31 janv. 2016

Le Mantle Boom

La carte de Mickey Mantle dans la série Topps 1952 devient un icône des collectionneurs au même rang que l'erreur Inverted Jenny, le premier Superman ou la carte T-206 Wagner. Ce nouvel arrivant au panthéon du rêve Américain avait indéniablement des atouts.

La Topps 1952 est la première série moderne de cartes de baseball, avec une iconographie moderne et une information pertinente au dos de la carte. La fin de cette série, à partir du numéro 311 montrant Mantle, est rare en raison d'une impression trop tardive par rapport à la saison sportive. La population totale validée par PSA était de 1225 cartes en décembre 2015.

Né la même année que James Dean, Mickey Mantle avait rejoint l'équipe des New York Yankees l'année précédente et apparaissait comme le successeur de Joe DiMaggio qui venait de prendre sa retraite. Sa carrière tiendra ces promesses.

Les collectionneurs s'acharnent à trouver la meilleure carte possible. Dans un article précédent, j'avais indiqué que trois Topps 1952-311 étaient gradées Gem Mint 10 par PSA. A ma connaissance, la dernière apparition de l'une d'entre elles aux enchères a eu lieu en juin 2001. Le résultat enregistré par Superior Sports Auction, $ 275K, était remarquable pour son temps.

L'intérêt est grandissant et les prix flambent, en particulier pour les cartes gradées Near Mint - Mint 8 par PSA. J'avais discuté deux exemplaires en juillet 2015, vendus pour $ 380K incluant premium par Heritage et pour $ 400K incluant premium par Goldin. Une telle cote est déjà périmée. Une autre 1952-311 NM-MT 8 a été vendue pour $ 486K par PWCC Auctions sur eBay en novembre 2015, aussitôt dépassée par un autre exemplaire vendu pour $ 525K incluant premium par Heritage le 10 décembre.

La gradation par PSA n'est pas suffisante pour discriminer ces exemplaires entre eux en terme d'effet visuel et de centrage. Heritage annonce que la 1952-311 NM-MT 8 à vendre par eux à New York le 20 février est la meilleure de son grade qui soit passée entre leurs mains. Elle est estimée $ 400K, lot 80015.

Un Buffet Art Déco par Printz et Dunand

Eugène Printz est un des meilleurs ébénistes Parisiens de l'entre deux guerres. Il avait commencé son oeuvre personnelle en collaborant avec Chareau et concevait des meubles d'une grande rigueur géométrique.

Printz offrait des meubles hautement fonctionnels. Il transformait un buffet en bibliothèque en l'équipant de panneaux tournants qui donnent accès aux étagères. Les panneaux étaient décorés de motifs abstraits réalisés par Jean Dunand en oxydation d'argent.

Comme les autres maîtres Parisiens de son temps, Printz aimait travailler des bois précieux. Son essence favorite était le palmier, superbe par ses zébrures fauves mais dont la fibre est très difficile à travailleur.

Le 23 février à Paris, Artcurial vend un luxueux buffet par Printz et Dunand, lot 618 estimé € 800K, illustré au chapitre 4 du communiqué de presse consacré à cette vente dispersant une très grande collection.

Ce meuble en palmier peut être qualifié de bibliothèque ou de meuble de collectionneur. Il mesure 3,10 m de large pour une hauteur de 1,46 m et une profondeur de 46 cm et est composé de sept caissons adjacents. La face avant est ornée en dinanderie par Dunand et la face arrière d'un placage de palmier.

Ce modèle est extrêmement rare : un seul autre exemple est connu, avec un motif décoratif plus régulier. Il se trouve au Virginia Museum of Fine Arts qui le date de façon plausible vers 1937. Le catalogue d'Artcurial préfère l'indiquer vers 1940. Quoiqu'il en soit ce beau buffet est un tour de force de la fin de la période Art Déco.

Les Draperies sans Textiles d'El Anatsui

La couleur est omniprésente dans le monde d'aujourd'hui. Les artistes trouvent de nouvelles solutions pour la révéler et l'assembler. El Anatsui récupère des capsules de bouteilles de toutes les couleurs dans des usines de recyclage pour réaliser des sculptures gigantesques. La bouteille d'alcool est pour lui un symbole de la relation entre l'Afrique et l'Europe.

Les petits morceaux d'aluminium sont aplatis, laissant visible la marque de la boisson, puis noués ensemble par des fils de cuivre. Cet ensemble très coloré prend ainsi l'apparence d'un lourd rideau de théâtre. Les couleurs chatoyantes évoquent les traditions Africaines.

L'assemblage est réalisé sans support et sans pli prédéfini, laissant le responsable de l'exposition libre pour définir la forme générale de l'installation.

Le 11 février à Londres, Bonhams vend Peju's Robe, lot 9 estimé £ 450K. Cette oeuvre 245 x 310 cm a été réalisée en 2006 par El Anatsui à l'usage de son conseiller juridique et le titre évoque le vêtement professionnel de cet ami.

L'art d'El Anatsui est résolument contemporain par la récupération des couleurs de la société de consommation qui anticipe Mark Bradford et la  forme modifiable qui suit Lygia Clark et Felix Gonzalez Torres. L'art est mondial et El Anatsui qui travaille au Nigeria est un des meilleurs exemples de la créativité Africaine.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Bonhams.

Les Non-Portraits de Luc Tuymans

Le passé s'est enfui et les photographies mentent sur la vraie nature de l'humanité. Luc Tuymans recompose des images à partir des photos choisies sur le web. Il copie son assemblage digital en peignant avec des couleurs blafardes qui accentuent l'image dérisoire d'un temps révolu.

Par exemple, l'artiste a peint en 2001 un portrait qui est un mélange des visages d'Eisenhower et Mitterrand. Le nouvel hybride a une attitude vaniteuse et le titre, Rumour, contribue à l'effet répulsif désiré par l'artiste. Cette huile sur toile 118 x 67 cm a été vendue pour $ 2,7M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013.

Mrs, réalisée en 1999, est une huile sur toile 217 x 134 cm, un grand format rare dans l'oeuvre de Tuymans. La femme est vue grandeur nature. Sa coiffure et son sac à main la figent dans les années 1960. Elle pourrait être Jackie Kennedy sauf que son visage est entièrement vide.

Mrs est la femme anonyme. Elle respecte la mode de son temps comme des millions d'autres femmes. On ne saura jamais rien de plus, et on n'a aucun besoin de le savoir. Dans son attitude ordinaire et périmée, elle est le contraire de la femme intemporelle. Si elle a eu une histoire, celle-ci a été éphémère. Notre histoire d'aujourd'hui suivra le même chemin.

Mrs a été vendue pour $ 1,08M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2006. Elle est estimée £ 1,2M à vendre par Christie's à Londres le 11 février, lot 19.

30 janv. 2016

Le Rythme de la Chair

L'art d'Yves Klein devra englober l'univers. Sa méthode est cartésienne : les éléments devront être maîtrisés avant d'être intégrés. Les couleurs seront cosmiques et les éponges seront planétaires. Le feu apporte un souffle mystique.

Pour inclure la vie, Klein invite les femmes nues dans son processus de création artistique. Elles virevoltent en musique autour de lui pendant qu'il couvre la surface de sa toile avec son IKB rigoureusement monochrome.

Leur présence autour de lui n'est pas charnelle et le résultat final ne laisse au spectateur aucune trace de l'influence des assistantes de l'artiste. En 1958, il avait fait une première expérience dans laquelle la femme éclabousse la toile après avoir sauté dans un réservoir de peinture situé en son centre.

A partir de février 1960, Klein modifie cette méthode dans le but de mieux maîtriser le résultat final et aussi d'en faire un happening au cours duquel il est le maître de cérémonie, habillé en smoking. Les corps sont enduits d'IKB. Les femmes tortillent leur buste et leurs cuisses sur le papier au rythme de la musique. L'artiste sautille autour d'elles pour guider leurs mouvements.

La désignation de cette série sous le nom d'Anthropométrie, codé ANT par l'artiste, fait suite à une exclamation d'enthousiasme de Pierre Restany. Klein a affirmé que son rituel était exempt d'érotisme. C'est certain : le corps de la femme n'est plus rien d'autre qu'un outil de l'artiste.

Le Buffle, ANT 93, vendu pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2010, est très large, sur une surface de papier de 178 x 280 cm, et il est possible que deux femmes soient intervenues simultanément.

La plupart des autres oeuvres de cette série sont plus simples. ANT 131, 165 x 120 cm, a été vendu pour £ 4,2M incluant premium par Sotheby's le 1er juillet 2008. ANT 118, 200 x 118 cm, est estimé £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 11 février, lot 29.

Hors de la Vue du Nain

L'art est factice quand il n'est pas une interprétation de la mort. Les désespoirs de Picasso après le suicide de Casagemas et de Bacon après le suicide de Dyer sont similaires. Les deux artistes ont questionné la signification de la vie par le recours à leur créativité la plus intime. Le temps a passé et ils ont guéri.

George est mort en 1971 dans la chambre d'hôtel au moment même de la grande consécration Parisienne de Francis, le vernissage de l'exposition au Grand Palais. Pendant cinq ans, Francis utilisera toutes les ressources de son art pour se libérer de sa souffrance et de sa culpabilité.

Une peinture réalisée en 1975 utilise de nombreux éléments du langage artistique de Francis. Deux lutteurs nus ont leurs corps mêlés dans une vitrine suspendue. Ils ont perdu leur individualité et n'ont plus qu'une tête qui est à la fois un portrait de George et un auto-portrait de Francis.

Leur lutte est un spectacle sportif. George était un colosse qui rappelait à Francis les figures masculines musclées de Michel-Ange. Leur mouvement dynamique avec la double tête au plancher de la cage est inspiré de la photographie des mouvements de gymnastes par Muybridge. Francis avait révélé lui-même ces deux sources de son inspiration.

Leur vie n'est qu'un amusement dérisoire, comme au cirque Barnum. Dans la partie droite de la composition, l'observateur est un nain à tête âgée juché sur un tabouret de bar.

Francis donne cette oeuvre au jeune Michael Peppiatt qui est déjà son confident et sera bientôt son biographe. Le voyeurisme gêne maintenant le message intime de l'artiste qui reprend la peinture pour la couper en deux avant de rendre à Peppiatt la partie gauche, libérée du nain. Intitulée Two figures, cette huile sur toile désormais au format inhabituel pour l'artiste de 198 x 70 cm, est estimée £ 5M à vendre par Christie's à Londres le 11 février, lot 25.

Peppiatt connaissait Bacon depuis 1963 et avait vu toutes les difficultés des relations de Francis avec George. Il a conservé Two figures jusqu'à maintenant et est un témoin passionnant de la genèse de cette oeuvre, qu'il explique dans la vidéo ci-joint. Ne manquez pas non plus la transcription de son interview avec Francis Outred de Christie's dans la page du catalogue de la vente.


Quatorze Chaises Electriques pour Bischofberger

L'influence de Bruno Bischofberger est fondamentale dans l'art de Warhol à partir de 1969. L'artiste et le galeriste coopèrent en matière de médiatisation, de production cinématographique et même de choix des thèmes. Bischofberger, installé à Zurich, ouvre à Warhol une porte sur l'Europe. C'est lui qui, en 1982, présente Basquiat à Warhol.

En 1979, Andy revisite ses propres icônes : Marilyn, Campbell's, les fleurs, les auto-portraits. Dans cette nouvelle phase, il ne modifie pas l'image de référence qui avait fait le début de sa gloire et conserve l'idée des multiples mais sa technique est différente.

Dans son ancienne série des Death and Disaster, Andy choisit la chaise électrique. La peinture réalisée en 1980 pour Bischofberger est estimée £ 4M à vendre par Bonhams à Londres le 11 février, lot 49.

Cette oeuvre 203 x 82 cm n'est pas de très grandes dimensions mais sa composition lui octroie un effet saisissant et monumental qui a peut-être échappé à ses admirateurs de l'époque.

Dans l'image de la chaise, Warhol reprend le symbole de l'objet lui-même sans l'assortir du lugubre environnement de la pièce vide. L'oeuvre est un reversal, signifiant qu'il est peint sur fond noir.

Sur ce format très vertical, deux colonnes non centrées déroulent sept images chacune de la chaise sérigraphiée, comme un film de cinéma, avec une lente progression des couleurs réalisées avec une palette brillante dans une pâte très épaisse. Observée en contre-plongée, cette image est la plus magnifique et la plus terrifiante parmi les très nombreuses chaises électriques destinées par Warhol à porter son message humaniste.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

27 janv. 2016

Les Dernières Bagarres de Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat est découragé et drogué. La fin est proche. Andy Warhol, avec qui il aimait collaborer, meurt en février 1987.

Jean-Michel travaille peu, mais exprime la même hargne qu'autrefois contre la domination des blancs et le capitalisme. Les tags des murs sordides portent son cri, avec des lettres sans suite et des mots sans signification au milieu desquels se trouvent de vrais messages.

Le 10 février à Londres, Sotheby's vend un acrylique, oilstick et collage de photocopies 213 x 152 cm réalisé en 1987, lot 41 estimé £ 6M.

Le personnage à structure de squelette est coiffé d'un chapeau haut de forme avec lequel il revendique un rite funéraire vaudou. Le poing est levé dans le geste du black power. Derrière lui, le message principal apparaît deux fois : Despues de un Puno, sans tilde parce que les murs n'ont pas besoin de respecter l'orthographe.

Le signe du copyright placé un peu partout et les lettres ESSO rageusement barrées expriment que l'ultime bagarre de ce squelette autobiographique était contre le capitalisme. L'une des deux marques Despues de un Puno est elle aussi raturée, démontrant l'incertitude de cette victoire à la Pyrrhus pour laquelle le personnage exhibe un triomphalisme dérisoire.

Jean-Michel sait probablement qu'il a déjà perdu sa lutte pour identifier et maintenir sa place dans la société. Son art restera toujours impuissant contre les pouvoirs politiques et économiques. Il meurt le 12 août 1988, âgé de 27 ans. Il avait pourtant été l'artiste le plus doué de sa génération.


En attendant Bella

Lucian Freud est un créateur. A son époque où la contraception est aléatoire et controversée, il donne la vie. Il exprime par son art les sentiments qu'il en éprouve.

La vie à Soho est propice à ces histoires d'un autre temps. En 1959, Bernadine a 16 ans et cherche à échapper à une éducation trop rigoureuse. Lucian a vingt ans de plus qu'elle. L'année suivante, elle est enceinte de leur première fille, Bella. Ils s'aiment profondément et sincèrement, mais pas au point de vivre ensemble. Leur relation est cependant durable : une seconde naissance suivra et leur amitié durera jusqu'à la fin de leur vie, à quelques jours d'intervalle.

L'art de son ami Francis Bacon est résolument moderne. L'expression a remplacé le réalisme. Lucian veut suivre cette voie et observe Bernadine avec une attention renouvelée. Le thème de la femme qui dort, précédemment expérimenté par Picasso avec Marie-Thérèse, est propice à exprimer la confiance et l'intimité. Lucian n'est peut-être pas encore l'incorrigible bavard de la suite de sa carrière : il laisse dormir Bernadine.

Le 10 février à Londres, Sotheby's vend Pregnant girl, lot 17 estimé £ 7M. Cette huile sur toile 91 x 71 cm est un portrait en buste plus grand que nature terminé en 1961 montrant Bernadine dans un profond sommeil. La tête tournée évite l'amant et le spectateur. Lucian a vu les conséquences de la grossesse sur la chair nue du torse.

La Rencontre de Gutai et Zero

Kazuo Shiraga n'est pas le fondateur du groupe Gutai mais il en est l'acteur le plus spectaculaire. Le monde de l'après guerre cherche une nouvelle approche de l'art. Shiraga est un gymnaste. Il propose la création artistique par l'effet de la force physique.

Shiraga aime les happenings, comme Yves Klein. En 1955, il taille à la hache des arbres peints dans sa couleur favorite, le rouge. En 1965, trois ans après la mort de Klein, les groupes Gutai et Zero organisent des expositions ensemble.

Shiraga devient aussi un sculpteur quand il y a un besoin de promouvoir l'art de Gutai. En 1957, un monumental Red Timber résume ses expériences de performance art.

En 1965, l'artiste réalise un Red Fan qui accueille sous de bons auspices les visiteurs des expositions. C'est un triple éventail en papier concentrique entièrement ouvert sur un socle en bois, pour une dimension hors tout de 151 x 305 x 50 cm. Le papier est uniformément laqué en rouge écarlate.

Cette oeuvre minimaliste est proche des créations du groupe Zero et de Günther Uecker. En choisissant le thème de l'éventail, Shiraga y a apporté une dimension Bouddhiste, avec à la fois la perfection des demi-cercles et le symbole de l'évolution de la vie par la succession des lames.

Le Red Fan de Shiraga était une des pièces vedettes d'une exposition organisée en octobre 2015 par Bonhams à Londres, qui réunissait une nouvelle fois Gutai et Zero tout en y adjoignant Yayoi Kusama. Cette oeuvre est maintenant estimée £ 1,5M à vendre par Bonhams à Londres le 11 février, lot 33. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

24 janv. 2016

Paysage avec Chevaux par Franz Marc

Franz Marc est convaincu que la beauté n'est pas une caractéristique de l'homme mais de la nature. Dessinateur d'animaux et de paysages, il est influencé par les formes expressives de van Gogh et les couleurs pures de Gauguin. Marc attribue à ses animaux des couleurs symboliques dénuées de tout réalisme contrairement à ses propres paysages et à la pratique Fauviste de la couleur exagérée.

Le 3 février à Londres, Sotheby's vend un Grosse Landschaft par Franz Marc, lot 6 estimé £ 4M. Cette grande huile sur toile 110 x 211 cm peinte en 1909 est un des plus anciens exemples de cette nouvelle démarche de l'artiste.

Le thème principal de cette oeuvre n'est pas le paysage lui-même, une très ordinaire prairie, mais le groupe de quatre chevaux dans des attitudes attentives, tous d'une même couleur entre l'orange et le rouge clair.

La rencontre de Marc et Kandinsky en septembre 1910 est extrêmement importante pour l'art moderne. La recherche d'un nouveau symbolisme par Marc influence les recherches hermétiques de Kandinsky. Marc cherche à son tour à codifier ses propres couleurs. Les couleurs vives exacerbent les sentiments : le bleu pour le mâle autoritaire, le jaune pour la douce femelle et le rouge foncé pour la violence fâcheuse qui rompt l'harmonie de la nature.

Leur mouvement est identifié à la fin 1911 sous le nom de Blaue Reiter, une image frappante qui symbolise en deux mots l'art nouveau bien mieux que les théories complexes de Kandinsky auraient pu le faire.

Brume sur Venise

A partir de 1890, l'art de Claude Monet est constitué par des séries qui ont été dispersées. Au début de cette phase, avec les Meules et les Cathédrales de Rouen, les contrastes sont forts entre les différentes images captées tout au long du jour. A Londres puis à Venise et bien entendu avec les nymphéas, ces variations deviennent de plus en plus subtiles.

Son long séjour à Venise à l'automne 1908 est une session continue de travail pendant laquelle l'artiste peint 37 huiles sur toile réparties en plusieurs thèmes. Dès son retour à Paris, Bernheim-Jeune acquiert 28 de ces pièces qui restent dans l'atelier de l'artiste pour les dernières retouches.

En 1912, tout est prêt. L'exposition des vues de Venise par Monet à la Galerie Bernheim-Jeune enchante les visiteurs les plus exigeants.

Du matin au soir, Monet avait perçu toutes les variations de couleurs apportées par le jeu du soleil au travers de la brume. Ses vues du Palazzo Ducale prises de San Giorgio Maggiore sont topographiquement exactes mais les détails sont noyés dans une superbe lumière diffuse qui englobe les monuments et leurs reflets. Le premier plan d'un ponton est similairement dépouillé des détails pour ne servir qu'à ouvrir la perspective.

L'une de ces peintures est au MET et une autre au musée Guggenheim. Sotheby's vend le 3 février à Londres une autre version du même thème, qui est probablement la plus proche des idées d'origine de l'impressionnisme et était incluse dans l'exposition de 1912. Cette huile sur toile 65 x 100 cm est estimée £ 12M, lot 23.

Monet n'est pas le premier artiste à exprimer la lumière éthérée de Venise. L'apport de son art comparé aux vues de Turner est que Monet, intéressé uniquement par l'atmosphère, supprime toute animation anecdotique. La gondole qui passe au loin devant la Piazza sert uniquement à souligner un point fort de la composition.

23 janv. 2016

Le Guérisseur de la Toile de Jute

Alberto Burri est médecin militaire. Fait prisonnier, il est interné au Texas. La toile de jute est partout : robuste et bon marché, elle est utilisée pour les tentes, les sacs. Le chirurgien est désoeuvré : il coud des pièces de jute pour créer de l'art. Sans le savoir à cette époque, cet artiste autodidacte ouvre la voie à l'Arte Povera et au Néo-Dadaisme : l'expression artistique peut être puissante sans pour autant utiliser les matériaux luxueux.

Burri est médecin et hypersensible. Dégoûté par les horreurs de la guerre, il ne veut plus exercer son métier mais souhaite continuer à guérir en montrant l'exemple par l'art. Ajoutant à l'acrylique le rouge profond du sang et le noir de la suie à l'ocre du sac cousu sur la toile, il offre un message artistique inédit.

Autour de 1955, il quitte ses sacs ensanglantés pour des expériences de combustion du bois ou du plastique, créant des formes similaires à des pustules de chair qui sont de nouvelles invitations aux médecins à combattre les effets des blessures.

Pourtant, en 1959, Burri réalise à nouveau un Sacco e Rosso de grandes dimensions, 150 x 130 cm qui est une synthèse à lui seul de toute la première partie de sa carrière artistique et peut-être aussi un hommage à l'expressionnisme abstrait de Rothko.

Cette oeuvre a été vendue pour £ 1,92M incluant premium par Christie's le 8 février 2007, à une époque où l'extrême originalité de l'art Italien d'après-guerre n'excitait pas encore le marché. Elle est estimée £ 9M à vendre par Sotheby's à Londres le 10 février, lot 12.

Le Bassin Abstrait de Gerhard Richter

Comme tous les plus grands artistes, Gerhard Richter observe ses prédécesseurs pour faire mieux et plus loin. L'influence de Monet revient régulièrement dans son oeuvre abstraite, démontrant à quel point cet artiste peut être considéré comme un précurseur de l'art contemporain par la symphonie des couleurs entremêlées et l'équilibre de la composition.

Voici deux exemples. Abstraktes Bild 616, peinte en 1986 et vendue pour $ 26,5M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013, est inspirée par la roseraie de Giverny. Abstraktes Bild 643-1, peinte en 1987 et vendue pour £ 14,1M incluant premium par Sotheby's le 1er juillet 2015, est une évocation directe des Tours de Londres par Monet.

En 1990, la technique du râteau permet de nouveaux développements de l'expression abstraite de Richter, notamment quand des formes abstraites traditionnelles viennent s'ajouter aux coulures.

Richter revisite ses inspirations préférées. La série 725 exprime l'eau matérialisée par les objets flottants et localisée par les reflets. 725-1, vendue pour £ 7,2M incluant premium par Sotheby's le 15 février 2011, est un premier essai en un diptyque d'une dimension totale de 225 x 200 cm.

725-4, huile sur toile de même dimension, apparaît comme l'opus préféré de l'artiste dans cette série. Richter l'a conservée dans sa collection jusqu'à une exposition de ses oeuvres à Nîmes en 1996. Elle est estimée £ 14M à vendre par Sotheby's à Londres le 10 févrierlot 25.

La perspective en flottille des nymphéas de Monet assurant la perception de la surface invisible de l'eau me semble évidente bien que cette interprétation ne soit pas proposée par la maison de ventes.

20 janv. 2016

La Déesse du Chahut

Dans la mythologie Grecque, Iris est la messagère des dieux. Elle a pour mission d'apporter uniquement des bonnes nouvelles. Elle est aussi la soeur des Harpies et obtient logiquement une place dans le projet de Porte de l'Enfer de Rodin.

Dans une première version, elle est couchée sur le dos. Elle est une acrobate musclée, une main tenant une jambe et une autre assurant l'équilibre de son grand écart. Totalement et explicitement nue, cette femme aux jambes ouvertes est souvent comparée à L'Origine du monde de Courbet avec qui Rodin partage une irrépressible envie de choquer les bourgeois.

En 1891, Rodin travaille sur commande à son monument à Victor Hugo. Il conçoit un groupe de nus dans lequel le poète est d'abord entouré des trois âges de la vie. C'est un peu barbant. Le sculpteur récupère son Iris qui apporte la gloire à Hugo en planant au-dessus de sa tête.

Iris prend son indépendance en 1896 avec une version agrandie. Inspiré par les danseuses de can can et de chahut, Rodin relève la statue en position verticale. La puissance érotique est accrue mais pas encore suffisante au goût de l'artiste. Pour que l'attention du spectateur soit concentrée sur le sexe, il ôte la tête ainsi que le bras qui assurait l'équilibre.

Les bronzes d'Iris réalisés du vivant de Rodin sont très rares. L'un d'eux fondu par Rudier entre 1902 et 1905 en grand modèle, 83 cm de haut, a été vendu pour £ 4,6M incluant premium par Sotheby's à Londres le 19 juin 2007. Cet exemplaire revient dans la même salle de ventes le 3 février, lot 22 estimé £ 6M.

Des fontes posthumes ont également été réalisées. Un bronze édité en 1966 dans la même dimension par le Musée Rodin a été vendu pour $ 2,9M incluant premium par Sotheby's le 5 mai 2015.

La Tendre Bienveillance de la Tour Eiffel

Lors de son premier séjour prolongé à Paris, de 1910 à 1914, Marc Chagall admirait cette ville joyeuse placée sous la protection de son totem bienfaiteur, la Tour Eiffel.

Les années suivantes sont très dures, mais son retour à Paris en 1923 avec sa femme Bella ouvre à cet artiste hypersensible la période la plus heureuse de sa vie. Sa petite cellule familiale vit désormais dans l'aisance grâce à un contrat avec le marchand Bernheim-Jeune et aux projets d'illustrations engagés avec Vollard.

Peu d'artistes figuratifs ont réussi à exprimer un bonheur parfait. Le 2 février à Londres, Christie's vend Les mariés de la Tour Eiffel, huile sur toile 90 x 117 cm peinte en 1928, lot 24 estimé £ 4,8M.

Le titre est sympathique. Marc a épousé sa muse treize ans plus tôt mais leur couple en bas à droite de l'image conserve la fraîcheur de jeunes mariés tendrement embrassés. Tous deux regardent vers le spectateur tandis que leur fille Ida âgée de 12 ans vole avec des ailes d'ange au travers d'une fenêtre pour offrir à ses parents un gros bouquet de fleurs.

Paris leur a donné le bonheur et les couleurs sont joyeuses. La Tour Eiffel est vue au bout de la verte pelouse gentiment animée du Champ de Mars. Le surréalisme à la façon de Chagall n'est pas oublié. Derrière la Tour, des arbres flottent comme des nuages, apportant une légèreté supplémentaire à cette composition romantique.

Un Autoportrait du Jugendstil

Le Jugendstil Viennois porte bien son nom : Gustav Klimt aime révéler et protéger les jeunes talents. Egon Schiele est passionné de dessin depuis son enfance et commence à peindre sur toile. Pendant l'été 1909 il expose quatre peintures à l'International Kunstschau promouvant le mouvement Sécessionniste de Klimt. Il est encore étudiant et a 19 ans.

Les avancées de Klimt dans le langage artistique sont révolutionnaires et efficaces. Schiele s'en inspire mais cherche déjà à exprimer sa propre personnalité. Un autoportrait 74 x 30 cm peint à la fin de l'année 1909 a été vendu pour £ 4,5M incluant premium par Christie's à Londres le 6 février 2007. Il est maintenant estimé £ 6M, à vendre dans la même salle le 2 février, lot 31.

La présentation d'un portrait dans un format très vertical est une des innovations de Klimt. Schiele utilise cette idée en limitant la figuration à la tête en haut à droite et aux mains tout en bas de l'image, sur un fond noir.

Le jeune artiste est ambitieux. L'insertion de la tête dans un cadre d'or sur deux côtés et demi est une adaptation des bords dorés de la Judith de Klimt. Le bord gauche de l'image est orné de petits rectangles diversement colorés qui marquent l'allégeance éphémère de Schiele à la Wiener Werkstätte.

La personnalité de Schiele est complexe. Il veut être reconnu et son regard vif engage la communication mais son visage est lourdement fardé. Les doigts qui sont l'outil de sa gloire naissante sont largement ouverts en un symbolisme hermétique qui peut être une proposition, une explication ou un mime.

17 janv. 2016

Le Trésor de la Flota de Indias

Les richesses de l'Amérique sont exploitées par la puissance coloniale. A partir de 1566, les convois réguliers de bateaux de la Flota de Indias transfèrent en Espagne une grande variété de produits exotiques. Les pirates sont aux aguets.

Quand vient la guerre, ces opérations deviennent encore plus dangereuses. En 1702 une flotte anglo-hollandaise se précipite vers la baie de Vigo en Galice où les marins ont commencé à décharger les bateaux. En termes de marine, la victoire anglo-hollandaise est totale mais la bataille sanglante a laissé de nombreuses victimes des deux côtés.

Les vainqueurs sont arrivés un peu trop tard : une partie du trésor était déjà à l'abri. Ils saisissent cependant une importante quantité d'argent et une petite quantité d'or. La réclamation du roi Philippe V reste bien entendu ignorée des anglais qui transforment les métaux en pièces de monnaie.

L'or est très rare en Angleterre et dépend de telles opportunités. La pièce de 5 guinées émise en 1703 est la plus grosse dénomination dans la variété Vigo. Elle a été produite en très peu d'exemplaires. Elle montre le buste de la reine Anne accompagnée du mot Vigo.

A cette époque, les pièces sont martelées, ce qui amène des variantes même pour de petites quantités. Pour cette émission, les deux variantes se distinguent par la distance entre l'épaule de la reine et le mot Vigo.

Le 9 février à Londres, St. James's vend un exemple de la variété la plus rare. Elle est dans un état remarquable pour une pièce de cette époque, gradée AU55 (Almost Uncirculated) par PCGS avec une frappe très nette et une belle couleur de l'or. Elle est estimée £ 300K, lot 73. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.


16 janv. 2016

Picasso soutenu par Vollard

Après l'Exposition Universelle de 1900 où une de ses oeuvres avait été exposée, Pablo Picasso fait un premier séjour à Paris. Il est séduit par l'atmosphère Belle Epoque et aguiché par les possibilités d'une carrière artistique brillante. Il revient à Paris en mai 1901. Pedro Mañach l'introduit auprès des marchands influents et Ambroise Vollard prépare une exposition qui ouvrira le 25 juin.

Le temps presse et Pablo ne peut pas rater cette opportunité qui lancera sa carrière. Il entre dans une frénésie de création, estimée par certains observateurs à trois huiles par jour réalisées avec de très larges coups de pinceau pour couvrir plus vite la surface. Il a si peu de temps qu'il ne s'attarde pas sur les détails, notamment pour les traits des visages.

Pablo qui n'a pas encore 20 ans n'offrait pas jusque-là un style original à la hauteur de son talent graphique. Vollard avait travaillé avec Bonnard. Picasso opte pour des thèmes très variés tour à tour intimistes et mondains avec un choix de couleurs qui rappelle le post-impressionnisme et des contours épais qui anticipent l'expressionnisme. 

Cette très brève période ne ressemble à aucune autre période dans l'art de Picasso. Retournant aux plaisirs factices de la vie Parisienne après l'exposition Vollard, il se souviendra de Casagemas et entrera dans le désastre psychologique de la période bleue.

Dans ce style éphémère qui reste primitif par comparaison avec la période bleue, une huile sur carton 47 x 62 cm peinte en 1901 montrant des femmes Belle Epoque sur l'impériale d'un omnibus traversant la Seine a été vendue pour £ 4,9M incluant premium par Christie's le 9 février 2011. Cette peinture avait été exposée par Berthe Weill en 1902.

L'artiste vient aussi observer les élégantes Parisiennes sur les champs de courses Parisiens. Une scène située à Auteuil, huile sur panneau de même dimension et de même année que l'exemple ci-dessus, est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 février, lot 19.

La Trahison du Miroir

La Trahison des images, réalisée par Magritte en 1929, est un manifeste ou un guide de sa vision sur le langage artistique. L'image de la pipe est contredite par les mots : ceci n'est pas une pipe. Cette affirmation est fausse, mais elle est également vraie : ce n'est pas une pipe mais une toile peinte. La vérité n'existe pas.

Paul Delvaux découvre en 1934 le surréalisme à la manière de Magritte et de De Chirico. Il a trouvé le fil conducteur de toute sa carrière. Dans le silence de la toile, sans avoir besoin de mots, le reflet dans la glace et les ombres savent mentir.

Delvaux dessine joliment les femmes nues. Leur psychisme ne se voit pas par leur attitude toujours statique mais par leur environnement. Elles sont confrontées à leur double, qui peut être la femme habillée ou un simple reflet ou un mannequin de mode.

Le Miroir, huile sur toile 110 x 136 cm peinte en 1936, témoigne de la créativité de l'artiste dans les premiers temps de sa démarche.

La femme nous tourne le dos, assise sur un tabouret dans un intérieur. Sa belle robe de soirée contraste avec le papier mural qui se disloque en un misérabilisme qui est certainement la vérité à laquelle elle veut échapper.

Elle regarde son désir dans le miroir. Son reflet est dans la même position qu'elle mais cette fois-ci elle est nue dans une sorte de porche qui ouvre sur une cour ensoleillée avec des arbres. Le reflet du papier minable est également visible. Le nouvel angle de vue révèle le sourire de son espoir. La lumière reste logique avec des ombres qui ne la contredisent pas.

Le doute survient par l'opposition de l'intérieur et de l'extérieur. Le titre appelle un miroir mais la femme regarde-t-elle son reflet ou son image peinte, qui serait dans ce cas une peinture dans la peinture ? Cette question restera sans réponse, à la fois sans vérité et sans mensonge.

Le Miroir a été vendu pour £ 3,2M incluant premium par Christie's le 8 décembre 1999. Il est estimé £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 février, lot 48.

Une Muse pour Matisse

Après la guerre, Henri Matisse a fui l'agitation Parisienne. Il organise le confort feutré de son appartement Niçois, avec des papiers peints qui sont des décors abstraits et colorés rappelant les murs de fond des studios de photographes. La beauté du corps de la femme reste son thème préféré.

Sa fille Marguerite est une jeune adulte qui devient lasse de poser. En 1920, Henri voit Henriette danser sur une scène. Elle a environ 19 ans et sait jouer du violon et du piano. Elle devient la muse préférée de Henri qui l'intègre dans sa famille où elle est accueillie chaleureusement. Elle aime le théâtre, accepte le nu et prend plaisir aux costumes d'odalisques.

Henri aide sa muse à développer ses talents musicaux, et l'observe dans cette très sage occupation. Le 3 février à Londres, Sotheby's vend La leçon de piano, huile sur toile 65 x 81 cm peinte en 1923, lot 14 estimé £ 12M.

L'ambiance est familiale. Les deux très jeunes frères de Henriette sont attentifs à la musique. Les murs, les meubles, les vêtements et le tapis offrent les études de couleurs qui constituent le style de l'artiste.

Henriette ne sera pas concertiste. L'année suivante, elle est prise par des crises de trac. Henri, toujours gentil avec sa jeune protégée, l'encourage à peindre. La séance du matin, huile sur toile 74 x 61 cm, a été vendue pour $ 19,2M incluant premium par Sotheby's le 7 mai 2014.

Je vous invite à regarder la très courte vidéo partagée par Sotheby's pour annoncer la Leçon de piano.

13 janv. 2016

Les Chest-On-Chest du Massachusetts

Les ébénistes anonymes de Salem et de North Shore ont développé des meubles de luxe pour l'usage local, en acajou finement ciselé. L'amélioration des techniques permet la maîtrise de courbes élégantes.

Le chest-on-chest bombé est une des formes les plus rares, apparentée au style Chippendale. Comme son nom l'indique, c'est un meuble haut constitué de deux corps superposés.

Chacun des deux coffres est équipé de tiroirs qui occupent la presque totalité du volume disponible. Le corps du bas à quatre tiroirs, un peu plus large, est bombé. La forme des deux tiroirs inférieurs correspond à la courbe complexe du bombé. Le corps du haut avec cinq niveaux de tiroirs est surmonté d'un fronton en col de cygne, bonnet ou rouleau. La hauteur totale avoisine 2,30 m.

L'un de ces somptueux bombé chest on chest daté vers 1765-1780 a été vendu pour $ 1,77M incluant premium par Skinner le 1er novembre 2003. Un autre spécimen daté vers 1780 a été vendu pour $ 1,76M incluant premium par Sotheby's le 23 janvier 2009 sur une estimation basse de $ 800K.

Un troisième exemple daté vers 1770 est estimé $ 800K à vendre par Sotheby's à New York le 21 janvier, lot 697.

Un Nouveau Dollar en Chine

Un changement de dénomination de la monnaie génère une phase transitoire avec quelques difficultés de mise en oeuvre. L'arrivée du dollar et du cent en Chine en 1897 est à l'origine de variétés philatéliques rares.

Le délai d'impression cause en effet un risque de pénurie. L'administration décide de surcharger un timbre fiscal de 3c avec toutes les dénominations nécessaires. Du fait que ce timbre n'avait pas encore circulé, il n'y a pas de risque que la surcharge soit réalisée par un faussaire.

La vente de Spink à Hong Kong le 17 janvier inclut plusieurs pièces relatives à cette opération. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Le timbre fiscal d'origine ne pouvait plus servir et très peu d'exemplaires sont restés sans surcharge. Un bloc de quatre dans un très bel état de fraîcheur est estimé HK$ 1,2M, lot 1718.

La première surcharge réalisée est le $ 1. Dans un premier temps, 50 timbres sont imprimés. L'administration n'est pas satisfaite de la trop petite dimension des caractères Chinois et demande un changement à effet immédiat. Deux timbres de cette très rare variété sont offerts. Leur position d'origine formait une paire mais leur état de conservation est différent. Le lot 1720 est estimé HK$ 2M et le lot 1719 HK$ 1,2M.

La collection dispersée dans cette vente inclut des exemples des autres dénominations surchargées, 1c, 2c et 4c. Les lots les plus intéressants sont des erreurs qui témoignent de la hâte avec laquelle l'opération était effectuée.

Le lot 1730, estimé HK$ 600K, a une double surcharge de 2c. Le lot 1733 (qui était annoncé avec le numéro 1731 dans le communiqué de presse), estimé HK$ 1,5M, est une paire avec ses deux surcharges 2c imprimées à l'envers.

Canaletto sous les Voûtes

Arrivé à Londres en mai 1746, Canaletto retrouve sans l'intercession des marchands ses riches patrons de l'aristocratie anglaise. Il cherche à développer des thèmes locaux mais l'intense animation à Saint James's ne peut cependant pas être comparée avec la foule colorée sur la Piazza San Marco.

Le 12 mars 1774, Christie's vendait deux vues d'intérieurs de chapelles : la chapelle de Henry VII à Westminster Abbey et celle de King's College. Les intérieurs sont très rares dans l'oeuvre de Canaletto et ces deux peintures formaient probablement une paire originale selon la pratique la plus courante pour les vues de Venise du maître.

Ces deux chapelles ont un point en commun. Elles sont les chefs d'oeuvre de l'art Gothique anglais avec des voûtes très hautes, qui sont renforcées à Westminster par des réseaux de pendants finement sculptés.

La Horace Walpole's Strawberry Hill collection possède depuis 1774 une huile sur toile de King's College, 75,5 x 67 cm, sans référence identifiée à la vente de Christie's. Le 28 janvier à New York, la vue de Henry VII Chapel 77,5 x 67 cm à vendre par Sotheby's provient de cette ancienne vente Christie's. Elle est estimée $ 5M, lot 59.

Strawberry Hill date sa vue de 1746-1754 et Sotheby's la sienne du début des années 1750, ce qui est cohérent. Dans les deux cas, l'animation clairsemée donne une ambiance plus portée sur le tourisme que sur la religion. Comme toujours, Canaletto apporte une soin extrême à l'exactitude des détails et à la lumière. Cependant l'éclairage trop fort du monument du duc de Buckingham dans l'image de Westminster n'a pas d'explication convaincante.

La vue de Westminster est partagée par Wikimedia :

Canaletto - The Interior of Henry VII's Chapel in Westminster Abbey

10 janv. 2016

Le Coupé après la Course

La FIA n'a pas abandonné la vieille idée d'une classe de compétition pouvant servir à promouvoir des voitures commerciales de haut de gamme. La catégorie GT1 est annoncée en 1996 pour un démarrage l'année suivante. Ses spécifications autorisent des améliorations qui ne serviront pas au modèle de base, incluant des matériaux spécifiques, une meilleure aérodynamique, des freins plus puissants et des pneus plus larges.

Mercedes-Benz voit dans la GT1 une vitrine pour promouvoir ses supercars, en concurrence avec McLaren et Ferrari. La sortie en à peine quelques mois de la CLK GTR tendrait à prouver que les discussions avec la FIA duraient depuis plus longtemps. La GT1 est proche pour cette raison d'une classe prototype dont les retours sur investissements ne sont pas gagnés d'avance et Chrysler, par exemple, ne s'y aventure pas.

Les règlements de la GT1 exigent une production de 25 voitures commerciales. Mercedes-Benz obtient l'homologation GT1 avant même que son modèle de série soit disponible mais se met en conformité a posteriori. Entre 1998 et 2000, 25 coupés et 6 roadsters sont construits. Ces routières qui supportent la version de compétition sont à leur époque les voitures les plus chères du marché : autour de $ 1M pour le coupé et de $ 1,5M pour le roadster.

Un roadster CLK GTR a été vendu pour £ 1,5M incluant premium par Bonhams le 26 juin 2015. Un coupé daté 2000 est estimé € 1,8M à vendre par Bonhams à Paris le 4 février, lot 352.

9 janv. 2016

La Dernière 250 GT SWB

La berlinette 250 GT entre dans la logique stratégique de Ferrari d'offrir à sa clientèle des voitures sportives de plus en plus puissantes et de plus en plus stables en carrosseries fermées. Pour cette raison, elle est beaucoup moins rare que le California Spyder construit sur les mêmes châssis LWB puis, à partir de 1959, SWB.

Cette berlinette est aussi une sportive. La LWB avait reçu le surnom de Tour de France en récompense de sa participation spectaculaire dans cette compétition. 84 TdF ont été construites.

Encore plus efficace que la LWB, la berlinette SWB n'a cependant jamais reçu de surnom. Elle gagnait les mêmes compétitions et plaisait à ses propriétaires par son confort de conduite et son allure compacte dont le dessin est un chef d'oeuvre d'équilibre conçu par Pinin Farina. De gros efforts ont été réalisés également pour son industrialisation : 165 berlinettes GT 250 SWB ont été réalisées. La carrosserie était fabriquée par Scaglietti.

Le marché change et l'état devient aussi important que la rareté. Une berlinette SWB fabriquée en 1960 a été vendue pour £ 7,4M incluant premium par H and H le 14 octobre 2015 malgré quelques petites modifications.

La dernière voiture de cette série réussie sort d'usine en janvier 1963. Elle n'a pas été utilisée à l'époque en compétition et n'a pas subi d'accident ni de restauration majeure. Elle est estimée € 9M à vendre par Artcurial à Paris le 5 février, lot 138. Elle est illustrée sur le communiqué de presse.

Les Fauteuils de l'Amitié Fraternelle

Fondée par William Penn, Philadelphie signifiant la ville de l'amitié fraternelle est un centre d'activités intellectuelles intenses animées notamment par Benjamin Franklin. Un groupe de fauteuils en noyer intéresse particulièrement les historiens parce qu'ils sont les témoins de ces sociétés savantes, mais ils n'ont pas encore dévoilé les circonstances de leur origine.

Ces fauteuils sont dispersés et on ne connaît rien de leur histoire avant leur séparation. Quatre d'entre eux sont numérotés : III, IIII, V et VIII, avec les numéros de châssis correspondants sauf le fauteuil VIII qui est équipé du châssis I.

Leur style Queen Anne était courant à Philadelphie. L'élégance de ces sièges de luxe est obtenu par la sculpture soigneusement arrondie des pièces de bois. L'assemblage complexe est renforcé par du fer aux endroits les plus fragiles. Leur haut dossier, les longs accoudoirs et la décoration du dos ajouré confirment qu'ils constituent un seul groupe.

La comparaison avec d'autres sièges individuels dont des bergères ne laissent aucun doute sur le fait qu'ils aient été fabriqués à Philadelphie vers le milieu du XVIIIème siècle. Leur intérêt historique réside dans le fait que c'est le seul groupe de ce genre dont des exemplaires ont survécu.

Le plus haut numéro connu, VIII, indique qu'ils avaient été conçus pour l'usage d'une collectivité ou d'un club. Le nom de l'important bibliophile James Logan, qui fut aussi maire de Philadelphie, a été avancé mais l'argument concernant cette provenance ne s'appuie pas sur des documents d'époque.

Le fauteuil V a été vendu pour $ 2,25M incluant premium par Sotheby's le 7 octobre 2006 sur une estimation basse de $ 500K.

Un unique fauteuil surnuméraire, non numéroté, est connu. Ses caractéristiques finales sont identiques à celles des quatre autres fauteuils et il provient sans aucun doute de la même opération d'origine. Certains trous facilitant l'assemblage présents sur les autres pièces manquent à celui-ci, ouvrant l'hypothèse séduisante selon laquelle ce fauteuil serait un prototype de la série.

Ce fauteuil sera vendu par Christie's à New York le 22 janvier, lot 67 estimé $ 500K. Il est déaccessionné par le Philadelphia Museum of Art qui le date de 1740-1760. Le catalogue de Christie's le considère plutôt autour de 1755, ce qui correspond à la période de constitution de la bibliothèque publique de Philadelphie en application du très généreux legs fait par Logan.

L'Hypercar des Années 1930

Mercedes-Benz a conçu et produit le chef d'oeuvre automobile des années 1930, la 540K Special Roadster. Elle n'est pas un élément isolé dans la stratégie de la marque mais réellement le sommet d'une gamme. Elle est la plus grosse, la plus puissante, la plus rapide, la plus belle et la plus chère.

Son moteur de 5,4 litres à compresseur est l'apogée de son évolution technique et n'aura pas de suite. Le projet d'extension à 5,8 litres de la 580K sera abandonné.

Elle est la plus grosse, avec une longueur de 5,10 m, mais sa cabine ouverte en cabriolet à deux places est légère. Le gain de poids permet une vitesse de pointe de 185 km/h, soit 25 km/h de plus que les carrosseries closes.

Esthétiquement, elle est un prodige d'ingéniosité de l'équipe de Hermann Ahrens et des ingénieurs de Sindelfingen : sa forme effilée fait oublier ses dimensions monstrueuses. Elle a une longue queue, ce qui équivaut à dire qu'elle anticipe de huit décennies les hypercars d'aujourd'hui avec le cockpit centré sur le châssis.

Elle est la plus chère : 28 000 Reichsmarks, c'est-à-dire 6 000 Reichsmarks de plus que tout autre modèle du catalogue. C'est un atout supplémentaire car elle intéresse l'élite super-riche comme voiture de prestige et de parade, bien que rien n'empêche de pousser les performances de ce roadster sur une Autobahn.

La politique Allemande n'empêche pas Mercedes-Benz de maintenir une clientèle internationale. La Special Roadster à vendre par RM Sotheby's à Phoenix le 29 janvier a été livrée en avril 1937 à un distributeur Américain qui l'a vendue aussitôt à un collectionneur, heureux héritier d'une des plus grandes fortunes industrielles.

Cette voiture de collection a très peu roulé. Elle est estimée $ 10M, lot 242. Rappelons que la voiture de même modèle retrouvée intacte en 1989 dans la succession de la baronne von Krieger a été vendue pour $ 11,8M incluant premium par Gooding le 18 août 2012, un prix très élevé pour une voiture à cette époque.

6 janv. 2016

Prototipi pour les Mille Miglia

La catégorie Prototipi des courses d'endurance permet à Ferrari de développer au milieu des années 1950 une gamme de véhicules puissants et spectaculaires, réalisés en très petites quantités. Le suprême objectif est de gagner les Mille Miglia.

En 1956, les efforts de Ferrari sont récompensés par un retour à la victoire avec la 290 MM pilotée par Castellotti. Une autre 290 MM, pilotée par Fangio, est classée quatrième. Cette voiture a été vendue pour $ 28M incluant premium par RM Sotheby's le 10 décembre 2015.

En 1957, les 315 S à moteur 3,8 litres et les 335 S à moteur 4 litres apparaissent comme les successeurs de la 290 MM. Une 315 S pilotée par Taruffi gagne la course devant une autre 315 S pilotée par Von Trips. Malheureusement la plus prestigieuse des compétitions Italiennes d'endurance est interdite par le gouvernement Italien après l'accident de la 335 S de De Portago.

Les autres compétitions continuent et les voitures sont soumises aux améliorations nécessaires au maintien de leur compétitivité. La Ferrari 315 S qui avait été utilisée par Von Trips reçoit un moteur 4 litres, devenant ainsi une 335 S. Elle est également équipée de la face avant ponton fender destinée à réduire les échauffements, qui fait la gloire la même année de la 250 Testarossa.

Après un bel historique en compétition, cette 315 S/ 335 S entre dans la collection de Pierre Bardinon qui la restaure dans sa configuration spider tout en conservant séparément le ponton fender qui accompagne encore aujourd'hui la voiture. Elle est estimée € 28M à vendre par Artcurial à Paris le 5 février, lot 170. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Les Cornes de la Révolution

La manipulation de la poudre à fusil est dangereuse. Jusqu'au début du XIXème siècle, la cartouche reste rudimentaire et doit de surcroît être compatible avec l'arme à feu utilisée. L'autre méthode consistait à stocker la poudre dans des récipients que le soldat avait avec lui pour charger l'arme juste avant de tirer.

La corne de mammifère évidée est un bon choix. Elle protège la poudre contre l'humidité et son volume est relativement important. Un polissage des parois protège contre l'effet fatal d'une étincelle. L'objet pouvait être décoré, comme un scrimshaw.

Deux cornes à poudre datant de la Guerre Révolutionnaire Américaine viennent en vente à quelques jours d'intervalle. Les deux pièces ont conservé leur bouchon.

Le 11 janvier, Sterling Associates vend une corne décorée, marquée au nom d'Alexander Hamilton et datée 1773. Les inscriptions sont considérées comme autographes et un descendant direct du célèbre Founding Father a déclaré qu'il considère cette provenance comme authentique.

Elle est estimée $ 25K, lot 60 sur les plates-formes de ventes LiveAuctioneers et Invaluable. La maison de ventes est située à Closter NJ. Les enchères sont reçues sur ordre et en live par téléphone et sur Internet.

Le 4 février à Fairfield ME, James D Julia vend une corne inscrite sur le bouchon du nom de son propriétaire Oliver Buttrick et datée 1774 au même endroit. Elle a très certainement été utilisée par ce minuteman à la bataille de Concord l'année suivante. Elle est estimée $ 20K, lot 2026 sur la plate-forme Invaluable.

3 janv. 2016

Portrait d'un Médailliste

Le 27 janvier à New York, Sotheby's vend au lot 8 le portrait miniature en buste d'un homme de la Renaissance. Cette pièce ronde est peinte à l'huile sur un panneau en noyer ciselé de 12 cm de diamètre. La surface peinte mesure 10,1 cm de diamètre.

Des traces de mise à nu du bois indiquent que cette oeuvre précieuse avait autrefois un couvercle, pour être utilisée comme un médaillon portable. Cette structure est rare, peut-être parce que ces petites images ont disparu. Un portrait de Melanchthon par Holbein vers 1530 a conservé son couvercle. L'art portable était cependant courant au début de la Renaissance, avec notamment les triptyques religieux.

Le modèle est connu : il s'appelait Valerio Belli. Il était médailliste et graveur de gemmes. Sa physionomie est reconnaissable, avec son nez Romain et son épais sourcil. Le profil vers la gauche, la coiffure et la barbe sont identiques à un autoportrait en médaille marqué Valerius Bellus Vicentinus.

Le portrait à l'huile sur bois est resté à Vicence dans les familles du médailliste et de son exécuteur testamentaire jusqu'en 1706. En 1643, son propriétaire indiquait une signature F.R. (fecit Raphael) qui a disparu ultérieurement mais ne peut certainement pas être une confusion d'inventaire avec une autre peinture.

L'authenticité de cette signature par Raphael n'était pas mise en doute à cette date, 97 ans après la mort de Belli. Cette tradition familiale est aussi supportée par une inscription manuscrite ancienne au verso du bois indiquant Fatto dell'ano 1517 in Rom(.) / Rafael Urbinate. Aucun document ne prouve une rencontre entre Raffaello Sanzio et Valerio Belli.

Ce portrait est considéré par les experts comme une oeuvre authentique de Raphael d'Urbino tout en étant le seul portrait de profil dans l'oeuvre du maître. Il est estimé $ 2M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.