31 mai 2015

Un Hibiscus dans le Jardin de Wu Guanzhong

Autorisé à la fin de l'époque Maoïste à reprendre ses activités artistiques à Beijing, Wu Guanzhong ressent un très profond sentiment de liesse et de liberté. Il utilise le symbole de la floraison abondante du printemps, parfaitement exprimée par les couleurs subtiles de la peinture à l'huile sur toile.

Un prunier en pleine floraison peint en 1973, 90 x 70 cm, a été vendu pour HK$ 67M incluant premium par Sotheby's le 4 avril 2015.

Dans cette période de redémarrage, l'art de Wu offre désormais une très large diversité. Pourtant en 1975 quand il observe la floraison de l'hibiscus devant son petit jardin, il réutilise une composition similaire à celle du prunier. L'arbuste occupe presque toute la surface de l'image, mais cette fois-ci la maison est visible à l'arrière-plan. Une pie perchée sur le bord du toit exprime certainement sa liberté retrouvée.

Cet arbuste simple et beau donne au peintre la profondeur de pensée d'un philosophe. Il aime les fleurs mais il n'a pas planté cet arbre qui a grandi jusqu'à être plus haut que le toit de sa maison. Quelques années plus tard, l'arbre a disparu mais l'art subsiste.

L'Hibiscus de Wu, 120 x 80 cm, a été vendu pour RMB 63M par Poly à Beijing le 3 juin 2011. Voici le lien vers ce lot dans la base de données Artvalue. Il revient par la même maison de ventes dans la même ville le 3 juin, lot 4006. L'historique de cette peinture dans le nouveau catalogue ne mentionne pas la vente de 2011 mais les descriptions et les images sont en parfaite cohérence.


30 mai 2015

Le Primitivisme de De Miré à Rubin

La figure de reliquaire Kota servait à marquer l'emplacement du panier enfoui contenant les reliques d'un mort. Ces ornements de cimetière tribal du Gabon ont des caractéristiques génériques communes.

Le visage plat de forme foliée est plus ou moins stylisé. Il est placé par-dessus un ovale plus large sur lequel on pouvait accrocher les ornements d'oreilles. La coiffe est une crête ressemblant à un casque militaire tandis que le losange inférieur évidé de la pièce est incontestablement un symbole de la fécondité féminine.

Collectée à une date inconnue, ce qui est le cas de la plupart de ces pièces, une figure Kota de 66 cm de haut a particulièrement influencé l'art du XXème siècle par la pureté constructiviste du visage limité à un bourrelet central séparant les deux yeux positionnés à mi hauteur de la tête.

Sa provenance est exceptionnelle.

Son plus ancien propriétaire identifié est Georges de Miré, dans les années 1920. De Miré était un des très rares connaisseurs de ce temps qui savaient voir une qualité artistique intrinsèque sur une pièce tribale.

A la suite de difficultés financières, De Miré a vendu sa collection aux enchères à Drouot le 16 décembre 1931. Le Kota a été acheté à cette vente par Helena Rubinstein.

Il a été acquis au début des années 1980 par William Rubin, le directeur du MoMA de New York ami de Picasso qui avait su interroger les artistes pour expliciter la profondeur de l'influence tribale sur l'art moderne, devenant ainsi le plus subtil théoricien du primitivisme.

Cette figure est estimée € 6M à vendre par Christie's à Paris le 23 juin, lot 37. La vidéo partagée par Christie's pour présenter ce lot est un hommage à la vision exceptionnelle de Rubin.


La Bible de Gutenberg et Fust

Gutenberg a inventé l'impression à caractères mobiles. A cette époque où l'illettrisme est courant, l'application commerciale ne sera pas aisée. Visant le clergé et les monastères, l'inventeur choisit de publier la Vulgate de St Jérôme. Fust investit dans le projet.

Cette Bible de Gutenberg est le premier livre imprimé et aussi un des plus beaux. Elle est imprimée en caractères gothiques sur deux colonnes en format royal folio 39 x 28 cm imitant les manuscrits de luxe. Trois ans sont nécessaires à l'impression des 180 exemplaires de cette édition, de 1452 à 1455.

C'est un superbe exploit technique incluant déjà l'alignement strict des bords des colonnes, ce qu'on appelle aujourd'hui la justification. Un copiste mettait trois ans à réaliser un manuscrit de la même ampleur, 643 feuillets répartis en deux volumes.

Cette étonnante productivité n'est pas suffisante pour assurer la rentabilité. Le livre est imprimé uniquement en noir, et des emplacements sont laissés libres pour que le client fasse réaliser les initiales et les enluminures. La Bible de Gutenberg ne peut pas concurrencer les manuscrits. Fust est furieux.

En 1921 un libraire décide de démanteler un exemplaire qui était déjà incomplet pour le vendre feuille à feuille. Il a cependant la bonne idée de ne pas séparer les folios survivants qui constituent un chapitre complet de la Bible.

Ainsi, le livre d'Esther est composé de huit feuillets consécutifs du volume I. Cet ensemble d'une belle fraîcheur a été privé de deux initiales prélevées à une date non identifiée et remplacées par un fac simile au recto et au verso. Il appartenait depuis 1922 au Jewish Theological Seminary qui a décidé de le vendre, préférant encourager les chercheurs à l'étude des textes Hébreux.

Ce livre d'Esther de la Bible de Gutenberg et Fust est estimé $ 500K à vendre par Sotheby's à New York le 19 juin, lot 1.

Ecriture et Toilette

Jean François Oeben était à la fois ébéniste et mécanicien. Il était né à Aix-la-Chapelle et vint assez tôt à Paris, mais aucun détail de sa formation n'est connu. Il fut remarqué à l'époque de la Pompadour parce qu'il était le meilleur, tout simplement. Il apparaît comme un successeur de la dynastie des Boulle pour le mobilier royal.

Au début des années 1750, il émerveille la cour et la haute noblesse avec un nouveau modèle de table nommé table à coulisse si l'on considère sa conception et table à deux fins pour son utilisation.

L'originalité de ce type de meuble est le fait que les casiers internes ne sont pas accessibles en tiroirs mais par un coulissement réglé par une manivelle et actionné par une clé. La table à deux fins contient les casiers pour les flacons de la toilette et un écritoire déployant qui est repositionné par une rotation pour offrir la luxueuse décoration d'un panneau laqué.

Entouré des meilleurs ouvriers de son temps, Oeben tire profit de la tradition française de très grand luxe avec des bronzes, des marqueteries et des laques raffinés.

Oeben était commissionné par la monarchie française et n'était pas obligé de signer ses meubles. Une table à deux fins non signée a été vendue pour € 1,16M incluant premium par Sotheby's le 15 décembre 2003.

Une autre de ces tables vient de refaire surface. Provenant d'une collection de Sarre et estampillée par Jean-François Oeben, elle a certainement été réalisée entre 1754 et 1757 quand le comte de Deux-Ponts (Zweibrücken) faisait bâtir son palais de Jägersburg à l'imitation du Grand Trianon.

Ce très joli meuble est estimé € 500K à vendre par Rouillac au château d'Artigny près de Tours le 7 juin, lot 97. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. Elle est en excellent état de fonctionnement comme on peut le voir sur la vidéo partagée par Rouillac :


LA DERNIÈRE TABLE D'OEBEN : L'ÉBÉNISTE MÉCANICIEN DE LOUIS XV from ROUILLAC on Vimeo.

25 mai 2015

Géologie Brésilienne

Le 7 juin à Dallas, Heritage vend la collection de tourmalines d'un géologue. Les quatre lots les plus importants proviennent de la mine de Pederneira dans le Minas Gerais, où le collectionneur s'est efforcé d'obtenir un très bon échantillon de chaque poche. Le Minas Gerais doit son nom à la richesse de ses mines.

La tourmaline est un groupe de minéraux silicates chimiquement stables, dont les cristaux peuvent atteindre des développements linéaires de grandes dimensions. Leur gamme de couleur est considérable. Les couleurs des tourmalines dépendent de leur composition chimique et de leurs impuretés mais aussi de leur sensibilité aux radiations granitiques.

Les tourmalines d'extraction récente sont présentées sur leur socle rocheux naturel qui est souvent un quartz. Avec leurs longs cristaux pluri-directionnels et la beauté de leurs couleurs, la nature a créé des oeuvres d'art.

Les quatre lots majeurs ont des caractéristiques très différentes, pour le plus grand plaisir des amateurs.

Blue on blue, lot 73105 estimé $ 500K, collecté en 2001, est intéressant par ses deux nuances de bleu mais aussi parce que la croissance des cristaux selon deux modes contradictoires, mince et gros, est une curiosité scientifique.

Big beauty, lot 73100 estimé $ 450K, collecté en 2006, est remarquable par la complexité des couleurs et des formes.

Blastoff, lot 73114 estimé $ 450K, collecté en 2004, inclut six cristaux dont le plus long mesure 18 cm. Les deux plus longs sont perchés comme des oiseaux sur leur superbe socle naturel en cleavelandite blanche.

The flower of Pederneira, lot 73099 estimé $ 300K, collecté en 2000, offre un incroyable réseau de ramifications secondaires accrochées au cristal principal.

24 mai 2015

Les Stylos Laqués

Namiki fabrique des stylos-plumes près de Tokyo. Sa société, créée en 1918, devient en 1938 la Pilot Pen company tout en conservant le nom de marque Namiki. Il est tenté par le luxe et réalise dès ses débuts des stylos en or.

La grande notoriété des stylos Namiki résulte d'une observation chimique : les pièces en ébonite deviennent ternes en présence de l'encre. Namiki dirige une équipe de spécialistes qui proposent en 1925 d'utiliser la laque traditionnelle Japonaise de type maki-e, saupoudrée de poudre d'or et d'argent pour réaliser des décors raffinés. Le stylo Namiki devient une oeuvre d'art.

L'expansion de la marque est un très bel exemple de coopération internationale. En 1930, Namiki signe un contrat avec Dunhill pour que cette société vende les produits Namiki dans les grandes villes du monde.

Sorabji est un compositeur de musique Britannique d'origine Parsi. Connu pour son tempérament secret et sa tendance pour une vie recluse, il a besoin de conditions de luxe pour effectuer son travail. Il commande deux stylos-plumes à Dunhill-Namiki, non datés mais peut-être dès l'époque de la préparation de leur contrat.

Il choisit la taille 50 également nommée Emperor de 16 cm de long qui est la plus grande disponible. L'un des stylos est décoré d'un tigre et l'autre d'un chat en laque maki-e réalisée et signée par deux artistes différents. Les becs de plume sont en or.

Cette paire de très haut luxe est estimée $ 100K à vendre par Bonhams à San Francisco le 16 juin, lot 1126.

La Dualité Baoulé

Les Baoulé de Côte d'Ivoire utilisaient le concept abstrait de dualité comme un élément mystique permettant la compréhension du monde. La dualité prend des formes multiples : l'homme et la femme, le corps et l'âme, l'objet et son ombre, le reflet, le confluent, les jumeaux, et même le rôle de l'ego dans la communauté.

La collection Vérité incluait depuis les années 1930 un masque double, vendu pour € 1,3M incluant premium par Enchères Rive Gauche le 17 juin 2006. Cette pièce est maintenant estimée € 2M à vendre par Sotheby's à Paris le 24 juin, lot 26.

Contrairement aux figures janus, les deux visages sont côte à côte. C'est un vrai masque dont seuls les deux yeux centraux sont percés pour être utilisés dans cette fonction.

Les deux têtes ont une forme identique mais se différencient par l'emplacement des scarifications, la chevelure et la couleur de la patine qui a été partiellement conservée. Il s'agit bien d'une dualité masculin-féminin. L'attitude sereine et sage des deux visages confirme que la signification est plus philosophique que religieuse. Ce n'est pas une émanation du couple primordial.

Le masque double était créé par l'artiste à l'occasion d'une naissance gémellaire, sans doute en un exemplaire unique expliquant sa très grande rareté. Deux autres exemples seulement sont connus. Un danseur portait ce masque en présence des vrais jumeaux lors des fêtes de réjouissances.

Les Premières Chansons du Cinéma

Les inventeurs français se sont passionnés pour la transformation de la photographie en spectacle. Cette image noir et blanc donnera naissance par étapes successives au cinéma sonore en couleurs par projection.

Lumière à Lyon et Gaumont à Paris sont des industriels de la photographie. Ce marché se développe considérablement depuis l'invention aux Etats-Unis en 1888 de l'appareil photo à pellicule, remplaçant les plaques : le Kodak. Edison, également aux Etats-Unis, est capable dès 1891 de réaliser des images animées avec du film perforé.

Pour la prise de vues animées, Léon Gaumont exploite le chronophotographe de Demeny qui avait lui-même avait été l'assistant de Marey, le physiologiste qui étudiait les mouvements par des prises de vues successives sur une plaque unique. En 1911 à Paris, le Gaumont Palace accueille 3200 spectateurs.

Les premiers films sont de courtes séquences. Les projections sont souvent accompagnées par un musicien ou un chanteur. En 1907, Gaumont édite un catalogue de "phonoscènes" qui sont un kit incluant séparément le film à projeter et le disque pour le son. Les premiers titres sont des chansons du music hall et de l'opéra.

Gaumont tente la synchronisation de l'image et du son lors de l'enregistrement et du spectacle. Son chronomégaphone requiert deux opérateurs reliés entre eux par un téléphone pour identifier les dérives qui sont compensées par un appareil moniteur nommé le chef d'orchestre.

L'un de ces appareils a été acheté en 1912 par un jeune homme qui avait en projet de faire fortune au Mexique avec les démonstrations de cinéma sonore.

Après un début prometteur, l'expérience est interrompue. Le faible nombre de séquences disponibles ne permettait pas d'entretenir un théâtre permanent et l'installation dans une tournée, qui fut tentée, était trop difficile. Le matériel, les films, les disques et même les affiches reviennent en France en 1913 dans les quatre imposantes caisses Gaumont d'origine. 

Ce chronomégaphone ressort aujourd'hui comme une time capsule. Il est estimé € 1M à vendre par Rouillac au château d'Artigny près de Tours le 7 juin, lot 35. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, incluant la présentation du matériel et un des 24 films vendus dans ce lot. Ce film dure quatre minutes et trente secondes avec une qualité sonore remarquable. La numérisation a été effectuée par Lobster films à Paris.


LE CHRONOMÉGAPHONE GAUMONT from ROUILLAC on Vimeo.

23 mai 2015

Le Dieu à la Barbe Bouclée

Le sculpteur Vincenzo Pacetti était un spécialiste de la restauration des marbres anciens. Son travail soigné a permis de préserver des oeuvres importantes de l'imagerie antique comme le Faune Barberini sur lequel il travailla en 1799.

Au début des années 1780, Pacetti avait en main une tête monumentale de 41 cm de haut en marbre d'un dieu barbu, qu'il utilisa comme modèle pour compléter des statues acéphales de Jupiter et d'Esculape. Cette tête a aussi été copiée en marbre, plâtre et terre cuite. Cette utilisation prolifique laisse supposer que Pacetti était le seul propriétaire du marbre ancien.

On reconnaît plutôt Zeus dans cet homme aux traits purs, aux cheveux très longs et à la barbe bouclée qui sera bien plus tard un symbole de l'antiquité dans les compositions surréalistes de De Chirico.

Le marbre récupéré par Pacetti est le seul exemplaire connu de ce type. Une similitude de la structure du visage avec un portrait d'Alexandre le Grand permet de conclure que c'est une copie d'une statue Hellénistique. Réalisée à Rome vers le second siècle de l'empire, la tête a été habilement restaurée, probablement par Pacetti lui-même. Les épaules et le socle sont des ajouts, probablement par son atelier.

Ce buste antique sur son socle de la fin du XVIIIème siècle est estimé $ 800K, à vendre par Sotheby's à New York le 3 juin, lot 34.

Cinq Mouvements pour une Danse Moderne

En 1883, Tchaikovsky corrige les épreuves de son opéra Mazeppa et conçoit son oeuvre suivante qui sera la suite orchestrale No. 2. Le compositeur romantique, influencé à la fois par les musiques occidentales et russes, saura bousculer les conventions pour ouvrir la voie à la musique moderne.

La suite comprend cinq mouvements, pour un orchestre composé d'instruments à vent en bois et cuivre, de percussions, d'accordéons, d'instruments du quatuor et d'une harpe. L'audace de l'utilisation des harmonies et des timbres va croissante dans ces mouvements.

Après une introduction presque classique (premier mouvement), viennent une valse et un scherzo burlesque, signifiant qu'il est d'inspiration populaire. Avec le quatrième mouvement intitulé Rêves d'enfant (en français), le rythme ralentit pour introduire des mélanges harmoniques qui anticipent la musique atonale. Le cinquième mouvement intitulé Danse baroque est extrêmement rapide (vivacissimo), sur le modèle de la danse cosaque de Dargomyzhsky.

Tchaikovsky jetait ses premières idées en brouillons provisoires, abondamment raturés, qu'il donnait ou détruisait lorsque l'oeuvre approchait de sa version finale. Le 28 mai à Londres, Sotheby's vend le manuscrit de travail des mouvements 1, 4 et 5 de la suite orchestrale No. 2, lot 303 estimé £ 250K.

Très curieusement, les manuscrits des mouvements 4 et 5 sont imbriqués. La berceuse onirique non conventionnelle du quatrième mouvement et la danse sauvage du cinquième mouvement sont ainsi indissociables. Elles s'associent comme pour mettre fin à la musique classique.

22 mai 2015

L'Autonomie de la Lorraine

La féodalité avait créé de vastes zones frontières entre les états, propices à l'entretien des conflits. La Lorraine, partagée entre les influences Françaises et Autrichiennes, vivait encore sous cette menace permanente au début du XVIIIème siècle. En maintenant la paix avec la France malgré des liens préférentiels avec l'Autriche, le duc Léopold fut un des plus habiles souverains de son temps.

La France ne se gênait cependant pas pour occuper le territoire du duc. Léopold quitta sa capitale Nancy et fit bâtir à Lunéville un palais digne de concurrencer Versailles.

Le duc était assisté du marquis de Beauvau-Craon, du même âge que lui et qu'il maria à sa favorite. Le marquis fit une très belle carrière auprès du duc, qui lui conféra en 1697 le titre de grand écuyer de Lorraine. Depuis la fin du Moyen-Age, le grand écuyer est chargé de porter l'écu dans les cérémonies officielles, ce qui signifie qui est le garant des symboles de la puissance de son souverain.

A cette époque du plus grand prestige Français, la Lorraine se devait de suivre cette tendance. En 1728, une très luxueuse épée de grand écuyer est fournie à Beauvau-Craon, qui avait aussi été nommé prince entre temps. L'année suivante, cette pièce accompagne le bâton ducal lors des obsèques du duc Léopold.

Restée depuis cette époque dans la famille princière, cette arme d'honneur est estimée € 700K à vendre le 15 juin à Paris par AuctionArt, lot 6 sur la plate-forme d'enchères auction.fr.

Réalisée sur le modèle des anciennes épées des connétables de France, c'est une pièce d'orfévrerie avec sa garde en vermeil ciselée des emblèmes de la Lorraine. Elle est unique en son genre.


17 mai 2015

Automate et Serinette

Pierre Jaquet-Droz a développé des automates de très haute complexité incluant des centaines de composants mécaniques.

Son atelier crée dans les années 1770 le thème de la cage à oiseaux qui obtiendra un immense succès. Le chant de l'oiseau est obtenu par un orgue mécanique miniature nommé serinette, avec une note unique par tuyau. Six tuyaux suffisent pour fournir l'illusion d'une grande variété.

Au milieu de la décennie suivante, Pierre Jaquet-Droz est associé avec son fils Henri-Louis et avec Jean-Frédéric Leschot et emploie les meilleurs inventeurs de Genève comme Henri Maillardet et Jacob Frisard. L'effort de miniaturisation continue et Frisard invente vers 1784 la boîte qui fait jaillir l'oiseau chanteur à son ouverture et le replie à la fermeture.

Le succès invite à la diversification des modèles et à l'insertion de ces mécanismes dans des pièces d'orfèvrerie émaillées du plus grand luxe. La cour impériale Chinoise est intéressée par ces innovations. De Londres, l'habile entrepreneur James Cox entretient les relations commerciales avec l'Extrême-Orient.

Le 11 juin à New York, Sotheby's vend un somptueux automate à oiseau chanteur articulé fait par Jaquet-Droz, Leschot et Frisard vers 1786 et vendu à Cox en 1787, certainement à l'usage du marché Chinois.

Cette pièce de 16 cm de hauteur totale a la forme d'un flacon à parfum avec son bouchon et incorpore aussi une montre, comme c'était souvent le cas pour cette gamme de produits. La dimension de l'oiseau, 12 mm de haut, démontre la prodigieuse miniaturisation atteinte par Jaquet-Droz à l'époque de Frisard.

Cet automate est estimé $ 800K, lot 104. C'est la première des trois merveilles de la mécanique Suisse présentées par Sotheby's dans la vidéo ci-dessous :

Le Profil d'Amrita Sher-Gil

Amrita Sher-Gil avait un talent précoce pour les arts graphiques. Sa famille l'aida à faire ses études à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts. Arrivée à Paris à l'âge de 16 ans en 1929, l'adolescente au tempérament solitaire apprend en parallèle la peinture à l'huile et la vie de Bohême. Elle gagne les premiers prix dans les catégories du portrait et de la nature morte.

Le 10 juin à Londres, Christie's vend un auto-portrait peint en 1931, huile sur toile 65 x 54 cm, lot 11 estimé entre £ 1 et 1,8M. Malgré toute l'attention accordée à Amrita depuis qu'elle a été déclarée Trésor National en Inde en 1972, cette oeuvre restée en France n'était pas connue. C'est son seul auto-portrait qui ait été réalisé de profil.

A 18 ans, elle est désormais une jeune femme coquette promise en mariage à un jeune homme par sa famille et aimée par un autre. Le profil a la signification de sa nouvelle attitude, désormais fière d'elle-même et aimant être convoitée. Le bol vide posé sur la table devant elle est un passé qu'elle ne regarde plus.

L'enseignement est excellent et l'élève est douée. Les références à l'art Européen abondent dans cette oeuvre. Le profil remémore les portraits aristocratiques de la Renaissance et le large béret sur le côté de la tête est une version moderne d'un portrait peint par Rembrandt. L'utilisation de la couleur pour renforcer la psychologie suit le modèle des femmes Polynésiennes de Gauguin, certainement avec l'encouragement amical de Valadon.


Les Nouveaux Dieux de Wifredo Lam

La culture globale de Wifredo Lam anticipe la mondialisation contemporaine. Il est né à Cuba, fils d'un Chinois et petit-fils d'un mulâtre Cubain et d'une esclave Congolaise. Sa marraine est une guérisseuse Vaudou.

La sensibilité de Wifredo Lam n'est pas mystique mais sociale. Combattant Républicain, il rencontre Picasso après Guernica. Il peuplera ses peintures de personnages fantastiques dont les formes hybrides mêlent l'humain, l'animal et le végétal sans omettre l'influence esthétique des fétiches Africains.

Ses compositions surréalistes convoient un message politique en faveur du tiers monde, guidé par des titres qui se rattachent souvent à la mythologie Yoruba. Les figures toutes-puissantes annoncent un monde différent.

Le 26 mai à New York, Phillips vend une huile sur toile 100 x 100 cm peinte en 1947, lot 25 estimé $ 2M.

Intitulée tout simplement Présages, cette oeuvre a les caractéristiques d'une nativité fantastique et multiple. Une grappe de quatre petites sphères dont deux sont cornues est lovée dans l'un des bras feuillus du personnage qui est forcément la femelle. L'être qui survole la scène comme un ptérodactyle est donc le père. Un peu plus loin, un troisième personnage avec la tête triangulaire d'un masque Africain assiste à l'évènement.

Des Présages de liberté apparaissent effectivement en 1947 avec la fin de la période coloniale en Inde et en Palestine, deux ans après la fin de la seconde guerre mondiale.

16 mai 2015

Ida dans la Pièce Vide

De 1899 à 1909, Vilhelm Hammershøi habite au premier étage d'un immeuble à Strandgade 30, Copenhague. Pendant toute cette période, cet appartement fut le thème principal de son oeuvre.

L'appartement est peu meublé et pas décoré. Les murs sont blancs. Sa femme Ida est présente, souvent de dos, toujours paisible et jamais inactive bien que son occupation ne soit pas toujours identifiable. Les portes intérieures sont ouvertes ou fermées, les rayons du soleil pénètrent parfois au travers des grandes fenêtres vitrées.

Vilhelm est timide et austère, et la vie en reclus ne le gêne pas. Ses compositions nettes inspirées des intérieurs Hollandais du XVIIème siècle s'opposent aux tendances de l'art moderne qu'il connaissait pourtant. Ses interrogations sur la société de son temps ont abouti à un rejet. Il est considéré aujourd'hui comme un précurseur de Hopper.

La peinture brillante a un effet inattendu. Le spectateur entre dans l'appartement de Strandgade comme si l'oeuvre n'était qu'un miroir dans un cadre et que la salle d'exposition n'existait plus.

Cette impression est spectaculaire lorsque le contraste entre la lumière et l'ombre est important. Une huile sur toile 51 x 56 cm peinte vers la fin de la période de Strandgade est estimée £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 21 mai, lot 12.

Luxe Français au Goût de la Chine

Le cabinet se développe considérablement au XVIIème siècle. Il répond à un besoin de facilité de rangement pour une aristocratie qui devient plus sédentaire, succédant ainsi au coffre et au dressoir.

Sa principale innovation est l'abondance des tiroirs protégés par des vantaux, avec une architecture parfois complexe qui permet les tiroirs secrets. Le cabinet est conçu comme un meuble de table, souvent équipé de son propre piétement. La commode, dont les tiroirs descendent beaucoup plus bas vers le plancher, n'est pas encore inventée.

D'un bout à l'autre de l'Europe, les décorateurs utilisent toutes les techniques possibles d'imagerie : sculpture directe de l'ébène, panneaux peints en Flandres, pietre dure en Italie, et vernis imitant les laques de Chine. Les artistes voyagent, et ce nouvel art devient international. Les réformes de Colbert attirent à Paris les meilleurs ébénistes d'Europe.

Le 7 juin au château d'Artigny près de Tours, Rouillac vend un cabinet laqué, lot 52 estimé € 1M. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. Cette pièce est montée sur son piétement à gaines caryatides en bois doré selon la mode à Paris dans les années 1670. La hauteur hors tout est 198 cm.

La laque est Européenne, mais les vantaux sont illustrés par le thème Taoïste de la fable du prince et de l'oiseau qui n'était pas traduite en français à cette époque, laissant supposer que l'artiste a travaillé à partir d'un modèle original Chinois. Les animaux rappellent l'iconographie de l'époque liée à la ménagerie royale de Versailles.

Ce meuble découvert à Porto il y a quelques années avait probablement été offert par la monarchie Française pour la cour du Portugal où la reine était à cette époque une princesse française.

L'ébéniste n'est pas identifié. Un cabinet de même période réalisé aux Gobelins par Cucci a été vendu pour £ 4,5M incluant premium par Christie's le 10 décembre 2009.

15 mai 2015

La Lune Octogonale

Les porcelaines du début de la dynastie Qing ont fait l'objet d'un effort réussi pour la maîtrise de la totalité des couleurs. Leurs excellents chimistes ont également étendu la gamme de bleu jusqu'à un bleu intense par la purification du cobalt.

Cette disponibilité de toutes les nuances du bleu a remis à la mode le bleu et blanc qui avait fait le succès des porcelaines des Yuan et du début des Ming, avec des formes et des thèmes traditionnels accompagnés d'intéressantes innovations.

Le 7 avril 2015, Sotheby's vendait pour HK$ 76M incluant premium un vase ovoïde à long col de période Yongzheng de 39 cm de haut à décor de dragons où le bleu était particulièrement intense.

De la même époque, un vase globulaire à long col de 53 cm de haut d'un bleu plus clair qui avait appartenu à la collection du Président Hoover a été vendu pour $ 5,9M incluant premium par Bonhams le 10 décembre 2012.

Les potiers Yongzheng ont également refait des gourdes de type moonflask qui avaient été une des formes favorites au temps de l'empereur Yongle des Ming.

Le 26 mai à Milan, Cambi vend une moonflask bleu et blanc d'époque Yongzheng et portant sa marque, lot 255 estimé au-delà de € 200K. Cette pièce de 47 cm de haut est agréablement décorée d'oiseaux dans un environnement de branches feuillues, deux cailles sur une face et sur l'autre face deux oies dont une en vol, un thème qui était déjà utilisé sous les Ming.

Cette porcelaine a une forme octogonale, ce qui a représenté un exploit technique pour assurer la transition avec le renflement habituel des faces de la moonflask. C'est un bon exemple des efforts de diversification réalisés par les ateliers grâce aux encouragements directs et attentifs de l'empereur lui-même.

13 mai 2015

Diane Arbus et les Enfants

La carrière de Diane Arbus avait commencé de façon conventionnelle mais elle se lassa vite de la photographie de mode. Pendant cette période d'après guerre où la photographie voulait convoyer un message social, elle chercha des voies inexplorées en faisant des portraits empathiques de monstres humains et de déviants.

Devant l'appareil photo, l'attardé mental ne joue pas longtemps. Il se lasse et exhibe sa vraie psychologie. Diane déclenche à cet instant précis. Elle fait de même avec les enfants.

En 1962 à Central Park, le garçon à la grenade est soudain exaspéré par cette femme qui tourne autour de lui pour le photographier. Son attitude devient une révolte, sans lien avec le jouet militaire qu'il oublie à cet instant précis. C'est la seule image que Diane utilise de cette série. Les autres le montraient comme un gentil garçon.

Un tirage 30 x 30 cm de l'Enfant à la grenade a été vendu pour $ 790K incluant premium par Christie's le 11 mai 2015.

Le portrait des soeurs identiques endimanchées a été réalisé en 1967 lors d'une fête locale à Roselle NJ qui promouvait le thème des jumeaux et des naissances multiples. Diane a isolé les deux fillettes pour les photographier devant un mur blanc dénué de tout contexte.

Le commentaire classique selon lequel les expressions différencient les personnalités individuelles de Cathleen et Colleen n'explique pas la force émotionnelle de cette image célèbre. La photo a été prise à l'instant précis où l'enfant de gauche perd le sourire conventionnel et commence à bouder avec une infime avance sur le comportement de sa soeur.

Un tirage à l'argent 38 x 38 cm des Identical twins a été vendu pour $ 600K incluant premium par Phillips le 2 avril 2013 sur une estimation basse de $ 180K. Un autre exemplaire est estimé £ 250K à vendre par Phillips à Londres le 21 mai, lot 89. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.


Diane Arbus 'Identical Twins, Roselle, N.J.', 1967 from Phillips on Vimeo.

10 mai 2015

Trois Buveurs à Mexico

Remedios Varo, née en Espagne, avait rapidement rejoint le surréalisme et fut à un moment la femme du poète Benjamin Péret. Chassée d'Europe par la guerre, elle s'établit à Mexico City. Ses peintures mettent en scène des créatures fantastiques dans une ambiance médiévale avec un sens de l'humour qui est un des plus subtils de l'histoire de l'art mais n'est pas toujours facile à décoder.

Sa consécration au sommet du marché de l'art est très récente. Le 24 novembre 2014, Sotheby's vendait Hacia la torre pour $ 4,3M incluant premium sur une estimation basse de $ 2,5M. Cette huile sur isorel 123 x 100 cm peinte en 1960 montre une troupe de nonnes sur de fragiles tricycles sortant d'un château fort derrière un paysan et une austère abbesse.

Remedios Varo aimait montrer les jeunes femmes avec un visage stéréotypé qui est un auto-portrait reconnaissable à son menton court. Le catalogue disait qu'une de ces femmes s'était échappée, symbolisant la liberté. Je n'avais pas compris ce commentaire et je n'avais pas discuté cette oeuvre dans cette chronique pour éviter un contre-sens.

Le 27 mai à New York, Christie's vend Vampiros vegetarianos, huile sur toile 86 x 60 cm peinte en 1962, lot 22 estimé $ 1,5M.

Trois vampires reconnaissables à leurs ailes de chauves-souris sont juchés sur de hauts tabourets autour d'un guéridon. Avec de longues pailles, ils boivent directement dans de beaux fruits réminiscents du Jardin des délices de Jérôme Bosch. Deux coqs à corps et pattes de chiens ajoutent un autre élément féerique à la scène.

Les Vampiros Mexicanos sont des cocktails à base de tequila et de sangrita, ce mot qui est un diminutif de sang désignant des jus de fruits rouges. Cette boisson était appréciée du groupe surréaliste Mexicain !


Le Mystère de la Mary Celeste

Ivan Aivazovsky avait beaucoup voyagé pendant les années 1840, d'abord pour terminer ses études puis comme peintre officiel de la marine Russe.

Il devint un spécialiste des images du Grand Tour sur lesquelles ses ciels romantiques profondément rougeoyants éclairaient des paysages facilement reconnaissables, le plus souvent mais pas seulement maritimes. Il conserva cette spécialité d'imagerie Méditerranéenne qui lui ouvrait la possibilité de lucratives expositions en Europe.

Une huile sur toile 109 x 132 cm datée 1873 montre son intérêt attentif pour les événements maritimes.

En décembre 1872, un deux-mats Américain du nom de Mary Celeste était trouvé abandonné en pleine mer entre les Açores et le Portugal. Le canot de sauvetage avait disparu mais la cargaison n'avait pas été pillée. Le bateau fantôme avait été mené à Gibraltar et attendait le résultat de l'enquête judiciaire.

La peinture d'Aivazovsky est intitulée Navigation Américaine au large du rocher de Gibraltar. Au fond dans les brumes, le profil escarpé du rocher est parfaitement reconnaissable. La mer houleuse secoue le grand voilier tandis qu'un canot rempli à ras bord par les marins ajoute sa dimension épique au tout premier plan.

Cette peinture a été vendue pour £ 2,7M incluant premium par Christie's à Londres le 13 juin 2007. Elle revient dans la même salle de vente le 1er juin, lot 53 estimé £ 2M.

Aucun marin de la Mary Celeste n'a été retrouvé et le mystère n'a jamais été éclairci.

9 mai 2015

Les Maîtres de l'Empire Luba

Les Luba vivaient dans la vaste région entre le fleuve Congo et le lac Tanganyika. Leur monarchie était centralisée et puissante. Autour de 1900 l'art royal a commencé à être étudié, permettant de regrouper les créations de deux artistes qui vivaient probablement au temps de l'apogée de cet empire quelques décennies plus tôt.

Les déplacements incessants des tribus font que l'art Africain n'est pas local mais mêlé de nombreuses influences. Les deux artistes principaux, dont la figuration est cependant très différente, marquent également une influence hemba.

Tous deux ont réalisé à la fois des fétiches et des objets utilitaires pour les cérémonies royales : sièges et coupes à caryatides, porte-arc. Cette dualité explique les proportions régulières dans les corps dont la géométrie est parfaite sans être réaliste.

Les figures sont le plus souvent des femmes ou des janus mixtes. Les fétiches sont liés aux esprits, et l'incorporation dans un corps de femme est assimilable à une grossesse. Les traditions de représentation hermaphrodite étaient probablement déjà abandonnées à l'époque des deux maîtres.

Le maître de Buli regroupe peut-être deux ou trois artistes différents ou successifs. Un siège à cariatide superbement sculpté a été vendu pour € 5,4M incluant premium par Sotheby's le 30 novembre 2010.

Le maître de Warua est probablement un seul artiste du fait de la similitude des visages dans les oeuvres collectées sous ce nom qui n'est qu'une mauvaise phonétique ancienne pour Luba ou Baluba.

Une très rare figure masculine Luba réalisée par le maître de Warua, haute de 42 cm, est estimée $ 3M à vendre par Sotheby's à New York le 15 mai, lot 107.

Le Subconscient et l'Organique

L'art expressionniste de Jackson Pollock part du subconscient pour atteindre l'organique. C'est une représentation du sol créé par d'innombrables constituants et changeant avec les saisons.

La surface à peindre est posée sur le plancher de l'atelier, permettant à l'artiste de couler la peinture. La souplesse du poignet permet une couverture progressive de la totalité de la surface. Contrairement au dessin où l'effacement souille la surface, cette technique permet de recommencer indéfiniment avec de nouvelles couches.

En 1950, après deux ans de pratique intensive du dripping, Pollock atteint la minutie d'un miniaturiste. Les fins traits de couleurs pures et brillantes sont presque invisibles, et d'une peinture à l'autre l'effet global est toujours différent. Le geste élémentaire est proche du dessin convulsif subconscient des surréalistes mais l'oeuvre n'est pas terminée tant que le résultat global ne convient pas à l'intention de l'artiste.

Il reçoit de son frère quinze panneaux d'isorel de même dimension 56 x 56 cm. Les fibres denses du bois condensé l'intéressent, peut-être parce qu'elles offrent une texture de base qui évite à l'artiste de commencer par un dessin trivial de son fantasme qu'il devra ensuite faire disparaître.

Mondrian n'avait pas besoin d'une grande surface pour exprimer l'infini ni Pollock pour exprimer l'organique sublime. Ces quinze peintures sont parmi les meilleures de son art.

Le 12 mai à New York, Sotheby's vend Number 12, 1950, lot 31 estimé $ 15M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le Succès de la California Spider

Dans la gamme 250 GT de Ferrari, la California Spider, comme son nom l'indique, vise la clientèle Américaine. En 1957, elle concurrence la berlinette fermée. La jet set accueille avec enthousiasme cette version décapotable qui est à la fois capable des meilleures performances en compétition d'endurance et homologuée pour la rue.

Le succès s'inverse en 1960 quand Ferrari offre un progrès décisif avec le raccourcissement de l'empattement. La nouvelle 250 GT SWB California Spider est le haut de gamme de la marque et peut-être la meilleure voiture décapotable de tous les temps. Malgré toutes ses qualités et son esthétique irréprochable qui anticipe la 250 GTO, la berlinette 250 GT SWB passe en seconde position.

De 1960 à 1962, Ferrari produit 56 voitures 250 GT SWB California Spider. Aujourd'hui les collectionneurs scrutent l'authenticité originale des éléments de ces voitures. L'une d'elles qui avait été oubliée pendant plusieurs décennies dans une grange a été vendue pour € 16,3M incluant premium par Artcurial le 6 février 2015 malgré un état appelant à une intense réparation.

Le plus haut prix enregistré aux enchères pour une voiture de ce modèle en bon état est $ 15,2M incluant premium par Gooding le 16 août 2014. Cette voiture avait commencé sa carrière comme modèle de démonstration.

Un autre très bel exemplaire fabriqué en 1961 est estimé € 11M à vendre par RM Sotheby's à Villa Erba (lac de Côme) le 23 mai, lot 130.

8 mai 2015

L'Heure de la Soupe

La méthode d'Andy Warhol mêlant peinture et sérigraphie était efficace pour la multiplication des images. Il y a toutefois bien plus simple, et la solution est connue depuis plusieurs siècles : la gravure.

Cette nouvelle phase de la carrière d'Andy commence en 1967. Il édite en 250 exemplaires numérotés de 1 à 250 et 26 épreuves d'artistes numérotées de A à Z dix portraits identiques de Marilyn en dix couleurs différentes, en feuilles 91 x 91 cm.

Le succès est encourageant. Il reprend son chef d'oeuvre d'art figuratif minimaliste de 1962 : les images de Campbell's Soup ne se différenciant que par le titre indiquant la nature du condensé. La série d'origine incluait 32 peintures sur toile. Warhol sélectionne en 1968 dix Soups, imprimées dans la même quantité sur des feuilles 89 x 59 cm.

Il lui reste de la réserve ! Une nouvelle édition l'année suivante offre dix nouvelles soupes, cette fois-ci avec quelques fantaisies graphiques. Les images sont différentes mais les autres caractéristiques de cette nouvelle opération sont rigoureusement identiques à l'édition précédente.

Un exemplaire complet de chacun de ces ensembles a été vendu par Christie's le 13 novembre 2014. Les résultats incluant premium ont été $ 2,2M pour Marilyn, $ 550K pour Campbell's Soup I et $ 490K pour Campbell's Soup II.

Un autre exemplaire complet du Campbell's Soup I de 1968 est estimé $ 400K à vendre le 17 mai à Los Angeles par Los Angeles Modern Auctions (LAMA), lot 180.

La Conquête du Wyoming

Le chemin de fer, succédant au dangereux Oregon trail, permet l'irruption de la civilisation dans les territoires sauvages de l'Ouest Américain qui ne sont pas encore des Etats. Le village de Green River dans le Dakota Territory est desservi par la section Pacifique en juillet 1868 avant la fameuse jonction transcontinentale du 10 mai 1869. Green River fera partie du Wyoming dans le futur découpage des Etats.

Green River est incorporé en city en 1868 et devient un point de ralliement pour les expéditions géologiques et géographiques en commençant par Powell en 1869.

Thomas Moran arrive par le train à Green River en 1871 pour se joindre à l'expédition Hayden. Le jeune peintre admirateur de Turner est ébloui par la variété des couleurs : la réflexion dans l'eau ajoute vert et lavande au jaune et à l'orange des falaises. Il réalise aussitôt une première aquarelle. Il ne cherche pas le réalisme mais l'idéalisation et le résultat est somptueux.

The Cliffs of Green River, Wyoming est un des plus beaux paysages de l'Ouest et Moran peint cette scène dans des formats différents sans modifier la composition.

Une huile sur toile 64 x 122 cm peinte en 1878 a été vendue pour $ 17,7M incluant premium par Christie's le 21 mai 2008. Une version ultérieure dans la même technique, 51 x 76 cm peinte en 1896, est estimée $ 6M à vendre par la même maison de ventes à New York le 21 mai, lot 7.


La Dame au Lys

Il ne suffisait pas à Georgia O'Keeffe d'être la femme et le modèle de Stieglitz. Elle trouve un petit paradis dans les prairies autour de Lake George dans l'état de New York. La nature sait créer des formes parfaites bien mieux qu'un artiste peut le faire. Elle guette la floraison des herbes folles.

Georgia apprécie la beauté des fleurs blanches et la variété des points de vues qui révèlent des géométries sublimes au fur et à mesure de l'éclosion.

Une peinture de pétunias faite en 1926 marque encore une référence esthétique à la photographie en montrant côte à côte une fleur rose pâle et une fleur violet foncé qui est en quelque sorte son négatif. Cette huile sur toile 76 x 91 cm a été vendue pour $ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 19 mai 2010.

La fleur préférée de Georgia est le calla des marais (calla lily), dont le nom signifie beau par étymologie. Elle est parfois surnommée la Dame au lys par ses amis.

Une huile sur toile 81 x 43 cm peinte en 1927 montre un calla aux pétales blancs ouverts sur un pistil jaune. Elle est estimée $ 8M à vendre par Sotheby's à New York le 20 mai, lot 14. Georgia aimait particulièrement cette oeuvre qu'elle conserva pour sa collection personnelle.

Elle découvre Taos deux ans plus tard. Un datura peint en très grandes dimensions en 1934, 122 x 107 cm, a été vendu pour $ 44,4M incluant premium par Sotheby's le 20 novembre 2014.

7 mai 2015

Les Bucoliques Modernes

En ce début d'année 1981, le succès est immédiat pour Jean-Michel Basquiat. Sa renommée dépasse aussitôt les frontières et Emilio Mazzoli l'invite pour une exposition à Modène en mai et juin.

Jean-Michel peint pendant le voyage. Sa technique mixte sur toile 221 x 401 cm montrant un personnage et une vache grandeur nature est même sa plus grande oeuvre de cette année-là en termes de dimensions, comme s'il ressentait déjà le besoin d'échapper au sous-sol d'Annina Nosei.

Cette oeuvre intitulée The field next to the other road résonne comme un souvenir de vacances pour le jeune artiste qui découvre l'Italie. Sur la gauche, elle est typique des thèmes déjà favoris de Jean-Michel avec cet homme au squelette et au sexe visibles.

La vache sur la droite ressemble à un dessin d'enfant avec son air naïf et sa grosse mamelle. Le dessin au trait est rempli de couleurs mais l'artiste s'évade comme toujours du langage artistique classique : la couleur d'une des pattes de la bête est en dehors de son dessin au trait.

Faite dans un pays au passé artistique inégalable, cette peinture est une fresque sur le thème de la vie (le lait) et de la mort (les os) par un très jeune homme avide de sensations et de gloire. The field est estimé $ 25M à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 55B.

Twombly à Bolsena

Cy Twombly avait pris l'habitude de localiser ses oeuvres au lieu de les titrer. Cette pratique permet aujourd'hui de considérer combien son séjour à Bolsena de mai à octobre 1969 marque un profond tournant dans son art.

Bolsena est dans l'ancien Latium mais Twombly s'est éloigné des graffiti réels ou supposés du Colysée. Les taches de couleurs qui exprimaient les drames sanglants de l'antiquité héroïque ne lui sont plus utiles. La couleur est limitée à des traits au crayon concurrençant le gris sur de grandes toiles peintes.

Agé de 41 ans, l'artiste est certainement moins sensible à la pornographie et plus attentif à la communication, et son art reste assimilable à un luxueux graffiti, avec des détails insignifiants qui forment une cascade somptueuse par la spontanéité du geste de l'artiste.

Un de ces Untitled (Bolsena) 200 x 240 cm a été vendu pour $ 15,4M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013. Un autre de même dimension est estimé $ 35M à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 43B.

Lors du même séjour à Bolsena, Twombly utilise le même format pour explorer son thème de graffiti au trait clair sur fond noir, démarré deux ans plus tôt. Un de ces Untitled a été vendu pour $ 6,2M incluant premium par Phillips le 10 mai 2012.

Ces recherches anticipent la très importante série de tableaux noirs de l'année suivante à New York et à Rome, particulièrement dérangeante par sa fausse approche de l'écriture. L'un d'entre eux, 156 x 190 cm, a été vendu pour $ 70M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014.


La Berlinette SWB

Les nouveaux châssis de compétition de Ferrari ont une clientèle différente selon que la carrosserie est fermée ou ouverte. La berlinette peut être utilisée pour la route alors que le spider, au-delà de la course, ne peut intéresser que la jet set.

Ainsi la 250 GT de 1956, qui sera plus tard référencée comme 250 GT LWB, est offerte en California Spyder et en berlinette Tour de France. Une TdF de 1957 a été vendue pour $ 9,5M incluant premium par Gooding le 17 août 2013.

En 1959 le raccourcissement de pas moins de 20 cm de l'empattement des roues pour des raisons de stabilité routière crée un nouveau couple de modèles de prestige. Le châssis devient SWB et la berlinette perd son surnom de Tour de France.

Le 23 mai à Villa Erba sur les rives du Lac de Côme, RM Sotheby's vend au lot 124 une Ferrari 250 GT SWB de 1960, carrossée en Berlinetta Competizione par Scaglietti.

Les berlinettes sont bien moins rares que les spiders mais cette voiture est restée dans un état d'authenticité remarquable, certainement liée au fait qu'elle n'a pas été utilisée en compétition à l'époque de sa sortie et malgré un accident dans les années 1970.

Je vous invite à jouer la video partagée sur YouTube par RM.

Edward et Jo à Cape Cod

Le monde change trop vite. Peggy Guggenheim introduit à New York l'art moderne Européen. Le critique d'art Guy Pène du Bois considère son ami Edward Hopper comme le garant de la tradition. Selon Du Bois, Hopper a transformé en puriste le Puritain qui était en lui, traduisant dans son propre style ses rigueurs morales ("turned the Puritan in him into a purist, turned moral rigors into stylistic precisions"). 

Edward et Jo sont mariés depuis 1924. Ils résident à New York mais depuis 1930 ils passent la moitié de l'année à Cape Cod. Edward n'aime pas les peintures faites par Jo mais elle joue un rôle précieux en notant dans son carnet les symptômes de la créativité de son surprenant et hermétique mari.

Edward travaille peu en 1945 mais il est flatté par l'observation de Du Bois et reprend ses crayons. Comme les anciens voyageurs, il avait l'habitude de peindre dans son atelier à partir des dessins réalisés sur le terrain.

Le 21 mai à New York, Christie's vend l'huile sur toile 76 x 102 cm qui résulte de cette nouvelle ferveur créatrice, lot 10 estimé $ 20M. Elle montre deux petites maisons côte à côte derrière une allée herbeuse. Elles sont de même modèle sauf que la plus proche a un étage supplémentaire. Les murs blancs immaculés expriment la pureté.

L'artiste a nommé cette oeuvre Two Puritans, créant un lien direct avec l'observation de Du Bois. Jo note qu'une seule maison avait servi de modèle pour les deux. Il ne fait aucun doute que les deux petites maisons symbolisent Edward et sa femme bien que les carnets de Jo ne divulguent pas les intentions intimes d'Edward.

Le 28 novembre 2012, Christie's avait vendu pour $ 9,6M incluant premium une peinture 67 x 107 cm réalisée l'année suivante, montrant une maison flanquée d'une grange dans la campagne, intitulée October on Cape Cod. Jo avait noté les arrêts sur la route pour préparer les dessins, mais cette observation ne peut s'appliquer qu'au paysage parce que la maison est la même que la maison "Jo" des Puritains.

Inspiré par le catalogue, j'avais noté que cette maison et sa grange étaient comme une mère protégeant son enfant.  Edward et Jo n'avaient pas d'enfants. Qui est la grange ?

6 mai 2015

Frederic Church cherche le Paradis Originel

Considéré comme le fondateur de l'Hudson River school, Thomas Cole occupe une place à part dans l'histoire de la peinture Américaine. Il s'est spécialisé dans le paysage qu'il voit avec une fougue romantique rare dans son pays.

Il cherche la nature sauvage, oeuvre directe et non souillée faite par le créateur originel. Il trouve un coin de paradis en 1844 à Mount Desert, la grande île montagneuse au large de la côte du Maine.

A cette date, Cole venait d'accepter de former un élève. Frederic Edwin Church ne l'accompagna pas à Mount Desert mais admira les esquisses rapportées par le maître. Après la mort prématurée de Cole en 1848, Church fit lui-même ce voyage pour la première fois en 1850.

A cette époque les artistes ne peignaient pas en plein air mais en atelier à partir de leurs carnets de voyages. Comparé à Cole, Church offre une vision plus réaliste des paysages. Son style ouvrait la voie aux peintres explorateurs du Wild West dont Bierstadt et Moran.

Le 21 mai à New York, Christie's vend un beau paysage sauvage de Mount Desert par Church, lot 18 estimé $ 5M. Cette huile sur toile 44 x 64 cm très ancienne dans la carrière de Church a été peinte entre 1851 et 1853 avant les voyages du jeune artiste dans les Andes à la recherche de paysages encore plus grandioses.

Une Barchetta par Touring

Le modèle 212 est important dans l'histoire du développement de Ferrari. En 1951, la marque Italienne maîtrisait déjà l'influence de l'empattement des roues sur la stabilité et la performance. Deux variantes sont offertes. La 212 Inter est destinée au grand tourisme. La 212 Export avec sa wheelbase réduite est faite pour la compétition.

La carrosserie joue aussi un grand rôle. La barchetta proposée pour la 212 Export préfigure les fabuleux spyders destinés à la course sur piste qui feront la plus grande gloire de Ferrari à partir de la 250 TR "Testarossa" de 1957.

Le 23 mai à Villa Erba sur les rives du lac de Côme, RM Sotheby's vend une 212 Export de 1952, carrossée en barchetta par Touring, lot 110 estimé € 5,5M. Cet exemplaire a eu un bel historique de compétition jusqu'en 1956, une durée de vie exceptionnelle en course à cette époque où les développements technologiques étaient incessants.

La Ferrari 212 Export a été construite en 28 exemplaires en 1951 et 1952, mais 4 seulement ont été carrossées en berlinetta par Touring pour la course sur route. L'une d'elles a été vendue pour $ 3,2M incluant premium par Bonhams le 16 janvier 2014.

L'Egalité par le Sport

Devenu en 1981 un très important artiste grâce à l'accès au grand format qui lui permet d'exploiter pleinement sa maîtrise de la technique et des couleurs, Jean-Michel Basquiat, âgé de 21 ans, ne néglige pas son combat social.

Le sport de très haut niveau offre aux champions Noirs la revanche de l'inégalité raciale. En montrant le triomphe, Jean-Michel confond volontairement le sportif et le guerrier. Une peinture sans titre où la récompense du champion noir est la mystique couronne d'épines a été vendue pour £ 12,9M incluant premium par Christie's le 27 juin 2012.

Réalisée pendant la même glorieuse année, World crown, 122 x 142 cm, est une perle dans l'art de Jean-Michel, pour deux raisons.

C'est un très rare exemple où deux boxeurs sont en pleine action. Les figures stylisées n'empêchent pas l'expression de la force et de la hargne, bien au contraire. Elles forment le thème unique de l'image.

Surtout, le combat oppose un blanc et un noir. Le titre de champion du monde est en jeu. Une couronne à trois pointes est prête pour chacun des deux champions, et aucun ne prend l'avantage en un très remarquable symbole de l'égalité des races par le sport.

World crown est estimé $ 7M à vendre par Sotheby's à New York le 12 mai, lot 27.

L'année suivante, Jean-Michel revient à une glorification exclusive d'un sportif noir. La couronne à trois pointes coiffe désormais un joueur de baseball qui est très certainement Hank Aaron. Cette oeuvre a été vendue pour £ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 15 février 2012.

5 mai 2015

Washington par les Peale

Charles Willson Peale était un artiste. Quatre de ses fils eurent des prénoms hors de l'ordinaire : Raphaelle, Rembrandt, Rubens, Titian, sans oublier les filles dont l'une s'appela Angelica Kauffman.

Spécialiste des portraits de personnalités à l'époque de l'émancipation de l'Amérique, CW Peale obtint de Washington une séance de pose dès 1772 et travailla ensuite à six reprises avec le héros de l'Indépendance. Un portrait en pied du général à Princeton 244 x 157 cm peint en 1779 a été vendu pour $ 21,3M incluant premium par Christie's le 21 janvier 2006.

Rembrandt enfant a un talent prometteur. A l'âge de neuf ans, il est présenté à Washington par son père. En 1795, c'est la consécration. Agé de 17 ans, il obtient de son propre droit l'acceptation du Président pour trois séances de 3 heures chacune.

On comprend bien l'intimidation du jeune Rembrandt devant le héros âgé de 63 ans. Il voit le général plus vieux qu'il ne l'est en réalité et le portrait réaliste et digne est très bien accueilli.

En 1822, Rembrandt veut faire carrière à New York où il se présente comme un témoin authentique et en quelque sorte le dépositaire de la vraie figure du premier Président des Etats-Unis. Il prépare en 1824 un portrait qui sera acheté par le Congrès dix ans plus tard.

Il conçoit en 1823 un portrait épique qui montrera le général à Yorktown, à cheval entouré de ses officiers. Une huile sur toile 92 x 74 cm est montrée au gouvernement comme l'étude originale du projet mais personne ne veut s'engager sur la version de grandes dimensions qui n'est pas encore commencée.

Cette première peinture est estimée $ 2M à vendre par Christie's à New York le 21 mai, lot 34.

L'unique autre pièce de ce modèle est la version finale, 363 x 307 cm, peinte par Rembrandt à ses frais et refusée par le Congrès en 1825.

Portrait de la Patronne

Francis Bacon ne travaillait jamais en présence de son modèle. Son but était d'exhaler la personnalité profonde et intime de ses amis. En 1959, âgé d'un demi-siècle, Francis prend comme thème de ses figures les hommes et les femmes avec qui il passe ses nuits à Soho et commande leurs photos à John Deakin qui faisait partie de son groupe.

Muriel Belcher est incluse dans ce projet. Il la connaît depuis longtemps. En ouvrant son club privé en 1948, cette lesbienne militante payait Francis pour amener ses amis homosexuels.

Muriel n'est pas belle mais cela ne décourage pas Francis qui ne cherche pas chez les femmes l'érotisme mais la psychologie. Pourquoi la montre-t-il assise nue sur un canapé en désordre ? Avait-elle choisi elle-même cette pose prude devant Deakin, les jambes soigneusement croisées pour cacher le sexe ?

Cette huile sur toile 165 x 142 cm simplement titrée Seated woman a été peinte en 1961. Elle a été vendue pour € 13,7M incluant premium par Sotheby's le 12 décembre 2007. Elle est maintenant estimée $ 25M à vendre par Phillips à New York le 14 mai, lot 33.

Cette personnalité hors du commun était autoritaire et revêche. Par-dessus ce corps nu sans intérêt ni attrait, Francis a montré la coiffure démodée avec la raie au milieu, le menton proéminent et les gros sourcils en une composition cubiste de deux profils entremêlés.

Le visage clair est encerclé par les cheveux et l'ombre des joues et du menton construisant ainsi la forme d'un coeur, un surprenant moyen trouvé par l'artiste pour coder son amitié envers son ancienne protectrice. Francis Bacon n'aura jamais fini de nous surprendre.

4 mai 2015

La Tête et l'Oeuf

Au moment même où les nouvelles tendances de la peinture mettent fin au classicisme, Brancusi bouleverse la sculpture. Le Baiser, commencé en taille directe en 1907, est le contrepoint du cubisme avec ses deux personnages jointifs.

Le jeune artiste ne voulait pas suivre Rodin. Ses origines de fils de paysans des Carpathes l'ont aidé à rejeter les conventions de l'art d'Europe occidentale. Lorsqu'il taille dans le marbre blanc le second modèle de base de son art, la Muse endormie, en 1910-1911, il cherche déjà à exprimer une émotion universelle.

La Muse endormie est aussi un oeuf primordial. La figure est ovoïde avec cependant une douce protubérance accordée au nez et aux sourcils. Des lignes finement ciselées synthétisent les traits du visage et des cheveux. Le modèle est reconnaissable, sans recherche d'abstraction, mais cette oeuvre est déjà une interprétation de la femme idéale. L'artiste commence à réaliser quelques plâtres et des bronzes.

Le 14 mai à New York, Christie's vend un plâtre de La Muse endormie I exécuté en 1912, 28 cm de long, lot 11C estimé $ 8M. Cet exemplaire est une des oeuvres qui ont assuré la gloire de Brancusi lors de l'exposition de l'Armory Show à New York l'année suivante.

Il est intéressant de comparer ce spécimen avec un plâtre de la même année intitulé Une Muse où la tête du même modèle retrouve une position plus classique comme élément d'un buste. Cette sculpture de 46 cm de haut a été vendue pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 7 novembre 2012.

L'Année des Seagram Murals

1958 marque un grand tournant dans l'art de Mark Rothko, avec deux préoccupations majeures : augmenter la luminescence pour éviter toute assimilation au kitsch et libérer son art du format vertical moins adapté à son nouveau projet des Seagram Murals. Il peut même paraitre surprenant que l'artiste ait autant négligé le format horizontal si propice à proposer l'immersion face à l'alignement des yeux du spectateur.

Cherchant des couleurs fortes, il trouve une chaleur incandescente dans le rouge et l'orange. No. 36 (black stripe) est un hallucinant paysage abstrait, huile sur toile 157 x 170 cm.

Le fond rouge est réduit aux bords de l'image mais donne la tonalité par son agressive luminosité. Les blocs largement étalés dans ce nouvel équilibre sont un orange cinglant et un petit rouge sombre séparés par une très expressive bande d'un noir profond.

Caractère difficile, Mark Rothko ne cherchait pas à communiquer avec ses proches mais avec l'humanité en proposant des émotions à la fois basiques et intenses. Subjugué par la force du rouge, il atteint presque ici son but avoué mais impossible selon lequel le créateur de l'oeuvre et le spectateur devaient ressentir un même effet d'envoûtement.

No. 36 est estimé $ 30M, à vendre par Christie's à New York le 11 mai, lot 13A. Je vous invite à jouer la video partagée par la maison de ventes.

La Couleur Transcendante de Mark Rothko

En 1958, Mark Rothko est célèbre et mécontent. Il est mécontent parce qu'il est célèbre et qu'il voit le public admirer les jeux d'équilibre entre les couleurs vives de ses rectangles. Lui qui voulait montrer la variété des émotions depuis le mystique jusqu'au profane est-il plus qu'un simple décorateur ?

Il accepte dans un premier temps l'énorme commande pour le restaurant du Seagram's building mais son désarroi sera le plus fort. Dans un extraordinaire élan de créativité, il rejette les couleurs vives. Rembrandt savait faire jaillir la lumière de l'ombre, il n'y a aucune raison que Rothko n'y parvienne pas.

Le 15 mai 2013 à New York, Christie's vendait pour $ 27M incluant premium un Black on maroon 183 x 114 cm qui participe à cet élan et n'est pas encore un symptôme de la déprime tragique de l'artiste dans la décennie suivante.

Le 13 mai à New York, Christie's vend au lot 35B No 10 (1958), huile sur toile 239 x 176 cm. Une infinie variété de couleurs à dominante brune s'entremêle sur cette peinture où la structure des rectangles est remplacée par un somptueux effet de halo.

Quand il rompit avec Seagram's, Rothko déclara non sans méchanceté qu'il voulait couper la faim aux convives du restaurant. Avec ce No 10 contemporain de ce projet raté, l'artiste frustré a voulu remplacer le sensationnel par le sublime mais son art est devenu de plus en plus élitiste.

La vidéo partagée par Christie's démontre l'extrême importance de cette année-là dans le processus créatif de cet artiste au tempérament difficile.

Février à Londres

Au cours d'un bref séjour à Londres en 1899 pour raisons privées, Claude Monet observe la Tamise. Il y revient l'année suivante à la fin de l'hiver pour travailler. Son idée est de montrer les heures du jour comme il avait fait pour les peupliers et la cathédrale de Rouen.

Installé au Savoy hotel, Claude voit les ponts de Waterloo et Charing Cross dans le brouillard rosé du matin. L'un des premiers soirs, il voit la lumière au-dessus des bâtiments néogothiques des Chambres du Parlement et de la rivière. Comme Constable, il sera un extraordinaire interprète du ciel anglais.

La meilleure vue est du jardin de St. Thomas's Hospital. L'artiste est déjà célèbre. Il obtient facilement l'autorisation du directeur de travailler tous les jours à cet endroit. Tous les soirs à 4 heures, il quitte l'hôtel pour retrouver ou réinstaller ses chevalets à l'hôpital.

La lumière change à chaque instant avec les nuages poussés par le vent et l'instabilité du brouillard. Comme pour les peupliers en 1892, Claude travaille sur plusieurs toiles en parallèle, retrouvant et saisissant soir après soir les mêmes détails éphémères de lumière. Sa maturité est totale et même sa façon de peindre est différente selon l'effet recherché.

Ce projet est le plus époustouflant de l'histoire de la peinture. En additionnant les trois motifs (les deux ponts et le Parlement), Claude maintient jusqu'à cent toiles lors de ce premier séjour. Il quitte Londres avant le printemps lorsque le soleil désormais plus haut a changé la lumière. Il revient avec ses toiles l'années suivante mais la neige et le froid l'empêchent de progresser.

Claude termine ses toiles à Giverny et note scrupuleusement l'année de l'achèvement à côté de sa signature. Il considère l'ensemble comme indissociable jusqu'à l'exposition de 1904 par Durand-Ruel qui obtient un succès considérable, anticipant sa célèbre attitude intransigeante avant la première exposition de sa série des Nymphéas.

La sous-série du Parlement vu de St. Thomas's est composée de 19 huiles sur toiles en un format unique 81 x 93 cm. L'une d'elles est estimée $ 35M à vendre par Christie's à New York le 11 mai, lot 24A.

Datée 1902, cette peinture est une des premières à avoir été terminées par l'artiste, peut-être parce le ciel très expressif est particulièrement enthousiasmant. Malgré les nuages, le soleil joue derrière la haute tour et les mêmes nuances rosées s'appliquent aux bords des nuages et aux reflets dans la rivière.

L'image est partagée par Wikimedia :

Monet Houses of Parliament, Sunset

3 mai 2015

Sang de Pigeon de Birmanie

La couleur sang de pigeon, un rouge vif et saturé, est la plus prestigieuse pour les rubis. Une pierre de cette variante ne peut provenir que de Mogok en Birmanie (Myanmar). La taille coussin convient parfaitement.

Le Hope ruby de la collection Lily Safra était un sang de pigeon pesant 32,08 carats monté en bague par Chaumet. Il a été vendu pour CHF 6,2M incluant premium par Christie's le 14 mai 2012.

La beauté d'un rubis est aussi très liée à sa structure interne, et le prix ne dépend pas seulement du poids. Considéré comme exceptionnel par Graff, le Graff ruby a été vendu pour CHF 8,3M incluant premium par Sotheby's le 12 novembre 2014 alors qu'il ne pèse que 8,62 carats. Son prix au carat concurrence presque les meilleurs diamants roses ou bleus.

Une autre merveille sang de pigeon, exceptionnelle par sa nuance et son poids, vient en vente chez Sotheby's à Genève le 12 mai. Le Sunrise ruby pèse 25,59 carats. Il a été monté en bague entre deux diamants par Cartier. Il est estimé CHF 11,7M correspondant à US$ 12M, lot 502.

Amélioration d'un Vieux Diamant Rose

La célèbre héritière recluse Huguette Clark possédait un gros diamant fancy vivid pink taillé en coussin. Présenté comme la pièce majeure de son écrin, il était resté invendu aux enchères en 2012 sur une estimation basse de $ 6M.

Les diamants anciens ont un potentiel d'amélioration. Par exemple, Graff a enlevé 4 carats au Blaue Wittelsbacher pour améliorer sa clarté.

Le diamant de la succession Clark pesait 9,00 carats avec une clarté SI1 qui était somme toute assez médiocre. Il est maintenant offert par Sotheby's le 12 mai à Genève. Il a été réduit à 8,72 carats pour améliorer sa clarté qui est maintenant garantie VS2 par le GIA. Monté en anneau entre deux petits diamants de couleur D, ce bijou est estimé CHF 13,65M, correspondant à US$ 14M, lot 460.

Sa provenance a également été étudiée et il a reçu le nom d'Historic pink. Ce diamant avait été acheté par Dreicer à la vente aux enchères de la succession de Mathilde Bonaparte à Paris en juin 1904.

Musique de Brescia à Cremone

Inventé au XVIème siècle, le violon est d'abord un instrument secondaire à utiliser pour la danse. Les luthiers de Brescia découvrent progressivement l'énorme potentiel d'amélioration du violon, en intervenant sur la forme du corps et des ouïes et sur la qualité et la robustesse du bois. Venise, la ville aux grandes fêtes, soutient activement cette évolution.

Giovanni Paolo Maggini s'installe à Brescia vers 1580 et apprend la lutherie auprès de Gasparo da Salo. Il est un des artisans qui assurent le succès du violon comme instrument de concert en remplacement de la viole et de la viole de gambe.

Le 11 mai à Londres, Bonhams vend au lot 210 un violon qui a longtemps été attribué à Maggini.

L'analyse par la dendrochronologie montre que les bois de ce violon ont été coupés en 1669 et 1671. L'étiquette d'attribution à Maggini, mort en 1630 ou 1631, est apocryphe ou se réfère à une prolongation d'activité (peu probable) de son atelier.

Cette datation plus tardive est en fait un avantage, car cet instrument s'inscrit dans la période où la qualité des bois a permis de réaliser à Crémone les meilleurs violons de tous les temps. Sa sonorité et sa puissance sont le résultat de la conception de Maggini améliorée par le savoir faire des luthiers de Crémone dans les dernières années du XVIIème siècle. Les experts sont tentés de le comparer avec le travail d'Andrea Guarneri.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée et commentée par Bonhams, dans laquelle le violon est joué par l'instrumentiste prodige Edith Volckaert.

2 mai 2015

Les Deux Maîtresses de Pablo

Après Guernica, Picasso se rend à l'évidence : il a maintenant deux maîtresses. Il les aime pour des raisons opposées et décide de ne pas choisir. La douce Marie-Thérèse est la mère de Maya. Dora invite à une relation passionnelle.

Bien entendu, les deux femmes ne pourront pas s'entendre. Pablo s'en amuse. Il réalise des portraits parallèles et va jusqu'à mixer leurs caractéristiques dans la même figure. Présentés dans l'anonymat du modèle, ces portraits ne révèlent pas leur identité avec certitude.

Le 11 mai à New York, Christie's vend au lot 15A Buste de femme (femme à la résille), huile sur toile 65 x 54 cm peinte à Paris le 12 janvier 1938.

Devant un fond d'un rouge éclatant, les couleurs de la peau et des vêtements sont stridentes. Dans sa fougue, Dora insinuera avec justesse qu'en changeant de maîtresse Picasso a changé son style, sa vie, ses amis et même son chien.

Le chapeau amusant et la résille exotique n'appartiennent pas à Marie-Thérèse mais Dora n'est pas la seule envie de l'artiste qui est gêné par la gloire coloriste de son grand rival Matisse. Les yeux à deux niveaux différents ne sont pas seulement une reconstruction de perspective dans le style cubiste, ils marquent aussi la dualité de cette figure dont le visage a certains traits de Marie-Thérèse.

Cette peinture était importante pour Pablo qui ne s'en sépara jamais. La maison de ventes ne publie pas l'estimation.

La Femme sur la Route

La série des Untitled Film Stills par Cindy Sherman offre le jeu de la jeune femme, metteur en scène et sujet unique de cet ensemble d'une variété totale d'attitudes. L'image numérotée 48 est cependant différente.

La photo surnommée The hitchhiker (l'auto-stoppeuse) par l'auteur a été prise en 1979 pendant des vacances dans l'Arizona. Elle séduit par son mystère. La femme est seule sur une route dans la campagne. Qui est-elle ? Pourquoi est-elle là ? Où voudrait-elle aller ?

Elle nous tourne le dos pour regarder l'horizon vide, sa valise posée depuis longtemps derrière elle. Sa jupe longue et ses chaussures plates sont démodées. Le noir et blanc augmente le drame, à la façon d'Hitchcock : ses cheveux sont-ils blonds ou blancs ?

Sous les nuages épais, l'ombre envahit la vallée d'une rivière non identifiée. Si c'est l'aube, il y a de l'espoir. Si c'est le crépuscule, que peut-il arriver à cette femme seule ? Cindy connaît le rôle de son subconscient dans son acte créatif. Inspirée par le cinéma, elle sait qu'elle reconstitue le destin tragique des femmes fragiles qui sont regardées, suivies et menacées.

#48 a été éditée en 10 exemplaires en 1979 en format 20 x 25 cm. Le numéro 5/10 a été vendu pour $ 1,56M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013. Le numéro 2/10 était une des stars du lot de 21 Untitled Film Stills vendu pour $ 6,8M incluant premium le 12 novembre 2014, également par Christie's.

La même année, 1979, elle a aussi été éditée en trois exemplaires de grand format, 76 x 102 cm (30 x 40 inches). L'exemplaire 1/3 est estimé $ 2,5M à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 64B.

La Trinité Primordiale d'Alberto Giacometti

La guerre est finie. Alberto Giacometti comprend qu'un nouvel art est requis et que ses sculptures miniatures n'intéresseront personne. Ses personnages seront grandeur nature. Ils seront filiformes comme les fûts de lampadaires que l'artiste concevait autrefois pour Jean-Michel Frank.

Pierre Matisse est intéressé et promet d'organiser une exposition à New York en janvier 1948 de cet art qui, en octobre 1947, n'existe pas encore. Il faut concevoir les oeuvres et fondre les bronzes. L'artiste est en retard. Le rendez-vous avec les agents du fondeur est pour demain matin. Alberto n'est pas prêt.

Il n'est pas content de son prototype et le détruit. Dans une nuit de création frénétique, il réalise l'homme au doigt. Quand il est emporté pour la fonderie, le plâtre est terminé mais il est encore humide. Sept bronzes incluant une épreuve d'artiste sont édités par la société Alexis Rudier.

L'homme pointe le doigt pour montrer le chemin aux deux autres sculptures de cette trilogie, l'homme qui marche et la femme debout. Ce doigt horizontal est un signe d'autorité, d'espoir et de renouveau. L'homme au doigt émet le message primordial avant de disparaître des créations d'Alberto, au contraire des deux autres figures qui accompagneront toute son oeuvre.

Le plâtre a été malaxé à la hâte, donnant une texture tourmentée et balafrée qui a fait dire à des observateurs que l'homme au doigt est un auto-portrait d'Alberto. Un seul bronze, l'exemplaire 6/6, a été peint à la main par l'artiste. Il renforce la ressemblance. L'homme au doigt n'est pas Dieu entre Adam et Eve : il est Alberto, l'artiste créateur.

Ce numéro 6/6 de 178 cm de haut est le bronze le plus important de l'oeuvre d'Alberto. Il sera vendu par Christie's le 11 mai à New York, lot 29A. Le communiqué de presse du 15 avril annonce une estimation aux alentours de $ 130M.

Je vous invite à jouer la video partagée par Christie's.

Le Minimalisme de l'Emotion

Le Look Mickey de Roy Lichtenstein, en 1961, est le grand tournant de l'art moderne. L'image est figurative, populaire (par les personnages de Disney), impossible (des animaux qui imitent les humains), burlesque, et même animée par son texte qui permet d'apprécier ce qui s'est passé auparavant et ce qui surviendra après.

Leo Castelli comprend tout de suite l'importance de ce travail. Roy aussi. L'artiste se précipite sur les comics d'amour et de guerre, considérés comme un art mineur mais qui plait démesurément au public. Sa technique de montrer les points d'imprimerie à l'échelle des très grands agrandissements de sa peinture et de conserver les couleurs pures est également astucieuse car elle fait le lien entre l'inspiration et l'oeuvre.

Roy trouve ce qu'il cherche. La source est abondante et la voie est inexplorée. Le dessinateur du comics d'origine a créé sans le savoir des chefs d'oeuvre de l'image émotionnelle. Pour lui, la scène était indissociable de l'histoire. En isolant de leurs contexte des images simples avec ou sans phylactère, Roy a réussi la gageure d'offrir un art à la fois majeur et populaire.

Le 12 mai à New York, Sotheby's vend au lot 15 The Ring (engagement), une huile sur toile 123 x 178 cm peinte en 1962 qui est une des plus grandes par cet artiste à cette époque. Le communiqué de presse du 23 mars annonce une estimation aux environs de $ 50M.

Une main d'homme présente la bague au doigt d'une femme. C'est tout. C'est la représentation d'un des rites de passage les plus importants de notre civilisation. On ne saura rien de plus de ce nouveau couple, mais la position des mains exprime la confiance réciproque qui sublime cet acte.

Je vous invite à jouer la video partagée par Sotheby's :

1 mai 2015

Une Chemise Blanche d'Italie

1969 est l'année de grande créativité de Domenico Gnoli, le jeune artiste Italien qui mourra l'année suivante d'un cancer. Il exprime sa relation au monde par des détails de vêtements démesurément agrandis. Même lorsqu'il montre des sujets plus personnalisés comme par exemple les cheveux de sa femme, son maintien de la géométrie dans la figuration reste un des points forts de son style.

Son attirance vers le blanc est rare mais s'inscrit parfaitement dans une des tendances majeures de l'art moderne Italien, après les pliages achromes de Manzoni, les lacérations de Fontana et les motifs géométriques de Castellani.

Gnoli utilise une technique d'acrylique et sable qui apporte un effet de texture à la toile. De l'autre côté de l'Atlantique, les variations artistiques dans le blanc sont expérimentées par Robert Ryman.

Shirt collar size 14 1/2 montre le col d'une chemise impeccable et soigneusement pliée, avec une légère frange d'ombre et une géométrie interrompue par l'étiquette du vêtement. Une telle utilisation de l'hyperréalisme dans le blanc est un exploit de composition. Cette oeuvre 170 x 130 cm est estimée $ 7M, à vendre par Phillips le 13 mai à New York, lot 30.


Le Top Model de la Chair

Lucian Freud n'est pas passionné par la peau mais par la chair, dont les boursouflures expriment la personnalité du modèle. L'aboutissement de l'art est une représentation brute de la personne humaine où l'artefact de la peinture disparaît derrière un réalisme total.

Le corps ample de Sue Tilley répond à cette recherche. Pendant de longs mois, Sue vient poser nue dans le petit atelier de Lucian, le week end et en semaine après sa journée de travail comme benefits supervisor.

La première peinture est réalisée en 1993. Sue était nue sur le plancher. Lucian comprend que cette position inconfortable n'est pas propice à atteindre son but. Il installe un canapé sur lequel Sue gardera désormais la même position sereine pendant de nombreuses heures. Le petit geste précis du pinceau suit une observation systématique du modèle, sans impulsion ni émotion, pendant de longues heures.

La seconde peinture, Benefits Supervisor resting, est réalisée en 1994. Cette huile sur toile 151 x 161 cm est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 31B. L'artiste a réussi. Le corps est le seul sujet de cette peinture de nu où la tête renversée vers l'arrière n'a pas d'autre rôle que d'assurer la stabilité de la pose.

Benefits Supervisor sleeping a été peint l'année suivante avec le même canapé. Cette huile sur toile 151 x 219 cm a été vendue pour $ 33,6M incluant premium par Christie's le 13 mai 2008.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's, incluant d'intéressants commentaires par Sue Tilley et des photos. L'obésité de la muse est moins visible quand le corps est tenu par les vêtements.


Lente Hourloupe à Paris

Jean Dubuffet est marchand de vins grossiste au Havre. Passionné par la nature profonde de l'art, il n'a besoin d'aucun académisme. Il devient très tôt le héraut d'une approche résolument anti-culturelle, promouvant l'art des malades mentaux sans cacher son propre caractère difficile.

Il crée son propre style artistique basé sur le trivial et le jeu de mots. Il y ajoute complaisamment la truculence qui convient parfaitement à son besoin de choquer. Il surprend par sa différence et devient un artiste célèbre.

Après plusieurs années en province, Dubuffet redécouvre Paris en 1961. La grande ville apparaît alors comme une capitale de la joie de vivre, le dernier endroit où Hemingway a tenté de poursuivre une vie festive.

L'artiste interprète Paris à sa façon dans sa série de peintures Paris Circus. Le 11 mai à New York, Christie's vend Paris Polka, lot 22A. Le communiqué de presse du 7 avril annonce une estimation autour de $ 25M.

Cette huile sur toile de grande dimension, 190 x 220 cm, se lit comme un guide touristique avec les façades et les noms des bals populaires, symbolisés par des cases remplies par un personnage dansant. L'une de ces enseignes, L'Entourloupe, est à l'origine du jeu de mots inédit et intraduisible qui définira la série suivante de son art.

La même année, d'autres peintures montrent des autobus Parisiens bondés de ses personnages stylisés, passant devant des enseignes de métiers variés. Trinité - Champs Elysées, 116 x 89 cm, a été vendu pour $ 6,1M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2009. Gare Montparnasse - Porte des Lilas, 165 x 217 cm, a été vendu pour $ 4,7M incluant premium par Christie's le 14 mai 2002.