31 déc. 2014

Canaletto à Saint James's

Canaletto vendait des vues de Venise aux touristes anglais, très actifs dans les années 1730. Quand la guerre de succession d'Autriche réduisit les possibilités de voyages de ses client, il vint installer son atelier à Londres, en 1746.

Etant un étranger dans cette grande ville en perpétuelle transformation, il ne chercha pas à exprimer l'ambiance des quartiers et concentra son art sur un nombre limité de thèmes incluant les bords de la Tamise et la grande esplanade de Saint James's Park.

Sa vue des Horse Guards au bout de Saint James's est un des chefs d'oeuvres du maître par ses dimensions monumentales, 117 x 236 cm. Cette huile sur toile a été vendue pour £ 10M incluant premium par Christie's le 15 avril 1992. Elle est actuellement en prêt de longue durée à la Tate Gallery par la Andrew Webber Lloyd Foundation.

Canaletto y montre l'ancien bâtiment en briques rouges des Horse Guards. Deux esquisses qui ont été conservées montrent que l'artiste avait été intéressé par l'annonce de la destruction prochaine de ce bâtiment, en 1749.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une autre vue sur le même thème, moins panoramique et mieux centrée sur les Old Horse Guards et la verdure printanière du parc. Cette huile sur toile 47 x 77 cm est estimée $ 4M, lot 98.

Décidément passionné par ce sujet, Canaletto est revenu observer cette scène trois ans plus tard avec les échafaudages du nouveau bâtiment. Cette huile sur panneau 59 x 110 cm est restée invendue en 2012 par Dorotheum malgré une estimation basse raisonnable de € 2M.


L'Aigle en Cuivre de Joseph Wright

L'aigle sur globe est le modèle le plus rare de la monnaie Américaine. Une seule variante est connue, datée 1792, avec une population limitée à deux pièces de cuivre. Son attribution à Joseph Wright repose sur des éléments ténus mais convaincants.

La direction de l'Usine de Philadelphie avait été confiée à deux ingénieurs : David Rittenhouse fut le premier Directeur tandis que Henry Voigt était Superintendant et Chief Coiner.

Washington et Jefferson, voulant une monnaie de bonne qualité artistique, poussèrent l'implication du jeune Wright, âgé de 36 ans, qui fut nommé à la position moins formelle de First Draughtsman and Diesinker. La position d'Engraver également prévue par le Coinage Act était vacante mais certainement déjà réservée à Wright.

L'aigle sur globe est une monnaie d'essai, avec un texte limité et sans valeur faciale. Le débat pour le classer comme un cent ou comme un quarter dollar est encore ouvert. C'est incontestablement une pièce d'artiste, avec d'un côté un aigle dynamique et dominateur et de l'autre une Liberty au chignon plus plaisante que les versions officielles de l'époque aux cheveux flottants.

William Dunlap, qui fut un des premiers commentateurs des arts Américains, avait très certainement connu Wright puisque les deux artistes avaient été portraitistes du Général Washington au début des années 1780. Son témoignage concernant l'esquisse datée 1792 par Wright d'un projet de monnaie à l'aigle sur globe apparaît comme incontestable. La description diffère cependant légèrement par rapport à la seule variante connue.

Wright mourut le 13 septembre 1793 dans l'épidémie de fièvre jaune après avoir réclamé le paiement de plusieurs projets incluant deux essais d'un quarter dollar effectués à la demande de Rittenhouse. L'employé qui avait reçu cette demande avait constaté que les pièces étaient cassées.

Selon le Coinage Act, le quarter dollar est une pièce d'argent. Les deux spécimens en cuivre de l'aigle sur globe pèsent entre 175 et 180 grains et sont ainsi beaucoup plus légères qu'un cent, même après la dévaluation de 1793. Le diamètre, 29 mm, est presque cohérent avec les futurs quarters.

Il était courant de tester les matrices avec des matériaux différents. Les deux pièces survivantes pourraient être le résultat d'un essai satisfaisant sur cuivre avant l'échec d'une tentative sur argent dont il ne reste aucune trace nulle part.

La plus belle des deux pièces, gradée MS63 par NGC, est à vendre sans prix de réserve par Heritage à Orlando le 8 janvier, lot 5511. L'enchère atteint $ 1,5M hors frais une semaine avant la vente. Le second spécimen, gradé AU50, est conservé au Smithsonian.


30 déc. 2014

L'Echec Politique du Premier Cent

Le cent, petite monnaie valant 1/100 de dollar, était très attendu. Il devait apporter la preuve que le gouvernement fédéral saurait créer une monnaie adaptée à la vie de tous les jours. En mars 1793, onze mois après le Coinage Act, le cent est enfin émis.

La colère des publicistes est immédiate. Le revers constitué principalement d'un cercle de quinze maillons symbolisant l'unité des états est interprété comme une chaîne d'esclavage.

Ce symbole n'était pas nouveau, mais sa présentation au grand public interdisait une mauvaise interprétation politique. Il faut admettre cependant que le concepteur n'avait pas été adroit. Les essais confidentiels du Continental Dollar en 1776 prévoyaient la possibilité de remplir le cercle par un logo ou un blason, et les maillons ronds et pointillés n'étaient pas agressifs. Avec ses agressifs maillons ovales, le chain cent était insupportable.

L'usine de Philadelphie comprit immédiatement son erreur. Le chain cent fut utilisé pendant douze jours qui suffirent pour user les fragiles matrices déjà produites sous cette variante et à préparer son successeur, le wreath cent, dont l'élégant motif végétal était inattaquable.

Les enregistrements de l'usine indiquent une production de 36103 chain cents. Le wreath cent, qui ne fut finalement qu'un modèle de transition conçu pour une situation d'urgence, a été produit à seulement 63353 exemplaires.

Le dégoût inspiré par le chain cent contribue largement à ce que certaines pièces n'aient pas été manipulées et soient restées intactes, ce qui n'est pas le cas pour le wreath cent. L'exemplaire Eliasberg, gradé MS65 par PCGS a été vendu $ 1,38M incluant premium par Heritage le 4 janvier 2012.

Un autre des meilleurs chain cents n'était pas apparu aux enchères publiques depuis 1890. Il est à vendre par Heritage à Orlando le 7 janvier, lot 4011. Gradée MS66 par PCGS, juste au-dessus du grade du specimen Eliasberg, cette pièce est remarquable par sa gravure puissante et sa parfaite lisibilité rare pour ces petites pièces anciennes en cuivre.

La Parade du Progrès

La Parade du Progrès est une idée de l'ingénieur et inventeur Charles F. Kettering, chef de la recherche à General Motors depuis 1920. Visitant l'Exposition Universelle de Chicago en 1933,  il conçoit cette grande parade itinérante consacrée aux progrès techniques.

La première parade démarre en 1936. Les expositions sont installées pour deux à quatre jours dans les petites villes d'Amérique du Nord. Elles fonctionnent comme un cirque. Les conférences sont effectuées dans une grande tente avec plus de 1200 sièges. Les bus de parade exposent des équipements.

L'idée de 'Boss Ket' était éducative et généreuse. Les thèmes n'étaient pas limités à l'automobile, mais cette superbe opération de marketing a permis à General Motors de rencontrer en trois ans 12,5 millions de visiteurs dans 251 petites villes incluant le Canada, le Mexique et Cuba.

La Parade du Progrès est un grand succès, qui a permis à GM d'organiser son réseau de ventes dans toute l'Amérique du Nord. En 1940, les huit bus d'origine sont remplacés par douze énormes véhicules de 3,5 m de haut et 10 m de long, les Futurliners, fabriqués par GMC Trucks et carrossés par Fisher.

La guerre interrompt l'opération, et les Futurliners attendent jusqu'à 1953 pour partir en parade. Les techniques de communication ont déjà changé et l'opération, désormais moins efficace que la présentation directe des voitures dans les Motoramas, est stoppée en 1956.

Les Futurliners sont dispersés. GM en offrit deux à la Michigan State Police qui les utilisa pour la sensibilisation à la sécurité routière sous le nom de Safetyliners.

Un Futurliner a été vendu pour $ 4,3M incluant premium par Barrett-Jackson le 21 janvier 2006. Ce véhicule soigneusement restauré dans ses couleurs et inscriptions d'origine sera vendu sans prix de réserve au bénéfice de l'Armed Forces Foundation par la même maison de ventes à Scottsdale le 17 janvier, lot 2501.

29 déc. 2014

Brueghel du Paradis

Mort en 1569, Pieter Bruegel laissait deux très jeunes fils qui devinrent artistes à leur tour. Leurs carrières seront si différentes que l'aîné fut surnommé Brueghel d'Enfer et le plus jeune Brueghel du Paradis. Pieter Brueghel d'Enfer exploita les thèmes créés par son père et y fit des additions significatives.

Jan Brueghel fit un long séjour en Italie à l'époque où l'art baroque succédait au maniérisme. Il obtint le patronage du très jeune cardinal Federico Borromeo, qui devint archevêque de Milan en 1595. Plus intellectuel que théologien, le cardinal Borromeo sera en 1609 le fondateur de la Biblioteca Ambrosiana.

Inspiré par l'art et les paysages d'Italie, Jan Brueghel peignit vers 1594 ses premières vues du Paradis, avec un dessin souple et des couleurs plaisantes. Certainement conçues pour plaire au cardinal, elles montrent la variété des animaux dans leur proximité paradisiaque, en une interprétation très libre de la Création et de l'Arche. Le Paradis restera un de ses thèmes favoris tout au long de sa carrière.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une huile sur cuivre 27 x 36 cm, lot 54 estimé $ 3,5M. Datée 1596, cette peinture a probablement été réalisée juste avant le retour de Jan en Flandres la même année.

La scène est pleine de symboles. Les gentils animaux sont répartis entre l'avant-plan et l'arche où tous trouveront une place. De sages voyageurs prennent la même direction. Dans le fond de la scène, le village festif des pécheurs est une suite du célèbre style moral du père de l'artiste.

Mise au Point de la Monnaie Fédérale de Cuivre

Le Coinage Act du 2 avril 1792 établissait à la fois la monnaie Américaine et l'usine qui devait la produire, à Philadelphie. La première valeur émise, en juillet 1792, fut le half disme, parce que c'était la plus petite pièce d'argent. Cette opération qui impliqua directement le Président Washington était essentiellement politique, la faible quantité produite ne permettant pas une circulation effective.

Tous les efforts portèrent alors sur le cent, valant 1/100 de dollar, autorisé en cuivre par le Coinage Act. La brusque augmentation du prix du cuivre pouvait tourner à la catastrophe politique, juste au moment où les citoyens allaient s'impatienter de possibles retards dans la monnaie promise par le Congrès.

Cette panique de cuivre est à l'origine des essais bimétalliques cuivre-argent, le silver-center cent et le fusible alloy cent, deux conceptions qui étaient inadaptées à la production de masse.

Les essais de monnaie en cuivre ne sont pas abandonnés. Le Birch cent est très certainement testé à l'usine de Philadelphie à la fin de l'année 1792, dont il porte la date. Deux variantes en cuivre sont décrites par Judd et Pollock.

Des similitudes de dessin permettent de considérer que ce cent a été préparé par le graveur qui a réalisé le half disme. Le nom de Birch est gravé en bas du cou de la Liberty du cent. Il a été longtemps attribué à un anglais, mais cette hypothèse n'est pas cohérente avec l'autobiographie de ce miniaturiste qui n'était d'ailleurs pas médailliste.

La solution sera politique. Le 14 janvier 1793, le Congrès dévalue de 264 à 209 grains le poids du cent de cuivre. L'énigmatique Mr Birch disparaît de l'histoire de la monnaie. 264 grains correspondent à 17,1 grammes.

Neuf exemplaires du Birch cent de cuivre sont connus. Le 8 janvier à Orlando, Heritage vend les deux meilleurs spécimens sans prix de réserve. La pièce de variante Judd-4, gradée MS65 par NGC, pèse 220 grains. Son enchère atteint $ 1M hors frais une semaine avant la vente, lot 5504. La pièce de variante Judd-5 est le lot suivant, 5505, actuellement à $ 180K hors frais. Elle pèse 262 grains et est gradée MS61 par NGC.

La simple comparaison de poids de ces deux pièces, qui proviennent toutes deux de la collection Partrick, sont la plus belle démonstration du rôle fondamental exercé par le Birch cent dans le développement du cent Américain.


27 déc. 2014

Paysages Pré-Romantiques en Hollande

Le paysage gelé fut un des thèmes majeurs de la peinture Hollandaise du XVIIème siècle. Le pionnier fut Hendrick Avercamp, né à Amsterdam et installé à Kampen. Ses scènes étaient d'abord inspirées par les foules variées de Brueghel, puis il abaissa l'horizon pour mieux exprimer l'ambiance et la lumière.

Aert van der Neer, né également à Amsterdam, avait trente ans en 1633 à la mort d'Avercamp. Il apparaît comme son continuateur avec ses rivières ou canaux gelés dans un agréable environnement d'arbres, maisons et moulins animé de paisibles promeneurs et patineurs éparpillés dans une composition soignée. Une huile sur panneau 40 x 55 cm peinte à la fin des années 1640 a été vendue pour £ 2,65M incluant premium par Sotheby's le 4 décembre 2013.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une scène de rivière gelée au coucher du soleil, huile sur panneau 46 x 70 cm peinte par van der Neer vers 1660, lot 35 estimé $ 4M. La lumière chaude qui imbibe cette scène d'hiver rend secondaire les détails de la plaisante animation.

Van der Neer a raté sa carrière malgré une collaboration avec Cuyp. Ses clairs de lune n'intéressaient pas ses contemporains et il n'était pas considéré comme un artiste important.

Deux siècles plus tard, Andreas Schelfhout était le plus connu des paysagistes Romantiques hollandais. Il avait minutieusement étudié Ruisdael et Hobbema. Les temps avaient changé et Schelfhout obtint le succès avec des scènes similaires aux meilleures peintures de van der Neer. Une huile sur toile 96 x 145 cm peinte par Schelfhout en 1857, que j'avais discutée dans cette chronique, a été vendue pour € 480K incluant premium par Sotheby's le 13 décembre 2010.


26 déc. 2014

Le Rêve de Bonneville

Chaque année à partir de 1949, General Motors organise un show pour montrer au grand public l'automobile du futur. Le succès est tel qu'en 1953 cette exposition devient itinérante sous le nom très bien choisi de Motorama.

La Chevrolet Corvette a été ainsi dévoilée au Motorama de 1953. Conçue par Harley Earl, pionnier du concept car devenu chef du design à GM, elle était la promesse d'une voiture de sport entièrement Américaine. La Corvette sera une des plus grandes et plus durables réussites de l'histoire de l'automobile.

Le Motorama 1954 propose l'utilisation variée de carrosseries en fibre de verre. Earl a conçu un coupé massif, aux formes aérodynamiques, nommé Bonneville Special et attribué à Pontiac qui était depuis longtemps une division de GM.

Inspirée par les progrès de l'aéronautique, la Bonneville Special est une conception élitiste, contrairement à la Corvette. Son nom est inspiré par les marais salants de Bonneville UT où Malcolm Campbell avait établi son record de vitesse sur terre en 1935.

Deux exemplaires de la Bonneville Special ont été construits pour le Motorama 1954. L'une d'elles a été vendue pour $ 3M incluant premium par Barrett-Jackson en 2006. Ce concept car revient dans la même maison de ventes le 17 janvier à Scottsdale, lot 2500.

Cette carrosserie de rêve avait plu au public du Motorama. Le nom Bonneville a été réutilisé à partir de 1958 par GM pour un modèle régulier de Pontiac.

Le Specimen ASG du Double Aigle Saint-Gaudens

En 1905, le Président Theodore Roosevelt avait invité Augustus Saint-Gaudens à dessiner de nouvelles pièces de $ 20 et $ 10. Saint-Gaudens était un sculpteur, et il réalisa ses maquettes sous forme de médaillons à fort relief de 28 à 36 cm de diamètre.

La réduction à la dimension d'une monnaie fut la première étape difficile. La mise au point du processus de fabrication fut une prouesse technique. Le double aigle en Ultra High Relief nécessitait sept passages à la presse hydraulique. Entre deux passages, la pièce était recuite puis lavée à l'acide nitrique pour obtenir la meilleure pureté possible de la surface d'or. Le résultat était sensationnel du point de vue de la couleur et de la brillance de l'or.

Lors du premier essai en février 1907, l'une des matrices cassa pendant la fabrication de la quatrième pièce, fournissant l'argument nécessaire pour démontrer que la production de masse était impossible.

L'histoire ne s'arrêta pas là, tout simplement parce qu'il était tentant de renouveler l'exploit. Douze ou treize pièces supplémentaires ont été frappées entre mars et juillet 1907, et trois autres le 31 décembre 1907 juste avant la traditionnelle destruction des outillages à date périmée.

Augustus Saint-Gaudens était mort le 3 août 1907. La promesse informelle d'offrir un exemplaire à la succession Saint-Gaudens n'avait pas été tenue. Quand la veuve réclama, l'usine préféra se séparer d'une des pièces conservées dans son cabinet plutôt que de recréer l'outillage.

La veuve fit marquer les initiales ASG sur le bord de sa pièce, puis la confia en prêt de longue durée à l'American Numismatic Society. Récupérée bien des années plus tard par la succession Saint-Gaudens, la pièce vient de refaire surface. Dans un état presque parfait comme beaucoup d'exemplaires de ce modèle, elle est gradée PR68 par NGC et PCGS.

Elle sera vendue sans prix de réserve par Heritage à Orlando le 7 janvier, lot 4412. Deux semaines avant la vente, l'enchère atteint $ 1,3M hors frais. La seule pièce gradée PR69 (par PCGS) a été vendue $ 2,76M incluant premium par Stack's Bowers le 29 juin 2012.

25 déc. 2014

Lorraine par Albert Marque

Jeanne Margaine-Lacroix dirigeait depuis 1899 l'atelier de couture créé par sa mère Madame Margaine. Jeanne est une des premières à avoir réalisé des robes sans corset, dès 1908, amincissant la silhouette féminine. L'année suivante, les Ballets Russes de Diaghilev commencent à Paris leur première tournée internationale. La mode change pour toujours, avec Madeleine Vionnet et Paul Poiret.

En 1915, Margaine-Lacroix conçoit le projet d'une exposition de poupées dont elle réalisera les costumes. Les têtes de bébés, réalistes et expressives, sont confiées à Albert Marque, un sculpteur spécialisé dans les bustes d'enfants. Les biscuits sont réalisés à Sèvres.

Marque réalisa environ cent pièces qui sont les chefs d'oeuvres de la poupée française. La diversité des habits des filles et des garçons, provinciaux ou exotiques, royaux ou paysans, témoignent de la passion de Margaine-Lacroix pour l'histoire du costume. La couturière n'avait pas perçu la formidable qualité culturelle de ce projet. Une fois l'exposition terminée, elle mit ces pièces en vente avec un succès mitigé, et l'ensemble ne pourra jamais être reconstitué.

Le 12 juillet 2009, un garçon portant un costume des Ballets Russes était vendu $ 263K incluant premium par Theriault's.

Le 10 janvier à Newport Beach CA, la même maison de ventes vend Lorraine, numéro 94 de la série, signée par Albert Marque. Inspiré par Louise de Lorraine qui fut la dernière reine de France de la dynastie des Valois, son costume somptueux entre à la fois dans la catégorie du régionalisme et de la royauté.

Cette poupée haute de 56 cm est estimée $ 160K, lot 17 au catalogue de Theriault's également partagé sur la plate-forme d'enchères Proxibid. Elle est la seconde des deux poupées discutées par Florence Theriault sur la vidéo partagée sur YouTube par la maison de ventes :

24 déc. 2014

Une Verticale de Shekels

La cité insulaire Phénicienne de Tyr était célèbre pour ses activités commerciales. Elle produisait une teinture pourpre unique au monde qui était appréciée de toutes les royautés. Pendant un millénaire, elle maintint sa prospérité malgré des rattachements politiques variés.

L'affaiblissement des Séleucides apporte à Tyr une autonomie presque totale. Le calendrier de la ville commence avec cet événement, 126 ans avant l'origine de notre datation actuelle. La transformation de la région en province Romaine 62 ans plus tard modifie peu l'autonomie de la ville. La monnaie est constituée de shekels et demi shekels d'argent.

Pour le plaisir des numismates de notre temps, les shekels de Tyr sont datés, et portent des monogrammes qui se rapportent très certainement à l'atelier et à l'autorité de production.

Pendant presque deux siècles, les shekels de Tyr ont maintenu une grande régularité de dimension (environ 25 mm), poids (autour de 14 g) et illustration (d'un côté le buste lauré du héros Phénicien Melqart, de l'autre un aigle debout). Cette remarquable qualité de production a permis aux shekels de Tyr de devenir la monnaie de référence en Palestine, incluant la Judée.

Un expert a constitué une collection de shekels de Tyr avec une pièce par année couvrant la période traditionnelle de la vie de Jésus de Nazareth, entre 122 et 159 du calendrier de Tyr. Ces 38 pièces sont vendues en un seul lot par Heritage à New York le 5 janvier, lot 30932 avec un prix de réserve de $ 125K hors frais.

21 déc. 2014

Un Super Snake pour la Route

L'assemblage d'un moteur et d'une boîte de vitesses Ford sur un châssis construit en Angleterre par AC Cars était la formule gagnante trouvée par Carroll Shelby pour atteindre la suprématie dans les courses automobiles. Un coupé Shelby Daytona construit en 1965 a été vendu pour $ 7,7M incluant premium par Mecum le 15 août 2009.

En 1965, Shelby lance le roadster Cobra 427 dont 23 exemplaires seront consacrés à la compétition. 427 est le volume en pouces cubiques de son moteur Ford, 7 litres en système international. Tout comme les variantes Competizione par Ferrari à la même époque, ces voitures Shelby ne sont pas équipées des accessoires inutiles en course comme les pare brise, pare chocs et pot d'échappement et ne sont pas homologuées pour la route.

L'une des 23 voitures, terminée en roadster de compétition en septembre 1965, a eu un destin différent. Après un tour d'Europe promotionnel qui dura plus d'un an, elle revient aux Etats-Unis où elle est transformée en version semi-compétition (SC), rejoignant le haut de gamme des voitures Shelby d'utilisation routière.

Ce véhicule spécifique est cependant un hybride, ayant conservé certaines de ses caractéristiques de compétition pour l'usage et la curiosité personnels de Carroll Shelby qui souhaitait pousser au maximum sa performance sur route.

Cette Shelby Cobra de style Super Snake a conservé ses équipements d'origine incluant le bloc moteur. Elle a été vendue pour $ 5,5M par Barrett-Jackson le 21 janvier 2007. Elle est à vendre le 17 janvier à Scottsdale par la même maison de ventes, lot 2509.

La Cobra 427 Super Snake est une des plus grandes raretés. La seule autre voiture réalisée dans cette configuration avait subi la transformation inverse : c'était une routière modifiée pour faire plaisir à une célébrité du show-biz qui finalement n'en a pas voulu. Elle a été détruite accidentellement en tombant d'une falaise.


17 déc. 2014

Blanche Neige dans le Chalet des Nains

Mickey est populaire, mais les modes changent vite et les difficultés économiques sont une menace permanente. Avec Blanche Neige et les Sept Nains, Walt Disney conçoit en 1934 un projet cinématographique d'une ambition inégalée.

Ce premier long métrage produit par Disney Studio, durant 83 minutes, est sorti le 21 décembre 1937 après quatre ans de développement et de production. Les banques avaient eu raison de faire confiance à Disney : le succès est éclatant.

Disney avait compris que le public ne verrait que la qualité du résultat. Il lui fallait atteindre la perfection. Pendant les quatre années du projet, il développa un nouveau métier et forma à l'animation plusieurs centaines d'artistes. Le dessin animé, considéré jusque-là comme un amusement pour chambre d'enfant, est devenu un art.

Le 19 décembre à Calabasas, Profiles in History vend une planche de Blanche Neige montrant Blanche Neige avec les Sept Nains à l'intérieur du chalet, estimée $ 100K, lot 552 sur le catalogue partagé par LiveAuctioneers . Cette pièce 43 x 66 cm est constituée du fond de scène, des cellulos ajustés aux contours des personnages et du textile servant de cadre avec une ouverture 30 x 50 cm.

Elle a sans doute été assemblée dans sa configuration actuelle par Courvoisier Gallery pour servir de master de l'édition de cette image. Réalisée à partir d'éléments de production, cette scène sympathique est un excellent témoin de la technique utilisée par Disney Studio pour Blanche Neige.

14 déc. 2014

La Tactique Militaire de Philippe Pétain

En 1914, Philippe Pétain est un colonel proche de la retraite, qui a fait une grande partie de sa carrière comme professeur de tactique à l'Ecole Supérieure de Guerre. Il se fait remarquer par son opposition tenace au dogme officiel de l'armée française préconisant l'offensive massive.

Il est un exemple extraordinaire d'un professeur militaire qui, une fois appelé au combat, a utilisé ses propres théories pour générer la victoire. Sa vision était globale, incorporant la logistique, la communication et l'aviation. Ses offensives ciblées, considérées comme moins meurtrières, ont permis la victoire à Verdun en 1916 et le maintien du moral des soldats français lors des désastres de l'année suivante.

Le 6 août 1918, Foch est élevé à la dignité de maréchal de France, ce qui renforce son autorité lors de la phase finale de la guerre. Juste après l'armistice, Foch est élu à l'Académie Française et Pétain devient à son tour maréchal de France. Il ne fait aucun doute que Pétain accueillit mal cette priorité donnée à Foch.

Pétain est un professeur, qui cherche à analyser les événements avec objectivité, et aussi avec une extrême froideur qui est parfaitement en ligne avec son caractère. Il conçoit alors le projet d'écrire l'Histoire du soldat à travers les âges, voulant ainsi établir le fait que la guerre n'est pas limitée aux actions des généraux et ne peut pas se faire sans les hommes.

Il commence ce travail en rédigeant sa propre vision de tous les événements de la Première Guerre Mondiale, sans limiter son étude à sa propre participation. Il a un profond dédain pour les mémorialistes.

L'écriture de La Guerre Mondiale 1914-1918 a été terminée à une date non identifiée entre 1920 et 1923. Pétain ne la publia pas, peut-être en raison de difficultés avec De Gaulle, et ce projet resta secret jusqu'à la découverte du manuscrit autographe en 2006.

Ce document est constitué de 351 pages divisées en 47 chapitres, quasiment sans rature, et incluant 77 croquis d'une remarquable exactitude géographique montrant les positions et les mouvements des armées. Il est estimé € 250K, à vendre par Sotheby's à Paris le 18 décembre, lot 157.


13 déc. 2014

Libellules et Flammes d'Or

Le 17 décembre à New York, Sotheby's vend une lampe de table Dragonfly par Tiffany Studios, lot 218 estimé $ 600K.

Réalisé vers 1910, ce grand modèle haut de 83 cm offre des évolutions majeures par rapport aux lampes du début de la décennie. Le motif s'éloigne de plus en plus du réalisme sans pourtant devenir réellement abstrait.

Tout est conçu pour que la lumière crée des effets spectaculaires. Les éléments en verre de l'abat-jour sont en couleurs saturées dominées en haut de la pièce par des flammes d'or. La forme de la base en tronc d'arbre a été abandonnée au profit d'une structure massive et bulbeuse ornée de cabochons pour accompagner la lumière.

Le diamètre de l'abat-jour, 22 5/8 inches (57 cm) est un des plus grands qui aient été proposés par Tiffany pour des lampes de table. Le bord bas de l'abat-jour est moins irrégulier que pour les Wisterias, avec des ondulations douces formées par les corps et les ailes des libellules.

10 déc. 2014

Deux Glycines Consécutives

En Europe et en Amérique, l'Art Nouveau est indissociable du progrès de l'éclairage électrique. Louis Tiffany et Emile Gallé filtrent la lumière par des parois de verre qui créent des effets chatoyants. La beauté de la nature inspire les artistes, avec réalisme chez Gallé et une représentation plus stylisée ou Japonisante chez Tiffany.

L'équipe des Tiffany Girls est chargée de préparer et couper les plaques de verre. Elle est dirigée par Clara Driscoll, dont le talent de conception a été décisif pour le développement des plus complexes et des plus beaux abat-jour de Tiffany Studios.

Pour la fin de l'année 1901, la lampe de table Wisteria est prête pour la commercialisation. Sa caractéristique la plus innovante est le bord élégamment irrégulier de son abat-jour, pour laquelle la glycine a servi d'inspiration. Cet assemblage individuel d'environ 2000 éléments colorés est un tour de force artisanal.

Le grand modèle de Wisteria, mesurant 18 inches de diamètre, est le produit le plus prestigieux, bien que Tiffany Studios ait produits des pièces plus grandes pour les lampes Cherry Trees et Dragonfly.

Les collections peuvent procurer des joies intenses. Sandra van den Broek, qui s'était spécialisée dans les lampes de Tiffany, acheta à plusieurs années d'intervalle dans des circonstances différentes deux Wisteria 18" qui avaient un numéro de série adjacent, et dont les caractéristiques des éléments colorés montraient qu'ils avaient été coupés sur les mêmes plaques de verre.

Le 17 décembre à New York, Sotheby's vend sept lampes qui avaient appartenu à van den Broek. Les deux Wisterias sont vendues séparément, ce qui n'est pas illogique puisqu'elles n'avaient pas été conçues pour être utilisées en paires. Chaque Wisteria est estimée $ 700K, lots 215 et 216. Ce modèle a été produit de 1901 à 1905. Le numéro Tiffany ne permet pas d'identifier une date plus précise.

Je vous invite à jouer la vidéo de Sotheby's introduisant la vente :

7 déc. 2014

Portraits Allemands

Photographe portraitiste installé à Cologne, August Sander construisit en parallèle une grande série d'images du peuple Allemand montré au travers de ses métiers, sous le titre générique Menschen des 20. Jahrhunderts.

L'idée très sociale de ce fils de mineur était de témoigner que la dignité des hommes avait pu survivre à la Première Guerre Mondiale. Il publia une sélection de 60 de ses Menschen en 1929 sous le titre Antlitz der Zeit (visages de notre temps), anticipant de 26 ans la grande compilation de Steichen sur The Family of Man.

Handlanger, le porteur de briques, est une image importante de cette sélection. L'ouvrier au regard droit exécute son travail sans se plaindre de son fardeau, dans une attitude naturelle qui exclut la fierté.

Une épreuve 21 x 15 cm datée 1927 de Handlanger, montée sur papier et protégée par un vélin, a été vendue pour £ 265K incluant premium par Sotheby's à Londres le 27 octobre 1999, dans la première partie de la vente de la collection Jammes. Elle est estimée $ 350K, à vendre par Sotheby's à New York le 11 décembre, lot 16.

La même vente inclut un portrait 28 x 20 cm du peintre Anton Räderscheit, lot 36 estimé $ 150K. Bien introduit dans les milieux d'artistes progressistes, Sander, qui avait fait plusieurs portraits d'Otto Dix, fut malmené par les Nazis et beaucoup de ses photographies ont été détruites.

6 déc. 2014

L'Enfant Gâté du Pictorialisme

Alvin Langdon Coburn commença sa carrière de photographe très jeune, avec le support de son cousin F. Holland Day.

Le pictorialisme avait été la dernière grande avancée du siècle précédent, privilégiant l'ambiance et l'intimité et négligeant l'intérêt documentaire. Coburn est un des derniers pictorialistes, mais son minutieux travail à la chambre noire permet des effets nouveaux.

Réalisée en 1905, Shadows and reflections, Venice, est sa plus célèbre image de cette période. Le petit pont Vénitien n'est pas identifiable. Une femme occupe sagement le point fort de la composition. Une double exposition du positif avec deux techniques différentes casse le réalisme au profit de l'onirisme en introduisant une teinte chaude et en brouillant l'avant-plan des reflets dans le canal.

Cette image a été publiée par Camera Work en 1908. Dans le même numéro, un commentateur anonyme qui était probablement Stieglitz traitait Coburn de favored child, consacrant indirectement le fait que ce non-conformiste était même en avance par rapport à la Photo Secession.

Un tirage 36 x 29 cm a été vendu pour $ 365K incluant premium par Christie's le 27 avril 2004. Cette photo revient en vente chez Sotheby's à New York le 11 décembre, lot 11 estimé $ 350K.

Coburn continua ensuite son oeuvre de pionnier. En 1913, Octopus est son chef d'oeuvre. L'image de ce parc est figurative, mais la réinterprétation des allées en bras de la pieuvre fascine l'observateur. En 1917, ses Vortographs réalisés au travers d'un ensemble complexe de miroirs anticipent les recherches abstraites et géométriques du Bauhaus, du constructivisme et de Man Ray.

5 déc. 2014

Le Garage de la Famille Jobs

La séquence très rapide d'évènements qui a mené en 1976 à la production par Jobs et Wozniak de l'Apple I, le premier personal computer pré-assemblé, est devenue légendaire. Après la fructueuse rencontre de Wozniak avec les passionnés d'électronique du Homebrew Computer Club à Palo Alto, les deux Steves conçoivent leur produit.

On connaît aussi la condition mise par Paul Terrell qui venait de fonder la boutique spécialisée Byte Shop : il accepte de prendre 50 cartes-mères à $ 500 chaque à condition que le délai de fabrication soit inférieur à trente jours. Les deux Steves mobilisent tous leurs proches pour répondre à cette exigence, dans leurs appartements et leurs garages, sans avoir le temps d'aménager un atelier. En juillet, l'Apple I est commercialisé à $ 666,66, un chiffre choisi par Wozniak pour porter chance.

Quelques-uns des 200 Apple I sont encore en fonctionnement sans avoir subi de réparation. Leur prix aux enchères n'a pas cessé de monter. L'un des 50 fournis à Byte Shop a été vendu $ 900K incluant premium par Bonhams le 22 octobre 2014. Il était accompagné de sa cassette d'interface Apple d'origine.

Un autre Apple I remarquable est estimé $ 400K à vendre par Christie's à New York le 11 décembre, lot 34. L'invention des deux jeunes gens attirait la curiosité. Cet exemplaire a été vendu directement par Jobs à un voisin dans le garage de ses parents à Los Altos le 27 juillet 1976.

La carte-mère est accompagnée du manuel d'utilisation Apple. Son état de fonctionnement a été vérifié par un expert.

Scandale au Milieu des Roses

Dante Gabriel Rossetti se tenait à l'écart de toutes les conventions artistiques. Dans les années 1860, avec la complicité de Swinburne, il s'intéresse à représenter la femme idéale comme dominatrice et sensuelle.

En 1868, il peint Venus Verticordia, un terme latin qui signifie que la déesse joue un rôle de protectrice de la chasteté féminine. Cette peinture est le plus important nu réalisé par Rossetti et un chef d'oeuvre de symbolisme érotique.

La femme guerrière est autoritaire. Elle tient fermement deux armes. Sa pomme a jeté une telle discorde chez les hommes qu'elle a généré la guerre de Troie, et pourtant le fruit nourrit pacifiquement ou sournoisement le papillon. La flèche de Cupidon fait tout autant de ravages. Elle la tient avec ambiguïté comme si c'était aussi le poignard de Lucrèce.

La pomme mène à Eve, et ce n'est pas un hasard si l'abondante chevelure rousse de la Vénus de Rossetti est entourée d'un halo. L'année précédente, son Christmas carol avait déjà abordé le thème de place de la femme dans la civilisation chrétienne.

Sous les seins nus, le corps de Vénus est caché par un abondant buisson de roses, symbole de volupté. John Ruskin est entré dans une rage folle quand il a vu les fleurs sur cette peinture.

Il avait sans doute raison de ne pas y voir seulement un symbole pré-Raphaélite. Depuis son mariage raté par absence de consommation en 1846, son approche de la femme était un sujet de moqueries. Une récente tentative pour recommencer sa vie venait tout juste d'échouer, avec une très jeune femme prénommée Rose.

La Vénus de Rossetti a fort heureusement plu à d'autres amateurs et l'artiste en a réalisé quelques répliques. Une aquarelle 67 x 59 cm également datée 1868 est estimée £ 1M, à vendre par Sotheby's à Londres le 10 décembre, lot 8.

4 déc. 2014

La Rose Patriotique d'Emile Gallé

Emile Gallé était passionné par la nature en qui il voyait la source de toute vérité. Il maîtrisait le verre, le cristal, la céramique et le meuble et son oeuvre est extrêmement abondante. Il travaillait à Nancy, et sa sensibilité sociale l'éloignait de l'art officiel.

Sa verrerie réputée est le résultat d'une amélioration continue des techniques. Il décore les surfaces de verre avec des applications volumineuses qui apportent un réalisme tridimensionnel aux fleurs et aux fruits sans fragiliser la pièce. En 1898, il brevète la marquèterie de verre consistant à injecter de petites inclusions dans la pâte en fusion. Les pièces les plus importantes sont ciselées lorsque le travail du verre ou du cristal est achevé.

Avant l'époque industrielle de sa cristallerie, chaque oeuvre est unique mais il a des thèmes préférés pour des raisons littéraires, poétiques, sociales ou patriotiques. Autour de 1900, la rose de France illustre certaines de ses verreries les plus complexes. Cette Rosa gallica a la réputation d'être en France depuis des siècles, mais aussi d'avoir un territoire limité à une région proche de Metz qui fait alors partie de l'Alsace-Lorraine annexée par les Allemands.

Le 16 décembre à New York, Phillips vend un somptueux vase Rose de France, lot 116 estimé $ 400K. Haut de 44 cm, il a une forme double balustre avec deux renflements inégaux, le plus important étant au niveau de l'épaule.

Marilyn, la Sixième Enchanteuse

Pour son dernier numéro de l'année 1958, le magazine Life prévoit de publier des photos où les grandes enchanteuses de la scène et du cinéma seront jouées par une actrice moderne. Richard Avedon se met au travail. Devant son appareil photo, Marilyn Monroe jouera les cinq rôles avec la complicité active de son mari, Arthur Miller, qui prépare un texte.

Ces cinq séductrices méritent d'être listées car elles constituent l'histoire de la femme fatale : Lillian Russell, Theda Bara, Clara Bow, Jean Harlow et Marlene Dietrich. En 1917, le jeu osé de Theda Bara dans Cléopâtre, film censuré et maintenant perdu, avait enflammé les esprits des premiers cinéphiles. Elle avait été surnommée la Vamp, un mot tiré de Vampire qui devint bientôt d'usage courant pour désigner les bombes sexuelles du cinéma.

Marilyn s'est beaucoup amusée sur ce projet. Il n'était pas évident pour une jeune femme moderne de réincarner Theda Bara quarante ans après sa gloire, mais le costume de harem suffisait pour apporter la vraisemblance. Marilyn prend la pose avec la langueur nécessaire. Ce costume est estimé £ 300K, à vendre par Christie's à Londres le 16 décembre, lot 10.

Il est constitué de trois éléments dans des couleurs provocantes pour donner une idée de luxe et même de luxure : une coiffure, un soutien-gorge et une longue jupe. Le nombril parfaitement dégagé accentue la ressemblance avec l'une des plus fameuses images de Theda Bara.

Quelques semaines plus tard, le projet de la plus grande superproduction de l'époque, qui sera le Cléopâtre de Liz Taylor, est annoncé. Marilyn tenta en vain d'utiliser la photo de Life pour obtenir le rôle principal.

3 déc. 2014

La Gloire de Milou au Petit Vingtième

En 1928, le quotidien belge Le Vingtième Siècle crée le Petit Vingtième, un supplément pour la jeunesse paraissant chaque jeudi, et en confie la rédaction à Georges Remi, âgé de 21 ans, déjà connu sous son pseudonyme Hergé.

Tintin apparaît en 1929. Jusqu'à la disparition du Vingtième Siècle en 1940 pendant l'occupation Allemande, le Petit Vingtième voit le développement progressif de l'art d'Hergé, qui lui consacre toute son énergie et tout son talent.

L'image devient simple et lisible, avec un trait noir d'épaisseur constante qui accueillera après la guerre la couleur en cloisonné et qu'on nomme maintenant la ligne claire d'Hergé. La première histoire qui n'aura pas besoin d'être re-dessinée est L'Oreille Cassée, en 1937-1938.

Le Vingtième Siècle est un journal monarchiste et l'analyse à peine masquée des événements politiques à travers les aventures de Tintin est la bienvenue. En 1938-1939, le Sceptre d'Ottokar est une réaction directe à l'Anschluss. La menace des dictatures contre le roi de Syldavie est une incitation pour les Belges à aimer et protéger leur roi.

Le 14 décembre en duplex à Bruxelles et Paris, Millon vend le dessin original 22 x 25 cm à l'encre de chine et crayon bleu d'une couverture du Petit Vingtième, parue le 20 juillet 1939, lot 30 estimé € 350K, illustré sur l'article partagé par Le Soir. Comme beaucoup de dessins originaux d'Hergé, il a été dédicacé longtemps après quand l'artiste l'a donné à un ami.

Ce grand dessin est important pour deux raisons. Il est un très bel exemple de la ligne claire d'Hergé, parfaitement maîtrisée juste avant la seconde guerre mondiale. Il montre une scène hautement émotionnelle du Sceptre d'Ottokar, quand Milou sauve la monarchie en rapportant au roi le sceptre volé.

Neige sur le 291

Après la période documentaire, le pictorialisme tente d'élever la photographie au niveau des arts majeurs.

En 1902, quand il fonde le mouvement de la Photo-Secession et lance le magazine Camera Work, Alfred Stieglitz offre cependant une voie différente. Le thème n'a plus de limite, permettant toutes les audaces d'angle et de composition. La perfection des négatifs et des tirages n'est pas seulement un exploit technique : elle doit permettre d'approcher de plus en plus près la réalité de la vision, et susciter l'émotion.

Stieglitz et Steichen réussissent à photographier l'impossible : la pluie, la neige, la nuit. En 1904, Edward Steichen photographie un étang au clair de lune. Un tirage 40 x 50 cm au platine a été vendu pour $ 2,9M incluant premium par Sotheby's le 14 février 2006.

Réalisé en 1915 par Stieglitz, Out of window - 291 - NY est également une image importante. Il a neigé sur 291, le nom de la galerie de Stieglitz au 291 5th avenue. L'artiste regarde l'arbre par la fenêtre. Il attend le crépuscule pour obtenir la meilleure lumière sur les branches avant que le fond soit obturé par le noir de la nuit. Un tirage au platine 25 x 20 cm est estimé $ 400K, à vendre par Sotheby's à New York le 11 décembre, lot 8.

Stieglitz était si satisfait de l'ambiance de cette photographie qu'il offrit à Charles Sheeler un autre tirage, que Sheeler donna plus tard au Museum of Modern Art.

2 déc. 2014

Antoine, dessine-moi un Astronome

Antoine de Saint Exupéry, après ses récits d'aviation, est devenu le conteur philosophique de la vie moderne avec un seul livre paru simultanément en anglais et en français à New York en 1943 : le Petit Prince.

L'idée de l'auteur est profondément originale. L'enfant a encore une logique que les adultes ont perdu. Saint Exupéry cherche dans ses plus anciens souvenirs pour développer sa propre conception du monde, assez simple pour intéresser les enfants et cependant suffisamment complexe pour que les grandes personnes cherchent et trouvent des significations hermétiques.

L'idée de ce livre était venue quelques mois plus tôt quand l'éditeur Curtice Hitchcock avait observé l'écrivain occupé à dessiner sur la nappe du restaurant. Saint Exupéry réalisera lui-même les illustrations volontairement enfantines du Petit Prince, à l'encre et à l'aquarelle, indissociables du texte.

L'astronome Turc est un personnage politiquement important du conte. Il a découvert le minuscule astéroïde du bout du monde sur lequel réside le Petit Prince, mais les grandes personnes ne l'ont pas cru parce qu'il n'était pas habillé à la mode occidentale.

Le dessin original 21 x 24 cm de l'une des illustrations du Petit Prince est estimé € 400K, à vendre le 9 décembre à Paris par Artcurial, lot 365. L'astronome explique sa découverte devant un paperboard couvert de formules mathématiques. L'image est montrée sur l'article partagé par BFMTV.

Les Pharmaciens d'Atlanta

La recette du French Wine Coca est inventée à Atlanta en 1885 par John Pemberton. Ce pharmacien vétéran de la Guerre Civile cherche à apaiser les douleurs de ses anciennes blessures tout en échappant à la morphine par un mélange de vin et de coca. Son sirop est disponible à la soda fountain d'une pharmacie locale.

Paradoxalement, une interdiction provisoire de l'alcool l'année suivante à Atlanta précipite le succès de la nouvelle boisson. Le vin n'est plus utilisé et le nouveau nom de Coca-Cola est trouvé par un associé de Pemberton, Frank Robinson qui conçoit aussi un beau logo accrocheur aux deux C énergiques.

Un autre pharmacien d'Atlanta nommé Asa Candler, spécialisé dans la préparation des médicaments pour un drugstore local, rachète la formule du Coca-Cola à Pemberton en 1888 et développe une intensive stratégie publicitaire qui ouvrira une des plus grandes success stories Américaines. Candler sera plus tard maire d'Atlanta.

Le 5 décembre à Denver PA, Morphy vend un calendrier publié par Asa C. Candler & Co pour l'année 1891, vantant les mérites du Coca-Cola, lot 481 sur le site de la maison de ventes et sur la plate-forme d'enchères en ligne LiveAuctioneers.

Cette édition connue par ce seul exemplaire est le plus ancien calendrier publicitaire identifié pour le Coca-Cola, avant même la création de la Coca-Cola Bottling Company qui eut lieu en 1892. Cette pièce unique avait appartenu très tôt à une collection pharmaceutique, et est restée dans un état quasiment parfait. Elle est estimée au-delà de $ 100K.




1 déc. 2014

La Tête d'une Reine de France

A la fin du Moyen-Age, le gisant est la forme la plus courante de l'art funéraire des rois de France et de leur famille. Pour des raisons de conservation des chairs, le corps, le coeur et les entrailles donnent lieu à trois tombes séparées installées dans des lieux ecclésiastiques différents.

Les sculpteurs spécialisés sont appelés les tombiers. Pendant le règne de Charles V le Sage, ces réalisations sont confiées à deux artistes concurrents, André Beauneveu et Jean de Liège.

L'identification du personnage représenté ne permet pas une datation précise. D'une part, certains monuments ont été réalisés ou refaits longtemps après la mort. Ainsi le tombeau de la jeune Marie de France morte en 1341 a été terminé par un assistant de Jean de Liège après la mort de l'artiste survenue en 1381. A l'inverse, le gisant de corps de Charles V a été commandé de son vivant à Beauneveu dès 1364.

Le double tombeau de corps de Charles V, mort en 1380, et de sa femme Jeanne de Bourbon, morte en 1378, était un des plus opulents de la basilique funéraire de Saint-Denis. Lors de l'exhumation des rois de France en 1793, la statue du roi a été sauvée mais celle de la reine a été démantelée, très certainement pour faciliter un usage commercial.

Le 11 décembre à Paris, PIASA vend une tête de femme en marbre provenant d'un gisant, lot 26 estimé entre € 500K et 1M.

Les traits idéalisés ne permettent pas une identification mais leur style permet une attribution à Jean de Liège ou son atelier. Le front haut et la coiffure tressée sont à la mode en vigueur dans les années 1370, et l'échelle relativement grande est la même que celle de la statue du roi. Tous ces éléments convergent pour considérer que ce fragment 23 x 21 x 19 cm récemment retrouvé est la tête du gisant de corps de la reine Jeanne à Saint-Denis.

Le communiqué de presse de la maison de ventes présente en annexe un important dossier en français et en anglais par l'expert Laurence Fligny.

Un Cabinet Florentin à Augsbourg

Au début du XVIIème siècle, Florence et Augsbourg étaient parmi les villes les plus riches du monde. L'extraordinaire hôtel de ville d'Augsbourg, terminé en 1620, est d'inspiration Florentine. Les plus somptueux meubles faits à Augsbourg ont bénéficié d'une influence similaire.

Le 5 décembre à Londres, Bonhams vend un meuble d'Augsbourg, lot 20 estimé £ 400K.

Ce cabinet de forme architecturée en gradins était conçu pour être posé sur une table. Ses proportions sont parfaites : 85 cm en hauteur et en largeur, 40 cm en profondeur. Avec plus de 40 tiroirs et compartiments, c'est un Kunstkammer destiné à abriter une collection de curiosités. Les compartiments secrets sont si habilement cachés que certains n'ont peut-être pas été redécouverts.

La richesse des matériaux et la minutie des décorations sont exceptionnelles. Les panneaux en pietre dure proviennent certainement de la Galleria dei Lavori, l'atelier ducal Florentin. Les bois sont soigneusement choisis et le lapis-lazuli est largement utilisé. L'argent est plus rare : le risque d'oxydation était une bonne excuse pour pallier à sa raréfaction suite à la Guerre de Trente Ans.

Le meuble est signé, ce qui est rare à cette époque. C'est un chef d'oeuvre réalisé vers 1660 par le maître Elias Boscher, enregistré à la ligue des ébénistes d'Augsbourg vers 1629 et mort après 1664.

Conservé de 1841 à 2006 dans une résidence de l'aristocratie Irlandaise, ce Kunstkammer est dans un état exceptionnel.

30 nov. 2014

L'Or des Hephthalites

Le 3 décembre à Londres, Sotheby's vend un bijou tour de cou antique en or et grenats, lot 12 estimé £ 200K. Cette pièce inédite jusqu'à ce jour appartenait depuis la fin du XIXème siècle à une famille du Kirghizistan.

L'origine Hunnique de cette pièce ne fait aucun doute. Il y a 1500 ans, l'actuel Kirghizistan faisait partie du territoire des Hephthalites. Les Hephthalites ont été nommés Huns Blancs par les historiens Byzantins pour faire une distinction politique et raciale avec les Huns d'Attila qui avaient semé le terreur en Occident.

Malgré leur immense empire, ces tribus nomades qui ignoraient l'écriture et l'agriculture sont peu connues, mais leur influence s'est étendue de la Perse à l'Inde et jusqu'à la Corée. Leur art est connu par les bijoux retrouvés dans les tombes des farouches guerriers et aussi des femmes. Leur société pratiquaient la polyandrie, qui était un moyen efficace pour éviter les successions fratricides.

Le bijou à vendre est une nappe de fils d'or tressés terminée de chaque côté par des figures de dragons ornées de cabochons de grenats et de verre. Les dragons tiennent une boucle qui permet d'effectuer un laçage. Très remarquablement, deux boules de la même technique que les dragons ont été conservées avec le collier. La meilleure hypothèse est qu'elle servaient de contrepoids pour le laçage.

Ce bijou complexe aux dragons stylisés est l'occasion de rappeler que les peuples de l'époque Mérovingienne étaient de fervents amateurs d'orfèvrerie, qu'ils maîtrisaient parfaitement. L'or circulait par les pillages et les rançons. La taille des pierres précieuses était encore rudimentaire.

L'Invention de la Biologie Moléculaire

La naissance de la biologie moléculaire est due à une coopération pluridisciplinaire entre chimistes, physiciens et biologistes. L'existence des acides nucléiques dans les noyaux des cellules avait été identifiée au XIXème siècle. A partir de 1939, les progrès de micro-radiographie X laissaient espérer la compréhension de la structure de ces molécules.

Les savants avaient identifié deux types d'acides, l'ARN (acide ribonucléique) dans le cytoplasme de la cellule et l'ADN (acide désoxyribonucléique) dans les chromosomes. Ils comprenaient que ces acides détenaient la clé du fonctionnement de la vie.

Deux laboratoires Britanniques de cristallographie travaillèrent en collaboration. Francis Crick, assisté du jeune médecin Américain James D. Watson, était à Cambridge. A Londres, Maurice Wilkins était assisté de Rosalind Franklin qui perfectionnait la technique d'observation et réalisait les clichés. Le cancer prématuré de Rosalind Franklin est probablement dû à une dose excessive d'irradiation.

La structure en simple hélice de l'ARN et les deux brins de l'ADN furent parmi les premières découvertes. En 1953, Watson comprit que les formes des éléments des deux brins de l'ADN étaient identiques bien que ces éléments soient différents. Crick et Watson développèrent aussitôt le modèle de la double hélice, qui fut la plus grande avancée de tous les temps dans le domaine des sciences de la vie.

La lettre écrite par Crick à son jeune fils démontre qu'il était conscient de l'ampleur considérable de la découverte. Elle a été vendue pour $ 6,05M incluant premium par Christie's le 10 avril 2013.

Le prix Nobel de Physiologie et Médecine est décerné à Crick, Watson et Wilkins en 1962. La médaille et le diplôme Nobel de Crick ont été vendus en un seul lot pour $ 2,27M incluant premium par Heritage le 11 avril 2013.

Watson, âgé de 86 ans, a confié à Christie's la vente de ses souvenirs Nobel, offerts en trois lots le 4 décembre à New York. La médaille Nobel avec son écrin est estimée $ 2,5M, lot 1. Ses notes manuscrites pour le discours d'acceptation sont estimées $ 300K, lot 2.

Le manuscrit de sa conférence Nobel sur le rôle de l'ARN dans la synthèse des protéines est estimé $ 200K, lot 3. Moins de dix ans après la découverte de la double hélice, ce thème montrait que les mécanismes physico-chimiques de la vie étaient désormais parfaitement expliqués.

Une partie du produit de le vente sera reversé par le Dr Watson au bénéfice de la recherche scientifique et d'oeuvres charitables.

29 nov. 2014

Le Papillon dans l'Art d'Adriaen Coorte

Adriaen Coorte n'a pas de biographie. Fort heureusement il signait ou monogrammait ses oeuvres, et certaines étaient datées, de 1683 à 1705. 64 peintures sont identifiées, et aucun dessin. Inconnu de ses contemporains, il n'est mentionné qu'une fois, en 1695-1696, à Middelburg quand la ligue locale de St Luc lui inflige une amende pour une vente non autorisée.

Les natures mortes de Coorte n'ont ni prédécesseur ni successeur. La plupart montrent un arrangement de fruits ou d'asperges sur le coin d'une table de pierre. A partir du milieu des années 1690, sa technique très inhabituelle d'huile sur papier collé sur toile ou sur panneau renforce l'idée que l'auteur n'était pas un artiste professionnel.

Le papillon apparaît à la même période. En vol, ses ailes entièrement ouvertes ou fermées n'apportent pas de réalisme dans la composition, pas plus que les dispositions exubérantes de petits animaux dans l'art de van Kessel.

Au contraire de l'exubérance de van Kessel, Coorte est un minimaliste. La texture particulièrement soignées des fruits avec leurs tiges et leurs feuilles est le thème unique de sa composition, mais il aime les formats verticaux et le papillon vient rompre agréablement la monotonie de la partie supérieure de l'image.

Une telle recherche décorative basée sur une iconographie humble anticipe les recherches de Chardin, sans que l'on puisse imaginer aucun lien entre l'amateur de Middelburg et l'artiste Français.

Un papier sur panneau 31 x 23 cm non daté, réalisé vers 1695, montrant trois pêches et un papillon, a été vendu £ 2,05M incluant premium par Bonhams le 7 décembre 2011. Cette peinture est estimée £ 2M, à vendre par Sotheby's à Londres le 3 décembre, lot 37. L'image est partagée par Wikimedia :

Adriaen Coorte - Three peaches on a stone ledge with a Painted Lady butterfly

Van Dyck et les Musiciens

Van Dyck, considéré dans sa jeunesse comme le meilleur assistant de Rubens, était un maître du portrait. Une visite de six ans en Italie lui permit d'admirer le style luxueux et profondément psychologique de Titien. Il revint à Anvers en 1627.

Les portraits de musiciens réalisés par Van Dyck à Anvers bénéficient de cette double influence de Rubens et Titien. Les chanteurs étaient à la même époque un thème favori des Caravagistes d'Utrecht mais van Dyck, cherchant une clientèle aristocratique, ne s'intéressait certainement pas en priorité aux cabarets.

D'origine Hollandaise, Hendrick Liberti est chanteur et compositeur. Son portrait a sans doute été commandé à van Dyck à l'occasion de sa nomination comme organiste de la cathédrale d'Anvers en 1628. Il n'est pas daté, mais ses dimensions, 114 x 88 cm, sont similaires à celles du portrait du musicien anglais Nicholas Lanier qui était à Anvers en 1628. Les deux huiles sur toile appartenaient quelques années plus tard à la fabuleuse collection royale de Charles I où elles étaient certainement accrochées côte à côte.

Le portrait de Liberti est à vendre par Christie's à Londres le 2 décembre, lot 13 estimé £ 2,5M. Agé de moins de 30 ans, le jeune musicien est montré à mi-corps. Il tient une feuille de musique dans une attitude inspirée.

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26 nov. 2014

Colt présente un Fusil de Chasse

Le modèle breveté 1855 de Colt est une nouvelle ligne de produit, nommée Sidehammer pour l'amélioration de la gachette et le cylindre clos. Colt a l'intention d'appliquer son système de pistolet revolver à des armes plus longues incluant les carabines et les fusils militaires, de sport et de chasse. Le développement de ces fusils est difficile à cause d'une fâcheuse tendance à la propagation du feu.

Les armes à très long canon du modèle 1855 apparaissent en 1860. 600 fusils de chasse sont produits en calibre .75. La longueur du canon de ce fusil à cinq coups est 36 inches.

Un fusil de chasse de présentation modèle 1855 Sidehammer vient d'être découvert. Il porte la marque de dédicace datée 1865 à son premier propriétaire et n'était jamais sorti de la famille. Il est estimé $ 150K, à vendre par Rock Island Auction Company à Rock Island IL le 6 décembre, lot 1277.

Ce fusil a été richement gravé avec notamment des chiens de chasse. Il est offert avec sa caisse d'usine d'origine. Il a conservé plus de 95% de la finition brune du canon.

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23 nov. 2014

Soleil sur la Piazza San Marco

La vue d'ensemble de la Piazza San Marco en direction de la Basilique est un des thèmes favoris pour Canaletto et ses clients. Vers 1723, une peinture de près de 2 m de large est un des plus anciens chefs d'oeuvre du maître.

Canaletto montrait la Piazza comme étant le vrai centre d'activités de la ville. Les Vénitiens y vont à leurs affaires, seuls ou par groupes, riches ou travailleurs, enfants et même les chiens. Le linge sèche aux fenêtres des palais.

Au tout début des années 1730, Canaletto travaille mieux les effets de lumières et d'ombres. L'ambiance ensoleillée de la Piazza est parfaite sur l'huile sur toile 59 x 92 cm à vendre par Sotheby's à Londres le 3 décembre, lot 11 estimé £ 5M. La précision topographique des monuments est très bonne.

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La Porsche 908 retrouve sa Queue

Le développement des modèles 908 et 917 par Porsche est simultané, en 1968 et 1969. Les puissances et les catégories ne sont cependant pas comparables. La 917 est en Group 4 avec son énorme moteur de 4,5 litres, tandis que la 908 est en Group 6 avec 3 litres.

Le premier problème à résoudre, particulièrement crucial pour la 917, est la stabilité. La version K à queue courte (Kurz Heck) est stable mais trop lourde tandis que la LH (Lang Heck) a une meilleure vitesse de pointe.

La version 908.02, sortie en prototypes en 1969, est un spyder, plus légère que la 908 coupé. Son aérodynamique est également améliorée par une carrosserie très aplatie qui lui donne le sobriquet de Flunder (la sole).

Les pilotes préfèrent la LH. En 1970, le châssis 5 de la Porsche 908.02 Flunder est transformé en Lang Heck. Dans cette configuration, elle obtient un bel historique dans les courses d'endurance et participe à quelques séquences de course du film Le Mans.

Ce prototype 908.02 Flunder LH est à vendre par Bonhams à Londres le 30 novembre, lot 23.

Strindberg dans la Tempête

August Strindberg utilisait l'écriture pour exprimer sa vision sur la signification de la vie, influencée tour à tour par Nietzsche, Zola et Swedenborg. Son hypersensibilité le mène à l'occultisme et à la dépression. En 1892, il quitte la Suède pour essayer de reconstituer son équilibre. Cette crise durera six ans.

Strindberg était un peintre amateur. Il avait compris que la création artistique était une forme majeure d'expression des sentiments et considérait qu'elle doit donner un plaisir extatique à son auteur.

En 1893, il peint des paysages dans lesquels le ciel et la mer forment une continuité sans horizon. Il positionne ses couleurs au couteau, par balafres.

En 1894, ses tribulations le mènent avec sa très jeune femme qui est enceinte dans une cabane à Dornach, dans la haute vallée du Danube. En attendant la naissance, il décore ce logis par sept peintures de sujets différents.

Le paysage est grandiose. Alplandskap, huile sur panneau 72 x 51 cm, est une des peintures de la maison de Dornach. Comme dans les scènes maritimes, l'horizon disparaît dans la transition des couleurs entre les montagnes et les nuages. Le mouvement tourbillonnant du couteau rappelle le ciel étoilé de van Gogh. Alplandskap a été vendu £ 2,1M incluant premium par Sotheby's le 27 juin 2007.

Strindberg est conscient que son art est totalement nouveau. Le titre n'est qu'un guide, et l'oeuvre est un tour de force qui exprime à la fois l'environnement extérieur et le tourment intérieur de l'artiste. Il ébauche la théorie de ses créations sous le nom d'Art fortuit (en français), qui ouvre la voie bien plus tard au rôle de l'émotion dans l'art abstrait et aux paysages abstraits de Zao Wou-ki.

Le 3 décembre à Stockholm, Bukowskis vend Stormlandskap, peinture sur papier 32 x 24 cm montée sur panneau, lot 689 estimé SEK 5M. Stormlandskap a été peint à Paris en octobre 1894, sans doute dans le but de démontrer ses théories à un ami, et est redécouvert maintenant. La conception est très similaire à Alplandskap, avec cependant une tendance plus marquée à annihiler la figuration.

Si Strindberg avait été un artiste professionnel, il aurait pu bousculer pour toujours les théories artistiques. Kandinsky l'a fait quinze ans plus tard à Murnau.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Bukowskis :


AUGUST STRINDBERG, STORM LANDSCAPE from Bukowskis on Vimeo.

22 nov. 2014

Un Missorium pour la Paix

Le 29 novembre à Paris, Pierre Bergé et Associés vendent un missorium Sassanide, lot 179 estimé € 400K. Le mot missorium pour désigner un plat de présentation en argent est une convention moderne.

Ce plat en argent doré de 29 cm de diamètre pesant 896 g montre un roi en majesté entouré de quatre assistants, avec des lions rugissants et des chimères ailées à tête de cheval. La scène est en relief par la technique du métal moulé et forgé. L'élément le plus proéminent est la tête du monarque, ce qui accroît sa luminosité et par conséquence la dignité royale.

Il n'est pas daté mais des comparaisons de style le rapprochent d'une pièce Romaine connue sous le nom de missorium de Théodose, trouvée cassée en 1847 en Espagne dans un trésor d'origine Orientale. Des études récentes datent le missorium de Théodose de la quinzième année du règne de Théodose II à Constantinople, 423 de notre calendrier.

En 422, après une courte guerre, une paix durable avait été conclue entre Théodose II et Bahram V. Sur un autre front, Bahram avait vaincu quatre rois Hunnites qui peuvent être les personnages qui l'accompagnent sur le missorium Sassanide.

Une hypothèse qui pourrait expliquer l'ensemble de cette histoire est que le missorium de Théodose aurait été utilisé comme plat de présentation pour Bahram V et que le missorium Sassanide qui vient en vente est une imitation portant un thème à la gloire du même roi.

L'Ermite Pétrifié de Carélie

Nikolai Roerich a participé activement aux mouvements artistiques Russes jusqu'à la Révolution. Pacifiste et passionné par le mysticisme dans toutes les religions, il refusa le Bolchévisme et s'exila.

Il trouva en Carélie un endroit approprié pour vivre face aux forces brutes de la nature et développer un nouveau style artistique. L'homme est tout petit, noyé dans un environnement grandiose, et pourtant il domine la scène par la force de son esprit.

Roerich trouve son inspiration dans la légende de St Siméon Stylite, cet ascète qui pria pendant près de quarante ans sans descendre de sa colonne. Le 26 novembre à Londres, Bonhams vend The Praying Stylite, tempera et huile sur toile 154 x 129 cm peinte en 1918, lot 30, chef d'oeuvre de la période Carélienne de l'artiste.

Le saint homme disparaît presque dans des montagnes expressives aux couleurs très saturées. Il est seul. Il prie debout depuis si longtemps que ses pieds sont pétrifiés. Sa silhouette est desséchée et la barbe atteint les genoux.

Roerich est un peintre du mysticisme, et pas seulement du mysticisme chrétien. Après la Carélie, il voyagea beaucoup, notamment en Asie. Son Lao Tseu et son Confucius peints à la tempera sur toile vers 1924 ont une inspiration similaire à celle du Stylite Carélien, avec des couleurs plus claires. Ces peintures ont été vendues $ 2,2M et $ 1,25M incluant premium par Sotheby's le 26 avril 2006.

Les Tuiles Post-Coloniales d'Adriana Varejao

Née à Rio de Janeiro, Adriana Varejão exprime la façon dont l'Amérique du Sud a assimilé sa période coloniale pour construire sa propre culture.

Son modèle est Lucio Fontana, né à Buenos Aires de parents Italiens et qui passa la moitié de sa vie en Argentine. Parede com incisoes a la Fontana, 180 x 250 cm, peint par Varejão en 2001, a été vendu pour £ 1,1M incluant premium par Christie's le 16 février 2011. L'oeuvre est un mur de 900 petites tuiles balafré de huit grandes incisions.

L'azulejo, carreau de faïence le plus souvent bleu clair, est un des symboles de la dissémination de la culture du Portugal dans ses anciennes colonies. En 2001, Varejão construit des tuiles bleu clair de 1 x 1m à l'huile et plâtre sur toile avant de les assembler en polyptyques sous le nom de Macau walls.

Macao avait effectivement subi la même imprégnation Portugaise que le Brésil. Dans les tuiles de Varejão, cette allusion Chinoise est marquée par des motifs abstraits irréguliers rappelant de façon très lointaine les craquelés de la porcelaine Song.

Un triptyque a été vendu pour £ 506K incluant premium par Sotheby's le 30 juin 2014. Un autre Macau Wall (Blue) constitué de deux rangées de trois éléments est estimé $ 700K, à vendre par Phillips à New York le 24 novembre, lot 15.

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ADRIANA VAREJÃO 'Macau Wall (Blue)', 2001 from Phillips on Vimeo.

16 nov. 2014

Les Trois Têtes de St Antoine

En 1945, la vie reprend après la Seconde Guerre Mondiale. Albert Lewin prépare un film d'après Bel-Ami, le roman de Maupassant. Les tentations rappellent la légende de St Antoine dans le désert d'Egypte, un bon thème pour intéresser les artistes surréalistes.

Lewin a l'idée audacieuse et astucieuse d'organiser une compétition ouverte à dix artistes sur le thème de St Antoine, avec comme enjeu l'utilisation de la peinture dans le film. Duchamp fait partie du jury. Max Ernst gagne avec une oeuvre gothique qui répond bien à l'imagination populaire des diableries. Dali réalise une de ses oeuvres les plus connues, datée 1946.

Leonora Carrington fait partie des dix artistes invités, sans doute suite à sa liaison d'avant-guerre avec Max Ernst. Agée de 28 ans, elle n'est pas encore connue du public. Le thème excite sa fantaisie exacerbée par ses récentes difficultés psychiatriques.

L'huile sur toile peinte par Carrington, 122 x 91 cm, datée 1945, est estimée $ 1,8M, à vendre le 24 novembre par Sotheby's à New York, lot 17.

Leonora s'est amusée à positionner tous les symboles de la légende, en introduisant des nouveautés. Les trois têtes blafardes du saint sortent progressivement du manteau blanc trop grand qui est aussi un linceul remémorant les fantômes de Blake. Une jeune femme le tente en préparant des nourritures succulentes. Une sorcière joue de la trompette au milieu d'une couverture en forme de toile d'araignée tenue par les péchés. La disproportion des figures restera une caractéristique majeure de sa vision personnelle du surréalisme.

L'artiste répondait complaisamment aux questions sur l'interprétation de ses oeuvres. Quand on lui demandait pourquoi le saint avait trois têtes, elle répondait : why not ?

Le Tricentenaire des Romanov

Le 24 novembre à Londres, Sotheby's vend Ivan Soussanine par Konstantin Makovsky, lot 6 estimé £ 1,5M.

Le thème favori de Makovsky était l'histoire Russe et les légendes épiques associées. Ivan Soussanine est ce vieux paysan qui a conduit les Polonais dans la mauvaise direction afin de protéger Michel Romanov. Son meurtre par les soldats en pleine forêt a inspiré les dramaturges et les compositeurs d'opéras dont Glinka en 1836.

L'huile sur toile qui vient en vente est monumentale : 3,51 x 5,83 m. Elle a été réalisée en 1914, un an après les célébrations du tricentenaire de la dynastie Romanov. L'animation dans la forêt enneigée est foisonnante et tragique. L'apparition en haut à droite en apothéose de Michel Romanov sur la Place Rouge ne laisse aucun doute sur la volonté de l'artiste de plaire au pouvoir Tsariste.

Cette oeuvre probablement peinte à Paris n'atteignit cependant pas la Russie, d'abord à cause de la mort accidentelle du vieil artiste en 1915, puis bien sûr à cause de la Révolution. Elle fut exposée pour la première fois à Londres en 1926, à une époque où la peinture d'histoire était bien passée de mode.

Elle apparait maintenant, comme un chef d'oeuvre d'un contemporain d'Alma-Tadema et Cormon.

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L'Education Murale du Peuple Mexicain

L'une des causes profondes de la révolution Mexicaine était le besoin de créer une identité sociale que les régimes autocratiques n'offraient pas.

En 1921, José Vasconcelos crée le Secrétariat à l'Education Publique. La population est majoritairement illettrée. Vasconcelos développe le projet de décorer les bâtiments publics avec de grandes fresques promouvant la révolution et l'athéisme ainsi qu'un métissage égalitaire.

La participation de Vasconcelos au gouvernement fut éphémère mais toute la spécificité de l'art Mexicain du vingtième siècle résulte de cette initiative : non seulement les fresques sociales de Rivera, Orozco et Siqueiros, mais aussi le surréalisme de Kahlo et Carrington qui a bénéficié de cette tendance à styliser pour éduquer.

Le 24 novembre à New York, Sotheby's vend une peinture de Rivera, lot 23, composée de quatre huiles sur toile alignées sur un panneau haut de 1,52 m pour une longueur totale approchant 9 m. Il s'agit de l'étude pour une fresque réalisée en mosaïque vers 1955 pour un client privé.

Intitulée Rio Juchitan, cette fresque montre des hommes, des femmes et des enfants dans leurs occupations quotidiennes au bord d'une rivière du Sud-Est du Mexique, avec l'innocence des personnages de Gauguin ou de l'art de Bali.

La peinture à vendre n'est pas exposée à New York et n'a pas l'autorisation de sortie permanente du territoire Mexicain.

15 nov. 2014

Alexandre Iacovleff, le Dernier Artiste Voyageur

Alexandre Iacovleff commence ses grands voyages en 1917. Le jeune Russe âgé de 30 ans part explorer l'Extrême-Orient. Influencé par Diaghilev et Benois, il est passionné par la diversité des cultures.

A cette époque où la photographie a banalisé l'image des pays lointains, Iacovleff est un dessinateur et un peintre. Il produit une quantité prodigieuse de dessins.

Il regarde tout. Au théâtre, il ne s'intéresse pas seulement à la scène mais aussi à l'attitude des spectateurs dans les loges derrière leurs tasses et leurs théière. Une huile sur toile 90 x 134 cm a été vendue pour £ 1M incluant premium par Sotheby's le 28 novembre 2006. Dans une hardie diagonale, une scène localisée à Pékin (Beijing), tempera sur toile 108 x 118 cm peinte en 1918, est à vendre par Bonhams à Londres le 26 novembre, lot 41 estimé £ 500K.

En France, l'intérêt ethnographique de son travail est reconnu. Il participe comme artiste à deux expéditions organisées par Citroën pour démontrer la robustesse de ses véhicules. La Croisière Noire traverse l'Afrique en 1924-1925. La Croisière Jaune, en 1931-1932, visite l'Asie.

Le 24 novembre à Londres, Sotheby's vend 97 carnets de dessins et notes 18 x 10 cm par Iacovleff couvrant tous ses voyages de 1917 à 1932, en un seul lot estimé £ 250K, lot 15.

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14 nov. 2014

Le Collet du Diable

La beauté de la nature était la principale source d'inspiration de Georgia O'Keeffe. Peintre au milieu du cercle de photographes animé par son mari Alfred Stieglitz, elle voulait tout admirer depuis les plus vastes paysages jusqu'aux plus infimes détails. A partir de 1929, elle visite régulièrement le merveilleux site de Taos.

Elle n'est pas botaniste mais il n'y a aucun besoin d'être savant pour être fasciné par le datura, une herbe folle qui est particulièrement abondante dans le Nouveau Mexique. Les fleurs en trompette apparaissent à la tombée de la nuit avec de fines nuances de couleurs sur fond blanc. Puissante hallucinogène, cette plante est appelée localement Jimson weed et plus couramment Collet du Diable (Devil's snare).

Peint en 1932, Jimson weed - white flower No 1 est un très beau portrait de fleur. Inspirée par la macrophotographie, c'est une invitation à entrer de pleine face dans les secrets intime d'un datura démesurément agrandi. Cette huile sur toile mesure 122 x 107 cm, un très grand format pour l'artiste à cette époque.

Cette peinture est estimée $ 10M, à vendre par Sotheby's à New York le 20 novembre, lot 11. Elle est déaccessionnée par le Georgia O'Keeffe Museum de Santa Fe NM avec l'accord du donateur.

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La Légitimité Bouddhiste de l'Empereur Yongle

Hongwu avait fondé la dynastie Ming en s'appuyant sur les sectes Bouddhistes. Son quatrième fils, le prince de Yan, était un général habile et compétent. Trop compétent : le vieil empereur trouva un subterfuge pour l'écarter de la succession.

Le prince prit le pouvoir par un coup d'Etat quatre ans plus tard, 1402 de notre calendrier. Son neveu, qui périt dans l'incendie du palais impérial après avoir ranimé la guerre féodale, était un lettré qui s'appuyait sur les Confucianistes. Le nouvel empereur effaça des annales le règne de son prédécesseur dont il massacra les partisans, prit le nom de Yongle signifiant Bonheur Perpétuel et commença aussitôt à préparer le transfert de la capitale de Nanking à Beijing.

L'ambitieux Yongle ne pouvait pas apparaître comme un usurpateur : il s'offrit une légitimité Bouddhiste. Il invita le Karmapa, qui était un des sages les plus importants du Bouddhisme Tibétain et devait son pouvoir à la réincarnation.

Le voyage du Karmapa du Tibet jusqu'à Nanking dura quatre ans, pendant lesquels Yongle organisa l'hommage Bouddhiste à ses parents décédés et prépara des cadeaux somptueux. Les récits de miracles réalisés par le Karmapa furent propagés et contribuèrent efficacement à renforcer le pouvoir de Yongle, désormais héritier légitime de Hongwu.

Le 26 novembre à Hong Kong, Christie's vend une admirable thangka brodée de fils de soie, lot 3001. Cette pièce monumentale de 3,35 x 2,13 m est en parfait état avec des couleurs vives d'une grande beauté.

Conformément aux préoccupations de Yongle, son thème est la victoire sur la mort. Le personnage central à la tête rouge vif est Raktayamari, le Conquérant de la Mort, qui tient sa femme embrassée et piétine impitoyablement le corps bleu de Yama, le Seigneur de la Mort allongé sur le dos d'un buffle. En haut et en bas de l'image, des figures de divinités invitent à la dévotion Bouddhiste.

Cette pièce inclut la marque de présentation de Yongle. L'existence de deux thangkas de même qualité dans un monastère de Lhasa ajoutée au fait que la pièce à vendre était au Sikkim dans les années 1940 renforce l'hypothèse selon laquelle elle aurait accompagné le Karmapa dans son voyage de retour.

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12 nov. 2014

Turner au-dessus du Tibre

Turner visita Rome deux fois, en 1819 et 1828. Il fut ébloui par cette ville qui tentait d'organiser sa modernité sans renier son glorieux passé. Lors de son premier voyage, il était préoccupé par l'illustration et dessina des centaines d'esquisses des vues et des monuments. Son second voyage avait pour but de s'imprégner de l'ambiance pour réaliser des huiles sur toile.

Turner avait un ami, d'un caractère aussi difficile que lui-même : Hugh Munro of Novar. C'était l'époque des voyageurs aquarellistes et Munro aurait bien voulu devenir artiste. Turner essaya d'aider Munro, mais le jeune homme n'était pas doué. Il devint un des plus grands collectionneurs d'art de son temps.

Quand Turner revint de Rome, Munro lui commanda une peinture sur laquelle la ville devait être montrée avec la plus grande vérité topographique. Turner réexamina ses dessins. L'huile sur toile montrant Rome vue du mont Aventin, 93 x 126 cm, fut terminée en 1835.

Dans la lumière du matin, cette vue est un chef d'oeuvre de cette période de grande maturité de l'artiste. L'effet de brume au-dessus du Tibre est un exploit pré-impressionniste. Le dessin de la texture urbaine est d'un grand détail sur toute l'étendue de la ville immense et l'animation est agréable.

Cette oeuvre pouvait former pendant avec la vue de Rome prise du Capitole, achetée en 1839 par Munro. Passées en 1878 dans la collection des comtes de Rosebery, les deux peintures sont restées dans un fabuleux état de conservation. La vue du Capitole a été vendue pour £ 29,7M incluant premium par Sotheby's le 7 juillet 2010.

La vue avec le Tibre est estimée £ 15M, à vendre par Sotheby's à Londres le 3 décembre, lot 44.

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