27 oct. 2014

Invitation au Moulin Rouge

L'affiche conçue en 1891 par Toulouse-Lautrec pour le Moulin Rouge est un chef d'oeuvre de l'illustration de l'amusement et des spectacles, annonçant toute la subtilité des affiches de cinéma du siècle suivant.

Fondé deux ans auparavant, le fameux cabaret Parisien veut montrer son dynamisme. L'image est parfaite, avec le grand type sérieux au premier plan, la danseuse de cancan sur la piste et la foule dense et joyeuse en silhouette en fond de scène.

L'actrice est nommée dans le titre : c'est La Goulue. Le bourgeois encanaillé est une figure connue à Montmartre sous le sobriquet de Valentin le Désossé.

L'affiche est d'abord éditée en grand format, 189 x 114 cm, en trois feuilles assemblées. Un très rare exemplaire de cette première version est à vendre par Sotheby's à New York le 30 octobre, lot 175 estimé $ 325K.

Cette image publicitaire est un succès immédiat qui appelle une seconde version du même format, également en trois feuilles. Le dessin est inchangé, mais un texte supplémentaire est introduit dans la partie basse pour annoncer des bals masqués deux fois par semaine.

Un exemplaire de cette seconde version, également très rare, a été discutée autrefois dans cette chronique. Elle a été vendue $ 300K incluant premium par Swann le 17 décembre 2008.

26 oct. 2014

Apologie du Paysage Français

Monet a beaucoup voyagé tout au long des années 1880 à la recherche des plus spectaculaires paysages de la campagne française. Mieux que personne, il a observé la lumière. A la fin de cette phase créative, il entre en communion avec le paysage agraire, commençant à échapper au besoin de localiser.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 73 x 92 cm peinte en 1887 intitulée Sous les peupliers, lot 28 estimé $ 12M.

La maîtrise de son art est totale. La manière impressionniste est renforcée par une peinture épaisse et les couleurs, comme toujours, sont expressives et splendides. Une vue similaire est conservée à la Staatsgalerie de Stuttgart. On sait qu'il s'agit du paysage champêtre de Limetz, pas bien loin de Giverny.

C'est en quelque sorte l'apogée des paysages de France. Monet croit que sa maturité est totale. L'année suivante, il sera déçu quand la lumière et le vent de la Méditerranée seront trop violents pour sa technique de peinture en plein air. Une nouvelle phase commencera pour lui avec les études plus systématiques des infimes variations de la lumière dans des séries structurées : Les Meules en 1890 suivies par Les Peupliers et Les Cathédrales de Rouen.

L'Hommage de Jullienne à Watteau

La créativité d'Antoine Watteau était d'une grande originalité pour son temps. Il renouvela la peinture de genre en positionnant des scènes charmantes dans des environnements composés comme des scènes de théâtre. Son art courtois dénué de tragédie anticipe Boucher.

Jean (de) Jullienne avait deux ans de moins que Watteau. Il était le promoteur de la manufacture familiale de teintures et draps fins de son oncle, à qui il succédera en 1729. Ce jeune homme riche commença en 1717 à acheter des peintures à son ami et à préparer des gravures.

Watteau mourut en 1721. Il n'avait que 37 ans mais laissait une oeuvre abondante.

Le recueil des gravures de Watteau édité par Jullienne est un cas exceptionnel pour son époque de ce qu'on appelle aujourd'hui le catalogue raisonné, et il est encore utilisé de nos jours pour les travaux d'authentification des peintures de Watteau. Jullienne a fait appel pour ce projet aux meilleurs graveurs dont Boucher et Jean Audran.

La publication a été réalisée en deux étapes, et en deux formats différents, 49 x 32 cm et 62 x 47 cm, réunissant un total de 619 oeuvres de Watteau. La première partie a été publiée en 1726-1728. La seconde partie, limitée à 100 exemplaires, a été publiée en 1735.

Le 6 novembre à Paris, Sotheby's vend un exemplaire des deux recueils de Jullienne, relié en deux fois deux volumes par Padeloup avant 1758, qui appartint au Tsar Alexandre I et obtint après 1928 l'autorisation de sortie des collections de l'Ermitage. De nombreux recueils Jullienne ont été démantelés par les marchands d'estampes et les exemplaires complets sont exceptionnels. Celui-ci est estimé € 200K, lot 245.

25 oct. 2014

21 Mensonges d'une Jeune Femme

La photographie et le cinéma sont des mensonges. Cindy Sherman commence sa série des Untitled Film Stills en 1977, à l'âge de 23 ans. Elle n'est pas une actrice, et ses photos ne sont liées à aucun film. Elle s'inspire cependant directement du cinéma Européen : Hitchcock, Bardot, Loren.

Son seul sujet est elle-même, dans des situations toujours changeantes qui ne sont pas liées à sa vraie vie. Après le premier groupe de vues, elle modifie son visage, ses cheveux, son âge. Sur chaque image, elle est seule. Le regard est plus ou moins complice avec le voyeur. Lorsqu'elle clôt la série en 1980, elle a réalisé un remarquable tour d'horizon de la vie de toutes les jeunes femmes modernes.

Toutes les images du Untitled Film Stills sont tirées en format 25 x 20 cm en dix exemplaires maximum, en noir et blanc. 21 photos provenant d'une même collection sont à vendre en un seul lot par Christie's à New York le 12 novembre, lot 13 estimé $ 6M. Curieusement, ce lot inclut uniquement des numéros parmi les images tirées en dix exemplaires, laissant espérer que des vues plus rares apparaîtront dans des ventes ultérieures.

Ce groupe s'échelonne depuis le numéro 2 jusqu'au 83, fournissant une excellente démonstration de la variété de la série  : intérieurs intimes de 1977, New York, vacances, ainsi que des images cocasses ou tragiques comme le masque de plongée ou l'oeil tuméfié. La vue 48 montre l'auto-stoppeuse, dont un autre exemplaire a été vendu $ 1,56M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

Personne ne peut mieux commenter le travail créatif de Cindy Sherman que l'artiste elle-même. Je vous invite à jouer la video partagée par Christie's :


L'Oiseau Sauteur de Jaquet-Droz

Pierre Jaquet-Droz, originaire de la Chaux-de-Fonds, est l'auteur de trois des plus fabuleux automates: la musicienne, l'écrivain et le dessinateur. Il inventa aussi l'oiseau chanteur, par un mécanisme sonore qui imitait le sifflement.

Jaquet-Droz s'associa à partir de 1769 avec deux mécaniciens doués, son fils Henri-Louis Jaquet-Droz et Jean-Frédéric Leschot. Les années 1780 marquent l'apogée de cette société qui avait son atelier principal à Genève et une succursale à Londres et sous-traitait certaines réalisations à Henri Maillardet.

Une horloge à cage à oiseau vient dans la vente des 8 et 9 novembre par Antiquorum à Genèvelot 578 estimé au-delà de CHF 200K. Elle n'est pas signée mais son attribution à Jaquet-Droz et Leschot est quasiment certaine. Les détails du mécanisme permettent d'établir une certaine chronologie des automates, et cette pièce est datée vers 1785.

L'oiseau en métal peint bouge le bec, la queue et les ailes, tourne sur lui-même et saute d'un perchoir à un autre grâce à un levier dont la rapidité dépasse la persistance rétinienne. Le mouvement d'une chute d'eau peinte est un autre raffinement de cette marque. L'animation est effectuée toutes les trois heures et peut aussi être déclenchée manuellement.

Le 26 juin 2011, Rouillac vendait pour € 150K incluant premium une pièce avec deux oiseaux pour laquelle l'horloge placée sous la cage n'est visible que quand l'ensemble est suspendu.

22 oct. 2014

Vie, Amour, Mort et Cri

Edvard Munch exprime la mélancolie et la solitude avec un graphisme dur plus proche du symbolisme que du romantisme. En novembre 1892, il expose des peintures à Berlin. Le scandale est immédiat et l'opération est arrêtée après une semaine.

Cet incident stimule la créativité de Munch qui comprend à quel point son art est nouveau et différent. Il restera quatre ans à Berlin. Son art est un dialogue continu entre la peinture et la gravure. C'est à Berlin qu'il édite ses images les plus fortes : Madonna, Vampire, le Cri ainsi que plusieurs versions de la Mélancolie et de la Femme sur la plage.

Parmi les très grands peintres, Munch est un de ceux qui ont accordé la plus importance à la gravure. Il essaya toutes les techniques, ainsi que toutes les possibilités de mise en couleur par encres ou par addition d'aquarelle.

Le Cri est édité en 1895 en lithographie sur vélin avec une inscription imprimée en allemand : Ich fühlte des grosse Geschrei durch die Natur (j'ai ressenti le grand cri qui transperce la nature).

Un exemplaire imprimé en noir et non coloré, signé par l'artiste mais non daté, est estimé $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 4 novembre, lot 53. Il est très beau avec sont trait net et épais.

Cette image est rare parce que sa durée de production a été très courte : l'imprimeur avait effacé la pierre pour la réutiliser sans demander l'autorisation de l'artiste.

21 oct. 2014

L'Art à l'Usine

La fin de la seconde guerre mondiale appelle une période de reconstruction et d'espoir pour une vie meilleure. Fernand Léger est intéressé par les aspects sociaux de ce nouveau thème.

Trente ans auparavant, il était déjà passionné par les moteurs et les rouages. Il montre maintenant les travailleurs anonymes occupés à réaliser les structures indispensables de la vie moderne. Il travaille à une oeuvre monumentale intitulée Les Constructeurs, dont il réalise plusieurs versions préliminaires.

Le 5 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 108 x 138 cm, datée 1949 et 1950, lot 28 estimé $ 16M. Deux hommes travaillent sur un échafaudage, dominant le vide comme les marins d'autrefois en haut des mâts. Un signe de la main partagé avec un autre ouvrier symbolise la solidarité d'équipe.

La version finale, 2 x 3 m, est peinte en 1950. La solidarité est maintenant démontrée par quatre hommes qui unissent leurs forces pour soulever une énorme poutre d'acier. Une huile sur toile 130 x 89 cm très proche de cette version finale a été vendue $ 11,8M incluant premium par Christie's le 6 novembre 2007.

Léger était membre du Parti Communiste Français depuis 1945 mais il se doutait bien que son art était trop différent du réalisme Soviétique pour intéresser ses amis politiques. Pour établir un lien direct avec la classe ouvrière, il exposa plusieurs peintures de cette série à la cantine de l'usine Renault de Boulogne-Billancourt. L'accueil fut mitigé mais pas indifférent.

19 oct. 2014

Alice à Vétheuil

Claude Monet a développé à Argenteuil sa nouvelle manière de peindre qui devient le style impressionniste le plus typique : le dessin n'existe plus, remplacé par les taches et les textures tout en respectant scrupuleusement la perspective et les proportions.

Il quitte Argenteuil en 1878 en raison de difficultés financières et s'installe dans un village plus en aval de la seine, à Vétheuil, avec sa femme adorée Camille et un couple d'amis, Ernest et Alice Hoschedé. La mort prématurée de Camille l'année suivante précipite Alice dans les bras de l'artiste.

En 1881, Monet peint Alice au jardin de Vétheuil. Il se souvient du temps où la robe blanche de Camille exprimait la pureté. Alice est tranquillement occupée à coudre dans un riche environnement de feuillage. La lumière tamisée par un grand arbre assure une continuité de texture entre la verdure et la femme en bleu clair.

Cette huile sur toile 81 x 65 cm est estimée $ 25M, à vendre par Sotheby's à New York le 4 novembre, lot 29.

Cette année marque le sommet et la fin de la première période impressionniste de Monet. Il est guetté par le scandale quand il ne peut plus cacher sa liaison avec Alice, femme mariée. L'année suivante, son long voyage solitaire en Normandie lui donne envie d'exprimer les variations de la lumière dans le paysage selon les heures du jour.

Claude épousera Alice en 1892, après la mort de Hoschedé.

La Cosmographie d'Ulm

Depuis l'antiquité, Ptolémée était la référence absolue et incontestée en astronomie et en géographie, tout comme Galien en médecine et Euclide en géométrie. Au XVème siècle, les savants avaient reconstruit ses cartes en s'appuyant exclusivement sur ses textes. L'édition princeps de la géographie de Ptolémée, intitulée Cosmographia, a été publiée à Bologne en 1477.

Nicolaus Germanus comprit qu'il fallait intégrer les découvertes récentes dans l'oeuvre de Ptolémée. En 1477 il réalisa les premiers globes modernes, céleste et terrestre, pour la bibliothèque Vaticane.

En 1482, Nicolaus Germanus édite la Cosmographie dans une traduction latine réalisée par Jacobus Angelus, en maintenant l'attribution à Ptolémée mais en insérant aussi son propre travail. Les cartes Ptolémaïques incluent pour la première fois la Scandinavie et le Groenland.

Cette édition réalisée à Ulm par Lienhart Holle est un des plus beaux incunables, utilisant des blocs de bois pour l'impression des cartes qui sont joliment peintes à la main. Ce fut un échec commercial mais fort heureusement son matériel intact put être réutilisé pour la réédition par Reger en 1486.

La carte du monde de l'édition de Holle avec la Terre entourée par les douze vents, 40 x 56 cm sur une feuille 42 x 58 cm, a été vendue $ 320K incluant premium par Christie's le 1er avril 2014 sur une estimation basse de $ 180K.

Un exemplaire complet de ses 133 feuilles et 32 cartes est estimé £ 350K, à vendre par Sotheby's à Londres le 4 novembre, lot 60.

Un exemplaire d'une grande fraîcheur de l'édition de 1486 a été discuté récemment dans cette chronique. Il a été vendu £ 360K incluant premium par Sotheby's le 29 avril 2014 sur une estimation basse de £ 120K.

La Vie Quotidienne des Femmes de Montmartre

Toulouse-Lautrec ne gênait pas les femmes de Montmartre habituées à la présente permanente de l'artiste infirme et alcoolique. Il aimait dessiner et peindre les détails de leur vie quotidienne.

En 1896, la série Elles est éditée en cent exemplaires par Gustave Pellet, spécialiste des gravures érotiques et de Félicien Rops. Cet album est constitué de douze lithographies 52 x 40 cm incluant une couverture et un frontispice.

Le projet fut certainement préparé à la hâte : la disparité des tonalités dues au fait que certains originaux étaient des peintures à l'huile et les autres des dessins.

Les femmes sont occupées à leurs activités intimes comme la toilette et le repos, sans exhiber leur activité professionnelle de prostituées ou d'actrices, à des moments où les hommes ont un rôle secondaire dans leur vie. Le titre, Elles, est significatif.

L'artiste s'est inspiré des ukiyo-e japonais et des coulisses de Degas. Une seule de ces femmes est identifiable : la clownesse Cha-U-Kao. Ce nom à consonance bizarre est conçu pour évoquer les jardins de plaisirs Asiatiques, mais aussi le chahut-chaos qui était son cancan préféré.

Elle était ouvertement Lesbienne, et la présence dominatrice de son image indique que cette série représente la féminité ou même le féminisme et pas la vie sexuelle. La menace de la syphilis commençait peut-être aussi à modifier le comportement de l'artiste.

Un album complet est estimé $ 900K, à vendre par Sotheby's à New York le 5 novembre, lot 121.

18 oct. 2014

La Navigation Africaine

La Méditerranée est une mer convoitée, mais la domination Ottomane repousse le commerce occidental. Le temps est venu de l'exploration des côtes d'Afrique pour chercher de nouveaux chemins vers l'Orient. Le Portugal est bien placé géographiquement pour cette nouvelle exploration. L'époque des grandes découvertes commence.

La navigation en pleine mer est dangereuse. Les portulans servent à transmettre les connaissances des marins. Ces documents apportent un avantage certain par rapport aux vaisseaux ennemis et sont considérés comme hautement stratégiques.

Le portulan n'est pas une carte au sens géographique moderne. C'est un document qui positionne les îles et les ports. Les marins sont guidés par les lignes de la rose des vents tracées à partir de points focaux le plus souvent en seize directions.

Le 19 novembre à Londres, Christie's vend un atlas portulan manuscrit sur vélin des côtes Atlantiques, composé de sept cartes en double page 39 x 50 cm, dans une reliure Vénitienne d'époque, lot 45 estimé £ 1,5M.

La visite de l'Atlantique et de la mer du Nord est progressive, du sud au nord jusqu'au Jutland. Elle inclut les découvertes de la côte d'Afrique jusqu'à la Guinée par Cadamosto, Vénitien au service des Portugais, et par Pedro de Sintra en 1460.

L'une des pages est signée, localisée et datée : Gratiosus Benincasa Anchonitani, Venise, 1468. Le portulan de Benincasa anticipe ainsi de treize ans la première mission Portugaise de contournement de l'Afrique. Ses travaux font également partie des sources utilisées pour la compilation de l'atlas Cornaro à Venise vers 1489.





17 oct. 2014

Gros Oiseaux à Vallauris

Visitant l'exposition des ateliers locaux de céramiques à Vallauris en 1946, Picasso est vivement intéressé par la liberté des formes et des couleurs. Il voit de nouveaux développements pour son art. Sa coopération avec l'atelier Madoura de Suzanne et Georges Ramié dura 25 ans et produisit 4000 originaux, dont 633 modèles édités entre 25 et 500 exemplaires chacun.

Pablo n'est pas un ouvrier mais un artiste. Il bouscule les productions en cours pour augmenter les effets zoomorphes et peint par-dessus des oeuvres terminées. Sa liberté technique génère des imperfections qui ne le dérangent pas.

La coopération Picasso-Madoura est à la fois artistique, populaire, prolifique, ludique et durable. Ce nouveau désir de pétrir la matière brute est aussi à l'origine de son orfèvrerie, cette fois-ci avec François Hugo.

Les vases ovales à col cornet sont spectaculaires. Réalisé en 1950, le prototype du Grand vase aux femmes voilées, haut de 64 cm, a été vendu £ 980K incluant premium par Christie's le 19 juin 2013. Il a été édité à 25 exemplaires. L'un d'eux a été vendu £ 735K incluant premium par Christie's le 25 juin 2012.

Le Gros Oiseau conçu en 1951 est un vase ovoïde à pied et col évasés, bien adapté pour montrer le hibou cher à Pablo dont les ailes sont les anses. La panse est ornée d'un visage. Un exemplaire hors série au visage noir a été vendu £ 315K incluant premium par Christie's le 5 février 2014.

Le 23 octobre à Paris, Christie's vend un vase de même forme réalisé par Picasso en 1957, haut de 52 cm, où une tête de faune remplace le visage noir. Pablo a aimé cette pièce unique qu'il a conservée pour son usage personnel et n'a pas édité. Ce vase est estimé € 350K, lot 18.

La Femme sur le Chariot

Alberto Giacometti avait été proche des Surréalistes. Le thème de la femme sur le chariot s'est inscrit dans son subconscient en 1938. Il y resta douze ans pendant lesquels l'artiste tenta quelques essais, parfois avec des roues tournantes.

En 1948, Alberto peuple son univers de ses figures filiformes qui questionnent l'existentialisme. Les hommes marchent d'un pas énergique sans savoir eux-mêmes où ils vont. Par contraste, la femme est droite et immobile.

La femme est restée une idole antique dont l'autorité ne peut pas être contestée. Elle apporte la paix et la vérité. Dans le rêve d'Alberto, elle est juchée sur un socle posé sur l'essieu d'un chariot antique à très grandes roues. C'est le grand paradoxe de Giacometti : la femme immobile symbolise le mouvement parce qu'elle est adorée sur le chariot.

Alberto est un perfectionniste. Il attend 1950 pour concrétiser son fantasme.  Tout détail est important, comme les jambes strictement jointes. Les bras sont écartés du corps en un geste de gloire ou de liberté, mais l'angle du coude disparaît quand la sculpture est vue de face. L'oeuvre est de taille moyenne, 1,45m de haut, parce qu'elle ne doit pas être intimidante ni diminutive.

Le bronze fondu en 1951-1952 est un exploit technique de la société Alexis Rudier. L'exemplaire 2/6 est à vendre par Sotheby's à New York le 4 novembre, lot 25. C'est un specimen exceptionnel par sa patine dorée qui glorifie le sujet et parce qu'il a été soigneusement peint par l'artiste.

Dans le communiqué de presse publié le 3 octobre, Sotheby's compare l'importance de cette pièce à L'Homme qui marche, qu'ils ont vendu pour £ 65M incluant premium le 3 février 2010.

La Femme et la Cariatide

Amedeo Modigliani est un jeune immigré Italien qui s'initie aux tendances de la peinture moderne à Paris, au Bateau-Lavoir. Sa rencontre avec Brancusi lui fait découvrir la sculpture en taille directe, parfaitement adaptée à son habileté : Modi travaillait vite et sans retouches.

Brancusi est un des plus grands innovateurs de la sculpture. En réaction contre les détails réalistes de l'argile et du bronze, il est le premier à rechercher la beauté au travers de formes fondamentales et simplifiées qui le mèneront jusqu'à l'abstraction.

Brancusi et Modigliani trouvent l'inspiration de leurs nouveaux styles dans l'art antique ou Africain. En 1910, Modi dessine des femmes surmontées d'une sorte de tablette en référence aux Cariatides de l'Erechtheion. Sa série de bustes réalisés en 1911 et 1912 sera son temple de l'art.

Modi n'est pas encore célèbre. Il utilise des blocs de calcaire qu'il prélève dans des chantiers de construction et ramène à la brouette dans son modeste atelier de Montparnasse. Ses statues forment autour de lui une foule aux visages purs et stylisés avec la force intense d'une cérémonie tribale.

Le 14 juin 2010, un buste cariatide haut de 64 cm incluant la base cubique a été vendu pour € 43,2M incluant premium par Christie's.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend un buste de femme, haut de 73 cm en incluant la base, lot 8. Le communiqué de presse du 3 octobre annonce une estimation au-delà de $ 45M.

16 oct. 2014

Fleurs des Champs pour le Dr Gachet

Depuis son entrée à l'asile de Saint-Rémy de Provence en mai 1889, l'état de santé de Vincent van Gogh ne s'améliore pas. Il faut pourtant trouver une solution. Auvers-sur-Oise est un joli village fréquenté par les artistes. Sa visite est préparée par son frère Theo en concertation avec le Dr Gachet.

En mai 1890, Vincent s'installe dans une chambre de l'auberge locale. Il n'a pas d'atelier et fréquente assidument Gachet, ami des impressionnistes et de Cézanne.

Depuis qu'il est malade, Vincent est terrorisé par l'idée de l'échec et par le risque d'une nouvelle crise de démence. Avec l'énergie du désespoir, il donne un nouvel élan à sa vieille ambition de devenir le meilleur peintre de tous les temps, le seul capable d'une synthèse de tous les genres. Gachet possède une peinture de Cézanne montrant un bouquet de fleurs. Vincent veut faire mieux.

Le printemps fait éclore les fleurs des champs. Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 66 x 50 cm peinte par Vincent les 16 et 17 juin 1890, lot 17 estimé $ 30M. Réalisée pour remercier Gachet pour son aide, cette oeuvre montre un vase garni de marguerites et de coquelicots.

La composition est puissante et les couleurs sont somptueuses, dominées au centre par le rouge ardent des coquelicots. Les groupes de fleurs resplendissent comme des personnages de l'ultime tragédie de Vincent.


15 oct. 2014

Le Noir Somptueux de Pierre Soulages

L'art abstrait de Pierre Soulages est entièrement lié à son inspiration personnelle. Encore adolescent, il avait admiré la façon dont le noir des troncs et des branches sans feuilles augmentait la beauté d'une scène de neige.

Toute son oeuvre montre les rapports de forces entre le noir et les autres couleurs. Le noir parvient aussi à refléter la lumière. Il confronte la couleur claire mais n'est pas homogène, laissant filtrer des éclairs ou des taches. La forme de ces surfaces noires est élaborée par un travail graduel sans dessin préalable qui ne cesse que quand l'artiste est satisfait du résultat.

Bien sûr, on peut comparer Soulages avec les expressionnistes abstraits des Etats-Unis. Sa recherche de l'absolu rappelle Newman mais les tensions entre les couleurs renvoient plutôt à Still.

En 1958, pendant qu'Yves Klein expérimente de nouvelles couleurs, Soulages enrichit sa palette. Si la couleur de fond est superbe, le contraste avec les régions noires sera encore plus brillant.

Le 17 octobre à Londres, Sotheby's vend une huile sur toile intitulée 'Peinture 125 x 202 cm 30 octobre 1958', lot 29 estimé £ 2M.

La forme sombre ajourée ou transparente par endroit envahit un fond jaune d'or, avec une ombre à son contour qui évoque les transitions somptueuses de Rothko ou Zao Wou-ki.

14 oct. 2014

La Femme-Fleur des Saisons de Manet

L'art d'Edouard Manet s'appuyait sur les grands maîtres du passé, mais sa volonté d'exprimer la vie et les moeurs de son temps généra une incompréhension durable. Pendant vingt ans, il fut rejeté des Salons qui étaient les arbitres du bon goût officiel français.

Tout commence à changer en 1881. Son vieil ami Antonin Proust, proche de Gambetta, suggère à Manet de réaliser une série de peintures allégoriques des quatre saisons. Manet s'imprègne assez lentement de ce projet.

Les premières peintures, le Printemps et l'Automne, sont réalisées durant l'année. L'année suivante, des études d'amazones montrent comment Manet voulait exprimer l'Eté, mais il mourra en 1883 sans avoir travaillé sur l'Hiver. En 1882, avec le Printemps et Un bar aux Folies-Bergères, le Salon offre enfin à Manet son triomphe officiel.

Le printemps est le temps du renouveau, de l'espoir et des fleurs. Manet est inspiré par le thème de la femme-fleur, incarnée par la très jeune actrice Jeanne Demarsy joliment vêtue d'habits fleuris dans un environnement de rhododendrons. Jeanne est vue de profil dans le goût de la Renaissance mais elle exprime fièrement l'autonomie de la femme nouvelle.

Le Printemps, huile sur toile 74 x 52 cm, est à vendre le 5 novembre par Christie's à New York, lot 16 estimé $ 25M.

Cette oeuvre fait l'objet d'une vidéo partagée par Christie's (ci-dessous). L'image est partagée par Wikimedia :

Edouard Manet 023

13 oct. 2014

Les Cassettes d'André-Charles Boulle

Les meubles de rangement de l'ancien temps étaient les armoires, de grande contenance pour une utilisation fixe, et les coffres qui accompagnaient les voyageurs.

Autour de 1700, André-Charles Boulle conçoit des meubles destinés aux petits objets : bijoux, médailles, collections, accessoires de toilette. Le cabinet à tiroirs devient ainsi le précurseur de la commode imaginée par Boulle vers 1706.

La cassette ou coffre de toilette est un petit coffre monté sur un piétement de même surface. Soixante ans plus tard, lorsque la boîte de rangement deviendra plus étroite que la tablette, ce modèle de meuble deviendra le bonheur-du-jour.

Ces innovations précèdent aussi le bureau plat, qu'il faut citer ici pour rappeler que Boulle fut à lui seul le concepteur de toutes les formes modernes du mobilier français. Le luxe de ses marqueteries en première partie et contrepartie et de ses bronzes dorés est également sans précédent.

De 1700 jusqu'à l'incendie de 1720 et sans doute un peu au-delà, la cassette sur piétement fit partie des lignes de produit régulières de Boulle. L'ébénisterie et l'ornementation étaient préparées indépendamment et assemblées lorsque l'atelier recevait la commande.

Une paire de cassettes sur piétement a été vendue £ 1,55M incluant premium par Christie's le 8 décembre 1994.

Une autre paire, également attribuée à Boulle, est estimée € 1,5M, à vendre par Christie's à Paris le 5 novembre, lot 53. Le piétement à quatre pieds gainés est surmonté d'un tiroir et équipé d'une planche d'entretoise centrée par un vase en bronze.


12 oct. 2014

L'Artiste du Scrimshaw

Le scrimshaw fut surtout un loisir de marins trompant l'ennui des longs voyages en ciselant des dessins sur l'os ou l'ivoire. Les bateaux revenaient des mers lointaines chargés de barriques de graisse et d'huile de cachalot, intensivement utilisée pour l'éclairage et la lubrification avant le développement de l'industrie du pétrole.

En août 1826, la Susan part de Nantucket pour poursuivre les baleines dans le Pacifique. Elle revient au bout de trois ans à son port de départ avec environ 2700 barriques d'huile.

Frederick Myrick est à bord. Il est un des premiers marins qui date et signe des scrimshaws de dents de baleine. 36 pièces lui sont attribuées. Sur un modèle unique, elles offrent des différences de détails, comme par exemple les pleines voiles lors des transits ou les voiles réduites pour la chasse.

A l'exception de neuf pièces, tous les scrimshaws de ce groupe sont datés. Ces dates s'échelonnent entre décembre 1828 et septembre 1829, couvrant la fin de la chasse et le retour.

Cependant il est difficile de conclure sur la signification précise de cette datation, liée soit à l'exécution de la pièce soit aux événements du bord. Deux des pièces datées et quatre non datées montrent d'autres bateaux, et rien n'empêche de penser que l'artiste les a réalisées sur commande après son retour.

Le 26 octobre à Boston, Skinner vend un scrimshaw non daté signé par Myrick montrant le bateau Frances au large du Pérou, lot 236 estimé $ 150K. Il porte le même couplet que beaucoup d'autres pièces, d'origine non identifiée mais remémorant l'ambiance de ces voyages : 'Death to the living, long life to the killers, success to the sailors' wives and greasy luck to whalers'.


11 oct. 2014

La Géométrie du Terrain de Sport

Peter Doig est, après Diebenkorn, un des artistes qui ont su tirer profit de l'expressionnisme abstrait pour un retour au figuratif. Sa maîtrise impeccable des mélanges de couleurs liquides ont fait de lui le meilleur paysagiste de notre temps.

Malgré ce succès, les thèmes du paysage et de l'architecture n'expriment pas suffisamment la vie moderne. A la fin des années 1990, Doig découvre à quel point la géométrie est une composante inéluctable dans la vision du monde contemporain.

Sa série des Country rocks, autour de 1999, est un monde de nouveaux contrastes : entre la structure linéaire de l'autoroute et l'aspect insipide de la banlieue ; entre la grisaille de la scène et l'arc-en-ciel du tunnel commémoratif. Une huile sur toile 195 x 270 cm a été vendue £ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 30 juin 2014.

Le 16 octobre à Londres, Christie's vend The Heart of Old San Juan, huile sur toile 250 x 195 cm peinte en 1999, lot 58 estimé £ 4M.

L'inspiration de cette peinture est comparable aux Country rocks. Localisée cette fois-ci à Puerto Rico, elle a pour élément principal un terrain de basketball, qui offre la géométrie abstraite de ses lignes, cercles et poteaux dans une perspective plongeante rigoureuse. Le soleil couchant est un clin d'oeil qui apporte une dimension chatoyante aux nuances vertes du terrain.

L'homme est absent mais son intervention a modifié le paysage partout, jusqu'aux Tropiques. Le refus de l'anecdote n'empêche pas l'immersion de l'artiste dans ce monde où l'esthétique des formes est effacée par l'utilitarisme.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's.

10 oct. 2014

Une Horloge d'Autel

Les horloges et les automates vont bien ensemble : il était tentant pour les mécaniciens d'animer des figures pour attirer l'attention des spectateurs à des heures pré-réglées. Les pièces anciennes, datant d'avant le re-développement des automates en Suisse par Jaquet-Droz, sont cependant devenues d'une grande rareté.

Le 15 octobre à Paris, Jean-Claude Renard vend une horloge d'autel surmontée d'un gros automate musical aussi volumineux que l'horloge elle-même, lot 209 sur le catalogue partagé par la plate-forme d'enchères Interencheres, estimé au-delà de € 80K. L'ensemble de ces deux corps en bois peint mesure 120 x 64 x 55 cm, sur un piétement de 138 cm de haut.

L'origine ecclésiastique de cette pièce ne fait aucun doute : l'automate met en scène Dieu le Père, l'Ange Annonciateur, la Vierge à l'Enfant, les Rois Mages et Adam et Eve, et a appartenu à la chapelle du Palais Fieschi à Gênes.

L'auteur n'a pas été identifié, mais le mouvement est comparable à celui d'une horloge réalisée en 1706 par Morand pour Louis XIV.

L'horloge et l'automate sont en état de fonctionnement, démontré par l'expert Denis Corpechot dans la vidéo ci-dessous partagée par Interencheres sur Vimeo. Je vous invite également à lire l'article publié en français par Interencheres.



Horloge aux automates de 1700 aux enchères from interencheres.com on Vimeo.

6 oct. 2014

La Monnaie du Nouveau Monde

En 1536, la production de pièces de 3 reales est commencée dans la résidence privée de Hernan Cortes à Mexico, inaugurant la première monnaie des Amériques. Deux ans plus tard, en 1538, par suite d'un décret impérial publié l'année précédente, la valeur de 3 reales est remplacée par deux nouvelles valeurs, 4 et 8 reales.

La mythique pièce d'argent de 8 reales était documentée mais personne ne l'avait vue jusqu'à ce que trois exemplaires soient trouvés au début des années 1990 dans l'épave d'un naufrage qui avait eu lieu vers 1550.

Cette monnaie avait été un échec. Trop difficile à faire, la 8 reales avait été abandonnée au bout de quelques semaines et n'avait jamais été mise en circulation. On sait maintenant qu'il n'y avait pas plus de trois exemplaires dans l'épave et il est supposé que ces trois pièces étaient des specimens acheminés vers la cour impériale d'Espagne.

Elles sont effectivement maladroites avec un contour irrégulier et des traces de double frappe. La gravure était ambitieuse, avec un beau blason et l'identification des monarques, l'empereur Charles V et sa mère Jeanne la Folle.

Surtout, le revers porte l'image des Colonnes d'Hercule, symboles du départ des conquérants en direction de l'immense océan. Derrière les colonnes, une banderole oblique porte une partie du motto impérial. Plus tard cette banderole viendra s'enrouler sur les colonnes, formant le sigle du dollar tel qu'il est utilisé jusqu'à aujourd'hui.

Deux des trois pièces sont en très bon état, ayant échappé à la corrosion malgré le naufrage. L'une d'elles est estimée au-delà de $ 500K à vendre le 6 novembre à Orlando par Daniel Frank Sedwick, lot 404 ici partagé sur la plate-forme d'enchères Sixbid. Sedwick est spécialisé dans la vente des trésors numismatiques des naufrages.

5 oct. 2014

La Pudeur Intimiste de Corot

La carrière de Corot fut un grand succès. Ses abondantes peintures de paysages de France et d'Italie restent dans un style classique, mais il fut un des pionniers en France de la peinture de plein air.

Vers 1850, inspiré par la Renaissance Italienne, il renonce aux thèmes historiques pour réaliser des portraits anonymes qui vont devenir son jardin secret : il les montre parcimonieusement et il faudra attendre bien des années après sa mort pour que les critiques d'art admettent qu'il s'agit de son oeuvre la plus importante.

Ses jeunes paysannes en jolis corsages de style Italien sont souvent des liseuses qui s'interrompent pour regarder en direction de l'observateur. Leur attitude rêveuse s'oppose au comportement jovial exhibé par l'artiste dans sa propre vie, expliquant peut-être la raison profonde pour laquelle il gardait ces images pour son propre usage avec une pudeur intimiste. Il apparaît néanmoins comme un précurseur de Bouguereau.

Le 27 octobre à New York, Christie's vend une Liseuse interrompant sa lecture peinte dans les années 1850. Cette huile sur toile 56 x 46 cm est estimée $ 1,2M, lot 9.

Domenico Gnoli entre Pop et Op

En 1969, Domenico Gnoli peint des détails démesurément grossis des personnes de son entourage. Ces thèmes triviaux qui évoquent le pop art sont des prétextes pour montrer des lignes délicatement ondulantes dans un réseau serré. Restant figuratif, il est cependant proche de l'op art abstrait de Riley ou Vasarely.

Une acrylique et sable sur toile 170 x 150 cm montrant par derrière les cheveux très noirs de sa femme a été vendu £ 7M incluant premium par Christie's le 13 février 2014 sur une estimation basse de £ 1,2M.

Le 17 octobre à Londres, Sotheby's vend l'image hyperréaliste du haut d'un pantalon gris, en deux registres de stries verticales avec un bouton proche de la taille soigneusement cousu et positionné dans sa boutonnière.

De la même technique que la vue des cheveux, cette peinture 98 x 131 cm est estimée £ 2M, lot 16.

1969 est la grande année de l'inspiration artistique de Gnoli. Il est mort d'un cancer l'année suivante, âgé de 37 ans.

4 oct. 2014

L'Islam Lyrique de Shirin Neshat

Née en Iran dans une famille occidentalisée, Shirin Neshat faisait ses études artistiques à Los Angeles lors de la révolution Islamique de 1979. Elle avait 22 ans. Revenue en Iran en 1990, elle s'attacha à exprimer la continuité de la dignité de la femme musulmane malgré ce changement de moeurs qui pouvait être considéré comme une régression.

Sa série des Women of Allah, de 1993 à 1997, inclut des chefs d'oeuvre de la photographie musulmane moderne. A partir de 1998, elle réalise des installations vidéo à deux ou trois écrans.

La vidéo intitulée Passage, en 2001, avec une musique par Philip Glass n'est pas une installation puisqu'elle est limitée à une seule projection.

Avec une grande beauté formelle, l'artiste montre trois groupes qui finissent par converger en une cérémonie funéraire dans les paysages désertiques du Maroc : les hommes portent le linceul, les femmes en tchador creusent le trou et un enfant empile des pierres pour faire un monument.

Passage a été édité en six exemplaires sur format DVD. L'un d'eux avec sa cassette VHS est estimé US$ 200K, à vendre par Sotheby's à Doha le 13 octobre, lot 6.






Chagall inspiré par les Nuits d'Arabie

Marc Chagall est un imagier. Ses illustrations de La Bible, faites pour Vollard en 1930, sont des eaux-fortes rehaussées de gouache.

En 1948, quatre ans après la mort de Bella, Chagall est hanté par le thème de l'amour perdu. Sollicité par Pantheon Books à New York, il conçoit alors ses premières images lithographiques, sous le titre Four tales from the Arabian Nights.  Les grandes séries publiées par Tériade, comme Daphnis et Chloé et le Cirque, sont ultérieures.

Chagall avait été profondément ému par la traduction des Mille et Une Nuits éditée par Richard Burton en 1884. Explorateur de l'Afrique, Burton était un des meilleurs connaisseurs des traditions érotiques de tous les continents et avait publié également une traduction du Kama-Soutra, en 1883. Considéré en son temps comme un pornographe, il bravait l'Angleterre Victorienne.

La série des Four tales est composée de douze planches 37 x 28 cm sur des feuilles de 43 x 33 cm. Chaque image est accompagnée d'une citation du texte de Burton sur une feuille séparée. L'éditeur a eu l'idée sympathique de disperser les épreuves d'essais et les clichés d'imprimerie parmi certaines copies de cette édition.

Le 28 octobre à New York, Bonhams vend une de ces copies, lot 48 estimé $ 300K, avec ses étuis et ses intercalaires d'origine. En plus des 12 planches de la version finale, cet ensemble inclut 23 épreuves rassemblant surtout les tirages provisoires des images 5 et 9 ainsi que d'une planche supplémentaire numérotée 13.

2 oct. 2014

Le Kaolin Plissé de Piero Manzoni

A la fin des années 1950, les artistes réalisent le vieux rêve anti-bourgeois de suppression du figuratif et de l'émotionnel dans l'art. Tout est permis quant aux matériaux et aux moyens, depuis la récupération d'objets de Rauschenberg ou Cornell jusqu'au lance-flammes et aux femmes pinceaux de Klein.

En 1958 et 1959, la série des Achromes de Piero Manzoni libère l'art de la couleur. Il cherche une pureté absolue qui rend sa démarche différente du mysticisme de Klein ou Fontana et du dégoût de Burri.

Manzoni laisse couler sur sa toile une pâte liquide de kaolin, ce matériau qui déjà un millénaire plus tôt apportait le blanc absolu aux potiers Chinois. Comme dans le cas des lacérations de Fontana, le geste créateur de l'artiste n'est pas absent : sa toile est plissée avant d'être enduite. Lorsque la pâte sèche, elle solidifie les interstices des sillons.

Manzoni n'intervient pas pendant le séchage, à part une surveillance des conditions climatiques. Les détails de la texture, épaisseur, bulles et coulures, échappent ainsi à l'artiste.

Les plus grandes toiles Achromes sont des exploits techniques car une grande homogénéité de la couche est nécessaire pour offrir l'effet de pureté voulu par l'artiste. Leur motif est une large bande centrale de sillons serrés, le haut et le bas de l'oeuvre restant unis, comme un fleuve qui coule entre ses deux rives ou comme une longue chevelure.

Un Achrome peint en 1958, 116 x 148 cm, avec d'intéressantes ondulations des sillons, a été vendu $ 14M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013. Un autre de la même année, 114 x 145 cm, a été vendu $ 10M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008.

Un Achrome similaire, 110 x 150 cm avec un contraste de luminosité des sillons, est estimé £ 5M, à vendre le 17 octobre à Londres par Sotheby's, lot 12.