30 nov. 2015

La Belle Lyonnaise

La vie intellectuelle française est bien loin d'être limitée à la cour des Valois. A Lyon, autour de l'imprimeur Jean de Tournes, les poètes rivalisent de créativité en s'inspirant des poèmes courtois français et italiens. Cent ans avant l'Académie Française, Jacques Peletier cherche déjà à harmoniser l'orthographe.

Maurice Scève apparaît comme le meneur de cette informelle école Lyonnaise. Il est intéressant de noter pour comprendre la pratique de son temps que son oeuvre majeure, Délie, a été publiée presque anonymement en 1544 : il faut reconnaître le portrait gravé pour identifier qui est MS, l'auteur de ce livre.

En 1555, Jean de Tournes publie un charmant petit recueil de poésies intitulé Euvres, attribué à Louize Labé Lionnoize. Les thèmes sont hardis pour leur époque, glorifiant la liberté sexuelle et intellectuelle de la femme. Ses textes sont suivis de louanges écrits par les poètes du groupe de Lyon.

Un exemplaire dont le papier est resté dans un état de grande fraîcheur est estimé € 300K, lot 14 dans la première vente de la bibliothèque de Pierre Bergé à Paris (Drouot) le 11 décembre. La vente est organisée par la maison de ventes Pierre Bergé et Associés en coopération avec Sotheby's France.

La jeune et sympathique Louise Labé âgée de 31 ans est surnommée La Belle Cordière par le métier de son père et de son mari. On s'est aperçu seulement assez récemment qu'aucun détail biographique n'est fiable et les questions se sont accumulées. Comment la fille d'un artisan a-t-elle fait pour acquérir une connaissance littéraire aussi subtile ? Son nom n'est-il qu'une altération orthographique de Louise la Belle ?

L'hypothèse d'une oeuvre collective des poètes Lyonnais est séduisante. Sans aucun doute, les évocations charnelles des poèmes de Louise Labé pouvaient attirer l'attention de la censure sur leurs propres écrits. Peu importe après tout que les Euvres aient été préparées par Louise ou par le groupe. Elles sont dans tous les cas un élément majeur de l'histoire de la poésie française.

L'Oeil du Byeri

Le byeri, pratiqué par les nombreux groupes ethniques Fang du Gabon et de pays avoisinants, n'est pas une théologie mais un culte des ancêtres. Les personnes décédées avaient la connaissance et la sagesse et leur mort ne doit pas interrompre la communication. Le fétiche anthropomorphe est le gardien du reliquaire qui contient les ossements.

La statuette est nécessaire aux rites d'initiation. Le jeune boit une décoction hallucinogène avant de passer une nuit entière en présence des figures des ancêtres. Dans ce délire soigneusement organisé, il comprend comment il devra lui-même se comporter pendant toute sa vie d'adulte. L'ancêtre n'est pas anonyme mais la colonisation a effacé les traditions orales qui le concernaient.

Cette figure de la nuit est en bois noirci. Certaines tribus Fang ajoutent un raffinement : les grands yeux circulaires en cuivre ou en laiton rapportés par collage et cloutage ont un effet hypnotisant. Il n'est pas surprenant que les figures du byeri, assez courantes, aient fasciné les premiers connaisseurs Occidentaux au début du XXème siècle plus que toute autre catégorie d'art tribal.

Le 3 décembre à Paris, Christie's vend l'une des pièces les plus décrites, le specimen Guillaume-Fourquet, acheté en 1965 par André Fourquet à la vente de la collection Paul Guillaume. Elle est estimée € 2M, lot 76.

Cette figure haute de 55 cm a deux caractéristiques exceptionnelles : sa patine laquée suintante noire est en très bon état et elle a conservé un de ses yeux de cuivre. La perte de ses deux avant-bras au niveau du coude ne peut pas être un accident ni un hasard. Elle a sans doute été amputée volontairement au moment de sa collecte pour empêcher que ses pouvoirs magiques bénéficient aux Européens impies.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

Une Rencontre avec Guanyin

Dans les grands halls des monastères, Bouddha et Guanyin se partagent les rôles d'accueil et de surveillance. Les traits de Bouddha sont définis depuis l'époque des Han et Guanyin a suivi dans une voie similaire, pour ne laisser aucun doute au visiteur sur leur identité.

Les deux déités ressemblent à des humains, sauf qu'ils sont souvent plus grands et qu'ils ne cessent pas d'exprimer la perfection, pour Bouddha, et la compassion, pour Guanyin. Guanyin aide les mortels à surmonter leur timidité pour pouvoir atteindre le meilleur niveau de sagesse qui leur est possible d'atteindre.

L'attitude impériale varie. Sous les Song, le Bouddhisme n'est pas dominant. Il est contesté par les Confucianistes et en concurrence avec le Taoïsme. A cette époque de pouvoir politique fort, les Chinois se méfient de cette religion étrangère importée de l'Inde.

Les grandes statues en bois maintiennent des caractéristiques Hindoues très marquées contraires aux traditions Chinoises, comme par exemple l'abondance des motifs de bijoux ciselés, la robe révélant la forme du corps et le haut chignon.

Un spécimen d'époque Song conservé au Victoria and Albert Museum a été étudié en détails. Il est composé d'un assemblage de petits blocs de bois maintenus ensemble par des chevilles et des goujons. La surface peinte était soumise à l'usure et était refaite au fil des siècles. L'étude de cette statue a montré l'intention réaliste de la couche d'origine avec une couleur chair, des cheveux noirs et une robe polychrome parsemée de dorure. Les couches d'époque Ming privilégieront la dorure.

Ces statues Song ont une grande finesse de ciselure. Une Guanyin assise avec une jambe pendante a été vendue pour € 9M incluant premium par Christie's le 19 décembre 2012. L'estimation de € 200K exprime a posteriori la difficulté à prédire le prix d'une pièce d'une telle rareté, mais ce résultat peut maintenant servir de référence.

Le 2 décembre à Hong Kong, Christie's vend une Guanyin en bois assise dans la position du lotus, haute de 117 cm, lot 2905 estimé HK$ 35M. La photo ci-dessous où la déité accueille un visiteur démontre bien la présence bienveillante et cependant autoritaire que l'artiste anonyme avait voulu exprimer 8 à 10 siècles auparavant.

29 nov. 2015

Arrières-Pensées d'un Cadeau

Quand les Beatles sont devenus un phénomène mondial, les fabricants de guitares sont devenus extrêmement attentifs aux besoins du groupe. En 1964, la Rickenbacker 325 de John est endommagée. L'importateur de la marque en Angleterre, Rose-Morris, se précipite pour offrir à la vedette une Rickenbacker 1996.

Le cadeau est promotionnel. La nouvelle Rickenbacker reçoit le surnom de Beatle Backer et l'effigie de John est utilisée pour les publicités de la marque.

En 1968, le même instrument fait l'objet d'un nouveau cadeau. Epstein est mort l'année précédente et les garçons ne sont pas préparés à diriger leur propre business. Les relations sont tendues pour des raisons personnelles. Ringo quitte le groupe à une étape clé de leurs enregistrements en cours.

Il lui faut quinze jours pour se calmer, pendant lesquels il compose des chansons. Les autres sont inquiets d'une possible débandade du groupe et le retour de Ringo est accueilli chaleureusement. John donne sa Beatle Backer à Ringo.

Ringo avait gardé cet instrument. Il est estimé $ 600K à vendre par Julien's Auctions à Beverly Hills le 4 décembre, lot 778. Je vous invite à regarder la vidéo partagée sur YouTube par la maison de ventes.

Trop Tard pour les Ming

A partir du règne de l'empereur Wanli, la cartographie Ming intègre la vision du monde par les Jésuites avec les nouvelles découvertes de continents et le quadrillage de latitude et longitude. Cette ouverture n'est cependant pas spectaculaire : la Chine occupe la majeure partie de la surface disponible et les autres pays sont relégués sur les bords sans recherche d'exactitude, parfois simplement symbolisés par des îles.

Ces cartes sont précises pour ce qui concerne les fleuves, la Grande Muraille et les routes des grands voyages, et incluent des informations sur la présence humaine. Les océans sont habités par des monstres mythiques à trois têtes ou aux dents d'or.

Pour les Ming, la catastrophe finale a lieu pendant la 17ème année de l'Empereur Chongzhen, 1644 de notre calendrier. Beijing est prise par les Mandchous. Au nord, un rebelle crée la dynastie Shun qui durera un an. Au sud, les loyalistes espèrent pouvoir fonder une nouvelle capitale à Nanjing.

La carte de Cao Junyi est la dernière carte Ming. Imprimée en xylographie à Nanjing au début de l'été de l'année finale de Chongzhen, elle est certainement ultérieure au suicide de l'empereur.

Cette grande carte 125 x 125 cm est soignée sans être particulièrement innovante. Son titre en Chinois insistant sur les neuf villes frontières signifie probablement une intention militaire, mais il est déjà trop tard pour sauver les Ming. La résistance du sud contre les Qing durera cependant 18 ans.

Trois exemplaires de la carte de Cao sont connus. L'un d'entre eux est estimé £ 300K à vendre par Christie's à Londres le 1er décembre, lot 181.

Céladon et Email

Soutenus par l'Empereur assisté d'une administration spécialisée, les potiers Qing atteignent un niveau de créativité inégalé dans l'histoire de l'art. La réactivation des fours de Jingdezhen par l'empereur Kangxi est suivie d'une recherche du raffinement absolu pour l'empereur Yongzheng et de l'association réussie de la technique et de l'art sous le mécénat extraordinaire de l'empereur Qianlong.

Le vase des quatre saisons à vendre le 2 décembre à Hong Kong par Christie's au lot 3122 atteint la perfection par l'harmonie de ses formes, la beauté de ses couleurs, le mélange réussi des techniques et la simplicité des symboles.

Il porte la marque de Qianlong mais l'avancement de sa technique et le soin de l'exécution ne pouvaient être associés à aucun autre règne. Ce vase de forme lobée de 36 cm de haut faisait partie d'une paire unique en son genre dont l'autre élément appartient au Victoria and Albert Museum.

Sa première glaçure est céladon. Le céladon dont la couleur imite le jade était maîtrisé depuis les Ming mais les Qing ont apporté un progrès considérable en variant l'épaisseur de la couche, permettant à la fois un choix de la nuance de couleur et une surface propice aux moulages et aux ciselages.

Chacune des quatre faces du lobe a été traitée avec une large épargne quadrifoliée dans le céladon, permettant de réaliser un yangcai de couleurs superbes dans un mince cadre doré. Les quatre faces montrent les quatre saisons avec leurs fleurs symbolisant tout ce qui est favorable : la naissance du printemps et l'abondance de l'été sur les deux larges faces, la longévité de l'automne et l'endurance à l'hiver sur les deux faces plus étroites.

Cette pièce très équilibrée dans son esthétique est également équipée d'une agréable paire d'anses dorées en têtes d'éléphants.

Le catalogue ne cherche pas à dater avec précision ce chef d'oeuvre de la période Qianlong mais indique que d'autres thèmes ont été utilisés pour des pièces d'une similaire technique mixte : paysages des quatre saisons, scènes de chasse. L'extrême rareté et la complexité d'exécution laissent supposer que cette technique n'a été utilisée que pendant une très courte période.

Un vase aux garçons vendu pour HK$ 64M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2015 était également basé sur le céladon et le yangcai. Cette pièce pouvait mieux être datée parce que son thème était lié à un encouragement impérial de renouvellement de l'iconographie liée aux festivals pendant la huitième année de Qianlong, 1743 de notre calendrier.

28 nov. 2015

Raffinement en Pâle sur Blanc

A la fin du règne de l'Empereur Kangxi, l'introduction de l'émail dans la technique de la porcelaine augmente très agréablement la palette des couleurs. Les chimistes impériaux continuent le développement de ce falangcai pendant le règne de son successeur, l'Empereur Yongzheng.

Le nouvel empereur est très exigeant en termes de raffinement. Les plus belles pièces sont destinées à son usage personnel exclusif après une sélection sévère.

La plus grande réussite de la porcelaine selon le goût de l'Empereur Yongzheng est le shuimo falangcai. L'émail est déposé comme un lavis d'encre. Cette technique nouvelle permet la même qualité de dessin que sur le papier, avec en plus la brillance de la porcelaine.

Le shuimo permet ainsi de montrer des thèmes traditionnels de l'époque des Song. Quand on adjoint un poème évoquant le plaisir du parfum, l'art devient si total que seul l'empereur lui-même est digne de le mériter.

Le shuimo permet de laisser un infime contraste entre la couleur extrêmement pure de la fleur de prunus et le blanc parfait de la porcelaine. Cet aboutissement extrême du falangcai est développé pendant la neuvième année du règne de Yongzheng et est aussi identifié sous le nom d'émaux sepia. Le quatrième mois de la dixième année, 1732 de notre calendrier, l'excellence du shuimo falangcai est reconnue par un décret impérial.

Les pièces en shuimo falangcai sont extrêmement rares. Le 2 décembre à Hong Kong, Christie's vend un bol de 10 cm de diamètre, lot 2888. Il est décoré de branches et fleurs de prunus ainsi que de bambous. L'ensemble symbolise l'hiver qui anticipe l'espoir du printemps : la fleur de prunus éclôt avant l'arrivée de la feuille et le bambou est immuable quelle que soit la saison.

La décoration est complétée par un poème dans une calligraphie antiquisante qui plaisait à l'empereur, et de trois sceaux émaillés. Le bol porte sous sa base la marque impériale à quatre caractères de l'Empereur Yongzheng.

25 nov. 2015

L'Homme qui mesurait les Cieux

Johannes Kepler, né dans une famille modeste, s'intéresse très tôt à l'astronomie. Il tente d'aider sa mère accusée de sorcellerie. Son intuition selon laquelle l'astrologie répond à des mécanismes exacts et modélisables fait de lui le premier physicien moderne.

Kepler comprend que le modèle héliocentrique de Copernic n'est pas suffisant. La démonstration proposée par Copernic est admirable mais n'est rien de plus qu'un calcul.

Kepler a une mauvaise vue et n'est pas lui-même un astronome. Il rejoint l'équipe de Tycho Brahe à Prague. Kepler utilise les observations extrêmement précises de Brahe tout en s'opposant à son système planétaire qui n'explique pas l'orbite de Mars. Son propre travail permet de démontrer que l'orbite des planètes n'est pas circulaire mais elliptique.

Il voit désormais le soleil comme un moteur qui génère une vitesse d'autant plus grande que la planète est plus proche et compare cet effet à celui d'un aimant. Newton s'inspirera directement des résultats de Kepler pour formuler la loi de la gravitation universelle.

Kepler prépare de 1600 à 1606 l'exposé de ses deux premières lois. Une dispute avec les héritiers de Brahe suspend la publication jusqu'en 1609. Le titre, Astronomia nova, montre bien l'ambition légitime de Kepler d'offrir une approche entièrement nouvelle à ce domaine. L'astrophysique nait avec ce livre.

Le tirage est très restreint : l'auteur est employé de l'empereur Rodolphe II et l'impression est réalisée sans intention commerciale. Pour compenser des retards de salaire, Kepler obtient le droit de vendre quelques exemplaires.

Un exemplaire d'Astronomia Nova qui appartenait à la Royal Institution of Great Britain est estimé £ 90K à vendre par Christie's à Londres le 1er décembre, lot 245.

Voici deux résultats récents sur d'autres exemplaires : £ 212K incluant premium par Sotheby's le 20 mai 2014, et $ 230K incluant premium par Christie's le 17 juin 2008.

La Fabrica de Notre Corps

Galien avait été un très important anatomiste et médecin de l'antiquité mais n'avait pas eu le droit de disséquer le corps humain. En passant outre ce tabou, Andries van Wesel (Andreas Vesalius) répertorie 200 erreurs de son prédécesseur.

Sa nouvelle compréhension du fonctionnement du corps est basée uniqueement sur ses propres observations par la vision et le toucher. L'impact sur les traitements médicaux est immédiat.

En 1539, l'avancement de ses travaux est suffisant pour qu'il envisage la publication d'un livre. La préparation dure quatre ans. Les dessins anatomiques sont réalisées à Venise par un artiste anonyme, probablement de l'entourage de Titien.

De humanis corporis fabrica libri septem est publié à Bâle en juin 1543. L'anatomie du corps humain est décrite en près de 700 pages avec 200 figures. 17 illustrations en pleine page 41 x 28 cm montrent les muscles et le squelette d'un homme debout dans un agréable paysage Padouan. La qualité de la gravure sur bois est extrême : le livre le plus important de tous les temps du point de vue de son contenu est aussi le plus beau livre de son temps.

Un exemplaire du premier tirage de l'édition originale est estimé £ 140K à vendre par Christie's à Londres le 1er décembre, lot 284. Il est complet incluant même le Charta parvas aliquot figuras complenctens conçu par l'auteur pour que les images des organes soient découpées par le lecteur pour un ré-assemblage dans leur position relative;

Un autre exemplaire qui n'était pas du tout premier tirage a été discuté précédemment dans cette chronique. Il a été vendu pour $ 122K incluant premium par Heritage le 4 octobre 2012. Le Charta parvas était également présent.

22 nov. 2015

Ringo à la Batterie

Trois jours de ventes seront nécessaires à Julien's Auctions à Beverly Hills pour disperser la collection de Ringo Starr et Barbara Bach, du 3 au 5 décembre. Pas moins de sept batteries utilisées par le musicien avec les Beatles ou dans sa carrière ultérieure seront offertes dans cette vente.

Les Beatles atteignent la plus haute place au hit parade à partir de février 1963. Il leur faut les meilleurs instruments, et pas seulement des guitares. En avril, Epstein et Starr choisissent ensemble une batterie de trois pièces de marque Ludwig dans un magasin de Londres.

Ringo prend possession de son nouvel instrument le 12 mai. L'activité des Beatles est intense et même frénétique. Entre cette date et le 4 février de l'année suivante, Ringo utilise sa batterie Ludwig dans 200 concerts en public et 180 enregistrements en studio, couvrant tous les titres de cette période de grand enthousiasme qui précède leur voyage en Amérique.

Ce Ludwig Oyster Black Pearl drum kit a été depuis lors conservé par Ringo et n'a plus été vu en public pendant un demi-siècle. Il a cependant été utilisé partiellement en 1969 et 1970 par Paul McCartney pour l'enregistrement de ses premiers albums solo.

La prestigieuse batterie de Ringo Starr est estimée $ 300K, lot 696 à vendre le 4 décembre. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Julien's.

21 nov. 2015

Moss contre Portago

La Mercedes-Benz 300 SL avait tous les atouts pour gagner les compétitions. Elle fut d'abord assemblée sur des châssis W194 puis W196. En 1955 les carrosseries gullwing sont montées sur le châssis W198.

La 300 SL alloy gullwing est la plus grande avancée technique de la marque. L'une d'elles a été vendue pour $ 4,62M incluant premium par Gooding les 20 et 21 janvier 2012. Cependant l'usure trop rapide de sa structure en aluminium n'en faisait pas la meilleure candidate pour l'endurance.

Pour cette raison, les ingénieurs du département Sportabteilung de Mercedes-Benz ont préféré la technologie traditionnelle en acier pour préparer quatre voitures W198 300 SL gullwing pour la compétition.

L'une de ces quatre voitures a été vendue après treize mois à un ami de Stirling Moss. Pilotée par Moss avec Houel comme navigateur, elle a terminé 2ème du Tour de France 1956 après une lutte très serrée contre la Ferrari 250 GT de Portago et Nelson.

La Ferrari gagnante a été vendue pour $ 13,2M incluant premium par RM Sotheby's le 15 août 2015. La vaillante Mercedes-Benz avec laquelle Moss avait défié la domination de Portago est estimée $ 5M à vendre par RM Sotheby's à New York le 10 décembre, lot 223.

Une Cotte de Mailles Damasquinée

La cotte de mailles sert à la protection du corps du guerrier contre les lames de l'ennemi. Portée comme une chemise, cette armure reste légère grâce à sa structure en réseau de mailles métalliques en fer ou en acier. Les modèles de luxe sont ornées de plaques rivetées qui peuvent être damasquinées.

Le 5 décembre à Rock Island IL, Rock Island Auction Company vend une cotte de mailles et plaques Mamelouk, lot 1262 estimé au-delà de $ 200K.

La structure de ce vêtement est du modèle le plus simple et le plus efficace où chaque anneau est tissé avec les quatre anneaux qui l'entourent. La cotte ouvre par l'avant. A l'avant du vêtement et dans le dos, les plaques sont damasquinées par une dorure de type koftgari.

Les inscriptions sont difficilement lisibles mais la référence au sultan mamelouk Qaitbay semble incontestable. Elle a sans doute été créée pour le sultan lui-même ou l'un de ses cavaliers. Une armure similaire attribuée au même règne est conservée au Musée Topkapi à Istanbul. Qaitbay a régné sur l'Egypte de 871 à 901 AH, pendant le dernier quart de 15ème siècle de notre calendrier.

Cette pièce est dans un état très satisfaisant malgré son ancienneté. Quelques anneaux et quelques rivets de plaque sont manquants ou tordus. Environ 60 % du koftgari est présent avec une conservation particulièrement satisfaisante sur le devant de la cotte.

Le Fils du Riche Meunier

John Constable était le fils d'un riche meunier du Suffolk qui possédait des moulins et opérait le transport de ses céréales jusqu'à Londres par la rivière Stour, navigable depuis 1705 par treize écluses. Le meunier était responsable de la maintenance des écluses qui étaient sur ses terres.

A partir de 1819, l'artiste obtient une reconnaissance hautement méritée pour ses peintures de scènes rurales. Ayant désormais pleine confiance dans son art, il commence une série en grand format des paysages locaux dans lesquels il était imprégné depuis son enfance.

John travaille lentement, dans son atelier, en utilisant ses esquisses. Il exprime à la fois le charme du lieu, la tranquillité de l'activité, le ciel toujours changeant, le vent, la menace de l'averse. Commençant en 1821 avec la Charrette de Foin, cette série autour de la rivière Stour est la plus grande réussite de l'art du paysage anglais, mêlant une inspiration romantique à une exécution d'un réalisme parfait.

L'Ecluse, peinte en 1824, est la cinquième des six peintures de cette série. Exposée à la Royal Academy, elle est achetée dès le premier jour par un collectionneur. Cette huile sur toile 142 x 121 cm a été vendue pour £ 22,4M incluant premium par Christie's le 3 juillet 2012.

John est un artiste sensible qui a certainement ressenti la vente de sa peinture comme un arrachement de ses souvenirs d'enfance. Ses papiers personnels indiquent en 1825 qu'il vient d'en achever une copie. Cette huile sur toile est estimée £ 8M à vendre par Sotheby's à Londres le 9 décembre, lot 44.

Les experts voient quelques différences entre les deux versions, peut-être un ciel plus sombre par endroits qui annonce les paysages plus expressionnistes des années suivantes. Je dirai plutôt que la similitude des deux peintures est extrêmement remarquable, d'autant plus que John n'avait pas la version originale en mains pour réaliser la copie. Le soin avec lequel l'artiste concevait ses compositions est insurpassable.

La seconde version n'a pas été peinte dans un but de vente et John l'a gardée toute sa vie. Elle a servi pour réaliser la gravure publiée en 1834.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

18 nov. 2015

La Maîtrise du Calendrier

Le calendrier perpétuel était offert depuis les années 1920 par Patek Philippe sur certaines de leur références de montres mais les perfectionnistes attendaient encore un indicateur d'année bissextile.

La première expérience faite en 1975 par la transformation d'une montre de référence 3448 n'est pas acceptable : la position de l'indicateur n'était pas compatible avec une autre complication du modèle.

La réussite vient en 1981 avec la transformation d'une autre 3448. Cette montre en or blanc a été vendue pour CHF 1,62M incluant premium par Christie's le 13 mai 2013 sur une estimation basse de CHF 800K. Patek Philippe décide aussitôt de mettre en production cette version améliorée à laquelle ils attribuent la référence 3450.

Deux 3450 seulement sont connues en or blanc. L'une d'elles fabriquée en 1985 est estimée au-delà de HK$ 8M à vendre par Phillips à Hong Kong le 1er décembre, lot 305. Elle est en excellent état.


Aston Martin pour la Competizione

Il semblait difficile de concurrencer Ferrari sans faire appel à des carrossiers Italiens. En 1960, Aston Martin choisit Zagato pour équiper 25 châssis de sa DB4 GT.

La DB4 GT Zagato est une voiture légère dans laquelle la plupart des éléments précédemment en acier ont été remplacés par de l'aluminium. Avec ses formes arrondies spécialement étudiées pour l'aérodynamique, elle ressemble à une voiture Italienne sans être proche d'une Ferrari.

Conçue pour la route avec une volonté de compatibilité avec la compétition, elle est débarrassée de tous ses équipements inutiles et peut ainsi être directement comparée avec la 250 GT SWB Berlinetta Competizione développée par Ferrari en 1959.

Le succès en course n'a pas répondu aux attentes d'Aston Martin et l'arrivée sur le marché de la Ferrari 250 GTO a détourné de la marque anglaise les clients de voitures italiennes de haut de gamme. La production de la DB4 GT Zagato est arrêtée après le 19ème exemplaire. En raison de l'engouement pour les voitures de cette période prestigieuse, les six carrosseries Zagato restantes sont assemblées à partir de 1988 sur de vieux châssis DB4 transformés en DB4 GT.

Le 10 décembre à New York, RM Sotheby's vend la 14ème Aston Martin DB4 GT Zagato, terminée en décembre 1961 pour préparer la saison 1962 durant laquelle elle a eu un important historique de compétition en Australie. Elle a été restaurée en 2002 avec la collaboration de la Carrozzeria Zagato.

Cette voiture est estimée $ 15M, lot 215. Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par la maison de ventes.

La Couleur Sang de Pigeon

La couleur sang de pigeon, un rouge vif et saturé, est la plus prestigieuse pour les rubis. Cette variété est extraite des mines de Mogok en Birmanie (Myanmar). L'analyse chimique des inclusions est utilisée pour confirmer l'origine ainsi que l'absence de traitement thermique.

Le 12 novembre 2014, Sotheby's avait vendu le Graff Ruby pour CHF 8,3M incluant premium. Ce rubis taillé en coussin était considéré comme exceptionnel par son poids, 8,62 carats.

La vente de Christie's à Hong Kong le 1er décembre inclut pas moins de trois lots de sang de pigeon.

Le rubis estimé HK 78M au lot 2121 est nommé The Crimson Flame. Egalement taillé en coussin, il pèse 15,04 carats. Le Gübelin GemLab a constaté son excellente clarté et brillance et le SSEF Swiss Gemological Institute déclare qu'il peut être considéré comme un trésor exceptionnel. Il est monté sur une bague dans un joli environnement de diamants coussins.

Le lot 2120, estimé HK$ 48M, est un collier par Faidee nommé The Mogok's Fiery Red. Il est composé de 32 rubis en alternance avec des diamants. Le plus gros de ses rubis pèse 5,05 carats.

Egalement signée par Faidee, une paire de pendants d'oreilles en rubis et diamants est estimée HK$ 22,8M au lot 2119. Le poids des rubis est 5,08, 5,03, 2,51 et 2,49 carats.

Faidee est également le créateur du Red Emperor. Ce collier a été vendu pour HK$ 77M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2014.

15 nov. 2015

Une Ferrari à l'Usage de Fangio

Mercedes-Benz arrête la compétition à la fin de la saison 1955. Ferrari aux aguets parvient à signer un contrat avec Juan Manuel Fangio. Agé de 45 ans en 1956, le champion Argentin jugeait son avenir incertain du fait de la chute de Peron et ne pouvait plus envisager de prendre sa retraite.

Le World Sportscar Championship suscite un prestige similaire à celui de la Formule 1. Face à la redoutable concurrence de la Maserati 300S, Ferrari prépare le modèle 290 MM, certainement avec les recommandations de son nouveau pilote. Selon l'habitude de Ferrari à cette époque, la course pour laquelle le modèle est plus spécifiquement préparé est indiquée dans la désignation : MM signifie Mille Miglia. Quatre voitures sont construites.

Les Mille Miglia 1956 sont perturbés par une forte pluie qui occasionne pas moins de trois accidents mortels. La compétition est gagnée par la 290 MM conduite par Castellotti. Fangio est quatrième avec sa voiture de même modèle.

Cette 290 MM ne sera pas réutilisée par la suite par Fangio mais aura un palmarès de compétition important avec d'autres pilotes prestigieux de la Scuderia Ferrari comme Portago, Phil Hill et Gendebien. Vendue à des propriétaires privés Américains au milieu de la saison 1957, elle court jusqu'en 1964 sans aucun accident.

Cette voiture a conservé tous ses éléments d'origine : le châssis, le moteur, la boîte de vitesse, et sa carrosserie par Scaglietti. Elle est à vendre par RM Sotheby's à New York le 10 décembre, lot 221.

Fangio n'a pas réussi a coopérer durablement avec Enzo Ferrari et est retourné chez Maserati juste après son contrat d'un an. Les Ferrari pilotées par ce champion en compétition sont ainsi extrêmement rares et la voiture à vendre a un époustouflant niveau d'authenticité. Elle est estimée $ 28M.

Croissance d'un Dinosaure

L'actuel Wyoming était probablement une région sèche à la fin du Jurassique, il y a 150 millions d'années. Les dinosaures carnivores ou herbivores y menaient leurs ébats. L'abondance des fossiles et leur faible enfouissement permet sans cesse de nouvelles trouvailles.

La plus spectaculaire, découverte en 2007, est celle des deux bêtes qui se sont entretuées et dont les squelettes fossiles ont été vendus en un seul lot par Heritage pour $ 2,75M incluant premium le 12 juin 2011. L'allosaure de ce couple terrible mesurait 6,30 m et était complet à 70 %.

Les spécimens juvéniles sont extrêmement rares, peut-être parce que leur mort était souvent due à des prédateurs peu respectueux de l'intégrité de leur squelette. Ils sont intéressants par les proportions de leurs membres encore en phase de croissance. La première excavation d'un os de jeune allosaure dans le Wyoming a été effectuée en 2006.

Le 25 novembre dans leur galerie du Sussex entourée de jardins, Summers Place Auctions vend un fossile squelette d'allosaure juvénile long de 2,85 m, complet à plus de 50 %. Il est estimé au-delà de £ 300K, lot 55.

J'avais bien eu l'intuition dans des chroniques précédentes qu'une amélioration récente des techniques favorisait l'excavation de pièces de plus en plus complètes. Le communiqué de presse publié par Summers Place donne des détails passionnants.

Le premier os du specimen à vendre a été trouvé en 2010. Une première évaluation par les géologues est maintenant considérée comme indispensable avant de sortir le squelette, pour établir à la fois la dureté de la roche et la fragilité du fossile. L'espèce doit être identifiée très tôt pour mieux orienter la recherche des os dans la roche.

Le travail minutieux de récupération de ce squelette s'est étendu sur trois saisons. Il gisait au-dessus du fossile d'un grand sauropode qui a fait l'objet d'un soin similaire.

La Lanterne Brisée

L'âge d'argent avait régénéré les super héros des comics mais à l'époque des hippies les envies des adolescents changent, dans un sens qui ne plait généralement pas à leurs parents. En réaction, pour maintenir le public, l'âge de bronze commence.

DC Comics reste le leader de ce marché. La rupture de style et de thème démarre en avril 1970 avec leur numéro 76 du magazine Green Lantern, le premier de la série à double titre Green Lantern - Green Arrow.

Le personnage de Green Lantern, hyper-musclé dans son costume ressemblant à Superman, est un vétéran des comics. Avec la couverture du 76, tout change. Il casse lui-même d'un geste rageur la lanterne qui assurait ses pouvoirs magiques depuis 30 ans. Son visage exprime la haine, mais toute sa violence est dirigée contre le mal. Il protégera les adolescents même contre leur gré.

Le texte de sa parole est une profession de foi : In brightest day, in darkest night, no evil shall escape my sight.

L'autorité de régulation de la morale des comics, le Comics Code Authority, accepte d'ouvrir le genre aux problèmes sociaux. Les comics sont autorisés en 1971 à discuter de la drogue, de l'alcool, de la corruption politique et de la pollution environnementale à la condition absolue de les montrer comme néfastes.

Green Lantern - Green Arrow consacre ses numéro 85 et 86 à la drogue. Le maire de New York est ravi mais les adolescents ne sont pas dupes. L'échec commercial entraîne l'arrêt du magazine après le numéro 89.

Le dessin original par Neal Adams pour la couverture du 76 est estimée $ 300K à vendre par Heritage à Beverly Hills le 20 novembre, lot 92004. Je vous invite à regarder la vidéo partagée sur YouTube par la maison de ventes.

14 nov. 2015

La Dispersion de la Lumière

En 1666 Isaac Newton âgé de 24 ans travaille à l'amélioration de l'optique des télescopes. Son observation selon laquelle la génération du spectre est liée aux propriétés physiques de la lumière et non à celles du prisme est une des plus importantes avancées scientifiques de son temps. Il la démontre de façon irréfutable quand il recompose la lumière blanche par un second prisme.

En 1672, il a réussi à supprimer l'aberration chromatique dans les télescopes et commence à faire des conférences que la Royal Society publie dans ses Philosophical Transactions.

Le grand savant avait une personnalité très difficile et n'acceptait pas la contradiction. Robert Hooke, qui avait considéré avant Newton une propriété ondulatoire de la lumière, conteste certains éléments. La haine entre les deux savants est irrémédiable. Newton refusera de publier son livre sur la lumière du vivant de Hooke.

Heureusement, Newton a aussi des amis comme Edmund Halley qui l'aide à publier en 1687 son livre séminal sur l'utilisation des mathématiques pour modéliser les propriétés gravitationnelles de la matière, les Philosophiae Naturalis Principia Mathematica.

Opticks paraît enfin à Londres en 1704, curieusement sans nom d'auteur, l'année qui suit la mort de Hooke. Newton a ajouté deux chapitres concernant les figures curvilinéaires, dans le but d'établir sa priorité par rapport aux travaux en cours par Leibniz.

L'exemplaire d'Opticks offert par Newton à Halley est estimé $ 400K à vendre par Sotheby's à New York le 4 décembre, lot 918. Il n'est pas dédicacé mais Halley a écrit sur la page de titre intérieur : "Luceo. Ex dono doctissimi authoris". Luceo, qui ne signifie rien en latin, est un élan d'enthousiasme basé sur Lux.

Le Roi et la Reine du Cameroun

En 1925, dans les prairies de l'ouest du Cameroun et plus précisément au village de Batoufam appartenant au groupe ethnique Bamileke, le pasteur missionnaire Christol découvre un ensemble unique en son genre.

Tous les rois de la dynastie en cours ainsi que leur première reine sont figurés par une statue d'environ 1 m de haut. Leur nom et leur chronologie avaient été pieusement conservés et Christol les fait aligner pour une photographie. Cette mise en scène restera en l'état pendant plus de trois décennies avant que le groupe soit exporté et dispersé.

Ces statues destinées à la célébration du couple royal étaient réalisées au début du règne et représentent ainsi un cas extrêmement rare de figures royales africaines sculptées du vivant des modèles et pouvant être considérées comme des portraits.

La statue du huitième roi, réalisée dans les années 1880, marque un progrès dans la figuration, avec dignité et un net effort de réalisme. Elle a été vendue pour € 735K incluant premium par Sotheby's le 24 juin 2015.

Le couple du neuvième roi, Pokam, mort en 1919, et de sa reine consorte Yugang n'a pas été séparé. Ces portraits ont peut-être été sculptés par le même artiste que celle du huitième roi, mais les proportions du corps et du visage sont réalisées avec plus de soin et l'expression est superbe. La femme porte un enfant nouveau-né sur son bras.

Les statues de Pokam et Yugang restent ensemble au lot 14, estimé € 1,3M par Sotheby's à Paris le 2 décembre.

Le Tourbillon d'Acier

A la fin du XVIIIème siècle, les observatoires astronomiques deviennent les arbitres de la précision des chronomètres, organisant des concours réguliers et octroyant des labels aux mécanismes qui passent les essais avec succès. Les épreuves incluent l'endurance et les effets de la position et de la température, ces trois critères pouvant être cumulés.

A Genève, le premier concours est organisé en 1790. Kew, Neuchâtel et Besançon créeront des concours similaires au siècle suivant.

Dans les années 1920, Patek Philippe mène en parallèle la miniaturisation et l'obtention de la précision. En Suisse, on n'est pas pressé. Les mécanismes destinés au concours font leurs preuves pendant plusieurs années dans les ateliers avant d'être présentés au concours. L'assemblage dans un boîtier et la mise en vente sont ultérieurs à la certification par l'observatoire.

Le 1er décembre à Hong Kong, Phillips vend un tourbillon en acier inoxydable avec une durée de régulation d'une minute, lot 315 estimé HK$ 3,9M.

Le mécanisme a été réalisé en 1924 et a gagné le premier prix à Genève en 1931. Après avoir été monté dans un boîtier en or, cette montre de poche a été vendue en 1935 à son premier propriétaire privé.

Le tourbillon est un système de cage tournante breveté par Breguet en 1801 mais pour lequel il n'était pas parvenu à surmonter les difficultés de réalisation. Le tourbillon compense les effets de la gravitation terrestre mais avait la mauvaise réputation de perdre en précision quand l'instrument était penché. Le prix obtenu par Patek Philippe en 1931 démontre leur parfaite maîtrise de cette technique difficile pour des exemplaires uniques ou de très petite série.

13 nov. 2015

L'Importance d'être l'Ami d'Oscar

Oscar Wilde a voulu mener une vie flamboyante tout en attaquant les tabous littéraires, sans restreinte en matière de provocations verbales. Il a réussi. Le Portrait de Dorian Gray, son grand roman publié en 1890, démontre brillamment que l'opposition entre l'esthétique et l'éthique peut être totale. L'écrivain, Balzac par exemple, ne copie pas la vie, il la crée.

Oscar avait été élevé comme une fille par sa mère mais ne semble pas s'être intéressé à une homosexualité active avant 1886, quand il rencontre Robert Ross. Ross transgresse délibérément la loi anglaise qui interdit cette pratique depuis l'année précédente. Leur amitié restera indéfectible jusqu'à la mort d'Oscar même quand l'écrivain deviendra follement amoureux d'Alfred Douglas.

1895 marque un tournant dans la vie d'Oscar Wilde. Sa pièce The importance of being earnest fournit le meilleur exemple de son humour et de sa subtilité dans une intrigue jouant sur l'identité réelle des personnages, bien avant Pirandello. La même année, il clame avec trop de visibilité son droit à l'homosexualité dans les procès pour immoralité qui lui sont intentés par le père d'Alfred.

The importance of being earnest est publié à Londres en 1899 en format in-quarto. L'auteur vit en exil en France après avoir été libéré des prisons anglaises. Il dédie chaleureusement à Ross un des douze exemplaires sur vélin Japonais. Ce précieux livre a été vendu pour $ 360K incluant premium par Sotheby's le 20 avril 2012. Il est maintenant estimé £ 160K à vendre par Sotheby's à Londres le 24 novembre, lot 132.

Robert Ross a eu un rôle extrêmement important dans la préservation du travail d'Oscar Wilde pendant ses dernières années puis en tant que son exécuteur testamentaire. L'écrivain lui doit en grande partie sa réhabilitation posthume. Le scandale est éteint. En 1950, à l'occasion du cinquantième anniversaire de la mort d'Oscar, les cendres de Robert Ross sont installées dans la sculpture funéraire commandée par lui et dédiée à l'écrivain au cimetière du Père Lachaise à Paris.

Tintin contre les Aniotas

Tintin est revenu sain et sauf d'aventures loufoques au pays des Soviets. Sur l'incitation de l'abbé Wallez, Hergé envoie en 1930 son jeune reporter au Congo pour glorifier l'influence civilisatrice du colonialisme Belge. Tintin au Congo, qui est le premier album de la maturité d'Hergé, remporte un grand succès.

A cette époque, la question des Aniotas est un casse-tête pour le gouvernement Belge. Cette société secrète tribale opposée à la civilisation blanche promeut les assassinats et revendique le cannibalisme. Leur rituel inclut le déguisement en léopard pour effectuer les meurtres. La popularité de Tintin dans le village inquiète le sorcier, qui est également un Aniota et qui veut évidemment supprimer le héros.

Casterman édite les albums Tintin, encore en noir et blanc à cette époque, à partir de 1934. Tintin au Congo est réédité en 1937 sans modification des dessins constituant l'histoire mais avec l'insertion de quelques dessins hors texte en pleine page.

L'original d'un de ces dessins 24 x 18 cm est estimé € 300K à vendre par Artcurial à Paris le 21 novembre, lot 105. Voici le lien vers le communiqué de presse de la vente.

L'image est spectaculaire. Tintin est en tenue de chasse et attend tranquillement le gibier. Milou dort. Derrière eux, l'homme-léopard approche sans bruit, prêt à saisir Tintin avec ses longues griffes. Un détail montre le raffinement de l'art d'Hergé : les yeux de la cagoule s'intègrent dans la rangée de taches du léopard.

Les accusations de racisme qui ont fait suspendre la publication de cet album pendant plusieurs années sont venues bien plus tard, à l'époque de l'indépendance du Congo.

Le Mariage Impossible des Half-Castes

Né dans une famille d'artistes, Arthur Boyd découvre en 1951 la misère choquante des half-castes lors d'un voyage dans les déserts d'Australie centrale.

Ce terme désigne les enfants illégitimes des coloniaux blancs et des aborigènes. Le gouvernement Australien, dans plusieurs actes officiels à partir de 1886, ne donnait pas de solution politiquement satisfaisante à leur sort. Sous prétexte de protection de la race, ils étaient retirés de leurs deux familles et soumis à un apartheid presque absolu.

Les fortes restrictions sur le mariage ont inspiré à Boyd à partir de 1957 une série de peintures décrivant dans des scènes variées l'amour, le mariage et la mort de la mariée. La robe blanche apporte une grande luminosité qui contraste avec la misère physique et morale du mari. Cet ensemble à la fois narratif et contestataire est réalisé avec beaucoup d'humour.

Bride running away, 92 x 122 cm, peint en 1957, montre la mariée cherchant à échapper au mari qui tend les bras désespérément. Cette oeuvre a été vendue pour AUD 1,68M incluant premium par Sotheby's Australia le 14 août 2012.

Sur The frightened bridegroom, 62 x 63 cm, peint en 1958, l'homme Aborigène à la peau bleue est seul, est recroquevillé dans un environnement sinistre pourtant éclairé par une lueur blanche qui est comme un souvenir de la noce. Cette oeuvre a été vendue pour AUD 1,2M incluant premium par la même maison de ventes le 23 août 2011.

Le 24 novembre à Sydney, Sotheby's Australia vend Sleeping Bride, huile et tempera sur toile 92 x 122 cm peinte en 1957 ou 1958, lot 17 estimé AUD 1M. La mariée est seule, le visage bleu et le bouquet au sol. Des oiseaux regardent. Les voiles sont d'un blanc éclatant mais un insecte vient s'y promener.

12 nov. 2015

Un Bureau Mazarin à l'Epoque de Bérain

Louis XIV fait appel aux meilleurs artisans pour meubler son palais de Versailles. Ebéniste d'origine Hollandaise arrivé en France avant 1660, Alexandre-Jean Oppenordt travaille pour les commandes royales, d'abord comme apprenti de Campe avant d'être nommé à la charge prestigieuse d'ébéniste du roi en 1679.

Oppenordt est un contemporain de Boulle mais aussi de Bérain, qui introduisit dans l'ameublement un nouveau style de décoration basée sur les arabesques.

La paire de bureaux livrés par Oppenordt en 1685 pour une pièce utilitaire appelée le Petit Cabinet du Roi constitue les seuls meubles connus attribués avec certitude à Oppenordt. Ce sont des bureaux à huit pieds en deux groupes entretoisés et trois colonnes de deux tiroirs chacun, la colonne centrale étant en retrait pour pouvoir avancer une chaise. Ce modèle très courant au XVIIème siècle en France est connu sous le nom de bureau Mazarin.

La pièce en première partie est conservée au Metropolitan Museum de New York.

La pièce en seconde partie de laiton et d'écaille rouge a été ré-élevée en bureau de pente au XIXème siècle par un baron de Rothschild, sectionnant partiellement dans cette opération la décoration à la Bérain mais ajoutant une indéniable élégance de forme. Ce meuble est estimé € 800K à vendre à Paris (Drouot) par Fraysse le 18 novembre, lot 130. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

L'Enfant dépravé par la Guerre

Mort à 20 ans de la typhoïde en 1923, Raymond Radiguet avait eu le temps de vivre une vie intense. Dans son enfance, une boulimie de lecture lui fait connaître les grands romans et poèmes d'amour de la littérature française.

Il est trop jeune pour partir à la guerre. Par un défi d'adolescent désoeuvré, il séduit la femme d'un soldat parti au front. Devenu collaborateur de journaux, il entre en relation avec les écrivains et artistes de Montparnasse. Après Alain-Fournier et Le Grand Meaulnes, les romans de Radiguet sont inspirés de ses émois torrides d'adolescent sans toutefois être strictement autobiographiques.

Radiguet écrit ses romans sur des cahiers d'écolier. Le premier brouillon autographe de son grand succès, Le Diable au corps, vient tout juste d'être découvert. Le premier cahier est daté du 20 août 1921. Ce manuscrit est estimé € 500K à vendre par Christie's à Paris le 2 décembre, lot 65.

Ce manuscrit comprend 161 feuilles, la plupart écrites seulement au recto. Avec ses très nombreuses ratures et corrections, c'est un irremplaçable témoin du processus littéraire du jeune prodige.

La jeune femme s'appelle Alice, comme la femme du soldat. Par discrétion, elle s'appellera Marthe dans la version finale, pour laquelle un autre manuscrit est connu. Dans ce premier brouillon, l''aventure s'arrête quand Alice devient enceinte. La version finale prolongera l'aventure.

Jean Cocteau était connu comme un très grand admirateur de Radiguet. Le nouveau manuscrit a été écrit à quatre mains. En plusieurs endroits, Jean Cocteau a fait bénéficier Radiguet de son expérience littéraire et a rectifié des imprécisions du texte de son jeune protégé.

Le Passage de la Fécondité

Les deux chefs d'oeuvre de l'imagerie d'Edvard Munch, le Cri et Madonna, ont été conçus la même année, 1893.  L'angoisse et la fécondité expriment la grande question de la vie et il est tentant de les considérer en pendants.

Dans les deux cas, la peinture précède la lithographie en noir et blanc, qui fait l'objet de coloriages variés par l'artiste pour choisir le meilleur équilibre de la future lithographie en couleurs.

Madonna est une jolie femme dont le modèle Dagny Juel était appréciée par l'artiste. Elle est nue et debout, dessinée jusqu'au bas des hanches. La tête est penchée vers l'arrière et les yeux fermés attendent une jouissance. Les lèvres rouges marquent la douleur selon l'explication donnée par l'artiste et rapprochent cette idole ambiguë du vampire, un autre des thèmes préférés de Munch à la même période. Le fond sinistre marque l'incertitude du futur.

Munch a conçu pour sa première peinture de Madonna le cadre couleur de sang sur lequel les spermatozoïdes viennent glisser et qui est cassé en bas à gauche pour montrer le foetus, symbole de mort à partir du moment où il est sorti du corps de la femme. Ce cadre unique n'a pas été conservé.

L'édition originale de la lithographie de Madonna a été réalisée en 1895 avec un format d'image 61 x 46 cm. Les copies colorées par l'artiste sont probablement toutes différentes. L'une d'elles a été vendue pour £ 1,25M incluant premium par Bonhams le 13 juillet 2010. Une autre aux couleurs plus tragiques est estimée $ 1M à vendre par Sotheby's à New York le 23 novembre, lot 96.

En 1902, l'édition du septième et dernier état est imprimée dans les mêmes dimensions avec un rouge et un bleu stridents. Un exemplaire est estimé $ 450K par Sotheby's au lot 97 de la même vente.

9 nov. 2015

Le Grand Atlas par Blaeu

L'Atlas Major par Joannes Blaeu est la plus remarquable édition illustrée du XVIIème siècle, publiée à Amsterdam en 1662. Il est composé de 594 gravures de cartes, plans et vues accompagnées d'environ 3000 pages de textes. Le format folio 52 x 34 cm est le plus grand utilisé à cette époque.

Cet atlas mondial est le résultat de plus de trois décennies de préparation, commencée quand Willem, le père de Joannes, achète en 1629 les plaques de cuivre des cartes de Hondius.

Il est publié en latin, français, hollandais, allemand et espagnol. L'édition de base en latin est répartie en 11 volumes. Blaeu cherchait les faveurs de Louis XIV et l'édition française est augmentée de textes plus détaillés concernant la France, l'Asie et l'Amérique, étendant à 12 le nombre total de volumes.

Un exemplaire complet et finement colorié du Grand Atlas ou Cosmogonie Blaviane, en laquelle est exactement descrite la terre, la mer et le ciel, resté dans sa reliure en vélin doré de l'époque, a été vendu pour € 490K incluant premium par Pierre Bergé et Associés le 18 juin 2014.

Le 17 novembre à Londres, Sotheby's vend un exemplaire, également complet et coloré, de l'Atlas Major, sive Cosmographia Blaviana, qua solum, salum, coelum accuratissime describuntur. Il est estimé £ 240K, lot 46.

Un exemplaire composite ajoutant au Grand Atlas en Français un volume de cartes de navigation et un volume de comparaison par les cartes entre le monde antique et le monde moderne avait été discuté dans cette chronique. Il a été vendu pour € 200K hors frais par Pierre Bergé et Associés le 20 juin 2008.

Le Pin et l'Aigle par Pan Tianshou

Le pin et l'aigle représentent la force, chacun à sa manière. L'oiseau est dominateur. L'arbre souvent isolé est autonome. Qi Baishi ne s'y est pas trompé. Son aigle branché 266 x 100 cm est un hommage à son protecteur Jiang Jieshi. Cette oeuvre a été vendue pour RMB 425M incluant premium par China Guardian le 22 mai 2011.

Pan Tianshou pratique l'encre et couleur sur papier en grandes dimensions et apparaît ainsi comme le successeur de Qi Baishi et Xu Beihong. Il fut directeur de l'Académie Nationale d'Art Chinois (Zhejiang Academy of Fine Arts) de 1945 à 1947 et à partir de 1957.

Pan voulait être un théoricien du modernisme et son style ne pouvait pas convenir à l'art officiel. Son arrestation en 1966 par les Gardes Rouges marque la fin de sa carrière. Le trait est hérissé et agressif pour exprimer la force. Le paysage à peine esquissé par des aplats de couleurs claires est limité aux quatre coins par l'oiseau, la branche ou le rocher.

Corbeaux sur un rocher, 82 x 81 cm, réalisé en 1956, est un bel exemple à la fois de la théorie de la composition et de l'originalité de l'expression animale par l'artiste. Cette oeuvre a été vendue pour RMB 27,6M incluant premium par Poly le 3 décembre 2012.

Deux aigles sur un rocher, 72 x 241 cm, réalisé en 1959, a été vendu pour RMB 47M incluant premium par Poly le 5 décembre 2011. Les oiseaux superbement dessinés apparaissent à la fois actifs et intelligents.

Le 15 novembre à Beijing, China Guardian vend deux oeuvres par Pan Tianshou.

Le lot 1262, intitulé Aube, 144 x 195 cm, réalisé en 1961, est estimé RMB 52M. Il montre un aigle avec une expression terrible, comme s'il était soucieux de son avenir. L'artiste est déjà loin des animaux idéalisés de Xu Beihong.

Le lot 1261, intitulé Pin, 207 x 151 cm, réalisé en 1964, montre le roi des arbres dans une position enveloppante et dominante. Cette oeuvre est estimée RMB 68M.

Les Montagnes du Grand Timonier

Les superbes montagnes de la Chine inspirent les artistes depuis de nombreux siècles. A l'approche de la Révolution Culturelle, Li Keran donne à ce thème classique une signification politique.

A partir de 1962, ses paysages deviennent d'un rouge intense. Les montagnes sont des tours puissantes qui occupent presque toute l'image, limitant considérablement la place laissée au ciel. Les rouleaux en hauteur descendant jusqu'à la vallée sont aussi une tradition pour les paysagistes Chinois. Li n'y manque pas, et la montagne rouge devient une protection pour la vallée fertile et les petites maisons à façades blanches.

Une encre et couleur sur papier 131 x 84 cm simplement intitulée Montagnes en rouge réalisée en 1964 a été vendue pour RMB 293M incluant premium par Poly le 3 juin 2012. Cette oeuvre inclut un raffinement politique : la haute montagne n'occulte pas toute la vue : les lointaines collines en haut et à gauche de l'image symbolisent l'avenir illimité du Maoïsme.

Le 15 novembre à Beijing, China Guardian vend Milliers de montagnes en automne, 76 x 46 cm, réalisé la même année dans la même technique, lot 1237 estimé RMB 68M. Milliers de montagnes, Qianshan en Chinois, est une localisation du paysage interprété par l'artiste sans signification politique. L'inscription en haut à gauche est bien entendu une référence à Mao.

8 nov. 2015

Le Nord et le Sud de Dong Qichang

A la fin de la dynastie des Ming, il y a 400 ans, Dong Qichang est un théoricien de l'art graphique. Il décrit deux tendances traditionnelles opposées qu'il nomme l'école du nord et l'école du sud. Ces appellations sont considérées aujourd'hui comme abusives car elles ne correspondent aucunement à des styles artistiques géographiquement distincts.

Dong attribue au nord un réalisme dans la tradition confucéenne, plus soucieux selon lui d'objectivité que d'art. Son école du sud promeut des formes libres proches du futur romantisme Européen. La création artistique du sud invite à l'émotion et au rêve dans la mouvance Taoïste.

Le 15 novembre à Beijing, China Guardian vend un paysage de montagnes par Dong Qichang, rouleau sur papier 26 x 146 cm, lot 1327 estimé RMB 60M. Voici aussi le lien vers ce lot dans le catalogue en Chinois.

Le trait d'encre net et précis définit un paysage de montagnes où l'accumulation des roches est joliment exagérée. Le sol est parsemé d'arbres de façon plus réaliste, ce qui pouvait aider les amateurs d'art nordique de son temps à accepter le romantisme de l'artiste. La scène n'est pas animée, mais un discret groupe de chaumières apporte une dimension humaine.

L'Explorateur de la Vie Rurale

L'art de Norman Rockwell connaît un tournant en 1939 quand il quitte la banlieue de New York pour s'établir dans le Vermont. Son observation de la vie dans les petites villes va plaire aux lecteurs du Saturday Evening Post.

Ses images qui glorifient les petits métiers contribuent au nationalisme Américain, et cet apport est particulièrement apprécié en ce temps de guerre. La variété Américaine n'est pas ignorée : de 1943 à 1948, Rockwell voyage souvent dans la partie est des Etats-Unis, jusqu'à la Georgie.

Proche des lecteurs de son magazine, l'artiste aime se montrer lui-même dans ces scènes de visites provinciales. Le 19 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 84 x 160 cm sur le thème de la visite de Rockwell à un éditeur rural, publiée le 25 mai 1946 en page intérieure du Saturday Evening Post. Cette peinture est estimée $ 10M, lot 55.

Dans cette scène située à Paris, Missouri, le patron et les employés sont affairés à la préparation du journal local dans leur petit atelier comme ceux de l'ancien temps, avec des machines à écrire volumineuses et des souvenirs collés au mur.

Les personnages forment plusieurs groupes. Au centre, l'éditeur assis devant son bureau prépare un article tout en écoutant un avis de son imprimeur. A gauche, un très jeune ouvrier tend malicieusement un papier à une jolie secrétaire. Plus à droite, trois personnes discutent. Un homme assis apprend la mort du Président Roosevelt qui est le thème principal de la nouvelle édition du journal. Rockwell, reconnaissable à sa pipe et son chapeau, pénètre à cet instant dans la pièce.

Avec ces détails précis, pittoresques et pleins de vie, Rockwell a mieux que tout autre artiste enregistré et montré la vie quotidienne loin des grandes villes. Il est maintenant reconnu comme un des plus importants artistes Américains de son temps.

Sept Ans de Méditation

Agnes Martin exprime le sol, après Pollock, et accepte d'être considérée parmi les artistes de l'expressionnisme abstrait. Inspirée par le Zen et le Bouddhisme, elle s'imprègne du calme et de la beauté.

Sa technique est perfectionniste : sur une surface monochrome peinte à l'huile, qu'elle remplacera après 1964 par l'acrylique, elle trace un réseau de lignes colorées dans un motif unique répété de haut en bas de l'image, invisible à l'oeil nu mais apportant la richesse sans cesse renouvelée de la texture. Cette technique de parallèles n'est pas sans rappeler le tissage primitif extrêmement esthétique des couvertures Navajo.

Les titres de ses oeuvres les plus achevées expriment le paysage. The Beach, 190 x 190 cm, peint en 1964, a été vendue pour $ 6,5M par Sotheby's le 13 novembre 2013. Desert, peint en 1965, a été vendu pour $ 4,7M par Christie's le 16 mai 2007. Mountain II, peint en 1966, a été vendu pour $ 4,5M par Christie's dans la même vente. Ces prix incluent les frais.

Agnes avait participé activement jusque là à la vie artistique de New York, mais 1967 marque un défi à sa fragile santé mentale. La gloire qui commence à lui être attribuée ne convient pas à son aspiration à la discrétion. L'immeuble où elle a son atelier va être détruit et son mentor artistique, Ad Reinhardt, plus jeune qu'elle d'un an, meurt prématurément.

Agnes Martin, âgée de 55 ans, prend la route pour une vie errante selon la mode hippie qui la mènera bientôt à s'établir de façon permanente à Taos. Elle cesse de peindre pendant sept ans.

Le 10 novembre à New York, Christie's vend un acrylique, graphite et encre sur toile 183 x 183 cm peint en 1967, lot 13B estimé $ 5M. Le titre, Happy Valley, indique un sentiment et marque ainsi son besoin de retrouver une quiétude perdue. Bien que le jour exact ne soit pas connu et que l'oeuvre ne soit pas localisée, il s'agit probablement d'une des dernières peintures réalisées par Agnes Martin avant son grand départ pour l'inconnu.

7 nov. 2015

L'Expérience Française de Joan Mitchell

Joan Mitchell est une des meilleures figures de la seconde génération de l'expressionnisme abstrait. Elle est inspirée par les couleurs de la nature dans des oeuvres qui semblent violentes et impulsives mais qui sont en fait fortement architecturées.

Pendant deux années successives, 1955 et 1956, elle fait des séjours d'été en France. Elle se mêle à l'importante communauté artistique Parisienne, et son art se modifie, renonçant à utiliser une grammaire géométrique. L'expérience (c'est elle-même qui utilise ce terme) est réussie puisqu'elle s'installe de façon permanente à Paris en 1959.

La violence de l'action, les zigzags, la volonté d'exprimer la nature par l'abstraction rapprochent son art de celui de Pollock, mais le tempérament fort de Mitchell n'accepte pas forcément de modèles. A la différence de Pollock, elle utilise un large pinceau pour réaliser ses longs traits de couleurs brillantes et pures. Elle développe une hantise des coulures de peinture qu'elle ôte dès qu'elle les voit.

Le 10 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 195 x 185 cm peinte en 1956, lot 30B estimé $ 6M.

Cette image abstraite est dominée par sa couleur préférée, le vert, de plus en plus inspiré par les forêts françaises. La diversité et la brillance des autres couleurs anticipent ses colères des années suivantes. Le fond blanc, qu'elle considère comme indispensable, apporte le contraste.

L'Art Sans Fin de Gonzalez-Torres

L'art contemporain quitte progressivement les références à la peinture, à la sculpture et à l'objet. Les installations invitent le spectateur à la participation et à la modification. L'artiste d'origine Cubaine Felix Gonzalez-Torres offre une synthèse entre le minimalisme et l'accumulation, après Donald Judd et Carl Andre, avant Ai Weiwei.

Militant homosexuel, Gonzalez-Torres conçoit son oeuvre comme un partage. Allant jusqu'au bout de sa démarche, il stipule qu'un certificat d'authenticité doit être ré-émis à chaque fois que l'oeuvre change de propriétaire. Il fournit l'amorce de l'élément à accumuler, que le responsable de l'exposition peut diminuer, augmenter et dont la forme globale est modifiable à volonté, après les sculptures anti-art de Lygia Clark.

En 1991, la créativité de Gonzalez-Torres est exacerbée par le SIDA de son partenaire, qui suscite en lui des pensées humanistes. Il mourra de la même maladie cinq ans plus tard.

Un exemple est le tas d'impressions identiques 72 x109 cm pouvant être photocopiées à volonté pour lequel l'artiste suggère une hauteur idéale de 8 inches. Cette oeuvre a été vendue pour $ 1,65M incluant premium par Sotheby's le 10 mai 2011.

L'accumulation de bonbons enveloppés individuellement dans leur papier de cellophane est le raffinement ultime de la démarche de Gonzalez-Torres et son thème le plus demandé par le marché de l'art. Le prélèvement d'un élément apporte à l'auteur de l'action le bruit du papier ouvert et le goût sucré du bonbon.

Une oeuvre en papier bleu clair réalisée en 1992 avec un poids idéal de 90 Kg a été vendue pour $ 4,6M incluant premium par Phillips de Pury le 8 novembre 2010. Une autre variante réalisée en 1991 en papier vert avec un poids idéal de 50 livres est estimée $ 5M à vendre par Christie's à New York le 10 novembre, lot 43B.

Le Bonheur dans les Etoiles

Yoshitomo Nara est l'artiste d'un seul thème, le jeune enfant, fille ou garçon ou au genre indéterminable, en entier ou seulement la tête. Son trait stylisé est inspiré du punk et du manga. Son message artistique est cependant complexe et il est un des peintres favoris de la nouvelle génération Japonaise.

Les enfants de Yoshitomo Nara expriment des sentiments heureux et apaisés. L'artiste voit un décalage entre les promesses de l'enfance et les menaces de la vie adulte. Lorsqu'un enfant porte une arme, ce n'est qu'un jouet. Il ne sait pas à quel point les armes des adultes sont terribles.

L'implication des enfants dans l'art de Yoshitomo Nara est ainsi en quelque sorte l'opposé des enfants de Liu Ye, engagés dans des actions épiques ou support à une réflexion artistique ou philosophique.

Le titre de la peinture à vendre par Christie's à New York le 9 novembre est onirique : le petit habitant des étoiles. La tête géante aux yeux fermés et au sourire heureux est entourée d'étoiles réalisées avec du clinquant.

Cet acrylique sur toile 227 x 181 cm peint en 2006 est estimé $ 3M, lot 24A.


6 nov. 2015

Un peu plus qu'une Confidence sur l'Oreiller

Les scènes de bordels, les maisons closes comme on les appelait à Paris, ne sont pas bienséantes pour l'aristocratie ou la bourgeoisie en cette fin du XIXème siècle. Henri de Toulouse-Lautrec sait que ses ses infirmités l'empêcheront de fonder une famille. Son nanisme qui fut aggravé par un accident aux jambes était d'ailleurs peut-être héréditaire.

Les maisons closes sont sur le déclin. Les tenancières misent pour leur commerce sur une bien fragile et éphémère respectabilité par comparaison avec les filles de la rue, jeunes provinciales qui transmettent leurs maladies avec une liberté incontrôlée et que leurs clients nomment les insoumises.

En 1892, la patronne du bordel de la rue d'Amboise s'intéresse à ce client différent des autres et dont le talent artistique est déjà reconnu. Elle lui commande de petits portraits de ses pensionnaires. Lautrec les observe et entre discrètement dans leur vie quotidienne.

Ces femmes qui passent leur temps professionnel avec des hommes sont homosexuelles, comme d'ailleurs les femmes qui exercent d'autres métiers trop exposés comme au cirque, au cabaret ou au music hall. Dans leur temps de repos, loin de l'argent des hommes, elles ne peuvent trouver de l'intimité qu'entre elles.

L'artiste profite de ses allées et venues dans la maison de la rue d'Amboise pour saisir des scènes de couples de femmes au lit, dont il réalise des peintures sur panneau selon sa technique spéciale à l'essence qui imite le pasteL

L'une de ces peintures, torride bien que les filles soient habillées, 39 x 58 cm, a été vendue pour £ 10,8M incluant premium par Sotheby's le 3 février 2015.

Une autre plus tendre peinte la même année, 46 x 59 cm, est estimée $ 10M à vendre par Christie's à New York le 9 novembre, lot 16A. Les deux jeunes brunes, le corps confortablement enfoui dans les draps, sont étroitement enlacées et échangent sur leur oreiller commun un baiser appuyé.

Le Nouvel Art Total de Lucio Fontana

Lucio Fontana est un artiste des temps futurs. Le monde change. Les progrès scientifiques suscitent une interprétation nouvelle de l'univers et de la vie. Pour la première fois, des hommes voyagent dans l'espace.

L'art moderne doit être total, englobant la peinture et la sculpture. La Fine di Dio, qui est un sous-ensemble commencé en 1963 de la série Concetto Spaziale, offre un format nouveau au message mystique de l'artiste, dans toute sa diversité.

La toile est taillée sous une forme ovoïde dont la dimension standardisée à 178 x 123 cm est comparable à l'homme dans sa hauteur. La surface monochrome est percée de trous de différents diamètres dont la disposition guide l'imagination vers une galaxie spirale ou vers les cratères d'une planète sèche.

La couleur contribue à soutenir la connaissance, depuis l'oeuf jusqu'au cosmos. L'oeuf est le symbole de la naissance et une forme parfaite qui influençait déjà Brancusi. Les exemplaires jaune vif de la Fine di Dio figurent parmi les derniers de la série, réalisés en 1964. L'artiste explore et maintient les éclaboussures de cet or encore humide quand il introduit son outil de perçage pour élargir ses cratères.

Ce double symbole de vie, par la forme et la couleur, est un aboutissement somptueux. Une peinture avec une répartition homogène des trous a été vendue pour £ 1,38M incluant premium par Sotheby's le 25 juin 2003, bien avant que le marché de l'art découvre l'importance de Fontana.

La synthèse totale est atteinte dans l'oeuvre à vendre au lot 15B par Christie's le 10 novembre à New York, associant des motifs spiralés ou tourbillonnants à la surface d'apparence dorée. Une indiscrétion de Bloomberg révèle une estimation aux alentours de $ 30M.

5 nov. 2015

Une Histoire avec le Chat

Notre époque est d'une grande violence, entretenue par les médias. Le public ne se satisfait plus de son environnement quotidien comme si nous aimions être dérangés par des événements qui finalement ne nous concernent pas. Le cinéma est un élément de ce choc permanent.

En peignant au pochoir des mots géants d'une typographie et d'une disposition immuables entre 1988 et 1992, Christopher Wool contribue à cette agression. L'oeuvre peinte à l'émail sur aluminium est minimaliste pour concentrer l'émotion dans le court texte. Wool écarte à la fois de son art la figure, la couleur et la texture, allant ainsi encore plus loin que Jasper Johns.

Il standardise aussi ses formats en 1990. La répétabilité du processus pictural permet également à l'artiste de transformer ses peintures en multiples. L'exposition des messages de Wool interpelle le spectateur sur la nature et les risques de l'action, violente ou déplacée.

Il ne donne pas de titre à ses oeuvres, parce que le mot suffit. En nous limitant à l'année 1990 et au format 274 x 183 cm, citons RI-OT vendu pour $ 30M par Sotheby's le 12 mai 2015 ; FO-OL vendu pour $ 14,2M par Christie's le 12 novembre 2014 ; HA-AH vendu pour £ 6,2M par Christie's le 1er juillet 2014 ; RUND-OGEA-TDOG vendu pour $ 3,67M par Phillips le 8 novembre 2010. Ces résultats incluent les frais.

Le chat vient rejoindre le chien dans cette galerie sans précédent le 10 novembre par Christie's à New York, lot 41B. Pour cette oeuvre qui raconte CATS-INBAG-BAGS-IN-RIVER, l'artiste a révélé la source cinématographique de son inspiration.

La demande est forte pour cette série et la maison de ventes n'annonce pas l'estimation, mais le vendeur a reçu une garantie de prix minimum.

Corps de Femmes par De Kooning

La femme fut un des thèmes majeurs des débuts de De Kooning, dès l'époque où il cherchait avec Arshile Gorky la frontière entre le figuratif et l'abstrait. Sa troisième série de Femmes, de 1950 à 1955, est la plus innovante, marquée par une alternance d'enthousiasmes et de découragements.

De Kooning recherche la femme éternelle qui a inspiré les artistes depuis l'âge des idoles de pierre. Plus que la féminité, il exprime la fécondité avec des images de femmes debout caractérisées par une poitrine opulente, dans un dessin rappelant le cubisme synthétique. La tête n'est plus qu'une excroissance sans utilité dans cette vision légèrement en contre-plongée.

Le résultat est à l'opposé de l'esthétique de son temps malgré une utilisation expressionniste des couleurs. Un critique d'art a dit en 1953 que De Kooning était allé trop loin, mais que c'était bien là qu'il fallait aller.

L'inspiration des idoles des anciens âges et la pulsion des artistes naïfs se rejoignent : la série des Corps de Dames par Dubuffet, le prophète de l'Art brut, commence également en 1950 et offre une vision similaire de la morphologie.

Le 15 mai 2013, Christie's vendait pour $ 19M incluant premium une femme aux yeux bleus, huile, émail et charbon sur papier 71 x 51 cm marouflé sur toile réalisée en 1953.

L'oeuvre à vendre par Christie's à New York le 9 novembre est un nu 56 x 48 cm de la même année ou de l'année précédente, réalisé avec une technique similaire. Elle est estimée $ 14M, lot 15A.

4 nov. 2015

Twombly brouille son propre Message

De 1966 à 1970 avec sa série des Blackboards inspirée de l'action painting, Cy Twombly était parti à la rencontre des racines et des mécanismes de la communication sémiotique et graphique, au-delà de l'invention de l'écriture.

Cette irruption dans le réflexe et le subconscient ne lui suffit plus. Il a perdu à New York l'empathie qu'il entretenait à Rome avec les passions de toutes les époques. Il réalise alors une synthèse entre le Blackboard et le graffiti antique en réintroduisant simultanément la couleur, qui est une amélioration, et l'effacement, qui est une décadence.

Le 10 novembre 2004, Christie's a vendu pour 5,4M incluant premium une huile, crayon à cire et graphite sur toile 161 x 195 cm réalisée à Rome en janvier 1971. Les boucles en nuances de gris s'enchevêtrent dans des lignes épaisses structurées comme les blackboards des années précédentes, mais la clarté de la ligne est gommée sur toute la longueur tandis que les régions vides de proto-écriture restent intactes.

Le 10 novembre à New York, Christie's vend au lot 17B une toile 148 x 196 cm de technique similaire, également datée 1971 mais non localisée. Cette oeuvre très certainement ultérieure à l'exemple discuté ci-dessus est un très rare et stupéfiant exemple de l'anéantissement par l'artiste de sa propre démarche, avant qu'il réoriente son art vers d'autres thèmes. L'estimation n'est pas publiée.

Le proto-message oblique et multicolore est ici une très large ligne qui traverse l'image de gauche à droite. Il est devenu virtuellement imperceptible par la domination d'un réseau de lignes colorées qui est lancée comme une cascade sur la totalité de la surface disponible à l'exception d'une épargne dans le coin en haut à gauche.

Longtemps auparavant, à l'époque de son inspiration pornographique, la cascade Romaine avait été un des thèmes favoris de l'artiste. Elle était alors une flot semblant homogène mais constitué en fait d'une texture de multiples graffitis.

La Fierté d'un Père

La psychanalyse est une thérapie basée sur le dialogue entre le médecin et le malade. Lucian Freud est le petit-fils de Sigmund. A la suite de son grand-père, il communique avec les êtres humains.

Lucian n'est pas médecin. Il ne s'intéresse pas aux délires, et fait peu de différence entre l'homme et l'animal. Le vêtement de son modèle est une entrave à l'empathie.

Dans les années 1980, il se rapproche de sa fille illégitime Bella, une jeune adulte qui commence une belle carrière de conceptrice de mode. Sa fierté est exacerbée par son sentiment de culpabilité d'avoir été un père absent. Il peint des portraits de sa fille.

Quand Bella comprend le processus d'approche psychologique de son père, elle se déshabille. Comme pour ses autres modèles, l'oeuvre nécessite des séances de pose qui s'étendent sur plusieurs mois, au cours desquels Lucian adapte infatigablement son discours à la réaction du modèle, compensant par cette méthode la gêne occasionnée par l'observation rapprochée. Dans le cas de Bella, il semble que le partage de nourriture délicieuse ait été prépondérant.

Le 9 novembre à New York, Christie's vend un portrait diagonal en pied de Bella, lot 17A estimé $ 20M. Cette petite huile sur toile 99 x 91 cm intitulée Naked portrait on a red sofa est datée 1989-1991. Le résultat final est constitué d'une pâte épaisse qui devient presque une sculpture colorée.

Cette oeuvre est un exploit rare dans l'art du nu : un portrait confiant et décontracté sans effet érotique ni sensuel.

Les Audaces de Courbet

Gustave Courbet est un socialiste dans la mouvance ouvrière de Proudhon. Sa conception du réalisme est idéologique : l'homme et la femme ordinaires peuvent être montrés par l'art sans être beaux ni même propres.

Il est provocateur. En prenant le format d'une peinture épique sur un très grand format, 315 x 668 cm, L'Enterrement à Ornans fait scandale en 1850. Proudhon est ravi.

Le second empire, décrété en 1852, marque le retour en France d'une censure pudibonde qui envoie ses gendarmes à la chasse aux images pornographiques facilitées par la photographie. Pour les artistes opposants au régime de Napoléon III, le nu devient un défi.

La laideur volontaire fait son entrée dans le thème du nu en 1853 avec Les Baigneuses de Courbet. Même Ingres, pourtant proche du pouvoir, est intéressé par cette nouvelle approche. Son Bain Turc, sur lequel il travaillera pendant dix ans, est une accumulation érotique sans précédent qui prend l'orientalisme comme prétexte pour éviter les représailles.

Le 9 novembre à New York, Christie's vend une Femme Nue Couchée, huile sur toile 75 x 97 cm peinte par Courbet en 1862, lot 10A estimé $ 15M.

La femme est allongée sur un lit, la tête tournée de côté dans une position de repos comme une réplique de la Venus d'Urbino mais sans la main pudique. Son attitude offerte et le bas à moitié défait sur la jambe révèlent une activité sexuelle à peine terminée. La provocation est accentuée par un environnement de style romantique avec un rideau et un paysage.

Ces femmes par Courbet représentent une étape importante dans la peinture moderne française. D'une part, de nouveaux clients appellent Courbet à encore plus d'audaces sexuelles. D'autre part, Manet n'hésite plus à affronter le scandale, avec Le Déjeuner sur l'herbe et Olympia.

3 nov. 2015

Le Vrai Homme Singe

Les cinéphiles de l'entre deux guerres aiment les sensations fortes. Les films d'épouvante produits par Universal ne suffisent pas à combler leurs désirs. En 1932, la Metro Goldwyn Mayer sort Tarzan the Ape Man. Les progrès techniques sont rapides et les cinéphiles entendent pour la première fois le célèbre cri de Tarzan.

La vedette est Johnny Weissmuller qui apparaît désormais comme le prototype du bel Américain qui exhibe complaisamment ses muscles impressionnants. Son pedigree est impeccable : cinq médailles d'or en natation réparties sur les Jeux Olympiques de 1924 et 1928.

Selon la pratique de cette époque, plusieurs affiches accompagnent la sortie du film. Une seule montre Tarzan et Jane avec réalisme, copiant une scène du film dans laquelle les deux personnages sont tendrement enlacés.

Aucun exemplaire de cette affiche n'était connu en format mono-feuille, jusqu'à ce que l'une d'elles soit découverte très récemment. Cette lithographie sur lin 69 x 104 cm a conservé des couleurs très fraîches et quelques défauts dont des trous d'épingles ont pu être réparés.

Elle est à vendre par Heritage le 21 novembre à Dallas, lot 86022. L'estimation est annoncée au-delà de $ 40K mais la maison de vente reconnaît dans son communiqué de presse la difficulté à prédire le prix de cette rareté.

La vraie vie n'est pas aussi rose. La jolie Maureen O'Sullivan qui joua le rôle de Jane dans les six premiers films de la série haïssait son beau Johnny qui avait tenté de la séduire.

Coups Tranchants dans un Mur Rouge

Concetto spaziale (concept spatial) est le titre générique par lequel Lucio Fontana définit tout son art dans les années 1960. Les lacérations et perçages transforment la toile monochrome en une sorte de sculpture dont la face cachée exprime l'au-delà impossible à atteindre.

Le film Il Deserto Rosso réalisé par son compatriote Antonioni sort en 1964. Le réalisateur a introduit dans cette oeuvre une forte intention esthétique avec des couleurs saturées qui contrastent de façon spectaculaire avec la cité industrielle ambiante.

Fontana voit le film à Venise en 1965. Il revient à son atelier avec un nouvel élan mystique. La lame de l'artiste crée dans la toile une lacération aussi nette que le trait d'un pinceau. Imitant le mur vu dans le film, Fontana donne 24 coups de rasoir verticaux en parallèle dans une toile 65 x 200 cm et inscrit au dos quelques mots indiquant la source de son inspiration.

Cette oeuvre est estimée $ 15M à vendre par Sotheby's à New York le 11 novembre, lot 8.

Pour l'artiste, chaque incision renforce l'espérance d'atteindre la connaissance. Il donne le nom d'Attese à cette sous-série. Il exploite ce thème avec acharnement sur toutes les couleurs pures, avec un nombre de coups variable. Lorsqu'une seule balafre affecte la toile, l'oeuvre devient Attesa, au singulier. Une Attesa rouge 197 x 144 cm a été vendue pour £ 6,7M incluant premium par Christie's le 6 février 2008.

Le prix des Attese dépend de la complexité de l'arrangement des lacérations, que le geste parfait de l'artiste sait reproduire sans défaut. Une Attese blanche 80 x 100 cm avec un total de 23 coupes légèrement obliques sur deux rangs a été vendue pour £ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015. Une Attese rouge 116 x 90 cm avec un total de 14 coupes sur deux rangs a été vendue pour $ 16,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015.

Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's pour introduire le Concetto spaziale - Attese de la prochaine vente.