31 mars 2016

Longue Focale sur la Lune

Apollo 11 est un exploit technique et humain. Après la réussite des premiers pas de l'homme sur la Lune, l'exploration scientifique de notre satellite naturel peut commencer. En 1971 le Rover d'Apollo 15 permet aux astronautes de parcourir 28 Km répartis sur trois excursions.

La photographie est scientifiquement indispensable. L'autonomie de leur nouveau véhicule ne permet pas de s'approcher des éléments géologiques vus à l'horizon. Les deux astronautes sont équipés de boîtiers Hasselblad, comme pour les précédentes missions.

Le téléobjectif Tele-Tessar 500 mm f/8 conçu et réalisé par Carl Zeiss AG spécialement pour être utilisé sur l'Hasselblad lunaire est une nouveauté d'Apollo 15 souhaitée par le Commandant Scott qui est parvenu à convaincre la NASA de son avantage pour la mission.

Scott utilisa intensément cet instrument sur la Lune : il indiqua lui-même avoir pris 293 télé-photos pendant cette mission. Ajoutant 30 cm à la longueur de l'appareil photo, cet équipement était cependant trop encombrant et une vidéo YouTube montre Scott qui tombe sur le sol Lunaire avec son Hasselblad à la main.

Tous les Hasselblad utilisés sur le sol Lunaire y ont été abandonnés sauf l'autre appareil d'Apollo 15, pour une raison technique. Il a été vendu pour € 660K incluant premium par WestLicht le 22 mars 2014.

Le Tele-Tessar est revenu sur Terre et a été offert à Scott par la NASA en souvenir de la mission. Il est estimé $ 400K à vendre par RR Auction dans la vente en ligne qui s'achève le 21 avril, lot 6501. Il est illustré sur l'article partagé par Gizmag. Le boîtier Hasselblad sur lequel il est photographié n'est bien sûr pas son équipement d'origine qui est resté sur la Lune et n'est pas inclus dans ce lot.

La Loi des Knickerbockers

On aime bien jouer à la balle à New York et à Brooklyn. Des équipes se créent. Certaines constituent des clubs. Le XIXème siècle voit le développement fulgurant des transports. Bientôt les groupes de joueurs feront des trajets de plus en plus longs pour effectuer leurs matchs.

L'esprit de compétition requiert des règles figées qui permettront d'identifier des champions qui remettront leur titre en jeu lors de la saison suivante. En Angleterre, le football suit une évolution similaire à la même période.

Le pionnier de la standardisation du base ball, qui deviendra plus tard le baseball, est le New York Knickerbockers Base Ball Club créé en 1845, tirant son nom de l'uniforme des pompiers qui leur prêtaient leur terrain de jeu.

Les Knickerbockers n'étaient pas les meilleurs sur le plan sportif mais ils eurent le mérite de vouloir imposer leurs règles. Ils furent aussi l'une des deux équipes qui jouèrent le premier match officiel en 1846 et le premier club de base ball à utiliser un uniforme distinctif, en 1849.

En 1857 à New York, le premier congrès de la National Association of Base Ball Players établit le premier organisme de régulation et fige les règles qui resteront quasiment inchangées, mettant fin aux initiatives des Knickerbockers.

Un groupe de trois documents passés quasiment inaperçus dans une vente aux enchères en 1999 donne une vision nouvelle sur le rôle fondamental et même unique des Knickerbockers dans la définition des lois finales du baseball.

En 1857 le président des Knickerbockers est Doc Adams qui avait été un des joueurs du match pionnier de 1846. Les trois documents sont le premier brouillon autographe écrit par Adams en 1856 (la dernière page est manquante), une itération annotée par lui avant le congrès, et les règles finales présentées au congrès et approuvées.

Ces documents sont regroupés dans le lot 1 de la vente en ligne organisée par SCP Auctions avec clôture des enchères le 23 avril. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes :

Joaillerie Extraterrestre

La Terre est bombardée sans relâche depuis l'espace. Dans les années 1880, Eliza collecte de curieux échantillons éparpillés dans le sol de sa propriété. Elle suppose correctement qu'il s'agit de météorites.

Le point d'impact principal est identifié : un tout petit cratère de 15 m de diamètre identifié sous le nom de Brenham. La surface de collection est surnommée la Kansas Meteorite Farm. Selon l'estimation actuelle, 7000 Kg de matière extraterrestre ont atteint le sol à Brenham. La chute serait récente : moins de 1000 ans.

Depuis plus d'un siècle les géologues étudient Brenham. Une masse monolithique de 450 Kg est trouvée en 1947. Les techniques de prospection s'améliorent : la plus grosse météorite de Brenham, pesant 650 Kg, est découverte en 2005. Elle est estimée £ 500K à vendre par Christie's à Londres le 20 avril, lot 74.

Cet échantillon mesurant 965 x 661 x 584 mm présente un grand intérêt scientifique : c'est une rare météorite orientée, signifiant que son axe de chute est parfaitement visible. Elle a bien entendu été modifiée par l'échauffement de son frottement dans l'atmosphère et prend autour de son axe la forme arrondie d'un bouclier thermique idéal.

Composée de ferro-nickel, la météorite de Brenham est aussi un écrin pour des inclusions d'olivine qui sont révélées par le polissage. Fréquente sur Terre, l'olivine est un silicate de fer et magnésium de haute densité qui a été aussi trouvé sur la Lune et sur Mars et fréquemment observé dans l'espace par spectrographie. Cette pierre jaunâtre peut être utilisée en joaillerie sous le nom de péridot.

28 mars 2016

Feu le Prince Royal

Louis-Philippe I est roi des Français depuis 1830. Tentant une voie médiane entre les révolutionnaires et les conservateurs, il n'est pas convaincant politiquement. Tous les espoirs se dirigent vers son fils aîné Ferdinand-Philippe duc d'Orléans. Le Prince Royal a beaucoup de qualités qui manquent au vieux roi. Sa carrière militaire est déjà brillante. Jeune et actif, aimable et charmeur, il est déjà un protecteur des arts.

Le duc demande à Ingres de peindre son portrait. Après quelques réticences, l'artiste accepte. Sept séances de pose sont effectuées en 1841. Le portrait de trois quarts du prince debout en tenue militaire est livré par l'artiste le 8 mai 1842. Cette huile sur toile 158 x 122 cm est entrée en 2005 dans les collections du Musée du Louvre.

La mort accidentelle du duc le 13 juillet 1842 à l'âge de 32 ans est une catastrophe pour la dynastie d'Orléans. Ses amis veulent conserver son image. La veuve revient vers Ingres et commande un portrait en buste.

Le 2 août 1844 Ingres livre à la duchesse d'Orléans un portrait en format ovale du défunt, huile sur toile 75 x 61 cm. Sa belle figure atteste bien de l'amitié et de l'admiration qu'il avait su inspirer à l'artiste. Conservée jusqu'à ce jour dans la descendance de la duchesse, cette peinture est estimée $ 400K à vendre par Christie's à New York le 13 avril, lot 43.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

L'Oiseau Bleu

Les amateurs de haute joaillerie aiment les provenances prestigieuses. La bague de Shirley Temple est estimée $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 19 avril, lot 319.

Shirley Temple était l'enfant vedette du cinéma. Dès 1934, des films de long métrage sont conçus pour utiliser au mieux ses étonnants talents d'actrice. Elle a 6 ans. En 1940, l'Oiseau Bleu est une tentative de la 20th Century Fox de contrecarrer le succès du Magicien d'Oz. Shirley est à contre-emploi dans le rôle d'une petite fille égoïste. Les spectateurs n'aimeront pas.

L'oiseau bleu du film est un symbole de bonheur. Le père de Shirley a l'idée très sympathique d'offrir à sa fille une bague ornée d'un diamant bleu. Le prix de cet achat a été conservé : $ 7210.

En 1940, les diamants de couleur attiraient peu l'attention. Le diamant de Shirley est cependant une pierre exceptionnelle. Elle a beaucoup aimé cette pierre dont elle ne s'est jamais séparée. Elle est actuellement montée sur une bague Tiffany de style Art Déco datée 1972.

Les meilleurs diamants bleus sont répartis en trois catégories : fancy vivid blue, fancy intense blue et fancy deep blue. Les fancy vivid sont fréquemment discutés dans cette chronique, au sommet des enchères. Le diamant de Shirley est un fancy deep blue pesant 9,54 carats taillé en coussin de clarté VVS2 potentiellement internally flawless.

Voici un résultat démontrant la qualité et la rareté des fancy deep blue de poids important. Un diamant pesant 5,30 carats monté sur une bague par Bulgari vers 1965 a été vendu pour £ 6,2M incluant premium par Bonhams le 24 avril 2013 sur une estimation basse de £ 1M. Ce prix record pour l'époque correspondait à $ 1,8M au carat malgré une clarté seulement gradée VS2. L'acheteur était Graff Diamonds.

Je vous invite à regarder la courte vidéo dans laquelle Sotheby's annonce la vente en montrant l'enfant prodige et son diamant.

Ateliers Royaux à Kirman

Les souverains du Moyen-Orient ont toujours aimé le luxe. Les Shahs Safavides développent jusqu'à sa plus grande perfection l'art du tapis Persan, d'abord à Tabriz et ensuite à Isfahan et Kirman.

La beauté et la robustesse résultent de techniques d'une haute complexité dont l'apogée est atteinte à Kirman. Les tisserands utilisent dans les mêmes pièces la laine et le coton avec une très large gamme de teintures des fils. Les couleurs sont éblouissantes et les thèmes de fleurs, feuilles et oiseaux sont charmants.

La technique la plus complexe de tissage utilise pas moins de trois passages de trame par noeud. Elle est appelée Vase sur la proposition de May Beattie en 1976.

Le 19 avril à Londres, Christie's vend un tapis et deux fragments de Kirman Vase qui avaient appartenu à la collection Alice de Rothschild.

Le plus ancien a été tissé avant 1600, correspondant au début du règne d'Abbas. Ce fragment 306 x 196 cm serait complet s'il avait conservé ses bordures. Le catalogue liste quinze couleurs. La seconde trame est en soie, ce qui est une caractéristique des pièces les plus prestigieuses. Il est estimé £ 400K, lot 102.

Le lot 100, estimé £ 250K, est un fragment de bord 205 x 286 cm provenant d'une paire de tapis fragmentés à une date non identifiée qui furent parmi les plus grands Kirman Vase jamais réalisés.

Le troisième tapis de cette collection, daté de la fin du XVIIème siècle, est complet et en très bon état avec une dimension de 251 x 151 cm. Les grands motifs foliés renforcés par des fleurs discrètes sont répartis de façon alternée en partie et contre-partie, offrant une vision d'ensemble qui tend vers l'abstraction. Il est estimé £ 1M, lot 101.

La technique et le motif de ce tapis sont très similaires au spécimen Béhague, de même largeur mais 90 cm plus long, qui fut vendu pour £ 6,2M incluant premium par Christie's le 15 avril 2010.

27 mars 2016

Le Piège aux Innocents

La scène d'hiver intitulée La Trappe aux Oiseaux est le thème le plus fréquent dans l'art de Pieter Brueghel le Jeune. Un sentiment de quiétude émane de cette composition avec des patineurs sur la glace au milieu de la route et des oiseaux.

Le titre n'est cependant pas incongru. La glace peut couvrir un piège invisible. La genèse de cette angoisse remonte à la confrontation de Pieter Bruegel l'Ancien (sans 'h') avec les guerres de religion, une épreuve terrible pour la fin de la vie de ce grand artiste qui désirait être un moralisateur.

Le prototype de La Trappe aux Oiseaux par Pieter l'Ancien n'est pas identifié avec certitude bien que l'exemplaire conservé au Kunsthistorisches Museum à Vienne soit un bon candidat. Toutefois son Massacre des Innocents, situé quasiment au même endroit dans le village Flamand et avec le même enneigement, confirme le message de la tranquillité trompeuse de la Trappe aux Oiseaux.

Un Massacre des Innocents 122 x 170 cm par Pieter le Jeune, vendu pour £ 4,6M incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2009, est daté autour de 1605-1610 par dendrochronologie. Il est très proche de la composition originale de son père.

La morale se transforma en paysage charmant sans modification majeure de l'image au fur et à mesure que les souvenirs de la guerre étaient estompés. Cinq exemplaires de La Trappe aux Oiseaux ont été datés par l'artiste entre 1601 et 1626. La dernière d'entre elles, 40 x 57 cm, a été vendue pour £ 3,9M incluant premium par Sotheby's le 9 juillet 2014 sur une estimation basse de £ 1M.

Dans une étude publiée en 2000, Klaus Ertz compte 45 peintures autographes de La Trappe aux Oiseaux par Pieter le Jeune. L'huile sur panneau 46 x 59 cm à vendre par Dorotheum à Vienne le 19 avril est une addition à ce corpus. Par des considérations de style, Ertz la positionne autour de 1616. Elle est estimée € 700K, lot 39.

Je vous invite à regarder la video partagée par Dorotheum.

Trois Décennies avec Sherlock Holmes

Sherlock Holmes est le héros de 4 romans et 56 nouvelles écrits entre 1887 et 1927 par Conan Doyle.

La littérature de déduction existait auparavant, notamment avec Edgar Poe, mais cette série extrêmement innovante anticipe par bien des aspects les romans policiers et les comic books. Les histoires ne sont pas strictement séquentielles mais une chronologie de la carrière fictive de Holmes peut être établie pour laquelle les aficionados Sherlockiens recueillent des éléments épars tout au long de la série, comme le feront plus tard les Tintinophiles.

Holmes est le premier des super-héros, surpuissant intellectuellement mais pas infaillible, notamment sur le plan des moeurs. Son camarade le Dr Watson est un efficace faire-valoir qui aide à concentrer l'attention sur le génie du maître.

Le 11 avril à New York, Bonhams vend plusieurs manuscrits autographes par Conan Doyle dont deux histoires complètes.

The Adventure of the Greek Interpreter, publié en 1893, est une histoire compliquée dans laquelle la solution est inspirée à Holmes par une observation de bon sens faite par Watson. Le document est composé de 34 feuilles arrachées d'un carnet. Deux pages verso ont été gribouillées par un enfant. Il est estimé $ 380K, lot 12.

Inversement, The Problem of Thor Bridge, écrit en 1922, appartient à la dernière partie de la carrière de Doyle et Holmes. Cette nouvelle dans laquelle le détective ne croit pas à la culpabilité apparemment évidente d'une jeune femme a une forte dimension sociale.

Cette histoire a eu une Continuation. Les deux manuscrits sont restés groupés pour un total de 48 pages. Ce document de travail inclut des ratures témoignant de différents noms envisagés par l'auteur pour les personnages et les lieux. L'ensemble est estimé $ 250K, lot 17.


Le Jubilee du Mogok

En matière de rubis, les pierres extraites dans la petite vallée du Mogok dans le nord de Birmanie sont insurpassables grâce à d'importantes traces de chrome dans le sol. Leur magnifique luminosité atteint la fluorescence et les meilleures pierres ont une clarté parfaite.

Les rubis du Mogok de la plus haute qualité atteignent $ 1M au carat. Les exemples récents étaient taillés en coussin.

Le Graff Ruby pesant 8,62 carats a été vendu pour CHF 8,3M incluant premium par Sotheby's le 12 novembre 2014. Le Sunrise Ruby pesant 25,59 carats a été vendu pour CHF 28M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015. Le Crimson Flame pesant 15,04 carats a été vendu pour HK$ 142M incluant premium par Christie's le 1er décembre 2015.

Une taille ovale, quand elle est possible, accentue encore plus la beauté d'un rubis. Le Jubilee Ruby pesant 15,99 carats est presque circulaire et possède toutes les autres caractéristiques d'un rubis parfait. Monté sur une bague par Verdura dans un entourage de diamants, il est estimé $ 12M à vendre par Christie's à New York le 20 avril, lot 255.

Je vous invite à admirer le Jubilee Ruby dans la vidéo partagée par Christie's. Il est possible que son nom soit une référence au 250ème anniversaire de la maison de ventes.

Dévotion Privée à Florence

Le 14 avril à New York, Christie's vend au lot 125 une pièce d'autel haute de 77 cm composée de panneaux à la tempera et or dans une structure architecturée en gesso. Cette pièce complexe en excellent état est un témoin de l'art religieux à Florence tout au long du Trecento.

Le panneau central est le plus ancien. Réalisé dans les années 1330 par Bernardo Daddi, il montre la Vierge à l'Enfant sur un trône.

Bernardo avait collaboré avec Giotto et est son meilleur successeur à Florence. Ces maîtres des fresques avaient aussi des clients pour la dévotion privée ou les pièces portables et transcrivaient leur art grandiose dans des formats miniaturisés. Pour cette scène charmante, Bernardo utilise une grande variété de couleurs douces. Les lignes sont volontairement renforcées pour apporter une illusion tridimensionnelle.

Les panneaux supérieurs, latéraux et les prédelles ont été ajoutés 30 ans plus tard et sont attribuées au Maître de la Miséricorde qui fut le principal peintre à Florence après la peste de 1348 dans laquelle mourut Bernardo. Son nom n'a pas été retrouvé.

Ces panneaux supplémentaires ont une forme conçue pour son architecture qui a très certainement été assemblée à la même époque pour un client non identifié qui sera peut-être un jour identifié par les blasons des prédelles.

L'autel est désormais dominé par Dieu le Père. De chaque côté, en symétrie, une paire d'anges monte vers Dieu en tentant de le contempler. Le plus hardi, en avant, surmonte l'éblouissement en utilisant un verre teinté. L'autre, encore en arrière, n'a pas trouvé la solution et se masque les yeux avec la main. Ce thème rare avait orné le pinacle d'un autel monumental par Giotto.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

26 mars 2016

André Gide, l'Emancipateur

André Gide n'a jamais hésité à combattre tous les dogmes moraux et religieux. Il rêve de liberté en politique et de liberté sensuelle. Il annonce son homosexualité dès 1893 en sachant bien qu'il devra affronter les haines et les opprobres.

Son oeuvre est considérable mais son animation de la vie littéraire française est tout aussi importante. En contribuant passionnément à la Nouvelle Revue Française, il offre aux écrivains francophones de toutes tendances une opportunité de faire entendre leur voix.

Malgré certaines positions extrêmes en matière de moeurs, son honnêteté intellectuelle est incontestable, comme par exemple quand il reconnaît que son rejet du premier livre de Proust était une erreur majeure ou quand il renonce à sa tentation d'apologie du Stalinisme.

Après la seconde guerre mondiale, le vieil écrivain ralentit fortement son activité. En 1947, le Prix Nobel de Littérature lui est décerné. Le comité Nobel a été courageux dans cette décision. montrant que les jurés ont volontairement passé outre sa réputation d'incitation à la dépravation. Un commentaire élogieux justifiait la décision en reconnaissant son rôle d'émancipateur de l'esprit.

La médaille et le diplôme Nobel d'André Gide sont vendus en un seul lot par Christie's à Paris le 22 avril. Il est estimé € 200K, lot 177.

Le Ptolémée de la Renaissance

Oubliée depuis un millénaire en Europe de l'Ouest, la Cosmographia de Claudius Ptolemaeus revient en Italie par Constantinople. Les savants voient immédiatement l'intérêt considérable de ce travail antique. Jacobus Angelus traduit la Cosmographia de Grec en Latin vers 1406. Nicolaus Germanus entreprend ensuite de réactualiser l'oeuvre et d'y incorporer les découvertes de son temps.

Germanus a terminé son travail en 1482. Sans ôter la référence d'auteur à Ptolémée, il fait éditer ses cartes à Ulm tout en utilisant la traduction d'Angelus. La gravure sur bois est une technique récente qui améliore considérablement la diffusion des cartes. Pour la première fois, une des cartes de Germanus est signée par le graveur : Johannes (Schnitzer) à Armsheim. Armsheim est à 30 Km de Mayence, la ville où avait opéré Gutenberg.

Le premier éditeur, Lienhart Holle, n'a pas plus de chance que Gutenberg : il est ruiné par l'ampleur de son travail. Un exemplaire de son édition a été vendu pour £ 510K incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2014.

Son expérience profite à un autre imprimeur d'Ulm, Johann Reger, qui récupère intact le matériel et les planches de Holle et réédite la Cosmographia sans modification notable en 1486. L'ouvrage connaît cette fois-ci le succès qu'il méritait : le tirage effectué par Reger est estimé à environ 1000 exemplaires.

Les meilleurs exemplaires sont colorés à la main. Une Cosmographia de 1486 a été vendue pour £ 360K incluant premium par Sotheby's le 29 avril 2014 malgré l'absence de trois feuilles de texte. Un autre exemplaire décrit comme splendide dans une reliure de son époque est estimé $ 600K à vendre par Christie's à New York le 5 avril, lot 8.

L'Atelier de Memling

Une peinture sur panneau 99 x 74 cm sur le thème de la Nativité est découverte en 1994 dans une très ancienne famille Flamande par un expert qui préparait une compilation et une exposition concernant Hans Memling.

La similitude de cette oeuvre est frappante avec l'aile gauche du triptyque réalisé en plus petites dimensions par Memling en 1479 pour Jan Floreins. La Vierge est quasiment identique jusque dans les plis de sa robe. Les autres personnages sont disposés avec de légères différences et le paysage du fond n'est pas le même.

La peinture ainsi redécouverte ne peut pas être considérée comme une simple copie. Le soin apporté aux détails est extrême et résulte parfois de plusieurs essais successifs. L'artiste n'a cependant pas toute l'expérience du maître et cette oeuvre n'est d'évidence pas autographe. La technique de peinture est contemporaine de Memling.

L'oeuvre a été analysée par réflectographie infra-rouge et radioscopie. Elle avait été préparée par des esquisses à la craie qui renforcent encore la comparaison avec Memling et ont certainement été réalisées à partir de modèles de dessins disponibles dans l'atelier. Memling utilisait cette technique depuis son apprentissage auprès de Rogier van der Weyden.

Cet intéressant témoin de la Renaissance Flamande en très bon état est estimé € 1,2M à vendre le 19 avril à Vienne par Dorotheum, lot 12.

La maison de ventes est intriguée par le fait qu'une oeuvre réalisée avec un tel professionnalisme ne soit pas autographe. Deux explications sont possibles : une surcharge de travail de cet atelier très sollicité à la fin de la carrière de Memling ou la réalisation d'une commande en cours à la mort du maître en 1494.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Dorotheum :

23 mars 2016

La Vaisselle de la Concubine Principale

L'empereur Chenghua de la dynastie Ming n'a pas laissé de trace significative dans l'histoire de la Chine mais sa vaisselle atteint le plus haut niveau de l'histoire du luxe toutes catégories confondues.

Ces pièces sont innovantes par l'extrême soin dans la réalisation de la porcelaine, à la fois fine et robuste avec une qualité tactile qui ne sera jamais plus atteinte. Les formes doucement incurvées des pièces sont également nouvelles, avec plusieurs variantes.

Les coupes sont utilisées pour le vin et les bols pour la nourriture. Portant la marque de l'empereur, ces pièces sont surtout réalisées à l'usage de la concubine principale Wan Guifei dont les exigences étaient apparemment extrêmes. Elles sont extrêmement rares et on ne trouve même pas de pièces ratées ni de déchets, ce qui prouve la rigueur des contrôles effectués sur place à Jingdezhen par les eunuques impériaux.

Cette fabrication limitée en quantité était si onéreuse que les conseillers de l'empereur ont réussi à y mettre fin au bout d'une dizaine d'années, pendant la 20ème année du règne correspondant à 1485 de notre calendrier, deux ans avant la mort de l'empereur et de la concubine.

La technique de couleur n'est pas nouvelle : bleu de cobalt en deux nuances pour les bols et doucai pour les coupes. Le dessin est innovant avec des compositions asymétriques souvent enjolivées par des spirales. Les chicken cups sont prestigieuses. L'une d'elles dans un état de conservation admirable a été vendue pour HK$ 280M incluant premium par Sotheby's le 8 avril 2014.

Les bols aux fleurs peuvent être exquis comme ce bol aux mauves vendu pour HK$ 140M incluant premium par Sotheby's le 8 octobre 2013. Les vignes de melon sont un thème rare symbolisant la prospérité dans la descendance. Le bol de la collection Meiyintang avec un très bel équilibre des bleus et des blancs a été vendu en post sale pour HK$ 90M par Sotheby's le 7 avril 2011.

Le 6 avril à Hong Kong, Sotheby's vend un autre bol aux melons, lot 25 estimé HK$ 50M. Cette pièce est unique dans les détails de sa décoration par la quantité et la densité des fruits. Elle mesure 15,4 cm de diamètre.

Neiges Eternelles d'Aujourd'hui

Cui Ruzhuo assemble des polyptyques composés de panneaux verticaux peints à l'encre et au lavis. Une seule oeuvre gigantesque peut occuper un mur entier d'une salle d'exposition. Son inspiration peut être comparée à la salle circulaire des Grandes Décorations du bassin de Monet bien qu'une influence directe de l'art de Monet sur l'art de Cui soit peu probable.

Les thèmes choisis par Cui plaisent à la sensibilité Chinoise mais son art reste quasiment inconnu hors de Chine. Sur le thème du lotus, un assemblage de huit rouleaux 247 x 123 cm chacun a été vendu pour HK$ 123M incluant premium par Christie's le 29 novembre 2011, l'année même de la création de cette oeuvre.

Le thème favori de Cui est le paysage illimité des montagnes enneigées, éternellement indifférentes aux hommes. Un ensemble de huit panneaux réalisé en 2005 avec une dimension totale de 202 x 988 cm a été vendu pour HK$ 77M incluant premium par Christie's le 28 mai 2013.

Poly Auction inclut régulièrement dans ses ventes des sessions consacrées entièrement à Cui. Un rouleau à main non fragmenté de montagnes enneigées de 36 m de long a été vendu pour HK$ 184M incluant premium le 7 avril 2014.

Le 4 avril à Hong Kong, Poly vend des Grandes montagnes enneigées inspirées par le Jiangnan, ensemble de huit panneaux réalisés en 2013 pour une dimension totale de 300 x 873 cm, lot 1213 estimé HK$ 150M, illustré en Section V dans le communiqué de presse de la vente.

Cette oeuvre avait été vendue pour HK$ 236M incluant premium par Poly le 7 avril 2015. Annoncé alors comme un record pour l'artiste, ce résultat n'est pas cité dans le communiqué de presse de la prochaine vente. Je suppose qu'il est à nouveau présenté parce qu'il n'avait pas été payé. La similitude entre les deux lots ne laisse pas de doute sur le fait que c'est la même oeuvre.

20 mars 2016

Le Catalogue des Marques de Sceaux Impériaux

Pendant la 46ème année de son règne, 1781 de notre calendrier, l'empereur Qianlong reconnaît l'importance culturelle des sceaux impériaux. Il fait préparer des albums où seront apposées les marques de chaque règne. Il inaugure ainsi la nouvelle tradition du Baosou qui sera continuée jusqu'à la fin de sa dynastie des Qing. Chaque Baosou est réalisé en trois exemplaires.

A cette époque, les sceaux de son grand-père Kangxi sont soigneusement conservés dans le palais impérial. Les rares sceaux de son prédécesseur Shunzhi, fondateur de la dynastie des Qing, étaient probablement déjà perdus. Le Baosou de Kangxi inaugure ainsi cet extraordinaire catalogue. Il est composé de feuilles 28 x 13,4 cm mises bout à bout pour une longueur totale de 5,65 m.

Les inscriptions de 119 sceaux de l'empereur Kangxi sont ici apposées avec une grande netteté dans une encre rouge cramoisi. Une transcription à la plume en écriture courante est également offerte à proximité de chaque marque. L'ensemble est protégé dans une luxueuse reliure incluant des dorures et des brocarts de soie.

Qianlong ne pouvait bien sûr pas prévoir les catastrophes liées à l'affaiblissement des Qing au siècle suivant. Maintenant que les sceaux ont été dispersés et que beaucoup d'entre eux n'ont pas refait surface, les Baosou sont d'irremplaçables et fiables documents d'authentification des marques.

Deux des trois copies originales du Baosou de Kangxi ont survécu. L'une d'elles est conservé au Musée du Palais à Beijing. L'autre est à vendre le 6 avril par Sotheby's à Hong Kong, lot 3103.

Les Loisirs Savants de l'Empereur Kangxi

L'empereur Kangxi, qui était un travailleur acharné, consacrait ses loisirs au savoir, à la philosophie et à la calligraphie. Il disposait à cet effet de deux cabinets d'études, le Yangxingdian dans la Cité Interdite et le Yuanjianzhai dans un pavillon d'un jardin impérial.

Kangxi utilisa environ 130 sceaux pour identifier ses consultations de documents ou exprimer son opinion. La stéatite, facile à sculpter et de jolie teinte, fut largement utilisée pendant son règne grâce à une abondance nouvelle de ce minerai. Ses successeurs préféreront le jade.

Le 6 avril à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 3102 un sceau de Kangxi en stéatite.

La marque 5,9 x 5,9 cm est claire, symbolique et efficace. L'inscription centrale indique la localisation de son utilisation au Yuanjianzhai. Cette inscription est flanquée à gauche et à droite des silhouettes ondulantes du tigre et du dragon et terminée aux deux extrémités par les symboles du ciel et de la terre, ce yin et yang entre lesquels l'empereur lui-même est le seul intercesseur.

Ce sceau a peut-être été montré en 1690 au missionnaire Jean-François Gerbillon, invité au Yangxingdian pour inspecter les sceaux impériaux, qui nota à cette occasion la possibilité de dualité textuelle et graphique utilisée dans de très rares marques.

Le sceau Yuanjianzhai est surmonté dans une nuance plus claire de la stéatite d'une bête mythique à la fois puissante et bienveillante pour une hauteur totale de 6,9 cm de ce sceau.

Convoitise pour des Diamants Bleus

De Beers expose ses plus beaux diamants au Millennium Dome à Londres pour toute l'année 2000. Le Millennium Star est un extraordinaire diamant blanc pesant 203,04 carats. Face à lui figurent onze diamants bleus totalisant 118 carats. Toutes ces merveilles ont été extraites de la mine Cullinan. Une telle collection serait plus difficile maintenant du fait de la raréfaction de l'extraction de gemmes exceptionnelles.

Un seul de ces diamants bleus était taillé en ovale. Pesant 10,10 carats, il n'est pas le plus gros des onze mais le plus spectaculaire. Il a été certifié Fancy Vivid Blue Flawless en 1999 par le GIA avec la désignation De Beers Millennium Jewel 4. Monté sur une bague dans un environnement de petits diamants blancs, il est estimé HK$ 235M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 avril, lot 1843.

Ce trésor sans précédent assuré pour £ 350M excita les convoitises pendant l'exposition au Dôme. Le 7 novembre 2000, un commando de quatre personnes équipées d'une excavatrice de 10 tonnes, de masses de forgeron, de bombes fumigènes, de masques à gaz et de gilets pare-balles parvient jusqu'à la vitrine, prêts à célébrer le nouveau millénaire par le plus important cambriolage de tous les temps.

Le gang était sous surveillance et 200 officiers avaient été mobilisés. Le responsable de l'opération avait décidé de laisser les voleurs pénétrer jusqu'à la vitrine pour des raisons de sécurité, les arrestations étant plus faciles dans une pièce close.

Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par Sotheby's pour annoncer la vente du Jewel 4.

Le Rêve du Printemps

Zhang Daqian est l'artiste le plus doué de tous les temps, capable d'imiter et de copier à la perfection les grands maîtres Chinois de toutes les dynasties et de mettre au point des techniques nouvelles. En éclaboussant son papier avec des couches successives d'une peinture transparente, il renouvelle l'expression des paysages sans atteindre l'abstraction, avec des dégradés de teintes parfaitement maîtrisés.

Zhang est revenu en Asie en 1976. Il voit cependant l'urbanisation qui menace la tranquillité de sa résidence à Taiwan. Il réagit en poète. Réalisé en 1982, Peach blossom spring expose son rêve grandiose d'un paradis qui n'existera plus. Conformément à la tradition artistique chinoise, il insère un poème expliquant sa recherche de la béatitude.

Cette oeuvre mêlant le dessin et l'éclaboussure est en quelque sorte son testament artistique sous la forme d'un rouleau à pendre de très grandes dimensions, 209 x 92 cm. Le rêve réalisé avec un pigment de vert de malachite est une colonne d'éclaboussures progressives qui atteint une intensité somptueuse dans le haut de l'image.

Cette splendide explosion de couleur renvoie vers les bords de l'image un paysage au trait net mais sans détails à l'exception de la petite barque d'un pêcheur. En bas de la colonne bleu vert, la frontière avec le monde réel est assurée par une rangée de pêchers qui entreprennent de faire croître leurs branches fleuries dans le ciel onirique.

Son utilisation de plus en plus expressive de la couleur explique l'intérêt considérable du vieux maître pour l'art de Zao Wou-ki. Leur rencontre très significative pour la compréhension de l'évolution de la peinture moderne Chinoise eut lieu l'année suivante quelques semaines avant la mort de Zhang.

Peach blossom spring est estimé HK$ 50M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 avril, lot 1273.

19 mars 2016

Youki, la Femme de Neige

Tsuguharu Foujita arrive en 1913 à Montparnasse. Il amène dans la communauté des peintres toute sa sensibilité Japonaise qui se mêlera harmonieusement avec l'efficacité des lignes des dessins Art Déco.

Comme les autres artistes, Foujita cherche et trouve à Montparnasse la femme idéale. Il épouse Fernande et peint des nus de Kiki. La blancheur de peau de Lucienne lui apporte une nouvelle impulsion artistique. Il la surnomme Youki qui signifie Petite neige.

Désormais ses toiles devront présenter l'effet expressionniste de la femme parfaite. Il les couvre de peinture blanche ou ivoire sur laquelle il dessine le nu à l'encre par un trait fin et précis avant de compléter l'oeuvre par les couleurs transparentes de la peau et des cheveux.

La vie hédoniste de Montparnasse ne favorise pas la fidélité. En 1930, Youki a quitté Foujita pour aimer Desnos. Le peintre poursuit cependant sa recherche esthétique et copie un modello de 1924 montrant Youki dormant nue sur un lit avec un bras et les longs cheveux coulant négligemment vers le plancher.

La femme idéale et diaphane occupe la partie haute de l'image. A l'avant-plan, le point fort est un chat couché apportant un contraste de densité ainsi que l'opposition de son regard vif avec le sommeil inactif de la déesse. Cette oeuvre de grande dimension 98 x 163 cm a été vendue pour £ 1,2M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2014. Elle est estimée HK$ 20M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 3 avril, lot 1035.

Beaux Arts par Jupeon

Fils d'un artiste, Xu Beihong est passionné dès son enfance par les arts graphiques traditionnels Chinois. Il apprend la langue française à Shanghai et arrive à Paris en 1919 pour étudier à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts. Il a 24 ans.

A Paris, Xu est un des premiers artistes Asiatiques et peut-être même le premier artiste Chinois à pratiquer la peinture à l'huile. Il délaisse provisoirement les thèmes figuratifs Chinois pour apporter sa vision personnelle de la peinture Européenne ancienne. A l'époque, son nom est orthographié Jupeon.

Xu a justement observé que la mythologie occidentale est un prétexte pour montrer des nus dans des positions érotiques. Le 3 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une Venus endormie, huile sur toile 62 x 95 cm peinte à Paris en 1920-1921 et signée en Chinois, lot 1034 estimé HK$ 40M.

La jeune femme nue est couchée dans l'herbe dans une attitude lascive qui rappelle les positions par Courbet. L'inspiration mythologique pour cette femme idéale est confirmée par deux petits Satyres au loin, surgissant d'un bosquet.

Les scènes mythologiques peintes par Xu dans sa période Parisienne sont extrêmement rares sur le marché de l'art. Un esclave et lion de grande dimension, 123 x 153 cm, peint en 1924 a été vendu pour HK$ 54M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2006. Cette oeuvre préfigure la spécialisation extrêmement originale de l'artiste après son retour en Chine, utilisant les animaux pour l'expression des plus fougueux sentiments.

Les nus féminins par Xu sont aussi très rares et avidement recherchés. En juin 2010 à Beijing, une petite maison de ventes vendait pour l'équivalent de US$ 11,2M le nu debout d'une jeune femme supposée être Jiang Biwei qui avait été la femme de Xu dans les années 1920. En septembre 2011, un artiste reconnaissait de façon convaincante dans ce portrait un modèle qui avait posé nue dans une salle de classe dans les années 1980.

16 mars 2016

La Bénédiction du Fils du Ciel

L'empereur Kangxi avait une très haute idée de ses responsabilités politiques. Il était le seul intercesseur entre le ciel et le peuple. Sa dynastie des Qing était d'origine Mandchoue et il fallait qu'il maintienne son autorité contre les Chinois ethniques. Il y parvient merveilleusement puisque son règne suivi de ceux de son fils et de son petit-fils assurèrent la paix et la prospérité avec une efficacité sans précédent.

Les sceaux permettent de marquer les documents avec la pensée profonde de l'empereur lui-même et sont ainsi une méthode pour exprimer et propager la bénédiction. Le plus important des sceaux était la pensée bienfaisante Jingtian Qinmin : adore le ciel et sers ton peuple. L'empereur n'est pas un despote. S'il oublie son devoir, il doit être renversé. Kangxi régna pendant 61 ans, de 1661 à 1722 de notre calendrier.

Kangxi utilisa un seul sceau Jingtian Qinmin, peut-être tardivement car aucun document datant de son règne n'a été identifié avec cette marque. C'est un grand sceau en bois de santal (tanxiangmu) de 10 cm de côté surmonté de la sculpture d'une bête mythique pour une hauteur totale de 11 cm. Cette pièce unique est à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 6 avril, lot 3101.

L'importance extrême du Jingtian Qinmin de Kangxi a été démontrée ultérieurement. Une copie avec la même inscription est réalisée en jade dès la première année du règne de Yongzheng avec une sculpture entièrement différente. Lorsque bien des années plus tard Qianlong établit le Kangxi Baosou, répertoire des marques utilisées par son grand-père, celle-ci apparaît en toute première position.

Je vous invite à regarder la très brève vidéo introduisant ce sceau.

13 mars 2016

L'Hommage de Lafayette à Bolivar

Le marquis de La Fayette avait découvert la liberté au côté de Washington pendant la guerre d'indépendance Américaine. Il avait tout juste 20 ans.

Malgré une activité de premier plan pendant la Révolution française, il ne parvint pas à transformer son enthousiasme en un programme politique viable. Hostile aux nobles mais pas à la monarchie, il changea son nom en Lafayette.

Les Américains n'ont pas oublié cet étranger qui avait été un héros de leur indépendance. Il parvient enfin à l'âge de 67 ans à visiter à nouveau les Etats-Unis. Il est accueilli comme un chef d'Etat et sa tournée est triomphale, de juillet 1824 à septembre 1825.

Lafayette admirait Simon Bolivar. En octobre 1825, il accepte avec enthousiasme une demande de la famille de Washington d'envoyer au Libertador des souvenirs de l'ancien Président. Une somptueuse paire de pistolets à silex par Boutet dans une cassette datée 1825 est un cadeau personnel de Lafayette à Bolivar, probablement par le même envoi.

Cette paire de pistolets montés en argent est estimée $ 1,5M à vendre par Christie's à New York le 13 avril, lot 36.

Une autre paire de pistolets par le même armurier avait été possédée par Bolivar lors de son séjour à Paris entre 1804 et 1806. Elle a été vendue pour $ 1,7M incluant premium par Christie's le 17 novembre 2004.

Un Service d'Or à Saint-Petersbourg

Catherine II introduit le goût occidental en Russie. Les cadeaux sont déjà une pratique courante à la cour de Russie et les favoris et les héritiers reçoivent de somptueux services en métal précieux.

Le service Orloff en argent est réalisé à Paris de 1770 à 1773. Une soupière pesant 11960 grammes a été vendue pour € 1,78M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2013.

L'intérêt croissant pour le luxe attire des maîtres étrangers à Saint-Petersbourg. Iwar Wenfeldt Buch, accepté dans la guilde en 1776, réalise des pièces liturgiques et des services en argent et en or pour la famille impériale. Son style est néo-classique.

En 1798, les deux filles aînées de l'empereur Paul I, Alexandra et Elena, sont de jolies jeunes filles de 15 et 14 ans prêtes à être mariées. Les négociations sont concluantes pour Elena Pavlovna avec l'héritier du grand-duché de Mecklenburg-Schwerin et pour Alexandra avec un prince de Habsburg.

La famille impériale prépare les dots sans attendre la proclamation des mariages. Buch réalise un service à thé et café en or de deux couleurs pour Elena. L'or lui est fourni par la cour par fusion de pièces de la cour impériale. Les documents identifiant ces décisions ont été retrouvés dans les archives impériales.

Le service est offert à Elena au début de 1799. Resté complet de ses treize pièces dont un important grand cabaret pour un poids total de 7433 grammes, il est estimé $ 1,5M à vendre par Christie's à New York le 13 avril, lot 15.

Les deux princesses épousent leurs fiancés en octobre 1799.

10 mars 2016

Un Châssis pour Saoutchik

A la grande époque de l'Art Déco Parisien, les riches Américains aiment associer l'élégance française et l'efficacité allemande. Une Mercedes-Benz 680S carrossée en torpedo en 1928 par Jacques Saoutchik a été vendue pour $ 8,3M incluant premium par RM Auctions le 17 août 2013.

La Carrosserie Saoutchik est réputée pour la luxueuse finition de ses réalisations et pour ses mécanismes rentrants des toits, des portes et des fenêtres. Son activité anticipe celle de son concurrent Figoni et Falaschi créé en 1935.

Les grandes marques automobiles des années 1930 portent un intérêt croissant à la maîtrise de leur carrosserie tout en continuant à vendre également des châssis nus. Pour le modèle 380 introduit en 1933, Mercedes-Benz propose pas moins de six types standard de carrosseries dont trois cabriolets.

Deux Américains visitent le Salon de l'Auto de Paris en octobre 1935 à la recherche non pas de la meilleure voiture mais du meilleur châssis. L'un d'eux sélectionne une Rolls-Royce et l'autre un superbe châssis 500K préparé avec le plus grand soin par Mercedes-Benz spécialement pour ce Salon.

La 500K est aussitôt confiée à Saoutchik. Le client demande un chef d'oeuvre et Saoutchik ne le déçoit pas. En préparant son cabriolet, il affirme à son client que la beauté de cette voiture sera tout autant admirée un demi-siècle plus tard.

Ce cabriolet est une voiture magnifique qui reçoit les plus grands soins de ses propriétaires successifs. Restée complète à un haut niveau d'authenticité malgré quelques restaurations, elle est estimée € 6M à vendre par Bonhams le 19 mars dans les locaux du Mercedes-Benz Museum à Stuttgart, lot 145.

Hullo Petit Groupe !

Le 24 janvier 1962, les Beatles signent leur premier contrat avec Brian Epstein. Ils ne connaissent rien aux affaires et ne s'inquiètent apparemment pas du fait que l'apprenti impresario n'a pas signé ces documents.

Pourtant Epstein se met au travail avec une énergie débordante. Une bande enregistrée est rejetée par Decca. Epstein et ses amis se rendent le 13 février à Londres dans le but de convaincre un des patrons de HMV (His Master's Voice). HMV offre à ses clients un service par lequel les particuliers ont la possibilité d'enregistrer un disque.

L'acétate 78 tours 10 inches établi à HMV par l'initiative d'Epstein inclut une chanson sur chaque face. Epstein inscrit en vitesse les titres avec deux fautes d'orthographe et identifie les auteurs et le groupe. Face 1 : Hullo Little Girl, John Lennon and The Beatles, Lennon, McCartney. Face 2 : Til There Was You Paul McCartney and The Beatles.

HMV est une marque du groupe EMI. D'abord réticent, George Martin accepte le projet auquel il apporte son expérience de producteur d'enregistrements musicaux pour EMI. Il ne fait pas de concession sur la qualité musicale et exige l'exclusion de Pete.

Cet acétate est une pièce unique. Il sert de modèle en juillet 1963 pour deux enregistrements successifs de Hello Little Girl, le premier par les Beatles et le second par Gerry and the Pacemakers. Epstein donne l'acétate au pianiste de Gerry, qui l'a conservé dans son tiroir sans le jouer pendant plus d'un demi-siècle.

Le disque est estimé £ 10K à 20K à vendre par Omega Auctions à Warrington (Cheshire) près de Manchester le 22 mars, lot 213. Il est illustré sur l'article partagé par BBC News. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Malheureusement, George Martin est mort avant-hier, le 8 mars 2016. Son décès a donné l'occasion à la presse de remémorer son rôle primordial dans le succès des Beatles.

6 mars 2016

Arrangements et Vanités

Le thème de la nature morte est développé à Anvers au tout début du XVIIème siècle, avec les bouquets de Jan Brueghel l'Ancien. Les entablements sont ensuite l'objet de compositions par les artistes locaux avec un soin extrême apporté à la géométrie de la composition.

Les plats contenant des fruits, des friandises ou des huîtres s'ajoutent désormais aux vases et paniers de fleurs. La dimension symbolique est certaine : la nourriture est périssable et la resplendissante fleur coupée va bientôt flétrir. Face à ces vanités, la chenille qui attend sa métamorphose appelle à la perpétuelle renaissance.

Les jeunes artistes sont doués mais ce genre de déjeuners et de fleurs est encore considéré comme mineur. Ils signent et datent très rarement leurs oeuvres et dans cette première période il est souvent bien difficile de distinguer qui est l'auteur entre Ambrosius Bosschaert, Osias Beert et Jacob van Hulsdonck.

Travaillant sur cuivre ou sur panneau, Osias Beert apporte une technique de couleurs transparentes dont l'effet brillant est spécialement adapté à son thème. Une huile sur panneau 39 x 64 cm peinte par lui vers 1610 est estimée € 400K à vendre par Koller à Zurich le 22 mars, lot 3031. Les fleurs coupées sont agréablement réparties entre un panier en vannerie et un vase en porcelaine.

Le Guide de la Bonne Mort

Les pestes du XIVème siècle ont été un désastre démographique. Les survivants ne comprennent pas leur sort et sont tentés par les hérésies. L'Ars moriendi, traité sur l'art de mourir en bon chrétien, est écrit vers 1415 par un moine anonyme sans doute sur demande du concile de Constance.

La version courte de l'Ars moriendi apparaît après 1450. Le thème est limité aux tentations qui constituaient la seconde des six sections de la version d'origine. Les dix premières illustrations montrent successivement chacune des cinq tentations et la réponse que le bon croyant doit lui apporter. Sur la onzième et dernière image, l'homme a rendu son âme qui monte vers le Christ sous la forme symbolique de la naissance d'un enfant.

Un ensemble de gravures sur bois de cette période est signé par Master E.S., un artiste resté inconnu en dehors de cette identification. Les démons et les anges essayent de capter l'attention du mourant sous la surveillance inquiète du Christ, de la Sainte Vierge et des saints en présence du Diable. Les tentations sont identifiées par des textes dans des phylactères et par des symboles. L'impression de ce livre est alors entièrement xylographique.

Les deux premières éditions mêlant la xylographie et la typographie à caractères mobiles sont réalisées vers 1475 à Cologne par Nikolaus Götz en format folio 28 x 20 cm, utilisant les bois de Master E.S. Le texte latin est composé en caractères gothiques. La première édition avait laissé passer de graves erreurs dans la séquence iconographique, corrigées dans la seconde édition.

Ce livre est extrêmement rare. Le seul exemplaire en mains privées de la seconde édition de Götz a été vendu pour € 160K incluant premium par Artcurial le 1er décembre 2014. Ce résultat très en-dessous de l'estimation est peut-être une conséquence de la suspension de cette vente de succession deux ans plus tôt.

Cet Ars moriendi est maintenant estimé € 200K à vendre par Venator & Hanstein à Cologne le 18 mars, lot 641. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

F50 entre F40 et Enzo

La crise du pétrole des années 1970 a stoppé de façon durable la production des voitures de haut de gamme. Pourtant, les progrès technologiques laissaient déjà entrevoir des véhicules fabuleux. Le réveil est suscité pendant la décennie suivante par l'éphémère Groupe B de la FIA. Ferrari développe la 288 GTO qui est chronométrée à 303 Km/h en 1985. Porsche améliore la 911 et introduit la 959.

La grande avancée de cette évolution devient visible en 1992 quand McLaren dévoile la F1, qui sera chronométrée l'année suivante à 370 Km/h avec le limiteur de puissance du moteur et à 386 Km/h en le désactivant.

Ferrari est sous le contrôle majoritaire de Fiat depuis la mort d'Enzo Ferrari en 1988. La production de la F40, qui avait été un grand succès commercial en succession de la 288 GTO, cesse en 1992. Le nouveau projet F130 consistant à concentrer sur un modèle unique toutes les avancées technologiques de la marque n'est pas prêt.

La F40 devait son nom au 40ème anniversaire de la marque, en 1987. La voiture du projet F130 sera la F50 mais la concurrence est trop rude et Ferrari ne peut pas attendre le 50ème anniversaire. Le nouveau modèle est lancé en 1995.

La F50 est frustrante. Le marché a changé. Les clients des supercars veulent posséder des voitures de très haut prestige tout en faisant abstraction du gâchis de carburant et aux limitations de vitesse par une utilisation réduite. Ferrari voit que la F50 n'atteint pas les performances de la McLaren et limite strictement la production à 349 véhicules, à comparer aux 1315 F40. Le projet d'une F50 GT pour la compétition est abandonné sans explication.

Cette merveille mécanique est cependant un chaînon important entre la F40 et l'Enzo et les collectionneurs d'aujourd'hui l'apprécient. En janvier 2016, Gooding vendait la collection Shooshani. La F50 de 1995 a rapporté $ 2,4M à comparer à $ 1,53M pour la F40 et $ 2,86M pour l'Enzo. Ces résultats incluent le premium.

Une autre F50 de la même année est estimée $ 2,4M à vendre par Gooding à Amelia Island le 11 mars, lot 064.

5 mars 2016

Le Sceptre Catapulté

Du 4 août 1938 au 10 août 1939, Le Petit Vingtième publie chaque semaine une double page en trois rangées d'images de la nouvelle aventure de Tintin, Le Sceptre d'Ottokar. Hergé prépare la double planche sur une seule feuille de papier 40 x 58 cm. De grands dessins 22 x 25 cm sont également faits pour la couverture du magazine. Tous les dessins sont réalisés à l'encre de chine, aquarelle bleue et gouache blanche.

Les dessins du Sceptre d'Ottokar ont été disséminés par Hergé qui aimait les utiliser comme cadeau pour ses collaborateurs et ses amis. Certains d'entre eux viennent aux enchères pour le plus grand plaisir des collectionneurs.

Les prix suivent le degré de tension de l'histoire. Le dessin de couverture sur lequel Tintin arrache la barbe du professeur a été vendu pour € 380K incluant premium par Banque Dessinée le 28 juin 2015. Le dessin plus chargé d'émotion où Milou rapporte le sceptre au roi a été vendu pour € 540K incluant premium par Millon le 14 décembre 2014.

Considérons maintenant les dessins originaux des doubles pages.

La feuille 75-76 a été vendue pour € 243K incluant premium par PIASA le 29 mai 2010. La feuille 95-96 avantagée par le thème très apprécié de l'aviation de guerre a été vendue pour € 1,56M incluant premium par Sotheby's le 24 octobre 2015. La double page finale de cette histoire sera vendue par Artcurial le 30 avril et fera l'objet d'une autre discussion dans cette chronique.

La feuille 77-78, publiée par Le Petit Vingtième début mai 1939, est estimée au-delà de € 900K à vendre par Tajan à Paris le 12 mars, lot 93. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Elle est intéressante par l'ingéniosité de l'action : Tintin découvre que la sortie du sceptre de la pièce close a été réalisée avec l'appareil photo transformé en catapulte par le voleur. Il valide sa théorie en projetant par cette méthode une maquette dans le bois au-delà de la rivière. Arrivant à l'endroit présumé de l'impact il voit deux hommes manifestement occupés à chercher le vrai sceptre.

Rendez-Vous Manqué avec le Groupe B

Les règlements de la FIA ont été continuellement modifiées pour un équilibre impossible à trouver entre le spectacle et le risque. En 1982, le Groupe B redémarre une idée ancienne de mettre en compétition des voitures conçues sur des modèles commerciaux de catégorie Grand Tourisme.

Les règles du Groupe B exigent que 200 exemplaires commerciaux soient produits. Les constructeurs peuvent apporter pour la course des adaptations désignées sous le nom d'Evolution.

Ferrari est intéressé mais se souvient des difficultés d'homologation vingt ans plus tôt pour la 250 GTO et la 250 LM. Aucun risque n'est pris par rapport aux exigences du Groupe B. L'introduction du nouveau modèle 288 commence en 1984 par les 200 voitures de série. Pour bien montrer que la marque est le bon élève, la nouvelle voiture est identifiée par Ferrari comme GTO (Omologato).

La 288 GTO est un développement important, avec une carrosserie inspirée par la 308 GTB modernisée par Pininfarina. Elle est légère, puissante et rapide. Les clients sont intéressés et la production est augmentée jusqu'à 272. L'une d'elles est estimée $ 2,3M à vendre par RM Sotheby's à Amelia Island le 12 mars, lot 148. Elle avait été en 1985 la première 288 GTO officiellement exportée au Japon.

Tout va bien, sauf que la FIA renonce au Groupe B en 1986 après deux accidents mortels. Lancée en 5 exemplaires, la 288 GTO Evolution n'était pas prête. Aucune n'entrera en compétition. Deux de ces Evoluzione sont modifiées pour servir de prototypes à la F40. Inutilisée dans son application d'origine, la 288 GTO a le grand mérite d'ouvrir les deux décennies de succès commercial des supercars Ferrari : F40, F50 et Enzo.

La Nostalgie des Tang du Sud

L'éclatement de l'empire Chinois après la chute des Tang a laissé la place pour la nostalgie. Pendant trois générations, un souverain local essaye de recréer à Nanjing le raffinement de la cour impériale, non sans un certain succès. Cette dynastie qui prend le nom de Nan Tang devient vassale des Zhou postérieurs puis des Song.

Le troisième roi s'appelle Li Yu. Il règne 15 ans, de 961 à 976, avant d'être renversé par les Song. Deux peintres de sa cour, Gu Hongzhong et Zhou Wenju, ont pour rôle de montrer les plaisirs de la vie au palais : banquets, musique, vie nocturne.

Les Song reprennent pleinement à leur compte l'ancien luxe impérial. L'empereur Huizong qui règne de 1100 à 1126 de notre calendrier est lui-même un artiste qui copie et commente soigneusement les oeuvres importantes de la collection impériale.

Une scène de jeu d'échecs Chinois incluant une calligraphie par Huizong, réalisée sur un modèle par Zhou Wenju, est restée dans la collection impériale à Beijing. Deux joueurs sont installés de part et d'autre d'un large échiquier dans l'attitude typique de ces jeux : l'un joue et l'autre attend. Deux autres hommes observent avec une grande attention.

Un autre spécimen extrêmement similaire de cette image vient de faire surface en provenance d'une collection privée. Il est à vendre par Gianguan Auctions à New York le 19 mars, lot 92. Cette encre et couleurs sur soie 70 x 59 cm inclut des colophons, l'un d'eux par Huizong qui a écrit qu'il s'agit du dessin authentique par Zhou Wenju et a apposé la marque de son sceau.

Le catalogue de la maison de ventes inclut un essai par un spécialiste Chinois qui a inspecté l'exemplaire de Beijing et le considère comme une copie autographe par Huizong. 

L'exemplaire à vendre à New York serait ainsi la version originale admirée et copiée par Huizong et peut-être aussi la seule oeuvre autographe par Zhou Wenju qui ait survécu jusqu'à nos jours. Ce trésor n'a pas de prix : le catalogue publié sur issuu.com ne propose pas d'estimation et le lot a été retiré des catalogues d'enchères en ligne.