24 févr. 2018

Vingt-Quatre Coups dans la Toile

Sous le nom de Spazialismo, Lucio Fontana explore dès 1947 un art abstrait résolument minimaliste, ni réellement peinture ni réellement sculpture, qui lui permettra de déclarer qu'il a découvert la dimension cosmique, représentation artistique de l'infini. Les perforations plus ou moins grosses du support permettent à l'observateur d'imaginer l'au-delà.

En 1960 il lacère au cutter des toiles enduites d'une peinture à l'eau monochrome. Ce n'est pas de la perforation parce que la netteté du geste tranchant n'ôte pas de matière. C'est une porte qui va s'ouvrir vers la connaissance mystique. Il intitule Concetto spaziale - Attese (Concept spatial - attente) cette importante série qu'il exécutera en centaines d'exemplaires avec diverses couleurs jusqu'à sa mort en 1968.

Le geste du couteau devient un réflexe qui permet des cisaillements plus longs, plus droits et plus serrés, toujours verticaux ou légèrement obliques. Son habileté atteint son paroxysme en 1965. La suite de cette discussion décrit des Attese réalisés cette année-là.

Un Attese rouge 116 x 90 cm avec 14 coups de couteau sur deux rangs a été vendu pour $ 16.4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015. Un autre rouge 65 x 200 cm avec 24 coups en un seul rang a été vendu pour $ 16M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2015. Ces configurations n'ont pas été dépassées par l'artiste et sont sans doute des limites de technologie avant de risquer d'endommager la toile.

Le blanc est le symbole de la pureté. Un Attese blanc 80 x 100 cm avec 23 coups a été vendu pour £ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015.

Le 6 mars à Londres, Christie's vend un Attese de la dimension maximum avec 24 coups en un seul rang, lot 17 estimé £ 8M.

Cette oeuvre a des caractéristiques uniques. La toile peinte en blanc mat est inséré dans un cadre en bois laqué noir 68 x 202 x 5,5 cm qui inclut également une barre oblique. La laque luisante ajoute à l'illusion multidimensionnelle par la réflexion de la salle ambiante dans l'esprit des peintures miroirs de Pistoletto.

Fontana commentait ses meilleures oeuvres par une inscription autographe au dos. Il a écrit sur celle-ci "Hier Tro-tro Klein m'a rendu visite". Tro-tro est la veuve de Klein et la soeur d'Uecker. Fontana a réalisé une synthèse unique entre son spatialisme et les recherches du Groupe Zero sur la puissance expressive des monochromes blancs.

Tempête dans l'Espace

En 1990 Peter Doig termine ses études à la Chelsea School of Art. Il commence une peinture sur un thème audacieux qui réunira ses deux fascinations, pour sa propre mémoire et pour les émotions les plus fortes du cinéma. Il associe ainsi la boule de neige et l'énigme Rosebud de Citizen Kane à son enfance au Canada.

Il construit cette oeuvre comme une confrontation de mondes dominés par l'ovale central d'une tempête de neige qui repousse vers les bords de sa mémoire la cabane et la forêt. Les flocons sont dispersés sur ce fond à la fois sombre et légèrement transparent. Le flou renforce l'impression onirique.

Un agent de sécurité de l'école nommé Charley regarde et dit "Huh, Space". Il a vu un ciel étoilé et pas une tempête de neige. Loin de décourager le jeune artiste, cette interprétation erronée mais plausible l'enthousiasme. L'art pictural ne reflète pas une réalité mais une émotion préparée par l'artiste et qui peut être perçue différemment par l'observateur.

Terminée en 1991 cette huile sur toile 183 x 127 cm est intitulée Charley's Space. Elle fournira en 2003-2004 le titre d'une exposition solo à Maastricht : Peter Doig n'a pas oublié la leçon involontairement profonde de son visiteur. Elle est estimée £ 6M à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 27.

Monet savait montrer la surface transparente de son bassin. Doig devient le virtuose de la neige qui tombe, plus ou moins dense, avec plus ou moins de brouillard, mais désormais dans un univers plus homogène. Peint également en 1991 en réutilisant la cabane et la forêt, Pink Snow, 244 x 198 cm, est conservé au MoMA.

Peinte en 1994, une scène située à Cobourg est un aboutissement de cet effet d'ambiance. Cette huile sur toile 200 x 250 cm a été vendue pour £ 12,7M incluant premium par Christie's le 7 mars 2017.

Charley's Space est introduite avec une autre oeuvre dans la vidéo partagée par Christie's.

23 févr. 2018

Quinze Petits Panneaux d'Isorel

En 1949 par un article dans le magazine Life, Jackson Pollock devient un sujet de curiosité pour les Américains avides de construction d'un art nouveau. Sa méthode de dripping sur d'immenses toiles posées à plat sur le sol est unique en son genre. Physiquement et psychologiquement l'artiste devient partie intégrante de l'oeuvre en cours de conception.

Du fond de son atelier à Long Island, Pollock se fiche bien de sa nouvelle réputation. Soutenu par Lee Krasner qui contrôle sa sobriété, il a entière confiance dans sa propre créativité. Son art n'est pas limité à une gesticulation autour de grands formats.

Son frère Sanford "Sande" McCoy Pollock est imprimeur. Il lui reste d'une opération précédente quinze panneaux d'isorel 56 x 56 cm imprimés d'un côté avec un jeu de baseball. Il les donne à "Jack" au début de l'année 1950.

La texture du panneau est plus propice qu'une toile à l'enchevêtrement des couleurs vives de sa peinture à l'émail et aluminium. Pollock n'a plus besoin de travail préparatoire. Quand il crée au verso du jeu de baseball les textures éclatantes de son monde organique, il est en contact direct avec son oeuvre.

Le résultat lui convient à tel point qu'il renonce dans cette série à l'idée d'infini supportée par les grands formats : sur les bords l'isorel brut est conservé avec une netteté tranchante, probablement obtenue avec une épargne.

Number 12, 1950 a été vendu pour $ 18,3M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015. Number 21, 1950 est estimé £ 10M à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 28.

Trois Heures avec Beyoncé

Il y une place pour les groupes de petites filles dans la musique hip hop mais beaucoup sont intéressées et la concurrence est sévère. Girl's Tyme est fondé à Houston en 1990. Beyoncé, LaTavia et leurs deux copines ont 9 ans. Elles dansent et chantent, et imaginent des chorégraphies.

Des séquences sont filmées en 1992 en Californie pour un projet d'album. 19 bandes pour une durée totale de près de 3 heures ont fait surface en 2016. La qualité d'enregistrement est professionnelle. Le groupe est alors composé de six filles. Beyoncé a déjà le tempérament d'une meneuse avec une excellente présence sur scène et la capacité de jouer solo. Il est intéressant de la voir ainsi à l'aube de sa fabuleuse carrière.

Cet ensemble vidéo sera vendu en un seul lot incluant des copyrights. Cette collection inclut les deux montages vidéo qui ont été réalisés pour préparer une édition. Le lot est estimé £ 1,5M à vendre par Ted Owen à Londres le 13 mars en timed auction sur la plate-forme d'enchères Invaluable, lot 12.

Les filles sont bien jeunes et malgré leur enthousiasme le succès ne vient pas. Elles surmontent leurs déceptions et créent en 1995 le groupe Destiny's Child dont le premier album, sorti en 1998, est vendu à 500 000 exemplaires. Beyoncé a alors 17 ans.

Je vous invite à regarder les deux clips réalisés par la maison de ventes en novembre 2016 et février 2018.


22 févr. 2018

Un Bout de Papier pour une Grosse Dette

L'éphémère Demand Note était seulement échangeable contre des pièces du trésor fédéral. Ce fonctionnement n'était pas satisfaisant pour le gouvernement alors en pleine Guerre de Sécession. Cette première expérience amène à élargir l'application à presque toutes les opérations financières en 1862 avec la Legal Tender Note.

L'obligation inscrite sur le billet stipule cet usage libéralisé : This note is a legal tender for all debts public and private except duties on imports and interest on the public debt. Une variante dans une clause additionnelle est rapidement modifiée, permettant d'identifier les tout premiers exemplaires

La plus haute dénomination de la Demand Note était $ 20. Celle de la Legal Tender Note était $ 1000, un montant très élevé surtout destiné à des opérations de banque à banque.

Ce Legal Tender $ 1000 est identifié sous la référence Fr-186* dans la nomenclature de Friedberg. Aucun exemplaire n'a survécu avec la première obligation de février 1862 (Fr-186 et Fr-186a). Le plus ancien exemplaire connu est un unique Fr-186c portant la date imprimée du 10 mars 1862. Gradé Fine 15 par PCGS, il a été vendu pour $ 880K incluant premium par Stack's Bowers le 15 août 2013.

Trois billets Fr-186d, première variante avec la date d'impression modifiée au 10 mars 1863 et l'acte du 3 mars 1863, ont survécu. Le seul en mains privées n'a certainement jamais été utilisé et a conservé son embossage d'origine. Gradé Choice About New 58 par PCGS, il est estimé $ 800K dans la première vente de la collection Joel R. Anderson par Stack's Bowers à Baltimore le 22 mars, lot 1018.

Chartes de Couleurs Abstraites

En 1966 Gerhard Richter est occupé par l'anti-art. Pour le figuratif il copie ses photos floues. Cela ne suffit pas pour sa révolution picturale : il s'attaque aussi désormais à l'art abstrait.

Pour libérer l'abstraction de toute émotion, il imite les chartes de couleurs des marques de peinture industrielle, sans aucune fantaisie dans la composition géométrique. Les rectangles soigneusement alignés sont séparés par des bandes blanches.

Il commence l'année 1973 avec des monochromes gris puis tente de vrais dialogues abstraits entre le rouge, le jaune et le bleu. Au tournant de 1974 il se consacre à nouveau à ses Farbtafeln en laque sur toile dans lesquelles il supprime souvent les bandes blanches pour une stricte juxtaposition.

L'opus 359 peint en 1974 est le plus complexe et le dernier de cette série avec 254 x 254 cm et 4096 couleurs. Il a été vendu pour $ 3,7M incluant premium par Christie's le 11 mai 2004. L'autre extrême est le 353-1 20 x 20 cm avec 4 couleurs qui est aussi le premier sans bandes séparatrices

L'opus 357-2 peint en 1974, 121 x 124 cm avec 1025 couleurs séparées l'une de l'autre par les bandes blanches. Il a été vendu pour $ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008 et est estimé £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 7 mars, lot 8.

Le sommet est atteint en 2007 avec l'opus 901, 196 panneaux d'aluminium laqués de 25 carrés chacun formant quand ils sont tous assemblés ensemble un carré de 680 x 680 cm et 4900 couleurs en un intéressant exemple d'art ajustable par l'utilisateur.

21 févr. 2018

La Montagne Froissée

Rudolf Stingel sait que tout art est autobiographique. Il réutilise quatre photographies de lui-même par Sam Samore pour réaliser des auto-portraits géants à l'huile sur toile, dans une attitude sans complaisance. Untitled (after Sam) peint en 2006, 335 x 457 cm, a été vendu pour $ 10,6M incluant premium par Christie's le 17 mai 2017.

L'art pictorial avait réussi à se dégager du réalisme photographique. En 1963 Gerhard Richter a pris le contre-pied en utilisant comme modèles de ses peintures des photos ratées en mauvais état qui assurent un pont à forte signification sociale entre la banalité et l'art. Après ses auto-portraits Stingel retrouve aussi la banalité photographique mais dans un sens moins impersonnel.

Il est né à Merano dans les Alpes Tyroliennes du côté Italien et partage sa vie entre cette ville et New York City. Il peut bien sûr observer le panorama mais l'impression de son enfance a disparu. Il la ré-interprète en récupérant des photos anciennes qu'il agrandit démesurément pour révéler tous les défauts d'origine et de conservation. Il les copie ensuite sur toiles en respectant scrupuleusement les taches, les froissements, les rayures et les pertes de densité.

Avec ces photos banales dont l'auteur d'origine ne peut pas être connu, Stingel dévoile au visiteur un faux recoin de son univers, sans personnage et sans premier plan, et qui n'est même pas lié directement à sa mémoire. Dans la suite de sa carrière il brouillera encore plus sa relation avec le collectif et l'anonyme avec ses plaques de graffiti.

Le 7 mars à Londres, Sotheby's vend une huile sur toile peinte en 2009 sur le thème des montagnes du Tyrol re-photographiées. Avec son format 335 x 460 cm, cette vue désuète pourrait être confrontée aux photographies hyper-modernes d'Andreas Gursky. Elle est estimée £ 4M, lot 19.

Les Dollars Métriques

Un brevet est accordé en mai 1877 à William Wheeler Hubbell pour un alliage d'or, argent et cuivre nommé goloid destiné à remplacer l'alliage 90 % argent de la pièce de 1 dollar. Les officiels sont convaincus et les premiers dollars en goloid sont frappés en 1878. La masse de la pièce est gravée en système métrique (14,25 grammes) au côté des proportions : 1 G, 16.1 S, 1.9 C.

Pour accompagner le nouveau dollar de nouveaux multiples sont conçus en 1879. Le quart d'aigle de cinq dollars devrait être remplacé par une pièce de quatre dollars 6 G, .3 S, .7 C (7 grammes) surnommée la stella pour l'étoile qui orne son revers. L'avantage de la dénomination de quatre dollars est d'être directement échangeable pour huit florins.

Tout en haut de la gamme monétaire une matrice est créée pour la pièce de 20 dollars 30 G, 1.5 S, 3.5 C (35 grammes) connue sous le nom de quintuple stella. On notera que l'alliage des stellas et quintuples stellas est à trop forte proportion d'or pour être désigné comme un goloid.

Le brevet du goloid indiquait une difficulté accrue de contrefaçon. C'était naïf : il suffisait de supprimer l'or et d'augmenter le cuivre pour obtenir une pièce moins chère impossible à distinguer d'une vraie pièce de 1 dollar. Le gouvernement s'en rend compte en 1880 et stoppe le projet : le goloid, le dollar métrique et ses multiples sont morts et enterrés.

La stella n'a jamais été mise en circulation. Utilisée comme cadeau pour promouvoir le projet, elle n'est pas très rare et de nombreux exemples ont été manipulés. Ce n'est pas le cas des cinq exemplaires connus de la quintuple stella de l'unique frappe de 1879 qui sont toutes restées à l'état neuf, gradées PR 62 à PR 64+ par PCGS ou NGC.

Une pièce a été donnée au Smithsonian par Stack's. Un collectionneur possédait encore récemment les deux spécimens en condition deep cameo. Il conserve la meilleure. L'autre, gradée PR 64 par PCGS, a été vendue pour $ 1,88M incluant premium par Legend Rare Coin Auctions le 19 mai 2016.

L'une des cinq pièces avait été offerte par la US Mint à Hubbell. Gradée PR 62 par PCGS, elle a été vendue pour $ 860K incluant premium par Heritage en janvier 2007. Upgradée PR 63 Cameo également par PCGS elle sera vendue par Stack's Bowers à Baltimore le 22 mars, lot 2272.

20 févr. 2018

Vitesse et Luxe en Amérique

Les voitures de sports créées par Ferrari sont d'abord des conceptions recyclées des modèles de compétition. Les riches Américains sont friands de voitures luxueuses et puissantes et Ferrari crée à leur usage de 1951 à 1953 les petites séries 340 America, 342 America et 375 America.

Pour la compétition la 375 Plus avec son moteur V12 de 4,9 litres aurait dû être une 410 selon la nomenclature usuelle de la marque identifiant le volume métrique par cylindre. En 1955 la gamme 410 démarre formellement avec la 410 S pour la compétition et le prototype de châssis d'une 410 routière pour laquelle le moteur Lampredi de la 375 Plus a été adouci.

Pour cette voiture surpuissante le qualificatif America ne suffit plus pour attirer l'attention des clients. La 410 routière est ainsi la première Superamerica, la voiture commerciale la plus rapide de son temps. La production de ce modèle de haut de gamme est limitée à environ un châssis par mois. Pinin Farina est le carrossier préférentiel sans toutefois avoir l'exclusivité.

La sortie dans la même année 1956 du coupé 410 Superamerica et de la berlinette 250 GT crédibilise considérablement le haut de gamme de l'offre commerciale de Ferrari.

Le 9 mars à Amelia Island, Gooding vend la dernière des douze 410 Superamerica Série I, carrossée par Pinin Farina. Très parcimonieusement utilisée, elle n'a que 12 000 Km au compteur et a conservé sa carrosserie, son moteur, sa boîte de vitesses et son différentiel d'origine. Elle est estimée $ 5M, lot 36. Voici le lien vers le communiqué de presse.

La troisième et dernière petite série de 410 Superamerica en 1958 et 1959 est l'apogée du luxe des Ferrari à carrosserie fermée des années 1950. Sa concurrente en carrosserie ouverte est le cabriolet 250 GT Série I suivi de l'industrialisation en Série II.

La Muse de Boisgeloup

Picasso est ébloui par la blonde beauté de Marie-Thérèse Walter quand il la rencontre par hasard le 8 janvier d'une année qui n'a pas été identifiée avec certitude. Douce et docile, elle accepte de devenir sa muse. Picasso est marié avec Olga et ses relations avec Marie-Thérèse sont illégales. Prudemment Pablo attend avant de représenter sa petite amie dans des positions érotiques.

Marie-Thérèse atteint sa majorité légale le 13 juillet 1930, mettant ainsi fin au supplice de Tantale de son bouillonnant amant. Olga n'a pas encore découvert cette infidélité. Restant prudent, Picasso achète le château de Boisgeloup en juillet 1930 pour installer loin de Paris sa maîtresse et son second atelier. En 1931 il exécute de nombreux bustes où il exalte les rondeurs de la tête de Marie-Thérèse.

En janvier 1932 l'artiste ne peut plus restreindre ses pulsions érotiques. Le rôle de Marie-Thérèse est facile à tenir : Pablo l'adore quand elle dort. Le Rêve, célèbre par sa double lecture innocente et sexuelle, est peint le 24 janvier. Cette huile sur toile 130 x 97 cm a été vendue pour $ 44M par Christie's le 10 novembre 1997.

Début mars Picasso réalise une série de nus dormants, de mémoire à Paris ou devant le modèle à Boisgeloup. Le Nu, Feuilles vertes et Buste peint le 8 mars, 162 x 130 cm, est emblématique de cette série par son fini, avec des lignes simples et des couleurs pures qui veulent une fois de plus concurrencer Matisse. Il a été vendu pour $ 106M incluant premium par Christie's le 4 mai 2010.

Le 12 mars Le Miroir, 130 x 97 cm, introduit une nouvelle audace, la réflexion permettant de voir la femme en buste par devant et par derrière.

Le 13 mars La Dormeuse, 130 x 162 cm, est la dernière peinture de cette série. Synthèse des images du 8 et 12 mars, elle dégage la femme des accessoires inutiles remplacés par un simple coin de ciel bleu. Le format paysage permet la grandeur nature de ce nu couché. La torsion visuelle du corps assure la plénitude du désir de l'artiste qui exhibe à la fois le sexe et les fesses.

La Dormeuse a été réalisée à l'huile et au charbon, offrant la spontanéité d'un dessin. Elle conserve bien visibles les repentirs du trait, comme si l'artiste avait longuement observé les mouvements de sa muse dans son sommeil. Si c'est le cas, elle a été peinte à Boisgeloup. Cette oeuvre d'une intimité exceptionnelle a été conservée amoureusement par Picasso jusqu'à sa mort.

Elle est estimée £ 12M à vendre par Phillips à Londres le 8 mars, lot 10. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

'La Dormeuse': Picasso's Sleeping Nude from Phillips on Vimeo.