28 sept. 2016

La Vie n'est pas un Jeu

Connaissant l'état initial d'une situation et les personnages en action, il est tentant d'utiliser des modèles scientifiques pour prédire les conclusions. Les pionniers de cette théorie des jeux ont été Von Neumann, Zermelo et Morgenstern.

John F. Nash, Jr est un brillant mathématicien et penseur à l'université de Princeton où il a l'opportunité de rencontrer Von Neumann. Sa première observation est d'une très grande pertinence : aucune théorie économique avant lui n'a tenu compte du comportement en négociation.

Sa dissertation de thèse, en 1950, porte sur son nouveau modèle de la théorie des jeux tenant compte d'un comportement non coopératif entre les joueurs et supposant que la conclusion est un état d'équilibre. Le comportement non dévoilé d'un négociateur peut être favorable ou hostile. Un ensemble de conditions initiales peut mener à plusieurs possibilités d'équilibres de Nash et la prédiction tient compte d'un facteur probabiliste. Etendu à plusieurs joueurs, le calcul d'un équilibre de Nash atteint une extrême complexité.

La vie n'est pas un jeu. Après ces débuts exceptionnels, Nash devient schizophrène. Ses travaux sont reconnus et sa personne est oubliée. Il est tout à l'honneur du comité Nobel d'avoir retrouvé le savant. Le prix Nobel en Sciences Economiques lui est décerné en 1994, partagé avec deux mathématiciens qui avaient prolongé ses théories.

Cet évènement est important. C'est la première fois qu'un prix Nobel est décerné pour une contribution à la théorie des jeux. Nash, sans emploi au moment du prix, est fier que son oeuvre soit reconnue et commence une nouvelle vie.

La vie n'est décidément pas un jeu. John Nash et sa femme meurent en 2015 dans un accident de taxi sur une autoroute Américaine au retour de Norvège où il venait de recevoir le prix Abel. Le 17 octobre à New York, Sotheby's vend en un seul lot sa médaille Nobel et de nombreux documents, lot 1 estimé $ 2,5M.

Jingdezhen sous les Yuan

Après la perfection de matière, de robustesse et de géométrie sous les Song, la porcelaine de Chine a vu un nouveau développement artistique avec les Yuan. La porcelaine bleu et blanc était également connue depuis longtemps mais la nouvelle dominance Mongole a facilité l'importation de cobalt provenant de l'ouest de la Mongolie.

Les fours de Jingdezhen étaient déjà opérationnels sous les Tang et les Song mais leur activité est fortement développée par les Yuan. Répondant au goût du Moyen-Orient les potiers de Jingdezhen réalisent des vaisselles de forme complexe moulée en creux et bosses selon le motif décoratif. Une influence technique de l'argenterie Persane est probable.

Le bleu et blanc appliqué en épargne ou au pinceau permet de multiplier les thèmes figuratifs dans la tradition de l'art Chinois bien sûr, mais aussi avec d'agréables thèmes végétaux qui favorisent l'exportation des porcelaines Chinoises vers le Moyen Orient. A cette époque la céramique Chinoise, et plus particulièrement celle de Jingdezhen, est la seule qui soit suffisamment propre pour ne présenter aucun risque de santé pour l'utilisateur.

Le 5 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend un plat Yuan, lot 3636 estimé HK$ 25M. Cette pièce massive réunit avec succès toutes les difficultés techniques avec ses moulages, son bord ourlé et sa très grande dimension, 48 cm de diamètre.

La décoration utilise des réserves pour révéler le blanc en lavant le fond bleu. Ces pièces nécessitaient une trop grande quantité de cobalt et de plus elles étaient conçues à l'unité. Cette technique fut très vite remplacée par un bleu sur fond blanc sans moulage, moins cher et propice à une production en série.

Les Sculptures Décapitées de Pino Pascali

L'Arte Povera vient aussitôt après le Pop Art. De jeunes Italiens bousculent toutes les traditions de l'art : matériaux, formats, thèmes. Ce terme d'Arte Povera a été trouvé en 1967 par l'organisateur d'une exposition. Il était effectivement utile de juxtaposer et comparer les oeuvres de ces jeunes gens qui ne connaissaient aucune limite à leur créativité.

Né à Bari, Pino Pascali aime la mer, les jouets, le pop art et toutes sortes d'occupations futiles. Il est mort en 1968 à 33 ans, après un accident de moto. Il n'a peut-être jamais cessé de s'amuser.

1966 est une année de grande créativité pour Pascali, avec sa série intitulée Decapitazione de la scultura. Ces oeuvres tridimensionnelles ressemblent à des sculptures mais sont des toiles peintes épousant la forme d'une structure en bois.

La toile peinte simule la peau d'un élément animal reconnaissable, comme la crête du dos d'un dinosaure émergeant du plancher. Pascali décapite dans son art des girafes, des rhinocéros et des requins. La limitation du sujet à un détail est comparable aux peintures de Domenico Gnoli à la même époque.

La queue de dauphin, marquée Cetacei par l'artiste, va encore plus loin dans la démolition de l'art classique. Cette oeuvre doit être accrochée à la cimaise comme une peinture encadrée mais déborde du mur de pas moins de 143 cm. Cette utilisation sans précédent de l'espace d'exposition anticipe de quatre décennies les installations de Maurizio Cattelan.

Coda di delfino est estimée £ 1,5M à vendre par Christie's à Londres le 6 octobre, lot 118.

25 sept. 2016

La Sonorité d'un Guadagnini

Giovanni Battista Guadagnini ouvre son propre atelier à Plaisance vers 1742. Ses activités antérieures ne sont pas identifiées mais il a peut-être connu les derniers grands maîtres de Crémone. Les deux fils de Stradivari et Guarneri Del Gesu meurent à la même période. Un apprentissage à Crémone justifierait l'affirmation un peu surprenante de son jeune client Cozio désignant Guadagnini 30 ans plus tard comme l'ultime successeur de Stradivari.

Guadagnini déplaça trois fois son atelier, à Milan en 1749, et bien plus tard à Parme et à Turin. Il avait amélioré l'essentiel de son savoir faire dans sa première phase à Plaisance, avec des violons très légèrement élargis, des angles vifs aux éclisses et son très efficace vernis brun-rougeâtre. Les violons de Guadagnini ont une sonorité harmonieuse et forte et sont les meilleurs instruments de concert du milieu du XVIIIème siècle.

Les violons du début de la période Milanaise démontrent déjà une excellente maturité. L'un d'eux nommé le Berkova, réalisé en 1755, a été vendu pour $ 720K incluant premium par Tarisio le 2 mai 2013 bien que le vernis d'origine ne soit pas complet.

Tarisio vend à New York un des meilleurs violons faits à Milan par Guadagnini, daté 1753. Malgré une utilisation fréquente en concert, cet instrument qui a été soigneusement maintenu est en excellent état. Il est estimé $ 1M dans la vente en ligne qui se termine le 13 octobre, lot 254. Sa brillante sonorité est démontrée dans une audio sur YouTube par Tarisio. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Le Village Natal du Maître

Lu Xun avait été un écrivain contestataire. Influencé par les cultures occidentales, il souhaitait l'entrée de la Chine dans le monde moderne et combattait les traditions stériles. Il aimait sa ville natale de Shaoxing, avec ses petites maisons blanches dans les étroites ruelles et ses bateaux qui glissent sur ses canaux comme les gondoles à Venise.

Wu Guanzhong avait 17 ans quand Lu Xun meurt de tuberculose en 1936. Il n'avait pas eu l'occasion d'une rencontre directe avec le polémiste mais ce maître à penser inspira la remarquable carrière artistique de Wu qui sut résister aux persécutions politiques et introduire les techniques et styles de l'Occident dans la vie artistique Chinoise.

L'une des spécialités de Wu était le paysage, démarqué de l'art traditionnel Chinois par le respect rigoureux de la perspective, l'observation de la structure géométrique et l'utilisation de la peinture à l'huile. Par rapport aux Européens, il apporte le goût Chinois d'une ligne nette et de couleurs vives et contrastées.

Wu était aussi un provincial, né à Yixing dans le delta du Yangzi. En 1974, une commande gouvernementale partagée avec trois autres artistes pour illustrer les scènes de ce fleuve est une preuve de son retour en faveur.

Les similitudes entre Shaoxing et Yixing plaisent à Wu, enthousiaste à l'idée de réaliser un paysage en honneur à Lu Xun. Wu gravit une colline au-dessus de Shaoxing et choisit le point de vue à vol d'oiseau d'une petite île accessible par bateau qui a conservé son authenticité. Une étude à l'huile sur panneau 46 x 61 cm peinte en 1977 est estimée HK$ 30M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 2 octobre, lot 1024.

Au-delà du paysage Wu souhaitait exprimer la vie des hommes. Sur cette peinture Shaoxing est animée par la présence de petites taches de couleur et par quelques bateaux. Ses vues de villages traditionnels sont très appréciées. Le village Zhou inscrit dans un audacieux ovale a été vendu pour HK$ 236M incluant premium par Poly en avril 2016.

Le Sang et l'Infini

Dans les premières années de sa carrière artistique, Alberto Burri est l'auteur d'un seul message : l'impact charnel des blessures de guerre est atroce et inacceptable. En relation avec les milieux artistiques Romains il travaille cependant seul au développement de ses procédés sans précédent dans l'histoire de l'art.

Burri observe les dégradations apportées par le feu sur des matériaux variés : bois, fer, plastique. Il peint les surfaces à l'acrylique mêlé de colle mais n'utilise que deux couleurs : la chair et le sang. Il mène la combustion jusqu'aux abords de la phase ultime, obtenant des trous de cendres, des cloques et des refusions.

Il suit son processus avec obsession pendant près de vingt ans. Il faut que le visiteur de ses expositions réagisse contre les horreurs des guerres en observant ses matériaux torturés. Sa réputation artistique grandit : par chance, au même moment d'autres artistes ont également renoncé aux techniques usuelles de la peinture et de la sculpture : Piero Manzoni, Lucio Fontana, Yves Klein.

Dans la série des Rosso Plastica, le rouge profond est meurtri par de grands cratères noirs ovales aux bords nets. Le sang interprété par Burri anticipe et peut-être inspire Fontana dans sa recherche de l'infini au-delà de la surface trouée ou lacérée. Les pustules des Bianco Plastica, évocateurs du pourrissement de la chair, n'offrent pas une incitation similaire.

Le 7 octobre à Londres, Sotheby's vend Rosso Plastica 5, réalisé en 1962, 70 x 100 cm, lot 14 estimé £ 4M. Un Rosso Plastica 80 x 100 cm réalisé l'année suivante avec un équilibre similaire entre le rouge et les vides a été vendu pour £ 3,7M incluant premium par Sotheby's le 12 février 2014.

24 sept. 2016

Tentation du Nu

L'explosion de liberté dans la jeune peinture Chinoise commence en 1985. Les toiles et les couleurs sont à nouveau disponibles, enfin. L'art Chinois va cesser d'être assujetti aux règles officielles et à la censure. Liu Xiaodong est encore étudiant.

Liu exprime infatigablement ses visions du réalisme social, incluant les attirances et les déviances sexuelles. Il est un observateur impitoyable et acerbe.

En 1996, quand il voit dans la même journée une charrette portant des émigrants et une bétaillère transportant des cochons, il crée un chef d'oeuvre intitulé Disobeying the rules, qui a été vendu pour HK $ 66M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2014. Les hommes et les femmes sont nus, comme des cochons. Leur espoir est vain, comme celui des cochons qui vont à l'abattoir.

Le 2 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend Showered in sunlight, huile sur toile 180 x 195 cm peinte en 1990 par Liu, lot 1056 estimé HK$ 15M.

Six très jeunes hommes sont ensemble devant la mer, sous un soleil intense. Sous le nouveau régime de liberté imaginé par l'artiste, ils ont choisi d'être entièrement nus ou de porter un maillot de bain. La composition est hardie avec le jeune nu du premier plan qui déborde largement du cadre de l'image. Deux autres nus sont vus de face.

Ces garçons sont heureux sous la nouvelle dictature du soleil. Ils sont relativement éloignés l'un de l'autre mais la tentation homosexuelle de cet exhibitionnisme est probable. Liu voulait déranger et il a réussi.

Les Sables de Tianlongshan

Le grès est un agrégat de sable qui retourne en poussière sous l'effet de l'usure et des intempéries. En contre-partie il est facile à sculpter avec une grande précision. Il fut une des pierres préférées des premiers sculpteurs Bouddhistes qui devaient créer des figures naturalistes et attirantes pour répondre aux règles strictes de leur canon.

L'éphémère dynastie des Qi du Nord qui régnait il y a 1450 ans a entrepris l'aménagement en temples Bouddhistes de grottes creusées dans la roche à Tianlongshan, la montagne du dragon céleste, non loin de leur capitale dans le Shanxi. Cette installation a été continuée et augmentée par les Tang.

25 grottes ont été découvertes à Tianlongshan, avec un total de 1144 reliefs taillés directement dans la paroi complétés par environ 1500 statues en ronde-bosse. Ces sculptures marquent l'apogée de la figuration Bouddhiste souple et sensuelle sous les Tang.

Un Boddhisattva en grès de 60 cm de haut a fait surface en 1941 dans la collection C.T. Loo. Malgré la fragilité de la pierre, il est complet et dans un état de conservation sensationnel. Il présente toutes les caractéristiques des statues Tang avec une attitude et une expression similaires à d'autres pièces excavées de Tianlongshan. Il sera vendu le 5 octobre par Sotheby's à Hong Kong, lot 3602.

Le Legs du Second Arbre

Pendant la deuxième année du règne de l'empereur Yongzheng, le jeune prince Hongli étudie dans une bibliothèque de la cité impériale. Cette Bibliothèque des Wutong est nommée en référence à une paire d'arbres placés depuis un temps immémorial devant l'entrée du pavillon. L'un d'eux a déjà dépéri et a été remplacé, symbolisant ainsi la régénérescence.

Hongli devient l'empereur Qianlong. Le second arbre wutong meurt à son tour pendant la neuvième année du nouveau règne. Qianlong ordonne par décret impérial que le bois du vieil arbre soit utilisé pour fabriquer quatre qin.

Le qin était classé sous les Tang et les Song comme le premier des quatre trésors du lettré. Cette luxueuse cithare à sept cordes pincées offrait le meilleur de la musique Chinoise. Sous les Qing, le qin est un instrument rare qui renoue avec le passé.

La réalisation des quatre qin est documentée avec de nombreux détails dans les registres impériaux. Chacun est marqué d'un poème impérial différent. Ils sont livrés à l'empereur le 20ème jour du 10ème mois de la 11ème année du règne, pendant l'année 1745 de notre calendrier. L'un des quatre qin a survécu. Il est estimé HK$ 25M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 3605.

Ce grand instrument de 1 m de longueur totale aux parois extérieures en laque cinabre était fait pour le prestige. Il a été joué avec modération et reste en excellent état.

21 sept. 2016

Le Phaeton du Patron

En 1930, l'affaire de carrosserie de Walter M. Murphy localisée à Pasadena avait toutes les clés du succès.

Utilisant des stylistes brillants et compétents, Murphy savait équiper les châssis avec des carrosseries dont la variété plaisait à l'individualisme de ses clients de Hollywood. Le modèle J de Duesenberg, sorti en 1928, fut une opportunité pour Murphy pour capter la clientèle de haut de gamme. Pour un riche industriel, posséder une Duesenberg carrossée par Murphy était un signe extérieur de réussite sociale.

Frank Hershey commence sa carrière avec Murphy. Il conçoit pour l'encombrant modèle J des voitures ouvertes qui semblent légères, avec des toits décapotables et des vitres latérales escamotables. La gamme offerte par Murphy est large : il donne à un roadster ou à un coupé le luxe d'une limousine.

Le dual cowl phaeton est une survivance des véhicules de maîtres de l'ancien temps, avec ses deux compartiments séparés par un pare-brise intérieur, avec deux capotages indépendants, pour éviter de mêler les classes sociales. Assisté par Hershey, Murphy construit trois exemplaires de ce type sur le modèle J.

L'un d'eux est vendu à John F. Howard, surnommé le Roi de la Mayonnaise et fondateur de la société de condiments Howard Foods. A la suite sans doute de revers de fortune, Howard et sa Duesenberg partent pour Mexico où sa voiture sera retrouvée emmurée dans un parking en 1962 par un spécialiste de la marque.

Son excellent état original plait à un collectionneur Américain. Restée depuis 54 ans dans la famille de cet acquéreur, elle est estimée $ 1,6M à vendre par RM Sotheby's à Hershey PA le 7 octobre, lot 253.

Etude d'Abdomen

La libération sociale de la femme est un succès du siècle dernier, dû à une accumulation de progrès en termes d'hygiène et de médecine. La femme étroitement corsetée engagée à suivre le mari tout au long de sa vie n'existe plus. Elle travaille, elle vote et elle fait son enfant quand elle veut. Les limites permises de la décence reculent, avec le bikini à la piscine et à la plage et avec la mini-jupe à la ville et au bureau.

Dans les années 1950, autour de Marilyn Monroe et Brigitte Bardot, les tabous du cinéma traditionaliste tombent progressivement. Les magazines suivent, pour propager les images de la nouvelle société de consommation.

Gerald Laing termine ses études à Londres. Un changement est nécessaire dans l'art pour pérenniser les images éphémères des affiches et des journaux. L'impression de moins en moins soignée rend très visibles les points d'impression. L'artiste reconstruit ces images avec leur propre trame en peintures de grande dimension. Il est l'un des pionniers du pop art.

Brigitte Bardot, huile sur toile 182 x 114 cm peinte en 1963, a été vendue pour £ 900K incluant premium par Christie's le 13 février 2014.

En 1964 et 1965, Laing réalise une série de peintures sur le thème du maillot de bain en copiant à nouveau les images de charme des magazines. Les jeunes femmes des publicités aident à vendre les produits avec leur attitude amicale qui n'est pas sexuellement provocante : elles apparaissent plutôt comme avides de loisirs, d'autonomie et de consommation. Avec le bikini, l'abdomen s'est dénudé.

Commemoration, huile et acrylique sur toile 122 x 152 cm peinte en 1965, a été vendue pour £ 1,2M incluant premium par Christie's le 16 octobre 2015. Le 6 octobre à Londres, Christie's vend Beach Wear, huile et crayon sur toile 244 x 121 cm peinte en 1964, lot 10 estimé £ 1M.

Un Simple Nu Rose

Arrivé à Paris au début des années 1920, Sanyu découvre Montmartre et Montparnasse. Le jeune artiste est passionné par la vie Parisienne et ses cabarets et par la liberté des artistes de montrer le nu féminin. Il réalise d'innombrables dessins mêlant l'efficacité du trait du style traditionnel Chinois avec ce thème sensuel tabou dans son pays.

Sanyu est un grand innovateur, sans doute influencé par les nus de Modigliani. Il va jusqu'au bout de l'idée de la prédominance du trait. Pour dessiner le corps, il favorise les lignes ondulantes et supprime les détails inutiles. Il allonge le torse et les jambes et il rapetisse délibérément la tête, qui ne l'intéresse pas.

Sanyu a un tempérament farouchement indépendant, comme Soutine. Il ne fait pas de doute qu'il préfère son art à la gloire mais il a aussi besoin d'argent et ses demandes lassent son marchand Henri-Pierre Roché qui rompt les relations en 1932.

En grande partie grâce à Roché, Sanyu a compris les qualités expressives de la peinture à l'huile. Le 3 octobre à Hong Kong, Poly vend au lot 133 un nu rose peint par Sanyu dans les années 1930. Cette huile sur panneau 47 x 82 cm avait été vendue pour HK$ 14M incluant premium par Sotheby's le 4 octobre 2010.

La femme est allongée sur le dos sur une couverture blanche à motif floral. Elle dort tranquillement, avec les bras autour de la tête et les jambes serrées. L'ensemble de la composition presque monochrome est dominée par le rose vif de la chair de cette femme Parisienne aux cheveux blonds.

18 sept. 2016

La Dernière Chute des Han

Ai Weiwei revient en Chine en 1993 après avoir effectué ses études de design à New York et rencontré Allen Ginsberg, le meneur de la contre-culture Beat. Profondément déçu par la politique sociale du gouvernement Chinois, il devient très vite un militant.

Ai exploite l'idée du ready made qu'il avait apprise aux Etats-Unis, avec une variante iconoclaste qui apporte une réflexion nouvelle sur la signification de la culture. Il détourne des urnes d'époque Han, vieilles de 2000 ans, pour les barioler de couleurs modernes.

Dans un geste spectaculaire qui est une sorte de happening, Ai réalise en 1995 une séquence de trois photographies dans lesquelles il soulève, lâche et brise avec complaisance une grande urne Han. Il démontre par ce geste que la culture elle-même, et pas seulement l'artefact, est fragile. La fin du Maoïsme n'a pas suffi à rétablir l'équilibre et l'artiste s'insurge contre la corruption.

La renommée militante d'Ai Weiwei met ultérieurement en lumière la force provocatrice du lâcher de l'urne Han. En 2014 dans une exposition à Miami, 16 vases colorés sont exposés sur une table devant un exemplaire du triptyque photographique. Un autre artiste s'empare d'un des vases et réalise à son tour le geste destructeur.

Dropping a Han Dynasty Urn a été édité en 2004 en 8 exemplaires de format 136 x 109 cm pour chaque élément du triptyque. L'un des huit a été vendu pour £ 750K incluant premium par Sotheby's le 10 février 2016 sur une estimation basse de £ 150K. Un autre est estimé HK$ 1,6M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 2 octobre, lot 1067.


L'Abstraction de la Mare aux Lotus

Wu Guanzhong a assuré la transition entre le classicisme et le modernisme dans l'art graphique Chinois. Il a été persécuté pendant la Révolution Culturelle et les oeuvres de son début de carrière sont à peine connues. Il a comme Zhang Daqian avant lui le mérite d'être un artiste complet capable de maîtriser une grande variété de techniques, de styles et de thèmes.

Wu analyse la terre comme un cadre de vie, depuis les larges paysages du monde entier jusqu'aux détails des arbres. Il pratique avec succès la peinture à l'huile et revient à l'encre traditionnelle quand il veut positionner des taches de couleurs pures.

1997 est une année de grande créativité. A l'âge de 78 ans, libéré des menaces, il continue à explorer toutes les possibilités du langage artistique. Le Village Zhou, vendu pour HK$ 236M incluant premium par Poly en avril 2016, est une huile sur toile, le plus haut prix enregistré aux enchères pour une peinture Chinoise de cette technique.

Wu est également entré résolument dans l'art contemporain par sa pratique des très grands formats. J'avais discuté précédemment dans cette chronique une encre et couleurs sur papier de 144 x 368 cm également de 1997, restée invendue chez Poly le 2 juin 2012. Bien que je ne puisse pas en apporter la preuve, je suis convaincu que c'est le même lot qui sera vendu par Poly à Hong Kong le 3 octobre, lot 139.

Le thème de la mare aux lotus est un prétexte pour un équilibre des couleurs qui s'approche de l'abstraction. Le champ de vision est illimité comme un Pollock. Les taches vives compensent l'absence de perspective en suggérant la position du fond. Les feuilles et leurs reflets s'entremêlent en un réseau serré.

Les Robes de Perles

La réalisation d'une robe de perles demande un effort et un talent considérable même quand la surface brodée dans cette technique reste petite. L'objectif est de faire étinceler certaines figures comme les dragons impériaux. Les très petites perles de culture choisies pour leur homogénéité sont percées pour faire passer le fil de soie.

Le jifu n'est pas une robe officielle mais est utilisée pour des festivités d'agrément comme un anniversaire, un mariage, le premier jour de l'année ou un solstice. Quand elle est à l'usage d'un membre de la famille impériale, elle est décorée des dragons impériaux sur un fond jaune vif en satin. Les thèmes de bons auspices sont abondamment illustrés.

Cette robe longue prend modèle sur un vêtement Mandchou et elle plaît aux Qing. Une fille de Kangxi a apporté en dot en 1691 de notre calendrier une robe brodée avec 100 000 perles qui a été découverte en 1976 dans la tombe de son mari. Yongzheng marqua une désapprobation profonde des robes de perles considérées comme un luxe inutile encourageant la corruption des courtisans donateurs.

La position de Qianlong fut moins claire puisque des robes à perles furent réalisées sous son règne pour l'usage impérial. L'une d'elles a été vendue pour HK$ 14,7M incluant premium par Sotheby's à Hong Kong le 10 avril 2006. Elle revient dans la même place de ventes le 5 octobre, lot 3307 estimé HK$ 20M.

Les dragons sont brodés en perles multicolores et les autres motifs utilisent trois autres techniques plus classiques de points de broderie. Certaines des figures secondaires constituent le thème des Douze Symboles de l'Autorité Impériale qui a été introduit dans la liturgie impériale de Qianlong en 1759 de notre calendrier.

L'Empereur Suprême des Qing

L'empereur Qianlong vécut 87 ans qui couvrent la majeure partie du XVIIIème siècle de notre calendrier. Il protégea les arts et la culture avec un raffinement qui en fit à la suite de son père l'empereur Yongzheng le plus efficace mécène de tous les temps.

Il pensait à sa retraite, qu'il avait promis de prendre si son règne venait à dépasser 60 ans Son grand-père Kangxi avait régné 61 ans et cette durée ne devait pas être dépassée pour une raison de respect. L'empereur doit être un modèle de vertu et ne peut pas changer un voeu ni manifester un regret. Après une année de transition dite Bingchen, l'empereur Qianlong abdiqua en 1796 de notre calendrier.

Qianlong devint désormais le Taishang Huang, signifiant Empereur Suprême, un titre traditionnel de l'empire Chinois décerné aux empereurs ayant quitté le trône, mais les exemples d'une abdication sans révolution de palais comme celle de Qianlong sont bien entendu d'une extrême rareté.

Pendant son règne, Qianlong avait été un très grand utilisateur de sceaux qui lui permettaient d'apposer sa marque sur les documents et les oeuvres d'art qu'il avait consultés. Il lui fallait dorénavant changer sa marque et il ordonna la réalisation du sceau Taishang Huangdi shi Bao (le trésor de Taishang Huang).

Un sceau de très grande dimension mesurant 22,5 cm de côté est réalisé dans le seul but de servir de modèle et ne sera jamais utilisé. Il est conservé au Musée du Palais à Beijing. Les copies sont réalisées en divers formats plus petits en utilisant les meilleurs jades.

Le plus grand des sceaux utilisés par Taishang Huang mesure 13 cm de côté. Il a été ciselé dans un roc de jade vert du Khotan au motif de deux dragons adossés. Il est encore accompagné de son socle en zitan d'origine mais sa boîte a été perdue. Cette pièce prestigieuse est estimée HK$ 80M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 3304. Je vous invite à regarder ci-dessous la vidéo partagée par la maison de ventes.

Rappelons trois résultats incluant premium obtenus par Sotheby's. Un sceau Xintian Shuren de Qianlong mesurant également 13 cm de côté a été vendu pour HK$ 120M le 7 octobre 2010. Un sceau cylindrique Bingchen en jade blanc a été vendu pour HK$ 96M le 8 avril 2010. Un petit sceau Taishang Huandi agrémenté d'un poème expliquant l'abdication a été vendu pour HK$ 64,5M le 8 avril 2011.

17 sept. 2016

Poésie sous la Lune

Zao Wou-Ki n'est pas un poète comme les autres. Il ne s'exprime pas par les mots mais par la peinture. Dès son arrivée à Paris il cherche la quintessence des thèmes figuratifs, associés à une proto-calligraphie qui mêle l'Occident et l'Orient en suivant à la fois l'écriture automatique de Michaux et le mystère des Oracle bones de l'ancienne Chine.

Exprimant l'harmonie des ombres entre le jour et la nuit, Vert émeraude est un de ses premiers exemples d'art sans élément figuratif. Peinte en 1950, cette huile sur toile a été vendue pour HK$ 70M incluant premium par Christie's le 28 mai 2016.

Le poète opère ensuite plus systématiquement un glissement continu vers l'abstraction. Il ne voit plus les bateaux et les arbres évanescents dans la brume. Il voit la pluie, le vent, le gel, la lumière, tous ces éléments sans forme propre qui créent l'atmosphère et la poésie de notre planète. Sa couleur est devenue un intercesseur entre le spectateur et le monde et sa pseudo-calligraphie ne sera bientôt plus nécessaire.

Le 2 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend Paysage dans la Lune, huile sur toile 117 x 88 cm réalisée pendant l'hiver 1954-1955, terminée en janvier 1955, lot 1017 estimé HK$ 40M.

Le titre est trompeur, sans doute involontairement, avec son allusion extra-terrestre. Le thème est l'ambiance d'un clair de lune par une belle nuit glaciale d'hiver, avec une opposition entre les masses sombres du premier plan qui peuvent encore être la silhouette des arbres et l'explosion de lumière du reste de la surface accentuée par un mouvement ascendant de la pseudo-calligraphie.

Panneaux Impériaux en Zitan

Le zitan également appelé bois de santal rouge est le bois d'un arbre de 8 mètres de haut originaire de l'Inde. Son extrême dureté est propice à la sculpture en haut relief et sa couleur très sombre est somptueuse. Les empereurs de Chine l'ont utilisé sans parcimonie pour les panneaux décoratifs du palais.

Au temps de l'empereur Qianlong qui en était friand, le risque d'extinction de l'espèce occasionna une attention spécifique apportée à l'approvisionnement des nouveaux bois et à la préservation des meubles et décors précédemment réalisés.

Un grand cabinet 242 x 208 x 53 cm dont la façade inclut quatre hauts panneaux entièrement en zitan a été vendu pour € 2,53M incluant premium par Sotheby's le 15 décembre 2011. En poussant ce meuble jusqu'à ce prix, les connaisseurs avaient reconnu que les scènes des quatre panneaux formaient un ensemble parfaitement cohérent. Ce cabinet est estimé HK$ 30M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 3303.

La dense iconographie est dominée par deux dragons sur chaque panneau. L'âge et l'attitude varient mais tous ces dragons sont impériaux. Les plus anciens enseignent aux jeunes la navigation dans les nuages et la poursuite de la perle sacrée. Des symboles moins virils avec fleurs et de poissons adoucissent et complexifient la scène.

Ce thème foisonnant de l'empereur protégeant la famille impériale est typique du règne de Qianlong. La profondeur de la ciselure et les figures des dragons sont similaires à celles de son trône en zitan vendu pour HK$ 85,8M incluant premium par Sotheby's le 8 octobre 2009.

Une paire de cabinets de dimension exceptionnelle, 3,25m de haut, décorée de dragons et de lotus, a été vendue pour RMB yuan 93M incluant premium par Poly le 4 juin 2013.

14 sept. 2016

Les Dieux Grecs pervertissent la Sicile

La ville de Naxos sur la côte Est de la Sicile à proximité de Catane était la plus ancienne colonie grecque de Sicile, anticipant Syracuse, et avait tiré son nom de l'île Cycladique avec laquelle il ne faut pas la confondre. Elle fut aussi une des toutes premières villes occidentales à développer une monnaie ciselée sur les deux faces.

Naxos et Catane sont vidées de leurs habitants il y a environ 2490 ans par les tyrans de Syracuse mais les rapports de force changent une nouvelle fois à la suite de rebellions et la liberté est retrouvée il y a 2476 ans, 460 ans avant l'origine de notre calendrier.

Un tétradrachme est émis à Naxos en Sicile à ce moment précis, certainement pour célébrer la fin de l'exil. Son image truculente de dieux grecs est un chef d'oeuvre de la monnaie antique sans être toutefois un renouvellement artistique. On suppose que le même artiste avait réalisé précédemment un tétradrachme pour Aetna (Aitna) qui était le nom de Catane pendant l'occupation Syracusaine.

Sur une face le portrait de Dionysus en pleine surface est remarquablement bien proportionné pour l'époque avec une barbe épaisse et un petit sourire peut-être vicieux. Il porte une couronne de feuilles de lierre. Sur l'autre face l'invitation à la débauche est pire encore ! Silène est accroupi, nu, vigoureusement musclé et ithyphallique. Le buste déséquilibré par l'ivresse, il inspecte la coupe qui contient son breuvage.

Une pièce restée en excellent état a été vendue pour £ 320K hors frais par Morton and Eden le 23 avril 2012. Elle est estimée CHF 500K par Numismatica Ars Classica à vendre à Zurich le 6 octobre,  lot 1019 dans le catalogue partagé par la plate-forme d'enchères Sixbid.

Le Cercle Vert

Utilisée depuis plusieurs milliers d'années dans la joaillerie Chinoise, la jadéite a la réputation de protéger la pureté et la vertu. Sa couleur est vert émeraude. Elle est un des éléments précieux qui émanent de la création du monde. Dans la même mythologie le cercle du ciel est un symbole des principes éternels.

La légende attribue le premier usage d'un bracelet de jadéite à la consorte d'un empereur Tang. La recherche de la perfection implique que la pièce de jade soit monolithique. La difficulté de réalisation est extrême car la taille ne doit pas révéler des fissures de la pierre ni des pertes locales de couleur ou de transparence.

Les Qing ont encouragé le travail de la jadéite sous forme de perles qui seront assemblées en collier, et sous forme de bracelets. Dans les deux cas, la perte de matière est très importante avant d'obtenir la perfection de la pièce finale.

La collection de bijoux de Barbara Hutton, dispersée par Sotheby's le 16 novembre 1988, était fabuleuse. Son collier assemblé par Cartier en 1933 était composé de 27 perles d'une homogénéité parfaite. Il a été vendu pour HK$ 15,6M en 1988 par Sotheby's et pour HK$ 214M incluant premium le 7 avril 2014, également par Sotheby's. La vente Hutton de 1988 incluait également un anneau incisé d'un motif de corde torsadée, vendu pour HK$ 7M incluant premium.

Un anneau ovale de surface lisse en jadéite de 55 à 47 mm de diamètre intérieur et 13,4 mm d'épaisseur a été vendu pour HK$ 44M incluant premium le 7 avril 2014 (même vente que ci-dessus).

Le 4 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend un anneau également lisse qui a la particularité sensationnelle d'être un cercle parfait : 56 mm de diamètre intérieur et 10,6 mm d'épaisseur tout autour de la circonférence. Sa couleur est intense et sa transparence est excellente. Ce bijou parfait dans sa catégorie est estimé HK$ 50M, lot 1790.

Il n'est pas daté par la maison de ventes mais une réalisation à l'époque de l'empereur Qianlong est plausible du fait de l'exigence extrême de savoir faire qui n'a pas pu être maintenue par la suite.

Le Brave Henry

Henry Aaron surnommé Hank fut un des meilleurs joueurs de baseball, avec une réussite et une longévité de carrière remarquables. Il sera un des athlètes Africains-Américains les plus admirés de Jean-Michel Basquiat.

Malgré l'avancée exceptionnelle de Jackie Robinson en Major League en 1947, les débuts de cet athlète tranquille né en Alabama sont assombris par le racisme et la ségrégation. Jouant comme outfielder, ses résultats en Negro League en 1952 et 1953 avec les Indianapolis Clowns sont exceptionnels.

Henry entre en Major League en 1954 avec les Milwaukee Braves. Topps édite sa rookie card sous le numéro 128, avec une photo particulièrement réussie. Le garçon est gentil. Le dos de la carte renforce cette impression en montrant le joueur offrant à ses amis ses trophées de Minor League. On remarquera sur cet exemple la parfaite impartialité de Topps par rapport aux questions raciales.

1954-128 n'est pas rare en état parfait et pour cette raison les prix aux enchères n'ont pas encore atteint les sommets mérités par la gloire ultérieure de ce rookie. PSA a enregistré 2 cartes en condition Gem Mint 10 et pas moins de 22 cartes en condition Mint 9. Les prix montent cependant, suivant la logique du reste de ce marché.

Une des deux cartes PSA 10 a été vendue pour $ 360K par SCP Auctions en mai 2012.

Deux PSA 9 ont déjà été vendues en 2016 : $ 192K incluant premium par Mile High Card Company le 22 janvier et $ 360K incluant premium par Heritage le 28 août. La carte vendue en janvier était restée très en-dessous du price guide actuel de la PSA. Elle revient dans la vente en ligne de Goldin Auctions se terminant le 1er octobre, lot 28.

11 sept. 2016

Amour, Harmonie et Velouté

Dans l'antiquité les saphirs bleus offraient les meilleurs auspices. Ils promettaient l'amour, l'harmonie, la vérité et la sincérité et protégeaient contre l'envie et la malfaisance. Pourtant nos anciens ignoraient le plus beau d'entre eux, le saphir velouté du Cachemire, découvert après 1881 dans un filon qui sera épuisé avant 1888.

Du point de vue minéralogique et optique, le saphir velouté du Cachemire est une pierre exceptionnelle, acceptant tous les éclairages. Un faible nombre d'inclusions génère sa couleur qui est répartie dans tout le volume du cristal, donnant l'illusion que le saphir est illuminé de l'intérieur.

Les pierres issues de ce filon ont généralement une très grande pureté par-delà les inclusions qui génèrent la coloration. Elles sont à la fois saturées et transparentes avec une homogénéité spectaculaire autour du bleu roi. Elles rivalisent en beauté avec les diamants bleus et roses et avec les rubis du Mogok.

Deux des plus beaux saphirs vendus par Sotheby's ont été précédemment discutés dans cette chronique. L'un d'eux pesant 28,18 carats a été vendu pour $ 5,1M incluant premium le 29 avril 2014. et l'autre pesant 27,68 carats pour HK$ 52M incluant premium le 7 octobre 2015. Ils étaient tous deux de taille émeraude dans un entourage quelque peu encombrant de diamants blancs.

Le 4 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend un saphir de qualité similaire, lot 1799 estimé HK$ 30M. Pesant 20,22 carats, il est certes plus petit que les deux prestigieux exemples ci-dessus mais sa taille ovale est superbe et parfaitement mise en valeur par son assemblage sur une bague entre deux diamants triangulaires. Il a été nommé The Pride of Kashmir.

Je vous invite à admirer ce saphir dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

Indifférence

Edvard Munch exprime dans son art ses propres tourments mystiques et psychologiques ou même psychiatriques. A Paris puis à Berlin il peint la difficulté de communication. Le Cri est son plus fort message parce que le hurlement ne trouve pas d'auditeur malgré le petit groupe au loin.

La mélancolie et le silence sont parmi ses thèmes préférés. La Jeune Femme sur la Plage et Deux Etres Solitaires doivent être analysés ensemble et ont sans doute été conçus simultanément par l'artiste. La grande femme blonde en robe blanche est la même dans les deux scènes. En regardant l'océan, elle tourne le dos à l'artiste, au spectateur et à la vie.

Dans l'autre version un homme est arrivé par derrière, vêtu de sombre. Il baisse la tête sans regarder la femme. Ces deux êtres humains sont physiquement proches et psychologiquement indifférents l'un à l'autre.

A partir de 1894, Munch utilise la gravure pour divulguer sa détresse. Les techniques de mise en couleurs sont très variées. Il les essaye toutes avec une grande habileté technique. Une très rare aquatinte et pointe sèche 29 x 22 cm de la Jeune femme sur la plage, terminée en 1896, a été vendue pour £ 2,13M incluant premium par Christie's le 20 mars 2013.

En 1899 et 1917, l'artiste utilise la gravure sur bois pour rééditer les Deux êtres solitaires. Différents états permettent une vision plus ou moins figurative du sol, de l'océan et de l'horizon. Les teintes deviennent plus douces, montrant à la fois l'absence de conflit de cette scène paisible et l'impossibilité de communication.

Le 27 septembre à Londres, Sotheby's vend une épreuve 39 x 55 cm des Deux êtres solitaires, probablement terminée vers 1917, lot 141 estimé £ 400K. L'artiste ou son imprimeur a utilisé deux techniques : un monotype au pochoir est utilisé pour relier le sol entre les deux personnages, appuyant le fait qu'ils vivent dans le même espace au même moment. Le reste de l'image est imprimé par trois blocs de bois. L'environnement est devenu abstrait.

Les Coquillages d'Henrietta Shore

De 1923 à 1927 deux photographes sillonnent le Mexique. Ils n'ont pas les mêmes envies et leur séparation est inévitable. Tina Modotti milite pour la révolution et Edward Weston regarde le corps nu des femmes.

Revenu en Californie, Edward trouve une nouvelle muse. Il montre ses dernières photos à Henrietta Shore qui le rabroue : tu fais trop de nus. Dans une approche qui n'est pas sans évoquer les fleurs de Georgia O'Keeffe à l'autre bout des Etats-Unis, Henrietta trouve érotisme et mysticisme dans les formes voluptueuses de la nature.

Edward est convaincu. Henrietta le laisse manipuler sa collection de coquillages. Sa série de 14 négatifs de portraits de coquilles vides sur fond noir réalisée par Weston en 1927 est un chef d'oeuvre de la photographie d'art.

Edward est conscient de sa réussite et réalise de nombreux tirages positifs dans la même année. Le nautile est son image préférée. Il est un très grand photographe qui ne conservait pas les tirages imparfaits. Deux tirages de cette photo célèbre ont obtenu un prix presque identique chez Sotheby's : 1,1M incluant premium le 15 octobre 2007, 1,08M incluant premium le 13 avril 2010.

L'image la plus rare est celle du sixième négatif. Un seul tirage positif ancien reste en mains privées. Réalisé en 1927 sur papier mat en format 18 x 24 cm, il est estimé $ 400K à vendre par Christie's à New York le 4 octobre, lot 15.

Les photos de poivrons réalisés par Edward Weston en 1930 suivent une intention similaire.

10 sept. 2016

Un Jour dans la Vie de Gilbert et George

Gilbert et George forment un duo indissociable comme Castor et Pollux ou Laurel et Hardy. Chaque homme joue de son attirance pour son partenaire mais ils maintiennent l'ambiguïté de leur couple en évitant soigneusement d'admettre une relation sexuelle.

Ils étaient étudiants en sculpture quand ils ont déclaré que chacun d'eux étaient une oeuvre d'art pour l'autre. Ils en ont apporté la preuve en organisant des happenings où ils buvaient du gin. Leur message est socialement décalé et leur strict costume de ville enveloppe leur vraie personnalité d'un mystère indéchiffrable. La photographie, complément nécessaire aux happenings, est devenue leur activité principale.

L'un d'eux a expliqué que le travail à deux permettait d'effacer l'inhibition (self doubt) de l'individu. L'autre aurait pu déclarer la même chose. Ils suivent l'exemple de Flaubert ou de Magritte selon lesquels la force et l'originalité du message peuvent prendre à contre-pied une apparence bourgeoise banale.

Gilbert et George divisent la figuration en éléments qu'ils assemblent dans un cadre d'artiste. Le 5 octobre à New York, Phillips vend Day, réalisé en 1978, lot 16 estimé $ 600K.

Day est composé de seize panneaux 50 x 40 cm pour une dimension totale de 200 x 160 cm. Les images constituent deux registres troublants questionnant la signification de la vie quotidienne. Les quatre personnages du haut ne sont pas identifiables et leur activité n'est pas expliquée. Deux d'entre eux dorment par terre. Le bas est un double selfie coloré à la main en un rouge intense.

Day avait été vendu pour $ 276K incluant premium par Christie's le 14 mai 2003.

Bardot par Alexandre

Brigitte Bardot, Alexandre "de Paris" et Richard Avedon sont des artistes, chacun dans leur spécialité. Leur vision se rejoint : révéler la personnalité derrière le rôle.

En 1959, Brigitte Bardot est dans la perfection de ses 25 ans. Depuis trois ans, elle est la femme idéale et la bombe sexuelle des écrans de cinéma, offerte par Vadim comme une création divine.

Alexandre est le plus célèbre des coiffeurs. Il collabore avec les grands couturiers pour donner de la femme l'image de la plus haute élégance. A cette époque où les images se répandent partout dans le monde entier par les magazines et la télévision, ses réussites sont spectaculaires. Les reines et les stars exigent d'être coiffées par le maître.

Richard Avedon est directeur de la photographie pour Harper's Bazaar. En apportant une attention sans précédent à la personnalité des modèles, il a transformé pour toujours la photo de mode. Les vedettes de cinéma sont les meilleurs incitateurs des changements des modes et sont à leur tour photographiées par Avedon.

Avedon prépare son premier livre, intitulé Observations, qui est un recueil de portraits de célébrités. Il est un perfectionniste du tirage photographique. Il reconnaît que son portrait de Bardot coiffée par Alexandre est une de ses meilleures photos. La mode féminine est aux chevelures épaisses. En accentuant les ondulations sans masquer le visage, Alexandre exacerbe la beauté de l'actrice. Avedon enjolive le travail d'Alexandre avec la lumière et l'ombre. Brigitte attend, tête haute et regard direct.

Ce portrait est publié dans le magazine et dans le livre, et plus tard édité en 35 exemplaires 59 x 51 cm. L'un d'eux est estimé $ 220K à vendre par Phillips à New York le 5 octobre, lot 20.


7 sept. 2016

Jumbo Wagner

La carte de baseball Jumbo Wagner a des caractéristiques uniques pour son type qui est par ailleurs le plus rare de la série codifiée T206 éditée en 1909 par l'American Tobacco Company.

Jumbo est un terme introduit vers 1970 pour désigner les timbres avec des marges plus grandes que la moyenne tout en maintenant un excellent centrage. L'origine involontaire est due aux aléas de positionnement des roulettes de perforation. Les philatélistes aiment ces pièces pour lesquelles les marges ont assuré une protection additionnelle de l'image contre les accidents et les souillures et améliorent l'aspect visuel.

On ne saura sans doute jamais pourquoi une T206 Wagner a une caractéristique Jumbo. La feuille à couper avait des images adjacentes d'autres joueurs. Les bords parfaitement nets et parallèles rendent peu plausible l'hypothèse d'un accident de coupe. J'imagine qu'un fan de Honus Wagner a coupé cette feuille avec une attention particulière pour obtenir une image mieux cadrée de son champion au détriment du reste de la feuille. Wagner, incontestablement un des plus grands joueurs de baseball du début du XXème siècle, sera un des cinq premiers élus au Baseball Hall of Fame.

Cette carte a fait surface au début des années 1970 dans une collection où elle était conservée avec d'autres T206 par son premier propriétaire, accréditant l'hypothèse selon laquelle sa coupe Jumbo est contemporaine de l'impression.

La Jumbo Wagner est gradée EX5 (MC) par PSA. L'état général est excellent (EX) malgré des coins faibles et le petit désagrément de l'influence de l'image du dessous au niveau de la tranche inférieure. L'image du joueur est restée à l'état neuf avec des couleurs parfaites (MC).

Les prix montent considérablement pour les meilleures cartes de sport Américaines. La Jumbo Wagner a été vendue pour $ 1,68M incluant premium par Mastro Auctions le 1er août 2008 puis pour $ 2,1M incluant premium par Goldin le 29 mars 2013. Elle est estimée $ 5M par Goldin dans une vente en ligne qui se termine le 1er octobre, lot 1.

Dans mon article introduisant la Jumbo Wagner avant la vente de 2013, j'avais signalé que le plus haut prix enregistré sur une T206 Wagner en vente privée, $ 2,8M, avait été payé en 2007 sur une carte gradée PSA 8 qui avait été plus tard suspectée d'avoir été reconstruite.

4 sept. 2016

Hareng et Tabac

Né à Berchem près d'Anvers, Pieter Claesz a peut-être été influencé dans sa formation artistique par Osias Beert et Clara Peeters. Il s'établit à Haarlem au début des années 1620, à l'époque où Ampzing promeut un purisme protestant dans l'art, la littérature et le mode de vie.

En plaçant sur la table des objets d'usage éphémère sans aucune identification de la personne qui les utilisera, Claesz est un peintre de vanités. Ses thèmes sont classiquement divisés en trois catégories : le ontbijtgens avec les éléments du petit déjeuner, le banketgens pour un repas plus plantureux et le toebaackjes avec les accessoires du fumeur.

Dans ces vues d'intérieurs, l'artiste renforce l'austérité par une stricte application de la géométrie des ombres et par des couleurs ternes et peu variées. Cette tendance qui plaît certainement à Ampzing devient plus systématique en 1627. Dans la même ville, Heda réalise au même moment des compositions similaires.

Le 23 septembre à Zurich, Koller vend une huile sur panneau 50 x 75 cm peinte par Claesz en 1627, lot 3046 estimé CHF 500K. Cette composition avec de nombreux objets est à la fois un ontbijtgens et un toebaackjes. Le hareng tranché en rondelles et le verre de bière attendent depuis près de quatre siècles leur éventuel consommateur.

3 sept. 2016

Tout sur la Vénerie

Au temps des incunables, les livres propagent à un public élargi les éléments fondamentaux de la connaissance. Au siècle suivant les spécialités sont traitées avec une description méticuleuse qui peut inclure le pittoresque mais exclut résolument la fantaisie.

La vénerie ou chasse à courre est un sport sans compétition, pratiqué par les aristocrates. Ce n'est ni un art ni une science et pourtant le livre publié en 1561 par Jaques du Fouilloux a toutes les qualités et la rigueur d'un traité scientifique.

La Vénerie par Du Fouilloux est structurée en une séquence logique et cohérente de 63 chapitres accompagnés d'illustrations explicatives. 

La réussite de la chasse dépend de la compétence du veneur à communiquer avec la meute de chiens, à mener son cheval, à connaître les habitudes et même les ruses des animaux ciblés. Ce livre fournit les informations détaillées et les recommandations de l'auteur, possédant une maîtrise totale de son sujet.

Le lecteur apprend d'abord les qualités des différentes races de chiens puis comment choisir la lyce, c'est-à-dire la chienne de meute qui procréera, puis comment optimiser l'entraînement des chiots. Les sections suivantes détaillent les stratégies de chasse concernant le cerf et le sanglier et, plus brièvement, le lièvre, le renard et le blaireau. Un additif inclus dès l'édition originale indique comment guérir les maladies des chiens.

Certains endroits du livre sont réservés afin de coller la transcription musicale imprimée séparément des tons de chasse, incluant aussi le "huchement" des bergères, un terme bien oublié dans la langue française d'aujourd'hui qui désignait l'appel sonore des animaux.

La vénerie était à la mode au temps de Charles IX et le livre de Du Fouilloux a connu le succès qu'il méritait. Quatre siècles et demi plus tard il reste le modèle parfait pour les traités de chasse.

Un exemplaire de l'édition originale en petit in-folio 27 x 20 cm est estimé € 100K à vendre par Sotheby's à Paris le 5 octobre, lot 71.

Les Plaisirs de la Chasse

La personnalité flamboyante de Gaston III, comte de Foix et vicomte de Béarn, donne une version réelle du chevalier médiéval idéal. Il règne sans partage dans ses montagnes, joue de la rivalité entre français et anglais pour renforcer son autonomie et fait la guerre à ses voisins avec vaillance et ruse.

Gaston est le roi soleil de son temps et se fait surnommer Febus, qui sera ré-orthographié Phebus à la Renaissance. Il aime les plaisirs et les femmes et compose des poèmes. Le commentaire du chroniqueur Froissart qui lui rend visite à Orthez en 1388 ou 1389 est extrêmement laudatif.

Gaston Febus est un grand chasseur. En 1387 et 1388 il compose en français un des tout premiers livres spécialisés sur ce thème, pour perpétuer et partager sa passion et sa technique.

L'édition princeps du livre de Gaston Phebus est réalisée vers 1507 à Paris par le très actif libraire Antoine Vérard sous le titre "Des deduiz de la chasse des bestes sauvaiges et des oyseaux de proye". L'éditeur y a joint un très long poème anonyme de chasse intitulé "Roman des oyseaux" identifié plus tard comme l'oeuvre composée après 1359 par Gace de la Bigne à la demande du roi Jean le Bon. "Déduits" est un mot désuet qui signifiait "plaisirs".

Cet in-quarto 23 x 17 cm est illustré d'environ 50 figures d'animaux et de scènes de chasse en gravure sur bois. Certaines figures ont été réutilisées par Vérard à partir d'ouvrages précédents et n'ont donc aucun lien avec les manuscrits enluminés du livre. Le texte est imprimé sur deux colonnes.

Un exemplaire de cette édition est estimé € 150K à vendre par Sotheby's à Paris le 5 octobre, lot 212.