29 avr. 2015

L'Auto-Effacement de Yayoi Kusama

Dès son enfance, Yayoi Kusama pratique le dessin et la peinture pour combattre ses angoisses. Elle voit en hallucination le motif quelle peint, répété à l'infini, et vient à l'assimiler à la contradiction entre l'individu et l'humanité.

En 1958, voyant les réseaux de lumières de New York du haut des gratte-ciel, elle comprend la dimension mystique de sa névrose. Elle exprime l'infini, passant des dizaines d'heures consécutives à peindre inlassablement le même motif coloré minuscule en une répétition qui calme sa névrose.

Son art vient au bon moment, quand New York cherche à définir une suite à l'expressionnisme. Cherchant le calme psychique par l'annihilation, la self obliteration selon ses propres mots, elle est admirée par Donald Judd et par les minimalistes. L'utilisation du blanc dans l'art est le thème de nombreux artistes dont Manzoni, Ryman, Uecker et la répétitivité illimitée de son pinceau est comparable à Agnes Martin.

Le 12 mai à New York, Sotheby's vend Interminable Net No. 3, une des premières oeuvres de son nouveau style de New York. Cette huile sur toile 133 x 125 cm peinte en 1959 est estimée $ 5M, lot 17. Le 12 novembre 2014, Christie's a vendu pour $ 7,1M incluant premium White No. 28, 148 x 111 cm peinte en 1960.

Cette thérapie sans précédent par l'art abstrait a peut-être soulagé temporairement Yayoi Kusama mais ne l'a pas guérie. Son installation volontaire dans une maison de santé mentale au Japon n'a pas stoppé sa créativité.

Rêve sur le Marécage

Peter Doig trouve un thème prolifique d'inspiration dans une scène terrible du film Vendredi 13, qui se révèle être un cauchemar dans la suite de l'histoire. L'image du marécage au clair de lune juste avant ou juste après le crime pose déjà la question de la relation de l'être humain avec la nature.

Comme la mare aux nymphéas de Monet, l'image inclut à la fois la rive du lac et son reflet dans l'eau. Le canot blanc et son propre reflet sont trop étincelants pour que leur lumière vienne de la lune. Son éclairage intense est interne, montrant bien qu'il est le dernier élément subsistant de la civilisation humaine.

Le 11 mai à New York, Christie's vend Swamped, huile sur toile 197 x 241 cm peinte en 1990, lot 5A. Le communiqué de presse publié le 24 avril par la maison de ventes indique qu'elle attend un record pour cette importante peinture, avec un prix autour de $ 20M.

Le 7 février 2007, Sotheby's avait vendu pour £ 5,7M incluant premium sur une estimation basse de £ 800K une autre peinture de dimensions similaires, sans doute ultérieure puisque datée 1990-1991 avec un titre, White canoe, qui ne se réfère plus directement à l'inspiration cinématographique de la série.

Ce jour-là, le marché de l'art poussait au plus haut niveau ce jeune artiste qui travaille avec un soin méticuleux sur de grandes surfaces tout en assimilant les apports techniques des grands maîtres de son siècle incluant Klimt, Pollock et Richter.

La suite de son oeuvre est variée, avec un fil conducteur qui questionne et critique le rôle de l'humanité et la décadence de ses traces incongrues dans la nature. Doig admet volontiers son admiration pour Hopper. Il est un des plus importants et originaux artistes contemporains.


L'Hommage de Picasso à son propre Art

Les Femmes d'Alger de Delacroix, en inspirant Picasso, ont eu un rôle dans la genèse de la peinture moderne. Peinte à Paris en 1907, la toile des Demoiselles d'Avignon montre un groupe de femmes. Contrairement à la peinture de Delacroix, elles sont nues. Elles ne sont pas dans la chaude ambiance d'un harem mais leur offre est vénale.

On reconnaît difficilement l'influence de Delacroix sur les Demoiselles, parce que l'art tribal qui a inspiré la déconstruction des formes est à l'origine du cubisme. D'autres influences ont aussi été identifiées pour cette peinture qui est l'une des plus importantes avancées de l'art occidental.  : Greco, Cézanne, Gauguin.

Matisse meurt en 1954. Ses Odalisques sont célèbres. Picasso n'a pas utilisé ce thème qui exacerbe les couleurs et il est un peu jaloux de son ami décédé. Il déguise Jacqueline mais cela ne suffit pas pour rattraper la gloire de son rival. Pour reprendre sa place dans l'histoire de l'art, il ressuscite les Femmes d'Alger dans une série de quinze peintures numérotées de A à O.

La série est une imitation par Picasso des styles de sa carrière à partir de son invention du cubisme. La dernière version, O, huile sur toile 114 x 146 cm terminée le 14 février 1955, apparaît comme une synthèse de cet ensemble assez disparate, comme l'ultime achèvement de l'art de Pablo à cette date.

Il faut avoir beaucoup d'imagination pour voir une influence de Delacroix dans la version O, mais la comparaison avec les Demoiselles est flagrante. Les femmes sont nues ou peu habillées mais le style de cubisme tardif attise l'imagination en brouillant la vision. La femme debout a par contre une lisibilité totale qui rejoint l'art récent de Pablo.

Pablo a toujours aimé se confronter aux grands maîtres. Le grand miroir anticipe sa série des Ménines peinte seulement deux ans plus tard.

La version O a été vendue pour $ 32M incluant premium par Christie's le 10 novembre 1997. Elle est à vendre le 11 mai par Christie's à New York, lot 8A. Le communiqué de presse du 25 mars indique une estimation autour de $ 140M.

Neige Fondante sur les Bords de la Seine

La Seine joue un rôle majeur dans les débuts de la carrière de Claude Monet mais son mariage en 1871 lui fait perdre son attirance pour les lieux de plaisir des îles de la rivière.

Installé désormais à Argenteuil, il observe la vie autour de la Seine avec ses voiles, ses ponts et ses talus. Au bout de quelques années, qui sont la période clé de la définition du style impressionniste, Monet devient un paysagiste communiant avec la terre et la lumière. Les humains apparaissent encore dans la scène, mais leur rôle est réduit à indiquer l'échelle.

L'artiste se promène le long de la rivière et pose son chevalet sur les berges. Une vue d'Argenteuil peinte en 1875, 60 x 80 cm, avec un beau contraste d'ombres et de lumières sous un ciel pommelé, a été vendue £ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 23 juin 2014.

Monet aimait à dire qu'il était Parisien mais dans sa jeunesse l'influence d'Eugène Boudin l'avait attiré vers la campagne. La neige est pour lui une ambiance et non une perturbation et deviendra un de ses thèmes favoris.

Le 5 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 61 x 100 cm peinte en 1875 montrant la neige fondante sur les berges à Epinay, en amont d'Argenteuil. La lumière est tamisée par un ciel nuageux. Le paysage banal a fourni l'opportunité d'un chef d'oeuvre. Cette peinture est estimée $ 6M, lot 49.

26 avr. 2015

L'Enchanteresse Pourrissante

Techniquement, l'art photographique de Cindy Sherman marque la transition entre le noir et blanc et la couleur rapidement traitée en très grandes dimensions. Ses autoportraits maquillés apportent une image globale de la femme, d'abord avec les gentilles scènes décalées des Untitled Film Stills puis avec les gros plans des Centerfolds.

Le magazine qui avait commandé les Centerfolds en 1981 n'a pas osé les publier. Cindy Sherman est une très grande artiste qui a su rendre dérangeants ces portraits dans de banales positions couchées d'une femme faussement offerte ou faussement vulnérable.

L'histoire se répète en 1985 avec la série des Fairy Tales pour un autre commanditaire. Cindy rit des horreurs qu'elle invente, comme faisait Kafka. Il n'y a pas de référence littéraire malgré le titre de la série.

Untitled 153 est une des images les plus fortes des Fairy Tales de Sherman. Depuis les tout débuts de la photographie, la mort fascine les observateurs des vues, qu'elle soit réelle ou mise en scène. 153 tire le meilleur parti de cette prolifique ambiguïté.

La tête ressemble à un buste de pierre tombée sur le sol moussu d'un parc qui a commencé à la souiller. Le maquillage blafard est parfait, et son impression est renforcée par le regard figé et par la perruque hirsute dont le mécanisme est visible en haut du front.

153 a été éditée en tirages chromogéniques 171 x126 cm en six exemplaires plus une épreuve d'artiste. Cinq sont aujourd'hui dans des musées, et les deux autres contribuent à l'histoire des enchères.

Le numéro 5/6 a été vendu pour $ 2,77M incluant premium par Phillips le 8 novembre 2010, un très haut prix pour une photographie à cette époque. Le numéro 2/6 est estimé $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 12 mai, lot 54.


La Position du Bleu

Le bleu foncé ne peut pas laisser indifférents les artistes modernes. Cette couleur froide apporte une impression physiologique d'éloignement. Elle ne se mêle pas aux autres couleurs qui jouent à créer des harmonies entre elles. Quand il est dominant, le bleu est agressif.

A ses débuts dans l'art abstrait, Mark Rothko a effectué de nombreux essais de positionnement du bleu. Cette couleur est loin d'apparaître dans la majorité de ses oeuvres mais elle y apporte en alternance avec le noir le sens de l'expression tragique que l'artiste cherchait à transmettre.

Quand la zone rectangulaire bleue est dans le bas de l'image, elle a gagné une stabilité qui amoindrit les autres couleurs comme si elle était la reine de ce champ d'action. Rothko cherche quelle couleur pourra lui résister.

En profitant d'une position basse du bleu, un rouge profond réparti en plusieurs nuances a presque gagné dans le splendide No 1 peint en 1954, 289 x 172 cm, qui a été vendu pour $ 75M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2012.

L'artiste lui trouve un autre concurrent la même année avec un jaune éclatant. Le bleu défend avec énergie sa position en occupant presque toute la largeur disponible contrairement aux principes habituels de composition de l'artiste. Cette huile sur toile 243 x 187 cm est estimée $ 40M à vendre par Sotheby's à New York le 12 mai, lot 11. Après la mort de Rothko, cette peinture a appartenu à la collection Mellon qui incluait le meilleur ensemble d'oeuvres de cet artiste en mains privées.

La tragédie du bleu ne s'est pas arrêtée là. En 1955, il parvient à dominer la partie supérieure de l'image dans une huile sur toile 169 x 125 cm vendue pour $ 55M incluant premium par Phillips le 15 mai 2014.


La Visite Solennelle de Mona Lisa en Amérique

La Joconde fait une visite solennelle aux Etats-Unis au début de l'année 1963. La peinture est reçue par le Président et Mrs Kennedy avec les honneurs dûs à une reine. Son séjour a deux étapes : la National Gallery de Washington et le Metropolitan Museum of Art de New York.

Cet événement est un triomphe pour la culture et pour l'amitié trans-Atlantique. Jacqueline Kennedy, qui a imaginé et demandé cette opération, a une sensibilité Européenne et veut combattre la réputation de retard culturel de l'Amérique. André Malraux, ministre Français de la Culture, a accepté le risque.

L'art Américain est en pleine mutation. Andy Warhol, comme Norman Rockwell avant lui, est attentif à tous les symboles qui peuvent émouvoir les Américains. Sa technique d'art sérigraphique est au point. Réalisée l'année précédente, la Statue de la Liberté anaglyphique était déjà une synthèse de sa réunion de la culture, de la politique et de l'art.

Un conservateur du Metropolitan invite Warhol à interpréter la Joconde. Cette approche est d'autant plus remarquable que deux ans auparavant Andy était encore un inconnu. Elle démontre l'envie et le besoin des Américains d'entrer dans la vie moderne pendant la présidence de Kennedy.

Andy choisit trois thèmes à partir d'une gravure prélevée dans un magazine : l'image entière, le buste, les mains, et réalise les écrans en plusieurs dimensions. Il les mêle en tous sens, certaines en chevauchement, et utilise sans les modifier les quatre couleurs fondamentales de l'imprimerie : cyan, magenta, jaune et noir. L'image célèbre affronte à la fois la technique et le désordre de la civilisation industrielle.

La plus grande Mona Lisa multiple réalisée par Warhol, 320 x 208 cm, est à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 26B. L'estimation n'est pas publiée, mais ce lot est attendu autour de $ 40M. La Liberté prise ci-dessus comme référence a été vendue pour $ 43,7M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's.

25 avr. 2015

L'Incomparable Lumière de Venise

Claude Monet n'avait pas imaginé toute la beauté de la lumière sur le Canal Grande, particulièrement admirable quand un soleil violent perce une épaisse brume saline. En arrivant à Venise début octobre 1908, il est d'abord intimidé par ce nouveau défi puis il exécute sa méthode personnelle d'observation aux différentes heures du jour.

Monet admire aussi les monuments mais il n'est pas un touriste. Sa vue du Palazzo Ducale prise du nord au travers du Gran Canale est banale, avec sa classique enfilade de monuments trop lointains. Elle est pourtant une des plus belles réussites de son séjour.

Les monuments dorés sont traités avec une proportion exacte et un grand soin des détails avec une touche impressionniste qui accueille une belle variété de couleurs. La rencontre de cette palette avec l'eau apporte une variété encore plus grande, dans un chatoiement d'une grande douceur.

La surface de l'eau devient concrète, comme sur le bassin aux nymphéas, sans recours à des objets flottants. Au loin, une unique petite gondole apporte un contraste sur le point fort de la composition.

Cette huile sur toile 57 x 92 cm est estimée $ 15M à vendre par Sotheby's à New York le 5 mai, lot 40.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Sotheby's, remémorant l'ancienne appartenance de cette peinture à la collection Goldschmidt :




Le Cri de la Carcasse

Malgré son comportement difficile et secret, Chaïm Soutine n'était pas isolé dans le monde de l'art Parisien. Il avait été un compagnon de beuverie de Modigliani et intéressait Zborowski. Il décomposait les paysages pour mieux exprimer la violence des couleurs, au détriment non seulement de la perspective mais aussi de l'équilibre.

Passant par Paris en 1923, Barnes est subjugué par l'approche expressive hautement originale du jeune peintre, mais Soutine ne réagit jamais comme tout le monde. Grâce à ce succès inespéré, il déménage son atelier et se précipite à La Villette pour acheter une carcasse de boeuf.

La série des images de carcasses, de boeuf puis d'autres animaux, n'est pas une victoire de l'artiste contre la faim. Il était d'ailleurs déjà menacé par son ulcère à l'estomac qui le tuera vingt ans plus tard.

Le rouge obsédant du sang et de la viande sont l'exacerbation d'un cauchemar d'enfance. Soutine avait été choqué par l'opposition entre la tragédie de l'animal mort et la satisfaction du boucher d'offrir une pièce de choix. Ses carcasses défient les traditions d'équilibre de la peinture de nature morte, dans la suite logique de ses compositions de paysages.

La viande pourrit sur son crochet, offrant à l'artiste de nouvelles couleurs et alertant les voisins qui appellent la police sans parvenir à stopper cet exceptionnel élan créatif. Une huile sur toile 81 x 60 cm montrant en gros plan une carcasse de boeuf est estimée $ 20M à vendre par Christie's à New York le 11 mai, lot 30A.

22 avr. 2015

Les Graffitis Dorés de Rudolf Stingel

Rudolf Stingel ne s'est pas satisfait de ses oeuvres monochromatiques. Ses expositions réservent des espaces où les visiteurs cisèlent leurs émotions sur des murs mous en aluminium. L'artiste choisit ensuite des surfaces écrites qu'il moule pour exécuter son oeuvre finale, bousculant les frontières conventionnelles entre l'art et le spectateur.

Stingel est aussi un théoricien qui prend soin de dévoiler ses intentions pour mieux désacraliser le rôle de l'artiste dans la création de l'art. En récupérant le message sans cohérence de la foule, il va plus loin que la proto-écriture de Twombly.

En 2012, ses oeuvres sont terminées à l'or posé au travers d'une couche de nickel sur un substrat de cuivre électrolytique. L'or exacerbe le message trivial de la foule anonyme dans cette création collective où l'artiste n'est plus qu'un contremaître chargé d'effectuer le choix de l'assemblage final. La surface légèrement ondulante apporte des contrastes lumineux.

Un exemple 118 x 120 cm a été vendu pour £ 840K incluant premium par Phillips le 2 juillet 2014.

L'oeuvre à vendre par la même maison de ventes le 14 mai à New York est plus ambitieuse. Elle est composée d'un carré de quatre panneaux 120 x 120 x 3,8 cm chacun entièrement couvert de graffitis variés. Elle est estimée $ 4M, lot 10.


19 avr. 2015

La Construction de l'Equilibre

Sur une toile de petites dimensions, Piet Mondrian cherche l'équilibre absolu en traçant des lignes strictement horizontales et verticales qui s'interrompent ou pas quand elles se croisent. Elles forment des carrés ou des rectangles dont certains semblent dominants. Basiquement formés de non-couleurs, ces sous-espaces perdent leur déséquilibres respectifs quand certains sont remplis de couleurs pures.

En 1929, l'artiste parvient à simplifier cette structure à l'extrême, sans toutefois atteindre l'aboutissement suprême des carrés de Malevitch. Une seule ligne verticale et une seule ligne horizontale passent de bord en bord, divisant la toile en quatre zones presque égales. Les lignes interrompues complètent un carré dominant en bas à droite, proche des bords qui sont eux-mêmes divisés.

Le 14 mai à New York, Christie's vend une Composition No III avec rouge, bleu, jaune et noir, 50 x 50 cm, lot 6C estimé $ 15M, qui est un prototype et peut-être la plus importante peinture utilisant cette nouvelle géométrie. Le rouge profond en haut à gauche distrait l'attention du carré de non-couleur. Les deux autres couleurs avec le noir et une non-couleur remplissent les bandes étroites à droite et en bas du carré.

Mondrian est satisfait du résultat. Il donne cette peinture à Michel Seuphor qui est un des premiers critiques à soutenir activement cette nouvelle conception de l'art abstrait, et il réutilise cette géométrie efficace avec de nouveaux arrangements chromatiques.

Peinte en 1930 sur une toile de même dimension, Composition No II avec bleu et jaune a été vendue pour £ 12,4M incluant premium par Christie's le 4 février 2014.

La Grande Question de Paul Gauguin

Venu assez tardivement à la création artistique et initialement proche des impressionnistes, Paul Gauguin a cherché des solutions originales comme l'utilisation des couleurs pures dans des formes fermées, anticipant le fauvisme.

Sa vie devient une suite de déboires sociaux. Ce chrétien intransigeant rejette l'enseignement et la liturgie catholiques mais continue à chercher à comprendre le mystère de la vie. A l'époque du Christ jaune, 1889, il entoure les symboles religieux de thèmes de la vie moderne y compris son propre auto-portrait.

Son exil volontaire en Polynésie lui apporte une synthèse du christianisme et de l'animisme. Dès lors l'art de Gauguin n'est plus exclusivement chrétien. Peinte à Tahiti en 1897-1898, D'où venons-nous Qui sommes-nous Où allons-nous, qui est conçue par l'artiste comme son testament mystique, ne fait pas référence aux religions occidentales.

Le 5 mai à New York, Sotheby's vend une Nativité, huile sur toile 44 x 62 cm peinte en 1902, lot 33 estimé $ 4M.

Une femme Polynésienne vient de donner naissance à un enfant dans une pièce aussi étroite qu'une étable. Elle est assistée d'un groupe de femmes. Les plus jeunes sont nues ou presque nues.

Pourtant cette scène n'est pas seulement exotique. Le halo radiant autour de la tête de l'enfant ne laisse aucun doute sur le fait que cette naissance est divine et l'attitude de prière des trois vieilles femmes derrière le groupe est chrétienne.

Bassin et Roseraie

D'après la Wikipedia en français, Claude Monet a résumé sa propre carrière en une formule courte qu'on peut considérer comme excessive : un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs. Cette citation n'est pas datée.

Après son long séjour à Venise en 1908, il ne quitte plus guère Giverny. Il exerce son talent de jardinier avec la même délicatesse que sa peinture, mais parfois la nature prend le dessus, comme lors des inondations de 1910.

Le 5 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 73 x 100 cm peinte en 1913, lot 47 estimé $ 18M.

La composition est divisée en deux parties égales. La partie haute de l'image montre les arceaux de roses. Le ciel, si souvent absent dans la série des nymphéas, réapparait. L'absence des grands arbres confirme que le jardin est le thème principal de cette vue. Le premier plan montre les habituels groupes de nymphéas qui jouent avec les reflets des arceaux.

Ce jardin fait la fierté de Monet. Les couleurs tourbillonnantes dans la chaleur de l'été rappellent les petits paysages du Midi de la fin de carrière de Renoir.


Un Eté aux Champs

L'impressionnisme vu par Monet n'est pas seulement une nouvelle technique adaptée à la peinture des paysages. C'est aussi un mode de vie, éloigné le plus possible des conventions sociales et préférant les plaisirs de la campagne au bruit étourdissant de la ville.

Monet s'est éloigné de Paris. Il s'installe en 1883 à Giverny avec Alice et les huit enfants de cette famille recomposée. La période difficile qui avait suivi la mort de Camille est enfin terminée.

La vie au village est un enchantement pour Monet. Pendant le dur hiver 1885, l'observation du givre mène le peintre à une interprétation directe des couleurs changeantes de la nature.

Ensuite vient l'été. Claude et Alice aiment terminer la journée dans le pré séparé de leur jardin par un ruisseau bordé de peupliers. La moisson est effectuée et les meules de foin attendent l'entrée en grange.

Le 14 mai à New York, Christie's vend une huile sur toile 65 x 81 cm datée 1885, lot 15C estimée $ 12M.

La composition est équilibrée, comme toujours. Une ombre s'approche du pied des meules inondées de soleil. Dans cette ombre douce, à mi distance entre la position de l'artiste et les peupliers, la femme et les trois jeunes enfants transforment ce paysage tranquille en une scène de bonheur intime.

18 avr. 2015

Le Cri de Dora

La sensibilité de Picasso est exacerbée en 1937. La douceur de Marie-Thérèse ne suffit plus à fournir sa vision idéale de la femme. Il tente avec succès de refuser le divorce demandé par Olga. Sa nouvelle muse rencontrée l'année précédente, Dora, active, agressive, politiquement engagée, a une personnalité différente.

Pablo dira plus tard que Dora a toujours représenté pour lui la femme qui pleure, signifiant essentiellement la femme qui souffre. Elle devient ainsi un modèle pour la mater dolorosa, interprétée par l'artiste comme une attitude évoluant entre la sentimentalité passive et une rage militante contre l'oppression.

Dora accompagne la création progressive de Guernica et réalise un reportage photographique de la préparation de l'oeuvre. Une femme qui pleure pourrait être candidate à entrer dans cette scène terrible. Picasso y renonce, sans doute après avoir compris que l'image de femmes victimes basées sur Marie-Thérèse renforce mieux son message politique d'horreur de la guerre.

Le 1er juillet 1937, Pablo réalise en une seule journée les sept états successifs de sa gravure de la femme qui pleure. Le troisième et le septième état sont édités en quinze exemplaires chacun, 69 x 49 cm sur feuille 77 x 57 cm.

Dans le septième état, la rage exprimée par Dora rejoint l'intensité du message de Guernica. La conception simultanée des deux thèmes est une conséquence de l'excitation de Pablo déséquilibré à la fois par le viol de ses convictions pacifistes et par ses difficultés nouvelles avec les femmes.

Le septième état est la plus importante gravure de l'histoire des enchères. Le numéro 3/15 a été vendu pour $ 5,1M incluant premium par Christie's le 1er novembre 2011. Le numéro 8/15, précédemment discuté dans cette chronique, a été vendu pour £ 3,2M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2014. Le numéro 11/15 est estimé $ 4M à vendre par Christie's à New York le 14 mai, lot 5C.

15 avr. 2015

Le Coran Bleu

Le Coran bleu est le plus grand chef d'oeuvre de la calligraphie Islamique. Il est réalisé en écriture Coufique étirée en forte largeur de trait d'or sur un parchemin de vélin teint en bleu indigo.

Son origine n'est pas documentée mais ses caractéristiques sont uniques. Il s'agit certainement du Coran identifié dans un inventaire réalisé à la grande mosquée de Kairouan en 693AH (1294AD).

Il contenait à l'origine environ 600 pages de dimensions variables, jusqu'à 31 x 41 cm. Beaucoup ont été éparpillées à la fin de la période Ottomane et au siècle dernier. 67 folios restants ont été transférés de Kairouan à Tunis en 1967.

Le Coran bleu a sans doute été exécuté en Andalousie ou en Afrique du Nord il y a 1100 à 1000 ans pour un des plus puissants monarques Islamiques qui n'a pas été identifié. Sa somptueuse teinture indigo est considérée comme une tentative réussie de surpasser le luxe des pourpres Byzantines.

Des feuilles du Coran bleu apparaissent assez souvent aux enchères. L'une d'elles a été vendue par Sotheby's pour £ 280K incluant premium le 4 octobre 2011. Un meilleur résultat annoncé en 2012 n'est plus confirmé sur le site de la maison de ventes.

Une feuille 28 x 38 cm contenant 15 lignes de la surah al nisa' a été vendue pour £ 240K incluant premium par Christie's le 26 avril 2012. Elle est estimée £ 300K à vendre par Sotheby's à Londres le 22 avril, lot 62.


L'Atelier du Midi

Arrivé à Arles en 1888 à la fin de l'hiver, Vincent van Gogh a communié avec la nature de Provence, avec les merveilleuses couleurs du printemps du haut de Montmajour et le dur soleil d'été sur les travaux des champs.

Il emménage à la Maison jaune où il veut créer une communauté d'artistes qu'il nomme L'Atelier du Midi. Paul Gauguin arrive le 23 octobre.

Une période de beau temps, du 29 octobre au 2 novembre, permet une première session de plein air. Les deux artistes posent leurs chevalets aux Alyscamps dominés par la couleur jaune vif des feuilles d'automne.

Il faut qu'ils arrivent à se comprendre. Deux des peintures de van Gogh cloisonnent les formes dans des traits nets qui pouvaient plaire à Gauguin. Leurs conceptions très différentes de la création artistique commencent cependant à opposer les deux artistes dès ce premier essai. Gauguin est un cérébral pour qui le résultat doit être conforme à sa conception initiale, van Gogh est un impulsif qui désire que le geste et la spontanéité contribuent à la composition.

Le 5 mai à New York, Sotheby's vend une vue des Alyscamps peinte le 1er novembre 1888, huile sur toile 92 x 74 cm, lot 18. Le communiqué de presse du 13 avril espère un prix au-delà de $ 40M.

La composition est géométrique, avec la grande perspective de l'allée d'arbres. L'opposition entre les couleurs chaudes du sol et des arbres et le bleu froid du ciel éloigne résolument ce van Gogh par rapport aux à-plats de Gauguin. L'expression est renforcée par les riches nuances de la palette. Cette peinture contient les éléments qui généreront l'incompréhension puis la brouille entre les deux grands artistes.

Paysages d'Eau

En 1904 Claude Monet est séduit par son propre travail non pas d'artiste mais de jardinier. Les nymphéas ont envahi sa mare de Giverny. Les feuilles flottantes constituent un plan horizontal parfait qui est unique en son genre comme thème artistique, et la délicatesse des couleurs des fleurs convient à la sensibilité Art Nouveau de ce temps.

L'artiste commence une synthèse de ce nouveau thème avec sa préoccupation des vingt années précédentes concernant l'évolution des couleurs et des reflets selon l'heure et le temps. Il a eu le bonheur de trouver dans son propre jardin le thème le plus subtil de la peinture moderne.

Les peintures de la première année de la série des Nymphéas sont très rares sur le marché de l'art. L'une d'elles, 81 x 100 cm, a été vendue pour £ 18,5M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2007. Dans ce plan rapproché, le bord de l'étang est déjà hors du champ, donnant aussi une impression d'infini qui anticipe Mondrian.

En 1905, les nymphéas sont plus clairsemés pour laisser un meilleur rôle aux reflets, devenus identifiables bien que les arbres restent hors champ. Les plantes forment une cohorte flottante simulant un agréable mouvement horizontal.

Une vue par temps clair sous un soleil doux, huile sur toile 90 x 100 cm, a été vendue pour $ 44M incluant premium par Christie's le 7 novembre 2012.

Le 5 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 81 x 100 cm, lot 30 estimé $ 30M. Datée également de 1905, elle montre les blocs à la surface de l'eau dans une ambiance de début ou fin du jour fournissant une superbe harmonie de bleus et verts profonds.

12 avr. 2015

La Destruction de Masse des Aigles d'Or

La décision du Président Roosevelt de stopper et supprimer la monnaie d'or a pris les usines par surprise. L'ordre Présidentiel du 5 avril 1933 interdit la possession d'or pour une valeur globale supérieure à $ 100. Les réserves fédérales devront être fondues, y compris les productions déjà réalisées pour l'année en cours.

Certaines variantes stockées en attente de leur mise en circulation sont ainsi devenues extrêmement rares. Un double aigle 1927-D gradé MS66 par NGC a été vendu pour $ 2M incluant premium par Heritage le 9 janvier 2014. Le seul exemplaire qui a pu être validé ultérieurement par le gouvernement du double aigle 1933 a été vendu pour $ 7,6M incluant premium par Sotheby's et Stack's le 30 juillet 2002.

L'aigle d'or de $ 10 de la dernière année est moins rare que le $ 20 1927-D. Sur les 312 500 exemplaires qui avaient tous été produits par l'usine de Philadelphie, environ 30 ont survécu. Aucune des pièces connues n'avait eu le temps de circuler.

La meilleure de ces $ 10 de 1933, vendue pour $ 720K incluant premium par Stack's en octobre 2004, a été gradée ultérieurement MS66 par NGC. Une autre, gradée MS65 par PCGS, sera vendu par Heritage le 23 avril à Schaumburg IL, lot 5419.


La Collection des Quatre Stellas

Le coinage act de 1873 décide l'entrée des Etats-Unis dans le système de l'étalon or. Il est tentant de redéfinir la monnaie par comparaison avec les pièces d'or des autres pays majeurs comme l'Angleterre, la France, l'Italie et l'Autriche. Le nouveau standard serait le stella valant 4 dollars. L'ambition est de maîtriser la monnaie mondiale autour d'un standard Américain.

Dans un bel élan de mondialisation, une étoile à cinq pointes remplace l'aigle tandis que sur l'autre face la figure de la liberté est confiée en concurrence à deux graveurs.

Le congrès accepte la figure aux cheveux flottants proposée par Charles Barber, le fils du Chief engraver récemment décédé. Quelques centaines d'exemplaires sont frappés en 1879 dans une opération de marketing destinée à faciliter la promotion du nouveau standard. Elles ne suffisent pas et quelques exemplaires supplémentaires sont frappés en 1880.

La figure au chignon préparée par George Morgan est limitée aux frappes non retenues de 1879 et à quelques échantillons supplémentaires réalisés l'année suivante, peut-être parce que le concepteur n'avait pas accepté sa défaite. Elles figurent parmi les pièces les plus rares de la numismatique Américaine du XIXème siècle. Le projet stella est abandonné en 1880.

Il est logique que les heureux possesseurs de la stella au chignon de 1880 réunissent autour d'elle les trois autres variantes. Les quatre pièces vendues par Bonhams le 23 septembre 2013 avaient toutes été gradées PR67 par NGC. Par ordre de rareté, elles avaient obtenu $ 2,6M pour la 1880 coiled hair en qualité cameo,  $ 1,04M pour la 1879 coiled hair, 960K pour la 1880 flowing hair et 280K pour la 1879 flowing hair. Ces prix incluent les frais.

L'histoire se répète avec d'autres specimens chez Heritage à Schaumburg IL le 23 avril. La 1880 coiled hair non cameo gradée PR67 par NGC est au lot 5301, la 1879 coiled hair gradée PR65 par PCGS au lot 5299, la 1880 flowing hair gradée PR66 par PCGS au lot 5300 et la meilleure des 1879 flowing hair de la vente, gradée PR67 cameo par NGC, au lot 5297.

La Soie en Sogdiane

Les explorations parrainées par les Han ont ouvert la route de la soie. Pendant un millénaire, la Sogdiane occupe une position géographique stratégique avec un accès facile à la Perse, à l'Inde et à l'Europe, à Byzance et au monde Musulman.

Les Sogdiens ont eu pendant toute cette longue période la réputation méritée d'être les meilleurs commerçants du monde. Malgré les nombreux postes tout au long de la route où ils auraient pu être relayés par des intermédiaires, ils contrôlaient eux-mêmes les plus longs voyages.

Le 22 avril à Londres, Sotheby's vend une robe en lampas de soie, lot 176 estimé £ 150K. Ce vêtement a été daté autour de 710AD au radiocarbone, avec une précision de 50 ans.

Ce vêtement est un manteau ouvert, avec un grand col et de très longues manches, décoré avec des fils de soie de quatre couleurs. Les nombreux petits médaillons montrent alternativement des couples de chevaux ailés et de daims cornus en opposition.

A cette époque, le secret de la production de la soie connaissait ses premières fuites mais il est probable que la matière de ce vêtement venait de Chine. Les médaillons et leurs animaux sont dans le style des Perses Sassanides. L'intense activité de la route de la soie sous les Tang rend plausible une origine Sogdienne de cette très ancienne pièce.

La robe en soie de style Mongol vendue £ 505K incluant premium par Christie's le 5 octobre 2010 est ultérieure de quatre siècles.

Le Succès Social d'une Chaise Longue

Les chaises longues de Marc Newson sont un jalon important de la création contemporaine. A peine sorti de ses études de sculpture, il réalise en 1986 un premier prototype nommé LC en hommage à Le Corbusier.

Les Australiens aiment le surf. Newson comprend que les techniques de fabrication des planches peuvent être utilisées pour d'autres structures complexes et modernes. La forme est obtenue en couvrant une mousse par de la fibre de verre. Ensuite vient la finition.

Le sculpteur Newson veut une finition métallique. Après divers essais dans son jardin à Sydney, il conserve des courbes convexes et concaves du moule en martelant des feuilles d'aluminium jointes par de nombreux rivets plats. La texture est similaire à un fuselage d'avion. Le nouveau modèle, en 1988, est nommé Lockheed lounge, sans participation de l'industriel.

La Lockheed lounge est de l'art abstrait appliqué à un meuble, avec des matériaux et une technique inusitées. En 1990, elle est éditée à dix exemplaires plus quatre épreuves d'artistes, portant le total à son chiffre final de quinze.

On ne s'assied pas sur une Lockheed lounge mais on peut s'y étendre pour une activité sociale. La nouvelle Madame Récamier est la chanteuse Madonna. Une Lockheed lounge apparaît de façon sporadique en 1993 dans la vidéo de Rain, une chanson de son album Erotica. La chaise de Newson devient une icône du mode de vie contemporain.

Le prototype de 1988 a été vendu pour $ 2,1M incluant premium par Phillips le 13 mai 2010. L'exemplaire 10/10 de l'édition de 1990 est estimé £ 1,5M, à vendre par la même maison de ventes le 28 avril à Londres, lot 226.


11 avr. 2015

La Médecine Perse avant Avicenne

Les médecins Islamiques ont eu un rôle majeur dans la transmission des principes antiques vers le monde moderne. Le modèle universel dans ce domaine était Hippocrate, sans oublier les ajouts de Galien. Les traitements médicaux étaient inspirés par les observations anatomiques et l'éthique apportait le lien entre la santé des corps et des âmes.

Depuis l'antiquité, les savants étaient aussi des compilateurs. La somme de leur savoir constituait de véritables encyclopédies en forts volumes où l'auteur insérait ses propres découvertes.

Abul-Hasan al-Tabari était un médecin spécialisé dans les maladies de la peau et des yeux dans l'ouest de la Perse à l'époque de la dynastie Bouyide, il y a environ 1050 ans. Il ne doit pas être confondu avec le célèbre érudit al-Tabari qui s'était aussi intéressé à la médecine.

Le 22 avril à Londres, Sotheby's vend un manuscrit des deux derniers chapitres, IX et X, de l'encyclopédie médicale d'Abul-Hasan al-Tabari, lot 68 estimé £ 220K. Cet important fragment contient près de 250 feuilles 19 x 16 cm à 18 lignes par page dans une belle écriture Arabique anguleuse.

Le livre suit de très près l'enseignement d'Hippocrate dont le nom est cité dans le titre. Les chapitres du manuscrit à vendre sont consacrés à l'estomac et au foie, avec leurs fonctionnements normaux et anormaux et leurs traitements.

La formule 'rahmat Allah alayhi' après le nom de l'auteur indique qu'il était décédé, probablement peu avant. Ce très ancien manuscrit écrit il y a environ 1000 ans est ainsi contemporain du début de la carrière d'Ibn Sina (Avicenne) qui sera le plus importants des médecins philosophes Perses du Moyen-Age.




8 avr. 2015

L'Apogée de l'Empire Mongol

Le XIIIème siècle de notre calendrier voit l'extension prodigieuse du territoire Mongol, le plus grand empire de l'histoire en termes de superficie incluant en particulier la route de la soie dans toute sa longueur.

Les empereurs promeuvent les centres de tissage. Les échanges commerciaux sont actifs, les influences se mêlent, et bientôt les variétés de styles ne permettent plus de définir la région de l'atelier de fabrication.

Le tissage est un des arts les plus anciens, indispensable pour la décoration d'intérieur. Les matières textiles sont dégradables et bien peu de pièces ont été conservées dans un état satisfaisant. Leur perte inexorable empêche une vision objective de l'histoire des arts du luxe.

Le 21 avril à Londres, Christie's vend un tapis tissé quelque part dans l'empire Mongol, lot 100 estimé £ 500K. Ce fragment 246 x 81 cm est certainement presque complet. Le bas semble avoir été coupé volontairement pour utiliser le tapis dans l'entrée d'une grande tente nomade.

Cette pièce est un exemple unique de tapis Mongol en laine à tissage plat, réutilisant les techniques plusieurs fois millénaires du kilim.  Les deux faces sont similaires, avec un retour au verso du fil de trame qui renforce la solidité et contribue certainement à sa remarquable conservation.

Il est une synthèse de plusieurs styles anciens, avec les bandes colorées horizontales offrant un catalogue de couleurs en haut de la pièce, et des frises de motifs géométriques et de trèfles. La partie centrale est figurative, avec des pigeons et des pivoines. Les raffinements techniques et la comparaison des motifs avec les tapis représentés dans les miniatures de l'époque permettent d'évaluer son âge à environ 700 ans.

5 avr. 2015

La Casquette de la Liberté

Le Coinage Act de 1792 autorisait dix dénominations basées sur le système décimal autour de quatre références, le dollar, l'aigle valant 10 dollars, le disme (plus tard : dime) à 1/10 dollar et le cent à 1/100 dollar, complétées chacune par un demi.

Les deux autres monnaies sont des quarts : d'aigle valant 2,5 dollars et de dollar valant 0,25 dollar. Ces quarts ne correspondaient pas à une manière facile de compter. Ils ne furent pas populaires et leur fabrication fut parfois interrompue. Dans deux cas, le quart est stoppé juste après une année de changement de design, générant les types les plus rares de la monnaie Américaine régulière.

La première vente de la collection Pogue, le 19 mai à New York par Stack's Bowers en association avec Sotheby's, inclut ces deux raretés dans un état exceptionnel. Le quart de dollar de 1796 a été discuté récemment dans cette chronique. L'autre exemple est le quart d'aigle de 1808, lot 1128 estimé $ 1,2M.

L'aigle, le demi aigle et le quart d'aigle sont les trois monnaies d'or du Coinage act. Au début de ces trois dénominations, Miss Liberty est coiffée d'un turban proche du bonnet phrygien, symbole de liberté pendant la guerre d'Indépendance.

L'aigle est interrompu après l'année 1804, faisant du demi aigle la plus grosse dénomination en production. En 1807, le dessin du demi aigle est modifié. Miss Liberty troque son trop haut turban contre un bonnet plat. En 1808, le même dessin est appliqué au quart d'aigle qui sera interrompu de 1809 à 1820 inclus.

Le quart d'aigle 1808 de la première vente Pogue est gradé MS65 par PCGS. Cette pièce d'or jaune foncée est dans un état de conservation remarquable du métal, avec de jolies nuances cuivrées ou violacées. Frappée avec une grande netteté qui révèle les défauts de l'outillage, elle est de très loin la meilleure pièce connue de sa catégorie et est considérée comme un chef d'oeuvre de la numismatique Américaine depuis plus d'un siècle.

4 avr. 2015

Premières Fractions du Dollar d'Argent

Le Coinage act de 1792 définissait le dollar d'argent et quatre fractions du même métal : demi-dollar, quart de dollar, disme et demi-disme.

La demi-disme est la valeur utilisée pour la toute première production expérimentale, puis revient en 1794. Le demi-dollar commence en 1794. Ces deux premières petites monnaies d'argent sont réalisées en 1794 et 1795 avec la variante de Liberté aux cheveux flottants.

Le dessin change en 1796 avec la nouvelle variante de Liberté au buste drapé. La disme et le quarter apparaissent pour la première fois cette année-là. Le demi-dollar est interrompu de 1798 à 1800 inclus et le quarter de 1797 à 1803 inclus. Leur variante est à la petite aigle par opposition à l'aigle héraldique qui le remplacera lorsque les productions de ces valeurs redémarreront.

L'exceptionnelle collection Pogue inclut trois des meilleurs exemples de ces anciennes fractions de dollars au buste drapé, qui seront offerts sans réserve lors de la première session par Stack's Bowers à New York le 19 mai avec la coopération de Sotheby's.

Les premiers quarters n'avaient pas eu de succès, ce qui explique leur rapide arrêt de production. Le lot 1051, estimé $ 750K, gradé MS66 par PCGS, est un des meilleurs specimens de cette très rare variante limitée à la seule année 1796.

Le demi-dollar 1797, au lot 1103, est aussi gradé MS66 par PCGS. Grâce à son superbe aspect visuel, elle est la pièce la plus désirable de sa catégorie, estimée $ 1,2M.

Dans toute l'histoire de sa provenance, elle n'a presque jamais été séparée d'un demi-dollar de même grade de l'autre année de cette variante, 1796, qui est estimé $ 775K, lot 1102. Son éphémère variante à seize étoiles pour accueillir le Tennessee dans l'Union est extrêmement rare.






Toutes les Couleurs par Cartier

Le 21 avril à New York, Sotheby's vend deux importantes créations par Cartier. Les nouveautés et audaces du style Art Déco convenaient parfaitement aux ambitions de la marque de la rue de la Paix. La mondialisation des motifs stylisés et l'utilisation mêlée des couleurs des pierres précieuses ont généré un style unique de bijoux dont le raffinement était parfaitement adapté à son temps.

Le lot 364, estimé $ 1,8M, est un collier-pendentif réalisé en 1924 sur une conception de Charles Jacqueau, directeur de la création de la joaillerie Cartier depuis 1911. L'origine Asiatique des plus belles pierres est soulignée par les motifs floraux de type Moghol des trois éléments du pendant, un saphir entre deux émeraudes. Le collier est constitué de saphirs et lapis-lazuli.

Ce bijou a été réalisé pour la baronne de Rothschild, considérée comme une des femmes les mieux habillées de l'entre-deux-guerres Parisien. Considéré comme un chef d'oeuvre, il a souvent été décrit et photographié.

En 1925, un nouveau thème est introduit par Cartier à l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs. Un motif végétal serré de rubis, émeraudes et diamants est assemblé sur toute la longueur d'un bracelet ou d'un collier. Le terme de tutti frutti qui décrit parfaitement ces nouveaux bijoux ne sera pourtant pas introduit avant 1970. Parfaitement original et reconnaissable, le tutti frutti est une des plus grandes réussites de Cartier.

Le lot 356, estimé $ 1,3M, est un bracelet tutti frutti réalisé vers 1928. Les diamants forment une tige branchée à laquelle les fruits rouges et les feuilles vertes semblent venir s'accrocher. Le bijou est réhaussé d'émail noir.

3 avr. 2015

L'Oceanside Wagner

La T206 Wagner ne suit pas les lois du marché des autres cartes de sport. Les collectionneurs de cette carte spécifique suivent avec la même passion que les numismates l'état et la provenance de chaque exemplaire.

T206 est un nom de code créé dans un catalogue de 1951 pour les cartes éditées de 1909 à 1911 par l'American Tobacco Company. La carte montrant Honus Wagner a été imprimée la première année, et presque aussitôt retirée du marché. Wagner reste aujourd'hui un des joueurs les plus importants dans toute l'histoire du baseball, et ce retrait ne peut pas avoir d'autre explication qu'un désaccord entre le champion et l'éditeur.

Les trésors existent encore à notre époque. En 2008, un inventaire est fait à Oceanside NY sur une collection qui n'avait jamais quitté la famille de son propriétaire d'origine. Elle inclut un bel exemplaire de la T206 Wagner, propre et bien centré, avec des couleurs vives non atténuées et une faible usure aux coins.

Son seul défaut majeur est un pli affectant le recto, dans le fond orange en haut à droite très loin de l'image. Elle a été classé VG3 par SGC puis par PSA. Elle a été vendue pour $ 790K incluant premium par Philip Weiss en novembre 2008.

Elle est à vendre le 25 avril par Robert Edward dans une vente en ligne depuis le New Jersey, lot 1. Le catalogue considère une population totale d'environ 46 authentiques T-206 Wagner dont 4 exemplaires en meilleur état et 3 autres en état similaire. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Une Ferrari sur le Grand Lac Salé

Le très beau cabriolet Ferrari 400 Superamerica est arrivé trop tard sur le marché. Cette élégante voiture carrossée par Pinin Farina avait toutes les qualités techniques pour plaire aux riches amateurs de puissantes voitures de sport, mais les limitations de vitesse réduisaient l'enthousiasme pour ce modèle qui était le plus cher du catalogue de la marque.

Très peu de 400 Superamerica ont été assemblées sur un châssis SWB. La troisième de ces voitures, réalisée en 1960, a été vendue pour $ 6,4M incluant premium par RM Sotheby's le 14 mars 2015.

La septième voiture sort d'usine en 1962. Elle est exposée par Ferrari au salon de l'auto de Genève puis par Chinetti au salon de New York. Les espoirs d'un développement du marché furent déçus : un seul client eut envie de posséder ce modèle : il acheta cet exemplaire, qui fut le dernier.

Il s'appelait Gus Stallings. Sa passion était de pousser les plus puissantes voitures au maximum possible de leur vitesse sur le Grand Lac Salé de Bonneville. Sa 400 Superamerica atteignit 233 km/h à la fin de l'année 1962.

Cette ultime 400 Superamerica SWB est estimée $ 7M à vendre sans prix de réserve par RM Sotheby's à Fort Worth TX le 2 mai, lot 222.

Une Duesenberg parmi les Pur Sang

L'histoire de Duesenberg atteint son apogée en 1935, dans une fuite en avant pour éviter la faillite du groupe Cord. Hollywood échappe à la crise et amène la clientèle pour cette marque de voitures de très grand luxe.

Duesenberg continue à offrir le châssis modèle J qui était le meilleur du monde cinq ans avant. La nouveauté de cette gamme de voitures est le modèle SJ avec moteur comprimé. Les carrosseries sont éparpillées entre de nombreux ateliers indépendants, mais les tendances sont désormais proposées par le nouveau chief designer J. Herbert Newport.

L'atelier de carrosserie de Walter M. Murphy à Pasadena tire profit de sa proximité avec Hollywood. Une extravagante Town car Cord carrossée par Murphy en 1930 a été vendue pour $ 1,76M incluant premium par Bonhams le 12 mars 2015.

Murphy ferme en 1932. Son successeur Bohman & Schwartz applique les recommandations de Newport. Une élégante Town car Duesenberg de 1935 équipée dès sa sortie d'usine en configuration SJ est estimée $ 3,4M, à vendre sans prix de réserve par RM Sotheby's à Fort Worth TX le 2 mai, lot 231.

Cette voiture refusée à l'origine par Mae West avait été achetée par Ethel Mars, veuve du fondateur de la Mars Candy company, qui utilisait sa très grande fortune pour assembler la meilleure écurie de chevaux de course d'Amérique.

Le coupé Duesenberg de 1935 carrossé par Walker LaGrande est un autre exemple de la beauté des voitures conçues par Newport. La seule SJ réalisée dans cette configuration a été vendue pour $ 4,5M incluant premium par RM le 9 mars 2013.