28 févr. 2015

Un Bol à Dés à l'Usage de Xuande

L'empereur Yongle voyait des avantages politiques à promouvoir la porcelaine Chinoise. Après le très court règne de Hongxi, Xuande devient empereur en 1425 de notre calendrier.

Le nouvel empereur, qui régna dix ans, était personnellement passionné par les céramiques, reprenant la tradition de la vaisselle de cour qui avait permis l'apogée des porcelaines sous les Song du Nord trois siècles plus tôt. Xuande continue de promouvoir Jingdezhen, qui reçoit des meilleurs cobalts. La marque impériale est apposée systématiquement sur les pièces destinées au palais.

En considérant que les merveilleux bols de palais Chenghua seront une opération limitée relevant certainement plus d'une mode de cour que d'une initiative personnelle de l'empereur, on peut affirmer que la période Xuande marque le plus grand essor de la porcelaine Ming.

Le 18 mars à New York, Sotheby's vend un bol portant la marque de Xuande, lot 269 estimé $ 2,5M.

Cette pièce bleu et blanc de 26 cm de diamètre est finement décorée de dragons à cinq griffes par patte qui symbolisent la puissance de l'empereur et laissent supposer qu'il a été prévu pour l'usage personnel de Xuande. Sa paroi épaisse qui accroît la robustesse est une innovation technique permettant de rouler les dés sans endommager la porcelaine.

Ce bol avait été vendu pour £ 1,4M par Bainbridges le 17 mai 2012. Deux ans plus tôt, cette maison de ventes avait adjugé pour £ 43M au marteau un vase réticulé Qianlong mais l'acheteur Chinois a refusé de payer le premium non dégressif de £ 8,6M, annulant regrettablement ce beau record.


Bleu et blanc de Jingdezhen à Shah Jahan

La maîtrise du cobalt sur la porcelaine blanche était totale sous la dynastie Yuan, avec un bleu intense ou nuancé et un dessin très précis sur une riche variété de thèmes. L'empereur Yongle des Ming eut l'intelligence de placer les fours de Jingdezhen sous un contrôle impérial direct malgré un éloignement géographique important.

Yongle était l'ennemi irréconciliable des Yuan et des Mongols, qu'il contournait par un effort de communication à l'égard de tous les autres étrangers. Il utilisa les productions exceptionnelles de Jingdezhen pour des cadeaux diplomatiques.

Le 18 mars à New York, Sotheby's vend un plat Ming estimé $ 2,5M, lot 264. Sans marque impériale, c'est un chef d'oeuvre de la porcelaine bleu et blanc par son grand diamètre, 43 cm, la beauté de son contour ourlé et son thème figuratif. Il a sans doute été réalisé vers 1420, peu avant la fin de la période Yongle.

Son thème naturaliste de grappes sur des rameaux foliés de vigne, agrémenté par une frise circulaire de fleurs variées avec leurs feuilles, correspondait bien au goût Musulman et anticipe d'un siècle les plats d'Iznik. Ce plat a appartenu plus tard à une princesse Safavide puis à Shah Jahan, le cinquième empereur de la dynastie Moghole d'Inde du Nord.

Il a été exposé en 2000 au Brooklyn Museum of Art comme une pièce majeure du cabinet des merveilles de la collection Guennol.


Gaitonde influencé par Rothko

Lorsque Vasudeo Gaitonde décide de développer son style personnel d'art non objectif, il met au point une méthode d'ajouts et retraits successifs de fines couches de peinture qui apportent la transparence et la luminosité souhaitées.

En 1962, il mêle cette nouvelle technique avec des signes pseudo-calligraphiques apposés au couteau. Cette proto-écriture est contemporaine des observations de graffitis Romains par Twombly. Le 19 mars 2014, Sotheby's vendait pour $ 2,5M incluant premium Painting No 3 par Gaitonde.

Je ne sais pas si Gaitonde a rencontré Twombly mais il est certain qu'il a rendu visite vers cette période à Rothko. Parmi les expressionnistes abstraits, Mark Rothko est celui qui a été le plus loin dans l'envoutement du spectateur par l'équilibre entre les couleurs. Il n'est pas surprenant qu'il ait pu influencer le jeune artiste Hindou dans sa recherche du Zen.

Peinte en 1962 par Gaitonde, une huile sur toile 127 x 77 cm vendue pour $ 970K incluant premium par Sotheby's le 19 mars 2013 peut être réinterprétée comme l'adjonction de la sémiologie pseudo-Zen par-dessus une structure de couleurs imitant Rothko.

Cette filiation devient évidente pour une huile sur toile 114 x 97 cm peinte par Gaitonde en 1963 à vendre par Sotheby's à New York le 18 mars, lot 1326 estimé $ 1,5M. L'harmonie entre orange et brun est très similaire à celle d' une composition faite par Rothko la même année, selon la démonstration convaincante offerte dans le catalogue de la maison de ventes.

Méditation Terrifiante

Les bodhisattvas disposent des moyens les plus variés pour convaincre les fidèles. Ainsi Manjushri, le grand bodhisattva de la sagesse, peut prendre la forme apocalyptique de Vajrabhairava.

L'iconographie Tibétaine et Népalaise a développé les caractéristiques les plus effrayantes pour montrer Vajrabhairava, qui peut avoir jusqu'à 9 visages, 34 mains et 16 jambes. Une des deux mains principales plante un couteau dans une coupe formée par un crâne tenu par l'autre main principale. Tout en haut de la tiare, la figure moins courroucée de Manjushri adoucit le jeu tout en rappelant que cette horreur n'est qu'une émanation secondaire de la méditation du bodhisattva.

Le bronze doré présenté dans la vente de Christie's à New York les 15 et 16 mars est exceptionnel par sa taille, 99 cm de haut, et par la profusion de détails de la sculpture. Il est estimé $ 4M, lot 3203.

Vajrabhairava est debout, solidement campé sur ses deux groupes de jambes chacun. Les pieds sont posés sur un empilement en deux couches de gisants et animaux qui lèvent la tête, contredisant l'illusion de la mort. La base est un classique double lotus. La déité a sa tête habituelle de buffle à la bouche ouverte sur des crocs aiguisés. Diverses têtes complètent cette iconographie terrifiante.

Cette figure est liée au Bouddhisme Tibétain, mais du fait de la qualité de sa réalisation et de sa hauteur exceptionnelle elle ne peut provenir que des ateliers impériaux Chinois au premier siècle de la dynastie Ming, il y a six siècles.

Le Bouddha vendu pour HK$ 236M incluant premium par Sotheby's le 8 octobre 2013 mesurait seulement 55 cm de haut mais avait la marque impériale Yongle.

25 févr. 2015

Le Palais Idéal de Tabo

La fondation du monastère de Tabo, en 996 de notre calendrier, marque la renaissance du Bouddhisme Tibétain. Il a été reconstruit en 1042 et orné de très nombreuses décorations murales incluant des fresques, des rouleaux et des inscriptions.

Ces illustrations symbolisent les grandes conceptions du Bouddhisme, incluant les relations des déités avec le monde des mortels au travers de leurs agents de communication, les bodhisattvas.

Le 17 mars à New York, Sotheby's vend une thangka Tibétaine de cette période, lot 1019 estimé $ 800K. Cette oeuvre rigoureusement carrée, 125 x 125 cm, est conçue comme le plan d'un monastère, avec une mandala centrale abritant les divinités assises sur leurs trônes. Cette structure circulaire est située dans une pièce carrée elle-même protégée des dangers du monde extérieur par un corridor gardé par des sentinelles.

La mandala est présidée en son centre par le dieu blanc de la grande lumière, Vairochana. A chacun des quatre points cardinaux, Vairochana est accompagné d'une déité colorée elle-même flanquée de quatre bodhisattvas. Ces déités sont elles aussi des figures majeures incluant par exemple Amitabha qui aura un grand rôle dans la dévotion bouddhiste.

La paix et la méditation sont totales à l'intérieur de la mandala, en opposition avec les tourments du monde extérieur symbolisés par les langues de feu et par les arbres courbés par le vent. Les fidèles ne peuvent pas entrer mais prient afin d'entrer en contact avec les bodhisattvas.

Le Corps Instrument de Kazuo Shiraga

Le mouvement artistique Gutai a d'abord été inspiré par la calligraphie Japonaise. L'expression non figurative spontanée est obtenue en utilisant le corps (tai) comme un instrument (gu), permettant une libération directe de la force et de la violence.

Le fondateur de Gutai, Jiro Yoshihara, organise des expositions. Kazuo Shiraga, qui utilisera ce concept physique tout au long de sa carrière y compris après la dissolution du groupe, va jusqu'au bout du concept en malaxant les épaisses couches colorées avec ses pieds. Il réalise ses premières oeuvres Gutai en marchant sur la toile posée au sol comme si la peinture était de la boue.

Le Japon n'est plus un pays isolé dans les années 1950. Pollock montre un grand intérêt pour Gutai. Les gestes amples de Kline ou Miro ont un rôle similaire. Le Gutai invite au happening, qui est pratiqué en Europe par Georges Mathieu.

Plus tard, Shiraga exhibera une technique spectaculaire en s'accrochant à une corde pour lancer ses pieds sur une toile verticale. Un autre gymnaste, Yves Klein, utilisera le corps nu des femmes comme un pinceau.

Le 5 mars à New York, Sotheby's vend une oeuvre de la première période de Shiraga, lot 22 estimé $ 1,8M. Cette huile sur toile 98 x 130 cm peinte vers 1964 a utilisé quatre couleurs par-dessus un fond orange.


Grand Tourisme en Superamerica

Pendant que les 250GT dominent les compétitions d'endurance en conformité avec les règlements de leur époque, Ferrari continue d'offrir des voitures plus puissantes pour un usage routier, en très petites séries visant une clientèle fortunée. Cette nouvelle gamme est la Superamerica.

La 410 Superamerica est élégante et puissante mais trop chère. La 400 Superamerica lui succède en 1959, avec entre autres améliorations un moteur de conception plus moderne à 12 cylindres déplaçant 4 litres.

La première série 400 est une des plus élégantes voitures de grand tourisme par Ferrari. Six voitures seulement sont réalisées. La troisième carrossée en cabriolet en 1960 par Pinin Farina est estimée $ 6M à vendre par RM Sotheby's à Amelia Island le 14 mars, lot 145.

Cet exemplaire est particulièrement désirable après une restauration très soignée. Elle n'a pas encore été exposée dans un concours d'élégance, et son propriétaire la vend au profit d'une fondation créée par lui pour l'éducation des enfants.

Cette première série de Ferrari 400 Superamerica est désignée comme SWB (Short Wheel Base) pour la distinguer de la seconde série. Effectivement Ferrari avait constaté que l'empattement trop faible n'était pas favorable au confort de l'habitacle et a préféré allonger ce paramètre pour continuer ce modèle.

22 févr. 2015

La Vitesse d'un Cyclone

Fred Joerns succéda à une ancienne société de fabrication de motocyclettes de St. Paul, MN. Plus intéressé par la vitesse sur piste que par la route, il sortit en 1913 la Cyclone qui fut l'un des modèles les plus extraordinaires de l'histoire de ce sport.

La Cyclone avait une conception très nouvelle grâce à un système d'arbre à cames OHC qui réduisait considérablement le nombre de transferts mécaniques. Ce modèle fut chronométré sur piste à plus de 170 km/H, pulvérisant le record de vitesse loin devant Indian et Excelsior. Il faudra attendre 1925 pour qu'une Brough Superior SS100 dépasse cette performance.

De tous temps, la compétition coûte cher. Les pièces mécaniques de la Cyclone étaient fragiles. La Joerns Motor Manufacturing Company ne s'était pas intéressée à l'industrialisation ni à la capitalisation et dut cesser ses activités dès 1916. Aucun constructeur Américain ne tenta de continuer son concept OHC sur moteur en V qui avait été si prometteur.

Six exemplaires seulement de la Cyclone ont survécu. L'un d'eux, fabriqué en 1915, peint en jaune canari qui était la couleur fétiche de la marque, a été acheté par son propriétaire en 1984 à la vente aux enchères de la succession Steve McQueen. Cette moto est estimée $ 650K à vendre par Mecum à Las Vegas le 21 mars, lot S57.

Le Bodhisattva Népalais

Dans toutes les religions, les dieux doivent être vénérés mais sont bien intimidants. Dans le Bouddhisme, le bodhisattva résout ce paradoxe. Il est conçu comme un fidèle qui suit la bonne voie, à plusieurs niveaux dont le plus élaboré atteint la perfection d'une divinité.

Le bodhisattva Avalokiteshvara a été populaire sous différents noms dans tout le monde Bouddhiste. Les Népalais ont accueilli avec enthousiasme ce jeune homme charmant chargé de leur enseigner la pureté. Les bronzes Népalais le montrent en position debout avec un gros lotus en tige flottant derrière le bras gauche.

Avec sa main ouverte en signe de bienveillance, son torse nu et son visage concentré sur la méditation, Avalokiteshvara est en quelque sorte l'Apollon du Bouddhisme.

Un bronze doré haut de 45 cm réalisé au Népal il y a 700 à 800 ans a été vendu pour $ 2,5M incluant premium par Christie's le 20 mars 2012 sur une estimation basse de $ 250K.

Une pièce de conception très similaire haute de 63 cm est estimée $ 2M à vendre sans prix de réserve par Christie's à New York le 17 mars, lot 25.

Ce bronze doré offre un raffinement supplémentaire d'une grande importance. La couronne est centrée d'une fine figure assise d'Amitabha, le Bouddha du Nirvana, ne laissant aucun doute sur le rôle de guide joué par Avalokiteshvara pour mener les humains vers les dieux.

La Danse Cosmique de Shiva

Shiva est un dieu tout-puissant qui régit tout le cycle du cosmos depuis la création jusqu'à la destruction, et même au-delà jusqu'à la résurrection. Le 17 mars à New York, Christie's vend un bronze haut de 41 cm qui synthétise de façon très remarquable les attributs les plus importants de Shiva. Cette statuette est estimée $ 2M sans prix de réserve, lot 26.

Shiva est ici à la fois Nataraja et Gangadhara.

En Nataraja, il danse sur le démon nain Apasmarapurusha qu'il vient tout juste de terrasser, marquant ainsi la victoire finale contre l'ignorance. Le pied gauche est élégamment levé. Shiva a quatre bras, deux ayant une fonction organique tandis que les deux autres sont chargés de tenir les symboles cosmiques.

Les yeux de Shiva sont fermés et ne se rouvriront qu'à la fin du monde mais le troisième oeil de la sagesse intérieure commence à inciser le front.

En Gangadhara, il est la source et le maître du fleuve sacré dont les flots tombent de sa tête en une chevelure d'une superbe ondulation. La vie n'existe pas sans les bienfaits du Gange, et Shiva protège la vie contre les débordements du fleuve.

Les experts considèrent que cette oeuvre a été réalisée dans le sud de l'Inde au temps de la dynastie des Chalukyas de l'est. L'alliage a des caractéristiques archaïques et certains éléments incluant l'opulence de la chevelure et le bandeau de tête sont antérieurs à l'iconographie classique de la fin de l'ère Chola. Cette pièce a été réalisée il y a plus de 1000 ans, peut-être même 1200.

21 févr. 2015

Les Motocyclettes de Milwaukee

Autour de 1900, la construction des véhicules attire la convoitise des ingénieurs mécaniciens. Chacun essaye d'implanter un moteur sur une bicyclette, un tricycle ou une voiture à quatre roues. Le deux-roues semble a priori moins complexe mais pose des problèmes difficiles de puissance, de stabilité et de durée d'autonomie.

La ville de Milwaukee a une spécialité pour les machines outils et les chemins de fer et prend une place naturelle dans ces développements. Par exemple, Merkel fabrique des moteurs et assemble déjà des motos. Evinrude conçoit des moteurs à gaz pour les automobiles.

Dans cet environnement favorable, deux très jeunes gens, William Harley et Arthur Davidson, construisent leur premier prototype de bicyclette à moteur. En 1903, après deux ans d'efforts, c'est la déception : la machine ne parvient pas à monter les côtes sans l'aide des pédales.

Cet échec galvanise les inventeurs. Leur audace, qui sera gagnante, consiste à équiper leurs deux-roues de moteurs de plus en plus gros, assurant pour toujours la différence entre la bicyclette à pédales et la motocyclette. En 1906, ils fabriquent 50 exemplaires de leur premier modèle commercial, la Harley-Davidson strap tank.

L'année suivante voit de nouveaux développements importants, incluant l'incorporation de la société, l'agrandissement de l'usine et le premier prototype à moteur à deux cylindres.

Le 21 mars à Las Vegas, Mecum vend une Harley-Davidson strap tank (à un seul cylindre) fabriquée en 1907. Cette machine très rare est dans un excellent état d'origine après avoir été conservée jusqu'en 1993 par le fils de son premier propriétaire. Elle est estimée $ 800K, lot S62.

Une Cord de Ville pour Hollywood

En 1929, EL Cord regroupa sous son nom en une seule société holding trois marques de voitures Américaines de luxe, Duesenberg, Cord et Auburn, avec certainement l'idée de promouvoir des lignes de produits bien différenciées. Il ne pouvait pas prévoir que la crise économique allait en peu d'années réduire ses ambitions à néant.

Le nouveau châssis Cord s'appelle L-29. C'est un des premiers essais d'industrialisation d'une voiture à traction avant.

Peu de Cord L-29 ont été assemblées avec une carrosserie réalisée par un atelier indépendant, contrairement à la pratique la plus courante de l'époque concernant les voitures de haut de gamme. Parmi les exceptions, la L-29 Town Car a été confiée à Murphy, un artisan qui travaillait à Pasadena.

La Town Car est une voiture extravagante destinée à plaire aux personnalités les plus excentriques de Hollywood. Elle a un châssis très abaissé et un capot avant démesurément allongé, et une cabine fermée soigneusement séparée du siège du conducteur.

Très peu de voitures ont été faites sur ce modèle par Cord et Murphy. L'un des quatre exemplaires survivants, fait en 1930, est à vendre par Bonhams à Amelia Island le 12 mars, lot 135.

Elle a de toute évidence été très peu utilisée et est restée dans un état d'origine qui est extraordinaire et inattendu pour une voiture de cette période. Une tradition tardive plausible lie cette voiture à l'actrice Dolores del Rio qui était alors, à 25 ans, une des gloires montantes du cinéma.


Le Sourire Cosmopolite d'Amrita Sher-Gil

Amrita Sher-Gil avait tous les atouts pour devenir une des pionnières de la mondialisation de l'art. Elle était née à Budapest d'un aristocrate Sikh et d'une cantatrice Hongroise et partagea son enfance entre l'Inde et l'Europe.

Le talent d'artiste d'Amrita fut extrêmement précoce. Un paysage de la campagne Hongroise, peint en 1931 quand elle avait 18 ans, a été vendu pour $ 610K incluant premium par Saffronart le 19 septembre 2012. Peinte l'année suivante, une conversation entre une jeune fille Hindoue (peut-être un auto-portrait) et une jeune blonde a été vendu Rs 35M incluant premium par Osian's le 31 janvier 2007.

Sur l'initiative d'un oncle, Amrita fait ses études artistiques à Paris de 1929 à 1934. Elle admire l'hommage rendu par Gauguin à la beauté de la femme Tahitienne. En pleine période Art Déco, elle retient aussi la force expressive de la stylisation, qui sera de plus en plus visible dans son propre style après son retour en Inde en 1934.

Le 18 mars à New York, Sotheby's vend un autoportrait signé Rita, huile sur toile 46 x 33 cm peinte en 1933 pendant des vacances en Hongrie. Agée de 20 ans, Amrita se montre en jeune fille accueillante et même aguichante, avec son regard direct, son large sourire et ses lèvres rougies.

Moins connue internationalement que Frida Kahlo, Amrita est une des femmes qui ont le mieux assimilé et influencé l'art de son temps. Elle est un des neuf artistes dont les oeuvres ont été classées National Art Treasures en 1972 par un acte officiel du Gouvernement de l'Inde, avec pour conséquence l'interdiction de sortie permanente de toutes ses oeuvres.

L'arrivée aux enchères de cet autoportrait est un évènement d'une très grande rareté, même en considérant que l'oeuvre a été peinte en Europe. Elle est estimée $ 1,2M, lot 1336.

18 févr. 2015

Le Lignage Ngor

La tradition Sakya, une des quatre grandes tendances du Bouddhisme Tibétain, est indissociable du monastère de Ngor, créé par son premier abbé en 1073 de notre calendrier. Favorisant l'enseignement, Ngor a scrupuleusement maintenu l'hommage à ses meilleurs maîtres.

Ngor invite à la méditation autour de Rakta Yamari, le conquérant de la mort. Provenant peut-être des ateliers de Lhasa, la thangka en soie brodée vendue pour HK$ 350M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2014 donnait le rôle central à Rakta Yamari, prouvant l'importance extrême de cette divinité à la fin du Bouddhisme médiéval.

Ngor produisait également des thangkas de très haute qualité. L'article Ngor lineage de Wikipedia est illustré par une thangka sur coton 135 x 117 cm de la fin du XVème siècle de notre calendrier. Il s'agit d'un honneur posthume rendu aux quatrième et sixième abbés qui occupent côte à côte la place prépondérante, entourés par des cartouches montrant les autres maîtres et certainement aussi Rakta Yamari.

Une autre thangka de Ngor à la détrempe sur drap, 86 x 73 cm pour l'image d'origine et 130 x 83 cm hors tout, est estimée $ 800K à vendre par Bonhams à New York le 16 mars, lot 15. Les couleurs pures sont restées très fraîches.

Les deux figures centrales sont maintenant les neuvième et dixième abbés. Une inscription de bienvenue à l'accession du onzième abbé permet de dater cette oeuvre autour de 1557 de notre calendrier. Sa composition est similaire à celle de la thangka des quatrième et sixième abbés, apportant une remarquable démonstration du maintien des traditions dans le lignage Ngor.

Le Portrait du Premier Président des Etats-Unis

George Washington, général victorieux, fut donné en exemple aux patriotes et eut de nombreux portraitistes.

La guerre d'indépendance eut un effet opposé sur deux des meilleurs peintres Américains de ce temps. Enthousiaste, Charles Willson Peale réalisa des portraits en pied de Washington dans toute l'énergie de ses victoires. Prudent, ou par peur de perdre sa clientèle traditionnelle, Gilbert Stuart préféra s'exiler en Angleterre.

Un portrait de Washington peint par Peale en 1779 a été vendu pour $ 21,3M incluant premium par Christie's le 21 janvier 2006. Le héros se prêtait complaisamment aux artistes, et Peale eut des concurrents dans la décennie suivante comme par exemple Joseph Wright et William Dunlap qui auront un rôle dans la naissance de la monnaie fédérale, et le sculpteur Houdon venu spécialement de France en 1785.

Pendant ce temps, Stuart tire profit de sa connaissance de l'Amérique. Il peint en 1786 un portrait du chef Mohawk Joseph Brant, allié des Anglais, alors en visite en Angleterre. Cette huile sur toile a été vendue pour £ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 9 juillet 2014.

Washington devient en 1789 le premier Président des Etats-Unis. Stuart traverse à nouveau l'Atlantique et s'établit à Philadelphie en 1795 pour exercer sa spécialité, le portrait de personnalité à mi-corps.

Le portrait de Washington fait par Stuart en 1796 sera considéré comme le prototype des portraits officiels de présidents Américains. Curieusement, après avoir peint le visage, l'artiste ne termina pas cette oeuvre. Il s'en servit comme modèle pour réaliser plus de cent copies qu'il vendit $ 100 pièce.

Une de ces huiles sur toile, 76 x 65 cm, est estimée au-delà de $ 800K à vendre le 26 février à Scottsdale AZ par J Levine, lot 4088. La condition n'est pas parfaite.

15 févr. 2015

La Séduction par le Pied

L'art de Marilyn Minter a pour but la séduction par le corps. Dans une approche plus proche du mouvement punk que du tatouage, elle montre dans d'extrêmes grandissements des petits détails lourdement fardés : paupières, lèvres.

Elle travaille d'après ses propres photos, qu'elle assemble en nouvelles images à la chambre noire avant de les transférer en émail sur métal. La qualité sensuelle de sa peinture est encore augmentée par un brossage final au doigt pour adoucir les lignes.

Le pied de femme aux ongles colorés dans une sandale délacée est un de ses thèmes favoris. Il peut être fardé mais aussi subir les changements de couleurs de la fatigue d'une soirée dansante.

Le 3 mars à New York, Phillips vend un pied heurtant une flaque d'eau par Minter, 187 x 145 cm, lot 9 estimé $ 300K. Cette oeuvre peinte en 2006 est intitulée Wave. L'essai du catalogue laisse supposer qu'il s'agit d'une abréviation de Wave of shame, en écho à la fierté de l'artiste d'explorer des thèmes inédits avec une forte tendance érotique.

Le Landau des Ecuries Royales

Le confort du voyage est un souci constant, particulièrement à cette lointaine époque où le réseau de chemin de fer était à peine naissant. Créée en 1805, la société Adams and Hooper travaillant à Haymarket, Londres est un spécialiste des voitures à chevaux, protégé depuis 1830 par une Royal Warranty.

Le 7 mars à Oxford, Bonhams disperse une exceptionnelle collection de carrosses. Le lot 221, estimé £ 200K, est un landau de voyage livré en 1835 par Adams and Hooper aux Ecuries Royales Britanniques pour l'usage du roi William IV.

On ne sait pas si ce carrosse fut utilisé par la famille royale mais il était spécialement conçu pour de nobles voyageurs, avec la séparation socialement indispensable à cette époque entre les patrons et le cocher. Des véhicules plus simples, qui n'ont pas suivi, avaient été prévus pour les valets et les bagages.

Ce landau a été soigneusement rétabli dans le luxe initial de ses décorations et de ses équipements par un collectionneur méticuleux, offrant le rêve d'une époque révolue où chaque voyage était une aventure.

L'Aiguille d'une Ecolière

Tout au long du XVIIème siècle, la vie s'organise dans les colonies d'Amérique du Nord. Sarah, née en 1656, est la fille d'un immigrant anglais, le Reverend Samuel Phillips. qui exerce son ministère à Rowley dans le Massachusetts, une petite ville de plantation créée en 1639.

Sarah est une écolière qui s'exerce à la broderie à partir de modèles extraits des livres anglais. Une pièce 44 x 62 cm réalisée par elle vers 1670 est à vendre par Skinner à Boston le 1er mars, lot 30.

L'iconographie est symbolique, avec l'arbre de vie, le bon berger, les animaux du paradis, le fils prodigue. La maison, le soleil, les habits occidentaux des deux personnages centraux apportent un sympathique réalisme à cette scène réinterprétée par l'esprit et la fantaisie d'une très jeune fille.

Le dessin est précis et la technique est complexe. La broderie est réalisée en laines de cinq couleurs et fils d'or et d'argent sur un fond de laine bleu-verdâtre. Ce travail d'aiguille suit la tradition anglaise de broderie de soie sur satin blanc, mais est extrêmement rare pour ce qui concerne l'Amérique : un seul spécimen similaire a survécu.

Depuis sa création, la broderie Phillips a été conservée soigneusement dans sa famille et n'a été exposée que deux fois. Les couleurs sont restées remarquablement vives. Cet exceptionnel chef d'oeuvre d'art populaire Américain est estimé au-delà de $ 800K.

Un Gros Chat à Daytona

Les courses d'endurance sont réorganisées au début des années 1980. La catégorie des prototypes est favorisée par deux des principaux organismes de régulation : la FIA crée le Group C et l'IMSA la catégorie GTP.

Jaguar profite de cette opportunité pour revenir à la compétition, avec sa série de prototypes XJR incluant pas moins de 17 variantes de 1984 à 1993. En concurrence avec Nissan et Toyota, les nouveaux Big Cats mettront fin à la suprématie écrasante de Porsche.

Le succès vient avec la XJR-9, dévoilée en janvier 1988 aux 24 heures de Daytona, qui est avec Le Mans la plus prestigieuse compétition de cette époque. L'une des XJR-9 gagne la course.

Moins chanceuse, une autre XJR-9 est classée en 26ème position. Elle aura ensuite un bel historique de course avec de nombreuses participations prestigieuses. Modifiée au standard XJR-12 pour la saison 1990, elle gagna les 24 heures de Daytona devant une autre XJR. Cette Jaguar victorieuse est à vendre par RM Auctions à Amelia Island le 14 mars, lot 160.

Elle est estimée entre $ 3M et 5M. Cette gamme de prix très ouverte marque le fait que les voitures importantes des années 1980 sont très rares aux enchères. Celle-ci a été maintenue dans un état exceptionnel.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'Appropriation du Cowboy

La photographie est devenue un art nouveau quand elle a perdu sa relation avec le réalisme. La peinture a utilisé ce paradoxe dès le début des années 1960 avec l'appropriation par Warhol d'images découpées dans les magazines. Gerhard Richter et Vija Celmins ont osé transformer en peintures des photos floues.

Vers 1981, Richard Prince voit le Marlboro Man dans tous les magazines. Le cowboy arpentant sans fin les déserts à cornes du Wild West était un bon choix pour une campagne de publicité car il flattait la nostalgie des citadins pour le passé aventureux de leurs ancêtres, bien relayé d'ailleurs par les westerns du cinéma.

Prince s'approprie les meilleures photographies en couleurs de cowboys, qu'elles soient ou non déjà exploitées par Marlboro. L'important est que le cowboy soit typique avec son Stetson, sa veste et ses éperons, et aussi que l'image soit belle.

Quand le personnage et ses chevaux sont en pleine action, c'est encore mieux. Le 28 juin 2012, Phillips vendait pour £ 600K incluant premium une image avec toutes ces qualités. Cet Ektacolor 69 x 102 cm était l'épreuve d'artiste d'une édition réalisée en 1986 en deux exemplaires commerciaux.

Le même tirage est maintenant estimé $ 1M, à vendre le 3 mars à New York par la même maison de ventes, lot 8.

Les cowboys de Richard Prince et les grimages de Cindy Sherman ont ouvert une nouvelle période de l'art photographique. La phase suivante sera caractérisée par la numérisation, avec le transfert par Richard Prince des couvertures de romans et les scènes aux détails sans fin d'Andreas Gursky.

14 févr. 2015

Le Premier Combat de Mohammed Ali

Sonny Liston semblait imbattable avant de défendre son titre de champion du monde poids lourds contre Cassius Clay le 25 février 1964. Par deux fois, en 1962 et en 1963, Liston avait vaincu Floyd Patterson dès le premier round. La masse musculaire de Liston était impressionnante mais le challenger, mieux entraîné, gagna le match.

La paire de gants utilisée par Cassius Clay à Miami Beach a été vendue $ 840K incluant premium par Heritage le 22 février 2014.

La revanche promettait d'être houleuse. Les invectives de Clay contre Liston avaient contribué à énerver et à affaiblir le colosse. Aucun des deux combattants n'était bienvenu par les officiels Américains. Les liens de Liston avec le crime organisé étaient connus. Clay était devenu entre-temps Mohammed Ali pour soutenir un mouvement radical noir, la Nation of Islam.

Le match eut lieu à Lewiston, Maine le 25 mai 1965. De façon totalement inattendue, Ali gagna par knock-out dès le premier round. Le coup du droit par Ali avait été superbe mais avait généré une grande confusion. L'arbitre n'avait pas compté le knockdown et Liston fut suspecté de s'être couché. Effectivement, la video ne permet pas de conclure clairement.

Pour anticiper une enquête officielle qui finalement n'eut pas lieu, le Boxing Commissioner de l'état du Maine saisit immédiatement les deux paires de gants, qui restèrent longtemps dans sa famille. Ces deux paires réunies à l'origine par le risque de scandale sont restées ensemble et seront vendues en un seul lot par Heritage à New York le 21 février, lot 80063.

11 févr. 2015

Un Prototype Gretsch pour Chet Atkins

Pendant que Les Paul introduisait la guitare électrique pour les larges audiences de la radio et de la télévision, son collègue Chet Atkins développait la musique country à Nashville, Tennessee. Atkins était un virtuose connu pour l'exceptionnelle agilité de ses doigts.

Les modèles de guitare Les Paul créés par Gibson donnèrent l'idée à la marque Gretsch de proposer à Atkins d'utiliser son nom. Gretsch a les mêmes objectifs que son concurrent : améliorer la sonorité, supprimer le larsen, préparer la production de masse.

Le premier modèle Gretsch 6120 utilisant le nom de Chet Atkins est encore une guitare creuse. Une amélioration est effectuée avec la 6120 à capot scellé, modèle intermédiaire par rapport à la 6121 à corps solide.

Deux prototypes à capot scellé sont réalisés par Gretsch pour Atkins. Le premier, lourd et peu maniable, ne convient pas. Le second, réalisé en 1956, résout cette anomalie tout en restant très épaisse mais convient au virtuose qui l'utilisera fréquemment jusqu'à la fin de la décennie.

Ce second prototype sealed top surnommé Dark Eyes est noir pour mieux établir la comparaison avec la Black Beauty de Gibson et Les Paul. Les deux instruments, provenant tous deux de la collection du luthier Tom Doyle, sont à vendre par Guernsey's à New York le 19 février. Dark Eyes est le lot 16 sur le catalogue de la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée en 2013 par Tom Doyle sur YouTube pour raconter l'importance de Dark Eyes dans l'histoire de la guitare.

La Guitare de Les Paul à la Télévision

La radio permet une large diffusion de la musique et crée des besoins et des talents nouveaux. Les Paul, à la fois musicien et électricien, est un de ces pionniers. Dès 1950, il présente sur NBC le Les Paul Show, qui est un grand succès.

Les fabricants d'instruments ressentent le besoin de proposer de nouveaux produits. Fender est le pionnier de la musique électrique, bientôt suivi par la Gibson Guitar Corporation. Gibson cherche une tête d'affiche pour ce développement et offre un contrat commercial à Les Paul en 1952.

Les Paul est exigeant. Il veut des sonorités nouvelles et n'accepte pas les inconvénients de l'électricité dont le larsen. Par ailleurs, la télévision devient populaire. Pour éviter de dérouter le public, le nouvel instrument devra ressembler à une guitare acoustique. Le fabricant demande aussi que la guitare soit conçue pour permettre la production de masse.

En 1954, la Gibson Les Paul Custom à corps solide répond à tous ces besoins. Le prototype, qui sera plus tard nommé Black Beauty, est livré à Les Paul qui l'utilisera pendant plus de vingt ans tout en expérimentant sur elle de nombreuses améliorations. Elle a été soigneusement restaurée par le luthier Tom Doyle, son actuel propriétaire.

Black Beauty sera vendue le 19 février à New York par Guernsey's, lot 17 sur le catalogue partagé par LiveAuctioneers.

Le succès du Les Paul and Mary Ford Show à la télévision à partir de 1954 ouvre la voie à la révolution culturelle du rock and roll.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Tom Doyle en 2014 sur YouTube pour raconter l'histoire et démontrer l'ingénierie et la qualité de la Black Beauty.


Un Nu Intimiste par Irma Stern

Le 17 février à Cape Town, Stephan Welz and Co vend un nu peint par Irma Stern, lot 596 estimé ZAR 10M.

Irma Stern était née en Afrique du Sud et avait fait ses études d'art en Allemagne. Vingt ans après avoir quitté l'Allemagne, l'artiste bénéficiait encore de l'influence des expressionnistes et plus particulièrement de Max Pechstein avec qui elle avait travaillé. Le nu était un de leurs thèmes favoris, permettant des compositions hardies et des couleurs chaudes tout en apportant une idée de liberté.

Cette huile sur toile 88 x 88 cm a été peinte en 1945, l'année clé de la carrière de Stern où elle fait son second séjourà Zanzibar. L'empathie évidente dans la communication de l'artiste avec ses modèles ethniques a généré les plus belles peintures d'Afrique. Le portrait d'une jeune femme Indienne de Zanzibar a été vendu pour £ 2,37M incluant premium par Bonhams le 26 octobre 2010.

Le nu à vendre n'est pas empathique mais intimiste. La femme d'âge mûr était probablement une amie de longue date de l'artiste. Elle est tranquillement allongée jambes pliées sur la couverture colorée d'un canapé, probablement chez elle. La composition diagonale est puissante. Cette femme aux formes rondes sans être obèse anticipe de près d'un demi-siècle les amies de Lucian Freud.

Stern n'oublie jamais qu'elle est en Afrique. Cette peinture a été montée dans un cadre africaniste typique de son art.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée sur YouTube par la maison de ventes.

8 févr. 2015

Les Pilules des Quatre Saisons

Damien Hirst a bâti sa carrière sur l'impossibilité psychologique de la mort, qui est pourtant un phénomène réel et inévitable. Dès 1992, un an seulement après ses premières immersions d'animaux dans le formol, il voue un culte à la pharmacie considérée comme un intermédiaire bénéfique entre la vie et la mort.

Le vingtième siècle avait vu le développement de l'art abstrait. Le symbole profond de la pharmacie sera la pilule, dont la géométrie et couleur peuvent varier au gré de l'artiste sans lui imposer une structure réaliste.

Dans la suite de l'impressionnisme et de l'expressionnisme, Hirst s'approprie les saisons qui seront l'objet d'une variation symboliste des couleurs des pilules. Cette phase de sa créativité culmine avec quatre modèles de cabinets à pharmacie réalisés en 2002 en acier inoxydable et verre. Chacune de ces installations, 183 x 274 x 10 cm, expose plusieurs milliers de pilules peintes de couleurs variées avec un effet visuel doublé par un fond en miroir.

Jusqu'en 2008, Hirst parvint à convaincre le marché de l'art de sa mystique. Le cabinet Lullaby Spring de 2002 a été vendu pour £ 9,6M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2007 sur une estimation basse de £ 3M.

Ce succès encouragea Hirst à produire de nouveaux cabinets, qui furent vendus presque immédiatement aux enchères avec des titres grandiloquents par Sotheby's, respectivement $ 7,1M incluant premium le 14 février 2008 et £ 5,2M incluant premium le 15 septembre 2008.

Un Lullaby Winter réalisé en 2002 a été vendu pour $ 7,4M incluant premium par Christie's le 16 mai 2007. De la même année et de même dimensions, le Lullaby Winter a vendre le 11 février à Londres par Christie's a une autre provenance, établissant que chaque cabinet n'était pas une pièce unique. Il est estimé £ 2,5M, lot 21.

Le Voile de Carmin

En se spécialisant dans l'abstraction au milieu des années 1980, Gerhard Richter a voulu attirer le spectateur dans une réalité expressive qui échappe au figuratif.

Il n'a cependant pas cessé d'améliorer sa palette au travers d'expériences spécifiques comme Blau, peint en 1988, vendu $ 28,7M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014.

Karmin, opus 810-1 peint en 1994, 2 x 2 m, est une de ces huiles sur toiles expérimentales. L'objet de l'étude est la transparence des couches successives de carmin apportant une nouvelle variante spectaculaire à l'oeuvre du meilleur coloriste de notre temps. Le strict parcours horizontal et vertical de la raclette apporte à ce rideau les nuances de l'incandescence.

Karmin est estimé £ 9M, à vendre par Christie's à Londres le 11 février, lot 31.


France-Suède au Parc des Princes

Nicolas de Staël ne se satisfait plus de l'abstraction et tente un retour au figuratif comme peintre de paysages.

Le déclenchement de son inspiration pour un style différent est le match de football entre la France et la Suède le 26 mars 1952. L'événement n'a pas intéressé seulement les amateurs de sport : c'est un des premiers matchs joués en nocturne au Parc des Princes.

L'artiste perçoit les couleurs de cette lumière inhabituelle et l'incessant mouvement des maillots colorés. Désormais, il s'appuiera sur sa mémoire pour recréer ses impressions vibrantes des couleurs perçues, dans des compositions intermédiaires entre l'abstrait et le figuratif.

Dans les jours qui suivent le match, de Staël peint 25 variations sur le thème des footballeurs, recréant en quelque sorte par cet ensemble toute la variété de l'action et du mouvement. Une huile sur toile 65 x 81 cm est estimée £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 10 février, lot 17.

Jusqu'à la fin de sa vie, de Staël réutilisera cette méthode éprouvante basée sur sa mémoire sensorielle, avec d'autres thèmes dont les plus expressifs seront le voyage en Sicile et le nu. Sa santé mentale s'effondrera dans cette frénésie.

Il avait été un pionnier à une époque où les couleurs artificielles de la publicité envahissaient notre environnement, favorisée par la facilité croissante à réaliser la photographie en couleurs.

7 févr. 2015

Crimes sans Châtiments

Dès le début de sa carrière, Cy Twombly déjoue les conventions et les convenances. Il admire Sade, et son installation à Rome en 1959 le fait rêver de l'excès des passions antiques.

Les dieux Gréco-Romains avaient une réputation orgiaque. L'artiste imagine que le graffiti pornographique est une expression intemporelle, et il veut les réaliser avec les techniques modernes. Le dessin aux crayons de graphite et de cire sur une toile peinte à l'huile est furtif, abondant et inégalement disséminé, comme si Twombly, dans l'intérieur de son confortable atelier, voulait imiter les gestes clandestins des anciennes passions.

Réalisé en 1960, Crimes of passion I, 190 x 200 cm, est estimé £ 4M, à vendre par Sotheby's à Londres le 10 février, lot 30.

Le monde Romain et l'Italie n'ont pas seulement été habités par les dieux. En 1962, Twombly se passionne pour les meurtres les plus abjects qui ont modifié le cours de l'histoire. Les traces des hommes de l'ancien temps ne sont pas limitées à l'écriture et au graffiti : l'artiste imagine les empreintes corporelles aux couleurs de chair et de sang laissées par les massacres mutilants de Pompée, César et Giuliano de' Medici.

Le 11 février à Londres, Christie's vend The Death of Pompey, huile et graphite sur toile 145 x 176 cm, lot 35 estimé £ 4M.


Les Couches Internes de l'Abstraction Sociale

Mark Bradford n'est pas un artiste du passé. Rejetant le principe de l'atelier fermé, il voit autour de lui les détails clinquants et colorés du monde qui nous entoure, où la publicité cherche par tous les moyens à attirer notre attention.

Bradford ne peint pas. Il prépare son oeuvre en dessinant des lignes qui structureront l'image tout en étant la cartographie de son monde social. Il colle, décolle et gratte les matériaux qu'il a récupérés et hachés, papiers et plastiques, jusqu'à ce que l'équilibre des couleurs devienne magnifique. Son art est une explosion, comme autrefois les peintures de Joan Mitchell.

Il a donné à son style le nom d'abstraction sociale, qui lui permet de revendiquer l'influence d'Asger Jorn tout en rejetant l'expressionnisme abstrait développé par des Américains de race blanche.

L'art de Bradford est recherché. En 2013, Biting the Book, 260 x 367 cm a été réalisé sur commande pour une exposition concernant le système d'autoroutes Américain. L'érosion du tissu urbain des quartiers pauvres par les axes routiers est démontrée au travers de la visibilité sur les couches intérieures préparées par l'artiste.

Biting the Book est estimé £ 1M, à vendre par Phillips à Londres le 12 février, lot 11.


Les Plis Iridescents de Tauba Auerbach

Tauba Auerbach est inspirée par les conceptions géométriques et les couleurs brillantes de l'Op Art.

En 2008, âgée de 27 ans, elle expérimente la relation entre la toile froissée et les réseaux réguliers de motifs décoratifs inspirés de Bridget Riley. Crumple IV, 201 x 151 cm, a été vendu pour $ 1,06M incluant premium par Christie's le 14 mai 2014.

L'année suivante, les premières oeuvres strictement monochromes bénéficient d'un pliage géométriquement rigoureux, comme un drap prêt à être rangé. Une fois déployée, la toile humide a réparti mécaniquement la couleur en favorisant les iridescences recherchées par l'artiste.

Untitled Fold X, acrylique sur toile peint en 2009, 159 x 122 cm, est estimé £ 1M, à vendre par Phillips à Londres le 12 février, lot 7.

Plus récemment, dans la suite logique de son approche, elle a réalisé des oeuvres monochromes sur toile pliée et froissée, fournissant une texture plus complexe. Un Untitled Fold 153 x 122 cm peint en 2010 a été vendu pour $ 2,3M incluant premium par Phillips le 13 novembre 2014.


4 févr. 2015

Ai Weiwei reconstruit le Zodiaque

Au cours d'un long séjour aux Etats-Unis, Ai Weiwei avait rencontré Allen Ginsberg et vu les ready mades de Duchamp. Il est devenu un artiste socialement contestataire, souvent soumis à représailles de la part du gouvernement Chinois.

Cette double influence Chinoise et Occidentale l'a rendu sensible au scandale de la dissémination des statues du zodiaque lors du sac du palais impérial en 1860. Ces éléments de la fontaine créée pour Qianlong sur les plans de Castiglione avaient été un très rare d'exemple d'art mêlant les deux cultures.

La controverse éclate en 2009 lorsque Christie's offre en vente deux des têtes d'animaux de la fontaine, le rat et le lapin, faisant alors partie de la collection Saint-Laurent-Bergé. Les enchères sont gagnées par un client Chinois qui refuse aussitôt de payer pour ces lots que les Chinois considèrent comme un emblème. Pierre Bergé refuse de céder et avance des arguments liés au respect des droits de l'homme.

En 2010, Ai Weiwei réinterprète les douze têtes d'animaux, incluant les cinq qui n'ont pas réapparu, en deux versions de dimensions différentes. Les figures montées sur un piédestal sont devenues plaisantes et souriantes.

L'installation de douze bronzes dorés de la petite version a été éditée en 8 exemplaires plus 4 épreuves d'artistes. Le groupe numéro 7 est estimé £ 2M, à vendre par Phillips à Londres le 12 février, lot 8.

Le rat et le lapin de la fontaine de Qianlong ont finalement été offerts à la Chine en 2013.

1 févr. 2015

Portrait d'un Vrai Pape

Francis Bacon composait ses peintures à partir de photographies. Troublé par le paradoxe de la vulnérabilité humaine des plus puissants personnages, il étale leurs images dans son atelier.

Il concentre son analyse sur deux papes, l'image de la peinture d'Innocent X par Velazquez et une photographie du pape de son temps, Pie XII. Régnant depuis 1939, Pie XII avait été confronté aux horreurs de la guerre et du racisme avec une efficacité qui sera plus tard contestée. Sa tête allongée et ses joues creuses illustrent parfaitement le thème choisi par Bacon.

Le 11 février à Londres, Christie's vend Study for a head peint par Bacon en 1955, huile sur toile 102 x 77 cm, lot 17.

Dans le style expressif de l'artiste, le visage du pape est parfaitement reconnaissable, et les lunettes n'ont pas été omises. Le couleurs sombres sur un fond noir augmentent l'impression tragique qui hante Francis depuis le Cuirassé Potemkine.

Que se passa-t-il dans l'esprit troublé de l'artiste ? Une continuité certaine de style est établie entre cette peinture et son premier auto-portrait, réalisé l'année suivante, comme si Francis comprenait soudain que cette vulnérabilité des autres qui suscitait son malaise devait s'appliquer aussi et surtout à lui-même.

L'imagerie dérisoire des puissants de ce monde connaîtra en 1972 un autre paroxysme avec le portrait de Mao par Warhol.

Kandinsky à Moscou

Kandinsky a d'abord peint des paysages et des improvisations épiques. Il est le premier grand théoricien de l'art abstrait, mettant en question l'utilité de la figuration dans l'art et prenant comme exemple une de ses propres oeuvres posée sur le mauvais côté.

Pourtant, avant les années 1920 et l'émulation apportée par le Bauhaus, il n'était pas réellement devenu un artiste abstrait et ignorait volontairement les développements suprématistes de Malevitch.

Kandinsky avait développé son art et ses théories en Allemagne. Chassé par la guerre, il arrive à Moscou en décembre 1914. Comme à Murnau, il est passionné par la lumière et les couleurs de cette ville qu'il connaissait peu, ayant passé sa jeunesse à Odessa.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend Moskau II, huile sur toile 53 x 38 cm peinte en 1916, lot 22 estimé £ 6M.

Moskau II est un très bon exemple de l'ambiguïté des frontières entre l'abstrait et le figuratif. Le thème principal est indéniablement l'évocation des couleurs de Moscou.

Moskau II n'est pas une oeuvre abstraite mais une évolution d'un paysage urbain intitulé Moskau I où la perspective avait été totalement bousculée. Les proportions des immeubles ont été conservées entre les deux oeuvres, mais le dessin précis des façades et du soleil, très lisible dans Moskau I, a disparu dans Moskau II. Privant l'observateur de ses points de repères figuratifs, Moskau II offre une étrange poésie.


Le Chaos Chromatique de Gerhard Richter

Au début des années 1980, Gerhard Richter commence à trouver son propre style abstrait. Il se dégage peu à peu de l'évocation et cesse de donner des titres à ses oeuvres majeures à partir de 1986. Il veut aussi se démarquer de l'expressionnisme abstrait, au profit d'un chaos de couleurs auquel il faudra bien cependant apporter une logique d'ensemble.

Le 10 février à Londres, Sotheby's vend Abstraktes Bild 599, huile sur toile 300 x 250 cm peinte en 1986, lot 37 estimé £ 14M.

599 est une oeuvre expérimentale. Le chaos est ici remplacé par un double mouvement des lignes de forces, horizontal et vertical. Il s'agit d'une de ses toutes premières utilisations du rateau, qui est encore concurrencé par le pinceau. De nombreux remords indiquent toute l'attention apportée à la réalisation de cette peinture à qui la grande dimension apporte un rôle démonstrateur.

L'artiste offre avec 599 une gamme chromatique complète structurée en blocs avec des limites visibles entre les zones colorées. Les parties claires montrent une brillance somptueuse rarement tentée dans la peinture et qui évoque Klimt.

L'impression globale est un mouvement d'embrasement à dominance verticale qui rejoint les explosions volcaniques de Matta.

599 est un chef d'oeuvre de Richter au sens étymologique du terme, c'est-à-dire une oeuvre qui inaugure une nouvelle manière de faire qui sera prolifique et qui maintiendra la peinture abstraite parmi les arts majeurs de l'époque contemporaine.

Les Peintures Grises de Cy Twombly

Cy Twombly est un des plus profonds innovateurs de l'art moderne. L'abstraction avait libéré l'art de la figuration. Par son travail sur le subconscient émotionnel, Twombly libéra l'art de l'expressionnisme. Il fut très tôt admiré et analysé par les sémiologues, de Roland Barthes à Philippe Sollers.

Partageant sa vie entre New York et Rome, Twombly développait une culture mondiale, et sa fascination pour les graffitis des monuments antiques le décorrélait du temps. Il jouait à rencontrer le subconscient des héros des grandes affaires passionnelles de l'antiquité.

En 1966, ses peintures grises ouvrent un domaine entièrement inexploré de l'expression artistique. La technique consiste à préparer soigneusement une surface de peinture grise, puis de la couvrir d'une suite ininterrompue de boucles formant une proto-écriture illisible et sans signification propre, qui se juxtaposent comme un chevelu.

Ce nouveau style permet à l'artiste d'explorer la graphologie dans toute son étendue, dominée par le réflexe et la spontanéité, révélatrice du caractère, et que même les plus intelligents des êtres humains ne parviennent pas à maîtriser.

Ces oeuvres sont décrites sous le terme générique de Blackboards, choisi par les critiques d'art et non par l'artiste.

Localisé à New York et exécuté en 1970, un blackboard 145 x 178 cm au trait nerveux avec des points saccadés et des retours en arrière a été vendu pour $ 17,5M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2012. Il est à nouveau en vente, par Christie's à Londres le 11 février, lot 26.

Entre ces deux ventes, l'intérêt des connaisseurs d'art pour Twombly s'est considérablement développé. Un blackboard 156 x 190 cm, également réalisé en 1970, à la pseudo-écriture calme et régulière, a été vendu pour $ 70M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014.