31 oct. 2015

Le Coussin Rose

Les meilleurs diamants roses entrent dans la catégorie Fancy Vivid Pink, caractérisée par la pureté absolue de la couleur sans trace de pourpre, orange, brun ou gris. Cette qualité donne une excellente homogénéité de couleur dans tout le volume de la pierre.

Deux Fancy Vivid Pink ont assuré la prééminence de cette variété aux enchères.

L'un d'eux de clarté potentially flawless pesant 5,00 carats, nommé The Vivid Pink, a été vendu pour HK$ 83M incluant premium par Christie's le 1er décembre 2009, correspondant à US$ 2,1M par carat.

Le sensationnel Pink Star est énorme, 59,60 carats, et Internally Flawless. Sotheby's l'avait estimé au-delà de US$ 60M, correspondant à $ 1M par carat, à Genève le 13 novembre 2013. Considérant certainement à juste titre que cette estimation au carat était trop faible pour une aussi exceptionnelle rareté, un connaisseur a surenchéri mais n'a pas pu le payer.

Un autre exemple intéressant est le specimen Clark, vendu pour CHF 14,8M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015 après que sa clarté ait été portée de SI1 à VS2 pour un poids final de 8,72 carats après sa nouvelle coupe.

Il ne faut pas se méprendre sur l'exemple du Pink Star : les fancy vivid pink pesant plus de 10 carats sont extrêmement rares. Les autres diamants roses qui ont obtenu récemment de très hauts prix aux enchères grâce à leur poids important sont des fancy intense pink, avec aussi un intéressant fancy vivid purple-pink.

Le 10 novembre à Genève, Christie's vend un fancy vivid pink de clarté VVS2 taillé en coussin, pesant 16,08 carats, monté en bague dans un entourage de rangées de petits diamants, lot 409 estimé CHF 22M.

Je rappelle l'échelle de grade des clartés : IF, VVS1, VVS2, VS1, VS2, SI1, SI2.

Etudes pour les Joueurs de Cartes

A partir de 1890, Paul Cézanne, malade et aigri, séparé de sa femme, se retrouve pour ainsi dire seul face à son art. Sa passion à démontrer ses théories artistiques ouvre une période particulièrement féconde mais insuffisamment documentée. Les dates et même la chronologie des cinq versions à l'huile des Joueurs de cartes ne sont pas identifiables.

Il travaille comme dans l'ancien temps en exécutant des esquisses préparatoires, mais avec cependant un détail qui change tout. La nature ne peut pas être copiée par le peintre. Les couleurs et les contours exprimeront l'ambiance sans qu'un dessin préliminaire soit nécessaire. Cette simple observation est un des fondements de l'art figuratif du siècle suivant.

Dans son exil de la société bourgeoise, Cézanne regarde les paysans. Ils sont tous différents : chacun a son apparence physique, son attitude droite ou voutée, son comportement, son chapeau. L'artiste les observe individuellement avant de les réunir dans le groupe. Les Joueurs de cartes sont la tentative la plus profonde de Cézanne pour exprimer non pas la réalité mais la vie.

Cézanne a réalisé plusieurs aquarelles préparatoires aux Joueurs de cartes. Deux d'entre elles, chacune montrant un des deux joueurs principaux, ont un format et une technique si semblables qu'elles apparaissent comme des pendants, et certainement comme l'étude finale avant une des huiles. Elles ont été réalisées en 1892 ou peu après.

L'aquarelle du plus petit des joueurs, 47 x 30 cm, a été vendue pour $ 19M incluant premium par Christie's le 1er mai 2012. Le personnage a été identifié : un jardinier qui travaillait pour l'artiste.

L'aquarelle du grand joueur, 48 x 32 cm, est estimée $ 18M à vendre par Christie's à New York le 9 novembre, lot 7A. Un portrait du Père Alexandre par le même artiste figure au verso de ce papier.

L'image ci-dessous est limitée à la partie haute du dessin.

De Marilyn à Mao

Andy Warhol ne s'est pas engagé en politique mais ses sympathies démocrates et populaires sont connues. La première idole de sa carrière artistique, Marilyn, était proche de Kennedy. Il multiplie son image pour l'offrir de façon posthume à une idolâtrie mystique moderne.

Après 1964, Warhol réduit considérablement son activité de peintre pour tenter de devenir une idole pour les autres par l'intermédiaire du cinéma. Ce ne fut pas sa meilleure idée. Sa tendance vers l'underground était contraire à un tel but et son caractère ne favorisait certainement pas son insertion dans la jet set.

Poussé par Bischofberger, Warhol fait son grand retour à la peinture en 1972. Il lui faut une nouvelle vedette capable d'égaler Marilyn. Il hésite sur Einstein et choisit Mao.

Les Mao de Warhol sont un message politique Américain. Nixon a annoncé sa candidature à la réélection présidentielle juste avant son voyage en Chine. En serrant la main de Mao, Nixon apparaît comme un homme d'Etat de la même importance que le Grand Timonier. Cela ne plait pas à Warhol.

Comme pour Marilyn, Warhol choisit une image déjà ancienne. Contrairement à Marilyn, l'image de Mao est universellement connue avant que que Warhol la réutilise : brandie depuis 1949 par des millions de Chinois, elle illustre le Petit Livre Rouge. C'est une épine dans le pied de Nixon : regardez cette idole anti-démocratique que les Américains sont maintenant invités à admirer. Dans cinq dimensions et toutes les couleurs, les Mao de Warhol, dans leur dignité officielle, n'expriment aucun sentiment.

Warhol travaille encore à la sérigraphie et à l'acrylique, mais sa technique a changé. Le coup de pinceau devient visible, contribuant à l'énergie de l'oeuvre. Ici aussi, Warhol s'est trompé. Cette nouvelle manière de faire prend trop de temps et les oeuvres sont de moins en moins soignées au fur et à mesure qu'il prolonge la série.

Le tout premier Mao, réalisé par Warhol sans l'aide d'un assistant, est pour cette raison la meilleure peinture de ce thème. Cette oeuvre 208 x 145 cm est à vendre par Sotheby's à New York le 11 novembre, lot 11. Le communiqué de presse du 2 octobre annonce une estimation autour de $ 40M.

28 oct. 2015

Insaisissable Dora

L'affaire de Picasso avec Marie-Thérèse avait commencé par une pulsion esthétique : sa jeune muse était une variante à peau blanche des idoles Africaines. Dora va secouer Pablo par son tempérament fougueux.

Dora Maar devient en 1937 la Femme qui pleure. Pablo sent lui-même que cette assimilation est injuste mais le traumatisme de Guernica est trop fort et il a besoin d'un tel symbole féminin du malheur.

Le contraste entre les deux maîtresses dérange Pablo. Il a envie de Dora mais la suractivité de la jeune femme est un mystère. L'artiste invente le double portrait où le visage est dessiné de profil avec les deux yeux et les deux narines du même côté.

Dans un premier temps, le choix est impossible. Le 12 janvier 1938, il peint dans son nouveau style une stupéfiante Femme à la mantille qui est un hybride entre Marie-Thérèse et Dora. Cette huile sur toile 65 x 54 cm a été vendue pour $ 67M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015.

Dora obtient la première place dans le coeur de Pablo mais sans lui livrer ses secrets. Elle reste insaisissable. Le 7 mai 1938, Pablo l'immobilise sur une chaise pour réaliser son portrait. Cette huile sur toile 125 x 87 cm est estimée $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 4 novembre, lot 24T.

Il semble que cette stratégie n'ait pas été gagnante puisque Pablo réutilisera ce thème trop statique de l'enfermement par la chaise pendant plusieurs années. Le chaton qui avance au service de Pablo sur le barreau supérieur ne réussit pas à capter l'attention de la nouvelle muse. Dora Maar au chat, peint en 1941, a été vendue pour $ 95M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2006.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's pour introduire le lot de la prochaine vente.

Une Insomnie de Lee Krasner

Lee Krasner, élève du peintre abstrait Hans Hofmann, était aussi formée à la peinture murale. A partir de 1941, elle expose ses oeuvres à New York au sein du groupe des American Abstract Artists.

La jeune femme veut se démarquer tout à la fois du cubisme et de l'utilisation de la géométrie dans l'art abstrait. Ainsi en opposition avec l'enseignement de Hofmann, elle comprend qu'un art gestuel exprimera mieux les sentiments. Elle voit une oeuvre de Jackson Pollock en 1942. Personne ne sait qui il est. Elle frappe à sa porte. Ils se marieront en 1945.

Leur installation dans une grange à Long Island est désirée par Lee. Elle veut écarter Jackson de New York pour un retour à la nature qui sera bénéfique sur son art. L'énergie de Lee et les tourments de Jackson génèrent l'action painting. L'émotion n'est pas créée par la figuration mais par le mouvement rageur de la main dans des motifs réguliers qui n'ont pas de cadre.

Le génie de Jackson répondait à son attente. L'histoire de l'art a retenu Pollock et négligé Krasner.

Elle n'a pas cessé de peindre mais ne commentait pas son art, considérant que seul l'effet atteint était important. Elle a souvent détruit ses propres oeuvres. J'émets l'hypothèse que l'art de Lee poussé ainsi jusqu'à son annihilation a influencé les masquages des figures originales par le dripping dans le style complètement innovant développé par Jackson après leur rencontre.

Lee a été plus loin que Jackson dans la variété de l'expression des sentiments. et couvre toute la gamme de leurs changements d'humeur. Les événements insoutenables comme la mort de Pollock ou l'Holocauste génèrent de véritables colères chez Krasner. L'art de Lee est en définitive plus humain que l'art de Jackson.

Le 10 novembre à New York, Christie's vend Night Birds, une grande huile sur toile 182 x 363 cm peinte en 1962, lot 66B estimé $ 2,5M.

A cette période, Lee souffre d'insomnies chroniques et travaille la nuit. Ses fantasmes s'étalent en figures répétitives et illimitées sur un fond noir. Le titre invite à interpréter l'image comme un envol groupé de figures dont certaines semblent ailées.

Abstractions au Bout du Monde

East Hampton est le bout du monde le plus proche de New York City, à l'extrémité Est de Long Island, faisant face à l'immensité et à la violence de l'océan. La grande ville n'est pas propice à la communion d'un artiste avec la nature. Adroitement poussé par Lee Krasner, Jackson Pollock établit leur atelier dans une grange proche du village.

La campagne est plate comme en Hollande, mais la nature explose en riches couleurs. Autour d'Ileana et Leo Castelli qui s'installent également à East Hampton, les artistes de l'expressionnisme abstrait et de l'action painting viennent s'imbiber de la pureté de ce lieu.

Willem de Kooning rend visite aux Castelli à East Hampton à partir de 1951 et y installe son atelier et sa résidence au début des années 1960. Son intention de réaliser des paysages abstraits est éphémère. Revenant à la figuration de la nature humaine, il se consacre presque exclusivement à la sculpture à partir de 1969.

Sa série d'Untitled paintings de 1975 à 1977 est un nouveau tournant dans l'art de De Kooning. L'artiste est heureux et jouit intensément de la nature. Les couleurs brillantes qu'il dispose sur toute la surface de ses grandes toiles expriment ses sentiments profonds. Sa peinture est un paysage sans dessin.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend l'Untitled XXI de 1976, huile sur toile 203 x 178 cm, lot 15T estimé $ 25M. La passion de l'action painting libère pour l'imagination du spectateur les vagues qui se brisent sur les rochers, la couleur des ajoncs en fleurs sur la dune et une femme debout en longue robe qui observe toute cette beauté. Alfred Taubman appréciait particulièrement cette oeuvre.

Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.

25 oct. 2015

Un Proverbe Moderne à Ostende

James Ensor est né dans un monde fantastique. Ses parents tiennent une boutique de souvenirs à Ostende où ils vendent des masques grotesques pour le carnaval. Le jeune homme travaille au grenier, où il peut tout à loisir reconstituer des scènes macabres dans le goût de la Renaissance.

Il passa presque toute sa vie à Ostende. La reconnaissance de son art fut longue et difficile dans cette ville de province où personne ne portait attention à ses premières peintures colorées proches du tout début de l'impressionnisme. Sa haine des conventions sociales généra une période d'intense créativité qui dura de 1888 à 1892.

Il peint en 1889 son chef d'oeuvre, l'Entrée du Christ à Bruxelles, qui est un détournement des carnavals des Brueghel sur lequel la foule de personnages masqués brandit des slogans révolutionnaires.

Ensor est un artiste de la moquerie sociale, bien avant les caricatures de Grosz et bien avant les surréalistes. Son Désespoir de Pierrot peint en 1892 anticipe les clowns lugubres de la période bleue de Picasso. Cette huile sur toile 117 x 167 cm provenant de la collection Saint-Laurent - Bergé a été vendue pour € 5M incluant premium par Christie's le 23 février 2009.

Le 5 novembre à New York, Sotheby's vend Les Poissardes Mélancoliques, lot 19 estimé $ 3M.

Cette huile sur toile 110 x 80 cm peinte en 1892 montre deux vieilles femmes assises dans un intérieur garni de bibelots. On comprend vite pourquoi elles sont maussades. Il ne reste de leur commerce de poissons rien d'autre qu'un maquereau déchiqueté par le chat et une carapace de crabe.

Une niche avec un proverbe est insérée dans le mur du fond, comme dans les anciennes scènes d'intérieurs Hollandais. Elle est occupée par trois crânes aux mâchoires agressives. Une pancarte marquée d'un slogan jaillit de cet endroit comme un défi à la bourgeoisie bien-pensante d'Ostende : "A mort ! Elles ont mangé trop de poisson".

L'Art de l'Apparence

Alberto Giacometti savait après Cézanne qu'un artiste ne peut pas copier la nature. Tout au long de sa vie il réalisa des portraits sur toile de ses amis et de ses proches, dans lesquels le réalisme est dissout dans une ambiance qui doit exprimer la personnalité du modèle.

Pour cette raison, les portraits réalisés par Alberto sont immatériels. Il dessine les visages par un réseau de lignes. Son tour de force est que la personne reste reconnaissable. Plus tard, Lucian Freud aura la même approche en disposant son impasto sur la toile au travers d'interminables séances de pose. Ces portraitistes ne scrutent pas la chair du modèle mais l'apparence, c'est-à-dire la vie.

En 1964, le portrait de James Lord est la dernière huile importante peinte par Giacometti. Lord était un historien d'art. Il observe son ami, et publie en 1965 un petit livre contenant les détails de la gestation de l'oeuvre.

Les premières minutes sont faciles. Alberto souhaitait réaliser une esquisse et elle est ressemblante. Elle n'est pas assez complexe et le peintre ajoute quelques coups de pinceaux qui annihilent le premier effet. Le résultat n'est pas bon. Il faut persévérer.

Cette passion occupe 18 séances, du 12 septembre au 1er octobre 1964, pendant lesquelles Lord reprend à chaque fois la même position. Giacometti est pris au piège de sa propre créativité. Il lui est à la fois impossible de terminer l'oeuvre et de la détruire. L'accalmie se produit soudain pendant la 18ème séance. Le maître observe que l'oeuvre reste améliorable mais que sa qualité est devenue acceptable.

Le portrait de Lord par Giacometti, huile sur toile 116 x 81 cm, est estimé $ 22M à vendre par Christie's à New York le 9 novembre, lot 19A. Je vous invite à regarder la très intéressante vidéo partagée par Christie's, qui inclut des commentaires attribués au maître dans le livre de Lord et des photos des états intermédiaires de l'oeuvre qui apportent un éclairage remarquable sur la créativité exacerbée de l'artiste.

24 oct. 2015

Dans la Tête de Picasso

Tout va mal dans la tête de Pablo après le suicide de Casagemas en février 1901. Cette mort est indissociable du demi-monde où les deux amis avaient voulu s'amuser, puisque sa cause est le dédain d'une frivole danseuse du Moulin Rouge.

Les premiers succès de 1901 font maintenant partie du passé. La période bleue exprime de façon poignante la découverte prématurée par cet artiste de 20 ans de cette décrépitude inéluctable du corps et de l'esprit qui n'épargne surtout pas les clowns, les amuseurs et les prostituées. Cette crise mélancolique durera trois ans. Son art a probablement préservé Picasso contre son propre suicide.

Le 5 novembre à New York, Sotheby's vend un pastel et crayon noir sur papier 58 x 46 cm peint en 1903, lot 15 estimé $ 8M.

La prostituée vieillissante est assise, jambes croisées. Elle a besoin de clients pour vivre et exhibe sa nudité avec une telle maladresse que personne ne viendra. Elle néglige son corps comme le montrent ses cheveux trop longs et le fait qu'une seule des jambes est nue. Le regard maussade, la bouche déplaisante et la position cachant pudiquement le sexe annoncent que son seul destin est la déchéance.

En 1905, la vie de Picasso redevient plus conforme à son jeune âge. Son travail au Bateau-Lavoir et sa rencontre avec Fernande l'arrachent à sa solitude morbide.

Dans une Lune Bleue

Le sol continue à dégorger d'importants diamants. Pourtant, la découverte annoncée par Petra Diamonds en janvier 2014 d'une gemme bleue de 29,62 carats dans la très célèbre mine Cullinan d'Afrique du Sud a suscité un intérêt tout particulier dans la communauté des diamantaires.

Le nouveau diamant est un fancy vivid blue sans aucune inclusion, ce qui est déjà une grande rareté. Il a été acheté par Cora International, société basée à New York, qui l'a préparé. Ce fancy vivid blue taillé à 12,03 carats est le plus gros diamant bleu internally flawless de forme coussin.

Une fois terminé, il a révélé des qualités encore plus exceptionnelles. Sa couleur bleu océan est parfaite sans aucune nuance secondaire. Il n'a pas de fluorescence. Son exposition à un rayonnement ultra-violet génère une phosphorescence orange-rouge intense qui persiste pendant une vingtaine de secondes et qui n'est connue que pour quelques diamants bleus d'une pureté absolue.

C'est donc un chef d'oeuvre à la fois dans sa dimension et ses caractéristiques. Il a été nommé The Blue Moon en référence à la fois à sa forme et au dicton Once in a blue moon qui exprime une totale rareté. Il semble inconcevable de faire mieux dans sa catégorie, d'autant plus que la production de la mine Cullinan tend à diminuer.

Le Blue Moon est estimé entre $ 35M (CHF 34,2M) et $ 55M (CHF 53,7M), à vendre par Sotheby's à Genève le 11 novembre, lot 513. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Les Nouvelles Blondes

Le pop art américain qui se développe autour de Castelli au début des années 1960 met en avant l'illustration de l'objet populaire par l'art. A la même période, la condition de la femme connaît de profondes transformations, incluant les multiples débats qui changeront pour toujours les aspects légaux de la contraception et de l'avortement.

Roy Lichtenstein est habile et subtil. Sa réutilisation d'images de bandes dessinées associée à sa recréation des couleurs par une structure minutieuse analogue à des points d'imprimerie maintient ses personnages dans un monde de fantaisie. Ses jeunes blondes deviennent un ersatz de la nouvelle femme moderne. Elle occupent de plus en plus de place dans son art à partir de la première Crying girl en 1963.

Le 9 novembre à New York, Christie's vend Nurse, huile et acrylique sur toile 122 x 122 cm peinte en 1964, lot 13A. Le communiqué de presse du 16 octobre indique une estimation aux alentours de $ 80M.

La blonde est effarée. Le poing est fermé, la bouche entrouverte, le regard de biais, le cheveu mal peigné. Il est évident que quelque chose ne va pas pour cette jeune femme en uniforme d'infirmière. Elle n'est pas jolie avec ses joues maigres et ses grands yeux. Elle est une femme ordinaire soumise à des passions intenses. Elle a ses problèmes comme vous et moi.

L'artiste a libéré ses scènes par rapport aux cases qu'il copie dans les bandes dessinées, en enlevant les textes. Il a raison : l'empathie pour le personnage est renforcée par ce mystère que la recherche de l'original permettra de lever. Le désarroi de l'infirmière est dû à une conversation dans la pièce d'à côté entre le médecin qu'elle voudrait séduire et sa rivale qui la traite de menteuse.

21 oct. 2015

L'Araignée Femelle

Louise Bourgeois a beaucoup écrit sur son propre art mais il reste difficile d'en trouver la clé. La relation entre le sexe et la famille, la position de l'enfant dans la cellule familiale, sont les guides éminemment traumatiques de sa créativité. Jusqu'à l'âge de 98 ans, elle militera pour le soutien à toutes les minorités sexuelles.

Elle est déjà octogénaire quand elle développe le thème de l'araignée. En intitulant Maman ses araignées les plus fascinantes, elle semble éclairer les pistes mais en réalité elle les brouille avec complaisance.

L'univers réel d'une araignée est d'une grande complexité. Elle est patiente, immobile au milieu de sa toile qu'elle construit et répare efficacement après destruction. Le polygone de ses huit pattes offre un refuge pour ses protégés, mais elle est aussi un prédateur féroce pour les insectes. Sa petite taille la rend vulnérable mais l'artiste saura l'agrandir indéfiniment pour faire d'elle la vedette d'un univers parallèle déshumanisé.

L'araignée n'est pas un vertébré et sa psychologie comportementale est inaccessible. Elle étonne ceux qui l'approchent depuis les temps mythologiques. En choisissant cette bête comme symbole de la maternité, Louise Bourgeois n'est pas une artiste animalière mais bien une des plus dérangeantes artistes du surréalisme dans la lignée de Wifredo Lam.

Malgré son grand âge, Louise Bourgeois était restée hypersensible à l'ambiguïté et à la promiscuité sexuelles. Le 15 octobre 2015, Sotheby's a vendu pour £ 1,2M incluant premium une vitrine réalisée en 2001 intitulée Mother and child, exhibant un bébé avachi sur le torse nu d'une femme comme une extériorisation de la grossesse. Le corps soigneusement ciselé des araignées de Bourgeois est sans aucun doute un autre symbole charnel féminin.

Une araignée en bronze de 6,68 x 6,33 m pour une hauteur de 3,38 m réalisée en 1996 a été vendue pour $ 10,7M incluant premium par Christie's à New York le 8 novembre 2011. Le 10 novembre, la même maison de ventes offre une autre variante d'envergure encore plus grande, 7,56 x 7,06 x 3,26 m, réalisée en 1997 également en bronze, lot 10B. 

L'Ame d'un Officier Britannique

Jusqu'à sa retraite en 1994, la figure d'Andrew Parker Bowles apparaissait souvent sur les photos d'actualité mais il restait anonyme malgré son maintien altier. Colonel commandant la Household Cavalry avant sa promotion au grade honorifique de brigadier, il assurait la garde rapprochée de la reine Elisabeth II.

Cet aristocrate avait précédemment partagé avec les enfants royaux la passion pour les chevaux et le polo. Le prince de Galles se mariera bien plus tard avec Camilla fraîchement divorcée du brigadier. Le héros assista sans rancune à ce mariage.

Lucian Freud était passionné de chevaux, lui aussi, et ami de longue date d'Andrew Parker Bowles. Il fit son portrait en 2003-2004. Pendant 18 mois à raison de trois fois par semaine et quatre heures par séance, le brigadier vint poser dans l'atelier de l'artiste.

La méthode de Lucian est sans doute unique dans l'histoire de la peinture de portrait. Il se ruait sur le visage de son modèle pour inspecter un infime détail qui suscitait un retour aussi brusque pour l'enregistrer sur la toile. Ensuite il abreuvait son invité d'un interminable bavardage avant d'être prêt à procéder au détail suivant. Lucian avait beaucoup d'esprit, indispensable pour maintenir la patience des modèles.

La hantise de l'artiste était de créer des oeuvres avec la sécheresse émotionnelle d'une photographie. Sa méthode opposée à celle des portraits par Bacon aboutit à une expression aussi forte, mais Lucian conservait les traits réalistes de ses personnages. Le brigadier admire encore aujourd'hui son portrait par Freud, plus vrai que nature y compris dans l'éclat des médailles.

Le brigadier n'est pas Sue Tilley. Lucian n'avait pas imposé une attitude acrobatique à cet imposant sexagénaire qui devait de surcroît reprendre la même position à chaque nouvelle séance. Le résultat ressemble à un classique portrait militaire sauf qu'il est extraordinaire dans son expression psychologique.

Cette huile sur toile 224 x 138 cm est une des pièces principales de la vente de soirée de Christie's à New York le 10 novembre, lot 31B. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, dans laquelle cette oeuvre est discutée par Brett Gorvy.

L'Idéal d'Intimité

Le peintre encore jeune cherche à montrer la femme idéale en passant au-delà de sa propre vie marquée par la tuberculose et l'alcoolisme. Autour de 1911, les têtes sculptées par Modigliani transcendent tous les styles artistiques.

En 1917, il trouve cet idéal dans le nu. Il n'a pas d'argent mais tant pis. Son petit atelier contient deux chaises, un divan et une bouteille de cognac. Il est seul avec une fille payée par son marchand. Zborowski avait bon goût : les filles sont belles. Autour d'eux, c'est la guerre. Le temps n'est pas propice aux représentations impudiques. Les nus de Modigliani font scandale.

Amedeo est gentil. Il établit l'empathie avec ces visiteuses anonymes d'un jour. Il exprime mieux qu'aucun autre artiste la tendresse et l'intimité. Il obtient cet effet par un subtil travail des couleurs. Le rose n'est pas assez chaud pour exprimer la peau : l'artiste crée des couleurs riches tirant sur le rouge ou l'abricot.

Le 9 novembre à New York, Christie's vend un Nudo Rosso, huile sur toile 60 x 92 cm peinte en 1917 ou 1918, lot 8A.

Ce nu couché est un chef d'oeuvre d'harmonie, comparable au nu assis de La Belle Romaine qui a été vendu pour $ 69M incluant premium par Sotheby's le 2 novembre 2010.

Le dessin voluptueux souligne la confiance du modèle, visible par le dos légèrement cambré au-dessus de la couche et les bras écartés. Les yeux sont monochromes sans pupille, permettant au spectateur de mieux capter l'expression de ce regard d'attente paisible. Les mèches folles sur le front indiquent que cette femme idéale est une personne de la vraie vie et pas un modèle caché derrière un maquillage.

Le communiqué de presse du 3 septembre annonçait une espérance au-delà de $ 100M. Laissez-moi ajouter un commentaire : cette peinture superbe vaut ce prix.

18 oct. 2015

Olga et l'Antique

Contrairement à la peinture, le dessin change peu tout au long de l'histoire de l'art et Picasso pensait certainement à cette technique quand il déclarait que l'art n'a ni passé ni futur. En 1921, Pablo visite Naples et Pompei à la recherche des racines de l'art et du classicisme.

Un dessin 64 x 49 cm réalisé aux craies rouge et noire est estimé $ 6M à vendre par Sotheby's à New York le 4 novembre, lot 7T.

Picasso est un très bon dessinateur. Il utilise au mieux les effets traditionnels de la sanguine qui donne une texture et une profondeur à cette jolie tête de femme. Le résultat rappelle les marbres anciens.

Pourtant la figure de sa femme Olga vient fusionner avec les modèles de l'antiquité. On reconnaît son nez droit et son visage ovale. Pablo a réussi le tour de force de réaliser un dessin à la fois intemporel et intime.

Je vous invite à jouer la video partagée par Sotheby's.

L'Inlassable Peintre des Nymphéas

De 1905 à 1908, Claude Monet travaille inlassablement sur le thème des nymphéas de son bassin, et pourtant toutes ses oeuvres sont différentes. La technique varie tout au long de cette période avec une couche de peinture qui devient plus mince et des coups de pinceaux plus longs.

Son centre d'intérêt à l'intérieur de ce thème change également. Maîtrisant les effets de surface de l'eau, il peut clairsemer la position des feuilles. La précision botanique des fleurs est remplacée par une touche plus proche de l'impressionnisme. La rigueur de la perspective n'est plus nécessaire : l'horizon disparaît et à partir de 1907 l'artiste positionne aussi ses toiles dans le sens vertical.

Il utilise encore le processus qui lui avait tant réussi dans les décennies précédentes, consistant à installer plusieurs chevalets et travailler de toile en toile selon l'heure et le temps.

Le sujet principal de l'artiste n'est pas le bassin mais la couleur. Les toiles réalisées vers la dernière année de cette période féconde peuvent être considérées comme un aboutissement de sa recherche. Dès cette époque, longtemps avant la dissolution des formes testée à la fin de sa vie, Monet est un précurseur de Rothko et Richter.

Le 5 novembre à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 100 x 81 cm peinte vers 1908, lot 22 estimé $ 30M.

Le Coeur Secret en Emaux

Roy Lichtenstein veut baser son art sur les émotions intenses. Il trouve ses modèles dans les comics. Le thème de la fille qui pleure convient parfaitement à ce projet.

Roy édite une crying girl en lithographie en 1963. La blonde explose dans son angoisse, le regard dirigé de biais vers une menace, la bouche rouge protégée par la main. Le spectateur est libre d'interpréter la cause et la suite de cette violence défensive qui provient forcément d'un thriller.

L'image de 1964 peut apparaître comme la suite avec la même fille. La source est connue : le No 88 de Secret Hearts publié par DC Comics l'année précédente. La main atteint l'oeil pour ôter une larme et la fille apaisée devient touchante dans son gros chagrin. Elle a quitté l'imaginaire et pourrait être notre voisine de palier. L'artiste souhaitait exprimer cette impression de proximité.

Roy a réalisé un dessin préliminaire au graphite et crayons de couleurs. Le texte passablement stupide du comics est ôté, bien évidemment. Ce dessin a été vendu pour $ 1,72M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2007.

Roy est aussi un expérimentateur du matériel artistique, comme Warhol. Il édite cette seconde crying girl en cinq exemplaires 117 x 117 cm en émail sur acier. Cette technique permet d'obtenir une brillance imitant la porcelaine.

Les points d'imprimerie apparaissent sur cette version émail. Ils ne sont pas copiés sur le magazine d'origine puisque le dessin préparatoire les ignorait. Leur régularité apporte un effet lisse qui est tout à fait plaisant pour la peau du visage et contribue à l'aspect si sympathique des jeunes blondes de Roy quand elles ne sont pas en furie.

L'un des cinq exemplaires est estimé $ 7M à vendre par Christie's à New York le 9 novembre, lot 22A.

17 oct. 2015

Le Déclenchement de la Période Bleue

Pablo Picasso revient à Paris en mai 1901, écartelé entre l'envie de débauche et la hantise de la mort. Il n'a pas encore 20 ans. Ainsi commence sa période bleue, chargée d'une émotion intense qui associe la luxure et la misère.

Il est doué et déjà reconnu. Sa première exposition chez Vollard commence le 25 juin. Il loge au 130 boulevard de Clichy avec Pedro "Pere" Mañach qui est son courtier et introduit ses oeuvres auprès de Berthe Weill.

Le 5 novembre à New York, Sotheby's vend La gommeuse, huile sur toile 81 x 54 cm, lot 26.

La femme est visible jusqu'au bas des hanches. Elle est nue par profession et pas par plaisir même si son regard désabusé peut aussi être attribué à l'absinthe. Son attitude aux épaules haussées et aux seins pendants est misérable bien qu'elle ne soit pas maigre.

Le titre est aussi une dérision. Au siècle précédent, un gommeur était un personnage de mauvaise vie passablement ridicule qui essayait de gagner sa vie en jouant dans les cafés-concerts. Le terme fut ensuite appliqué aux femmes.

L'art est plus important. Derrière la gommeuse de Pablo, on voit le bas d'une peinture accrochée au mur montrant les jambes d'une danseuses et un jeté de fleurs. L'artiste est attiré et repoussé par l'univers du cabaret qui finalement n'est pas le sien. La gommeuse ne regarde pas la peinture.

Pablo avait une forte idée de caricature. qui s'exprime avec plus de fantaisie sur le verso de la toile découvert récemment, où le corps nu d'une danseuse est surmonté de la tête de Mañach selon le principe du portrait-charge très populaire à cette époque dans la société Parisienne.

Le verso porte aussi une inscription à son ami à l'occasion de sa fête. Interprétée comme étant la saint Pierre, cette dédicace permet de dater le verso du 29 juin 1901. Le recto devrait en toute logique être antérieur au verso, faisant de cette Gommeuse un des prototypes déclencheurs de la période bleue.

L'importance de cette peinture dans l'histoire de la créativité de Picasso est indéniable. L'estimation n'est pas publiée par Sotheby's mais un prix aux alentours de $ 60M ne serait pas surprenant.

Le Temps du Patriotisme Russe

La résistance de leur pays contre l'armée de Napoléon en 1812 est considérée par les Russes comme un grand élan de patriotisme. Cette date est aussi le 200ème anniversaire de la libération de Moscou contre les forces coalisées Polonaises et Lithuaniennes.

Les habitants de Nijni-Novgorod ouvrent une souscription pour une statue monumentale en honneur aux deux héros des événements de 1612 originaires de leur ville, Minine et Pojarsky. Intéressé par le symbole représenté par ce monument, le Tsar Alexandre I décide qu'il sera érigé à Moscou sur la Place Rouge. Construit de 1816 à 1818, il y est toujours.

Le comte Nicolas Demidoff était un héros Russe de la guerre de 1812 après avoir vécu plusieurs années à Paris. Il était aussi un amateur d'art. De retour à Paris en 1815 après la chute de l'Empire, il commande à Thomire une pendule en bronze inspirée par le prototype fait par Ivan Martos pour le futur monument.

Pierre-Philippe Thomire est le plus célèbre bronzier Parisien de son époque, nommé maître fondeur à l'âge de 21 ans en 1772 puis ciseleur de l'Empereur en 1809.

Cette pendule héroïque réalisée par Thomire pour Demidoff est elle aussi monumentale : 102 cm de haut incluant sa base en malachite de 80 x 30 cm. Elle est restée dans la collection Demidoff jusqu'en 1880 et est estimée € 400K à vendre par Christie's à Paris le 4 novembre, lot 522.

Le modèle a été réutilisé par Thomire dans la même taille et en réduction, avec des socles en matériaux différents.

L'Invention de la Commode

Le besoin de faciliter le rangement est à l'origine de l'invention du mobilier français moderne à la fin du XVIIème siècle et au début du XVIIIème siècle. André-Charles Boulle accompagne ou plutôt devance cette évolution. Son goût et sont talent sont exceptionnels.

Le bureau plat permet l'installation de larges tiroirs. C'est un succès. Les tiroirs sont bientôt adaptés aux coffres sous la forme de petits cabinets montés sur de hauts pieds. Ce meuble à son tour devient plus large et plus bas avec de plus grands tiroirs strictement superposés.

La nouveauté est si audacieuse que le nom est difficile à trouver. Appelée dans les années 1690 table en bureau, elle devient en 1705 le bureau en commode caractérisant le caractère pratique de son utilisation, puis plus simplement vers 1708 la commode.

Boulle expérimente les formes de son nouveau type de meuble. Une commode de forme tambour, 89 x 126 x 54 cm réalisée entre 1705 et 1715 est estimée € 800K à vendre par Sotheby's à Paris le 5 novembre, lot 305.

Cette forme ovale est éphémère. Elle est trop compliquée avec ses deux groupes de trois pieds chacun aux extrémités et ses montants détachés en fuseaux. Elle disparaît au profit du modèle rectangulaire plus simple qui restera le meuble de rangement idéal tout au long du XVIIIème siècle et bien au-delà.

La commode à vendre est richement décorée en contre-partie en cuivre, écaille, étain et ébène. Comme beaucoup de meubles français de très grand luxe de cette époque, elle faisait partie d'une paire et son pendant en première partie est également connu. Elle a été améliorée et consolidée dans les années 1770 par Etienne Levasseur qui l'a estampillée.

Le Rêve de la Bible

Né près de Vitebsk en Biélorussie dans une famille juive profondément pieuse, Marc Chagall rêva la Bible toute sa vie. L'Ancien Testament est un des plus anciens poèmes de l'humanité. L'artiste est inspiré par les histoires fabuleuses de la Genèse et par les faits et paroles attribués aux vieux prophètes.

Ambroise Vollard savait générer des pulsions artistiques intenses au travers de grands projets d'édition. Il demande à Chagall d'illustrer la Bible.

Ce projet enthousiasme l'artiste qui effectue en 1931 un voyage en Palestine pour retrouver les racines du Judaïsme et exacerber sa vision du mode de vie antique. Un peu plus tard, il étudie l'art mystique au travers de Rembrandt et el Greco. Pendant cette phase, Chagall prépare les 32 premières planches.

Il continue. Sa vision de synthèse entre l'antiquité et le modernisme est dramatisée par les évènements qui lui font comparer les persécutions de son temps avec la Passion du Christ. En 1956, un quart de siècle après le début du projet, Chagall réalise la dernière image pour La Bible.

Vollard est mort en 1939 et c'est Tériade qui imprime en 1958 en 100 exemplaires les 105 vues de La Bible de Chagall. Le travail de l'artiste n'est pas terminé : il colore à la main les images qu'il signe au crayon par ses initiales. La dimension de l'image est 25 x 31 cm sur papier d'Arches 39 x 53 cm.

Un album complet a été vendu pour $ 295K incluant premium par Christie's le 1er mai 2002. Un portfolio également complet est estimé $ 250K à vendre par Bonhams à San Francisco le 20 octobre, lot 42.

16 oct. 2015

Les Couleurs de la 53ème Rue

Mark Rothko travaillait dans son appartement mais méritait un atelier mieux adapté à libérer son énergie créatrice. En 1952 il installe son atelier dans la 53ème rue à Manhattan, à proximité du MoMA.

Il a décidé deux ou trois ans plus tôt de renoncer à la figuration pour se consacrer à la couleur. Ce très fin connaisseur de l'histoire de l'art saura reproduire les couleurs les plus rares et les plus expressives des grands peintres sans imiter leurs thèmes. Sa référence à Matisse est particulièrement identifiée.

Les oeuvres faites en 1952 utilisent les confrontations par rectangles dont les bords effilochés offrent un dégradé de teintes qui accentue l'impression d'attraction ou de répulsion entre les blocs. Il produit assez peu mais son travail de cette année-là offre une très remarquable diversité dans ses expériences de couleurs.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 172 x 113 cm, lot 33T estimé $ 20M.

Ses couleurs lavande et vert offrent un raffinement supplémentaire avec un effet d'éclaircissement au centre du bloc du haut. C'est une des oeuvres où l'abstraction de Rothko est la plus proche de la nature avec une indubitable influence des couleurs du bassin de Monet.

Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Sotheby's introduit ce lot suivi d'une peinture réalisée dix ans plus tard par le même artiste, offerte dans la même vente avec la même estimation.

Menaces sur Arles

Vincent van Gogh est arrivé à Arles en février 1888. Il décide d'y rester, charmé par la beauté de la campagne avoisinante. Ses peintures de vergers en fleurs sont joyeuses.

Sa santé mentale avait toujours été fragile. La tension de ses relations avec Gauguin précipite ses crises de délire nécessitant des internements en hôpital psychiatrique. Son incompréhension concernant la cause de sa maladie aggrave son état. Il ne peut pas travailler pendant ses crises.

Le 5 novembre à New York, Sotheby's vend Paysage sous un ciel mouvementé, huile sur toile 60 x 74 cm, lot 14 estimé $ 50M. L'oeuvre a été réalisée à mi-avril 1889 dans une très brève période d'accalmie qui lui permettait à nouveau de peindre en extérieur. Cette campagne insignifiante des environs d'Arles n'est pas localisable avec précision.

Le printemps apparaissait bien différent de celui de l'année précédente. La prairie fleurie qui occupe tout le premier plan n'est pas accueillante bien qu'un petit personnage vienne y cueillir des fleurs. Elle est bien éclairée sans être ensoleillée. Les arbres au loin sont tordus par le vent.

Les nuages sont un impasto épais associant toutes les nuances de gris, avec une grande violence qui annonce les tourbillons du ciel étoilé des mois suivants. Cette peinture tourmentée atteste déjà de la glissade inéluctable du génie dans la démence.

Le Noir et le Rouge

En 1915 le Suprématisme de Kasimir Malevitch bouleverse pour toujours les théories de l'art. Pour être pur, l'art doit exciter les sentiments sans se référer à un message. Il n'est ni figuratif ni politique ni religieux.

Malevitch développe une nouvelle grammaire réduite à trois formes remplies, suffisamment simples pour échapper à une interprétation sémiotique, le rectangle, l'ovale et la croix. Le rectangle et l'ovale parfaits sont le carré et le cercle.

Le carré noir sur fond blanc est l'emblème séminal et le chef d'oeuvre du Suprématisme. Occupant de façon centrée presque toute la surface de la toile, le carré devient un objet indépendamment de son support et génère une impression obsédante. Face à une telle illusion spatiale, on peut réduire le carré blanc sur fond blanc de 1918 à une simple expérience complémentaire.

Dans les premiers temps, d'autres oeuvres de Malévitch font des concessions aux autres mouvements. Ses cohortes de rectangles plus ou moins parallèles en couleurs variées cherchent le mouvement comme dans le Futurisme en un assemblage qui paraît manufacturé comme dans le Cubisme synthétique ou dans le Constructivisme.

Le 5 novembre à New York, Sotheby's vend Mystic Suprematism, huile sur toile 100 x 59 cm peinte entre 1920 et 1922, lot 8 estimé $ 35M.

Une croix noire flotte devant un ovale d'un rouge profond. Le poteau de la croix et l'ovale sont coaxiaux. Le poteau est un quadrilatère effilé vers le bas qui apporte un effet de basculement vers l'avant. La petite ligne noire additionnelle qui traverse le bas du poteau sert de balancier permettant au spectateur de décider si cet indéfinissable objet abstrait menace ou non de tomber.

Le Suprématisme est déjà porteur des tendances majeures de l'art abstrait de la fin du XXème siècle, qui utilisera le rôle expressif des couleurs. Il est regrettable que Malevitch n'ait pas cherché l'importance du grand format. Pour aller plus loin que le Suprématisme, il faut attendre Rothko.

15 oct. 2015

Les Couleurs Pures du Grand Froid

Né en Ontario d'une famille de riches industriels, Lawren Stewart Harris n'a pas besoin de son art pour gagner sa vie.

Cet amateur qui prend soin d'organiser la communauté artistique de Toronto peint d'abord des scènes de rues et de bûcherons. Son art qui pourrait apparaître comme essentiellement Canadien est cependant influencé par sa découverte de l'art Scandinave et plus particulièrement les peintures de Gustaf Fjaestad lors d'une exposition à Buffalo en 1913.

Harris travaille en studio à cette époque. Il imagine les couleurs pures des paysages enneigés par grand froid. Le 26 novembre à Toronto, Heffel vend un Winter landscape, lot 120 estimé CAD 1,2M. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Cette huile sur toile de grand format pour cet artiste, 121 x 127 cm, a été peinte en 1916 ou 1917 à l'époque ou Tom Thomson s'intéressait à des thèmes similaires. L'image est divisée en sections bien structurées de texture homogène contrastant violemment l'une avec l'autre depuis le blanc lourdement enneigé du sol et des branches de sapin jusqu'au bleu vif de la mer en passant par le tissu de la forêt et des falaises.

Cette période féconde donne à Harris l'envie d'explorer lui-même le grand Nord en hiver. Dès 1918 il organise des excursions automobiles de son groupe. La lumière du Lac Supérieur est encore plus aveuglante que dans son imagination. Son style de plus en plus épuré devient l'expression la plus spectaculaire du paysage glaçant du Canada.

Le Conquistador du Tourisme

Henry Flagler était un co-fondateur de la Standard Oil et un industriel des chemins de fer. Cet investisseur utilisa son immense fortune pour équiper la Floride pour le tourisme balnéaire, sans craindre les dépassements de budget. Il développa Miami et le plus grand hôtel de sa chaîne, le Royal Ponciana Hotel à Palm Beach ouvert en 1894, avait 1700 employés et 1100 chambres avec une capacité d'accueil de 2000 clients.

Le chef d'oeuvre de l'empire Flagler est incontestablement le Ponce de Leon Hotel à St. Augustine, construit en 1887 dans un extravagant style néo-Espagnol. Les deux hautes tours ne servaient pas seulement pour le prestige mais étaient les réservoirs d'eau qui alimentaient les 540 chambres en eau courante. La manipulation de la merveilleuse électricité était confiée aux employés de l'hôtel afin d'éviter d'effaroucher les clients.

L'art n'était pas oublié et les somptueuses peintures murales de la rotonde contribuèrent à la réputation du Ponce de Leon. Des ateliers étaient aménagés dans la propriété pour les artistes.

Martin Johnson Heade s'était toujours considéré comme un peintre itinérant. Marié à l'âge de 64 ans en 1883, il cherchait un point d'ancrage en Floride. Il était un spécialiste de la peinture de fleurs souvent associées à des oiseaux, et de scènes tropicales. Il était aussi un paysagiste dans la tradition romantique Américaine. Il préférait les marais aux montagnes et ses vues idéalisées ne sont pas localisables.

Heade réalisa pour Flagler deux des peintures murales du Ponce de Leon. L'une d'elles intitulée The Great Florida Sunset, est gigantesque, 138 x 244 cm. Le ciel rougeoyant du crépuscule éclaire de ses dernières lueurs un paysage typique des marais et des palmeraies de Floride.

A. Alfred Taubman acheta judicieusement cette huile sur toile pour décorer sa villa de Palm Beach. Elle est estimée $ 7M à vendre par Sotheby's à New York le 18 novembre, lot 11.

Les Nerfs du Calmar

La connaissance du fonctionnement physico-chimique de l'être vivant a fait ses progrès décisifs au milieu du XXème siècle grâce aux rayons X bien sûr, mais aussi avec la maîtrise de l'électricité puis de l'électronique.

Alan Hodgkin et Andrew Huxley sont biophysiciens et plus exactement électrophysiologistes. La technique nouvelle du voltage clamp leur permet de mesurer le signal électrique au travers de la membrane d'une cellule nerveuse.

Le nerf sciatique de la grenouille ne permettait pas d'effectuer les mesures avec une précision suffisante. Travaillant en association avec le laboratoire de biologie maritime de Plymouth en Angleterre, ils utilisent pour leurs expériences le plus gros neurone connu du règne animal, mesurant 1 mm de diamètre, utilisé par le calmar pour susciter une réaction rapide face à une menace.

Les deux chercheurs peuvent ainsi modéliser le comportement électrique du neurone. Cette avancée féconde aura un impact considérable sur la connaissance et la guérison de plusieurs maladies nerveuses et permettra de modéliser la transmission du message nerveux vers le système musculaire. L'existence de canaux ioniques dans les membranes cellulaires sera confirmée par d'autres chercheurs bien plus tard, parachevant la connaissance du système nerveux.

Hodgkin et Huxley partagent en 1963 le prix Nobel de physiologie ou médecine avec John Eccles. La médaille Nobel attribuée à Hodgkin sera vendue avec divers documents dont un exemplaire de la publication scientifique associée au prix au lot 1 d'une vente en ligne se terminant le 29 octobre. Le prix de départ est $ 450K.

La maison de ventes, Nate D Sanders, est basée à Los Angeles. Elle devient progressivement un des leaders du marché croissant des médailles Nobel, avec plusieurs ventes réussies que nous rappelons ci-dessous.

Le Nobel de Sciences Economiques de Kuznets (1971) a été vendu pour $ 390K le 26 février 2015. Le Nobel de Chimie de Wieland (1927) a été vendu pour $ 395K le 30 avril 2015. Le Nobel de Physique de Lederman (1988) a été vendu pour $ 765K le 28 mai 2015. Les prix indiqués incluent les frais.

14 oct. 2015

La Réception de Coysevox

Le roi et sa cour veulent exhiber et démontrer leur dignité pendant le règne de Louis XIV. Le buste est mis à la mode par Girardon.

Antoine Coysevox (orthographié Coyzevox par lui-même) choisit cette voie. Son travail intéresse l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture qui accueille favorablement ses deux pièces de réception, les bustes en marbre blanc de Le Brun et de Colbert.

Colbert fut un des plus importants et influents ministres de l'histoire de France et le protecteur de toutes les Académies. Le Brun était le référent du goût avec un titre de premier peintre du roi. Ils sont satisfaits de leurs figures faites par Coysevox. Avec de tels protecteurs, sa carrière est lancée.

Ce buste de Colbert de 71 cm de haut sculpté en 1677 dans un beau marbre probablement de Carrare a aussitôt été offert par l'Académie à l'homme d'Etat. La figure expressive et bienveillante, remarquablement réaliste, rompt avec la tradition de ce genre qui avait plutôt été inspiré par les monuments funéraires. L'importance de la personnalité est attestée par la décoration du Saint-Esprit en travers de sa veste.

Ce marbre était resté dans la famille de Colbert. Il a été classé trésor national en 1937, ce qui interdit son exportation mais ne l'empêche pas de rester en mains privées. Il sera vendu le 12 novembre à Paris par Leclère, lot unique de cette maison de vente dans une vente collégiale à l'Hôtel Drouot.

L'Or d'Auguste

Les orfèvres français les plus connus de l'époque néo-classique sont Auguste, Biennais et Odiot. En français, le terme d'orfèvre couvre indifféremment le travail de l'or et de l'argent.

Henri Auguste se spécialisa dans le vermeil et l'or. Nommé maître en 1785, il succéda à son père comme chef de l'atelier familial avec une charge d'orfèvre du roi. Ses oeuvres aux formes très élégantes suivaient les modèles et les dessins réalisés par le sculpteur Jean-Guillaume Moitte.

Le très excentrique William Beckford, immensément riche, fut un des plus importants collectionneurs de son temps, avide de trouver les pièces les plus luxueuses pour l'ameublement de son manoir. Plus tard il fera construire par James Wyatt pour sa résidence personnelle la plus ahurissante folie gothique de son temps, nommée Fonthill Abbey, conçue pour abriter ses trésors.

Beckford admirait les pièces réalisées par Auguste et lui passa plusieurs commandes. Une aiguière néo-classique en or haute de 29 cm et pesant 857 grammes faite en 1790 par Auguste pour Beckford est estimée € 1,2M à vendre le 4 novembre à Paris par Christie's, lot 519.

Cette aiguière provient aujourd'hui de la famille de la comtesse de Béhague, la fameuse collectionneuse du début du XXème siècle qui avait acquis la réputation méritée de savoir reconnaître le meilleur.

Messages Secrets par Quatre Rotors

Inventée en 1918, la machine Enigma pour coder et décoder les messages secrets a connu un développement très important à partir du moment où l'armée Allemande s'y est intéressée au milieu des années 1930. Les modèles ont d'abord été réalisés avec trois rotors. J'ai discuté récemment dans cette chronique une Enigma I vendue pour $ 210K incluant premium par Bonhams le 21 septembre 2015.

Deux secteurs de marchés sont visés avec des lignes de produits différentes. L'usage militaire est identifié par la lettre M et l'usage commercial par la lettre K.

Les transmetteurs de secrets sont bien évidemment inquiets du risque de cassage du code par le concurrent et l'ennemi. En 1939, les Enigma K sont équipées d'un quatrième rotor avec le même fonctionnement automatique que les trois premiers.

L'une d'elles a été vendue pour € 45K hors frais par Breker le 18 avril 2015. Une autre est à vendre par la même maison de ventes le 7 novembre à Cologne, lot 24 estimé € 20K ici lié sur LiveAuctioneers. Ces deux machines ne sont pas en matching numbers.

La maîtrise de l'Atlantique est essentielle pour gagner la guerre. Ce qui devait arriver arriva : en 1941, un U boat est capturé avec ses Enigma. La Kriegsmarine inquiète ordonne une complexification des Enigma. Les M4 construites à partir de 1942 ont trois rotors automatiques auxquels s'ajoute un quatrième rotor réglé à la main sur 26 positions.

Tous les sous-marins de la Kriegsmarine sont équipés de deux Enigma M4 entre 1942 et 1944. La plupart des M4 ont été détruites avec leur sous-marin, ou par les officiers avant la reddition, ou par les forces alliées après la capture.

Une M4 à matching numbers est estimée $ 300K à vendre par Bonhams à New York le 21 octobre, lot 285. Elle est présentée en fonctionnement dans la vidéo partagée par la maison de ventes (ci-dessous).

Une autre M4 avec des rotors de numéros dépareillés est estimée £ 80K à vendre par Bonhams à Londres le 27 octobre, lot 52.

13 oct. 2015

Un Bureau Plat avec sa Pendule de Cartonnier

Philippe-Claude Montigny est ébéniste à la fin du règne de Louis XV. Cousin de René Dubois, il est aussi un collaborateur occasionnel d'Etienne Levasseur qui était à cette époque le meilleur continuateur de Boulle. Le grand bureau plat dans le style de Boulle devient tout naturellement une de ses spécialités.

Tous les accessoires sont prévus pour l'écriture : tiroirs et tirette dans le bureau, plateau gainé de cuir noir, et le très haut serre papier que l'on nomme maintenant cartonnier et qui est surmonté d'une pendule.

Les bureaux estampillés par Montigny sont rares. L'un d'eux est estimé € 2M à vendre par Christie's à Paris le 4 novembre, lot 510. Il a conservé son cartonnier assorti et sa pendule d'origine telles qu'elles étaient décrites dans l'inventaire de succession d'un ancien intendant de Louis XVI en 1795. Deux écritoires de même période sont joints pour compléter l'équipement.

Le bureau est orné d'une guirlande feuillée dans le style antiquisant 'à la grecque' qui était à la mode au début des années 1760. Il date certainement du tout début de l'accession à la maîtrise de Montigny en 1766. Les ensembles de mobilier de cette époque dans lesquels le bureau, le cartonnier et la pendule n'ont jamais été séparés sont d'une très grande rareté.

La Tsavorite d'Afrique

En 1967 un prospecteur gemmologiste Britannique découvre en Tanzanie une nouvelle variété de grenat glossulaire. La pierre riche en vanadium et en chrome est verte avec une gamme de nuances. Elle est d'une belle transparente et, contrairement aux émeraudes, est généralement dépourvue d'inclusions.

Les joailliers sont intéressés. En 1974 Tiffany lui donne le nom de tsavorite par référence à un parc Kenyan limitrophe de la zone d'extraction. L'exploitation n'est pas toujours politiquement facile. En 2009 l'inventeur du filon est massacré.

Le 15 octobre à New York, Heritage vend un des plus gros spécimens de tsavorite, lot 57187.

Cette pierre vert jaunâtre extraite en 2003 a été taillée en ovale facetté par un atelier de Bangkok, pour un poids final de 65,72 carats. Elle mesure 23 x 20 x 17 mm.

Il est estimé que la tsavorite est 200 fois plus rare que l'émeraude. Il n'y a pas d'antécédent de vente aux enchères de tsavorites de cette grosseur. Elle est estimée $ 1M avec un prix de départ de $ 500K sans réserve.

Les Montres en Acier

On associe à juste titre les montres de luxe et les métaux précieux. Les montres de modèles prestigieux réalisées en acier inoxydable sont d'une extrême rareté. Elles ont été réalisées sur commande spéciale ou pour une raison expérimentale, et des cas sont connus où un propriétaire à remplacé le boîtier d'origine par un boîtier en or.

Le 10 mai 2015, Phillips a vendu pour CHF 4,6M incluant premium sur une estimation basse de CHF 1M une Patek Philippe 130 faite en acier en 1927. Ce modèle correspond au développement du chronographe à bouton unique. Ce résultat bien au-delà des attentes montre un intérêt croissant des connaisseurs pour les modèles exceptionnels dans des configurations inhabituelles.

Le 7 novembre à Genève, la même maison de ventes vend une Patek Philippe 1436 faite en acier en 1945, lot 169 estimé CHF 1,5M. Ce modèle de chronographe à rattrapante était une avancée technologique significative. Un seul autre exemplaire en acier a survécu.

La montre à vendre, dans un état extraordinaire, n'a sans doute jamais été mise en marche après sa sortie d'usine. Son mouvement n'a jamais été démonté.

Les amateurs retiendront l'information donnée par le catalogue selon laquelle il n'y a aucun exemplaire connu en acier dans les modèles 2499 ou temps universel.

Le Commandant Scott explore la Lune

Dave Scott était à juste titre soucieux de la maîtrise du temps. Le fournisseur officiel des montres et chronomètres de la mission Apollo était Omega. Pour la mission Apollo 15 en 1971, Scott obtint l'autorisation de la NASA d'emporter deux instruments supplémentaires de marque Bulova. Pour marquer qu'il s'agissait d'une initiative personnelle de son commandant de bord, la NASA n'enregistra pas ces instruments dans la liste officielle des équipements.

Le chronomètre a servi à Scott pour fournir une redondance de la mesure du temps de manoeuvre de la descente du Lunar Module, spécifiée à 24 secondes avec une tolérance de 0,3 seconde seulement. Scott considérait que le cadran de sa Bulova était plus facile à lire en opération que l'instrument Omega. Elle a été offerte sur une estimation de $ 120K par Bonhams le 5 mai 2011. Elle n'a pas été vendue.

L'autre instrument est une plus classique montre chronomètre que Scott a porté à son poignet dans la troisième et dernière marche lunaire de la mission. La caractéristique la plus spectaculaire d'Apollo 15 était la première utilisation d'un véhicule automobile sur la lune, le Lunar Rover. Dans cette excursion qui éloigna les astronautes jusqu'à 5 Km du LM, une erreur d'appréciation du temps aurait pu provoquer une pénurie fatale d'oxygène ou de batterie.

Cette pièce échappant au matériel officiel des missions est la seule montre en mains privées qui ait été portée sur le sol lunaire. Elle sera vendue le 22 octobre à Boston par RR Auction, lot 9001. Voici le lien vers le communiqué de la maison de ventes.

12 oct. 2015

L'Intérêt de la Guerre Civile

Pour préserver ses réserves de métal pendant la guerre civile, le gouvernement développe une ingénieuse solution d'emprunt national basé sur un papier monnaie légal. Dès 1861, il autorise l'émission de billets porteurs d'intérêts.

L'acte du 30 juin 1864 autorise l'émission de billets de $ 500 à intérêt de 10 cents par jour par six coupons semestriels détachables, signifiant le paiement d'un intérêt de 3,65% de la valeur des billets tous les six mois pendant trois ans. Le billet lui-même sera remboursé par des obligations ou tout autre moyen de paiement décidé par le gouvernement dans les vingt années suivant la péremption des coupons.

Les investisseurs n'ont pas manqué de changer leurs billets pour rentrer dans leurs frais. Les spécimens survivants d'Interest Bearing Notes de la guerre civile sont extrêmement rares, surtout pour les fortes dénominations.

L'existence même du billet de $ 500 résultant de cet acte était mise en doute un siècle plus tard quand un exemplaire a fait surface. Il est daté du 15 août 1864. Ses coupons ont été utilisés mais le billet lui-même n'a pas été troué ni oblitéré.

Son état est gradé Very Fine 25 par PMG. Il a subi quelques restaurations, probablement pour ôter des taches, et son encre a été éclaircie à l'endroit où l'identification du premier porteur a été lavée. Cette pièce unique en son genre est estimée au-delà de $ 300K à vendre par Stack's Bowers à Baltimore le 5 novembre, lot 30256.

La Jumbo Manquante de John Lennon

Les Beatles avaient aimé la guitare Gibson ES-175 de leur ami Tony Sheridan. John et George voulaient posséder des guitares de cette marque. Leur choix a porté sur des Jumbo Electric J-160E qui n'étaient pas importées régulièrement en Angleterre. Ce modèle hybride acoustique-électrique peut être utilisé en déconnecté, ce qui est bien agréable quand on est en voyage.

Les deux merveilles identiques leur sont livrées le 10 septembre 1962 par l'entremise d'une boutique spécialisée de Liverpool. Ces instruments répondent à leur besoin et ils en font un usage intensif pour la composition et l'enregistrement, chez eux et en studio. Leur collaboration est si étroite qu'ils échangent leurs Gibsons, certainement sans s'en rendre compte.

Quelques jours après un gala de Noël en 1963, John s'aperçoit que sa guitare n'est plus là. Il ne la reverra jamais.

Pendant 45 ans, un guitariste de San Diego a possédé cet instrument sans identifier son glorieux passé. En 2014, il s'aperçoit de la ressemblance de sa Gibson avec l'exemplaire largement documenté qui avait été conservé par George. Les numéros de série sont très proches.

Les veines dans le bois permettent l'identification d'une guitare avec la même certitude que les empreintes digitales pour un humain. Le meilleur expert des équipements utilisés par les Beatles compare l'instrument avec des photos d'époque. Il est formel et admiratif : un demi-siècle après avoir été chipée, la Gibson de John Lennon est réapparue dans son état d'origine, comme une time capsule.

Cette guitare historique est estimée $ 600K à vendre par Julien's à Beverly Hills le 7 novembre, lot 278.

Sa photographie lors d'une exposition à Austin en 2015 a été mise dans le domaine public et est disponible par Wikimedia :

John Lennon's missing 1962 Gibson J-160E guitar in the exhibit (clip3) - Ladies and Gentlemen... the Beatles! exhibit at LBJ Presidential Library, Austin, TX, 2015-06-12 11.37.55

Degas après l'Impressionnisme

En opposition avec le goût bourgeois pour l'art classique, les peintres impressionnistes devaient chercher des ressources pour vivre. La solution est trouvée par un marchand, Paul Durand-Ruel, qui organise leur première exposition à New York l'année même de la huitième et dernière exposition Parisienne du groupe, 1886.

Les impressionnistes avaient cultivé leurs nouvelles manières de peindre mais n'étaient pas des théoriciens. Leur temps était passé. Manet était mort. Monet avait fui la ville. De nouveaux arrivants tiraient les conséquences de leur style pour aller plus loin dans l'expression et la couleur : Cézanne, Gauguin, van Gogh, Seurat.

Enthousiasmé par l'idée d'une peinture libre, Degas a accompagné de bout en bout le mouvement impressionniste, qu'il avait voulu nommer les Intransigeants. Sa technique personnelle est cependant différente. Il est le maître du pastel aux couleurs franches qui ne cachent pas le dessin.

Dans cette crise de la fin de l'impressionnisme, Renoir et Degas retrouvent l'influence d'Ingres. Leurs personnages sont des femmes humbles occupées à des occupations tranquilles où le nu intégral ne choque pas : le bain, la toilette, la coiffure. Dans les nuances de couleurs réalistes, les nus en plein air par Renoir sont idéaux et les nus en intérieur par Degas sont détaillés avec un excès qui fera accuser l'artiste de misogynie.

Autour de 1886, les pastels de Degas conservent une recherche de sensibilité des couleurs dominées par la chair et les cheveux roux. Le fond en flou artistique contribue à cette douce harmonie. Plus tard, ses couleurs seront souvent plus dures.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend une femme de dos se peignant par Degas, Ce pastel sur papier monté sur planche 71 x 59 cm n'est pas daté mais offre le style et les caractéristiques de cette période. Il est estimé $ 15M, lot 21T.

11 oct. 2015

La Disparition Néo-Dadaiste de l'Art

Au milieu des années 1950, de jeunes artistes autour de Robert Rauschenberg redéfinissent la signification de l'art. Jasper Johns et Cy Twombly, qui ont été tous deux amants de Rauschenberg, explorent respectivement la trivialité du message et la proto-écriture qui sont en fait deux variantes de la même tendance.

Johns ne compose pas, il réutilise. Les drapeaux, les cibles, les chiffres et les lettres qui apparaissent tous dès le début de sa carrière n'ont aucune signification et n'apportent aucune émotion. Il accepte la couleur quand elle a été codifiée avant lui, et ceci est la signification profonde de son utilisation du drapeau Américain considérée probablement à tort comme une expression de patriotisme.

Pour maîtriser l'absence de message, Johns doit contrôler la matière. Il utilise dès 1954 une épaisse peinture à l'encaustique qui sèche suffisamment vite pour qu'un nouvel apport n'altère pas les couches précédentes. L'apparence nerveuse de son coup de pinceau est en fait à l'opposé de l'action painting de Kline.

Ces jeunes artistes bientôt soutenus par Castelli rejettent l'expressionnisme et ne sont pas concernés par le pop art au sens de leurs contemporains Lichtenstein et Warhol. Leur mouvement est parfois nommé Néo-Dadaïsme.

Après avoir annihilé le message de la création artistique, Johns détruit le support. L'observateur aime trouver ses repères par la position de la toile. Johns contredit ce désir en collant une toile sur une autre toile, toutes deux peintes dans le même style avec une certaine continuité des coups de pinceau à leurs limites.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend un encaustique et collage de toile sur toile 102 x 102 cm réalisé par Johns en 1960, lot 65T estimé $ 15M. Le titre, The Disappearance, traduit le nihilisme artistique de cet artiste qui a pu secouer durablement toutes les traditions par le fait qu'il était autodidacte.

Le Trompe l'Oeil Synthétique de Georges Braque

Le cubisme synthétique fait suite chronologiquement au cubisme analytique, mais il n'est plus réellement du cubisme à part le fait que ces deux styles sont développés par les mêmes innovateurs, Picasso et Braque. Dans cette seconde phase, l'objet d'art n'est plus une représentation mais une extension du réel, un objet nouveau qui échappe à son propre thème figuratif.

Les deux artistes réalisent des collages, qui sont aussi un prétexte pour essayer divers matériaux en plus du papier. L'assemblage est effectué pour montrer une figure. Georges Braque privilégie la nature morte, c'est-à-dire un objet de dimension similaire à l'oeuvre d'art. Les lettres au pochoir ébauchent des messages.

Ce style a un gros désavantage. Les artistes sont satisfaits d'ouvrir une nouvelle ère qui ne dépend plus de la perspective mais la disparition de tout effet tridimensionnel vient à l'opposé du cubisme d'origine et ne peut que déranger le spectateur.

La peinture imitant le collage est une tentative pour traiter ce problème. Dès la première année, 1912, Braque mêle du sable à son huile pour introduire des reliefs. Ses constructions de papier, qui ont toutes disparu, relèvent de la même question. La peinture de la texture du bois imite le papier peint qui imite le bois. La spontanéité a elle aussi disparu mais le double trompe-l'oeil est à lui seul une réflexion sur l'acte créatif.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend Le Violon, huile et sable sur toile 91 x 60 cm peint par Braque en 1914, lot 60T estimé $ 12M.

Le cubisme synthétique fut éphémère mais il ouvrait la voie à Miro dont les poèmes-peintures apporteront la dimension onirique et l'acceptation de l'abstraction qui manquaient à Braque et Picasso.

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Portraits à Montparnasse

Amedeo Modigliani revient de Nice à Paris en mai 1919 avec Jeanne et leur bébé Giovanna. Aidé par Zborowski, il installe son atelier rue de la Grande Chaumière. La paix est revenue et une période de grande créativité commence pour l'artiste.

Depuis qu'il a dû renoncer à la sculpture en raison de sa santé défaillante, Amedeo est avant tout un peintre portraitiste. Ses modèles sont les gens de son entourage dans le monde des arts de Montparnasse et des gens humbles qui ne peuvent pas être ses clients. Ses peintures sont difficiles à vendre.

Les portraits de modèles assis à la Grande Chaumière sont tous composés de façon similaire avec de petites variantes dans la position des mains et l'orientation de la tête. Leur format devient plus grand, approchant la grandeur nature. Amedeo travaille aussi l'harmonie de couleurs rares.

Quand Paulette Jourdain arrive à Montparnasse, elle est une enfant d'à peine 15 ans. Elle trouve du travail chez Zborowski. Elle est le dernier modèle d'Amedeo, en 1919. Son portrait, huile sur toile 100 x 65 cm, est à vendre par Sotheby's à New York le 4 novembre, lot 12T. L'estimation au-delà de $ 25M a été annoncée dans le communiqué de presse du 4 septembre.

L'expression domine par rapport au réalisme avec deux innovations propres à l'art d'Amedeo : le long cou qui permet une séparation nette entre la tête et le corps et les yeux entièrement remplis de bleu qui annoncent le surréalisme et sont certainement une preuve de gentillesse de l'artiste pour son modèle. Un portrait aux yeux bleus de Jeanne Hébuterne au chapeau, huile sur toile 92 x 54 cm, a été vendu pour £ 27M incluant premium par Christie's le 6 février 2013.

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10 oct. 2015

La Demoiselle Chahut-Chaos

L'art invite à l'encanaillement. Henri de Toulouse-Lautrec est un aristocrate issu d'une des plus anciennes familles françaises. Il traverse sans s'arrêter le monde trop conventionnel de la bourgeoisie pour atteindre les plaisirs Parisiens de son temps où les vedettes sont pauvres et éphémères : café-concert, cirque, bordels.

La clownesse Cha-U-Kao est un de ses personnages favoris. Comme pour les autres femmes peintes par l'artiste, on ne parlera pas de modèle. Lautrec était un témoin discret de leur vie qu'il exprimait avec une inégalable spontanéité.

Cha-U-Kao est une contorsionniste qui joue au Moulin Rouge et au Nouveau Cirque. Comme pour beaucoup d'artistes de ce demi-monde, on ne saura rien de son identité ni de son passé. Elle n'est pas jeune et a le bon goût de ne plus se montrer nue. Elle est ouvertement lesbienne et cet environnement féminin plaît à Lautrec. En 1896, la série de gravures Elles est dessinée par Lautrec autour de sa vie intime.

En 1895, Toulouse-Lautrec réalise plusieurs portraits de Cha-U-Kao dans sa technique à l'huile diluée qui apporte la délicatesse des tons pastels. Lautrec est un continuateur de Degas sauf que le cabaret a remplacé l'Opéra.

Le 4 novembre à New York, Sotheby's vend un de ces portraits à l'essence sur panneau, 81 x 60 cm, lot 68T estimé $ 12M. L'actrice est debout, songeuse, probablement concentrée avant son entrée en scène. Elle ne voit pas que l'artiste la regarde et ne cache pas ses rondeurs opulentes.