30 juin 2015

Les Sphères Mouvantes Françaises

Dès le début du XVIIIème siècle, les meilleurs horlogers anglais et français mettent au point des mécanismes simulant les mouvements des planètes. Ces machines sont appelées orrery clocks en Angleterre.

Le siècle des lumières favorise la précision scientifique. En plus de l'exploit technique déjà en association avec de multiples complications horlogères, de très bons astronomes comme Lalande et Cassini ajustent les tables astronomiques et les mathématiciens comme Camus positionnent leurs roues dentées et leurs pignons.

A la fin du règne de Louis XIV, Jean Pigeon réalise une sphère mouvante sur le principe de Copernic et publie son invention en 1714. La pendule astronomique de Passemant est présentée en 1749 à l'Académie Royale des Sciences et sert pour fixer l'heure officielle du royaume. Elle est conservée au château de Versailles.

Le prince de Conti, peu habile en politique, était devenu le plus grand collectionneur de son temps. Ecartant résolument les académies et les corporations, il fait réaliser vers 1770 la pendule astronomique la plus complexe de son temps. L'horlogerie est réalisée par Mabille et les sphères par Baffert, certainement avant 1773 qui est la date de faillite de ce dernier.

La pendule inclut tous les éléments possibles de mesure du temps ainsi qu'un beau cadran pour la position de la lune. Etendu aux planètes extérieures, le planétaire inclut six sphères tournantes avec la plus grande précision scientifique. Il marque aussi les écliptiques, les solstices, les équinoxes et le zodiaque.

Janvier, qui eut cette pendule en main après la Révolution, notait qu'elle est supérieure à la pendule de Passemant par l'exactitude de sa rotation annuelle parce qu'elle incorpore les calculs publiés par Camus en 1749.

La pendule à sphère mouvante du prince de Conti est estimée £ 600K à vendre par Christie's à Londres le 9 juillet, lot 9.

28 juin 2015

Les Kermesses de Pieter le Jeune

Peintre de moralités associées à la vie paysanne, Pieter Bruegel vivait à une des pires époques de fanatisme religieux. A la fin de sa courte vie, quelques scènes de fêtes et de danses s'éloignent de la religion, peut-être pour exprimer un espoir dans la vie non sophistiquée des villageois.

Trente ans plus tard, quand Pieter le jeune commence sa carrière, les temps ont bien changé. Sous le joug de l'Espagne, les Flandres ne sont plus un pays convoité. Pieter Brueghel copie abondamment les oeuvres de son père désormais appréciées pour leur pittoresque. Il est aussi un grand artiste en son propre nom, mettant en scène les foules des kermesses et des processions.

Les nouvelles compositions par Pieter le jeune sont ainsi bien plus libres que celles de son père. Des plans bien différenciés permettent de figurer les différentes activités des personnages, toujours spontanées et souvent truculentes. Il crée plusieurs variantes de la kermesse de St Georges, sans les localiser dans le même village. La St Georges est célébrée quelques jours après Pâques quand le printemps offre toute son opulence.

L'une des kermesses de St Georges par Pieter le jeune montre les danses et les beuveries sur la place d'un village. La plus grande peinture dans cette variante, une huile sur panneau 117 x 176 cm, est datée 1628. Cette datation rare dans l'art de Pieter le jeune signifie qu'il était satisfait de son achèvement. Elle a été vendue pour £ 3,7M incluant premium par Sotheby's le 8 décembre 2004.

Le 9 juillet à Londres, Christie's vend une huile sur panneau 72 x 103 cm, lot 45 estimé £ 2,5M. Elle diffère du chef d'oeuvre de 1628 par de menus détails et est sans doute légèrement antérieure. Le musicien est trop loin, l'ivrogne n'a pas commencé à vomir et il n'y a pas de banderole au-dessus de la figure du saint. Elle est signée Breughel, orthographe utilisée par l'artiste à partir de 1616.

27 juin 2015

L'Envol vers la Ville Céleste

La Bible, directement ou au travers du Paradis Perdu de Milton, offre un thème fabuleux aux artistes à l'époque Romantique. John Martin devient un spécialiste des paysages du paradis et de l'enfer, avec des peintures de grandes dimensions.

En 1841, une paire d'huiles sur toile traite les deux aspects extrêmes de la vie surnaturelle à l'exposition de la Royal Gallery. Elle démontre aussi l'habileté de l'artiste à montrer des effets opposés : le bonheur et l'horreur.

Le très sombre et sinistre Pandemonium illustre la capitale de Satan. Cette huile sur toile 123 x 184 cm dans son cadre d'artiste d'origine, a été vendu pour £ 1,65M incluant premium par Christie's le 19 février 2003 et est entré au Musée du Louvre en 2006.

Son pendant, The Celestial city and the River of bliss, 123 x 194 cm, est estimé £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 8 juillet, lot 57.

La ville du bonheur perpétuel flotte au-dessus du méandre de la rivière paradisiaque. Objet de la convoitise des défunts du Jugement Dernier, elle est à peine visible, comme un halo au milieu des nuages. L'ange connaît le chemin : il y va directement, emportant un personnage dans son vol.

L'art de John Martin était lucratif mais ses thèmes oniriques le font apparaître comme un lointain précurseur du surréalisme. Glenn Brown ne s'y est pas trompé. Détournant une scène d'Apocalypse de Martin, il l'a intitulée The Tragic conversion of Salvador Dali. Le marché aime l'art contemporain. Cette huile sur toile 222 x 323 cm peinte en 1998 a été vendue pour £ 5,2M incluant premium par Sotheby's le 26 juin 2012.

Une Paire de Pistolets pour l'Aiglon

L'empereur Napoléon Ier est très fier d'avoir un héritier, né le 20 mars 1811, comblé de titres dès sa naissance. Il commande en 1813 une paire de pistolets à l'arquebusier Jean Le Page, spécialiste des armes de luxe et habile inventeur.

Le Page réalise en janvier 1814 cette paire de pistolets courts et légers, 21 cm en incluant la crosse, qui pourront être tenus par un jeune enfant. Les armes et le coffret sont incrustés de matériaux précieux, avec tous les symboles de l'Empire ainsi que la Couronne de fer qui est plus spécifiquement un attribut du roi de Rome.

L'empereur voulait exprimer sa confiance dans l'avenir militaire de son Aiglon. Dans un cartouche à l'extérieur du coffret, le centaure Chiron apprend à tirer au jeune Achille.

L'Empire tourne aussitôt après à la catastrophe, avec une conséquence inattendue sur le marché de l'art. Frustrés d'avoir perdu l'accès à Paris depuis dix ans, les antiquaires anglais se précipitent et commencent à acquérir des souvenirs Napoléoniens. La paire de pistolets du roi de Rome est achetée en 1816 par William Bullock, le naturaliste et explorateur qui était un très actif créateur de musées à Londres.

Cette paire est estimée £ 800K, à vendre dans son coffret d'origine par Sotheby's à Londres le 8 juillet, lot 35. Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Sotheby's :

24 juin 2015

La Double Lecture de Julie Mehretu

Julie Mehretu fournit une narration double, voire multiple, dans ses grandes images sur toile. Cette intention est souvent annoncée par une dualité dans le titre de l'oeuvre, offrant en quelques mots une idée et son contraire.

Une oeuvre de Mehretu est une peinture et un dessin, à l'acrylique et à l'encre, abstraite et figurative. C'est un feu d'artifice de couleurs abstraites à voir de loin, et un paysage urbain ou un plan à motifs serrés à voir de très près. Le feu d'artifice est à lui seul une dualité sensorielle, le spectateur prenant plaisir à la fois à l'explosion des couleurs et à l'appartenance à une foule festive.

Le 30 juin à Londres, Christie's vend une oeuvre résolument optimiste intitulée Looking back to a bright new future. Cet acrylique et encre 241 x 303 cm peint en 2003 est estimé £ 1,8M, lot 48. Cette oeuvre offre une lecture supplémentaire avec des lignes convergeant vers un point de fuite comme dans un plafond de Balla à la recherche de la quatrième dimension 90 ans plus tôt.

Réalisé en 2001, Retopistics - A Renegade Excavation, 257 x 530 cm, a été vendu pour $ 4,6M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013.

Une oeuvre réalisée en 2008, 244 x 366 cm, est exemplaire par la brièveté contradictoire de son titre, Rising down. Elle a été vendue pour $ 3,1M incluant premium par Sotheby's à Doha le 22 avril 2013.

L'Intérieur du Grand Hôtel

L'architecture a inspiré Andreas Gursky depuis ses débuts. Des structures de plus en plus gigantesques réduisent les humains au nanisme.

Shanghai est une photographie faite en 2000. L'exemplaire 4/6 en c-print sur plexiglas 302 x 207 cm dans un cadre de l'artiste a été vendu pour £ 290K incluant premium par Sotheby's à Londres le 25 juin 2009. Il revient dans la même salle de ventes le 1er juillet, lot 49 estimé £ 400K.

L'oeuvre exprime l'ambiance d'un nouvel hôtel international. Les caractéristiques sont généralement similaires d'un hôtel à un autre du même groupe pour ne pas dérouter les clients, mais le Grand Hyatt Hotel de Shanghai est remarquable par sa démesure : il occupe les 36 étages supérieurs d'une tour qui en totalise 88.

L'atrium évidé est le sujet de cette photo, avec une composition d'une symétrie parfaite. Elle offre une vision verticale de l'immensité, que l'on pourra comparer avec les Rhein réalisés par l'artiste en format paysage en 1996 et 1999.

L'impression de perspective, qui est parfaite, résulte en fait de l'assemblage géométriquement rigoureux de nombreuses photographies élémentaires prises à différents niveaux. Quelques personnages clairsemés entre différents étages sont écrasés par la grandeur créée pour les servir.

La Vierge Noire des Banlieues

La mondialisation apporte une culture nouvelle liée à la rencontre des races. Gauguin à Tahiti avait un siècle d'avance.

Chris Ofili est un Britannique d'origine Nigériane. Son éducation chrétienne lui fait questionner le dogme de la Vierge Marie dont il constate le caractère érotique de certaines représentations picturales anciennes. Il sera l'artiste hip-hop de la femme Africaine dans un style schématique qui est aussi une continuation de Basquiat par son militantisme racial.

Le 30 juin à Londres, Christie's vend The Holy Virgin Mary, lot 37 estimé £ 1,4M.

Cette oeuvre 243 x 182 cm a été réalisée en 1996 avec une technique mixte utilisée pour un effet brillant : acrylique, huile, résine, papiers phosphorescents, épingles et crotte d'éléphant.

La femme noire est assise, vue de face. Sa longue robe un peu transparente libère un sein exécuté à la crotte d'éléphant. Le fond orange psychédélique est somptueux, avec une auréole très légèrement plus claire composée de lignes radiantes.

La récupération du thème marial avec une figure noire a scandalisé les chrétiens de New York en 1999, allant jusqu'à une plainte en justice intentée contre le Brooklyn museum par le maire de New York City sur une accusation de sacrilège rare au pays du Premier Amendement.

Cette réaction apparait comme tout à fait excessive car The Holy Virgin Mary s'inscrit dans le thème de la glorification de la femme noire et de la fécondité. Orgena (A Negro), réalisée en 1998 dans une technique similaire sans attributs religieux, a été vendue pour £ 1,9M incluant premium par Christie's le 30 juin 2010.

21 juin 2015

La Manche Pittoresque de Bonington

Le père de Richard Parkes Bonington, fabricant de lacets, s'installe à Calais en 1817. Le jeune homme âgé de 15 ans y apprend l'aquarelle auprès d'un ami de Thomas Girtin. Cette influence orientée sur les vues de paysages restera décisive malgré une rapide insertion de Bonington dans le milieu artistique Parisien.

Passant une grande partie de l'année sur les côtes de la Manche, Bonington observe les couleurs extrêmes du jour. Turner aussi avait été influencé par Girtin.

A cette époque, les Français commencent à s'intéresser à la préservation de leur patrimoine. Bonington réalise quelques illustrations pour les premiers volumes, consacrés à la Normandie, des Voyages Pittoresques dans l'Ancienne France par Taylor et Nodier.

Influencé par Delacroix, Bonington transpose ses effets de lumières par des huiles sur toile à partir de 1823 avec une fluidité et une légèreté qui rompent avec le classicisme. Il voit enfin les paysages de Turner en 1825.

Le 9 juillet à Londres, Christie's vend une huile sur toile 60 x 81 cm montrant des pêcheurs et une barque sur la plage, lot 26 estimé £ 2M. Le halo dans le ciel pur est digne de Turner. Cette oeuvre n'est pas située mais on ne s'en étonnera pas car les artistes romantiques ne peignaient pas en plein air.

Cette peinture typique de la très courte période de maturité de Bonington a probablement été réalisée en 1826 peu avant son départ pour Venise. Comme Girtin avant lui, il aurait pu être un très grand artiste. Il mourut de la tuberculose en 1828, âgé de 26 ans.

Holbein à la Cour de Henry VIII

Hans Holbein commence en 1532 son second et ultime séjour en Angleterre. A la cour de Henry VIII, les faveurs se défont à grande vitesse et aboutissent fréquemment à des décapitations. Les luttes d'influence sont embrouillées par les querelles religieuses. Holbein échappe à la disgrâce de son ancien patron Thomas More.

En 1536, un moment d'accalmie interrompt cette tourmente avec l'espoir que la nouvelle reine Jane Seymour apporte un héritier au roi. Holbein reçoit la commande d'une peinture murale pour la chambre du roi au palais de Whitehall.

Terminée l'année suivante, cette oeuvre montre le roi, sa femme et ses parents. Henry VIII est très satisfait du résultat et l'artiste est pensionné, ce qui ne signifie pas qu'il aura encore accès au roi. De nombreuses copies de ce chef d'oeuvre seront faites, heureusement, car l'original sera détruit dans un incendie en 1698.

La figure du roi est remarquable. Dans le style allemand, Holbein a supprimé les attributs directs de la royauté pour que Henry s'impose seulement par son attitude à la fois majestueuse et autoritaire et par son vêtement somptueux.

Le 8 juillet à Londres, Sotheby's vend un portrait du roi, huile sur panneau 93 x 67 cm datée 1542, lot 7 estimé £ 800K. Henry est vu à mi corps. Sa figure n'a pas vieilli mais on sait que Holbein travaillait d'après des dessins et ses études de 1537 étaient sans doute encore utilisables. Le roi est vêtu dans le plus grand luxe, avec un pardessus de velours rouge sur un pourpoint brocardé d'or et d'argent.

L'artiste a été habile. L'ampleur du vêtement cache l'obésité et la faiblesse physique du roi dont l'attitude est toujours aussi arrogante. Cette image a également été copiée. L'absence de documents ne permet pas de l'attribuer formellement à Holbein.

La date de 1542 est intéressante. La cinquième reine de ce règne, Catherine Howard, venait d'être déchue pour adultère et toute sa famille était menacée de spoliation. Cette peinture est maintenant vendue par la famille Howard, à qui elle appartenait peut-être dès son origine. Portraitiste prolifique, Holbein avait travaillé avec les Howard.

Le portrait royal a peut-être été commissionné par le vieux Thomas Howard 3ème duc de Norfolk, l'un des courtisans les plus louvoyants, pour faciliter une réconciliation avec le roi.

20 juin 2015

L'Epreuve du Lion

Lucas Cranach l'ancien appréciait tous les thèmes liés à la morale, non sans humour. Le 8 juillet à Londres, Sotheby's vend une Bocca della verita peinte à la fin de la décennie 1520. Cette huile sur panneau de grand format, 111 x 100 cm, est estimée £ 6M, lot 8.

L'artiste transpose une scène médiévale avec des personnages en habits de son époque. La bouche de la vérité est une épreuve de détection de mensonge pour condamner ou innocenter la femme adultère. Utilisée dans les légendes de Tristan et Iseut et de Merlin, cette histoire avait été précédemment dessinée par les illustrateurs incluant Altdorfer et Lucas van Leyden.

Chaque personnage a un rôle. La femme met une main dans la gueule du lion monté sur un piédestal pour être à sa hauteur. Elle est tenue à la taille par son supposé amant déguisé en fou. Deux hommes attendent pour établir le procès verbal de justice.

Le mari présumé cocu est à l'extrême droite de l'image, à l'opposé du lion. Il est accompagné de deux belles dames qui sont ses témoins. A son côté, un dernier personnage envoie un clin d'oeil de connivence vers l'observateur de la peinture.

Ce n'est pas une bande dessinée et le verdict du lion n'est pas connu. L'absence de crainte dans l'attitude de la femme indique qu'elle veut gagner l'épreuve. La scène devient un amusant symbole de l' astuce féminine.

Un Védutiste à Dresde

La guerre de succession d'Autriche a un impact direct sur l'activité artistique de Venise. Les aristocrates Britanniques suspendent leur visites touristiques en Italie. En 1746, Canaletto part pour Londres.

Le talent précoce de son neveu Bernardo Bellotto est déjà reconnu internationalement. En 1747 l'électeur de Saxe Frédéric-Auguste II l'invite pour peindre les vues monumentales de Dresde. Utilisant à son tour le pseudonyme Canaletto, Bernardo y restera jusqu'en 1758.

Dresde est une capitale moderne. Les monuments qui longent l'Elbe ont été érigés dans les vingt années précédentes et certains ne sont pas encore terminées. Le travail de l'artiste répond à l'attente de l'électeur.

Bernardo réalise de rares copies de ses peintures à l'attention des dignitaires de la cour. Le 9 juillet à Londres, Christie's vend une vue de Dresde prise de la rive droite de l'Elbe, lot 48 estimé £ 8M.

Peinte entre 1751 et 1753 à partir d'un original 132 x 246 cm réalisé dès 1747, cette huile sur toile 96 x 165 cm bénéficie du soin apporté par Bernardo pour une amélioration progressive de ses images, incluant non seulement les plus récentes modifications des monuments mais aussi une animation agréable et des jolis reflets dans la rivière.


Richter sur les Traces de Monet

La mise au point par Richter de sa technique de peinture au râteau en 1986 ouvre une ère nouvelle de sa créativité, qui cesse dès lors de dépendre de l'imitation de la photographie.

L'un de ses premiers essais, opus 599, 300 x 250 cm, terminé au pinceau, offre une variété chromatique complète avec une brillance qui égale le meilleur de Klimt. Il a été vendu pour £ 30,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015.

Les dernières oeuvres de Monet étaient considérées comme des précurseurs de l'art abstrait, avec des effets de couleurs créés par le modelage d'une matière épaisse. Richter sait que sa nouvelle technique peut apporter le même résultat de mélange subtil des couleurs.

A.B. (Abstraktes Bild) 616, sous-titré Courbet, 300 x 250 cm, également peint en 1986, est un bel exemple de cette influence, avec des couleurs qui peuvent être comparées aux roseraies de Giverny. Cette oeuvre a été vendue pour $ 26,5M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013.

En 1987, Richter réalise quatorze peintures pour une exposition à Londres. Les sous-titres évoquent les monuments. Le style est abstrait mais l'équilibre des formes et des couleurs s'inspire directement des vues du Parlement peintes par Monet à partir de 1900.

La silhouette centrale d'une tour est perceptible sur A.B. 643-1, 200 x 140 cm, sous-titrée Brick Tower. Cette huile sur toile est estimée £ 12M à vendre par Sotheby's à Londres le 1er juillet, lot 17.

Lecture en Série

Pablo Picasso aimait traiter un thème avec des variations de style. Du 27 mars au 10 avril 1934, six huiles sur toile montrent la lecture. La jeune blonde à gauche est Marie-Thérèse. Une femme bienveillante et attentive est debout derrière elle.

Le style est une continuité de l'art de Picasso, avec une complexité croissante. La première peinture, le 27 mars 1934, est proche d'un dessin d'enfant mais avec des aplats de couleurs qui concurrencent Léger et Matisse. Elle a été vendue pour $ 21,3M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2011.

Le 24 juin à Londres, Sotheby's vend le quatrième opus peint le 30 mars, 81 x 65 cm, lot 22 estimé £ 13M. Le portrait juvénile de la liseuse ne requiert pas le cubisme pour exprimer sa concentration studieuse. L'autre femme, partagée entre les envies d'aider et de laisser faire, est cubiste. Les parties fortes de l'image sont rehaussées par un travail de la couleur au couteau.

La sixième peinture, le 10 avril, offre le style le plus récent de l'artiste, avec une priorité à l'attitude. Le réalisme a été remplacé par un symbolisme bizarre. Cette peinture a été vendue pour $ 18M incluant premium par Christie's le 6 novembre 2008.

Les exégètes de Picasso posent deux questions.

Le livre a-t-il la même signification érotique que dans La Lecture de 1932 où il couvre le sexe de la jeune femme sommeillant ? A mon avis : non. Dans la seconde peinture de la série de 1934, le 28 mars, la liseuse est une enfant. Ces scènes tranquilles montrent simplement la confiance de l'artiste dans l'apprentissage intellectuel de sa muse.

Qui est la femme ? Le sous-titre de la sixième peinture, Marie-Thérèse et sa soeur lisant, donne une clé qui ne clôt cependant pas le débat parce que Marie-Thérèse avait deux soeurs !

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.


17 juin 2015

Le Pouvoir des Animaux

Fils d'un poète persécuté par la Révolution Culturelle, Ai Weiwei décide de devenir un anti-conformiste, soutenant résolument le peuple contre les élites par un militantisme dont la visibilité internationale agace à son tour le gouvernement.

Les artistes traditionnels Chinois savaient interpréter les oeuvres de leurs prédécesseurs en une démarche que les Occidentaux incompétents assimilaient au faux et au plagiat. Ai récupère des thèmes antiques avec un humour qui assimile le Pop Art Américain et Mickey Mouse.

En 2010, le thème des douze animaux du zodiaque de la fontaine du palais impérial l'intéresse à la fois parce qu'il touche directement aux relations entre la Chine et l'Occident et par l'ambiguIté de sa signification sociale. Ce zodiaque a été l'objet d'une tension avec la France l'année précédente lors de la tentative de vente aux enchères des deux éléments qui étaient dans la collection Saint-Laurent - Bergé.

Ai sculpte les douze têtes, y compris les cinq qui n'ont pas réapparu après le sac du palais des Qing. Il rehausse ces figures d'une texture détaillant le poil ou la plume sans lien avec les originaux Chinois. Le double titre de cette série, Circle of Animals / Zodiac Heads, ajoute à la dualité du message politique, moderne et ancien, international et Chinois, symbolique et ésotérique. C'est peut-être aussi une allusion à la fable politique dans laquelle Orwell donnait le pouvoir aux animaux.

Dans ce zodiaque, Ai ne voit pas seulement la spoliation. Il considère la différence entre la fontaine impériale offerte à la vue d'une cour restreinte et son propre art qui fait l'objet d'expositions au grand public lors de tournées internationales.

Les bronzes ont été réalisés en deux dimensions. La petite version est dorée. Elle a été éditée en huit exemplaires plus quatre épreuves d'artiste. Le numéro 7/8 a été vendu pour £ 2,9M incluant premium par Phillips le 12 février 2015.

Les éléments de la version monumentale, non dorée, varient autour de 3 m de haut, voire plus si l'on inclut les cornes du dragon et la crête du coq. Elle a été éditée en six exemplaires plus deux épreuves d'artiste. Le numéro 1/6 est estimé £ 3M à vendre par Phillips à Londres le 29 juin, lot 23.

La Réunion des Contraires

Isabel Nicholas, qui deviendra Isabel Rawsthorne par son troisième mariage, était une artiste. Sexuellement libérée dans la mouvance de l'existentialisme, elle fut la muse et l'amante d'Alberto Giacometti juste avant et juste après la seconde guerre mondiale et contribua au développement d'un nouveau style artistique privilégiant l'expression psychologique par rapport au réalisme figuratif.

L'art de Francis Bacon est très fortement influencé par Giacometti. Il connaissait de longue date Isabel quand elle lui fit rencontrer Alberto pour la première fois en 1965.

La mort d'Alberto en janvier 1966 déclenche ou renforce l'idée d'Isabel de créer des diptyques montrant des contraires, comme par exemple la vie et la mort. Toujours avide d'interpréter le caractère et le comportement de ses plus proches amis, Francis peint en 1967 un diptyque associant les portraits d'Isabel Rawsthorne et George Dyer.

Cette huile sur toile composée de deux éléments 35 x 30 cm dans un cadre unique est estimée £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 30 juin, lot 36.

L'opposition entre les deux personnages est évidente et leur dialogue semble impossible. La femme est vue de face et l'homme de profil. Le regard d'Isabel est en biais et les yeux de George sont à peine ouverts.

Ils avaient en commun leur réputation méritée de forts buveurs et la fascination qu'ils exerçaient sur Francis. Ils étaient l'opposé l'un de l'autre par leur rôle dans la société. George, le joli voyou, était psychologiquement fragile. Isabel, l'intellectuelle militante, était une femme indépendante.

La Maîtrise du Feu

Yves Klein est un créateur au sens mystique du terme. Son art a pour objet ultime la relation de l'être humain et du cosmos. Il développe ses propres couleurs fondamentales, le bleu, l'or et et le rose, qui expriment isolément les propriétés basiques de son univers avant d'être mêlées par l'action de l'eau et du feu.

Klein a eu l'envie d'utiliser le feu au début de 1961, et ses expériences décisives ont été effectuées en mars 1962. Les oeuvres mêlant le feu et la couleur sont identifiées par le préfixe FC.

L'utilisation du feu dans l'art de Klein est extrêmement originale car, contrairement à Burri, il ne mène pas son support jusqu'à la fin de la combustion. Le support, un carton Suédois d'une très grande densité, permet une combustion ralentie qui laisse le temps à l'artiste de maîtriser les formes et les couleurs. Le geste très rapide de manipulation de l'énorme chalumeau de 40 Kg fige les coulures des liquides.

Le 30 juin à Londres, Christie's vend FC27, 100 x 137 cm, réalisé en 1962, lot 18.

FC27 est une étape importante de sa maîtrise du feu, avant l'apothéose du grand format de FC1, 141 x 300 cm, qui allait lui permettre d'incorporer en grandeur nature les traces anthropométriques des femmes nues. FC1 a été vendu pour $ 36,5M incluant premium par Christie's le 8 mai 2012.

La dureté de l'exercice physique des couleurs de feu a mené l'artiste jusqu'à l'épuisement malgré son entraînement sportif. Il est mort le 6 juin 1962 à l'âge de 34 ans.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's.

14 juin 2015

La Multiplication des Dollars

Il ne fait aucun doute qu'Andy Warhol aimait les dollars, pas seulement pour en remplir ses poches mais surtout comme un symbole flagrant de l'Amérique moderne. Il aimait aussi créer sa propre légende. Les histoires concernant sa source d'inspiration sur ce thème sont certainement apocryphes.

Le 1er juillet à Londres, Sotheby's offre un grand choix de peintures de dollars réalisés par Warhol tout au long de sa carrière, d'abord sous forme d'images de billets puis de représentations plus ou moins fantaisistes du sigle.

Au début de 1962, One Dollar Bill (silver certificate) est l'image gigantesque d'un recto de dollar tronqué. Cette caséine et crayon sur lin, 132 x 182 cm, est la toute première réalisée par l'artiste sur ce thème et sa seule image de dollar peinte entièrement à la main. Elle est contemporaine de la série également peinte à la main des variations sur les boîtes de soupe. One Dollar Bill est estimé £ 13M, lot 24.

A partir de mars 1962, Warhol imagine la multiplication d'images identiques par utilisation de la sérigraphie. Le billet Américain est un thème parfait pour les premières oeuvres de la nouvelle technique. Le monumental 200 One Dollar Bills, 203 x 234 cm, montrant 200 rectos en vingt lignes de dix billets chacune, a été vendu pour $ 43,7M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2009.

Revenons à la prochaine vente.

Le dos du billet de 2 dollars est aussi le sujet d'une des oeuvres de 1962 et le prétexte à un essai d'encre verte de sérigraphie. Cette peinture 211 x 48 cm montrant vingt lignes de deux dos de billets chacune est estimée £ 5M, lot 27.

Le lot 26, estimé £ 12M, est un diptyque daté 1962 et 1963 composé d'éléments de même format et conception que le lot 27. Il est consacré au billet de 1 dollar, dont l'un des éléments du diptyque montre le recto et l'autre le verso.

Le Continuateur de Velazquez

Le portrait d'Innocent X par Velazquez est un des plus grands chefs d'oeuvre de l'art. Contrairement à la Joconde de Leonardo, l'intention de l'artiste est connue.

Innocent X bénéficiait d'une carrière acceptable qui avait justifié son élection mais il était complètement dominé par la veuve de son frère, une femme avare et cupide. Lui-même était méfiant, et avait eu des réticences à poser pour Velazquez dont il doutait des talents.

Sur cette peinture, il n'est pas un puissant pontife mais un homme ordinaire, sous une intense tension avec son regard de biais et ses lèvres serrées. Il n'a pas aimé ce portrait : trop vrai.

Francis Bacon admirait la psychologie complexe de ce chef d'oeuvre, et pas la peinture elle-même qu'il n'alla jamais voir. Elle inspira ses premiers amalgames entre la faiblesse des puissants et le hurlement du Cuirassé Potemkine. L'artiste athée trouvait dans cette contradiction un argument concernant la faiblesse humaine contre laquelle la religion reste inutile.

En 1961, Bacon est invité à préparer une exposition à tenir à la Tate Gallery. Ses Innocent X sont déjà célèbres. Il réalise une nouvelle série de six peintures en grand format sur ce thème.

L'attitude du personnage imite de très près Velazquez. Le trône doré est remplacé par un affreux siège noir qui renforce l'expression antipathique, comme si le pape était l'imposteur de sa propre dignité officielle. Dans cette séquence, Innocent s'affaisse progressivement jusqu'au geste d'impuissance de l'image finale avec les deux bras levés. Le regard n'est plus méfiant mais stupide.

La première peinture de cette séquence, huile sur toile 153 x 120 cm, a été vendue pour $ 10,1M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2005. Ce prix exceptionnel pour l'époque pour une oeuvre de Bacon a déclenché l'intérêt du marché de l'art pour cet artiste. Elle est maintenant estimée £ 25M à vendre par Sotheby's à Londres le 1er juillet, lot 14.

13 juin 2015

Tintin est trop Malin

L'album Le Sceptre d'Ottokar, juste après L'Oreille Cassée, est le second chef d'oeuvre du nouveau style graphique que l'on appelle la Ligne claire d'Hergé. Les couvertures du magazine Le Petit Vingtième montrent successivement des images recomposées dans un format plus grand que dans l'histoire elle-même.

Les dessins originaux pour ces couvertures sont réalisés par Hergé à l'encre noire avec des plumes de haute qualité achetées à Londres. Certaines zones sont emplies d'une texture légère au crayon bleu et l'image est parfois rehaussée de gouache blanche.

Le dessin pour la couverture du 20 juillet 1939, 22 x 25 cm, a été vendu pour € 540K incluant premium par Millon le 14 décembre 2014. Le thème est royal et émotionnel : le dévoué Milou rapporte au roi le sceptre volé par les bandits.

Le 28 juin à Bruxelles, Banque Dessinée vend le dessin pour la couverture du 1er décembre 1938, 22 x 22 cm, lot 484 estimé € 400K, intitulé au crayon Un Faux Pas. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Nous sommes encore au début du Sceptre d'Ottokar dont la publication a commencé le 4 août 1938. Tintin trébuche volontairement de la passerelle amovible d'un avion pour pouvoir agripper la barbe de son compagnon de voyage. Contrairement à son hypothèse, ce n'est pas une fausse barbe et le vieux savant courbé sous ce choc exprime une intense douleur. Dans la portière de l'avion, Milou ne sait pas s'il doit intervenir.

Tintin a toujours raison dans les histoires d'Hergé. La suite montrera effectivement que ce professeur Halambique est un conspirateur, malgré sa vraie barbe.

Les Timbres à Grille

Les timbres à grille sont des variantes régulières mais de courte durée de la philatélie Américaine. L'idée était d'embosser le timbre afin de décourager le nettoyage de l'encre d'oblitération. Les types de grilles sont codées par des lettres qui sont sans relation avec le motif des points.

Les premiers essais sont effectués avec la Grille A en 1867. Les essais sont prometteurs, mais la grille A couvre toute la surface du timbre, ce qui réduit le rendement du fait d'une trop grande contrainte mécanique.

La grille B est une aberration expérimentale ou involontaire. Utilisée en 1868 dans la phase de suppression de la grille A, elle était trop grande par rapport au nouveau standard spécifié qui était la grille F. Les quatre spécimens connus en grille B sont des 3 cents. Ils étaient tous sur une enveloppe circulée en février 1869 et découverte en 1969. Ils ont été décollés.

La grille Z de 1868 est courante sur certaines valeurs mais très rares pour les 1 cent, 10 cents et 15 cents pour lesquels elle n'avait pas été prévue, probablement pour des raisons de rythme de production.

Le 1 cent grille Z est connu en deux exemplaires seulement. Le seul restant en mains privées, avec un bel état de fraîcheur, a été vendu pour $ 965K incluant premium par Robert A. Siegel en octobre 1998. Ce résultat est encore maintenant annoncé sur le site de la maison de ventes comme le record du monde pour un timbre Américain oblitéré.

La vente de Robert A. Siegel le 25 juin à New York offre trois timbres à grille parmi les variantes les plus rares. Le lot 3101 est un des huit exemplaires connus en 30 cents Grille A. Le lot 3102 est un des quatre 3 cents Grille B. Le lot 3102 est un très beau spécimen de 10 cents Grille Z, parmi six exemplaires connus. La valeur catalogue de ces trois timbres est respectivement $ 210K, 1M et 650K.

Un Artisan de la Vallée des Rois

Les textiles peints antiques sont devenus extrêmement rares en raison de leur fragilité. Une pièce funéraire Egyptienne 29 x 21 cm en bel état est à vendre par PIASA à Paris le 18 juin, lot 270. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Cette pièce date de la XVIIIème dynastie qui marque l'apogée de la civilisation Thébaine et de l'art Egyptien antique, il y a 3400 à 3300 ans. Elle est en lin, le matériau couramment utilisé pour les bandelettes et les linceuls. Ces petites pièces peintes étaient posées sur un drap enveloppant le sarcophage.

L'image montre le défunt posant la main sur une table d'offrandes destinées à son plaisir dans l'au-delà. Il est soigneusement habillé et coiffé, avec un long pagne plissé et un cône à onguents. Il est assis en profil Egyptien sur une chaise de luxe avec des pattes d'animaux.

Les offrandes sont dessinées avec précision : pain, viande et courges. Le texte hiéroglyphique indique que ces mets représentent toute chose bonne et pure pour le défunt dont le nom est indiqué.

Ce n'est pas une pièce royale. Des textiles peints similaires ont été trouvés dans les tombes des artisans du village de Set Maât her imenty Ouaset, dont le nom Arabe sera Deir el-Medineh, où étaient réalisés les oeuvres d'art nécessaires aux tombeaux de la Vallée des Rois et aux temples monumentaux. Aucune autre origine possible n'est considérée.

10 juin 2015

La Course des Supercars

Mercedes-Benz est un des leaders de l'industrie des supercars. Développé de 1990 à 1995 pour une commande privée en coopération avec la société Lotec, un specimen unique atteignit 1000 chevaux vapeur, 431 Km/h (en théorie) et $ 3,4M en prix de vente.

Pour préparer la saison 1997, Mercedes-Benz est intéressé par les nouvelles règles de la FIA pour la catégorie Grand Tourisme. Pour être homologuée pour ces compétitions, le modèle doit être également offert à des clients privés pour une utilisation routière. Pour cette raison, Mercedes-Benz construit en 25 exemplaires son coupé CLK GTR à 600 chevaux.

Ce modèle a une suite dès 1998 avec le très prestigieux roadster CLK GTR à toit ouvert, à 640 chevaux. Construit en 6 exemplaires, ce modèle capable d'atteindre 320 Km/h (en théorie) bat tout de suite un record qui ne sera dépassé qu'en 2005, celui de la voiture de série la plus chère du monde, un peu au-delà de $ 1,5M.

Mercedes-Benz avait conservé jusqu'en 2014 le premier de ces six roadsters, qui a été révisé par le constructeur avant d'être vendu à un investisseur qui n'avait pas l'intention de l'utiliser. Cette superbe voiture noire qui n'a que 8 Km au compteur est estimée £ 1,4M à vendre par Bonhams à Goodwood le 26 juin, lot 340.

Après l'intermède de la CLK LM, les ambitions de Mercedes-Benz dans cette gamme de compétition sont anéanties par l'instabilité désastreuse du modèle suivant, la CLR, ainsi que par un nouveau changement dans les règles de la FIA.

Nature Morte de Fruits Tropicaux

Paul Gauguin cherchait en Polynésie une civilisation différente, proche de la nature, résolument non-violente, loin des excès intellectuels de l'Europe. Il avait l'intention de revenir vite en Europe avec une créativité et un style renouvelés.

Il trouva ce qu'il cherchait mais ses propres conditions de vie furent précaires. Il s'écarta de Papeete trop dépendante à son goût de l'administration française. A la campagne, il n'accepta pas le troc dans une société villageoise qui n'avait pas d'habitude monétaire. Proche de la misère, il ne pouvait plus acquérir de toiles et sculpta plus qu'il ne l'avait lui-même souhaité. Son premier séjour avait duré deux ans, de 1891 à 1893.

Le second séjour commença en 1895. Il s'organisa mieux pour qu'il fût plus durable et travailla à ses thèmes mystiques animés par les figures des Polynésiens.

Gauguin admirait les natures mortes de Cézanne. Il peignit très peu de natures mortes pendant le premier séjour. Une composition aux fruits et piments peinte à Tahiti en 1892, 32 x 66 cm, a été vendue pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 6 novembre 2007.

Une nature morte aux mangos, huile sur toile 30 x 47 cm, a été vendue pour £ 3,6M incluant premium par Sotheby's à Londres le 20 juin 2005. Elle revient dans la même salle de ventes le 24 juin, lot 11 estimé £ 10M.

Non datée, cette peinture a été réalisée lors du premier séjour ou plus probablement au début du second séjour, en 1895 ou 1896. L'abondante correspondance de Gauguin ne laisse pas de doute sur son intention : il pratiquait la nature morte pour se relaxer entre deux recherches mystiques.

La composition angulaire est hardie comme un Cézanne, mais l'utilisation de couleurs fortes, volontairement exagérée pour atteindre la splendeur tout en refusant de copier la nature, est commune avec les paysages de Gauguin. L'utilisation des mangues est un nouveau défi de l'artiste à la civilisation Européenne. Elle n'est pas nouvelle dans son art puisqu'il avait déjà retenu ce thème lors de son séjour en Martinique en 1887.

Les Masques d'Epaules Baga

Les Baga aiment fêter la nature et tentent de s'approcher du ciel. Leur serpent de bois de 2 m de haut est porté sur la tête d'un danseur pour imiter et accrocher l'arc en ciel.

Le masque d'épaules Baga est le plus monumental masque de danse d'Afrique, mesurant autour de 1,30 m de haut et pesant environ 60 Kg. Conçu pour être posé sur les épaules, il a la forme d'un colossal buste de femme. Les trous pour les yeux sont percés à la hauteur des seins. Une jupe de textile est accrochée aux anneaux, alourdissant encore plus cet équipement qui ne peut être dansé que par un homme fort.

Les experts ne sont pas d'accord entre eux sur la signification d'origine, mystique ou festive, de ces masques qui accompagnent les mariages et les récoltes. La forme de la tête est très spécifique avec un menton allongé et un gros nez, bien que ce modèle ait été réalisé au fil du temps par des artistes différents.

Nommés masques D'mba chez les Baga, ils sont devenus un des symboles de l'art Africain, et considérés comme un très bon exemple de la symbolisation de la fécondité.

Picasso était fasciné par un de ces masques qu'il possédait. Son coup de foudre pour Marie-Thérèse Walter dans une rue de Paris est lié au gros nez de la jeune blonde qui lui offrait sans le savoir la démonstration que l'idéal féminin peut être multi-racial. Pablo exploita cette idée dans les premiers bustes de sa muse.

Le D'mba est resté une pièce maîtresse du folklore Guinéen. En février 2015, la communauté Baga a fait une demande pour qu'il soit inscrit au patrimoine mondial de l'UNESCO.

L'une de ces pièces qui appartenait à la collection Vérité a été vendue pour € 2,25M incluant premium par Enchères Rive Gauche le 17 juin 2006. Ce masque est estimé € 1,5M à vendre par Christie's à Paris le 23 juin, lot 42. Il est un des trois lots présentés par la maison de ventes dans la vidéo ci-dessous, incluant le Kota Rubin précédemment discuté dans cette chronique.



7 juin 2015

La Fille du Médecin Viennois

Gustav Klimt a renouvelé l'art du portrait de femme. Elles sont montrées debout dans des formats très étroits qui permettent de concentrer l'attention sur le modèle sans perturbation par l'environnement. Tout en haut de l'image, le visage contraste par rapport aux habits pour lesquels l'artiste choisit une texture diaphane ou dorée selon l'effet psychologique ou empathique qu'il désire exprimer.

Directeur d'un important sanatorium privé à Vienne, le Dr Loew connaissait l'élite intellectuelle et artistique de la ville et fut un promoteur de la Sécession Viennoise. En 1902 il commande à Klimt le portrait de sa fille Gertrud âgée de 19 ans.

Gertrud est une gentille fille. Son regard calme est attentif face au peintre. La gaze légère de sa robe d'intérieur est blanche, agrémentée de quelques bandes verticales de couleur lilas, dans un ton d'ensemble clair qui exprime la pureté. Ce portrait très réussi, huile sur toile 150 x 45 cm, a plusieurs fois été exposé du vivant de Klimt et a contribué à sa gloire.

Cette peinture appartenait à Gertrud qui dut abandonner tous ses biens quand elle partit pour l'exil en 1939. Elle appartint ensuite à Gustav Ucicky qui était un fils illégitime de l'artiste, puis à sa veuve Ursula. Passionnée par l'art de son beau-père, Mrs Ucicky créa en 2013 la Gustav Klimt Foundation. Elle comprit que le portrait de Gertrud avait fait l'objet d'une spoliation Nazi et accepta sa restitution.

Ce très bel exemple de portrait d'une très jeune femme par Klimt est estimé £ 12M à vendre par Sotheby's à Londres le 24 juin, lot 26.

La Pierre du Calligraphe

Depuis un millénaire et demi, la tradition Chinoise reconnaît les quatre trésors du lettré, qui sont le matériel indispensable à la calligraphie : le pinceau, l'encre, le papier et la pierre à encre. L'encre est préparée sous forme d'un bâton que l'artiste frotte pour obtenir une poudre qui est diluée dans l'eau dans la cavité superficielle de la pierre à encre.

Les Song du Nord utilisaient la variété Duan de pierre à encre, creusée et ciselée dans une roche volcanique brun-violet extraite en Chine du Sud à proximité de Guangdong. La pierre à encre est une oeuvre d'art qui contribue au raffinement de l'opération d'écriture. La calligraphie est très active pendant le règne de Huizong, il y a 900 ans.

Le 13 juin à New York, Gianguan Auctions vend une pierre à encre Duan d'époque Huizong. Elle est estimée au-delà de $ 850K, lot 282 sur les plates-formes d'enchères LiveAuctioneers et Invaluable.

L'instrument est rectangulaire, de 32 cm de long. Le réservoir occupe la moitié basse de l'instrument, orné d'un pavillon impérial ciselé dans la partie haute. Le dessous est décoré d'une tortue portant une tablette.

6 juin 2015

La Montée des Iris

Après quelques années difficiles, Claude Monet retrouve une nouvelle ardeur créative en 1914. Il démarre son grand projet décoratif imaginé quelques années plus tôt et qui finira par reconstituer dans une salle d'exposition l'ambiance de son jardin sous le titre de Grandes Décorations.

Il réalise en quelques années 250 huiles sur toile qui sont des variations préparant ce thème. Il ne date pas ces peintures dont la plupart resteront inconnues jusqu'à sa mort. Elles sont pourtant particulièrement innovantes.

L'objectif de peinture murale amène l'artiste à expérimenter de très grandes dimensions. Au-delà des 200 Nymphéas inclus dans cet ensemble, il explore de nouveaux thèmes incluant les iris qui poussent au bord de son bassin.

Le 23 juin à Londres, Christie's vend Iris mauves, huile sur toile 200 x 100 cm peinte entre 1914 et 1917, lot 12 estimé £ 6M.

Le format haut et étroit est inhabituel mais parfaitement adapté à ce portrait de fleurs sauvages qui anticipe O'Keeffe. Le thème est aussi le prétexte à une superbe étude de couleurs avec ces fleurs mauves qui s'extraient des herbes vertes pour s'exhiber par-dessus un fond qui vire graduellement du bleu au rose.

Victoire sur la Nature

Le Suprématisme vient dans le sillage du Futurisme, avec la même idée de glorifier le travail de l'homme. Les futuristes expriment la vitesse, liée aux techniques. Les travaux de Malevitch sur la non-figuration ne sont pas inspirés par l'abstraction émotionnelle et sémiotique de Kandinsky.

L'oeuvre séminale de la non-figuration est le décor de théâtre réalisé en 1913 par Malevitch à Saint-Petersbourg pour l'opéra futuriste Victoire sur le Soleil. Il apparaît aussitôt comme le chef de file de cet art nouveau dont l'emblème est en 1915 son Carré noir sur fond blanc, dominateur, dense, symétrique et équilibré.

Le nouveau langage est une construction de quadrilatères colorés sur un fond blanc qui exprime la pureté et l'infini et anticipe Mondrian. Ils se superposent ou se juxtaposent sans effet de perspective et sans transparence, souvent dans un mouvement d'ensemble montant ou descendant qui offre la confiance dans le progrès.

Certaines de ces constructions conservent des titres comme Automobile et dame et Avion en vol qui ne marquent pas une incitation à une lecture figurative mais plutôt une reconnaissance de l'artiste de son inspiration futuriste. Trois ans ans plus tard, l'audace du Carré blanc sur fond blanc ouvre la voie à l'art abstrait moderne invitant à la variation de la texture plus qu'à celle de la forme et de la couleur.

Le 24 juin à Londres, Sotheby's vend Suprématisme - 18ème Construction, huile sur toile 53 x 53 cm peinte en 1915, lot 18 estimé £ 20M.

De l'Autre Côté du Bar

Edouard Manet est un des grands expérimentateurs de la peinture du XIXème siècle. Au début de l'année 1880, sa santé se détériore, suscitant des infirmités dans les membres. Cette difficulté semble accélérer sa créativité, comme s'il percevait qu'il a peu de temps pour démontrer qu'il est un des plus grands artistes.

L'inspiration de Manet est moderniste, ce qui est clairement visible dans la série des Saisons qu'il ne pourra pas terminer où il transforme l'art classique du portrait pour montrer une jeune femme moderne.

Le 24 juin à Londres, Sotheby's vend Le bar aux Folies-Bergère, huile sur toile 47 x 56 cm peinte en 1881, lot 8 estimé £ 15M.

La barmaid est placée devant un vaste espace qui est un reflet dans un miroir mural, incluant son propre reflet. La position exacte du miroir est à peine repérable. Les taches de couleurs du fond montrent une foule à un spectacle, anticipant à la fois Lautrec et l'art abstrait.

Cette scène qui veut être un pendant aux Ménines de Velazquez est troublante par ses angles. Elle a été peinte dans l'atelier. L'homme à droite visible uniquement en reflet est le voisin de palier. La cohérence de sa position s'explique quand on exclut l'hypothèse qu'il est placé juste en face de la femme.

Manet veut créer un chef d'oeuvre et voit bien que ce thème le permet. La version finale peinte quelques mois plus tard, 96 x 130 cm, marque un retour au portrait réaliste avec une imposante fille dont le modèle est une vraie employée des Folies-Bergère, une foule aux détails visibles et quelques nouveautés comme l'assortiment de boissons sur le comptoir du bar et les jambes du trapéziste qui anticipent Chagall.

3 juin 2015

La Favorite de Saint-Ouen

A la chute de l'Empire en 1815, Louis XVIII se trouve face à un problème majeur concernant la haute classe de la société. Il parvient à maintenir le difficile équilibre entre les royalistes assoiffés de retour au pouvoir et aussi de vengeance, et les libéraux qui demandent une transition plus souple.

Madame du Cayla (Zoé) est la favorite de ce roi veuf. Fille du magistrat Omer Talon qui avait percé les secrets des difficiles relations entre le nouveau roi et son frère Louis XVI à la fin du précédent règne, cette jolie femme pourrait devenir la Pompadour du nouveau régime.

Louis XVIII fait reconstruire pour Zoé le château de Saint-Ouen. Le roi est impotent et elle n'est peut-être pas sa maîtresse. Plusieurs portraits du roi en costume de sacre attestent que Louis XVIII espérait encore pouvoir profiter des fastes de son rang, mais il ne put pas être sacré.

Spécialiste des portraits de cour et baron d'empire, le peintre François Gérard traverse sans difficulté ce changement politique. En 1823, Madame du Cayla organise une grande fête dans son château. Un portrait du roi par Gérard est inauguré à cette occasion.

Le 15 juin à Paris, AuctionArt vend le portrait de Zoé du Cayla sur la terrasse du château de Saint-Ouen avec ses deux enfants, peint par Gérard entre 1821 et 1823, lot 31 estimé € 800K lié ici sur le site d'enchères auction.fr.. Cette huile sur toile 228 x 177 cm était un cadeau du roi à sa favorite et fut ensuite possédée par sa fille qui deviendra par mariage princesse de Beauvau-Craon.

Gérard était très habile dans le réalisme des portrait des femmes et de leurs robes claires et satinées à la mode de son temps. Le portrait du garçon est moins réussi.