31 janv. 2015

Le Mariage de la Carotte et de la Bouteille

Magritte avait été un des premiers surréalistes. Selon ses propres déclarations, son langage artistique a trouvé un nouvelle inspiration en 1936 une nuit où il rêva qu'un chant d'oiseau était exécuté par un oeuf, l'incitant à explorer des similitudes incongrues.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend L'Explication, huile sur toile 80 x 60 cm datée 1952, lot 70 estimé £ 4M.

Sur la table placée devant la fenêtre ouverte, un objet hybride est dressé. Deux specimens complets expliquent sa composition : une bouteille de vin et une carotte. L'artiste a été intéressé par la forme effilée de ces deux objets.

Pourtant cette paisible nature morte atteint une agressivité considérable, avec ses deux nuances de rouge et sa pointe taillée en forme d'obus. La fenêtre s'ouvre sur un espace obstrué par un rideau de scène sur lequel pendent des boules planètes, du mauvais côté du cosmos.

Dans la droite ligne de La Trahison des images illustrée par le célèbre texte Ceci n'est pas une pipe, L'explication n'explique rien.

Promesses pour le Cosmos

Lucio Fontana était un sculpteur qui finit par réussir le tour de force de montrer l'espace en utilisant des surfaces planes. Le titre générique qu'il donna à la majeure partie de son oeuvre d'après-guerre, Concetto Spaziale, marque cette recherche continue.

Le sous-groupe Concetto Spaziale - Attese est l'ensemble le plus prolifique et le plus populaire de son art. En 1965, Fontana va en effet au-delà du minimalisme en lacérant avec sa lame de rasoir des toiles strictement monochromes, incluant le blanc le plus immaculé.

Son geste rejoint l'action painting mais la pureté absolue de l'incision et l'adroite disposition des fentes sur la surface de la toile font de ces Attese un moyen d'expression unique dans l'histoire de l'art. La fente de Fontana exprime la promesse de percevoir l'infini cosmique au travers de la toile, d'une façon plus aisément compréhensible de l'observateur que les peintures abstraites de Mondrian. Attese signifie Attentes.

Un Concetto Spaziale - Attese blanc 80 x 100 cm exécuté en 1965 à la peinture à l'eau est estimé £ 5M, à vendre par Sotheby's à Londres le 10 février, lot 8.

Avec ses 23 fentes réparties sur deux rangées, c'est la plus complexe réalisation de la série. Fontana était conscient que la réussite de ce specimen était exceptionnelle, et il l'utilisa pour le très exceptionnel reportage photographique où il dévoila le mécanisme de son acte créatif.


28 janv. 2015

Le Cadastre de la Pennsylvanie

En 1681, le roi Charles II octroie un vaste territoire limitrophe du New Jersey au militant quaker William Penn, qui commence aussitôt à organiser sa nouvelle colonie.

L'année suivante, Penn invite en Amérique un ancien capitaine de l'armée de Cromwell nommé Thomas Holme pour être le premier surveyor de Pennsylvanie et créer Philadelphie.

Penn est très attentif à ce que la colonisation soit claire et contrôlée et demande rapidement à Holme de constituer un cadastre suffisamment précis pour identifier les propriétés. La carte de Holme est réalisée à l'échelle de 1 inch par mile. Il n'y aucun équivalent dans la cartographie Américaine de son temps. Elle inclut aussi en cartouche le plan rectiligne de la nouvelle ville de Philadelphie.

La carte de Holme est imprimée en 1687 à Londres. Le premier état est connu à un seul exemplaire conservé au British Museum. Le second état, avec le cartouche de Philadelphie en haut à droite, est aussi extrêmement rare. Le seul exemplaire en mains privées est estimé $ 200K à 300K, à vendre par Keno à New York le 31 janvier, lot 9.

Cette carte est un assemblage de six feuilles pour un format total de 85 x 140 cm, coloriée ultérieurement.

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Acajou Dentelé à Philadelphie

La seconde moitié du XVIIIème siècle voit le très rapide développement économique de Boston et Philadelphie. Politiquement Philadelphie, grâce à sa position plus centrale par rapport aux colonies, jouera le rôle majeur à l'époque de l'indépendance.

La grande bourgeoisie de Philadelphie fait un bon accueil aux meubles en acajou de style Chippendale. Curieusement, les meilleurs ébénistes n'ont pas été identifiés et leurs réalisations ont été groupées sous des pseudonymes inventés.

La table à thé à plateau basculant à bord dentelé est un des modèles les plus spectaculaires parmi le mobilier colonial de Philadelphie. Leur ciselure est abondante et extrêmement soignée.

L'apparition d'un meuble inédit en parfait état provenant sans discontinuité des familles des notables de Philadelphie est un événement important, surtout quand ces pièces ont été normalement entretenues sans être retouchées.

C'est le cas de la table à thé de provenance Fisher-Fox ciselée par "Garver" vers 1760. Elle a été vendue pour $ 6.8M incluant premium par Christie's le 3 octobre 2007.

Le 31 janvier à New York, Keno vend le specimen Potter-Crouch-Jordan exécuté à la même époque par "Spike", dans un état de conservation similaire, qui est également une nouvelle découverte. Cette table à thé est estimée $ 500K à 2M, lot 1.

Les modèles de ces meubles sont très similaires, et il est tout à fait possible que ces anonymes Spike et Garver aient travaillé dans le même atelier.

25 janv. 2015

L'Art Ambigu de Cecily Brown

Artiste Britannique travaillant à New York, Cecily Brown n'a pas peur des hommes ni du sexe. Elle mêle la figuration érotique avec l'abstraction en y ajoutant une forte dose d'humour et une amusante curiosité cinématographique.

Le 11 février à Londres, Christie's vend Seven Brides for Seven Brothers, huile sur lin 197 x 249 cm, lot 36 estimé £ 480K. L'oeuvre datée 1997-1998 par la jeune artiste correspond à l'époque de ses premiers succès.

La scène se déroule sur un fond fragmenté intensément coloré qui fait suite aux énigmatiques paysages abstraits peints par de Kooning. La référence du titre est un film musical de Stanley Donen dans laquelle une jeune mariée jouée par Jane Powell échappe de peu à la polyandrie dans les montagnes sauvages de l'Oregon.

Deux personnages nus sont facilement identifiables : un homme vu de dos avançant en direction d'une femme allongée. Le titre joue un rôle majeur dans la magie de l'image, invitant le spectateur à découvrir dans le reste de la scène des détails pornographiques ou orgiaques qui y sont ou pas.

L'enchevêtrement des couleurs est tel qu'une interprétation globale est impossible quelque soit le temps passé par l'observateur dans sa contemplation. Ce jeu subtil entre le fantasme et le perçu va plus loin que les figures couvertes de Pollock ou Klein. Cecily Brown est la première artiste à avoir apporté une sensibilité féminine à l'expressionnisme abstrait.

Tracey Emin au-delà de la Peinture

L'art contemporain, et plus particulièrement celui des Young British Artists, a réussi à évacuer du processus créatif les solutions traditionnelles comme la peinture et la sculpture tout en récupérant l'installation, le happening et le mot.

Continuellement à la limite du voyeurisme et du scandale, Tracey Emin est une exploratrice de ce nouveau langage. Son art est un cri généré par une difficulté à partager son ego. Elle est une artiste professionnelle qui a analysé et retrouvé les maîtres dont l'oeuvre est une émanation de la chair plus que du cerveau et de la main : le cri de Munch sur le chemin de l'asile, les torsions de Schiele et les danses de nus autour de Klein.

En 1990, Tracey Emin constate son impuissance à s'exprimer par la peinture qu'elle cesse d'utiliser au profit de matériaux divers qui feront sa gloire : le textile, le ready made, le néon, le meuble. Cette approche audacieuse est reconnue puisqu'elle est désormais professeur à la Royal Academy of Arts.

Exécutée en 1996, Exorcism of the Last Painting I Ever Made est une étape significative de sa carrière, un an après l'achèvement de Everyone I have ever slept with qui était encore inédit. Cette installation est un combat de l'artiste pour surmonter à la fois l'échec de la figuration traditionnelle et sa réticence à sa propre nudité.

Pendant trois semaines, l'artiste a travaillé entièrement nue dans une pièce fermée d'une galerie de Stockholm. Elle était visible du public mais non dérangeable grâce à des oeilletons incrustés dans un mur. La menace, qui ne sera pas exécutée, de brûler l'oeuvre à la fin du happening, suscite aussi l'intérêt médiatique.

Le premier élément est son véritable exorcisme : un auto-portrait au cri de Munch. L'utilisation de son corps comme une femme-pinceau de Klein est réalisée à plusieurs reprises. L'oeuvre finale est composée de 12 peintures, 7 empreintes de corps, 79 oeuvres sur papier, un lit et d'innombrables objets d'usage courant.

Exorcism of the Last Painting I Ever Made est estimée £ 600K, à vendre par Christie's à Londres le 11 février, lot 24.



24 janv. 2015

Le Paysage Sublime de Gerhard Richter

Dès ses débuts dans les années 1960 avec ses détournements de photos floues, Gerhard Richter questionne le rôle de l'art dans la société. En parallèle, il perfectionne sa technique au pinceau pour créer les subtiles variations de couleurs qui caractériseront le reste de sa carrière.

En 1969, il apparaît déjà à la fois comme un excellent praticien et comme un théoricien. Admirateur de Friedrich, Richter comprend que les peintures de paysages romantiques sont intemporelles parce que les paysages n'ont pas d'âme. Le fait que les plus beaux sites naturels soient universellement considérés comme sublimes est un paradoxe que la perfection de son propre art devra dévoiler, ou plutôt dénoncer.

Dans sa bibliothèque d'images, Richter choisit le lac de Lucerne (Vierwaldstätter See) dans le contre-jour violent d'un temps nuageux. Tous les éléments sont présents pour sa démonstrations : les montagnes dans l'ombre ou dans la brume, les variations du ciel et de l'eau et les reflets.

Les limites sont brouillées comme les bords des rectangles de Rothko. Richter apporte une somptueuse variation des nuances par un brossage au pinceau sec sur la toile humide, deux décennies avant de généraliser son utilisation du rateau dans l'art abstrait.

Sa vue du lac de Lucerne est supposée concurrencer à la fois la nature et Turner. Cette huile sur toile 120 x 150 cm sera vendue par Christie's à Londres le 11 février, lot 8.


Les Deux Visages du Dégoût

Le suicide de George Dyer en 1971 est le grand traumatisme de Francis Bacon. Francis, qui s'était amusé à observer la déchéance de son ami, perd le modèle qui servait à sa fixation psychologique. L'artiste se retrouve seul face à un témoin implacable de son vieillissement : son propre miroir.

Sa gloire grandissante n'a pas d'effet direct sur son art. Francis se condamne lui-même à continuer à peindre, mais il n'a plus de sujet en dehors de la vision post mortem de George et du profond dégoût de sa propre apparence.

Le 10 février à Londres, Sotheby's vend un double auto-portrait peint en 1977 par Francis Bacon, lot 18 estimé £ 13M. Chaque élément est de même dimensions que les images de ses triptyques, 35 x 30 cm, choisi pour offrir une vue grandeur nature du visage.

Dans cette oeuvre, Francis atteint un paroxysme de son pessimisme. La déformation des traits et la violence des couleurs n'effacent pas la ressemblance de ces auto-portraits, mais le nez est celui d'un vieil alcoolique. Les yeux sont clos, mais les bouches expriment la tristesse et le dégoût, tout comme la bouche de ses vieux papes avait exprimé l'impuissance et l'horreur.

Peu après, ses auto-portraits devinrent plus sereins quand Francis comprit enfin que son vieillissement était inéluctable.

La Menace des Hiboux

Les terribles guerres du XXème siècle ont considérablement influencé tous les artistes Surréalistes en bousculant leur propre vision de l'univers. Le 4 février à Londres, Christie's vend Les compagnons de la peur, huile sur toile 70 x 92 cm peinte par Magritte en 1942  pendant l'occupation Allemande de la Belgique, lot 117 estimé £ 2.7M.

Devant un paysage alpin, un groupe de cinq hiboux occupe une position dominante d'où ils scrutent leur environnement avec une sévérité Gestapiste. La montagne aride et le ciel lourd augmentent l'angoisse.

Le pouvoir de ces oiseaux est un leurre. Ils ne sont pas des oiseaux mais des hybrides feuille-oiseau plantés dans leur nid d'aigle qu'ils ne quitteront jamais. La nuisance suggérée par leur attitude sans concession ne sera pas mise à exécution.

La feuille-oiseau est ainsi le contraire de l'oiseau libre de Miro. Elle rejoint les hybrides minéral-humains avec lesquels Magritte questionnait déjà la nature profonde des êtres.


21 janv. 2015

Coucher de Soleil dans les Peupliers

Dans les années 1880, Claude Monet est le paysagiste de la France. Comme Cézanne et comme Sisley, il se spécialise cependant dans les vues proches de son lieu de résidence. Les excursions lointaines qui deviennent plus rares le stimulent pour l'observation de son nouveau paradis, la région autour de Giverny.

1887 marque le point culminant de cette lente évolution, incluant de nouvelles expériences sur la texture de sa peinture. Une huile sur toile intitulée Sous les peupliers a été vendue pour $ 20,3M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2014.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend Les Peupliers à Giverny, lot 21 estimé £ 9M. Cette huile sur toile 74 x 93 cm appartenait depuis 1951 au Museum of Modern Art de New York.

La composition de cette oeuvre est puissante. Le thème principal est le coucher de soleil du début d'automne dans les hautes cimes des arbres où la lumière se transforme en tourbillons de feu. Au travers des arbres, le ciel clair et les champs offrent des couleurs somptueuses. L'horizon n'était pas utile pour ce paysage exceptionnel : il est caché par les feuilles.

Une Vraie Princesse pour Matisse

L'approche orientaliste de Matisse était le prétexte à des compositions luxuriantes où l'équilibre des couleurs dominait par rapport au détail du trait. Cependant, il travaillait avec des modèles Européens et Slaves.

Matisse devait comprendre cette lacune dans son art. A l'été 1940, voyant par hasard une jeune femme Turque, il est séduit par la régularité de son visage oriental. Nézy a 21 ans. Arrière-petite-fille du Sultan Abdul Hamid, elle vit en exil à Nice avec sa grand-mère qui accepte qu'elle vienne poser pour l'artiste.

Matisse devient gravement malade. Sortant d'une longue hospitalisation en mai 1941, il retrouve son atelier à l'Hôtel Régina. Considérant sa guérison comme inattendue, il se remet au travail avec acharnement, réalisant de très nombreux dessins de ses deux muses de l'époque, Lydia et Nézy.

Peinte en janvier 1942, l'Odalisque au fauteuil noir est un portrait de Nézy. Cette huile sur toile 38 x 46 cm est l'aboutissement du thème orientaliste par Matisse. La figuration réaliste est limitée au visage, au bras et à un vase de fleurs sur une petite table. Le vêtement et le décor sont une symphonie de couleurs qui anticipe les recherches de l'expressionnisme abstrait.

Cette Odalisque a été vendue pour £ 6,6M incluant premium par Christie's le 22 juin 2004. Elle est estimée £ 9M, à vendre par Sotheby's à Londres le 3 février, lot 7.

Deux Filles sans Homme

L'entrée des scènes de prostitution Parisiennes dans l'art français du XIXème siècle marque une révolte ou un dégoût des artistes contre la vie bourgeoise. Issu d'une famille de la grande aristocratie, Henri de Toulouse-Lautrec rejoint cette tendance dont il fait sa spécialité.

Lautrec devient vite un familier des maisons closes de Montmartre. Il développe une technique spécifique de peinture à l'essence qui donne à la peinture à l'huile une apparence proche du pastel. Vivant en permanence auprès des filles, il obtient des commandes pour la décoration des bordels.

L'artiste infirme est bien accueilli, au point d'assister aux moments de repos et de délassement des prostituées. Observateur de la sensualité comme Degas et Rodin, Lautrec est excité par la transgression de l'interdiction bourgeoise de l'homosexualité. Quand elles ne travaillent pas, les filles de ses bordels trouvent leur intimité entre elles, sans homme.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend Au lit : le baiser, une scène intime où le spectateur voit bien que l'artiste n'a pas dérangé les filles dans leur action érotique. La sensualité émanant de cette oeuvre est renforcée par le fait que les filles ne sont pas nues.

Cette peinture à l'essence sur panneau 39 x 58 cm peinte en 1892 est estimée £ 9M, lot 18.

Dans le thème de l'intimité lesbienne par Lautrec, elle anticipe l'Abandon (le Repos), peint en 1895, vendu £ 6,2M incluant premium par Christie's le 4 février 2009, ainsi que le portfolio de gravures Elles éditée en 1896.

18 janv. 2015

Le Mouvement Immobile de l'Oiseau

En 1953, Joan Miro déploie consciemment l'enthousiasme d'un enfant. Les années noires de la guerre et du militantisme sont terminées, seul reste le besoin d'exprimer la liberté. Il a 60 ans.

La technique minutieuse de l'artiste n'est pas incompatible avec l'ampleur et la rapidité de son geste, qui avaient inspiré Pollock. Sa grammaire picturale est enfantine. La composition est une recherche d'un mouvement qui ne serait pas en contradiction avec l'immobilité de la toile.

Le 4 février à Londres, Christie's vend une huile sur toile 90 x 116 cm peinte en 1953, lot 116 estimé £ 7M.

Le titre-poème, L'Oiseau au plumage déployé vole vers l'arbre argenté, décrit l'image, ce qui n'est pas toujours le cas dans l'art surréaliste de Miro et laisse supposer que l'action a été choisie très tôt dans la conception de l'oeuvre.

Le fond donne l'ambiance d'un paisible crépuscule avec la nuit arrivant par la droite. Un arc de cercle dynamique bien qu'imaginaire en haut de l'image mène l'oiseau vers l'arbre en un mouvement qui traversera le croissant de lune.

Miro n'accepte pas les espaces vides sur ses toiles. L'image est complétée par des étoiles stylisées en flocons de neige et au premier plan par deux importantes figures incluant des caractéristiques anthropomorphes.

Plaisir et Canotage

Le fameux Déjeuner sur l'herbe peint par Manet en 1862-1863 ne laissait pas indifférents ses jeunes amis. Cette audacieuse peinture ouvrait la voie au thème des plaisirs populaires et des jardins dansants.

En 1869 Monet et Renoir fréquentent assidument La Grenouillère, un lieu de plaisir et de canotage fondé en 1850 dans une île de la Seine à Croissy, bien loin du regard austère des bourgeois. Loin aussi des doctrines académiques, les deux jeunes artistes expérimentent les compositions et les couleurs, avec un trait net qui n'annonce pas encore l'impressionnisme.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend une huile sur toile 54 x 74 cm intitulée L'Embarcadère et signée par Monet, lot 29 estimé £ 7,5M, montrant les activités tranquilles de groupes au bord d'une rivière.

Cette image est caractéristique du style des deux jeunes gens à La Grenouillère, mais plusieurs détails la situent à Zaandam en 1871 quand Claude est maintenant devenu le gentil mari de Camille. La jeune femme au parasol rose, également figurée sur une autre vue de Zaandam, est certainement Camille et certains détails d'architecture semblent être Hollandais.

Le Dôme du Panthéon

Le Panthéon Romain est un chef d'oeuvre et un des plus remarquables exploits techniques de l'antiquité. Ce monument est aussi un symbole des arts, siège depuis 1542 d'une des dix académies pontificales, la Congregazione dei Virtuosi al Pantheon à laquelle ont appartenu beaucoup d'artistes Romains.

Giovanni Paolo Panini a été admis dans la Congregazione en 1719, à l'âge de 28 ans. Il est déjà une personnalité importante du monde artistique Romain, enseignant depuis la même année à l'Accademia di San Luca.

Panini avait été formé à la décoration des palais et était familier des techniques de trompe-l'oeil. En peinture, il s'était spécialisé dans les capricci de ruines et de monuments anciens. Contrairement aux vedutisti Vénitiens, il reconstituait les sites antiques par des juxtapositions fantaisistes.

Panini exécuta plusieurs peintures montrant l'intérieur du Panthéon. La plus ancienne connue, datée 1732, est à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier. Cette huile sur toile 119 x 98 cm est estimée $ 3M, lot 91.

Des personnages variés sont occupés à prier, mendier ou bavarder dans la grande salle. Ils sont clairsemés pour accentuer l'immensité grandiose. L'artiste est sensible à l'exploit géométrique de ce lieu où le diamètre intérieur du dôme et la hauteur de l'oculus ont exactement la même dimension, 43,3 m. Les personnages qui apparaissent dans l'ouverture du vestibule et dans l'oculus sont à la même échelle.

17 janv. 2015

Une Marine à la Plume par van de Velde

Au début des années 1640, Willem van de Velde travaille dans les ports Hollandais et à bord des bateaux. Il dessine des esquisses qui lui serviront pour ses portraits de navires et, plus tard, pour sa spécialité la plus connue : les peintures de batailles navales. Il est appelé communément van de Velde l'Ancien pour éviter de le confondre avec son fils.

A cette époque, van de Velde développe une nouvelle technique, le penschilderij. Il considère après Goltzius qu'une oeuvre d'art peut réutiliser sur panneau ou toile les techniques du dessin pour offrir la même finesse de détails sur une grande dimension.

La préparation était longue et difficile car l'enduit blanc servant de fond devait être parfaitement sec pour supporter toute la qualité du dessin à la plume. Aucun autre artiste ne réutilisa le penschilderej.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend la vue d'un port non identifié avec des bateaux et un rivage animé. Cette peinture à la plume à l'encre et à l'huile sur panneau 48 x 65 cm est estimée $ 2M, lot 32.

Le résultat mêlant les qualités d'une peinture et celles d'un dessin est excellent. L'artiste a réussi à réaliser les arrières-plans d'un trait plus clair, améliorant ainsi la perception de la distance et de l'atmosphère sous le beau ciel nuageux.

Etude pour la Baignade par Seurat

Georges Seurat fut un grand expérimentateur du langage artistique et le premier des post-impressionnistes. Dans sa courte carrière, il produisit six grandes peintures, commençant par Une baignade à Asnières en 1884.

Comme Constable, Seurat composait par approches successives, avec de nombreux dessins et peintures préparatoires. Il fut le dessinateur le plus innovant de son temps, mêlant le sujet et le fond en brouillant les contours. Comme les impressionnistes, il supprime le trait tout en conservant strictement les formes, les proportions et les perspectives.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend une étude de nu de jeune garçon, qui est une des plus anciennes études pour la Baignade. Ce dessin au crayon conté, 32 x 24 cm, a peut-être été réalisé dès 1883. Il est estimé £ 5M, lot 13.

Le jeune garçon vu de profil a une anatomie précise. Son attitude de cri pour l'écho a été conservée sans modification dans la version finale où il est le baigneur au premier plan avec un maillot. Le dessin offrait un effet de clair-obscur qui n'a pas été utilisé dans la peinture.


Brume sur le Grand Canal

Claude Monet séjourne à Venise du 1er octobre au 7 décembre 1908. D'abord réticent à interrompre ses études de nymphéas, il s'imprègne de l'atmosphère de la ville.

Sa vue du palais Contarini, vendue £ 19,7M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2013, est sans doute une des premières oeuvres de ce séjour. La vieille pierre du monument et les reflets dans l'eau clapotante offrent une très subtile symphonie de couleurs.

Venise a réussi à séduire Monet. Avant la fin du premier mois, il met en oeuvre une de ces séries de peintures qui sont sa passion et l'aboutissement de son art, après les cathédrales de Rouen, les meules et, plus récemment, Waterloo bridge.

Dans ses séries précédentes, Monet interprétait la lumière des différentes heures du jour. Venise est le plus subtil de ses thèmes, car l'artiste comprend que la ville offre chaque jour une harmonie différente. Il réalise à six reprises dans le même format la même vue du Grand Canal en direction de Santa Maria della Salute.

Le vrai thème de cette série est la lumière de Venise tamisée par la brume. Le célèbre dôme et une gondole presque imperceptible confirment que cette atmosphère-là n'appartient qu'à Venise. Monet a réussi le tour de force d'apporter un style nouveau dans l'incommensurable iconographie de la cité des Doges.

L'une des six vues, huile sur toile 73 x 92 cm, est estimée £ 20M, à vendre par Sotheby's à Londres le 3 février, lot 15.

14 janv. 2015

Deux Enfants avec Modigliani

Amedeo Modigliani, comme Francis Bacon plus tard, est un portraitiste empathique qui éprouve le besoin de comprendre ses modèles. Le 4 février à Londres, Christie's vend Les deux filles, un double portrait d'enfants qui est très rare et peut-être même unique dans l'art d'Amedeo.

Cette huile sur toile 100 x 65 cm est estimée £ 6M, lot 15. Elle avait été vendue pour £ 6,5M incluant premium par Christie's le 4 février 2009 sur une estimation basse de £ 3,5M, au moment de la crise du marché de l'art.

Cette oeuvre dont le premier propriétaire était Zborowski a été peinte en 1917 ou 1918, les spécialistes préférant actuellement cette dernière date.

La fin de l'année 1917 avait été houleuse, avec le scandale de l'exposition publique des nus à la galerie Berthe Weill. L'année suivante, son long séjour à Nice est organisé par Zborowski. Loin de la guerre, Amedeo a l'espoir de retrouver la santé, mais il a aussi perdu le contact avec les modèles professionnels qui fournissaient la majeure partie de son art.

Ces deux fillettes restées anonymes sont une étude de l'enfance, renforçant l'idée que la peinture a pu être faite pendant la grossesse de Jeanne qui accouchera le 29 novembre 1918. La brune, sérieuse et soigneusement coiffée, sortira bientôt de l'enfance. Elle protège la jeune blonde dont le visage légèrement déformé démontre qu'Amedeo était attentif aux solutions du cubisme.

Couleurs sur Marseille

Les techniques impressionnistes ne convenaient plus à Paul Cézanne. Il revient en Provence en 1882 avec comme objectif d'exprimer la quintessence des plus beaux paysages Méditerranéens.

L'Estaque est un de ses premiers choix, suscité par des souvenirs de jeunesse quand sa mère y avait loué un chalet pour les vacances d'été. Du haut de la colline par delà les maisons, la baie et les îles de Marseille offrent un panorama vaste et somptueux.

De 1883 à 1886, Cézanne loue une petite maison à L'Estaque. Il travaille en plein air, comme les impressionnistes, mais son analyse synthétique et cloisonnée des formes et des couleurs ouvre déjà la voie à l'art moderne et au cubisme.

Le 4 février à Londres, Christie's vend une vue de L'Estaque peinte probablement au printemps ou au début de l'été 1885. Cette huile sur toile 73 x 60 cm est estimée £ 8M, lot 8.

Pour ce thème panoramique, Cézanne a l'audace de tenter un format vertical. Les arbres qui encadrent la vue tout en masquant la côte latérale apportent la même invitation à l'infini que les futurs rectangles colorés de Mondrian.

A la fin de la même décennie, Monet lui-même échouera là où Cézanne avait déjà réussi, face à la lumière et au vent.

Lungarno à Florence

Le tourisme Britannique a engendré une importante activité artistique en Italie. Le marchese Andrea Gerini désire publier des vues de Florence et envoie le jeune artiste Giuseppe Zocchi se former à Venise, Milan, Bologne et Rome. Revenu à Florence en 1741, Zocchi réalise les dessins demandés par Gerini. 75 vedute de Florence et de la Toscane seront gravées et édités en 1744, en deux séries.

Zocchi n'a probablement pas attendu l'édition de ses dessins pour en réaliser des copies en plusieurs exemplaires à l'huile sur toile, plus à l'usage de son patron et de lui-même que pour en faire commerce, contrairement à la pratique des vedutisti Vénitiens. Ces peintures dans un style inspiré par Marieschi et Canaletto restituent la luminosité du ciel de Florence et les reflets dans l'eau.

Le 28 janvier à New York, Christie's vend une vue de l'Arno, huile sur toile 57 x 88 cm, lot 46 estimé $ 1M. Un article publié par la maison de ventes montre de nombreux détails de cette intéressante image.

La rivière est animée de nombreux Renaioli, ces bateaux plats Florentins où des équipes d'hommes, femmes et même des chevaux travaillent à nettoyer l'Arno de ses sables et détritus. Au loin les principaux monuments sont montrés avec un réalisme minutieux.

L'image de cette peinture est partagée par Wikimedia :

Giuseppe Zocchi - View af the Arno in Florence - WGA25993

11 janv. 2015

Joyeuse Compagnie Flamande

Theodoor Rombouts, natif d'Anvers, séjourna en Italie de 1616 à 1625. Comme les Caravagesques d'Utrecht à la même période, il aima les thèmes festifs avec musique, beuverie et promiscuité et les traita avec des effets de clair-obscur.

Il n'est pas évident que Rombouts ait eu des contacts étroits avec le groupe d'Utrecht mais ses compositions hardies et ses couleurs ont été influencées par Rubens, son compatriote d'Anvers. Les personnages sont nombreux pour former une chaude ambiance, dans une composition diagonale ou en arc de cercle qui accroît la vitalité.

Entre son retour à Anvers en 1625 et sa mort prématurée en 1637, Rombouts propose à ses clients des peintures de grandes dimensions, souvent réalisées en plusieurs exemplaires selon la pratique artistique de son temps.

Le 28 janvier à New York, Christie's vend une huile sur toile 239 x 171 cm, lot 30 estimé $ 2M.

Douze personnages, hommes et femmes étroitement mêlés, sont occupés à un repas plantureux. Dominant cette joyeuse compagnie, le treizième comparse, un grand soldat moustachu, coupe le rôti avec son sabre.

Les Jardins Paysagers des Lumières

Le siècle des Lumières aboutit entre autres à un besoin de retrouver la nature. Le jardin à la française, avec sa stricte géométrie, est désormais démodé. A Ermenonville, le marquis de Girardin installe pour la première fois en France un jardin paysager à l'anglaise, dont les conceptions sinueuses offrent des ambiances multiples.

Hubert Robert a été formé à Rome, où il a séjourné pendant onze ans. Il a vu Tivoli et rencontré Piranèse, et a développé une vocation de concepteur de jardins. Les peintures de Hubert Robert ne sont ni des paysages réalistes ni de simples capricci de ruines romantiques. Ce sont des projets de jardins.

Robert a peut-être travaillé pour Girardin à Ermenonville. Après 1774, la nouvelle reine Marie-Antoinette veut concilier sa haute noblesse avec certains aspects de la vie paysanne. Il sera impliqué dans la réalisation du Hameau de la Reine à Trianon.

Le 28 janvier à New York, Christie's vend une paire d'huiles sur toile peintes en 1774, lot 53 estimé $ 2M. Ces deux peintures sont très grandes et de même dimension, 245 x 191 cm, et pourtant les thèmes sont opposés, entre la violence d'une cascade Italienne et le calme d'un canal du Nord. Inconnues du vivant de l'artiste, elles avaient certainement comme objet de convaincre un patron de l'infinie variété du nouveau style de jardins.

Mouton et le Bélier

Sotheby's a désormais une longue expérience des ventes de vins français directement extraits des celliers des châteaux. Les lots sont constitués en coopération avec les propriétaires. En février 2007, une première vente de Château Mouton Rothschild avait eu lieu à New York. Un jeroboam du très prestigieux millésime 1945 a été vendu $ 310K incluant premium.

Depuis quelques années, ces ventes sont transférées à Hong Kong. La seconde vente Château Mouton Rothschild aura lieu le 30 janvier. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Bien entendu, ces ventes permettent de comparer les millésimes. Les grands formats, propices à une meilleure maturation du vin rouge, sont particulièrement appréciés. Certaines bouteilles sont groupées en des thèmes ludiques ou émotionnel, comme par exemple l'hommage à la baronne Philippine décédée l'an dernier.

Astucieusement, la prochaine vente coïncide en Chine avec l'année du bélier, cet animal qui est aussi l'emblème du château par un jeu de mots facile.

Le lot 248, estimé HK$ 1M, est une verticale de 66 bouteilles de 1945 à 2012 avec deux années manquantes. On pourra comparer ce lot avec une verticale de 62 magnums vendue £ 155K incluant premium par Christie's le 24 mars 2011.

Le lot 80, estimé HK$ 750K, est une intéressante horizontale 2000 constituée de 6 bouteilles, 6 magnums, 1 jeroboam, 1 impériale et 1 nabuchodonosor.

La plus ancienne bouteille, 1870, estimée HK$ 80K, est au lot 263. On verra si ce millésime pré-phylloxera offrira une surprise similaire aux trois bouteilles Château Lafite Rothschild 1869 vendues chacune pour HK$ 1,8M incluant premium sur une estimation de HK$ 40K dans une autre vente directe par Sotheby's le 29 octobre 2010.

N'oublions pas les jeunes. Par son année exceptionnelle et sa contenance de 15 litres, le nabuchodonosor 2009 du lot 140 est particulièrement prometteur. Il est estimé HK$ 110K.

10 janv. 2015

Le Muscle et l'Ecorché

Willem van Tetrode, originaire de Delft, fut longtemps un collaborateur de Benvenuto Cellini. L'importance et l'originalité de son art a été récemment redécouverte. Sa période de plus grande créativité se situe à Florence à la cour de Cosme I de 1562 à 1567. Il était connu en Italie sous le nom de Guglielmo Flammingo.

Alors que Cellini promeut un modernisme sans concession, van Tetrode est familier avec les statues antiques à la restauration desquelles il travaille fréquemment.

Son époque marque une curiosité nouvelle pour les mécanismes du corps humain. Les études d'écorchés de Leonardo avaient ouvert cette voie dans l'art, dans une recherche d'une figuration plus réaliste des attitudes. Vesale, fondateur de l'anatomie scientifique, et Giambologna, le sculpteur des corps humains en mouvement, avaient aussi été parmi les protégés de Cosme I.

Les sculptures de van Tetrode montrent une tension extrême des corps masculins dans des attitudes variées qui exacerbent les muscles, avec ou sans peau. Son influence sera considérable, notamment sur de Vries et Goltzius.

Le 27 janvier à New York, Christie's vend deux bronzes par Willem van Tetrode, estimés $ 1,5M chacun.

Au lot 52, Hercule avec sa massue symbolise la force héroïque, très stable sur ses longues jambes, avec un visage serein. Ce bronze mesure 39 cm de haut.

Au lot 71, un écorché est dans une position de danse jusqu'aux limites extrêmes de l'équilibre. Ce bronze mesure 44 cm de haut.

Table de Fruits et Jeune Garçon

Les parents de Michelangelo Merisi étaient originaires du village de Caravaggio que le jeune homme utilisa comme nom d'artiste. Apprenti à Milan à l'époque des dernières années d'Arcimboldo, il considéra très tôt une approche naturaliste selon laquelle il fallait accorder la même importance à la nature morte et à la figure humaine.

Le Caravage arrive à Rome en 1592. Agé de 21 ans, il n'obtient pas d'emploi majeur dans les grands chantiers artistiques du Latran et de St Pierre et cherche à obtenir une clientèle avec deux modelli, le garçon pelant un fruit et le garçon mordu par un lézard.

Une huile sur toile 65 x 53 cm du garçon pelant un fruit est estimée $ 3M, à vendre par Christie's à New York le 28 janvier, lot 16.

Le garçon est installé devant une table où sont posés quelques fruits. Il est entièrement concentré sur son occupation de pelage d'une orange, dans une belle lumière entrant en contraste avec le fond presque uniformément noir.

Ce thème est habile car il pourrait permettre à l'artiste de proposer à ses clients les Cinq Sens ou les Quatre Saisons. Le lézard de l'autre modello est une ouverture vers les cabinets de curiosité très à la mode pendant le règne de Rodolphe II. Les portraits de ces deux modelli sont en opposition totale, de la figuration réaliste du garçon pelant à l'expression de douleur intense du garçon mordu.

7 janv. 2015

Ciel d'Orage sur Salisbury

Les grands paysages peints par John Constable étaient le résultat d'une approche progressive qui pouvait s'étendre sur plusieurs années. La cathédrale de Salisbury vue de la prairie, exposée à la Royal Academy en 1831, est un exemple typique.

L'artiste exécutait tout d'abord des dessins en plein air. Les esquisses à l'huile sur toile permettaient ensuite d'expérimenter les couleurs, l'équilibre et l'ambiance, avant une esquisse en vraie grandeur qui précédait l'oeuvre finale. L'observation graduelle de ses propres esquisses primait par rapport à son souvenir sensoriel de la scène d'origine.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 46 x 61 cm qui fut une étape importante dans la composition de la vue de Salisbury. Elle est estimée $ 2M, lot 96.

Lors d'une vente chez Christie's en 2013, cette oeuvre était restée inaperçue sauf, fort heureusement, de son acheteur. Elle était ternie par un enduit que son propriétaire retira, révélant un très beau ciel d'orage extrême avec un rayon de soleil illuminant la cathédrale.

La version finale conservera les nuages bourgeonnants, avec un arc en ciel annonçant la fin de l'orage. Dans une lumière moins contrastée que notre esquisse, c'est une des plus belles réussites parmi les effets d'ambiance de la campagne anglaise par le meilleur spécialiste de ce thème, à l'époque du romantisme.


Miura entre en Piste

Ferruccio Lamborghini, industriel spécialisé dans la production de tracteurs, est passionné par les belles automobiles. Quand il se lance dans cette spécialité, il prend volontairement le contre-pied de tous les grands constructeurs. Les Lamborghini seront des voitures sportives parfaites, utilisant des techniques similaires aux voitures de compétition, mais resteront des routières sans adaptation spécifiques aux pistes.

La Lamborghini Miura est un chef d'oeuvre du carrossier Bertone. Quand le prototype sort en 1965, il est le pionnier de l'ère actuelle des supercars. Le prestige de la nouvelle marque est immédiat.

Lamborghini développe en 1970 une variante haut de gamme, la Miura SV, signifiant Super Veloce et montrant bien quelle clientèle est visée.

Le patron accepte le projet SVJ de variante compétition de la SV. Son intention concernant la SVJ est probablement de tester de nouvelles solutions qui pourront être ensuite réutilisées pour les routières haut de gamme. Quand la SV est lancée en 1971, Lamborghini exige la destruction du seul prototype SVJ. La voiture échappe à cette condamnation mais est détruite peu après dans un accident.

La discrétion n'avait pas été totale, et la SVJ créait des envies. Pendant trois ans, Lamborghini accepta à titre exceptionnel de transformer quelques SV en configuration SVJ. La population exacte de cette ultime Miura ne dépasse pas sept véhicules.

Une Miura SV de 1971 modifiée en SVJ est estimée $ 2M, à vendre par RM Auctions en Arizona le 15 janvier, lot 119.

3 janv. 2015

Le Plafond des Arts

Charles Perrault était un proche collaborateur de Colbert, le très efficace ministre qui organisa la puissance de la France dans tous les domaines d'activités au service de Louis XIV. Perrault participa à l'organisation et au développement des Académies littéraires et savantes.

Perrault fut le hardi meneur d'une nouvelle ligne culturelle contribuant à minimiser le passé pour mieux glorifier le règne en cours. Au début des années 1680, il imagine de consacrer aux arts le plafond du cabinet de son hôtel particulier Parisien, sur une surface totale de 8,5 x 4,5 m.

Les onze éléments du plafond sont peints par onze artistes différents. L'objectif de Perrault est de substituer à la liste classique des sept arts libéraux une nouvelle liste de huit arts plus adaptée à la vie de son temps. Seule la musique figure dans les deux listes.

La décoration n'était pas l'objectif principal de Perrault. Son hôtel a été détruit en 1683 pour permettre la réalisation de la Place des Victoires et le plafond peint n'a sans doute jamais été assemblé. En 1690, trois ans après avoir lancé dans le monde littéraire la querelle des anciens et des modernes, il publie un petit livre illustré des onze images pour expliquer et promouvoir ses théories concernant les arts et sciences modernes.

On peut penser que toutes les peintures étaient encore en possession de Perrault en 1690. Elles ont disparu par la suite sauf l'Eloquence actuellement conservée au musée de Brest.

La Musique vient de faire surface. Cette huile sur toile 98 x 152 cm avait été peinte par Antoine Coypel, âgé d'à peine plus de vingt ans mais dont le talent précoce était célèbre. Cette peinture est estimée $ 1,5M, à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier, lot 87.

Cette oeuvre est une allégorie complexe habilement construite autour d'une femme et de cinq jeunes enfants. La femme joue d'une lyre antique ornée d'un soleil (l'emblème du roi), tandis que les enfants ouvrent le futur avec des instruments plus modernes. Une scène de théâtre lyrique en arrière-plan et des livres se référant aux musiciens modernes renforcent les symboles.

Ces six personnages représentent probablement les cinq enfants naturels de Louis XIV et Montespan autour de leur nouvelle gouvernante Madame de Maintenon considérablement rajeunie pour faire plaisir à la cour.

Le Graceland Volant

1973 est une mauvaise année pour Elvis Presley, âgé de 38 ans. De graves problèmes de santé apparaissent et sa femme divorce contre son gré. Par réaction, il accepte de plus en plus de tournées.

L'achat de deux jets en 1975 est la conséquence de cette spirale dans l'hyper-activité. Il est menacé par la fatigue, et ses déplacements souvent nocturnes doivent être aussi confortables que sa propriété de Graceland. Le Lisa Marie, du nom de sa fille unique, sera son Flying Graceland selon ses propres termes.

Elvis définit tous les thèmes et les couleurs de l'aménagement de cet avion qui inclut sa chambre à coucher personnelle, un dortoir, une salle de bains, une salle de conférences.

L'autre avion, nommé Hound Dog II, sert de rechange, et aussi pour les déplacements de ses partenaires en affaires.

Les deux jets sont utilisés pour la dernière fois lors des funérailles d'Elvis en 1977. Devenus une time capsule de la jet society de cette époque, ils étaient exposés au grand public à Graceland depuis 1984 par une concession qui prend fin en 2015.

Ils seront à vendre en un seul lot par Julien's, par une procédure d'enchères scellées qui sera close le 2 février, et sont décrits dans le communiqué publié par la maison de ventes. Julien's a annoncé à Reuters une estimation entre $ 10M et 15M. Le futur propriétaire sera invité à acquérir un petit terrain adjacent à Graceland pour que ces deux extraordinaires souvenirs d'Elvis restent en vue des fans et des touristes.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Darren Julien sur YouTube :

1 janv. 2015

Argent, Laiton et Etain

Au moment de l'indépendance des Etats Unis en 1776, le Congrès tenta de créer l'autonomie financière en faisant circuler de la monnaie de papier avec une nouvelle unité, le dollar. Ce système était difficilement utilisable pour les petits montants, et les premiers essais de monnaie métallique d' 1 dollar furent effectués.

Ce premier essai de pièces US resta confidentiel et fut limité à l'année 1776, mais un grand nombre a été réalisé, sans doute pour expérimenter la possibilité d'une production de masse. Heritage estime qu'environ 1000 d'entre elles ont survécu.

Différentes variantes existent, parce que les matrices étaient artisanales et s'usaient vite, mais aussi parce que plusieurs graveurs étaient impliqués et qu'il fallait corriger les fautes d'orthographe. Trois métaux ont été utilisés : l'argent, le laiton et l'étain. La majorité d'entre elles sont en étain, abondant en Amérique du Nord à cette époque. Cette surprenante diversité est certainement due au caractère encore expérimental de l'opération.

La plus ancienne, décrite sous le code 1-A par Newman, a vite été abandonnée parce que ses cercles pointillés étaient trop difficiles à réaliser de façon répétitive.

La vente par Heritage à Orlando les 7 et 8 janvier inclut pas moins de quinze de ces Continental Dollars. Deux sont en argent, trois en laiton et les dix autres en étain.

La pièce Newman 1-A en laiton est gradée MS63 par NGC (lot 5834, 8 janvier). C'est la meilleure de trois exemplaires 1-A connus en laiton. La Newman 1-A en étain est le seul exemplaire connu de cette sous-variante originale dans ce matériau, identifiée par Heritage lors de la préparation de la vente (lot 4004, 7 janvier).

Les pièces d'argent sont une Newman 1-C gradée XF40 par NGC, la meilleure de deux exemplaires 1-C connus en argent (lot 5838, 8 janvier) et une Newman 3-D gradée MS62 par NGC (lot 5842, 8 janvier). Une seule autre Newman 3-D en argent est connue. Gradée MS63 par NGC, elle a été vendue pour $ 1,4M incluant premium par Heritage le 16 mai 2014.

La Shelby Décapotable de Carroll Shelby

De 1964 à 1969, la coopération entre Ford et Shelby pour la production de voitures commerciales de haut de gamme est exemplaire. Les jeunes conducteurs demandent des voitures légères à moteur surdimensionné. C'est l'âge d'or des muscle cars.

Pour la compétition, Shelby assemblait des moteurs Ford sur des châssis Cobra. Les résultats brillants de cette combinaison font plaisir aux Américains qui voient dans cette nouvelle marque un concurrent aux champions Européens plus crédible que la lourde Chevrolet Corvette.

La Ford Mustang, lancée en 1964, est un des plus grands succès de l'histoire de l'automobile. La Shelby GT350 est une version haut de gamme de la Mustang, avec une carrosserie résolument sportive. La gamme Shelby bénéficiera des améliorations techniques conçues pour les Mustang.

1968 est une année clé de ce développement, avec le lancement de la Shelby GT500 équipée d'un moteur Ford 428 de 7 litres. Les coupés et cabriolets sont désormais proposés dans la gamme Shelby.

Shelby assemblait ses voitures à l'unité. Ford met en place une production automatisée en 1969, qui sera la dernière année des GT350 et GT500.

Carroll Shelby utilisait pour son usage personnel une Shelby GT500 décapotable faite en 1969. Cette voiture peut être considérée comme la plus prestigieuse des Mustang et l'apogée des Shelby commerciales. Elle sera vendue à Scottsdale le 17 janvier par Barrett-Jackson, lot 2511.