote une agence de modèles et meurt de surmenage en 2005.

Dans ses peintures les femmes gracieuses se laissent admirer tranquillement à la manière des geishas Japonaises. Un important groupe occupé à prendre le thé, 170 x 244 cm peint en 1996, a été vendu pour RMB 150M incluant premium par China Guardian le 19 décembre 2017.

Le 26 mai à Hong Kong, Christie's vend au lot 30 une huile sur toile 190 x 208 cm peinte en 1997, montrant quatre femmes debout avec de longues robes sophistiquées et colorées. L'oeuvre est intitulée Beautés en Promenade par référence à un poème de Du Fu de la dynastie Tang qui glorifiait la mode de son temps.

19 mai 2018

Les Bars de François-Xavier Lalanne

François-Xavier et Claude Lalanne sont proches des Nouveaux Réalistes. Avec une machine à souder achetée conjointement avec Tinguely, ils vont créer des formes nouvelles.

En 1964 l'exposition intitulée Zoophites montre le savoir-faire des Lalanne dans des meubles fonctionnels et dans des figures zoomorphes, avec humour et rejet de toutes les traditions dans les deux cas. Le rhinocrétaire est déjà un hybride entre ces deux types d'objets. Avant eux Fornasetti avait changé la décoration des meubles mais pas leur forme.

Yves Saint-Laurent ne s'y trompe pas. Il commande un bar à François-Xavier. Les éléments d'un bar ordinaire y sont : le casier à bouteilles, le seau à glace et même un shaker. Ils sont assemblés avec une structure tubulaire qui n'est pas zoomorphe. Livré en 1965 à Saint-Laurent et Bergé, ce meuble sans précédent a été vendu par Christie's en février 2009 pour € 2,75M incluant premium sur une estimation basse de € 200K.

Malgré ce premier succès ce produit reste confidentiel. En 1966 François-Xavier livre un bar similaire quoique moins compact à un  couple de collectionneurs Belges. Le bar Mayersdorff a été vendu par Christie's le 17 mai 2018 pour $ 4,6M incluant premium sur une estimation basse de $ 2,2M.

Avec Lalanne les animaux ne pouvaient pas rester longtemps à l'écart. Le Bar à autruches est édité en six exemplaires en 1970. Le plateau est tenu de part et d'autre par des autruches réalisées en 1967 dans une nouvelle porcelaine blanche de Sèvres et supporte en son centre un seau à glace en forme d'oeuf. L'un d'eux a été vendu pour € 6,2M incluant premium par Sotheby's le 21 novembre 2017 sur une estimation basse de € 700K.

Le bar à autruches est original et prestigieux mais sa fonctionnalité est rudimentaire. Un bar entièrement fermé répondra mieux aux besoins habituels d'un utilisateur. François-Xavier crée en 1970 le Bar Sauterelle. Le corps est en porcelaine et les montants sont en laiton et acier. Cette sauterelle offre enfin tout le confort d'un bar moderne, incluant un compartiment pour les bouteilles et un autre pour les verres.

Deux exemplaires seulement ont été réalisés en porcelaine blanche de Sèvres. L'un d'eux a été offert en 1972 par le Président Pompidou au couple royal anglais. Il est toujours en leur possession. L'autre est estimé $ 800K à vendre par Sotheby's à New York le 24 mai, lot 449. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

17 mai 2018

Le Divin Garçon

En 2017 les commissaires-priseurs Rouillac père et fils inspectent une huile sur toile 72 x 59 cm au domicile d'un particulier. L'expertise sera formelle après confrontation de la toile avec les oeuvres du Musée du Louvre. C'est une peinture authentique par les frères Le Nain.

Elle montre le jeune Christ à l'âge des prises de conscience, agenouillé devant les symboles de la Passion. Il est vêtu d'une ample tunique blanche, symbole de pureté. La lumière vespérale est mystique.

Cette image inédite ajoute un nouveau thème à l'iconographie Chrétienne. On connaissait le Christ nouveau-né dormant sur la croix. Le graveur Wierix, mort en 1619, avait édité l'image d'un jeune saint adulte dans une position similaire. Aucune image du Christ dans le même rôle n'était connue jusqu'à ce jour. Un peu plus tard Murillo sera un des très rares artistes à considérer la pré-adolescence du Christ, dans des attitudes moins mystiques.

Le rôle du Christ est joué sur cette peinture des Le Nain par un jeune garçon d'environ douze ou treize ans avec un beau visage encore poupin, la peau claire et les cheveux blonds. Cet enfant très reconnaissable apparaît à plusieurs âges dans des oeuvres des Le Nain, comme un ange et ensuite un jeune paysan.

La petite dimension de cette toile indique qu'elle a été réalisée pour un usage de dévotion privée. Il est difficile de comprendre pourquoi aucun exemplaire similaire n'est connu, d'autant plus qu'elle correspond bien aux nouvelles tendances de la Contre-Réforme considérant que la vie du Christ doit être analysée dans sa globalité. Sur ce point le pressentiment des Vierges tristes par Botticelli constitue un précédent.

Le Nain a traité ici l'âge de sagesse où le Christ comprend et accepte pour la première fois son destin. Le même passage est important pour les rois de France qui sont assistés par une régence jusqu'à l'âge de 13 ans. De 1643 à 1651 le roi Louis XIV est mineur. Une fois que le roi a commencé son règne personnel, il est possible que le Christ enfant ait eu un bien moindre intérêt pour les clients du seul survivant des frères Le Nain.

Cette peinture de l'Enfant Jésus méditant sur les instruments de la Passion est estimée € 1M à vendre par Rouillac à la vente annuelle Garden Party au Château d'Artigny le 10 juin, lot 60. Des attentes plus élevées avaient été annoncées avant que cette oeuvre soit classée Trésor National Français.

Je vous invite à lire l'essai partagé par Rouillac qui contient de nombreuses illustrations convaincantes pour démontrer l'importance de l'oeuvre. La vidéo est partagée par la maison de ventes.

Présentation d’un tableau inédit des frères Le Nain from ROUILLAC on Vimeo.

16 mai 2018

Les Paysannes de la Mer

En janvier 1882 Vincent van Gogh quitte la maison familiale pour s'installer à La Haye. Une fois de plus il s'était querellé avec ses parents. Il est rejeté par les femmes, sauf par les prostituées. Il aurait voulu être un missionnaire pour servir la classe ouvrière rurale mais il est trop indiscipliné. Il a peut-être déjà fait une crise de démence.

A presque 29 ans il est bien temps que Vincent trouve un métier. Il imagine qu'en étant artiste il pourra réaliser son rêve d'intervention sociale. Heureusement pour lui son jeune frère Theo le soutient. Theo qui est marchand d'art en tant qu'employé de la société Goupil fournira à Vincent le matériel nécessaire à sa nouvelle vocation. Vincent commence à informer Theo de ses progrès par une correspondance détaillée et passionnée.

Vincent admire les peintres de scènes rurales. Il travaille un peu avec son lointain cousin Anton Mauve mais se fâche très vite avec lui. A La Haye et au bord de mer à Scheveningen, Vincent n'a plus d'autre influences que la nature et sa grande admiration pour Millet.

Vincent deviendra cependant un grand artiste parce qu'il est très sensible aux couleurs. A Scheveningen il prend l'habitude de peindre en plein-air avant, pendant et après les bourrasques. Les attitudes des femmes qui réparent les filets de pêche ressemblent aux paysans de Millet dans les champs, et ces grands filets étendus créent un sol multicolore. Le ciel tumultueux anticipe les chefs d'oeuvre de la fin de sa vie.

Le 4 juin à Paris, Artcurial vend Raccommodeuses de filets dans les dunes, huile sur papier 42 x 63 cm peinte en août 1882 et montée sur panneau, lot 14 estimé au-delà de € 3M. Voici le lien vers le communiqué de presse. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.



Women Mending Nets in the Dunes

15 mai 2018

Les Home Runs de Babe Ruth

En prenant seulement en compte les matches officiels de la MLB, Babe Ruth a réussi 714 home runs. Le home run est l'exploit le plus spectaculaire du baseball et la puissance de Ruth excitait les foules.

En 1927 les New York Yankees sont imbattables. Les six hitters Yankees reçoivent le surnom collectif de Murderers Row. Les amateurs suivent avec passion les home runs de Ruth et Gehrig.

Fin août Gehrig est en tête avec 45 home runs, un de plus que Ruth. Pendant tout le mois de septembre Ruth est déchaîné. Il veut faire mieux que son coéquipier et battre son propre record MLB de 59 home runs dans une seule saison établi l'année précédente. Ruth réussit son pari. Il enregistre son 60ème et dernier home run de la saison 1927 le 30 septembre.

Les collectionneurs de sport apprécient les équipements liés à un grand exploit. Le photo matching permet généralement de distinguer les maillots. Pour les battes c'est plus difficiles. La provenance permet d'identifier la meilleure hypothèse.

En 1927 Babe Ruth a acheté deux battes identiques à Hillerich and Bradsby, 35 3/8 inches et 38,8 oz. L'une d'elles est gradée Game Used 10 par PSA/DNA avec de nombreux impacts de jeu et une inscription à Joe E. Brown, un autre joueur des Yankees qui a arrêté après un accident pour devenir comédien à plein temps, incluant le cinéma à partir de 1928.

L'autre batte a été offerte au Baseball Hall of Fame par un écrivain du baseball qui l'aurait reçu de Miller Huggins, le manager des Yankees. Cette provenance est tout à fait plausible mais cette batte n'est pas inscrite.

Considérant l'exultation de Babe Ruth après son nouveau record, il apparait comme peu probable qu'il ait donné la batte de ce 60ème home run sans l'inscrire. Le spécimen Brown est ainsi le meilleur candidat pour la contribution à cet exploit. Elle sera vendue en ligne depuis Dallas par Heritage le 17 mai, lot 50316. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

14 mai 2018

Soixante Ans dans un Tonneau

En 1986 Macallan met en bouteilles un whisky single malt qui macérait depuis 60 ans dans son tonneau. L'opération produit environ 40 bouteilles de 75 centilitres, titrant 42,8 %.

Les whiskys de 60 ans ou légèrement plus constituent le plus grand prestige de la marque et la mise en bouteilles de 1986 est essentiellement réservée à des clients sélectionnés par Macallan. Peter Blake et Valerio Adami réalisent chacun le dessin d'une étiquette pour constituer deux séries de douze. Le reste des bouteilles n'est pas illustré.

Ce whisky de 1926 est particulièrement recherché parce qu'il apparaît comme le plus ancien Macallan restant disponible. J'ai retrouvé son goût dans un ancien article sur le web : un peu de fruit sec, un peu épicé, un peu de son tonneau de cherry espagnol en bois de chêne et une douceur caramélisée. L'expert de la société indiquait que ce goût était un des plus puissants qu'il lui ait été donné de tester.

Le 25 avril la presse spécialisée annonçait qu'une bouteille Blake et une bouteille Adami ont été vendues pour $ 600K chacune au même client dans une transaction privée par un détaillant à l'aéroport de Dubai.

Le 18 mai à Hong Kong, Bonhams vend deux autres bouteilles, chacune dans leur conditionnement protecteur 'tantalus' en laiton et verre. Chacune est estimée HK$ 3,6M. Le lot 381 a une étiquette par Blake et le lot 608 a une étiquette par Adami. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.