30 avr. 2016

Sandy en Inde

La visite de Sandy Calder à Gira Sarabhai est une des plus sympathiques histoires liées à la mondialisation de l'art après la Seconde Guerre Mondiale et l'indépendance de l'Inde.

Gira est la plus jeune fille d'un riche industriel du textile. En 1949, elle aide son frère Shri Gautam Sarabhai à créer à Ahmedabad le Calico Museum of Textile qui est une exceptionnelle réussite.

Gira est très attentive à l'art moderne et invite des artistes occidentaux à des séjours dans la propriété familiale. Le choix de ses visiteurs montre son intérêt pour les avant-gardes : Noguchi, Le Corbusier, John Cage, Rauschenberg, Cartier-Bresson, Neutra, Charles et Ray Eames.

Vers 1954 à Paris, Gira achète un mobile à pendre réalisé en 1952. Architecte de formation, elle aime l'art de Calder, habile mélange de technique, d'équilibre géométrique des masses et d'une ingénieuse inspiration végétale. Sandy et Louisa Calder acceptent avec enthousiasme l'invitation de Gira pour un séjour dans la propriété Sarabhai.

Sandy veut réussir ce voyage et prépare soigneusement les plans des mobiles qu'il réalisera à Ahmedabad en janvier et février 1955, offrant la plus grande diversité de ses modèles avec toute la variété de ses couleurs. Restée intacte, cette collection est une time capsule de l'art de Calder au milieu des années 1950.

La collection est dispersée le 10 mai par Christie's à New York, commençant au lot 8 B par la pièce achetée par Gira à Paris. Les oeuvres réalisées à Ahmedabad en 1955 constituent les lots 9 B à 16 B. Voici le lien vers ces lots. Le mobile le plus monumental, de dimensions hors tout 276 x 362 x 150 cm, était installé dans le jardin. Il est estimé $ 6M, lot 15 B.

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L'Echec Immédiat du Goloïde

La quintuple stella est une pièce expérimentale en goloïde métrique. L'échec immédiat de ce projet fait de ce type l'un des plus rares de la numismatique Américaine avec seulement 5 spécimens.

L'équilibre d'un système de bimétallisme est fragile à long terme parce qu'il dépend de l'abondance relative des deux métaux. Le coinage act de 1873 est une tentative de réaction du gouvernement Américain forcé par la baisse du prix de l'argent à envisager l'adoption de l'étalon-or. Les conséquences du rappel de l'argent n'ont pas été anticipées et la crise s'aggrave.

En 1877, un brevet est déposé pour le goloïde, un alliage d'or et d'argent avec un peu de cuivre pour améliorer la rigidité.

Le stella de 1879 est un projet de développement d'une substitution partielle au dollar. L'ambassadeur Américain en Autriche suggère d' étalonner la monnaie avec le système métrique utilisé dans toute l'Europe. La stella vaudra à la fois 4 dollars et 8 florins.

Des essais sont faits en 1879, avec un nouveau design qui fait l'objet d'une compétition entre les graveurs. Ces stellas d'or sont probablement offertes aux décideurs pour pousser le projet. L'interruption définitive du stella en 1880 répond au bon sens. Les multiplications par 4 ne sont pas naturelles dans la circulation des monnaies et le dollar et le florin n'ont aucune raison de maintenir leur parité à long terme.

Le double aigle est l'élément multiplicateur commun entre le dollar et le stella, puisque 5 stellas valent 20 dollars. Des essais sont faits en 1879 en changeant le texte sans modifier l'image.  Le goloïde n'offre aucun avantage par rapport au métal pur et ne sera pas utilisé pour une monnaie régulière.

Les 5 quintuples stellas sont restés à l'état neuf, gradées entre PR 62 et PR 64+. L'une d'elle gradée PR 62 par PCGS a été vendue pour $ 860K incluant premium par Heritage en janvier 2007.

Un collectionneur possédait les deux meilleurs spécimens, toutes deux en condition deep cameo. Il conserve la pièce gradée PR 64+ par PCGS. Il vend maintenant son double, gradé PR 64, également par PCGS. Cette pièce est listée le 19 mai à New Orleans par Legend Rare Coin Auctions. Elle est estimée $ 1,6M, lot 377.

27 avr. 2016

400 ans après la Mort de Shakespeare

Pour célébrer le 400ème anniversaire de la mort de Shakespeare, Christie's consacre une vente aux quatre premiers Folios à Londres le 25 mai.

Le Premier Folio, édité en 1623, est de la plus grande importance dans l'histoire de la littérature puisqu'il est l'édition originale de 18 des 36 oeuvres collectées. C'est une très belle édition 30 x 20 cm pour laquelle les textes ont été préparés avec le plus grand soin. Un exemplaire absolument complet dans un état splendide a été vendu pour $ 6,2M incluant premium par Christie's le 8 octobre 2001 sur une estimation basse de $ 2M.

L'exemplaire présenté dans la prochaine vente n'était pas encore répertorié. Il était resté dans la descendance d'un éminent bibliophile qui était aussi un savant anglais du siècle des lumières. Intouché durant deux siècles, ce livre a gardé une remarquable fraîcheur mais les neuf feuilles de préambule sont manquantes et quelques réparations sont annoncées au catalogue. Il est estimé £ 800K, lot 101.

Le Second Folio, publié pour la première fois en 1632, est très proche du First Folio pour ce qui concerne le corpus Shakespearien et le bibliophile n'avait peut-être pas jugé utile de s'en encombrer. L'exemplaire à vendre au lot 102, imprimé vers 1641, provient d'une autre source. Il est estimé £ 180K.

Les deux autres livres proviennent de la même collection que le lot 101. Le Troisième Folio a été publié en 1664. Dans un état de fraîcheur exceptionnel, il est estimé £ 300K, lot 103. Cette édition est très rare. Au lot 104 le Quatrième Folio, daté 1685, est estimé £ 15K.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's pour introduire le First Folio :

La Répétition des Boucles

Cy Twombly partageait son temps entre New York et l'Italie. Près de Rome il communiquait avec les ultimes traces des intenses passions antiques. A New York il adaptait sa propre sémiotique à la recherche d'un absolu transcendant l'espace et le temps.

La plupart de ses Blackboards ont été réalisés à New York. Cette série est prolifique, démontrant que l'artiste se sent proche d'atteindre son but. La comparaison des oeuvres facilite l'interprétation de sa pensée.

Un Blackboard à la cire blanche réalisé en 1968 a été vendu pour $ 71M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2015. Sa structure est une des plus complexes avec six lignes horizontales composées chacune d'un réseau de boucles sans fin. L'épaisseur graduelle des lignes apporte une illusion de basculement de l'image par rapport à sa toile. Cet opus est aussi un des plus grands, 173 x 229 cm.

Le 11 mai à New York, Sotheby's vend au lot 21 une oeuvre de composition presque identique, réalisée la même année dans un format plus petit, 152 x 173 cm. La souplesse des boucles est la même, certainement pas par imitation mais plutôt par l'effet d'une même influence musicale, prouvant que l'artiste maîtrise complètement le mouvement de sa main dans l'exécution plus ou moins fougueuse de sa proto-écriture.

Cette oeuvre est expérimentale. Le trait est bleu, sur un fond gris plus sombre que d'habitude. L'intention de cette variation n'est pas seulement esthétique. La cire blanche est utilisée par contraste en bas à gauche de l'image pour simuler des traces verticales d'usure de la planche à contre-courant de l'orientation penchée des boucles bleues.

Je ne sais pas si l'artiste fut satisfait du résultat de cette approche supplémentaire du temps, toujours est-il qu'il ne réutilisa pas cette idée. Acheté à Castelli en 1969 par son actuel propriétaire, le Blackboard en bleu n'a jamais été exposé ni publié.

Le communiqué de presse du 18 mars annonce que ce lot est attendu au-delà de $ 40M. Je vous invite à regarder la très courte vidéo partagée par Sotheby's.

Le Philosophe de l'Emotion.

Mark Rothko est bien plus qu'un coloriste. Il est un philosophe de l'émotion. Les couleurs s'opposent entre elles avec leurs qualités propres comme dans une composition de Cézanne. Aucune forme n'est reconnaissable et la structure générale de l'abstraction varie relativement peu. Chaque couleur a ses propriétés émotionnelles et toutes sont acceptées.

Les blocs sont scrupuleusement remplis. En 1957, la maîtrise de sa technique est totale. L'intensité de la coloration dans chaque zone est graduelle de haut en bas par une application méticuleuse des pigments mats ou brillants en voiles successifs. L'émotion est transmise par la transition dans les interstices. La position du bleu joue un rôle de perturbateur qui excite l'émotion.

Le 10 mai à New York, Christie's vend le No. 17 de 1957, huile sur toile 233 x 177 cm, lot 17 B estimé $ 30M, également connu sous un sous-titre Green on Blue on Blue qui indique par lui-même la subtilité exceptionnelle de cet opus.

Les deux zones vertes, ou plus exactement verdoyantes, de hauteurs inégales occupent la plus grande partie de la surface, comme posées sur un mince bord bleu cobalt. Elles sont séparées par une mince bande bleu azur elle-même entièrement cadrée dans une fenêtre bleu roi.

Le catalogue rappelle la conscience de Rothko en son propre art : "The people who weep before my paintings are having the same religious experience I had when I painted them". Pollock avait exprimé le sol. Avec 1957-17, Rothko communie avec le spectateur en utilisant les couleurs de la végétation et du ciel dans une géométrie et des proportions qui écartent résolument toute interprétation figurative.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

24 avr. 2016

La Mascarade Dan

Le groupe ethnique Dan du Liberia et de Côte d'Ivoire était un grand organisateur de mascarades au cours desquelles les esprits venaient visiter les vivants.

La beauté du visage est un critère important qui traduit la bienveillance de l'esprit. Les artistes Dan savent comparer leurs oeuvres, aboutissant à un corpus de masques d'une remarquable diversité. Les usages sont multiples, de la danse à l'autel, mais les détails rituels sont mal connus.

Helena Rubinstein avait assemblé une vaste collection d'art Africain, avec une prédilection pour la qualité du visage qui correspond bien aux intérêts professionnels de la grande industrielle des cosmétiques. Un masque Dan qui lui avait appartenu est estimé $ 1M à vendre par Christie's à New York le 12 mai, lot 603.

Ce masque a des propriétés qui sont peut-être unique en leur genre. Sous le classique front bombé, le bas du visage de forme triangulaire est largement ajouré apportant à cette pièce de bois l'imitation d'un tissage. Les trous étaient utilisés pour accrocher des ornements mais leur arrangement sur cette figure ridée est étrange et inhabituel. Une très longue tresse pendue au menton donne à ce visage d'ancêtre l'apparence et probablement le rôle d'un vieillard.

Helena Rubinstein annotait scrupuleusement sa collection. Son information selon laquelle cette pièce provenait de la région de Danané en Côte d'Ivoire a été recueillie au moment de son acquisition et est crédible.

Le Triomphe du Printemps

Auguste Rodin aime les corps vigoureux qu'il reproduit avec réalisme en pétrissant la terre. Le Torse d'Adèle, réalisé avant 1880, montre la cambrure musclée d''une jeune femme nue. Lorsqu'il rencontre Camille Claudel, il exprime sa nouvelle passion en fournissant un jeune amant à son Adèle désormais complétée avec une tête et les membres.

Cette première version de L'Eternel Printemps est sculptée au milieu des années 1880. Avec l'excuse de la référence de la Porte de l'Enfer à Dante et l'envie d'un art complet inspiré par Beethoven, Rodin donne à ce couple nu une intense fougue érotique. La femme agenouillée est embrassée par le jeune homme puissant. Les bouches se joignent. Le titre place l'amour fou en dehors du temps de nos civilisations tout en évoquant la saison de la montée de sève.

Rodin fait réaliser des marbres monoblocs par son atelier en réponse à des commandes de ses clients. Le premier marbre de L'Eternel Printemps est commencé en 1896. Le groupe est désormais adossé à un rocher qui assure la robustesse du bras étendu.

Le cinquième marbre de l'Eternel Printemps est commandé en 1901 par un ami de Rainer Maria Rilke et terminé en 1903, l'année où le poète écrit un essai sur Rodin. Cette sculpture de 66 cm de haut pour 80 cm de longueur pèse 154 Kg. Elle est estimée $ 8M à vendre par Sotheby's à New York le 9 mai, lot 17.

Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes :



Un Démon Noir à Modène

Jean-Michel Basquiat a fait deux voyages en Italie au début de sa carrière.

La première visite au printemps 1981 est occasionnée par l'exposition qui lui est consacrée à Modène par Emilio Mazzoli. Il découvre l'Europe et peint le très étrange Field next to the other road. Cette toile de dimension murale, 221 x 401 cm, démontre que le sous-sol d'Annina Nosei ne suffisait déjà plus pour sa vision grandiose. Cette peinture a été vendue pour $ 37M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015.

Jean-Michel revient à Modène en mars 1982. Il y peint une paire de toiles sur le thème traditionnel Italien du paradis et de l'enfer mais selon son habitude il brouille le message pour exacerber sa vision du pouvoir noir. Un critique d'art avisé déclarera plus tard que Jean-Michel Basquiat est le Jimi Hendrix de la peinture.

Le 10 mai à New York, Christie's vend la figure du diable, au lot 36 B. Jean-Michel a compris l'avantage visuel du gigantisme qui sera l'une des caractéristiques essentielles de l'art de notre temps : la toile mesure 239 x 500 cm. Elle est peinte à l'acrylique sans oil stick, permettant d'introduire des coulures sous les taches de brillantes couleurs qui entourent la tête cornue.

Certains voient un auto-portrait dans ce diable. C'est une opinion excessive car les traits sont stylisés, mais cette figure tribale menaçante traduit l'ambition du jeune artiste de devenir un rédempteur du monde.

Jean-Michel n'a pas eu besoin de donner un titre à son Démon, contrairement à la figure divine qu'il intitule Profit 1 par un de ses coups de griffe habituels contre le capitalisme. Le contraste est saisissant : le fond est ici noir et tagué, la bouche ronde crie une harangue que personne n'écoutera.

Le communiqué de presse du 15 avril indique que cet Untitled est estimé au-delà de $ 40M.


23 avr. 2016

Le Mensonge des Cartes

Mark Bradford trouve son premier emploi dans le salon de coiffure de sa mère à Leimert Park, un quartier résidentiel de Los Angeles qui est aussi un point focal de la culture Africaine-Américaine locale.

Devenu artiste, le jeune homme veut exprimer sa vision du mensonge social. Il trouve la matière de son art dans les déchets des prospectus aux brillantes couleurs qu'il trouve dans le magasin. Il les colle en couches successives sur des toiles de très grandes dimensions, avant de réaliser des arrachements par lesquels le dévoilement des strates inférieures donne une idée de la décadence.

Mark Bradford est fasciné par les cartes mais il sait qu'elles mentent, pour transmettre les idées et priorités sociales du cartographe. Il réalise des réseaux serrés qui ressemblent à des plans de ville mais ne sont identifiables à aucun quartier. Des zones moins denses donnent l'illusion des extrémités de la zone urbaine.

L'art de Bradford est assimilé à un mouvement dit Post-Black, signifiant que par opposition à Basquiat la revendication est plus sociale que raciale, et aussi plus intellectuelle que violente. Il est proche de la position de David Hammons regrettant que les noirs doivent s'adapter à une civilisation industrielle qui a été créée contre leur gré.

Ces deux artistes suscitent un intérêt croissant sur le marché de l'art. Restons avec Bradford : Constitution IV, 335 x 305 cm, réalisé en 2013, a été vendu pour £ 3,8M incluant premium par Phillips le 14 octobre 2015. Smear, 244 x 183 cm, réalisé en 2015, a été vendu pour $ 4,4M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015.

Building the Big White Whale, 265 x 366 cm, réalisé en 2012, est estimé $ 3M à vendre par Phillips le 8 mai à New Yorklot 7. Réalisé l'année suivante dans une conception et un format très similaires, Biting the book, précédemment discuté dans cette chronique, a été vendu pour £ 2,55M incluant premium par Phillips le 12 février 2015.

Le Chemin Intérieur de Clyfford Still

Né dans le Dakota du Nord loin des grandes villes, Clyfford Still est profondément original dans son art. Il est avec Matta un des premiers peintres abstraits à supprimer tout langage géométrique et toute fausse allusion à des thèmes figuratifs ou à des signes hermétiques.

Face à la toile, Still exprime son univers intérieur hors de l'influence du temps. Sa peinture épaisse est retravaillée minutieusement comme une sculpture avec des sur-épaisseurs et des balafres jusqu'à ce que l'équilibre des couleurs et la texture correspondent au sentiment que l'artiste veut exprimer.

Comme Mondrian, Still refuse que la vision soit limitée par le cadre : il influencera Pollock. Comme personne avant lui dans l'art abstrait, Still supprime le trait pour offrir au spectateur une vision presque organique de la transition entre les couleurs : Monet était sur cette voie à la fin de sa carrière, et Still influencera Rothko. Comme Malevitch, Still considère que l'oeuvre doit se suffire à elle-même.

Clyfford Still est résolument un homme de l'Ouest. Dans sa période de plus grande créativité, de 1946 à 1950, il enseigne l'art à San Francisco. Son retour à New York occasionnera une brouille durable avec le marché de l'art et les autres artistes. Ce pionnier qui avait tous les atouts pour devenir le plus grand artiste abstrait de son temps s'isole et refuse les expositions.

Il est réticent à vendre son art. A sa mort, 2400 oeuvres sont léguées à sa famille avec comme consigne de ne les confier qu'à une place qui acceptera de lui consacrer un musée exclusif. La veuve cherche une solution à l'Ouest, en toute logique. Denver accepte brillamment ce défi.

Avant l'inauguration du Clyfford Still Museum, quatre oeuvres sont libérées pour le marché de l'art, suscitant un intérêt intense du fait de l'extrême rareté des chefs d'oeuvre de l'artiste aux enchères. Sotheby's les vend le 9 novembre 2011. 1947-Y-No.2, 177 x 150 cm, rapporte $ 31,5M incluant premium et 1949-A-No.1, 236 x 200 cm, $ 61,7M incluant premium.

Le 10 mai à New York, Christie's vend PH-234, huile sur toile 175 x 151 cm peinte en 1948, estimée $ 25M, lot 28B.

La Truculence de Bacchus

En 2004, Cy Twombly travaille dans son atelier à Gaète. A 76 ans, il rassemble dans sa série de peintures consacrées à Bacchus les grands thèmes de sa carrière. Le 11 mai à New York, Sotheby's vend Untitled (Bacchus 1st version V), lot 25.

Cette peinture à l'acrylique, oilstick et cire sur panneau de bois est monumentale : 266 x 200 cm. L'artiste utilise un pinceau accroché à une longue perche, comme faisait Matisse pour ses peintures murales. Ce levier accroît la force physique, offrant un rapprochement inattendu de Twombly avec le Gutai de Shiraga.

La légende de Bacchus intéresse Twombly par sa truculence qui atteint la pornographie et transcende le temps. La peinture est rouge sang, à voir ici comme un signe de vitalité. Les boucles épaisses et énergiques forment un magma d'où la gravitation a laissé échapper des coulures.

Cette oeuvre est entièrement abstraite mais le thème non ambigu est renforcé par les mots Baccho Mainomenos inscrits avec la même couleur rouge en haut de l'image, évoquant les occupations les plus licencieuses de ce dieu très spécial qui invitait ses fidèles à l'indécence.

Le communiqué de presse du 18 mars indique que ce lot est attendu au-delà de $ 20M.

20 avr. 2016

Un NART Spider pour l'Europe

Conçue à la demande de Luigi Chinetti, la Ferrari 275 GTS/4 NART Spider (ou 275 GTB/*4S NART Spider) vise la même clientèle élégante que la 250 GT California Spider créée presque dix ans plus tôt. Les techniques ont évolué et le nouveau spider est un chef d'oeuvre de Scaglietti.

Le lancement du modèle commence bien, en 1967. La première voiture sera pilotée l'année suivante par Faye Dunaway dans The Thomas Crown Affair et suscite l'admiration sans limite d'un des meilleurs connaisseurs, Steve McQueen.

Le marché Américain ne répond cependant pas aux attentes de Chinetti qui espérait pouvoir commander 25 exemplaires. Non seulement cette série sera limitée à 10 voitures mais la dernière d'entre elles ne rejoint même pas le NART Nord Américain. Sortie d'usine en 1968, elle est vendue à un client Espagnol.

Ce superbe modèle suscite la même fidélité que la 250 GTO et est beaucoup plus rare. Les deux modèles ne viennent quasiment jamais aux enchères. Le 8ème spider, vendu pour $ 27,5M incluant premium par RM Auctions le 17 août 2013, était resté depuis 45 ans aux soins de son premier propriétaire.

La 10ème et dernière voiture déjà discutée ci-dessus a conservé ses équipements d'origine et a été repeinte en rouge métallique foncé par imitation de l'apparition de la voiture utilisée par Faye Dunaway. Elle est estimée € 19M à vendre à Monaco le 14 mai par RM Sotheby's, successeur de RM Auctions, lot 254.

Rencontres avant l'Automne

La rencontre de Derain et Vlaminck avec Matisse lors d'une exposition consacrée à Van Gogh en 1901 à la Galerie Bernheim-Jeune est déterminante pour les deux jeunes artistes à la recherche d'un style nouveau. Vlaminck cherche désormais à s'appuyer sur l'art de Van Gogh pour exploiter la prééminence de la couleur sur le trait.

La visite de Matisse chez Signac à Saint-Tropez en 1904 est une autre étape importante de la création moderne. Matisse explore le pointillisme en utilisant des couleurs pures avec lesquelles l'expression va remplacer le réalisme.

Tous ces éléments convergent pour faire de 1905 une année clé de l'art moderne. Derain passe plusieurs mois à étudier la création artistique avec Matisse à Collioure, aboutissant à une utilisation de plus en plus rare du pointillisme.

Pendant ce temps Maurice De Vlaminck reste à Chatou dans l'atelier qu'il partageait avec Derain. Vlaminck est un personnage excessif, physiquement et par son comportement. Ses oeuvres de cette époque marquent des grandes variations de style autour d'une technique de divisionnisme.

Le 9 mai à New York, Sotheby's vend un Sous-Bois peint par Vlaminck pendant l'été 1905, huile sur toile 60 x 72 cm, lot 14 estimé $ 12M. Cette oeuvre dont la composition est joliment équilibrée comme un Cézanne est spectaculaire par l'utilisation de couleurs aussi brillantes que les Derain de Collioure. Le divisionnisme est poussé jusqu'à un minutieux pointillisme qui surprend dans le corpus de cet artiste impatient.

Quelques semaines plus tard au Grand Palais, le troisième Salon d'Automne consacre la vision prometteuse de ces jeunes artistes. La "cage aux fauves" se réfère probablement à une peinture du Douanier Rousseau mais l'utilisation des couleurs pures dans l'art dans un style plus proche de l'impressionnisme que de Gauguin et Signac devient le Fauvisme.

Le Sous-Bois ne figure pas parmi les cinq peintures de Vlaminck exposées au Salon d'Automne. Cette oeuvre n'apparaît pas avant 1951. Il est tout à fait possible que l'artiste préoccupé par la recherche d'une percée originale n'ait pas compris qu'il avait réalisé un chef d'oeuvre du Fauvisme pointilliste.

Vlaminck conclut peu après qu'il devra s'inspirer de Cézanne mais il ne comprend pas que Cézanne confrontait des couleurs claires. La palette de Vlaminck devient sombre et terne avec une triste répétition de villages vides. Il devient aigri jusqu'à un rejet scandaleux du modernisme auquel il avait cependant apporté une contribution essentielle en 1905.

17 avr. 2016

Le Frémissement de la Seine

Les jeunes artistes refusent l'académisme des Salons officiels. Ils créent une coopérative et organisent leur première exposition au printemps 1874. Pas moins de 29 artistes participent, démontrant l'ampleur et l'élan de ce nouveau mouvement. Impression Soleil levant peint par Monet deux ans plus tôt devient l'emblème de la nouvelle peinture : on peut montrer la brume sans un dessin précis des contours.

Claude Monet est convaincu et enthousiaste. Pendant l'été il peint sans relâche les bords de Seine à Argenteuil où il réside. L'herbe de la prairie et le reflet dans l'eau sont les sources de sa nouvelle inspiration, la vraie naissance de l'Impressionnisme.

Monet a compris que sa meilleure alliée est la spontanéité. L'émotion est générée par la rapidité qui libère l'instinct. Il perfectionne sa technique en adoptant des touches différentes sur une même toile selon le sujet : marque horizontale pour l'eau et mouvement du poignet en virgule pour l'arbre. La main sure de l'artiste génère une vibration qui traduit le frémissement et le bruissement de l'eau et du vent. Monet pourra désormais égaler Constable.

Le Petit-Gennevilliers est juste en face d'Argenteuil, sur l'autre rive. Monet travaille en plein air : il installe son chevalet sur une barge sous le pont du chemin de fer. Les bateaux à louer attendent les promeneurs à cet endroit, augmentant le charme de la scène. Une peinture par Manet montre Monet en plein travail à cet endroit.

Le 12 mai à New York, Christie's vend une vue du Petit-Gennevilliers peinte par Monet en 1874, huile sur toile 55 x 73 cm, lot 16C estimé $ 12M. Le temps est gris et le soleil est tamisé, fournissant une ambiance à la fois douce et frémissante qui est un très bel effet des premières expériences impressionnistes.

Depuis 1901 cette peinture n'avait pas quitté la collection du philanthrope H.O. Havemeyer et de sa femme Louisine qui étaient les meilleurs connaisseurs de l'impressionnisme en leur temps aux Etats-Unis.

Les Particules de Soleil

La recherche de l'indépendance de l'art et de la pensée est une caractéristique typique de la fin du XIXème siècle. Georges Seurat est un grand expérimentateur du langage artistique. A ses côtés Paul Signac développe les possibilités artistiques du pointillisme. Seurat meurt prématurément en 1891.

Les compositions de Signac ont la même rigueur géométrique que celles de son ami, avec un respect total de la perspective. Contrairement aux impressionnistes, ils ne tolèrent pas la liberté du pinceau. Signac travaille en atelier d'après ses esquisses à l'aquarelle.

Il suit les théories psychophysiologiques de Charles Henry qui sont une application à l'art de la théorie du spectre des couleurs de Chevreul. Le paysage est reconstruit par des particules de couleurs pures juxtaposées sans chevauchement. L'action de la rétine reconstitue la scène dans toute sa luminosité.

Paul Signac est un indépendant dans son art et dans sa vie. Tenté par les théories anarchistes, il aime naviguer sur les côtes de France à bord de son petit bateau à voile, l'Olympia. Il protège aussi la créativité des autres artistes et est un des plus actifs organisateurs du Salon des Indépendants, une exposition des avant-gardes qui se tient chaque année à Paris.

En 1892, l'Olympia mène son marin à Saint-Tropez qui à cette époque n'est accessible que par la mer. Le soleil du Midi Méditerranéen l'éblouit comme il avait ébloui Van Gogh. Signac achète une maison où il invite ses nombreux amis. Ainsi nait la vie artistique intense du petit village, en attendant d'être relayée en 1956 par les vedettes du cinéma.

Le 9 mai à New York, Sotheby's vend une vue des maisons du front de mer de Saint-Tropez, huile sur toile 47 x 55 cm peinte par Paul Signac en 1892, lot 8 estimé $ 8M. La vue prise en plein midi par un chaud ensoleillement est une des meilleures démonstrations des possibilités expressives du pointillisme.

Le Dollar des Rois

Le dollar marqué 1804 est une pièce extraordinaire dont l'histoire est digne d'un conte oriental.

Le premier specimen identifié comme Sultan of Muscat-Watters-Brand-Childs-Pogue 1804 dollar class I est le plus prestigieux. Elle a été vendue pour $ 4,1M incluant premium par Bowers and Merena en août 1999, le plus haut prix enregistré sur une monnaie à cette époque. Elle est à vendre par Stack's Bowers, successeur de Bowers and Merena, en coopération avec Sotheby's le 24 mai à New York, lot 4020.

Le Sultan d'Oman est un personnage important qui maîtrise le commerce de la corne de l'Afrique contrôlant le principal passage vers l'Orient. Sa capitale est à Muscat. Un marchand Américain nommé Edmund Roberts parvient à rencontrer le Sultan à Zanzibar en 1827, ouvrant la possibilité de créer une influence Américaine en Asie.

Roberts est tout naturellement désigné en 1832 par le gouvernement du président Jackson pour parachever l'accord commercial avec Muscat. L'usage est d'accompagner les négociations en Orient par des cadeaux. Les Américains ne sont pas familiers de cette pratique : il n'y aura pas d'investissement pour cette opération qui, si elle réussit, rapportera cependant des sources de revenus énormes aux Etats-Unis.

Roberts ne veut pas offrir un cadeau ridicule au Sultan. Il imagine un coffret en maroquin contenant un exemplaire de chacune des pièces de monnaie légales aux Etats-Unis. L'ordre est envoyé à l'usine de Philadelphie d'exécuter cette commande spéciale.

Le dollar d'argent est une pièce légale mais le président Jefferson a suspendu la production en 1804. Sa valeur faciale est le symbole de la monnaie Américaine et cette pièce doit être le point central du cadeau. Des matrices neuves sont créées à partir des poinçons qui commençaient à rouiller après trois décennies de stockage. La date de 1804 est la plus récente qui soit crédible.

Le premier dollar 1804 class I est frappé en novembre ou décembre 1834 avec le plus grand soin pour que cette pièce neuve éblouisse le Sultan de Muscat quand il ouvrira le coffret. Le gouvernement est enthousiaste de l'idée de Roberts et un cadeau similaire est préparé simultanément pour le roi de Siam. Six autres pièces class I seront frappées dont au moins deux avant le départ de Roberts pour l'Orient.

Roberts présente le cadeau au Sultan le 1er octobre 1835, lendemain de la signature du traité d'amitié entre les deux pays. Cette pièce exceptionnelle restera dans un état neuf. Elle est gradée Proof 68 par PCGS. L'image ci-dessous a été téléchargée il y a quelques années depuis Wikimedia.

Le prestige de cette pièce auprès des numismates est encore accrue par le fait qu'elle est le tout premier dollar à la date de 1804 : au moment de la décision de Jefferson, les pièces produites au début de cette année-là utilisaient encore les matrices datées de l'année précédente.


16 avr. 2016

Le Grand Dieu de l'Age de Pierre

Les figures rituelles Uli de Nouvelle Irlande sont bien documentées. En 1909 un explorateur a eu la chance d'assister à une cérémonie tribale. La population de ces statues atteint pas moins de 255 exemples. Cette figure impressionnante à tous les sens du terme était surnommée le "grand dieu" par André Breton.

L'origine du modèle se perd dans la nuit des temps. L'Uli est essentiellement un chef guerrier au regard perçant, à la barbe virile et au sexe proéminent. Sa coiffure en pointe encadrée d'une armature est un signe de puissance politique. La création de l'Uli est un long processus : il provient de l'arbre planté lors de la cérémonie funéraire sur la tombe du chef.

Les Uli ont des seins de femmes qui n'apportent pas une ambiguïté hermaphrodite mais renforcent de symbole de la fertilité, signifiant le transfert de la puissance par l'éminent chef décédé au bénéfice des vivants. Les danseurs mâles portent aussi des seins de femmes en bois.

Les Ulis sont soigneusement conservés à l'abri des villageois jusqu'à ce qu'ils soient sortis pour une nouvelle cérémonie funéraire. Cette rare opportunité d'utilisation explique sans doute l'excellent état de certaines pièces. Ils ont été découverts trop tardivement, au tout début du XXème siècle, pour être émasculés par les missionnaires chrétiens.

Un Uli exceptionnel est estimé $ 4M par Sotheby's à New York le 7 mai, lot 8. Haut de 1,52 m, il est un des plus grands spécimens connus. Sa ciselure est remarquablement artistique. Une inspection par les spécialistes a montré qu'il avait été taillé avec des lames de pierre ou des dents d'animaux, avant l'introduction du métal dans l'île. Une analyse au radiocarbone date le bois entre 1650 et 1800 de notre calendrier.

Deux spécimens seulement ont des caractéristiques similaires d'art et d'âge. L'un est au Louvre et l'autre à l'Ethnologisches Museum à Berlin.

La provenance indiquée dans le tweet ci-dessous est une confusion avec une autre vente qui aura lieu le même jour.


Frida Kahlo et son Double

La vie de Frida Kahlo a toujours été difficile mais l'année 1939 est particulièrement douloureuse et désespérante tant du point de vue physique que psychologique. Elle a 32 ans. Rien ne va plus avec son mari et idole Diego Rivera qui accepte ses envies homosexuelles mais est jaloux des hommes.

Frida a besoin de réconfort et finit par considérer qu'elle ne peut le trouver qu'en elle-même par un doublement pathétique de sa personnalité. Las Dos Fridas est un double auto-portrait commenté par l'artiste elle-même comme un symbole de sa solitude, rompue par le fait que les deux femmes se tiennent la main.

Cette oeuvre facilite la lecture de Dos desnudos en el bosque, huile sur métal 25 x 30 cm peinte la même année, estimée $ 8M par Christie's à New York le 12 mai, lot 21C.

Une femme à la peau sombre caresse affectueusement une femme blanche couchée. Elles sont nues dans une attitude tranquille mais dans un environnement de végétation torride chargée de symboles sexuels. Le singe embusqué joue le rôle du mâle qui ne sera pas rejeté par ce couple Saphique.

La femme assise a une jambe qui pend dans une faille sismique. Elle fertilise le sol par sa longue écharpe et par un presque imperceptible suintement de sang. L'enracinement est un thème récurrent de l'artiste dans sa recherche du mystère de la vie humaine et dans son besoin de refuge contre toutes les menaces du monde.

Les visages ne sont pas identifiables et Dos desnudos peut être un double auto-portrait. Si ce n'est pas le cas, l'une des femmes est la première propriétaire de cette peinture, l'actrice Mexicaine Dolores Del Rio qui était probablement une des cibles de la bisexualité de Frida.

Un Fauve sur la Tamise

L'exposition en 1904 des vues de Londres par Monet est un immense succès pour Durand-Ruel. Monet n'est plus seulement un impressionniste. Il exprime le sens profond de la nature par des lumières extrêmes sous des ciels chargés.

Monet reste un peintre réaliste mais le post-impressionnisme offre déjà une autre orientation. Autour de Matisse, les Fauves font exploser les couleurs. Les critiques d'art sont surpris mais le public apprécie cette révolution pictoriale qui éloigne définitivement la peinture de l'influence de la photographie.

Vollard est toujours prêt à soutenir les avant-gardes, surtout quand elles sont représentées par de très jeunes artistes. Derain a exploré le nouveau langage des couleurs en 1905 avec Matisse à Collioure. Vollard veut concurrencer Durand-Ruel et commande à Derain une série de vues de Londres.

Le 9 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 76 x 99 cm intitulée Les voiles rouges peinte par André Derain en 1906.

Cette vue de bateaux sur une rivière n'offre aucun détail architectural mais il ne fait aucun doute qu'elle est située sur la Tamise. Non seulement la forme des voiles correspond aux typiques Thames sailing barges, mais leur rouge cinglant entrecoupé de bleu répond avec l'habituelle exagération Fauviste à la couleur brun rougeâtre des modèles.

Le traitement pointilliste de l'eau est une réminiscence de l'influence du style de Signac que Derain avait débattu avec Matisse au début de leur coopération à Collioure et anticipe les canaux à Venise par Monet. La segmentation géométrique du ciel entre les nuages, la brume, le soleil à contre-jour et un coin de ciel bleu est une vision résolument moderne.

Cette peinture est une réussite spectaculaire du style Fauviste. Elle est estimée $ 15M, lot 24.

13 avr. 2016

Blues à Dallas

Les frères Vaughan sont passionnés de guitare électrique. Ils se produiront bientôt dans les soirées dansantes de Dallas. L'aîné, Jimmie, 15 ans, possède une Fender Broadcaster de 1951 qu'il utilise assez peu. Stevie Ray, 12 ans, emprunte l'instrument sans demander la permission. Un compromis est trouvé : Jimmie donne la Fender à son jeune frère.

Stevie Ray Vaughan est enchanté d'avoir sa première guitare de qualité professionnelle, qu'il nomme Jimbo. Elle ne le quitte plus au point que ses amis disent que l'instrument lui colle aux mains. Stevie Ray reconstruit Jimbo pour trouver de nouvelles sonorités adaptées au blues. Il est un musicien prodige particulièrement inspiré par Jimi Hendrix.

Stevie Ray utilise Jimbo dans son premier enregistrement, en 1969. Il a 15 ans. Jimbo ne l'accompagnera cependant pas dans sa gloire.

En 1971 le jeune musicien n'a pas compris qu'il est déjà le meilleur guitariste de blues. Il désire imiter ses idoles, Freddie King et B.B. King, qui ont choisi la marque Epiphone. Stevie Ray manque d'argent : il échange Jimbo contre une Epiphone. Il comprend vite son erreur mais il est trop tard : le professeur de musique avec qui il avait fait affaire a déjà cédé Jimbo.

Après quelques années difficiles Stevie Ray revient au tout premier plan en 1989. Il donnerait n'importe quoi pour retrouver Jimbo. Il ne la reverra pas : il est tué dans un accident d'hélicoptère l'année suivante au retour d'un concert où il avait partagé la vedette avec Eric Clapton.

Jimbo est estimée $ 400K à vendre par Julien's à New York le 21 mai, lot 389.

La Blonde aux Cheveux Bleus

A partir de 1993, les portraits de jeunes femmes blondes marquent à la fois la synthèse et l'ultime développement de l'art de Roy Lichtenstein.

Il utilise comme à ses débuts des images extraites des comic books et des points imitant l'imprimerie. La nudité est une nouveauté dans son art, propice à confronter l'ondulation de la forme du corps avec une construction géométrique rigoureuse.

Ces avancées théoriques donnent lieu comme d'habitude à des gravures. Aidé par Tyler Graphics à New York, l'artiste utilise la technique de la taille d'épargne (relief print) dans laquelle une préparation mécanique du papier définit les parties non enfoncées qui seront encrées.

La meilleure gravure de cette série est un nu en buste aux cheveux bleus réalisé en 1994 en deux états de même format : image 130 x 80 cm sur une feuille 147 x 95 cm. Elle devient progressivement une des icônes de la gravure moderne et les prix aux enchères montent régulièrement.

Le premier état (state I) est imprimé en 10 exemplaires plus 6 épreuves d'artiste. Les traits sont bleus et l'aplat des cheveux n'est pas coloré. Le numéro 6/10 a été vendu pour $ 320K incluant premium par Christie's le 30 octobre 2013.

Dans l'autre état, les traits sont noirs. La chevelure uniformément bleu clair attire l'attention sur la tête plutôt que sur les seins, appuyant l'intention de l'artiste de fournir une image de la femme moderne. Cet état est imprimé à 40 exemplaires plus 12 épreuves d'artiste.

Le numéro 23/40 a été vendu pour $ 580K incluant premium par Christie's le 24 octobre 2014 sur une estimation basse de $ 150K. Le numéro 16/40 est estimé $ 300K à vendre par Sotheby's à New York le 20 avril, lot 27.

10 avr. 2016

Un Homme d'Affaires nommé Babe Ruth

Pendant longtemps le baseball n'a intéressé que les Américains. Il était à l'origine l'occasion d'intenses rivalités sportives entre plusieurs clubs de New York et Brooklyn. De plus il ne rejetait pas l'argent contrairement à l'amateurisme Olympique révéré en Europe.

Trois importants contrats jalonnent les progrès de la gloire de Babe Ruth.

Le 16 janvier 1918, Ruth signe avec les Boston Red Sox pour un salaire de $ 5000 par an en augmentation de 43 % par rapport à sa rétribution précédente. Un exemplaire signé a été vendu pour $ 1,02M incluant premium par Goldin le 12 juillet 2014.

Le champion n'est pas directement impliqué dans le contrat signé en 1919 par les Red Sox et les Yankees pour son transfert dans l'équipe de New York parce que le contrat définissant son salaire est encore valide. Un exemplaire du contrat entre les deux clubs a été vendu pour $ 1M incluant premium par Sotheby's le 10 juin 2005.

Babe Ruth est avide de renégocier son salaire. Grâce à son talent les New York Yankees peuvent rivaliser avec leurs concurrents les New York Giants. Les foules se ruent pour admirer le champion et les Yankees décideront bientôt de construire le Yankee Stadium.

Ruth est en position de force. Il refuse des offres des Yankees à $ 30000, 40000 et 50000 par an avant de conclure à 52000 en déclarant que ce chiffre lui convient parce qu'il correspond à 1 "grand" par semaine. Le contrat est signé le 10 mars 1922. Incapables de s'opposer aux prétentions de salaire sans précédent du champion, les Yankees avaient obtenu que Ruth s'abstienne de boire des liqueurs et se couche avant 1 heure du matin pendant la saison sportive.

Un exemplaire signé de ce contrat est estimé $ 750K à vendre par Goldin à New York le 30 avril, lot 43.

Gloire et Trouble du Nu Néoclassique

Dans le siècle de Boucher, la mythologie est un prétexte à montrer le nu. Gaetano Gandolfi travaille à Bologne. Ses groupes néoclassiques sont de véritables chorégraphies de Nymphes, de Grâces et de Cupidons tournoyant autour de la déesse principale.

Une de ses plus importantes oeuvres est une paire de toiles effectuée sur commande pour un client Russe anonyme. Elle est attestée par une lettre de Mauro Gandolfi qui cherchait les dessins préparatoires effectués par son père.

Le patron est aujourd'hui identifié avec une forte présomption comme un prince Youssoupov qui fut ambassadeur à Turin et possédait une grande collection de peintures modernes. La nomination de cet aristocrate comme membre honoraire de l'Accademia Clementina à Bologne en 1787 apporte une date plausible à la commande exécutée par Gandolfi.

Les deux huiles sur toile de même dimension, 148 x 170 cm, sont réapparues indépendamment. Leur traitement du thème de l'amour est opposé.

Diane a été vendue par Christie's pour $ 4,1M incluant premium le 27 janvier 2010 sur une estimation basse de $ 800K. La chaste déesse est une justicière refusant d'amnistier Callisto mise à nu par les nymphes pour révéler qu'elle est enceinte.

La naissance de Venus est l'épisode classique de fécondité et d'espoir. La déesse née adulte sort de sa coquille pour aguicher son entourage. Cette peinture est estimée $ 2,5M à vendre par Christie's à New York le 14 avril, lot 115.

Le Jardin d'Andromède

Michel-Ange et ses suiveurs avaient élevé leurs sculptures au même rang que les statues antiques. Ciriaco Mattei est un important patron des arts. Il conçoit autour de 1590 les jardins de sa villa Romaine avec des marbres exposés en plein air.

Un nu grandeur nature d'Andromède est un des chefs d'oeuvre du jardin Mattei. La jeune femme est tout comme Aphrodite un des symboles de la beauté féminine dans la mythologie Grecque. Enchaînée au rocher, elle vit son destin avec héroïsme et dignité : un monstre marin envoyé par Poseidon va venir la dévorer, mettant fin aux fléaux envoyés sur la terre par la jalousie du Dieu.

Les goûts changent et l'Andromède du jardin Mattei n'est déjà plus documentée au milieu du XVIIIème siècle quand les collections de la villa sont dispersées.

Ce bel exemple de statue d'un important jardin Romain de la fin de la Renaissance vient de réapparaître en parfait état. Elle est estimée $ 500K à vendre par Christie's à New York le 13 avril, lot 7. Elle avait été vue aux enchères en 1985 chez Finarte à Rome et deux ans plus tard par Sotheby's mais son lien avec la villa Mattei n'avait pas été identifié et depuis 29 ans la belle s'était à nouveau endormie.

Le marbre est signé par P. Paolo Olivieri, un artiste à qui Mattei avait fait attribuer en 1576 la réalisation de la statue du pape Grégoire XIII au Campidoglio dont la décoration était restée inachevée à la mort de Michel-Ange. La chaîne interrompt élégamment la nudité charmante. L'ambiance maritime est fournie par un crabe ouvrant un coquillage et par une baudroie devant les pieds d'Andromède.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes fière à juste titre de cette redécouverte.

Dernier Gag avant la Guerre

L'action compliquée du Sceptre d'Ottokar se termine avec la planche 104 qui explique la stratégie utilisée par les conspirateurs : le bandit avait séquestré son frère jumeau identique qui était l'honnête savant, et Tintin avait successivement côtoyé les deux hommes sans imaginer la substitution.

104 pages ne suffisent pas pour la norme de l'album. Hergé réalise la double page finale, 105-106, qui est publiée par Le Petit Vingtième le 10 août 1939.

Cette dernière livraison est un gag indépendant du reste de l'histoire : Hergé reprend le thème de l'incommensurable bêtise des Dupont et Dupond. Les policiers jumeaux oublient qu'ils sont dans un hydravion, s'angoissent de voir l'appareil descendre vers la mer et rient si fort de leur propre naïveté qu'ils tombent dans la mer en sortant de l'appareil.

Le dessin original 40 x 60 cm de cette double page est estimé € 600K à vendre par Artcurial à Paris le 30 avril, lot 157.

Le 1er septembre 1939, l'Allemagne attaque la Pologne. Le 3 septembre, l'Angleterre et la France déclarent la guerre à l'Allemagne. L'Allemagne commence aussitôt l'invasion des Pays-Bas, de la Belgique, du Luxembourg et de la France.

Hergé continue à travailler. La première planche de l'Or Noir est publiée par Le Petit Vingtième le 28 septembre 1939. Cette histoire est interrompue en mai 1940 par l'intensification des opérations de guerre. Hergé abandonne provisoirement cette histoire et commence à publier le Crabe aux Pinces d'Or en octobre 1940 dans le supplément pour la jeunesse du journal Le Soir.

9 avr. 2016

Envol d'un Esprit

Au coeur de la forêt Africaine, les rites locaux ont généré de bizarres statuettes. Le 7 mai à New York, Sotheby's vend une figure masculine ofika de 55 cm de haut du groupe ethnique Mbole du Congo, lot 7 estimé $ 1,2M.

La vie sociale Mbole était régie par une société secrète initiatique très hiérarchisée nommée le lilwa. Cette communauté presque exclusivement masculine pratiquait couramment la pendaison, d'abord comme punition pour dissuader les villageois d'exercer des méfaits et aussi pour aider leurs dignitaires mourants à préparer le voyage vers l'au-delà.

La plupart des figures Mbole ont une attitude de départ pour l'envol, avec les genoux pliés et les pieds pointant vers le bas qui ne permettent déjà plus de marcher. Un très fort contraste de qualité d'exécution existe entre la précision géométrique de la tête et le reste du corps qui est une simple esquisse.

L'élongation de certaines de ces figures évoque bien le cadavre séché après la pendaison. Ce n'est pas le cas de la statuette à vendre mais d'autres caractéristiques confirment qu'elle montre le défunt dans son processus de transformation en esprit : le visage blanc est un symbole de mort et la tête est rouge du sang de la résurrection. La vie a cessé d'apporter ses souffrances et l'expression est à la fois sereine et glaçante.

Cette figure est un superbe et terrifiant chef d'oeuvre de la forêt tropicale profonde. L'annihilation de ces sociétés sous un prétexte de civilisation rend difficile la compréhension complète de son message mystique.

Maternité Kongo

Avant l'exploration des côtes Africaines par les Portugais le royaume de Kongo était un des plus puissants du continent. Le commerce des esclaves et le partage politique du territoire du Congo ont mis fin à une civilisation brillante.

Le 7 mai à New York, Sotheby's vend une figure de maternité Kongo-Yombe de 27 cm de haut, lot 5 estimé $ 2M. L'artiste est connu par un corpus homogène de figures et de masques. Son travail ne peut pas être daté avec précision. Une statuette collectée entre 1911 et 1913 dans un village lui a fait attribuer le nom de Maître de Kasadi.

La société Kongo est matriarcale. L'artiste s'est spécialisé dans le nganga diphamba montrant l'extase de la mère primordiale Mpemba en relation avec le monde surnaturel. La ciselure montre avec une grande finesse les scarifications corporelles et les bijoux.

L'enfant est allongé sur les genoux de sa mère qui le tient avec un geste délicat des deux mains. Il est vivant : le mystère de la procréation est démythifié par le geste charmant de l'enfant qui attrape le sein de sa mère.

La maternité est un thème favori de l'art dans la plupart des civilisations. Cette sympathique statuette en est un bel exemple Africain.

3 avr. 2016

Un Colt pour le Gouverneur Young

En 1846, la guerre du Mexique marque la fin des difficultés pour Colt qui reçoit une commande importante du gouvernement du Président Polk. Le nouveau modèle sera nommé le Colt Walker. Désormais rien n'arrête plus le développement des affaires de Colt dont l'organisation industrielle est très en avance sur son temps.

Le revolver de poche modèle 1849 est une autre étape clé. Les armes de luxe peuvent faire l'objet d'un cadeau utile. Colt embauche des artistes pour ciseler les armes à l'argent. Gustave Young commence alors sa longue carrière qu'il terminera quatre décennies plus tard chez Smith and Wesson.

De très rares armes sont incrustées d'or. L'une d'elles dont le destinataire d'origine n'a pas été identifié a été vendue pour $ 1,15M incluant premium par Sotheby's le 21 janvier 2012.

Le 30 avril, RIAC vend à Rock Island IL le revolver modèle 1849 offert en 1854 à Brigham Young par un marchand d'armes de St. Louis, une ville parfaitement bien située pour assurer un lien entre l'Est et le Wild West. Cette arme est gravée avec les motifs de volutes florales et la tête de loup caractéristiques de l'art de Gustave Young.

Le bénéficiaire du cadeau, Brigham Young, est une personnalité importante de l'Ouest. C'est lui qui a décidé les Mormons à quitter l'Est où leur sécurité ne pouvait plus être assurée. Il assura le transfert d'innombrables convois de wagons vers Great Salt Lake City et était l'infatigable organisateur de l'activité économique et sociale de sa communauté. Son talent politique était reconnu et il était devenu en 1851 le premier gouverneur du Territoire d'Utah.

Brigham Young a conservé son Colt en excellent état avec l'idée qu'il pourrait avoir à s'en servir. Cette arme considérée comme historique est estimée $ 550K, lot 1222.

Deux Drapeaux et 31 Ecrans

Jasper Johns explore la texture sans rejeter la couleur. Il choisit des thèmes préexistants sans les recomposer. Le drapeau Américain est un exemple de figures géométriques avec des couleurs pures. Sa récupération par Johns est à la fois populaire et provocatrice sans que le public perçoive bien toute son ambiguïté.

En 1973, l'artiste juxtapose deux de ses drapeaux sur une même surface avec les bandes disposées dans le sens vertical. C'est une expérience qui lui permet de comparer une huile couverte d'un vernis brillant avec sa technique à la cire encaustique où les couches supérieures recouvrent une peinture déjà sèche. Dans les deux cas les sous-couches influencent les couleurs visibles à la surface.

Les différences sont subtiles mais Johns entreprend de les reproduire en un multiple. Il choisit la sérigraphie mais bien entendu la quadrichromie n'est pas suffisante. La société Simca Artist Prints Inc met au point avec lui pour son double drapeau un ensemble de 31 écrans de sérigraphie qui seront utilisés en cinq étapes.

Flags I est un exploit technique. Johns a réussi à transférer dans une édition multiple l'irrégularité volontaire des couches de sa peinture. Cette image 67 x 84 cm sur une feuille 70 x 90 cm est imprimée en 65 exemplaires plus sept exemplaires d'artiste.

Les meilleurs résultats ont été enregistrés par Christie's en une progression remarquablement régulière : $ 1,45M le 11 novembre 2015 ; $ 990K le 13 novembre 2013 ; $ 840K le 11 mai 2010 ; $ 620K le 30 avril 2008 ; $ 600K le 9 novembre 2005 ; 430K le 3 mai 2005. Ces prix incluent le premium.

L'épreuve 59/65 est estimée $ 800K à vendre par Christie's à New York le 26 avril, lot 107.

Une Alpine et son Cruiser

La SS100, introduite par Brough en 1924, est surnommée la Rolls-Rolls des motocyclettes. Assemblées à la main, ces machines ont connu de nombreuses variantes.

Les plus prestigieuses sont les Alpine Grand Sports avec un taux de compression réduit adapté aux courses de côte, et l'utilisation du moteur JAP de JA Prestwich. Une bécane fabriquée en 1929 avec toutes ces caractéristiques a été vendue pour £ 315K incluant premium par Bonhams le 30 novembre 2014.

Une autre SS100 AGS à moteur JAP sortie d'usine en 1930 est à vendre le 19 avril par H and H à l'Imperial War Museum de Duxford près de Cambridge. Après deux retours en usine pour des améliorations en 1931 et en 1933, cette moto n'a jamais été restaurée.

Réalisée sur commande, elle incluait des options dès son origine. Elle a conservé son sidecar de 1930 de modèle Cruiser. Cette configuration est extrêmement rare pour les très sportives SS100, le sidecar étant essentiellement proposé pour le modèle de route SS80. En 1933 la boîte standard à 3 vitesses a été remplacée par une boîte à 4 vitesses.

Les collectionneurs de motos recherchent l'authenticité mais contrairement aux amateurs de voitures ils apprécient aussi une utilisation intense. La SS100 AGS est vendue par un ancien président du Brough Club qui l'avait acquise en 1990 et la pilota dans des rallies dans toute l'Europe. Il est difficile d'obtenir mieux. Elle est estimée £ 280K, lot 42.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes démontrant son état de fonctionnement (sans passager dans le sidecar !).

2 avr. 2016

Dessins Photographiques d'Alexandrie à Baalbek

Les monuments antiques suscitent une intense curiosité en France à l'époque du romantisme. Flaubert et Du Camp obtiennent en 1849 des subventions du gouvernement pour effectuer un voyage en Orient.

Maxime Du Camp s'entraîne à la photographie pour préparer leur mission. Il est un des tout premiers touristes à comprendre l'intérêt documentaire considérable de cette nouvelle technique, en utilisant le procédé de calotypie récemment amélioré par Blanquart-Evrard.

Les deux jeunes gens arrivent à Alexandrie en novembre 1849. Gustave s'amuse de l'acharnement de "Max" à prendre ses photos. Leur long voyage les mène à Karnak, Medinet Habou et Philae. En septembre 1850 Maxime photographie Baalbek. Satisfait de l'avancement de son projet, il vend son appareil photo.

Les 214 négatifs sont développés à Rome en 1851. Les positifs seront effectués sur papier salé, une technique superbe qui est propice à une excellente conservation des images.

Revenu à Paris, Du Camp prépare son album qui sera édité en 1852 par Gide et Baudry en folio 43 x 31 cm sous le titre Egypte, Nubie, Palestine et Syrie. L'auteur a sélectionné 125 photos qui sont contrecollées sur vélin fort et accompagnées de 61 pages de commentaires.

Ce livre est extrêmement rare. Un exemplaire complet avec un très bon état des images est estimé € 200K à vendre par Christie's à Paris le 22 avril, lot 73.

Le voyage de Du Camp en Orient est le tout premier recueil de photographies de voyage. La grande qualité de l'impression des photographies était encore impossible moins de cinq ans plus tôt.

Cette passion soudaine à laquelle il ne donna pas de suite était une innovation remarquable si l'on considère que le projet d'enregistrement des monuments français désormais connu sous le nom de Mission Héliographique date de 1851, quand Du Camp avait déjà terminé ses "dessins photographiques".

La Fin des Guerres Apaches

Les guerres Apaches sont une longue suite de violences atroces au Mexique et dans le sud des Etats-Unis. Les meurtres d'Indiens et de leurs familles suscitent des représailles contre les colons. La petite bande de Geronimo est redoutable, mais elle est isolée par l'acceptation d'un nombre croissant d'Apaches d'entrer dans les réserves Indiennes.

Le gouvernement ne peut plus attendre. Le général Miles donne l'ordre de capturer ou tuer. Epuisé, Geronimo accepte de négocier. Le 4 septembre 1886 il offre sa reddition au capitaine Lawton.

Lawton est un officier impeccable avec une réputation méritée de bravoure. Le 30 avril à Rock Island, RIAC vend au lot 1025 un fusil et une montre offerts au héros pour honorer son exploit. Le lot est estimé $ 500K.

Le fusil est le numéro de série 1 du modèle 1886 de Winchester. Il a été offert à Lawton et inscrit par le lieutenant Albee qui était un collaborateur de Winchester Repeating Arms depuis sa retraite de l'armée. Il est en excellent état.

La montre plaquée or de marque Howard a été offerte à Lawton par les éleveurs du Nouveau Mexique soulagés de la fin des vols de bétail et des massacres. Plus au Nord, les Sioux prolongent les révoltes Indiennes jusqu'en 1890.

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