30 sept. 2015

Vision sur le Béton

L'homme laisse dans la nature les restes parfois grandioses de ses envies et de ses projets abandonnés. Peter Doig est un explorateur de ces sites perdus qui dégagent une émotion intense. Il est aussi un peintre contemporain à la technique impeccable qui reconnaît facilement l'influence des grands maîtres sur son art.

Ses toiles de grandes dimensions apportent un effet fascinant. Ses compositions hardies sont inspirées par Cézanne, qui savait intégrer des premiers plans devant un paysage sans cacher la grandeur de l'arrière-plan tout en évitant aussi de tricher avec les lois de la perspective. Le résultat est une impression de proximité de l'arrière-plan.

Dans ses scènes imaginaires de canoes vides dans la forêt vierge, Doig obtient cet effet par le reflet dans l'eau et la disparition de l'horizon. Swamped, peint en 1990, a été vendu pour $ 26M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015.

L'artiste visite en 1991 la cité de Le Corbusier à Briey-en-Forêt, laissée à l'abandon quinze ans auparavant. Il est influencé par le style architectural qui est un lien avec l'expression abstraite de la nature par Mondrian. Surtout, la vue de cette urbanisation fantôme au travers du dense réseau des arbres fournit un de ces thèmes post-Cézanniens qui étaient l'objet de sa propre recherche. Il commence la série intitulée Concrete Cabins.

Peint en 1991, the Architect's home in the ravine, est une vue de jour d'un site proche de Toronto. La maison est progressivement couverte par les arbres tout comme Pollock couvrait ses toiles avec ses couleurs. Cette huile sur toile 200 x 250 cm a été vendue pour £ 7,7M incluant premium par Christie's le 13 février 2013.

Le 16 octobre à Londres, Christie's vend Cabin Essence Black, huile sur toile 230 x 350 cm datée 1993-1994, lot 11.

Le grand immeuble dans la nuit, inspiré par Briey, apparaît comme très proche par ses nombreuses lumières filtrées par les arbres noirs. Doig a probablement été influencé par les plus récentes recherches expressionnistes de Richter. Le résultat est un effet somptueux de brillance et d'ombre que l'on peut voir comme un écho de l'île des morts de Böcklin.

Hasard et Démence

En 1897, deux révolutionnaires du langage artistique construisent ensemble un projet hors du commun.

Stéphane Mallarmé a 55 ans. Admirateur d'Edgar Poe et traducteur du Corbeau, il ôte à la poésie toute intention narrative en développant la liberté du vers, la sonorité et aussi les émotions répétitives apportées par la juxtaposition des mots. Il aurait dit à Valéry : "Ne trouvez-vous pas que c'est un acte de démence ?".

Mallarmé est proche des artistes et a composé des textes pour les musiciens. Avec "Jamais un coup de dés n'abolira le hasard", il devient lui-même un artiste par sa conception de la disposition des mots sur les pages. Ce poème est le précurseur d'une grande tradition de la poésie francophone devenue indissociable de l'art avec notamment Apollinaire et Cendrars.

Ambroise Vollard a 31 ans. Sa galerie à Paris est déjà bien établie et il est décidé à secouer le monde de l'art par des initiatives sans précédent. Il rencontre Mallarmé.

Mallarmé autorise une première édition du Coup de dés sans la participation de Vollard. Le format du magazine ne lui plaît pas. Vollard propose de faire mieux. Il imagine que le poème de Mallarmé pourra être illustré par Redon et choisit comme imprimeur la société Firmin-Didot.

Mallarmé est un perfectionniste qui demandera que ses instructions de mise en pages soient respectées dans les plus petits détails. Firmin-Didot réalise cinq états successifs. Le dernier est effectué en novembre 1897 mais malheureusement Redon n'a pas encore fourni ses illustrations.

Le 15 octobre à Paris, Sotheby's consacre une vente à la bibliothèque de Mallarmé.

Le lot 163, estimé € 500K, est la maquette autographe préparée par Mallarmé incluant de très nombreuses instructions pour la typographie.

Le lot 164, estimé € 100K, groupe six épreuves couvrant les quatre derniers tirages de Firmin-Didot. L'une des deux épreuves du dernier état est encore corrigée de la main du poète pour de nouvelles améliorations.

Le projet est abandonné par Vollard après la mort soudaine du poète en septembre 1898.

L'Imperator Brutus

Le meurtre de César a été commis aux ides de mars d'une année que Tite-Live calculera bientôt comme étant 709 Ab Urbe Condita. Le groupe de conspirateurs est mené par Brutus et Cassius, et le premier coup est traditionnellement attribué à Casca Longus.

Ce Casca Longus apparaît comme un collaborateur très proche de Brutus. Il appartient à la gens Servilius. Brutus avait été adopté dans sa jeunesse par un oncle qui était aussi un Servilius.

Brutus et Cassius ont tout d'abord été amnistiés par le Sénat, avant d'accepter des postes de proconsuls qui les ont provisoirement séparés. Tous deux ont émis des monnaies.

Le 8 octobre à Zurich, Numismatica Ars Classica vend un aureus de Brutus, estimé CHF 500K, lot 23 sur la plate-forme d'enchères Sixbid, également illustré sur l'article partagé par Coin World.

L'une des faces montre la tête de Brutus de profil. Le visage émacié gravé en haut relief est probablement le seul portrait réaliste de Brutus à cette période. Cette face est inscrite BRUTUS IMP. La monnaie a certainement été émise en 710AUC après une campagne de Brutus en Thrace qui lui a valu le titre d'imperator.

Quand il a été assassiné, César venait de se nommer dictateur, suscitant l'horreur parmi les républicains. Son effigie sur les aureus était ressenti comme une provocation. Le portrait de Brutus sur un aureus ne signifie pas une trahison envers la république mais plutôt une tradition de la Grèce où il était encore le proconsul de Rome.

L'autre face montre des symboles militaires avec le nom de Casca Longus sans effigie. Cela ne signifiait pas que Brutus partageait un quelconque pouvoir suprême avec son complice mais plutôt que celui-ci avait le rôle de monnayeur, c'est-à-dire responsable de sa monnaie (et non graveur). Le nom de Brutus lui-même avait apparu comme monnayeur sur une monnaie républicaine émise dix ans plus tôt.

L'aureus de Brutus est ainsi antérieur au denier d'argent glorifiant les ides de mars par l'inscription EID MAR, dont un exemple a été vendu pour $ 546K incluant premium par Heritage le 7 septembre 2011. Cet ultime denarius du traitre est politiquement très ambigu, avec une effigie idéalisée.

27 sept. 2015

Stearns à l'Ere du Laiton

Dans l'histoire de l'automobile, les pionnières de l'ère du laiton ont été soumises à l'évolution très rapide de la puissance qui a apporté avec elle la vitesse, l'endurance et le confort. La F.B. Stearns Co établie à Cleveland offrait des modèles de grand luxe permettant un tourisme collectif.

A cette époque, les Américains ne veulent pas faire de différence entre la voiture de production et la voiture de compétition. Stearns clame de bon droit la supériorité de ses véhicules. Un nouveau modèle est proposé chaque année : la 40HP de 1905 et la 60HP de 1907 peuvent être équipées en touring pour sept passagers, ouvertes à tous les vents selon le style de l'époque.

La légende affirme qu'une Stearns 60HP a été la première voiture à essence à atteindre le sommet de Pikes Peak dans le Colorado et que cet exploit a été réussi avec sept passagers à bord. Il est cependant certain que les voitures de cette marque avaient toutes les qualités requises pour aborder les routes de montagne.

Le 5 octobre à Philadelphie, Bonhams vend un des rares exemples survivants de la Stearns 60HP Seven Passenger Touring de 1907, lot 265 estimé $ 650K.

L'hypothèse selon laquelle le premier propriétaire de cette voiture résidait à Denver est plausible. Elle appartenait dans les années 1960 à un couple du Montana qui s'était passionné à collecter les merveilles cachées dans les Montagnes Rocheuses. Elle a été restaurée par un propriétaire ultérieur en prenant pour modèle les images des publicités d'origine, lui ouvrant ainsi la route des Concours d'Elégance.

Les Pichets Blancs de Sanyu

La vie n'est pas toujours facile pour un jeune artiste Chinois en exil à Paris. Pour Sanyu, la rencontre avec Henri-Pierre Roché en 1929 est providentielle bien qu'elle ne suffise pas à le protéger de la misère.

Encouragé par son nouveau protecteur, Sanyu expérimente les possibilités d'expression artistique de la peinture à l'huile, qui le sortira de son thème favori des dessins de femmes pour la mode et le nu.

Sanyu devient un peintre de fleurs, mais avec une grande originalité dans laquelle certains voient une influence de l'art Chinois. Le thème de sa recherche n'est pas seulement la fleur mais surtout le pichet blanc dans lequel elle a été posée. Ce vase stylisé disparaissant devant un fond blanc ou en contraste total devant un fond noir ouvre un nouveau langage artistique basé sur l'opposition de formes simples.

L'huile sur toile 73 x 50 cm à vendre par Poly Auction à Hong Kong le 5 octobre, lot 133, est datée de cette première année expérimentale. Elle est illustrée sur le communiqué de presse annonçant l'ensemble des sessions de ventes.

Le pot blanc est posé sur une surface blanche devant un fond très noir. Il contient quelques roses en fleurs ou en boutons, peintes en couleurs. Les tiges et les feuilles squelettes peintes en blanc ajoutent à l'illusion selon laquelle cette oeuvre sans effet de perspective et sans détail de texture pourrait presque être une radiographie.

L'artiste continue son exploration créative. Une huile sur toile de format similaire peinte en 1930 montre un vase en couleurs mais l'effacement des contrastes affecte la plante devant le fond noir. Cette peinture qui avait appartenu à Roché a été vendue pour € 4,1M incluant premium par Aguttes le 2 juin 2015.

En 1931, le vase blanc devant un fond blanc devient quasiment invisible. Il est encore présent mais n' attire plus l'attention du spectateur. La fleur redevient en toute logique le thème principal de l'image. Une composition avec deux hortensias roses a été vendue par Aguttes dans la même vente que ci-dessus, au même prix.

Peu après, la brouille de Sanyu avec Roché marque la fin de cette première période de grande créativité de l'artiste.

La Locomotive du Sud

Le 5 octobre à Philadelphie, Bonhams vend au lot 205 une locomotive qui reste un des plus authentiques démonstrateurs de l'époque des pionniers du chemin de fer, malgré les modifications nécessitées par sa maintenance et ses expositions.

Les transports sur terre et sur rivière assistés par propulsion à vapeur prennent un essor décisif en Angleterre dans les années 1820. Les Rainhill Trials en octobre 1829 sont une compétition extraordinaire organisée par la compagnie du Liverpool and Manchester Railway pour sélectionner le contractant de la fabrication de ses locomotives.

Cinq candidats s'affrontent aux Rainhill Trials. Le vainqueur est Stephenson, qui est aussi de très loin le plus expérimenté dans ce domaine et la seule société à cette époque à pouvoir assurer une endurance acceptable. La société Braithwaite et Ericsson est son meilleur challenger mais ne parvient pas à terminer les épreuves à cause d'une mauvaise maîtrise de la chaudière.

Le marché Américain est prometteur. Le rail aura effectivement un rôle considérable pour imposer la civilisation sur un aussi immense territoire. La quantité de locomotives préparées par Braithwaite pour cet export dans les années 1830 est estimée à 14. Il est probable que les pièces traversaient l'Atlantique dans les caisses pour être assemblées aux Etats-Unis.

La machine à vendre est nommée Mississippi. Ses éléments avaient été fabriqués autour de 1834 par Braithwaite et Ericsson. Elle est considérée comme la plus ancienne locomotive ayant été utilisée dans l'état du Mississippi et a repris du service pendant la Guerre Civile, successivement pour les deux camps.

Intelligemment reconstruite en 1891 autour de son moteur d'origine dans un état cohérent avec les images des années 1830, elle a eu un très bel historique d'expositions à Chicago incluant la très importante Columbian Exposition en 1893, le Century of Progress en 1933 et 1934 et son exposition permanente depuis 1938 dans les collections du Chicago Museum of Science and Industry qui s'en sépare aujourd'hui sans prix de réserve.

La Mississippi représente une opportunité unique pour l'acquisition d'une pièce de ce type et son estimation n'est pas publiée. Elle est un fabuleux témoin du passé mais son degré réel d'authenticité est probablement impossible à établir.

26 sept. 2015

Abstraction Coréenne

L'art de Kim Whanki s'était d'abord positionné à la frontière extrême de l'abstraction et de la figuration, invitant l'observateur à reconnaître des formes stylisées. En optant plus tard pour une abstraction totale, l'artiste offre une synthèse de l'art occidental et de la sensibilité Coréenne.

Kim Whanki a retenu la force expressive du minimalisme et le goût traditionnel Coréen pour le pointillisme. Travaillant à New York à partir de 1963, il peut se consacrer à son art. Les titres de ses oeuvres, évoquant l'air, le son, le calme, le cosmos, oubliant enfin les angoisses de la guerre de Corée, renforcent la comparaison avec l'art zen. Il est un contemporain de VS Gaitonde et d'Agnes Martin.

Kim Whanki est un continuel expérimentateur. Pour réaliser ses toiles pointillistes du début des années 1970, il utilise l'absorption de la couleur dans les interstices de la toile, permettant d'obtenir un effet homogène sur une grande surface.

Le 5 octobre à Hong Kong, Seoul Auction vend une peinture pointilliste 253 x 202 cm réalisée en 1971, lot 44 estimé HK$ 20M. Cette oeuvre n'a pas d'autre titre que sa date mais nous fait pénétrer à la manière de l'expressionnisme abstrait jusqu'au coeur d'une nébuleuse d'étoiles. Un détail de sa texture est illustré sur le communiqué partagé par Blouin Artinfo.

La mort prématurée de Kim Whanki en 1974 a certainement empêché l'artiste d'être reconnu comme un des créateurs les plus authentiques de l'abstraction moderne dans la voie expérimentale ouverte par Burri et Klein.

23 sept. 2015

L'Infinie Longévité de la Pêche

Commençons par un peu de vocabulaire relatif à la porcelaine de Chine sous les Qing. Le dépôt des couleurs en poudres d'émaux avant cuisson est appelé falangcai (couleurs étrangères) en reconnaissance du rôle des Jésuites dans le développement de cette technique.

Le terme famille rose désigne la pleine maturité de cet art quand l'émail crée des couleurs opaques. Ce terme prête à confusion parce que les pièces de la famille rose n'incluent pas toujours cette couleur. Il est préférable d'utiliser le mot yangcai qui est générique à cette technique, ou fencai qui signifie couleurs poudreuses et s'applique plus spécifiquement au yangcai impérial.

La famille verte est une technique similaire à l'exception du fait que les couleurs sont translucides. Ici aussi on préférera le nom Chinois : yingcai.

L'empereur Yongzheng aimait les symboles de longévité infinie comme la pêche et de bons auspices comme la chauve-souris. La pêche est un excellent prétexte pour utiliser toutes les nuances de la palette fencai dans les fruits, les fleurs, les feuilles et les branches. Un bol fencai de 14 cm de diamètre est estimé HK$ 40M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 7 octobre, lot 3611.

Ce motif résulte d'une volonté impériale exprimée dans la neuvième année de son règne, 1731 de notre calendrier. Les paires d'origines ont souvent été dissociées mais la production est suffisamment homogène pour qu'un amateur ait constitué une nouvelle paire, vendue pour HK$ 90M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2015.

Quand l'empereur Qianlong succède à son père Yongzheng, le fencai a déjà atteint sa plus grande maturité mais la diversité des formes génère de nouveaux chefs d'oeuvre. Les branches du pêcher s'enroulent autour du haut col du tianqiuping, un vase pansu dont le nom signifie globe céleste.

Un tianqiuping de 51 cm de haut a été vendu pour HK$ 90M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2011. Un autre tianqiuping de 55 cm de haut est estimé HK$ 60M, lot 3610 dans la même vente que le bol discuté ci-dessus. L'extrême popularité de ce thème (désormais sans les chauve-souris) empêche de définir une date précise dans le très long règne de Qianlong pour ces deux tianqiuping.

Les Chroniques de Feng Ning

L'utilisation de rouleaux à main de très grande longueur pour illustrer les campagnes militaires et les moeurs est très ancienne en Chine. Les Qing continuent cette tradition.

De la 35ème à la 55ème année de son règne, l'illustrateur de Qianlong est Zhang Yang (ou Yang Zhang ?). Le nom de Feng Ning qui apparaît aussitôt après désigne probablement son successeur.

Pendant la 59ème année du règne, 1794 de notre calendrier, Feng Ning réalise en encre et couleurs une copie d'un rouleau de Zhang Yang qui imitait une peinture d'époque Song sur le thème de la vie quotidienne à Jinling, le village qui est à l'origine de la puissante cité de Nanjing, la "capitale du Sud".

Le rouleau de Feng Ning mesure 1,05 m de long sur une hauteur de 35 cm, sans texte dans l'image. Le milieu de l'image montre l'animation de la rue principale tandis que les parties gauche et droite sont plus rurales. Cette oeuvre qui est restée complète sera vendue par Poly Auctions à Hong Kong le 5 octobre, lot 996. Elle est illustrée sur le communiqué de presse consacré à l'ensemble des sessions de cette vente.

A cette époque, certains rouleaux font l'objet d'albums de gravures, marquant la claire intention de l'empereur Qianlong de promouvoir la dissémination de la culture. Pour cette raison, le nom de Feng Ning n'est pas inconnu sur le marché de l'art bien que ses détails biographiques soient inconnus.

Le 11 juin 2013, Artcurial a vendu trois albums par Feng Ning et ses collaborateurs avec respectivement 16, 8 et 4 gravures concernant trois campagnes militaires différentes de Qianlong, avec un texte explicatif dans les images. Ces lots ont été vendus pour € 150K, 91K et 43K incluant premium.

Le Cri Silencieux

L'émotion s'exprime facilement par le son. Edvard Munch traduit dans l'art graphique les sentiments extrêmes au bord de la folie. La scène silencieuse des trois filles sur le pont, peinte pour la première fois en 1901, est ainsi une suite du Cri. Personne ne verra la cause exacte de l'angoisse du crieur ni pourquoi les trois filles sont ainsi groupées, serrées l'une à côté de l'autre sans communiquer.

Les trois filles sont un excellent thème pour les nouvelles expériences d'édition de la couleur réalisées par l'artiste en 1918. Il choisit une technique mixte de bois, apportant les balafres noires du ciel et de la route, et trois à quatre plaques de zinc pour la lithographie des couleurs. Le format choisi est 50 x 42 cm.

Avant d'imprimer la couleur, Munch essaye plusieurs variantes en coloriant des épreuves noir et blanc. L'une d'elles, avec quatre couleurs dans un arrangement plutôt lugubre, a été vendue pour $ 845K incluant premium par Christie's le 29 octobre 2013.

Le 29 septembre à Londres, Sotheby's vend une gravure en couleurs des Filles sur le pont, lot 66 estimé £ 200K.

Dans cette version, l'artiste a utilisé le vert, le bleu et un rouge-orange strident qui attire l'attention sur le point fort de la composition. Ce rouge noie le détail de la robe du milieu comme un contraste de sang entre la robe claire et la robe foncée des deux autres filles. Leur attitude ne différencie pas leurs sentiments. Le rouge étend l'angoisse silencieuse à tout le groupe.

20 sept. 2015

Les Saphirs Bleus du Cachemire

La découverte de la plus belle variété de saphirs a été fortuite. En 1881, un marchand venant du Nord-Ouest de l'Himalaya arrive à Simla avec une pierre bleue plus dure que le quartz. D'autres specimens descendent de la montagne et au début de l'année suivante un minéralogiste de l'Indian Museum constate qu'il s'agit de saphirs.

Ces saphirs du Cachemire sont sensationnels par leur couleur saturée, leur transparence et l'aspect velouté de leur surface. Cet équilibre est obtenu par la présence dans le cristal de corindon de diverses impuretés : tourmaline, pragasite, zircon, allanite, biotite, grenat et même un traceur radioactif naturel, l'uraninite. Un tel mélange est unique et permet de certifier l'origine d'un saphir sans avoir d'information sur son histoire.

Revenons au début des années 1880. Le gisement révélé peu de temps auparavant par un glissement de terrain est localisé dans un vallon de très haute altitude nécessitant une semaine de marche d'approche. La valeur des pierres n'est pas immédiatement comprise mais le maharajah local parvient à contrôler l'extraction. En 1888, un géologue délégué par le maharajah constate que le filon est épuisé.

Cette mine éphémère a produit quelques saphirs de grandes dimensions qui prennent tout leur éclat par une taille en émeraude dans un entourage de diamants. L'un d'eux pesant 28,18 carats a été vendu pour $ 5,1M incluant premium par Sotheby's le 29 avril 2014.

Un autre saphir dans un arrangement similaire est appelé The Jewel of Kashmir. Il pèse 27,68 carats et est estimé HK$ 48M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 7 octobre, lot 1860. La nature a parfaitement réussi l'équilibre entre son velouté et sa transparence, dans une superbe nuance bleu roi à la fois homogène et saturée.

19 sept. 2015

Le Paravent du Palais Mandchou

Le 7 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend un important élément de décoration du palais des Qing, lot 3003 estimé HK$ 20M. Il s'agit d'un zhang, terme que l'on peut traduire par bouclier, composé de douze panneaux de bois 198 x 37 x 2 cm. Il est destiné tout comme un paravent à apporter une séparation ou un fond mobile dans une grande pièce du palais impérial. Il montre une scène de chasse composée comme une procession.

Le luxe est extrême. Le bois est couvert de laque noire incrustée de nacre et d'écailles de tortue qui supportent les couleurs peintes et sont rehaussées d'or et d'argent. Son très bon état est particulièrement remarquable quand on considère la difficulté de conserver la nacre. Le revers est peint en couleurs vives.

Cette technique a été développée dans un atelier qui a opéré à l'époque de la minorité de Kangxi il y a 350 ans. Sa très grande rareté laisse supposer que l'écran à vendre date de cette période précise.

Kangxi est le second empereur de toute la Chine dans la dynastie Qing d'origine Mandchou. La figuration comprend de nombreux éléments Mandchous dont certains détails d'habillement et la présence de cavalières. Cette scène était faite pour orner une pièce privée où elle pouvait rappeler les coutumes Mandchous sans offusquer les Chinois. Cette remarque va aussi dans le sens d'une datation au tout début des Qing.

L'image est dynamique et même parfois humoristique, avec des cavaliers au galop, des porteurs de bannières, des chiens de chasse, du gibier et des oiseaux. Kangxi sera un grand chasseur pour qui d'immenses parcs d'animaux sauvages seront plus tard créés. La chasse est aussi une préparation pour la guerre.

Le cinquième panneau détaille un personnage impérial en habit Mandchou qui préside la fête sous un dais d'or. L'hypothèse selon laquelle il s'agirait de l'empereur Kangxi lui-même, avec pour conséquence une réalisation ultérieure à sa minorité, ne peut pas être écartée.

La Sérénité Diaphane d'Agnes Martin

Influencée par le zen, Agnes Martin trouve la joie dans la contemplation du désert à Taos. Elle la partage par ses peintures composées de grilles de traits équidistants. La surface d'apparence unie mais pas strictement monochrome exprime sa vision du désert, de la plage et de la montagne. Elle enveloppe l'observateur dans son art et admet facilement que ce qu'elle fait est de l'expressionnisme abstrait.

Agnes Martin a repris son travail à la fin de sa vie, avec une technique différente. La toile est préparée avec un enduit qui apportera une texture lumineuse. Les bandes horizontales tirées au crayon à main levée remplacent la grille et délimitent les zones alternatives de couleurs diaphanes, le plus souvent rose et bleu.

Elle est un rare cas d'une artiste qui a su aller jusqu'au bout dans la recherche et l'expression du bonheur. Bien que sa technique soit différente, elle est proche de l'art de Gaitonde qui avait lui-même été influencé par Rothko.

Les titres expriment désormais des sentiments. Loving love, 152 x 152 cm, peint à Taos en 2000 quand l'artiste avait 88 ans, a été vendu pour £ 2,1M incluant premium par Christie's le 1er juillet 2014. Les bandes sont de largeur uniforme mais les deux bandes centrales sont bleues, accentuant l'impression de symétrie.

Une oeuvre sans titre réalisée la même année ou peut-être l'année précédente dans le même format est estimée £ 2,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 15 octobre, lot 7. Les bandes roses sont deux fois plus larges que les bandes bleues.

La Transition Cosmique

En intitulant ses oeuvres Concetto Spaziale dans les années 1960, Lucio Fontana exprime son ambition de situer la nouvelle position de l'homme confronté aux découvertes de la science. Son art supprime les frontières entre la peinture monochrome et la sculpture, comme celui de Klein. Klein construit des surfaces planétaires avec ses éponges, Fontana fend ou perce la toile pour atteindre l'au-delà.

Avec sa grande variété sur un format ovale unique 178 x 123 cm, la sous-série La fine di Dio constituée de 38 huiles sur toile réalisées en 1963 et 1964 marque l'apogée de la pensée philosophique de Fontana. Les 6 Onement de Barnett Newman étaient une autre figuration de la création du cosmos.

D'une oeuvre à l'autre la couleur toujours monochrome mène l'ovale depuis l'oeuf nourricier jusqu'au système planétaire. Les trous plus ou moins gros et plus ou moins espacés montrent la constitution ou l'explosion de l'univers. La fin de Dieu n'est pas une mort mais une impossibilité de l'atteindre dans le nouvel état de connaissance de la complexité de l'oeuf et de l'immensité du cosmos, ouvrant l'ère post-théologique.

Quelques exemples de Concetto Spaziale - La fine di Dio ont été peints dans un noir profond qui est une évocation directe du ciel nocturne. L'opus 63FD22 est percé de trous de grandes dimensions régulièrement disposés. Certains trous, mais pas tous, sont entourés d'une cohorte de petits trous formant l'amorce d'une spirale, comme la naissance d'un sous-système prêt à l'envol.

63FD22 est estimé £ 15M à vendre par Sotheby's à Londres le 15 octobre, lot 17.

63FD23 est l'état ultérieur du cosmos, de conception similaire sauf que parmi les gros trous seuls ceux du centre ont subsisté, et les petits trous ponctuent maintenant de façon homogène le reste de la surface. Ils sont ainsi révélés comme étant les constellations que l'opus précédent avait montrées dans leur état naissant, selon l'imagination de l'artiste.

63FD23 a été vendu pour £ 9M incluant premium par Christie's le 19 octobre 2008.

16 sept. 2015

Les Perles Grises

Les plus beaux colliers sont des collections de joyaux. Les jades taillés à l'époque Qianlong sont insurmontables dans leur catégorie. Le Red Emperor est l'assemblage d'une collection de rubis sélectionnés par quatre générations de joailliers de Bangkok. La collection de perles grises Cowdray est unique en son genre.

La perle grise naturelle d'eau salée est une rareté. Elle est formée par l'accumulation successive de couches de nacre qui peuvent créer des formes variées. Contrairement aux pierres précieuses, elle n'est pas taillée. L'assemblage d'une quantité importante de pièces parfaites de même teinte et de même lustre est devenue impossible.

Le collier Cowdray, mis aux enchères par Sotheby's à  Londres en 1937 sous forme d'un collier de 43 perles totalisant approximativement 882 grains, est un ensemble sans équivalent connu. Il a été vendu pour £ 2,17M incluant premium par Christie's le 13 juin 2012. Il était alors constitué de 38 perles.

Ce collier a été récemment amélioré par l'intégration de quatre perles supplémentaires de même qualité dont deux provenaient du collier d'origine, pour un nouveau total de 42 perles rondes mesurant entre 12,9 et 6,6 mm. Le collier est accompagné d'une paire de clips d'oreille en diamant centrées d'une perle de forme bouton. Cette suite est estimée HK$ 35M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 7 octobre, lot 1870.

Une perle de même nature mais de dimension phénoménale, 21,2 x 21,1 x 12,0 mm de forme bouton, assemblée en broche dans un entourage de diamants, a été vendue pour $ 1,87M incluant premium par Sotheby's le 5 décembre 2012.

Notons que les ventes de joaillerie du premier semestre ont montré un intérêt croissant des acheteurs pour les perles de culture, qui permet d'augurer d'un résultat de très haut niveau pour les perles Cowdray.

Discussion sur l'Origine de l'Homme

Les théories de Charles Darwin ont changé pour toujours la vision des hommes sur leur propre nature. Darwin est un homme prudent. Le livre sur l'Origine des espèces, qui expose ses avancées fondamentales, est considéré par lui comme un résumé, dont la publication en 1859 est due au risque réel que d'autres savants le devancent.

Dans ce livre, le savant évite soigneusement de statuer sur l'application à l'homme du mécanisme de la sélection naturelle. Les théologiens ne sont pas dupes. Leurs réactions seront passionnées.

Charles Kingsley est le premier religieux à soutenir ouvertement Darwin. Il exprime quatre jours avant l'édition du livre que l'évolution des espèces est un dogme tout aussi honorable que celui de leur création simultanée. Darwin attendra 1871 pour publier un gros ouvrage savant intitulé La Filiation de l'homme, affichant désormais ses arguments concernant l'application totale de sa théorie à l'espèce humaine.

Darwin est resté évasif sur sa foi, ne voulant pas entrer dans les querelles religieuses. Il fut certainement très sollicité par les croyants en tous genres, mais par son silence il sut préserver sa vie privée.

Il reçoit en novembre 1880 une lettre d'un particulier qui lui demande de prendre position sur le Nouveau Testament tout en considérant qu'il acceptera avec enthousiasme une opinion proche de celle de Kingsley. Il promet à Darwin que sa réponse ne sera pas publiée.

Le savant décide de répondre, peut-être parce qu'il était agacé par une polémique politique suite à l'interdiction faite à un athée de siéger au parlement. En quelques mots, sa réponse est d'une totale clarté. Il ne croit pas que la Bible est une révélation divine, ni par conséquent que Jésus-Christ est le fils de Dieu.

Le demandeur a tenu sa promesse et la lettre unique en son genre est restée secrète pendant plus d'un siècle. Elle est estimée $ 70K à vendre par Bonhams à New York le 21 septembre, lot 39.

13 sept. 2015

Le Tricycle en Dye Transfer

William Eggleston est passionné de photographie. En 1973 ou 1974, il est alléché par la publicité d'un laboratoire annonçant la technique du dye transfer comme le nec plus ultra de la photographie en couleurs. Il constate par lui-même à quel point les couleurs sont brillantes et saturées. La perfection est possible mais elle n'a été utilisée avant lui que pour des images publicitaires.

Il teste l'obtention d'un rouge sang saturé sur une grande surface avec le plafond de Greenwood, Mississippi, qui est un superbe exploit technique.

L'artiste aime bien une de ses diapositives prise vers 1969 ou 1970 montrant un tricycle d'enfant dans un environnement de banlieue. La prise de vues à la hauteur de la machine est originale et équilibrée et l'apparition des maisons au travers des roues est amusante. La diversité des couleurs est tentante. Intitulée Memphis, cette image devient l'icône de l'introduction de la photographie en couleurs dans le monde de l'art.

Eggleston publie en 1974 son premier portfolio de dye transfer. En 1976, le Museum of Modern Art accueille une exposition de ses photos. Le tricycle de Memphis est choisi pour la couverture du catalogue.

Le 8 octobre à New York, Phillips vend une photo 30 x 45 cm du tricycle, signée mais non datée, réalisée au début des expériences de dye transfer de l'artiste. Elle est estimée $ 250K, lot 21.

Le temps a passé et le dye transfer n'est désormais plus disponible. D'autres techniques permettent la même qualité de couleurs sur des dimensions encore plus grandes. Une photo 112 x 152 cm du tricycle de Memphis éditée par l'Eggleston Artistic Trust a été vendue pour $ 580K incluant premium par Christie's le 12 mars 2012.

Les 22 Visages d'Amrita Sher-Gil

L'art d'Amrita Sher-Gil est d'abord international, quand elle fait ses études à Paris de 1929 à 1934. Son talent est extrêmement précoce, sans exemple similaire dans l'histoire de l'art du XXème siècle. Sa formation initiale par le dessin et sa double filiation Hindoue et Hongroise l'incitent déjà à chercher des styles et des thèmes originaux.

Pendant ces années Parisiennes, elle peint énormément, essentiellement des auto-portraits et des portraits de ses amis.

22 auto-portraits sont connus. Amrita observe son propre passage de l'adolescence à l'âge adulte, qui est aussi un passage de la timidité à l'énergie et de la vie de famille à la vie libre des étudiants et artistes Parisiens. Elle analyse ses sentiments avec une intense curiosité psychologique, non sans admettre complaisamment que son modèle suprême est Van Gogh.

Le 6 octobre à Londres, Sotheby's vend une huile sur toile 55 x 46 cm, lot 18 estimé £ 1,5M. Cet auto-portrait a été peint en 1931 pour son camarade de classe et de flirt Boris Taslitzky et était resté dans la collection de celui-ci. Elle a déjà 18 ans, et sa personnalité est devenue rayonnante. Elle farde ses lèvres épaisses et fait admirer sa physionomie d'adolescente un peu boulote.

Les figures d'Amrita incluent souvent une subtilité symbolique. Ici, le collier dénoué donne une impression de spontanéité qui contraste joliment avec son attitude statique. Un auto-portrait de profil peint la même année, vendu pour £ 1,76M incluant premium par Christie's le 10 juin 2015, montrait sa confiance dans l'avenir par le bol vidé qu'elle ne regardait plus.

Amrita et Boris ne restèrent pas longtemps ensemble. Boris choisit l'engagement politique tandis que la jeune femme partait découvrir ses racines culturelles en Inde, avec le prodigieux succès qui lui a été attribué dans ce pays, malheureusement de façon posthume.

Le Portrait Officiel d'une Concubine

L'empereur Kangxi a favorisé le contact avec l'Europe. Vers la 49ème année de son règne, la cour accepte une suggestion des Jésuites de faire venir un artiste peintre. La candidature du frère lai Giuseppe Castiglione est acceptée.

Castiglione arrive à Beijing dans la 54ème année de Kangxi, 1715 de notre calendrier. Les talents de ce jeune homme âgé de 27 ans plaisent à l'empereur et il devient un peintre officiel sous le nom de Lang Shining. Il ne quittera plus la cour impériale. Dans son exceptionnelle carrière qui dura un demi-siècle sans heurt ni conflit, il assimila les techniques traditionnelles de l'art graphique Chinois sans pour autant oublier sa formation d'origine.

Les peintres officiels, assimilés à des fonctionnaires impériaux, ne signaient pas leurs oeuvres. On attribue avec une quasi certitude à Lang Shining et son atelier les peintures qui intègrent des caractéristiques occidentales comme la perspective ou comme les nuances d'ombres qui augmentent le réalisme du visage.

Les portraits officiels de l'empereur et de ses femmes préférées sont une tradition à la cour de Chine. Dans la première année de Qianlong, un rouleau montre l'empereur, l'impératrice et pas moins de onze épouses consortes.

L'une des onze concubines restera une favorite jusqu'à sa mort dans la 25ème année de Qianlong, 1760 de notre calendrier alors que cette ancienne roturière venait d'atteindre la plus haute position après l'impératrice. Le 7 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 3202 son portrait, où elle est désignée par une calligraphie de la main de l'empereur sous le nom de son ultime dignité, Epouse Noble Impériale Chunhui.

Selon la tradition impériale, l'épouse est assise sur un trône somptueux. Elle est vêtue d'une robe du plus grand luxe et porte un grand collier en sautoir. Le visage est jeune et lisse pour cette femme morte à l'âge de 47 ans, mais le portrait d'origine avec les autres concubines servait certainement de modello. Le communiqué de presse du 1er septembre annonce un prix espéré au-delà de HK$ 60M.

L'oeuvre à vendre par Sotheby's est un rouleau vertical à l'encre et couleurs sur soie 198 x 123 cm. Elle est partagé sur Wikimedia (voir ci-dessous).

Le 27 mai 2012, Bonhams a vendu pour HK$ 40M incluant premium un portrait en buste de la même favorite, huile sur papier 55 x 42 cm.

Consort ChunHui

12 sept. 2015

Le Foie et l'Anémie

La médecine et la pharmacie ont beaucoup progressé par l'expérience empirique. Le prix Nobel en Physiologie ou Médecine marque une longue liste de victoires sur des maladies précédemment incurables. Il a été attribué en 1934 à Whipple, Minot et Murphy pour leurs travaux concernant l'anémie pernicieuse.

Le mécanisme de la maladie n'est pas connu quand Whipple émet l'hypothèse que le foie y a un rôle. Il montre sur des chiens que l'absorption d'extraits de foie inverse l'évolution d'une anémie provoquée. En 1926, Minot et Murphy utilisent ses résultats pour préparer du jus de foie pour les malades atteints des syndromes de l'anémie pernicieuse. La maladie est vaincue.

L'histoire pharmaceutique ne s'arrête pas là, fort heureusement. Dès 1928, un autre chercheur qui n'a pas été associé au Nobel prépare le médicament par extraits injectables qui évitent désormais au malade d'avaler quotidiennement des quantités importantes de foie. En 1948, la cause de l'anémie pernicieuse est identifiée comme étant une carence d'absorption par l'intestin d'une vitamine précédemment inconnue.

Le 21 septembre à New York, Bonhams vend en un seul lot la médaille et le diplôme Nobel de George Minot accompagnés de différents documents, lot 46 estimé $ 200K.

L'un de ces documents est particulièrement remarquable. Minot était un grand diabétique, sauvé d'une mort certaine par la découverte de l'insuline en 1921. Frederick Banting lui écrit de Toronto pour le féliciter de son prix et lui indiquer comment il pourra obtenir de l'insuline pendant son voyage en Suède.

11 sept. 2015

Le Passage d'Irving Penn

Irving Penn avait connu la gloire dans les années 1950 comme photographe de mode et de personnalités. Il avait épousé Lisa, considérée comme la pionnière des top-models. A cette époque, le noir et blanc domine complètement l'art photographique, d'abord parce qu'il permet de subtils contrastes et ensuite parce que la conservation des couleurs n'est pas garantie.

Trente ans plus tard, Penn est un des rares maîtres de la photographie d'après guerre à adopter la couleur. Il vieillit et observe désormais la dégradation des fruits et des objets d'usage courant. Les choses dans leur plus grande splendeur ne l'intéressent plus, il préfère réaliser des photos parfaites du début de leur dégénérescence.

Le gingko est un petit arbre ornemental commun à New York où ses feuilles jaunissent les rues à l'automne. Il est aussi un symbole de longévité et d'immortalité, considéré comme la plus ancienne espèce d'arbre survivante des temps géologiques, avec des spécimens millénaires.

En 1990, Penn dispose deux feuilles de gingko tête bêche bien à plat sur une surface blanche. Depuis le temps de ses photos de mode, l'artiste utilise des fonds blancs ou neutres pour éviter d'égarer l'attention du spectateur hors du thème principal. L'une des feuilles commence à jaunir sur les bords, l'autre est déjà desséchée.

Cette photo plait à Penn. L'année suivante, il la choisit comme couverture pour son recueil rétrospectif au titre significatif : Passage. En 1992, l'année de la mort de Lisa, il édite cette photo en 22 exemplaires 58 x 48 cm. L'un d'eux a été vendu pour € 343K incluant premium par Christie's le 1er juillet 2014. Un autre est estimé $ 300K à vendre par Christie's à New York le 5 octobre 2015, lot 34.

8 sept. 2015

Epstein apprivoise les Beatles

Les quatre garçons s'inscrivent dans la tendance de contre-culture de leur temps. Brian Epstein les observe à Liverpool au retour d'une de leurs escapades à Hambourg. S'il parvient à rendre les Beatles plus présentables, leur gloire est assurée, et par conséquence la sienne aussi.

A peine plus âgé que John, Paul, George et Pete, Brian est le complément dont ils avaient besoin. Il s'occupera de la logistique, des relations, bien sûr des finances, et aussi de l'engagement des Beatles dans une nouvelle mode de chevelure et d'habillement à la fois innovante et acceptable par les bourgeois.

Epstein est pressé, peut-être parce qu'il craint que l'aubaine lui échappe au profit d'un impresario déjà établi, ce qui n'est pas son cas. Un premier contrat est établi le 24 janvier 1962. Epstein, étrangement, ne le signe pas. Il doute de ses propres compétences, et en cela il a tort.

Le succès est proche. Un producteur de la marque EMI est intéressé. Pete ne lui plait pas, et c'est Epstein qui vient annoncer au trois autres qu'il faut le remplacer par Ringo. L'enregistrement du premier disque est pour bientôt. Epstein prépare un nouveau contrat avec le groupe qui prend désormais sa composition définitive.

Le contrat est signé par toutes les parties, incluant les pères de Paul et George qui n'ont pas encore 21 ans, le 1er octobre 1962. Epstein n'a pas oublié de stipuler que le pourcentage de sa rétribution croîtra en fonction de l'amplitude des gains. Un exemplaire signé est estimé £ 300K à vendre par Sotheby's à Londres le 29 septembre, lot 42.

Le démarrage de la carrière des Beatles doit beaucoup à Epstein dont la mort prématurée en 1967 par overdose de barbituriques est une des causes racines de la perte de cohésion du groupe. Personnalité au tempérament auto-destructeur, Epstein a gardé le secret de la raison de l'impulsion qui lui a fait élever un groupe de jeunes rebelles au rang de phénomène mondial du renouvellement de la culture musicale. Son cas est unique dans l'histoire du business.

Le Prophète de la Pluie

Admirateur de Woody Guthrie, Bob Dylan a une sensibilité sociale exacerbée qu'il entretient avec ses amis de Greenwich Village à New York. Pendant l'été 1962, il conçoit son poème It's a hard rain gonna fall. Il a 21 ans.

La composition par strophes de questions et réponses est une imitation de Lord Randall, une ballade médiévale publiée par Walter Scott en 1803. Le thème de Dylan est apocalyptique, chaque vers donnant une image courte et forte d'une catastrophe majeure vue par les yeux d'un enfant.

Le poème apparaît comme pessimiste. Le premier brouillon se terminait pourtant par une vive incitation à l'action : "It's a hard rain must fall". Il incluait aussi un vers qui était trop terrible pour être maintenu dans la version officielle : "I heard the sounds of some people who cried they were human".

Ce document dactylographié a été utilisé par Dylan pour améliorer son texte et inclut de nombreuses modifications autographes. Il est estimé £ 150K à vendre par Sotheby's à Londres le 29 septembre, lot 71.

La crise des missiles de Cuba est déclenchée alors que Dylan travaille encore à son poème et compose sa musique, avec le titre légèrement modifié A hard rain's a gonna fall. Le message du poète atteint une force contestataire et humaniste considérable. Le brouillon final précédant l'enregistrement a été vendu pour $ 485K incluant premium par Sotheby's le 24 juin 2014. A la même vente, le manuscrit de Like a rolling stone a été vendu pour $ 2,05M incluant premium.

Dylan n'a jamais confirmé ni nié clairement l'influence directe des événements politiques internationaux sur son poème. L'histoire ancienne ou récente incluant l'esclavage aux Etats-Unis, la Shoah en Europe et Hiroshima suffisait pour entretenir sa vision désespérée.

Dylan fut un prophète de la dérision de ce rêve Américain qui n'avait pas su s'opposer aux injustices. Dans les arts graphiques, Warhol entre en scène la même année et brouille la signification de Marilyn.

Le Sourire du Piano Bolin

Formé comme ébéniste, Georg Bolin se spécialisa dans la fabrication d'instruments à cordes et fit plusieurs guitares pour Andrés Segovia. Il voulait améliorer le son et déposa plusieurs brevets.

Son chef d'oeuvre est un piano à queue. La richesse harmonique et la capacité de modulation de cet instrument sont uniques en leur genre. L'inventeur Suédois avait réalisé son projet de créer un piano sur lequel le joueur a l'impression d'accéder directement à la corde quand il frappe une touche.

Le premier utilisateur du piano Bolin fut Bill Evans, en 1964. Le grand improvisateur de jazz déclara : "It is one of the most unbelievable instruments I've ever played. I fell in love with it the first time I touched it".

Cet instrument exceptionnel au son très reconnaissable accompagna les plus grands succès du groupe ABBA de 1973 à 1977, inspirant même la construction de certaines de leurs mélodies. Il est très présent dans les vidéos de l'époque (Mamma Mia, Waterloo, Dancing Queen), comme un cinquième membre du Groupe où son son cristallin et joyeux accompagne le sourire des chanteurs.

Le piano Bolin désormais connu comme piano ABBA est estimé £ 600K à vendre par Sotheby's à Londres le 29 septembre, lot 37. Il est joué dans les locaux Londoniens de Sotheby's par le groupe parodique Björn Again, dans la video partagée par la maison de ventes.


6 sept. 2015

Tintin en Chine

Hergé n'a que 21 ans en 1928 quand l'abbé Wallez lui confie l'édition du Petit Vingtième, supplément hebdomadaire pour la jeunesse du journal Le Vingtième Siècle. Wallez utilise le journalisme pour inciter la bourgeoisie bruxelloise au fascisme. En 1929, Degrelle travaille pour lui. Les trois premières histoires de Tintin vilipendent le communisme et le capitalisme et exacerbent le colonialisme.

Wallez quitte Le Vingtième Siècle en 1933. Hergé continue Le Petit Vingtième. Les succès populaires des histoires de Hergé attirent l'attention de l'éditeur Casterman et cette nouvelle coopération aidera considérablement Hergé à abandonner le style de narration loufoque et faiblement architecturée des premières albums Tintin.

Tintin part en Orient avec Les Cigares du Pharaon, et Le Petit Vingtième annonce que cette histoire aura une prolongation en Chine. Très inquiète du risque de racisme anti-Chinois du futur album, la communauté Chinoise de l'Université Catholique de Louvain contacte Hergé qui comprend soudain qu'il est incorrect de montrer des étrangers avec des stéréotypes sans s'être documenté au préalable sur la réalité.

Le Lotus Bleu paraît dans le Petit Vingtième d'août 1934 à octobre 1935. Sous l'influence de ses nouveaux amis Chinois, Hergé a réussi à donner à cette histoire mouvementée une ambiance attractive et presque réaliste tout en exprimant l'extrême tension Sino-Japonaise de l'époque. Les Japonais à leur tour sont mécontents.

Casterman édite le Lotus Bleu en album en 1936, avec pour la première fois pour l'oeuvre d'Hergé cinq dessins hors texte en couleurs en pleine page. Le dessin original de l'un d'entre eux à l'encre de chine et gouache blanche, 30 x 23 cm, est estimée € 1M, à vendre le 5 octobre à Hong Kong par Artcurial en association avec Spink, lot 1. Cette image est illustrée sur le communiqué de presse.

Ce dessin veut exprimer l'ambiance contemporaine d'une rue de Shanghai avec le pousse-pousse, le militaire, le passant Chinois et les enseignes. Les lecteurs préfèrent l'action : peu utile pour l'histoire, cette page sera abandonnée dès la première réédition de l'album en 1939, contrairement aux quatre autres hors-texte qui seront réutilisés.

L'Art des Cinq Vidyas

Les vidyas sont les concepts qui s'opposent à l'ignorance pour expliquer l'univers. Les cinq vidyas majeures sont la logique, la guérison, la communication, l'art et la sagesse. Wan Ko Yee maîtrise les vidyas. Docteur en bouddhisme, philosophie, art, calligraphie et peinture en 1999, il est aussi membre de la Royal Academy of Arts. Il réside en Californie.

Cette personnalité hautement respectée est reconnue depuis 2008 comme une incarnation du plus important des Bouddhas sous le nom de Sa Sainteté Dorje Chang Buddha III. Il a reçu en 2011 le World Peace Prize, un prix inter-religieux qui est souvent attribué à des chefs d'Etat. Un musée est consacré à son art et à son oeuvre culturelle à Covina CA.

Son art graphique est varié et s'inscrit dans le monde contemporain tout en respectant les techniques traditionnelles. Ses thèmes préférés sont les plantes, les animaux et les paysages. Son traitement des encres en couleurs éclatantes est dans la suite de l'art chinois du XXème siècle par Qi Baishi, Zhang Daqian ou Wu Guanzhong, par exemple.

La figuration de thèmes simples est une ouverture vers la complexité et la subtilité de la nature. Lotus ink montre comment la beauté peut sortir d'un chaos. Cette oeuvre a été vendue pour $ 16,5M hors frais par Gianguan Auctions en mars 2015.

Le 12 septembre à New York, Gianguan Auctions vend Loquat, encre et couleurs 80 x 70 cm en rouleau de papier vertical peint en 2013, lot 79 sur la plateforme Invaluable, estimé $ 9M.

L'image montre des fruits, feuilles et branches d'un néflier. La volonté de l'artiste de montrer que la perfection reste compatible d'une composition légère et aérée est confirmée par un texte calligraphié qui prend subtilement la forme d'une branche supplémentaire de la plante.

Sa Sainteté est un grand artiste dont la main ne tremble pas. Loquat a été réalisé sans dessin préliminaire et sans rectification, avec un joli contraste de la densité des encres dans les rameaux et les feuilles.

5 sept. 2015

Le Sourire et l'Auréole

L'introduction du Bouddhisme en Chine est la conséquence de deux événements majeurs. L'ouverture de la route de la soie par les Han crée des échanges culturels et commerciaux avec l'Inde. L'anarchie dynastique qui suit la chute des Han permet au Bouddhisme de devenir la religion officielle de royaumes locaux.

Les empereurs Wei sont de grands protecteurs du bouddhisme, pratiqué dans des centaines de temples luxueux autour de leur capitale Luoyang. Les figures d'autel doivent être parfaites. L'identification de l'essor considérable de l'art bouddhiste sous les Wei est liée à la découverte en 1996 du trésor de Qingzhou, 400 statues cachées sous les Song dans le but de stopper l'essor de cette religion.

Le 16 septembre à New York, Sotheby's vend une figure antique de Bouddha en calcaire de 97 cm de haut datant probablement de la transition entre les Wei du Nord et les Wei de l'Est il y a 1480 ans. Cette pièce complète en état superbe est estimée $ 800K, lot 422.

Bouddha debout sur le lotus exprime la paix et le bonheur, par son sourire serein, ses yeux mi-clos et sa main droite levée, tandis que la main gauche donne la bénédiction. Son ushnisha est un chignon de cheveux et non une protubérance de chair, confirmant que le message principal émis par cette figure n'est pas la sagesse.

Il a été sculpté en ronde bosse devant une mandorle en forme de feuille qui a permis à l'artiste de positionner derrière sa tête une auréole enjolivée de motifs radiants, accentuant la splendeur mystique.

Une Ancienne Figure de Guanyin

Il y a 2000 ans, le Bouddhisme sortait de sa phase aniconique et offrait aux fidèles la figure idéale de Bouddha selon un canon qui est toujours resté valide. Bouddha exprimait l'extrême sagesse et montrait que celle-ci pouvait être atteinte dans la vie terrestre. Maintenant que la figuration anthropomorphique était acceptée, Bouddha ne pouvait pas rester seul.

Après Bouddha, le bodhisattva Avalokiteshvara fut l'une des plus anciennes figures. Il fallait qu'il soit connu et reconnu des fidèles car son rôle était d'établir la communication entre le panthéon bouddhique et les croyants. Pour cette fonction d'accessibilité et de compassion, Avalokiteshvara est charmant, digne, bien habillé et même riche avec de nombreux ornements de bijoux ciselés dans la pierre.

Le 16 septembre à New York, Sotheby's vend un Avalokiteshvara archaïque de la dynastie des Qi du Nord qui avait été présenté par la même maison de ventes avec une estimation trop haute à Hong Kong le 8 octobre 2013, lot 139.

Cette grande sculpture en grès de 148 cm de haut montre le bodhisattva debout sur une stèle flanquée de deux lions et tirée par une tortue. L'usage d'une stèle inscrite et datée est très fréquente sous cette dynastie. La figure a été dédiée le 9ème jour du 1er mois de la 7ème année de Wuping, correspondant à 576 de notre calendrier.

Elle est en bon état à part le fait que les avant-bras sont manquants et qu'un des lions est cassé. Elle est estimée $ 800K, lot 424.

En Chine, Avalokiteshvara est nommé Guanyin. Ce Guanyin des Qi apparaît comme masculin, sans protubérance de poitrine. Il est donc antérieur à la féminisation du bodhisattva en Chine, qui sera une conséquence de ses attributs de charme et d'élégance. Cette troublante dualité sexuelle qui ne va pas jusqu'à l'hermaphrodisme perd son mystère quand on considère que les figures Bouddhistes expriment des vertus et non des personnages.

2 sept. 2015

Safavides à la Polonaise

L'art du tapis atteint son plus grand raffinement sous la dynastie Perse des Safavides, et plus précisément pendant le règne d'Abbas I il y a 400 ans. Les techniques les plus complexes permettent une grande densité et des couleurs chatoyantes.

Les provenances par centre textile et les dates sont difficiles à identifier. Le tapis de laine Béhague au point Vase est un Kirman. Le specimen Clark exécuté dans une variante du même point vient peut-être du même centre.

On date du même règne un Ispahan en soie, 231 x 170 cm, qui a été vendu pour $ 4,45M incluant premium par Christie's le 3 juin 2008. Son effet luminescent était spectaculaire mais certainement très difficile à obtenir sans brocart.

Cet Ispahan est probablement antérieur de quelques décennies au groupe de tapis d'Ispahan ou de Kashan dits à la Polonaise qui sont brocardés de fils d'argent et d'argent doré habilement entremêlés avec des fils de soie blancs et jaunes parmi des motifs d'autres couleurs et un fond souvent vert.

Le 1er octobre à New York, Sotheby's vend un petit tapis à la Polonaise, 208 x 135 cm, qui avait appartenu à la collection du roi Umberto II et dont la conservation des couleurs reste acceptable bien que les fils métalliques aient été oxydés. Il est estimé $ 800K, lot 68.

Le lien avec la Pologne n'est pas d'origine. A Paris à la fin du XIXème siècle, Ladislas Czartoryski est un grand collectionneur qui expose notamment ses tapis brocardés à l'Exposition Universelle de 1878. Certains de ces tapis incluent un motif qui ressemble au blason princier de sa famille et il ne s'oppose pas à la légende d'un tissage Polonais. Un exemple de tapis Czartoryski est conservé au Met Museum à New York.

C'est une vraie Duesy

Dès son entrée dans le groupe Cord, Duesenberg capte le marché des riches et des rois avec le châssis modèle J, lancé en 1928. La stratégie de la marque en termes de carrosserie est mixte, avec des ateliers homologués sous le label LaGrande et un réseau d'ateliers indépendants.

Situé à Pasadena, Walter J. Murphy équipe les Duesenberg des personnalités de Hollywood à cette époque où les Américains s'émerveillent de pouvoir enfin acquérir une voiture de haut de gamme entièrement réalisée dans leur pays. Malheureusement, la crise viendra bientôt ralentir cet élan vers le luxe.

Le 26 septembre dans un ancien château royal Danois, Bonhams vend une Duesenberg Model J carrossée en roadster par Murphy en 1930, lot 14 estimé DKK 17M. Son premier propriétaire était typique de la clientèle visée par Cord : un photographe de Hollywood descendant des Vanderbilt.

Cette voiture est restée hautement authentique. Elle n'a jamais été démantelée et depuis 60 ans ses propriétaires successifs l'offrent à l'admiration du très exigeant Auburn Cord Duesenberg Club. Elle a la rare et prestigieuse caractéristique du toit pliant qui n'était pas au catalogue et nécessitait une demande spécifique du client auprès de Murphy.

Un coupé similaire datant de l'année précédente a été vendu pour $ 2,36M incluant premium par Gooding en août 2013. On ne les comparera cependant pas avec le coupé vendu pour $ 10,3M incluant premium par Gooding un août 2011, un specimen unique assemblé par Murphy en 1931 qui tire avantage du châssis Model J long wheelbase pour exhiber une superbe ligne Art Déco.

Le Cabriolet Zeppelin

Wilhelm Maybach était un ingénieur brillant. Collaborateur de Daimler pour l'automobile, il créa ensuite la société Maybach qui fournit à Zeppelin les moteurs des dirigeables tout au long de cette formidable aventure industrielle de l'aéronautique de luxe.

Maybach produisit aussi des automobiles de haut de gamme. Les Maybach DS-7 (7 litres) puis DS-8 (8 litres) devinrent d'une étonnante maniabilité malgré leur poids énorme grâce au développement par Karl Maybach d'une boîte à 8 vitesses en marche avant.

La DS-8, à partir de 1930, prend le nom de Zeppelin par référence à la remarquable fiabilité des moteurs du dirigeable. Avec ses 5,5 m de long, ce modèle aura une belle carrière sur le marché des voitures officielles et des cadeaux diplomatiques.

L'une d'elles, carrossée en 1933 en limousine à sept places somptueusement équipée, a été offerte par le Troisième Reich à un Maharajah qui la cacha par prudence quand il se rangea au côté des forces alliées.

En 2002, la voiture appartenait à un des meilleurs spécialistes de la marque qui décida de remplacer l'encombrante limousine par un cabriolet basé sur un dessin inutilisé de la société Hermann Spohn, le carrossier qui avait été préféré par Maybach pour équiper ses châssis.

Les travaux effectués par Reifen-Wagner ont duré plus de trois ans. Une carrosserie décapotable à deux portes sur une aussi énorme voiture donne un véhicule de rêve, une apogée de la fin des années 1930 qui n'avait pas été réalisée en son temps. Le cabriolet Maybach Zeppelin est estimé DKK 20M, à vendre par Bonhams le 26 septembre dans le château de son propriétaire actuel dans le Jutland, lot 48.

Ce cas n'est pas unique. Le 12 août 2012, RM Auctions avait vendu pour DKK 10,2M incluant premium une Maybach Zeppelin DS-8. La carrosserie d'origine avait été perdue et la voiture avait été récemment équipée en roadster dans le style d'Erdmann & Rossi.