30 nov. 2014

L'Or des Hephthalites

Le 3 décembre à Londres, Sotheby's vend un bijou tour de cou antique en or et grenats, lot 12 estimé £ 200K. Cette pièce inédite jusqu'à ce jour appartenait depuis la fin du XIXème siècle à une famille du Kirghizistan.

L'origine Hunnique de cette pièce ne fait aucun doute. Il y a 1500 ans, l'actuel Kirghizistan faisait partie du territoire des Hephthalites. Les Hephthalites ont été nommés Huns Blancs par les historiens Byzantins pour faire une distinction politique et raciale avec les Huns d'Attila qui avaient semé le terreur en Occident.

Malgré leur immense empire, ces tribus nomades qui ignoraient l'écriture et l'agriculture sont peu connues, mais leur influence s'est étendue de la Perse à l'Inde et jusqu'à la Corée. Leur art est connu par les bijoux retrouvés dans les tombes des farouches guerriers et aussi des femmes. Leur société pratiquaient la polyandrie, qui était un moyen efficace pour éviter les successions fratricides.

Le bijou à vendre est une nappe de fils d'or tressés terminée de chaque côté par des figures de dragons ornées de cabochons de grenats et de verre. Les dragons tiennent une boucle qui permet d'effectuer un laçage. Très remarquablement, deux boules de la même technique que les dragons ont été conservées avec le collier. La meilleure hypothèse est qu'elle servaient de contrepoids pour le laçage.

Ce bijou complexe aux dragons stylisés est l'occasion de rappeler que les peuples de l'époque Mérovingienne étaient de fervents amateurs d'orfèvrerie, qu'ils maîtrisaient parfaitement. L'or circulait par les pillages et les rançons. La taille des pierres précieuses était encore rudimentaire.

L'Invention de la Biologie Moléculaire

La naissance de la biologie moléculaire est due à une coopération pluridisciplinaire entre chimistes, physiciens et biologistes. L'existence des acides nucléiques dans les noyaux des cellules avait été identifiée au XIXème siècle. A partir de 1939, les progrès de micro-radiographie X laissaient espérer la compréhension de la structure de ces molécules.

Les savants avaient identifié deux types d'acides, l'ARN (acide ribonucléique) dans le cytoplasme de la cellule et l'ADN (acide désoxyribonucléique) dans les chromosomes. Ils comprenaient que ces acides détenaient la clé du fonctionnement de la vie.

Deux laboratoires Britanniques de cristallographie travaillèrent en collaboration. Francis Crick, assisté du jeune médecin Américain James D. Watson, était à Cambridge. A Londres, Maurice Wilkins était assisté de Rosalind Franklin qui perfectionnait la technique d'observation et réalisait les clichés. Le cancer prématuré de Rosalind Franklin est probablement dû à une dose excessive d'irradiation.

La structure en simple hélice de l'ARN et les deux brins de l'ADN furent parmi les premières découvertes. En 1953, Watson comprit que les formes des éléments des deux brins de l'ADN étaient identiques bien que ces éléments soient différents. Crick et Watson développèrent aussitôt le modèle de la double hélice, qui fut la plus grande avancée de tous les temps dans le domaine des sciences de la vie.

La lettre écrite par Crick à son jeune fils démontre qu'il était conscient de l'ampleur considérable de la découverte. Elle a été vendue pour $ 6,05M incluant premium par Christie's le 10 avril 2013.

Le prix Nobel de Physiologie et Médecine est décerné à Crick, Watson et Wilkins en 1962. La médaille et le diplôme Nobel de Crick ont été vendus en un seul lot pour $ 2,27M incluant premium par Heritage le 11 avril 2013.

Watson, âgé de 86 ans, a confié à Christie's la vente de ses souvenirs Nobel, offerts en trois lots le 4 décembre à New York. La médaille Nobel avec son écrin est estimée $ 2,5M, lot 1. Ses notes manuscrites pour le discours d'acceptation sont estimées $ 300K, lot 2.

Le manuscrit de sa conférence Nobel sur le rôle de l'ARN dans la synthèse des protéines est estimé $ 200K, lot 3. Moins de dix ans après la découverte de la double hélice, ce thème montrait que les mécanismes physico-chimiques de la vie étaient désormais parfaitement expliqués.

Une partie du produit de le vente sera reversé par le Dr Watson au bénéfice de la recherche scientifique et d'oeuvres charitables.

29 nov. 2014

Le Papillon dans l'Art d'Adriaen Coorte

Adriaen Coorte n'a pas de biographie. Fort heureusement il signait ou monogrammait ses oeuvres, et certaines étaient datées, de 1683 à 1705. 64 peintures sont identifiées, et aucun dessin. Inconnu de ses contemporains, il n'est mentionné qu'une fois, en 1695-1696, à Middelburg quand la ligue locale de St Luc lui inflige une amende pour une vente non autorisée.

Les natures mortes de Coorte n'ont ni prédécesseur ni successeur. La plupart montrent un arrangement de fruits ou d'asperges sur le coin d'une table de pierre. A partir du milieu des années 1690, sa technique très inhabituelle d'huile sur papier collé sur toile ou sur panneau renforce l'idée que l'auteur n'était pas un artiste professionnel.

Le papillon apparaît à la même période. En vol, ses ailes entièrement ouvertes ou fermées n'apportent pas de réalisme dans la composition, pas plus que les dispositions exubérantes de petits animaux dans l'art de van Kessel.

Au contraire de l'exubérance de van Kessel, Coorte est un minimaliste. La texture particulièrement soignées des fruits avec leurs tiges et leurs feuilles est le thème unique de sa composition, mais il aime les formats verticaux et le papillon vient rompre agréablement la monotonie de la partie supérieure de l'image.

Une telle recherche décorative basée sur une iconographie humble anticipe les recherches de Chardin, sans que l'on puisse imaginer aucun lien entre l'amateur de Middelburg et l'artiste Français.

Un papier sur panneau 31 x 23 cm non daté, réalisé vers 1695, montrant trois pêches et un papillon, a été vendu £ 2,05M incluant premium par Bonhams le 7 décembre 2011. Cette peinture est estimée £ 2M, à vendre par Sotheby's à Londres le 3 décembre, lot 37. L'image est partagée par Wikimedia :

Adriaen Coorte - Three peaches on a stone ledge with a Painted Lady butterfly

Van Dyck et les Musiciens

Van Dyck, considéré dans sa jeunesse comme le meilleur assistant de Rubens, était un maître du portrait. Une visite de six ans en Italie lui permit d'admirer le style luxueux et profondément psychologique de Titien. Il revint à Anvers en 1627.

Les portraits de musiciens réalisés par Van Dyck à Anvers bénéficient de cette double influence de Rubens et Titien. Les chanteurs étaient à la même époque un thème favori des Caravagistes d'Utrecht mais van Dyck, cherchant une clientèle aristocratique, ne s'intéressait certainement pas en priorité aux cabarets.

D'origine Hollandaise, Hendrick Liberti est chanteur et compositeur. Son portrait a sans doute été commandé à van Dyck à l'occasion de sa nomination comme organiste de la cathédrale d'Anvers en 1628. Il n'est pas daté, mais ses dimensions, 114 x 88 cm, sont similaires à celles du portrait du musicien anglais Nicholas Lanier qui était à Anvers en 1628. Les deux huiles sur toile appartenaient quelques années plus tard à la fabuleuse collection royale de Charles I où elles étaient certainement accrochées côte à côte.

Le portrait de Liberti est à vendre par Christie's à Londres le 2 décembre, lot 13 estimé £ 2,5M. Agé de moins de 30 ans, le jeune musicien est montré à mi-corps. Il tient une feuille de musique dans une attitude inspirée.

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26 nov. 2014

Colt présente un Fusil de Chasse

Le modèle breveté 1855 de Colt est une nouvelle ligne de produit, nommée Sidehammer pour l'amélioration de la gachette et le cylindre clos. Colt a l'intention d'appliquer son système de pistolet revolver à des armes plus longues incluant les carabines et les fusils militaires, de sport et de chasse. Le développement de ces fusils est difficile à cause d'une fâcheuse tendance à la propagation du feu.

Les armes à très long canon du modèle 1855 apparaissent en 1860. 600 fusils de chasse sont produits en calibre .75. La longueur du canon de ce fusil à cinq coups est 36 inches.

Un fusil de chasse de présentation modèle 1855 Sidehammer vient d'être découvert. Il porte la marque de dédicace datée 1865 à son premier propriétaire et n'était jamais sorti de la famille. Il est estimé $ 150K, à vendre par Rock Island Auction Company à Rock Island IL le 6 décembre, lot 1277.

Ce fusil a été richement gravé avec notamment des chiens de chasse. Il est offert avec sa caisse d'usine d'origine. Il a conservé plus de 95% de la finition brune du canon.

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23 nov. 2014

Soleil sur la Piazza San Marco

La vue d'ensemble de la Piazza San Marco en direction de la Basilique est un des thèmes favoris pour Canaletto et ses clients. Vers 1723, une peinture de près de 2 m de large est un des plus anciens chefs d'oeuvre du maître.

Canaletto montrait la Piazza comme étant le vrai centre d'activités de la ville. Les Vénitiens y vont à leurs affaires, seuls ou par groupes, riches ou travailleurs, enfants et même les chiens. Le linge sèche aux fenêtres des palais.

Au tout début des années 1730, Canaletto travaille mieux les effets de lumières et d'ombres. L'ambiance ensoleillée de la Piazza est parfaite sur l'huile sur toile 59 x 92 cm à vendre par Sotheby's à Londres le 3 décembre, lot 11 estimé £ 5M. La précision topographique des monuments est très bonne.

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La Porsche 908 retrouve sa Queue

Le développement des modèles 908 et 917 par Porsche est simultané, en 1968 et 1969. Les puissances et les catégories ne sont cependant pas comparables. La 917 est en Group 4 avec son énorme moteur de 4,5 litres, tandis que la 908 est en Group 6 avec 3 litres.

Le premier problème à résoudre, particulièrement crucial pour la 917, est la stabilité. La version K à queue courte (Kurz Heck) est stable mais trop lourde tandis que la LH (Lang Heck) a une meilleure vitesse de pointe.

La version 908.02, sortie en prototypes en 1969, est un spyder, plus légère que la 908 coupé. Son aérodynamique est également améliorée par une carrosserie très aplatie qui lui donne le sobriquet de Flunder (la sole).

Les pilotes préfèrent la LH. En 1970, le châssis 5 de la Porsche 908.02 Flunder est transformé en Lang Heck. Dans cette configuration, elle obtient un bel historique dans les courses d'endurance et participe à quelques séquences de course du film Le Mans.

Ce prototype 908.02 Flunder LH est à vendre par Bonhams à Londres le 30 novembre, lot 23.

Strindberg dans la Tempête

August Strindberg utilisait l'écriture pour exprimer sa vision sur la signification de la vie, influencée tour à tour par Nietzsche, Zola et Swedenborg. Son hypersensibilité le mène à l'occultisme et à la dépression. En 1892, il quitte la Suède pour essayer de reconstituer son équilibre. Cette crise durera six ans.

Strindberg était un peintre amateur. Il avait compris que la création artistique était une forme majeure d'expression des sentiments et considérait qu'elle doit donner un plaisir extatique à son auteur.

En 1893, il peint des paysages dans lesquels le ciel et la mer forment une continuité sans horizon. Il positionne ses couleurs au couteau, par balafres.

En 1894, ses tribulations le mènent avec sa très jeune femme qui est enceinte dans une cabane à Dornach, dans la haute vallée du Danube. En attendant la naissance, il décore ce logis par sept peintures de sujets différents.

Le paysage est grandiose. Alplandskap, huile sur panneau 72 x 51 cm, est une des peintures de la maison de Dornach. Comme dans les scènes maritimes, l'horizon disparaît dans la transition des couleurs entre les montagnes et les nuages. Le mouvement tourbillonnant du couteau rappelle le ciel étoilé de van Gogh. Alplandskap a été vendu £ 2,1M incluant premium par Sotheby's le 27 juin 2007.

Strindberg est conscient que son art est totalement nouveau. Le titre n'est qu'un guide, et l'oeuvre est un tour de force qui exprime à la fois l'environnement extérieur et le tourment intérieur de l'artiste. Il ébauche la théorie de ses créations sous le nom d'Art fortuit (en français), qui ouvre la voie bien plus tard au rôle de l'émotion dans l'art abstrait et aux paysages abstraits de Zao Wou-ki.

Le 3 décembre à Stockholm, Bukowskis vend Stormlandskap, peinture sur papier 32 x 24 cm montée sur panneau, lot 689 estimé SEK 5M. Stormlandskap a été peint à Paris en octobre 1894, sans doute dans le but de démontrer ses théories à un ami, et est redécouvert maintenant. La conception est très similaire à Alplandskap, avec cependant une tendance plus marquée à annihiler la figuration.

Si Strindberg avait été un artiste professionnel, il aurait pu bousculer pour toujours les théories artistiques. Kandinsky l'a fait quinze ans plus tard à Murnau.

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AUGUST STRINDBERG, STORM LANDSCAPE from Bukowskis on Vimeo.

22 nov. 2014

Un Missorium pour la Paix

Le 29 novembre à Paris, Pierre Bergé et Associés vendent un missorium Sassanide, lot 179 estimé € 400K. Le mot missorium pour désigner un plat de présentation en argent est une convention moderne.

Ce plat en argent doré de 29 cm de diamètre pesant 896 g montre un roi en majesté entouré de quatre assistants, avec des lions rugissants et des chimères ailées à tête de cheval. La scène est en relief par la technique du métal moulé et forgé. L'élément le plus proéminent est la tête du monarque, ce qui accroît sa luminosité et par conséquence la dignité royale.

Il n'est pas daté mais des comparaisons de style le rapprochent d'une pièce Romaine connue sous le nom de missorium de Théodose, trouvée cassée en 1847 en Espagne dans un trésor d'origine Orientale. Des études récentes datent le missorium de Théodose de la quinzième année du règne de Théodose II à Constantinople, 423 de notre calendrier.

En 422, après une courte guerre, une paix durable avait été conclue entre Théodose II et Bahram V. Sur un autre front, Bahram avait vaincu quatre rois Hunnites qui peuvent être les personnages qui l'accompagnent sur le missorium Sassanide.

Une hypothèse qui pourrait expliquer l'ensemble de cette histoire est que le missorium de Théodose aurait été utilisé comme plat de présentation pour Bahram V et que le missorium Sassanide qui vient en vente est une imitation portant un thème à la gloire du même roi.

L'Ermite Pétrifié de Carélie

Nikolai Roerich a participé activement aux mouvements artistiques Russes jusqu'à la Révolution. Pacifiste et passionné par le mysticisme dans toutes les religions, il refusa le Bolchévisme et s'exila.

Il trouva en Carélie un endroit approprié pour vivre face aux forces brutes de la nature et développer un nouveau style artistique. L'homme est tout petit, noyé dans un environnement grandiose, et pourtant il domine la scène par la force de son esprit.

Roerich trouve son inspiration dans la légende de St Siméon Stylite, cet ascète qui pria pendant près de quarante ans sans descendre de sa colonne. Le 26 novembre à Londres, Bonhams vend The Praying Stylite, tempera et huile sur toile 154 x 129 cm peinte en 1918, lot 30, chef d'oeuvre de la période Carélienne de l'artiste.

Le saint homme disparaît presque dans des montagnes expressives aux couleurs très saturées. Il est seul. Il prie debout depuis si longtemps que ses pieds sont pétrifiés. Sa silhouette est desséchée et la barbe atteint les genoux.

Roerich est un peintre du mysticisme, et pas seulement du mysticisme chrétien. Après la Carélie, il voyagea beaucoup, notamment en Asie. Son Lao Tseu et son Confucius peints à la tempera sur toile vers 1924 ont une inspiration similaire à celle du Stylite Carélien, avec des couleurs plus claires. Ces peintures ont été vendues $ 2,2M et $ 1,25M incluant premium par Sotheby's le 26 avril 2006.

Les Tuiles Post-Coloniales d'Adriana Varejao

Née à Rio de Janeiro, Adriana Varejão exprime la façon dont l'Amérique du Sud a assimilé sa période coloniale pour construire sa propre culture.

Son modèle est Lucio Fontana, né à Buenos Aires de parents Italiens et qui passa la moitié de sa vie en Argentine. Parede com incisoes a la Fontana, 180 x 250 cm, peint par Varejão en 2001, a été vendu pour £ 1,1M incluant premium par Christie's le 16 février 2011. L'oeuvre est un mur de 900 petites tuiles balafré de huit grandes incisions.

L'azulejo, carreau de faïence le plus souvent bleu clair, est un des symboles de la dissémination de la culture du Portugal dans ses anciennes colonies. En 2001, Varejão construit des tuiles bleu clair de 1 x 1m à l'huile et plâtre sur toile avant de les assembler en polyptyques sous le nom de Macau walls.

Macao avait effectivement subi la même imprégnation Portugaise que le Brésil. Dans les tuiles de Varejão, cette allusion Chinoise est marquée par des motifs abstraits irréguliers rappelant de façon très lointaine les craquelés de la porcelaine Song.

Un triptyque a été vendu pour £ 506K incluant premium par Sotheby's le 30 juin 2014. Un autre Macau Wall (Blue) constitué de deux rangées de trois éléments est estimé $ 700K, à vendre par Phillips à New York le 24 novembre, lot 15.

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ADRIANA VAREJÃO 'Macau Wall (Blue)', 2001 from Phillips on Vimeo.

16 nov. 2014

Les Trois Têtes de St Antoine

En 1945, la vie reprend après la Seconde Guerre Mondiale. Albert Lewin prépare un film d'après Bel-Ami, le roman de Maupassant. Les tentations rappellent la légende de St Antoine dans le désert d'Egypte, un bon thème pour intéresser les artistes surréalistes.

Lewin a l'idée audacieuse et astucieuse d'organiser une compétition ouverte à dix artistes sur le thème de St Antoine, avec comme enjeu l'utilisation de la peinture dans le film. Duchamp fait partie du jury. Max Ernst gagne avec une oeuvre gothique qui répond bien à l'imagination populaire des diableries. Dali réalise une de ses oeuvres les plus connues, datée 1946.

Leonora Carrington fait partie des dix artistes invités, sans doute suite à sa liaison d'avant-guerre avec Max Ernst. Agée de 28 ans, elle n'est pas encore connue du public. Le thème excite sa fantaisie exacerbée par ses récentes difficultés psychiatriques.

L'huile sur toile peinte par Carrington, 122 x 91 cm, datée 1945, est estimée $ 1,8M, à vendre le 24 novembre par Sotheby's à New York, lot 17.

Leonora s'est amusée à positionner tous les symboles de la légende, en introduisant des nouveautés. Les trois têtes blafardes du saint sortent progressivement du manteau blanc trop grand qui est aussi un linceul remémorant les fantômes de Blake. Une jeune femme le tente en préparant des nourritures succulentes. Une sorcière joue de la trompette au milieu d'une couverture en forme de toile d'araignée tenue par les péchés. La disproportion des figures restera une caractéristique majeure de sa vision personnelle du surréalisme.

L'artiste répondait complaisamment aux questions sur l'interprétation de ses oeuvres. Quand on lui demandait pourquoi le saint avait trois têtes, elle répondait : why not ?

Le Tricentenaire des Romanov

Le 24 novembre à Londres, Sotheby's vend Ivan Soussanine par Konstantin Makovsky, lot 6 estimé £ 1,5M.

Le thème favori de Makovsky était l'histoire Russe et les légendes épiques associées. Ivan Soussanine est ce vieux paysan qui a conduit les Polonais dans la mauvaise direction afin de protéger Michel Romanov. Son meurtre par les soldats en pleine forêt a inspiré les dramaturges et les compositeurs d'opéras dont Glinka en 1836.

L'huile sur toile qui vient en vente est monumentale : 3,51 x 5,83 m. Elle a été réalisée en 1914, un an après les célébrations du tricentenaire de la dynastie Romanov. L'animation dans la forêt enneigée est foisonnante et tragique. L'apparition en haut à droite en apothéose de Michel Romanov sur la Place Rouge ne laisse aucun doute sur la volonté de l'artiste de plaire au pouvoir Tsariste.

Cette oeuvre probablement peinte à Paris n'atteignit cependant pas la Russie, d'abord à cause de la mort accidentelle du vieil artiste en 1915, puis bien sûr à cause de la Révolution. Elle fut exposée pour la première fois à Londres en 1926, à une époque où la peinture d'histoire était bien passée de mode.

Elle apparait maintenant, comme un chef d'oeuvre d'un contemporain d'Alma-Tadema et Cormon.

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L'Education Murale du Peuple Mexicain

L'une des causes profondes de la révolution Mexicaine était le besoin de créer une identité sociale que les régimes autocratiques n'offraient pas.

En 1921, José Vasconcelos crée le Secrétariat à l'Education Publique. La population est majoritairement illettrée. Vasconcelos développe le projet de décorer les bâtiments publics avec de grandes fresques promouvant la révolution et l'athéisme ainsi qu'un métissage égalitaire.

La participation de Vasconcelos au gouvernement fut éphémère mais toute la spécificité de l'art Mexicain du vingtième siècle résulte de cette initiative : non seulement les fresques sociales de Rivera, Orozco et Siqueiros, mais aussi le surréalisme de Kahlo et Carrington qui a bénéficié de cette tendance à styliser pour éduquer.

Le 24 novembre à New York, Sotheby's vend une peinture de Rivera, lot 23, composée de quatre huiles sur toile alignées sur un panneau haut de 1,52 m pour une longueur totale approchant 9 m. Il s'agit de l'étude pour une fresque réalisée en mosaïque vers 1955 pour un client privé.

Intitulée Rio Juchitan, cette fresque montre des hommes, des femmes et des enfants dans leurs occupations quotidiennes au bord d'une rivière du Sud-Est du Mexique, avec l'innocence des personnages de Gauguin ou de l'art de Bali.

La peinture à vendre n'est pas exposée à New York et n'a pas l'autorisation de sortie permanente du territoire Mexicain.

15 nov. 2014

Alexandre Iacovleff, le Dernier Artiste Voyageur

Alexandre Iacovleff commence ses grands voyages en 1917. Le jeune Russe âgé de 30 ans part explorer l'Extrême-Orient. Influencé par Diaghilev et Benois, il est passionné par la diversité des cultures.

A cette époque où la photographie a banalisé l'image des pays lointains, Iacovleff est un dessinateur et un peintre. Il produit une quantité prodigieuse de dessins.

Il regarde tout. Au théâtre, il ne s'intéresse pas seulement à la scène mais aussi à l'attitude des spectateurs dans les loges derrière leurs tasses et leurs théière. Une huile sur toile 90 x 134 cm a été vendue pour £ 1M incluant premium par Sotheby's le 28 novembre 2006. Dans une hardie diagonale, une scène localisée à Pékin (Beijing), tempera sur toile 108 x 118 cm peinte en 1918, est à vendre par Bonhams à Londres le 26 novembre, lot 41 estimé £ 500K.

En France, l'intérêt ethnographique de son travail est reconnu. Il participe comme artiste à deux expéditions organisées par Citroën pour démontrer la robustesse de ses véhicules. La Croisière Noire traverse l'Afrique en 1924-1925. La Croisière Jaune, en 1931-1932, visite l'Asie.

Le 24 novembre à Londres, Sotheby's vend 97 carnets de dessins et notes 18 x 10 cm par Iacovleff couvrant tous ses voyages de 1917 à 1932, en un seul lot estimé £ 250K, lot 15.

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14 nov. 2014

Le Collet du Diable

La beauté de la nature était la principale source d'inspiration de Georgia O'Keeffe. Peintre au milieu du cercle de photographes animé par son mari Alfred Stieglitz, elle voulait tout admirer depuis les plus vastes paysages jusqu'aux plus infimes détails. A partir de 1929, elle visite régulièrement le merveilleux site de Taos.

Elle n'est pas botaniste mais il n'y a aucun besoin d'être savant pour être fasciné par le datura, une herbe folle qui est particulièrement abondante dans le Nouveau Mexique. Les fleurs en trompette apparaissent à la tombée de la nuit avec de fines nuances de couleurs sur fond blanc. Puissante hallucinogène, cette plante est appelée localement Jimson weed et plus couramment Collet du Diable (Devil's snare).

Peint en 1932, Jimson weed - white flower No 1 est un très beau portrait de fleur. Inspirée par la macrophotographie, c'est une invitation à entrer de pleine face dans les secrets intime d'un datura démesurément agrandi. Cette huile sur toile mesure 122 x 107 cm, un très grand format pour l'artiste à cette époque.

Cette peinture est estimée $ 10M, à vendre par Sotheby's à New York le 20 novembre, lot 11. Elle est déaccessionnée par le Georgia O'Keeffe Museum de Santa Fe NM avec l'accord du donateur.

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La Légitimité Bouddhiste de l'Empereur Yongle

Hongwu avait fondé la dynastie Ming en s'appuyant sur les sectes Bouddhistes. Son quatrième fils, le prince de Yan, était un général habile et compétent. Trop compétent : le vieil empereur trouva un subterfuge pour l'écarter de la succession.

Le prince prit le pouvoir par un coup d'Etat quatre ans plus tard, 1402 de notre calendrier. Son neveu, qui périt dans l'incendie du palais impérial après avoir ranimé la guerre féodale, était un lettré qui s'appuyait sur les Confucianistes. Le nouvel empereur effaça des annales le règne de son prédécesseur dont il massacra les partisans, prit le nom de Yongle signifiant Bonheur Perpétuel et commença aussitôt à préparer le transfert de la capitale de Nanking à Beijing.

L'ambitieux Yongle ne pouvait pas apparaître comme un usurpateur : il s'offrit une légitimité Bouddhiste. Il invita le Karmapa, qui était un des sages les plus importants du Bouddhisme Tibétain et devait son pouvoir à la réincarnation.

Le voyage du Karmapa du Tibet jusqu'à Nanking dura quatre ans, pendant lesquels Yongle organisa l'hommage Bouddhiste à ses parents décédés et prépara des cadeaux somptueux. Les récits de miracles réalisés par le Karmapa furent propagés et contribuèrent efficacement à renforcer le pouvoir de Yongle, désormais héritier légitime de Hongwu.

Le 26 novembre à Hong Kong, Christie's vend une admirable thangka brodée de fils de soie, lot 3001. Cette pièce monumentale de 3,35 x 2,13 m est en parfait état avec des couleurs vives d'une grande beauté.

Conformément aux préoccupations de Yongle, son thème est la victoire sur la mort. Le personnage central à la tête rouge vif est Raktayamari, le Conquérant de la Mort, qui tient sa femme embrassée et piétine impitoyablement le corps bleu de Yama, le Seigneur de la Mort allongé sur le dos d'un buffle. En haut et en bas de l'image, des figures de divinités invitent à la dévotion Bouddhiste.

Cette pièce inclut la marque de présentation de Yongle. L'existence de deux thangkas de même qualité dans un monastère de Lhasa ajoutée au fait que la pièce à vendre était au Sikkim dans les années 1940 renforce l'hypothèse selon laquelle elle aurait accompagné le Karmapa dans son voyage de retour.

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12 nov. 2014

Turner au-dessus du Tibre

Turner visita Rome deux fois, en 1819 et 1828. Il fut ébloui par cette ville qui tentait d'organiser sa modernité sans renier son glorieux passé. Lors de son premier voyage, il était préoccupé par l'illustration et dessina des centaines d'esquisses des vues et des monuments. Son second voyage avait pour but de s'imprégner de l'ambiance pour réaliser des huiles sur toile.

Turner avait un ami, d'un caractère aussi difficile que lui-même : Hugh Munro of Novar. C'était l'époque des voyageurs aquarellistes et Munro aurait bien voulu devenir artiste. Turner essaya d'aider Munro, mais le jeune homme n'était pas doué. Il devint un des plus grands collectionneurs d'art de son temps.

Quand Turner revint de Rome, Munro lui commanda une peinture sur laquelle la ville devait être montrée avec la plus grande vérité topographique. Turner réexamina ses dessins. L'huile sur toile montrant Rome vue du mont Aventin, 93 x 126 cm, fut terminée en 1835.

Dans la lumière du matin, cette vue est un chef d'oeuvre de cette période de grande maturité de l'artiste. L'effet de brume au-dessus du Tibre est un exploit pré-impressionniste. Le dessin de la texture urbaine est d'un grand détail sur toute l'étendue de la ville immense et l'animation est agréable.

Cette oeuvre pouvait former pendant avec la vue de Rome prise du Capitole, achetée en 1839 par Munro. Passées en 1878 dans la collection des comtes de Rosebery, les deux peintures sont restées dans un fabuleux état de conservation. La vue du Capitole a été vendue pour £ 29,7M incluant premium par Sotheby's le 7 juillet 2010.

La vue avec le Tibre est estimée £ 15M, à vendre par Sotheby's à Londres le 3 décembre, lot 44.

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11 nov. 2014

Un Mammouth dans le Sussex

Le mammouth laineux, espèce connue de l'homme et éteinte il y a environ 4000 ans au bout de 8000 ans de déclin progressif, est le mieux connu des animaux préhistoriques grâce à des cadavres trouvés dans la glace.

Le 26 novembre à Billingshurst dans le West Sussex, Summers Place vend un squelette complet à 90%, lot 92 estimé au-delà de £ 150K. Voici le lien avec le site de la maison de ventes.

Plus petit que ses prédécesseurs, le mammouth laineux a les dimensions d'un gros éléphant. Le squelette à vendre, haut de 3,50 m, est certainement un mâle : les femelles étaient plus petites. Les défenses du mammouth, par contre, étaient plus grandes. Celles du spécimen à vendre ont une courbe intérieure de 2,40m et sont en excellent état. L'animal vivait en Europe de l'Est il y a peut-être 10000 ans.

Un squelette de mammouth Sibérien a été vendu pour € 240K incluant premium par Sotheby's le 2 octobre 2012.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Daily Mail pour annoncer le squelette de la prochaine vente :

La Guitare Gretsch de John Lennon

Le modèle de guitare 6120 a été sorti par Gretsch en 1955 avec le support promotionnel de Chet Atkins. Cet instrument Américain accompagne la naissance du rock and roll.

George Harrison, qui était de facto l'expert en guitares des Beatles, posséda une 6120, entre autres. Rappelons qu'une guitare d'une autre marque, une Rickenbacker, qui fut un des instruments préférés de George, a été vendue pour $ 660K incluant premium par Julien's le 17 mai 2014.

John Lennon, intéressé par la sonorité de la Gretsch de George, acheta à son tour en 1966 une Gretsch 6120, un modèle Chet Atkins Nashville fabriqué en 1963. A cette époque, les Beatles venaient peu sur scène et cet instrument n'a pas été utilisé en concert.

C'est cependant une des plus prestigieuses guitares de John qui l'utilisa pour la session d'enregistrements de Paperback Writer à Abbey Road le 14 avril 1966.

Le rock and roll est parfois aussi une affaire de famille. L'année suivante, un cousin de John nommé David Birch voulait à son tour créer un groupe. John donna sa Gretsch à David qui l'a conserva jusqu'à ce jour. Elle est estimée au-delà de £ 400K, à vendre le 23 novembre à Londres par TracksAuction. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Je vous invite à jouer la video partagée sur YouTube par TracksAuction :

10 nov. 2014

Le Piano Marocain de Casablanca

Casablanca, produit par Warner Bros en 1942, est un des plus importants films d'action romantique, avec la rencontre émotionnelle de Humphrey Bogart et Ingrid Bergman. Une partie fondamentale du scénario se joue autour du piano du night club.

L'instrument fabriqué en 1927 était stocké dans les réserves d'accessoires de la First National Pictures (FNP) dont il porte une marque d'inventaire. Lorsqu'il est choisi pour le film, il est peint avec des motifs orientalistes.

Cet instrument a une caractéristique unique liée au besoin du film : son couvercle est détaché du reste de la caisse, pour faciliter le mouvement de l'acteur qui vient y cacher des papiers convoités.

Ce piano avec son tabouret d'origine est le lot 83 de la vente de souvenirs du cinéma Américain organisée le 24 novembre à New York par Bonhams avec la participation de Turner Classic Movies.

Il existe un autre piano de Casablanca, qui a servi dans une scène de flash-back située à Paris. Cet instrument "de la Belle Aurore" a été vendu $ 600K incluant premium par Sotheby's le 14 décembre 2012.

Le Rosebud du Jouet Américain

A la fin du XIXème siècle, les meilleurs jouets réalisés par d'habiles artisans peuvent être considérés comme des oeuvres d'art : poupées de mode en Europe, mechanical banks aux Etats-Unis.

Parmi les jouets à traîner, une pièce en fonte de 50 cm de long réalisée par la société Ives à Bridgeport CT vers 1893 est spécialement remarquable par la qualité de sa réalisation. Elle prend la forme d'un traîneau à neige tiré par un cheval harnaché.

Les détails sont soignés. Le cheval est articulé. Le traineau est équipé de deux petites roues presque invisibles qui réduisent le frottement quand on traîne le jouet. La femme assise tient une rêne dans chaque main.

Le temps a passé et il ne reste plus qu'un seul specimen ayant conservé sa conductrice. Par chance, il est en très bon état. Le collectionneur Max Berry l'appelait son Rosebud. Ce jouet fait partie de la vente de sa collection par Bertoia à Vineland NJ le 15 novembre, lot 230 estimé $ 100K (lien vers la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers).

Un exemplaire sans la poupée et les rênes a été vendu $ 86K incluant premium les 25 et 26 mars 2011, également par Bertoia.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par LiveAuctioneers pour présenter la prochaine vente. Elle inclut également un Monkey Wagon réalisé par Hubley vers 1920, lot 275 estimé $ 75K. Un autre exemplaire de ce jouet rare et ingénieux a été discuté dans cette chronique. Il a été vendu pour $ 98K incluant premium le 19 mars 2009, également par Bertoia.

9 nov. 2014

Les 20 Ducats d'Or de Bâle

En 1741, Bâle est une ville riche grâce à l'industrie de la soie. La pièce d'or de 20 ducats est un chef d'oeuvre de la numismatique de son temps et peut-être la plus belle des monnaies Suisses. Pesant plus de 67 g, elle représente une somme considérable qui explique sa très grande rareté.

Le 25 novembre à Genève, Numismatica Genevensis vend un spécimen de cette pièce dans un état admirable, lot 581 estimé CHF 500K. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

La gravure est d'une grande finesse et très attractive, avec des symboles de Bâle incluant un basilic spectaculaire aux ailes déployées, les armoiries de la ville et les blasons des huit communes associées, sans oublier une corne d'abondance. L'une des faces inclut un grand panorama de la Bâle avec les maisons au bords du Rhin, un pont et deux barques.

Le seul autre exemplaire connu, en moins bon état, est conservé au musée de Zurich.

Je vous invite à jour la vidéo partagée par Numismatica Genevensis, démontrant la qualité de la gravure du paysage Bâlois :

Les Chapeaux de Napoléon

L'imagerie populaire a propagé la silhouette de Napoléon Bonaparte avec son chapeau bicorne, sa redingote grise et la main dans le gilet.

Napoléon était un chef d'armée dont le début de carrière a eu lieu pendant la Révolution Française. Quand il se nomma Empereur en 1804, la dualité de son attitude devint ahurissante. C'était le même homme qui voulait à la fois être aimé de ses humbles soldats pour assurer leur fidélité et diriger la cour la plus luxueuse du monde.

Entre la bataille de Marengo en 1800 et la chute de l'Empire en 1815, le modèle et l'utilisation du chapeau ne changèrent quasiment pas et il n'est pas possible de dater un exemplaire spécifique. Pour se distinguer de ses généraux, il refusait le plumet et portait le bicorne parallèlement aux épaules.

Napoléon achetait quatre chapeaux par an, et chacun pouvait durer trois ans. Pendant le Consulat et l'Empire, il usa ainsi environ cinquante chapeaux, dont beaucoup ont disparu. Un vrai chapeau de Napoléon ne peut pas être en bon état. Il le faisait forcer avant de le porter et ôtait la cocarde quand il le réformait.

Le 16 novembre à Fontainebleau, Osenat en collaboration avec Binoche et Giquello vend un chapeau de Napoléon, lot 89 estimé € 300K, provenant de la collection des princes de Monaco. Cette pièce en feutre noir a conservé sa coiffe intérieure en soie mais la cocarde a été reconstituée.

8 nov. 2014

Le Queen of Burma et le Graff Ruby

Les ventes de haute joaillerie de Christie's et Sotheby's à Genève regorgent de pierres exceptionnelles, et il n'est pas possible de les citer toutes dans cette chronique. Nous nous contenterons donc cette fois-ci de discuter deux rubis.

Le 11 novembre, Christie's vend le Queen of Burma, lot 337 estimé CHF 5,25M.

Ce gros rubis ovale pesant 23,66 carats a été monté en bague par Cartier et vendu en 1937 par Cartier Londres à un Maharajah. Sa couleur rouge-rose saturée est due à une combinaison d'éléments qui n'existe nulle part ailleurs que dans les mines du Mogok.

Dans le catalogue, Christie's compare cette pièce au Hope Ruby de la collection Safra, légèrement plus gros à 32,08 carats, vendu par eux pour CHF 6,2M incluant premium le 14 mai 2012.

Le 12 novembre, Sotheby's vend le Graff Ruby, lot 470 estimé CHF 6,5M.

Pesant 8,62 carats, ce rubis de taille coussin est exceptionnel par sa couleur rouge vif dite sang de pigeon, d'une grande rareté dans cette gamme de poids. Sa pureté et sa brillance sont excellentes. Celui-ci également ne peut venir que du Mogok.

Laurence Graff, qui l'a monté en bague, le considérait comme le plus beau rubis qu'il ait jamais vu. Il ne peut pas y avoir de meilleure recommandation pour cette pierre superbe.




Célébration de la Lune Jaune

La série des Célébrations par Jeff Koons conçue à partir de 1994 inclut vingt sculptures, chacune ayant été réalisée en cinq exemplaires de couleur unique. Elles sont devenues les oeuvres les plus reconnaissables de l'art contemporain.

Les dimensions sont monumentales. Quand une Célébration est exposée, il est impossible de l'ignorer. Les thèmes sont suffisamment simples et symboliques pour être compris à n'importe quel endroit de la planète quelque soit la culture du visiteur.

Les Célébrations ont fait l'objet d'un traitement de surface spécialement développé pour offrir une réflection intense et le lissage des courbes est si parfait que l'observateur admire la sculpture sans se rendre compte qu'il s'agit d'un exploit technique.

Les sujets monochromes, sans doute moins difficiles à mettre au point, ont été les premiers à être terminés, en 1999 et 2000 : le diamant, le coeur pendu, le ballon fleur et le ballon chien. La lune fait partie de ces thèmes pionniers.

Le 11 novembre à New York, Sotheby's vend le specimen jaune de la Lune, lot 33 estimé $ 12M.

Cette pièce de 315 cm de diamètre et 102 cm d'épaisseur terminée en 2000 est remarquable pour deux raisons. Sa couleur est logique pour l'interprétation populaire de notre satellite, et sa large face avant uniformément convexe est certainement le plus beau miroir déformant de toute la série.

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La Cire sur Drapeau de Jasper Johns

L'expression artistique n'a pas de limite à New York en 1954. De très jeunes artistes vont rejeter dans le passé l'expressionnisme abstrait qui avait cependant à peine dix ans.

Après avoir rencontré Rauschenberg, Jasper Johns, âgé de 24 ans, a une des intuitions les plus fécondes de l'art moderne. Duchamp avait introduit les ready mades dans la création artistique. Johns fera disparaître l'objet sous sa propre apparence.

Les trois couleurs du drapeau Américain sont pour Johns une incitation à l'art nouveau. Il peint des drapeaux à l'identique de l'objet officiel sur toutes sortes de support y compris des journaux.

Comme Cézanne, il travaille à l'intérieur des contours comme dans un cloisonné. Contrairement à Pollock ou Rothko, le premier geste minutieux doit être le bon. Toute coulure est voulue par l'artiste qui exige que le séchage soit net et rapide. Johns peint à l'encaustique.

Leo Castelli comprend à quel point l'art peut être bouleversé par cette innovation. En privilégiant la matière par rapport à la forme et à la couleur, Johns anticipe les achromes de Manzoni et les blancs sur blanc de Ryder tout en offrant un sujet reconnaissable par tous qui annonce le pop art.

Castelli a conservé jusqu'à sa mort en 1999 un des premiers Flags de Johns. Il a été vendu en vente privée à Steven Cohen en mars 2010. Les détails n'ont pas été publiés mais le prix de $ 110M n'a pas été démenti.

Le 11 novembre à New York, Sotheby's vend un petit Flag de 30 x 45 cm, lot 9 estimé $ 15M. Peint en 1983, c'est un rare exemple peint sur un vrai drapeau en soie monté sur toile. Sa configuration régulière à 6 rangs de 8 étoiles était périmée depuis 1959, confirmant s'il en était besoin que la démarche de Johns est artistique bien plus que patriotique.

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7 nov. 2014

L'Obsession Papale de Francis Bacon

L'arrivée des figures de papes dans l'art de Francis Bacon remonte à sa première période, dont il ne reste presque rien puisqu'il détruisait ses oeuvres. Commencé juste après la seconde guerre mondiale, ce thème est politique : un pape est aussi un homme, et le luxe inhérent à sa position ne parvient pas à masquer son désarroi psychologique.

Le modèle est illustre : c'est le portrait d'Innocent X par Velazquez. Par prudence, Bacon ne voulut pas voir la peinture originale pour ne pas altérer son élan créatif. Pendant plus de quinze ans, il exécuta environ cinquante peintures sur ce thème. Les plus anciens hurlent leur incompétence à offrir un monde meilleur.

Vers 1960, le pape de Bacon devient muet, aussi tragique que les papes hurlants. Les couleurs sont apposées par des gestes puissants qui rendent le visage indéchiffrable et non identifiable. Il procédera de la même manière pour certains des portraits de ses amis de Soho. Le trône devient neutre mais l'ambiance rouge et pourpre maintient le message d'origine de l'absurdité politique.

Une Seated figure, huile sur toile 153 x 119 cm peinte en 1960, est estimée $ 40M, à vendre par Christie's à New York le 12 novembre, lot 45.

Le 15 mai 2007, Sotheby's vendait pour $ 53M incluant premium une Study from Innocent X peinte en 1962, 198 x 142 cm. C'était à cette époque le plus haut prix enregistré aux enchères pour une oeuvre de Bacon. L'attitude recroquevillée du personnage sur son trône est à la fois burlesque et tragique.

La Création Tragique de Mark Rothko

Mark Rothko assimile la création artistique à une tragédie mythologique, avec une vision dramatique qui rejoint les natures mortes de Cézanne. En 1949, il trouve soudain sa voie en observant les études de couleurs par Matisse. Il apporte alors une symétrie des formes qui exacerbe la lutte d'influence entre les couleurs.

Le 11 novembre à New York, Sotheby's vend Number 21, 1951, une peinture en rouge, brun, noir et orange, lot 17.

Cette huile sur toile de 242 x 163 cm est une des dernières de l'époque où Rothko travaillait encore dans son appartement. L'orange et le rouge forment des zones somptueusement nuancées, en haut et en bas de l'image. La partie sombre du centre, remontant jusqu'en haut par les bords, limite la progression de l'incandescence.

L'année suivante, Rothko s'installe enfin dans un véritable atelier. Il peut alors s'adonner avec plus de liberté à la recherche du grandiose. Il devient plus exigeant, notamment sur les conditions d'éclairage dans les expositions qui doivent contribuer à subjuguer le spectateur. Sa tendance va désormais vers un agrandissement des formats et un minimalisme des rectangles colorés.

Et soudain naquit le Pop Art

En 1961, la peinture de Roy Lichtenstein prend deux directions différentes qui ne sont pas contradictoires : il récupère à la fois la bande dessinée et la publicité, créant de nouveaux thèmes artistiques.

Avec Look Mickey, il a l'idée surprenante pour son temps de montrer les points de trame de l'image d'origine qui forment après agrandissement la texture de sa propre peinture. Cette oeuvre introduit aussi le phylactère dans l'art majeur.

Pour la publicité, il procède différemment. Depuis l'année précédente, la mode de porter des baskets s'est répandue dans toute l'Amérique. Ces chaussures de toile à semelle de caoutchouc deviennent à la fois un objet de consommation de grande popularité et un symbole de l'évolution de la société vers un monde moins guindé.

L'huile et graphite sur toile intitulée Keds, 122 x 87 cm, montre une paire de chaussures avec au premier plan le dessin d'une des semelles. Les chaussures sont posées sur une surface jaune vif délimitée par un éclatant zigzag. Lorsque Lichtenstein apporte Keds à Castelli, le Pop Art est né.

Bientôt Warhol trouve une inspiration similaire. A ses débuts sa relation avec la publicité est plus ambiguë. Lichtenstein supprime la marque, et pour Keds il a même récupéré une annonce d'un produit concurrent. Une autre différence anticipe l'évolution comparée des carrières des deux fondateurs du Pop Art : dans Look Mickey comme dans Keds, Lichtenstein crée un art d'un optimisme total.

Keds est à vendre par Christie's le 12 novembre à New York, lot 32. Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's.


6 nov. 2014

Les Couleurs de Liz

Andy Warhol a construit une grande partie de sa notoriété initiale avec une seule image de Marilyn et une seule image de Liz, toutes deux extraites de magazines. Elle ont cependant eu un rôle différent dans le développement de son business.

Les premières Marilyn, en 1962, sont expérimentales. L'idée d'Andy est de mêler les techniques de l'acrylique et de la sérigraphie. Il essaye une variété de processus, dimensions et dispositions de l'image qui est déjà parfois multipliée en juxtaposition sur une seule toile.

Liz, choisie pendant l'été 1963, ouvre l'utilisation de la peinture pour une reproduction multiple avec des dimensions figées. Elle est d'abord vue sur fond de peinture argent, allusion aux écrans de cinéma. Un premier passage en sérigraphie sert de repère pour les couleurs : rose pour la peau, rouge pour la bouche, turquoise pour les larges cernes des yeux. Une seconde sérigraphie apporte le noir profond des traits et des cheveux.

En novembre 1963, Andy prépare une exposition de Liz de 101 x 101 cm qui seront toutes semblables sauf la couleur du fond. Les Liz utilisées dans cette expositions sont numérotées de 1 à 6. Sept autres specimens n'ont pas été numérotés. L'ensemble de la série est identifiée sous le nom d'Early Colored Liz.

L'année suivante, Andy exploite sa Liz en édition de gravures, à nouveau avec des fonds de couleurs variées.

L'Early Colored Liz numéro 5 à fond turquoise a été vendue pour $ 27M incluant premium par Phillips de Pury le 12 mai 2011. La numéro 1 d'un jaune trop vif s'est contentée de $ 20,3M incluant premium le 13 novembre 2013 chez Sotheby's. Une turquoise non numérotée a été vendue $ 23,5M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2007.

L'Early Colored Liz numéro 3 à fond vert sera vendue le 11 novembre par Sotheby's à New York, lot 27.

Autoportrait de Kippenberger en Culotte de Picasso

Pour ce qui concerne la peinture, l'époque de Martin Kippenberger aurait pu être une génération perdue. Il admire Picasso comme étant l'artiste ultime qui résume l'art du XXème siècle. Il aime la photo prise par Duncan en 1962 où Picasso est torse nu, habillé seulement d'une culotte blanche.

En 1988, Kippenberger est activiste, ambitieux et mondain. Venu à Vienne pour affaires, il arrive sans l'avoir voulu dans un hôtel minable, tous les autres étant complets. Il se met dans la tenue de Picasso et se regarde dans la glace. Il voit qu'il est laid.

Les autoportraits de Kippenberger en culotte de Picasso montrent un barbu désagréable avec un gros ventre plein de bière. Il a 35 ans. Cette série ne montre pas seulement le début de la déchéance physique inexorable de l'artiste, elle questionne surtout l'avenir de l'expression artistique par la peinture.

Le 12 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 242 x 202 cm, lot 40 estimé 15M. Dans une attitude arrogante contraire à celle de Picasso, l'homme est posé sans jambes sur une étagère comme s'il était une potiche.

Une autre peinture de même dimension a été vendue pour $ 18,6M incluant premium le 12 mai 2014 par Christie's. L'homme est vu au travers d'un trou de serrure en forme de fesses. Son attitude est si abjecte qu'il préfère cacher sa tête dans une goutte bleue.

Une autre, vendue pour $ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2009, avait été discutée dans cette chronique. Montrant l'homme penché pour vomir, elle est la plus réaliste de ces trois oeuvres.

5 nov. 2014

La Peau du Lion Peureux

Le Magicien d'Oz, produit en 1939 par la Metro-Goldwyn-Mayer, reste le plus populaire des films de fantaisie, et le Lion Peureux est son personnage le plus extravagant.

Ce lion est un ami de Dorothy. Il chante et danse en rêvant de trouver du courage et de devenir le roi de la forêt. Le rôle était tenu par l'acteur burlesque Bert Lahr. Il lui fallait de la ténacité pour jouer dans cet accoutrement car la peau est épaisse et lourde.

Le costume a été réalisé à partir d'une vraie peau de lion. Le travail fut difficile car les techniciens comprirent vite que ces animaux sont tous différents, limitant la possibilité de réaliser un habit de rechange. Deux costumes de Lion Peureux ont été réalisés, mais un seul a été utilisé pour le tournage.

Le costume utilisé à l'écran avait été acquis par un spécialiste qui l'orna de la tête moulée du fils de Bert Lahr. Il a été invendu en décembre 2011 aux enchères à Beverly Hills sur une estimation de $ 2M.

Il est maintenant listé par Bonhams dans la vente du 24 novembre à New York, lot 128.

Une photo de Bert Lahr dans la peau du lion est partagée par Wikimedia :

The Wizard of Oz Bert Lahr 1939

4 nov. 2014

Cy Twombly à la Recherche de l'Ecriture

Cy Twombly a projeté dans l'art sa formation initiale de cryptologue et ses sentiments d'esthète. Dans sa première période Romaine, il imagine que les taches de couleurs qu'il dispose sur la toile sont des réminiscences de messages trop effacés pour être compris mais ouvrant l'accès à des significations mythiques.

A partir de 1966, Twombly poursuit sa recherche sémiotique en direction de la psychanalyse. Sur la toile noire qui ressemble au tableau des classes enfantines, il dessine à la cire blanche des messages indéchiffrables en lecture directe mais qui parlent au subconscient de l'observateur.

La comparaison entre deux toiles peintes en 1970 démontrent que l'artiste cherche tout autant à exprimer l'infinie diversité de l'humanité que sa propre créativité. Désormais inspiré par la graphologie, l'art de Twombly décrit et interprète toute la gamme des caractères humains dans la phase fondamentale et formatrice de la petite enfance.

L'un de ces Blackboards, situé à New York City, 144 x 178 cm, a été vendu pour $ 17,5M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2012. L'écriture est nerveuse, avec des angles et des retours en arrière.

L'autre exemple, 156 x 190 cm, n'est pas localisé dans le titre mais a été peint après le retour à Rome de l'artiste. Il est estimé $ 35M, à vendre par Christie's à New York le 12 novembre, lot 20.

Ici, la fausse écriture est formée de boucles très régulières comme si elles provenaient d'un élève intelligent et calme, mais elle forme quatre lignes d'un inextricable chevelu qui s'élargit du haut vers le bas en une fausse perspective.

Le Crépuscule de Mark Rothko

Tout au long de sa carrière, Rothko a exprimé par les relations entre les couleurs sa vision de toutes les émotions et de toutes les cultures du monde, en abandonnant volontairement tout recours à la figuration. Par cette approche hardie et très réussie, il est un des plus importants artistes modernes.

A partir du printemps 1968, rien ne va plus pour Mark Rothko, malade, buveur, fumeur, irritable, presque impotent. Sa femme le quitte au jour de l'an 1969. Il peint des toiles de petites dimensions dominées par le gris et le noir qui expriment sa nouvelle sensation pessimiste de la vie.

Pourtant, au début de l'année 1970, ce très important coloriste a un sursaut. Une de ses trois huiles sur toile de cette très courte période, 173 x 137 cm, est estimée $ 15M à vendre par Sotheby's à New York le 10 novembre, lot 6.

Cette oeuvre étrange est typique de ses compositions mais exprime les frissons de la tombée de la nuit avec ses trois grandes zones vert foncé sur un fond indigo. C'est son testament artistique, l'envahissement de son désespoir et son ultime effort pour une scène de grande dimension.

Rothko se coupe les veines le 25 février 1970.

La Parure de Bapst pour l'Impératrice Eugénie

Eugénie de Montijo était une aristocrate Espagnole éduquée à Paris. Le nouvel empereur, Napoléon III, l'épouse en 1853. Il est séduit par cette jeune femme de 27 ans qui animera la cour par son élégance et son attitude majestueuse et orientera la mode à son goût.

Eugénie fut une des plus grandes utilisatrices de bijoux de son temps. Elle se précipite sur les Joyaux de la Couronne de France qui n'avaient pas été dispersés, et sélectionne certains d'entre eux pour faire assembler de nouveaux bijoux.

Alfred Bapst retrouve alors le rôle tenu par ses ancêtres qui avaient été Joailliers de la Couronne. En 1855, Eugénie commande à Bapst une parure qui restera un des bijoux les plus prestigieux de son règne.

La parure exécutée par Bapst est composée de trois éléments : une guirlande (collier), un tour-de-corsage à porter sur la robe et une broche devant-de-corsage. Les motifs de feuilles de groseilliers sont réalisés par un pavage de diamants de taille ancienne montés en argent et or.

Après la chute de l'Empire, les bijoux d'Eugénie ont été vendus aux enchères. Beaucoup d'entre eux ont été démontés du fait de la valeur marchande individuelle des pierres. Restée intacte, la broche aux feuilles de groseilliers est estimée CHF 1,9M, à vendre par Christie's à Genève le 11 novembre, lot 387. Elle est centrée d'un diamant plus important et ornée de trois pampilles.

3 nov. 2014

Une Amie de la Grosse Sue

En 1995, Lucian Freud peint l'image de la grosse Sue. L'huile sur toile 151 x 219 cm intitulée Benefits Supervisor sleeping a été vendue pour $ 33,6M incluant premium par Christie's le 13 mai 2008.

Sue est nue en grandeur nature sur un sofa Freudien. Le vieil artiste n'est pas un psychiatre. Il n'a pas besoin de communiquer avec son modèle, et cela ne le dérange pas que la femme dorme paisiblement. Ses séances de pose sont interminables. Freud veut explorer tous les détails de la chair considérée comme une frontière animale.

Il ne devait pas être si désagréable d'exhiber sa nudité pour Freud : une amie de Sue nommée Julie obtient à son tour cette faveur. Elle aussi s'endort lors d'une séance.

Le 12 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 122 x 152 cm peinte en 2001 intitulée Julie and Martin, lot 51 estimé $ 15M.

Le vieil artiste n'est pas jaloux de la jeune femme nue, qui dort en toute confiance la tête posée sur une hanche de son amant Martin. L'homme complètement habillé caresse négligemment le sein de la femme.

Comme pour Sue, la chair a prééminence sur une recherche esthétique qui n'intéresse pas Freud. Avec leur présence sereine et naïve, ces deux personnages offrent le portrait intime d'un couple moderne.

Le King et le Bad Boy

Après avoir exploité l'adoration du public pour deux actrices, Marilyn et Liz, Andy Warhol a regardé les acteurs. Le 12 novembre à New York, Christie's vend deux de ses oeuvres les plus importantes de ce thème, le Triple Elvis (Ferus Type) et le Quadruple Marlon. Les deux acteurs, chacun à sa manière, incarnaient la rebellion de la nouvelle génération.

L'exposition de 1963 à la Ferus Gallery de Los Angeles avait donné l'occasion à l'artiste de préparer des images multiples du King sur un fond argent qui évoquait l'écran de cinéma. Le 9 mai 2012, Sotheby's vendait pour $ 37M incluant premium un Double Elvis (Ferus Type), 208 x 122 cm, pour lequel l'inégalité de densité des deux personnages identiques apporte une sensation de frénésie.

Pour le Triple Elvis, lot 9 de la prochaine vente, 208 x 173 cm, les trois figures chevauchantes sont d'égale densité mais le dynamisme est apporté par leur écartement inégal.

Pour honorer Marlon en 1966, Andy utilise une toile non traitée qui renforce la brillance. Sur la plupart des images, plus rares que les Elvis, le Bad Boy est un rebelle cantonné à la partie droite de la toile.

Un Double Marlon 213 x 243 cm, a été vendu $ 32M incluant premium par Christie's le 13 mai 2008. Le Quadruple Marlon, lot 10 de la prochaine vente, 206 x 165 cm, est le seul de cette série pour lequel l'image occupe toute la surface en deux rangs de deux images.

Les deux oeuvres, vendues séparément, proviennent d'une collection Allemande destinée à décorer un casino. Le communiqué de presse du 10 septembre annonçait une estimation globale aux environs de $ 130M pour ces deux lots.

Je vous invite à jouer les deux vidéos partagées par Christie's : Elvis et Marlon.

Les Gens dans l'Eglise

Thomas Struth questionne le positionnement des gens d'aujourd'hui dans un environnement du passé. Ses photos de très grande dimension, sans perte de profondeur de champ ni erreur de perspective, sont généralement éditées en dix exemplaires et montées sur plexiglas.

Ses séries les plus connues montrent les visiteurs dans des musées ou des lieux de culte. Une vue d'un groupe de touristes au Panthéon de Rome, réalisée en 1990 et éditée en 1992, 188 x 241 cm, a été vendue pour £ 820K incluant premium par Sotheby's le 26 juin 2013.

Struth observe les fidèles dans les églises du monde entier. au repos ou pendant les cérémonies. Une vue de San Zaccaria à Venise en 1995 a été vendue pour £ 700K incluant premium par Christie's le 18 octobre 2013.

Plus récente, sa série sur les églises d'Amérique du Sud illustre parfaitement son message. Les gens d'aujourdhui viennent prier dans des cathédrales grandioses et excessivement ornées qui sont des réminiscences de l'époque coloniale.

Le 11 novembre à New York, Bonhams vend deux vues d'Amérique du Sud, chacune estimée $ 500K. Je n'ai pas trouvé d'antécédent aux enchères d'images de cette série.

Le lot 42 est l'Iglesia de San Francisco à Lima, 178 x 234 cm, éditée en 2003.

Le lot 43 est l'Igreja Matriz de Nossa Senhora do Pilar à Ouro Preto, 170 x 217 cm, éditée en 2004.


2 nov. 2014

De Kooning pétrit l'Homme à son Image

Willem de Kooning était tout d'abord un peintre, bien sûr. Refusant l'allégeance à toute école et à toute tendance, ses oeuvres supprimaient la frontière entre l'abstrait et le biomorphique, générant chez le spectateur un trouble parfois difficile à caractériser.

Soudain en 1969 de Kooning décide de devenir un sculpteur. Il pétrit l'argile avec énergie et passion, créant une texture tourmentée qui rappelle Giacometti. Son premier thème restera son chef d'oeuvre de sculpteur : le Pêcheur de coquillages (clamdigger).

Le clamdigger fouille le sable pour extraire les coquillages. Son geste réunit les symboles de la création : l'eau de la mer, la glaise, l'animal primitif, l'homme. Il a même été suggéré que le clamdigger de de Kooning est un auto-portrait. La texture imite le clapotis des vagues.

Cette sculpture de 1,51 m de haut a été éditée en bronze en 1972 en sept exemplaires plus trois épreuves d'artiste. Le 12 novembre à New York, Christie's vend l'épreuve d'artiste que de Kooning avait installé à l'entrée de son atelier. Cette statue était restée jusqu'à ce jour dans sa descendance. Elle est estimée $ 25M, lot 21.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's :

Fenêtre Ouverte sur Santa Monica

Le thème de la fenêtre ouverte est apprécié des paysagistes comme un accès vers l'immensité du monde. En 1914, dans deux oeuvres expérimentales qui restèrent inédites de son vivant, Matisse conserve la fenêtre et gomme ou oublie le paysage.

En 1965, Richard Diebenkorn est ébloui par la signification de ces deux oeuvres, la Fenêtre à Collioure et la Vue de Notre-Dame. Il commence en 1967 sa série intitulée Ocean Park du nom du district de Santa Monica où il vient d'installer son atelier.

L'armature de la fenêtre des Ocean Park est toujours incomplète, ouvrant la voie vers l'infini comme avait fait Mondrian. Elle est aussi un prétexte pour des couleurs manufacturées qui font contraste avec la transparence de la lumière de Sud Californie qui est le thème principal de la vision abstraite de l'artiste.

Ocean Park # 48, 274 x 208 cm, peint en 1971, a été vendu $ 13,5M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012.

La vente de la collection Mellon par Sotheby's à New York le 10 novembre inclut trois importantes huiles sur toile de cette série.

Ocean Park # 50, 236 x 206 cm, daté 1972, est estimé $ 7M, lot 23. Ocean Park # 61, de mêmes dimensions, peint en 1973, est estimé $ 8M, lot 18. Ocean Park # 89, 206 x 206 cm, daté 1975, est estimé $ 8M, lot 11. Cette dernière oeuvre inclut un effet de verre fêlé.

Géométrie chez les Senoufos

La mythologie du peuple Senoufo de Côte d'Ivoire donne la place prépondérante à la genèse. Tous les êtres humains sont liés par filiation matrilinéaire au couple primordial. Les rites sont organisés dans chaque village par une société initiatique, le Poro.

Cette croyance est concrétisée par des statuettes qui sont utilisées lors des deux passages, la puberté et la mort, ainsi qu'en ornement de sanctuaire. Le 11 novembre à New York, Sotheby's vend une figure de la mère divine, haute de 92 cm, lot 48.

L'artiste Senoufo qui a réalisé cette oeuvre n'a pas voulu respecter les proportions : le torse est très long et étroit, et les jambes sont courtes, peut-être pour être vus par en-dessous comme une figure du Greco. Bien au contraire, il a exprimé la puissance mythique en recourant à la géométrie. Par exemple, les oreilles sont des cercles parfaits, les seins sont des cônes et les sourcils sont une simple ligne horizontale.

Le nombril proéminent résultant de la perte du cordon ombilical est le lien qui évoque la fécondité et la création. Les dessins ornant en quelques traits les corps des jeunes femmes pubères sont copiés sur la statuette.

L'histoire ancienne de cette pièce n'est pas connue, mais des comparaisons permettent de dater sa réalisation au XIXème siècle ou au début du XXème siècle. Elle serait ainsi contemporaine du majestueux couple primordial Senoufo qui a été vendu $ 4M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2008.


1 nov. 2014

L'Humour Monumental de Joan Miro

Tout au long de sa longue carrière qui s'étend sur plus de six décennies, Joan Miro n'a jamais abandonné l'humour et les monstres. Il a envie de peupler son univers de créatures solides aussi énigmatiques que ses peintures. En 1956, il s'installe à Palma dans un atelier de grande dimension qui lui permet de développer sa créativité de sculpteur.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend un bronze conçu par Miro en 1976 et fondu la même année par Susse dans une édition de deux exemplaires.

La conception est digne de Duchamp : une boîte en carton formant la tête d'un personnage est posée sur un joug d'âne qui représente les jambes. L'ensemble a été agrandi par étapes successives pour créer la version finale de 4,50 m de haut. Le titre est typique de la poésie hermétique de Miro : Personnage gothique Oiseau éclair.

Avec cette oeuvre, cet artiste alors octogénaire apparaît comme un précurseur du gigantisme de la sculpture contemporaine. Ce bronze est estimé $ 6M, lot 50.

Le 9 mai 2007, Christie's avait vendu pour $ 10M incluant premium un bronze conçu en 1981, de 3,70 m de haut, dont le biomorphisme est également accentué par l'ouverture stable des jambes qui permet d'éviter d'utiliser un socle.

Je vous invite à jouer la vidéo où Sotheby's introduit les sculptures de Miro de sa prochaine vente :

Action et Jazz pour Franz Kline

Franz Kline était un sensoriel, pas un théoricien. Il est avec Pollock le principal artiste de l'Action painting qui donne la priorité au geste, mais sa méthode est complètement différente. Pour Kline, le geste crée une esquisse sans cesse retravaillée. Quand le rythme et l'équilibre du trait lui plaisent, il le recopie à l'huile sur des surfaces de grandes dimensions.

Kline était proche de De Kooning mais ses principales oeuvres sont en noir et blanc. La légende prétend qu'il gardait les couleurs pures disponibles sur sa palette mais préférait y renoncer quand elles ne lui apportaient pas une sensation supplémentaire.

Comme Pollock, Kline se laissait imbiber par le jazz. En 1958, il exprime son admiration pour King Oliver mort vingt ans plus tôt. Pour cette huile sur toile 251 x 196 cm, ses couleurs pures sont dignes de De Kooning mais l'ambiance à la fois abstraite et chaleureuse est propre à Kline. C'est un de ses chefs d'oeuvre.

Le King Oliver de Franz Kline est estimé $ 25M, à vendre par Christie's à New York le 12 novembre, lot 23. Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's :


Supercomplication à l'Usage de New York

Patek Philippe savait être à l'écoute de ses riches clients privés. La marque de Genève reste ainsi depuis plus d'un siècle la pionnière de la miniaturisation des montres assorties d'un nombre croissant de complications, sous forme de montres de poche puis de montres bracelets.

Dès 1900, le specimen Palmer était une montre de poche offrant la répétition des minutes, les mois, les jours de la semaine, le chronographe à rattrapage, la grande et la petite sonnerie et les phases de la Lune.

James Ward Packard, l'industriel de l'automobile, fut un des plus exigeants clients de Patek Philippe. En 1916, il obtint une montre de poche à seize complications, et en 1927 il fit cohabiter une carte du ciel avec 9 autres complications.

Quand Packard mourut en 1928, le banquier New Yorkais Henry Graves Jr avait déjà commandé la montre de poche la plus compliquée du monde, avec 24 complications réparties en deux cadrans dont une carte du ciel vue de New York.

Terminée en 1932, la Supercomplication est une pièce unique pour laquelle Patek Philippe avait mobilisé ses meilleurs spécialistes. L'assemblage de ses 920 composants dans un boîtier de 74 mm de diamètre et 36 mm d'épaisseur est un exploit technique qui restera inégalable jusqu'à l'époque de la conception assistée par ordinateur.

La Supercomplication a été livrée à Graves le 19 janvier 1933 pour CHF 60K, près de cinq fois le prix de la dernière montre de Packard. Elle a été vendue pour $ 11M incluant premium par Sotheby's le 2 décembre 1999. Elle est à vendre par Sotheby's à Genève le 11 novembre, lot 345.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Sotheby's :