31 oct. 2016

La Vie sur les Grands Boulevards

Jean Dubuffet déclare qu'on attend d'un artiste qu'il ne refasse pas ce qui a été fait précédemment par d'autres. Son propre style et ses thèmes sont hautement originaux et atteignent leur apogée en 1961 quand il redécouvre Paris après un séjour de quelques années en province.

Cette série est intitulée Paris-Circus, où circus n'a pas le sens d'un spectacle mais plutôt d'une activité frénétique. Dans un environnement de couleurs exubérantes, les gens sont ternes, sans personnalité propre, chacun dans sa case comme dans un jeu de l'oie et ils ne communiquent pas. Le dessin est faussement naïf.

Paris Polka évoque les cabarets et les plaisirs. Cette huile sur toile 190 x 220 cm a été vendue pour $ 25M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015.

L'humour revient encore plus acerbe dans Les Grandes Artères, huile sur toile 114 x 146 cm à vendre par Christie's à New York le 15 novembre, lot 17 A estimé $ 15M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La composition en trois registres parallèles montre successivement la chaussée, le trottoir et le dense tissu urbain composé de boutiques et d'immeubles.

Au premier plan, chaque conducteur est seul dans sa voiture, coincé dans un embouteillage et coincé dans son attitude. La figuration puérile est renforcé par l'identification de la marque du véhicule et de la plaque d'immatriculation.

Les titres des boutiques permettent d'innombrables jeux de mots. Leur identification souvent incongrue rappelle que la ville est une menace pour l'individu : L'issue fatale, Faillite, Fruits et légumes du désespoir. La poésie n'est pas absente : Fin de saison rime avec Salaisons. L'artiste ajoute ses recommendations : Buvez froid, Urinez souvent.

Retour au Yorkshire

David Hockney partage sa vie entre l'Angleterre et la Californie. Il a commencé sa carrière artistique à l'époque du Pop Art et montré les résidences privées de Los Angeles, leurs piscines et leurs propriétaires.

Il est un photographe insatisfait. L'objectif grand-angulaire déforme la réalité et casse la grandeur d'un paysage. Il reconstitue sa perception émotionnelle avec des photomontages constitués de multiples éléments.

En 2005 Hockney retrouve ses souvenirs d'enfance dans l'East Yorkshire, une région rurale peu altérée par le modernisme. Il réexamine Constable et Monet. Pendant près de quatre ans, il pose son chevalet à une croisée de routes et observe les variations des saisons. Cette série de peintures de Woldgate Woods inclut neuf oeuvres chacune constituée de deux rangées de trois panneaux.

Le 17 novembre à New York, Sotheby's vend la scène d'automne d'octobre 2006, assemblage d'huiles sur toile de dimension totale 183 x 366 cm, lot 43 estimé $ 9M.

Ce nouveau style de l'artiste culmine en 2007 avec le monumental Bigger Trees near Warter, également dans le Yorkshire, mesurant 457 x 1219 cm en 50 panneaux.

Ces reconstructions murales gigantesques d'un paysage vu comme au travers d'une fenêtre dans une salle d'exposition plaisent au public. Une montagne enneigée 300 x 873 cm peinte en 2013 en huit panneaux par Cui Ruzhuo a été vendu pour HK$ 306M incluant premium par Poly le 4 avril 2016.

Le Second Exil de Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky quitte Moscou en 1921 quand les Soviétiques menacent d'interdire l'art abstrait. Il quitte Berlin en 1933 quand les Nazis ferment le Bauhaus et arrive à Paris où il est aidé par Duchamp.

Kandinsky aime la lumière et le climat de Paris. Il n'a plus de responsabilité d'enseignement et se sent libre malgré la pesanteur croissante des totalitarismes. Il introduit la courbe, ou plus exactement la projection d'un ruban souple, dans son vocabulaire pictural et laisse réapparaître des symboles figuratifs.

Rigide et courbé est peint en décembre 1935 avec sa nouvelle technique où il modifie la texture en mêlant du sable avec l'huile. Cette technique mixte sur toile 114 x 162 cm est estimée $ 18M à vendre par Christie's à New York le 16 novembre, lot 18 B.

'Courbé' est la bande centrale, assortie d'un rythme musical. Dans sa souplesse elle exprime avec un nouvel optimisme les aléas du destin. Cette figure est flanquée d'un renflement et complétée à son extrémité droite par la paire de cornes d'un bovin. Son interprétation comme le thème de l'enlèvement d'Europe est plausible et séduisante. A la même époque Picasso s'identifie avec le Minotaure.

'Rigide' est le totalitarisme réduit à un groupe de gratte-ciel d'où s'échappe cependant un signe de vie qui est une branche feuillue ou peut-être un foetus. L'année suivante dans sa Composition n°9, les symboles de vie deviennent dominants et le thème du foetus est confirmé à plusieurs endroits soit par une figuration explicite soit par l'addition de cordons ombilicaux.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's :

30 oct. 2016

Contemplation à Long Island

Willem de Kooning était un amateur de femmes et un buveur excessif. Sa carrière d'artiste est inégale, marquée par des renoncements et des redémarrages. La beauté de Long Island lui offre une rédemption tardive à plus de 70 ans.

En 1958 de Kooning achète un bout de terrain à Springs, deux ans après la mort de Pollock qui avait eu son atelier dans le même village où il s'imprégnait de la nature richement colorée face à la mer. Il fallut 17 ans à de Kooning pour démarrer une créativité d'inspiration similaire.

En 1975 le vieil artiste est heureux. Son art est reconnu. Il est satisfait de sa très jeune amie Mimi Kilgore. Sa femme Elaine dont il n'avait jamais divorcé revient vers lui l'année suivante. Il prend enfin le temps de contempler la nature par des observations de très longue durée qui se terminent par une ruée soudaine sur sa toile, ses couleurs et ses pinceaux.

Les couleurs vives qui couvrent toute la surface de la toile n'ont rien de spontané. Elles sont faites de couches mixtes variant de l'impasto à la peinture coulante. L'artiste visionnaire sait à l'avance quel résultat il veut obtenir et n'a aucun doute qu'il y parviendra. Une fois le travail fini il considère que ce qu'il a fait est impossible à refaire. Et il recommence avec une autre toile.

Toutes ces peintures sans titre sont différentes parce qu'elles sont basées sur des contemplations différentes. Parfois une figure est révélée au-delà de l'abstraction par une observation attentive. Pollock aussi se fâchait quand son art était considéré comme abstrait.

Cette nouvelle créativité de de Kooning atteint sa maturité en 1977 et sera suivie aussitôt de l'inévitable rechute. Untitled XXV, huile sur toile 196 x 224 cm peinte en 1977, a été vendue pour $ 27M par Christie's à New York le 15 novembre 2006. Elle revient dans la même salle de ventes le 15 novembre 2016, exactement dix ans plus tard, lot 8 A. Le communiqué de presse du 29 septembre annonce une estimation autour de $ 40M.

Combat pour un Art Nouveau

Pendant la guerre Gerhard Richter est un gamin de Dresde. Il admire les exploits des soldats. L'un d'eux le ramène à la raison : tout ce qu'il mérite est une bonne fessée.

Les années passent. L'Allemagne est un enjeu majeur de la guerre froide. Richter passe à l'ouest en 1961, deux mois avant la construction du mur de Berlin. Avec ses amis de la Kunstakademie Düsseldorf il veut un art nouveau qui exprime leur temps, sans héritage des styles picturaux du passé. Ces jeunes gens conçoivent le Réalisme capitaliste. Tout un programme !

Richter considère que la réalité est dans la photographie parce qu'elle fige un instant. Le message est plus fort si l'image est médiocre. Quand il copie ces banalités à l'huile sur des toiles de grand format, il respecte la grisaille ou la pauvreté des couleurs de la photographie originale. Il brouille les lignes dans la phase d'achèvement de l'oeuvre pour que le détail ne vienne pas perturber l'effet global.

Il réalise ses deux premières peintures sur l'aviation militaire en 1963. Bomber montre une escadrille Américaine larguant des bombes pendant la seconde guerre mondiale. Düsenjäger, signifiant jet de combat, est le premier avion militaire autorisé en République Fédérale avec le support de l'OTAN.

Düsenjäger est énorme. L'avion est en plein vol au-dessus d'un horizon quelconque. Le flou donne une illusion de vitesse et les couleurs sont laides. La photo d'origine est ratée : l'avant de l'appareil est déjà hors du cadre : il allait trop vite.

L'artiste a souvent commenté son art. Il ne veut pas être un politicien ni un anti-militariste. La juxtaposition de Bomber et de Düsenjäger est édifiante. Düsenjäger est certainement nécessaire à l'équilibre militaire. Cette machine terrifiante montre cependant qu'aucun progrès social n'a été fait après la seconde guerre mondiale : en 1963 le monde attend le conflit international qui suivra la guerre froide. Bomber et Düsenjäger sont le Guernica de Gerhard Richter.

Düsenjäger, huile sur toile 130 x 200 cm, a été vendue pour $ 11,2M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2007. Elle est estimée $ 25M à vendre par Phillips à New York le 16 novembre, lot 7.

29 oct. 2016

Les Enfers d'August Strindberg

August Strindberg était un illuminé qui pensait être guidé par des forces mystérieuses pour transmettre un message important au monde. Il ne pouvait pas se passer des très jeunes femmes mais ses trois mariages ont été éphémères.

Dans les périodes d'extrême tension de sa création dramatique Strindberg cessait soudain d'écrire et trouvait refuge dans une peinture étalée à grands coups de couteau, laissant libre cours à l'automatisme de ses pulsions.

1894 est une année terrible. Sa deuxième femme est enceinte et ils attendent ensemble dans une cabane des Alpes. Les relations du couple sont de plus en plus difficiles. Strindberg peint des paysages dans lesquels les détails topographiques sont absents et l'épaisseur de la peinture efface la séparation entre la montagne et le ciel d'orage.

Alplandskap, huile sur panneau 72 x 51 cm peinte en 1894, a été vendue pour £ 2,1M incluant premium par Sotheby's le 27 juin 2007. Pendant le même séjour, Wonderland montre la sortie des enfers, aveuglante et non atteignable par un voyageur éventuel bloqué dans l'ombre. L'inspiration et l'exécution de Wonderland font de Strindberg le précurseur de l'expressionnisme abstrait. Ses écrits démontrent qu'il était conscient que son approche artistique était entièrement nouvelle.

Ecrit en 1897 au plus profond d'une de ses crises paranoïaques, un roman autobiographique intitulé Inferno décrit ses hallucinations et ses désillusions ainsi que ses remèdes dérisoires incluant l'alchimie et l'occultisme.

Une nouvelle crise conjugale majeure survient en 1901 quand Strindberg âgé de 52 ans apprend l'assassinat de son ancienne amante Dagny Juel et annule son voyage de noces avec sa troisième femme Harriet Bosse âgée de 23 ans.

Le 16 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 100 x70 cm intitulée Inferno qui est une suite directe de Wonderland et témoigne d'une nouvelle descente aux enfers. Elle est datée 1903 mais le catalogue considère qu'elle a été peinte en 1901. Elle est estimée $ 3M, lot 33 B.

Attaque dans un Miroir

Au début des années 1960, les femmes trouvent un autre rôle à leur propre corps. Partiellement ou entièrement dévoilé, il n'est plus uniquement un appel au partenaire sexuel mais un symbole d'une nouvelle liberté.

Dans cette première phase de sa carrière, Roy Lichtenstein bouleverse l'iconographie traditionnelle mais ne porte pas attention au nu. Trois décennies plus tard, il retrouve la collection de scènes de magazines sentimentaux qui lui servaient autrefois de modèles et dénude les jeunes femmes blondes dans l'ambiance intime de leur appartement moderne.

Dans son riche vocabulaire artistique Roy aime à explorer le thème du reflet qui avait inspiré avant lui Velazquez et Manet. Nudes in mirror, huile et acrylique sur toile 254 x 213 cm peinte en 1994, offre des angles troublants sans nécessiter pour autant une attitude érotique.

Le miroir occupe tout le champ de la toile et laisse voir le reflet de la jeune femme à mi-corps, bien plus grande que nature. L'artiste est un intrus car il occupait la position physique de la femme nue devant le miroir. Pour la même raison le spectateur perd sa propre identité. Une grande barre diagonale et une image secondaire pouvant être la même femme apportent une géométrie impossible digne d'Escher.

Un artiste réussit son oeuvre quand elle suscite des passions. En 2005 Nudes in mirror a été lacéré de quatre grandes entailles pendant une exposition en Autriche. La toile a été recousue. Elle est à vendre par Phillips à New York le 16 novembre, lot 15. En raison de son historique, l'estimation est difficile à établir et la maison de ventes ne la publie pas.


Les Algues Séchées d'Anna Atkins

Anna Atkins est tout d'abord une collaboratrice de son père, le naturaliste John George Children. Elle est douée pour le dessin scientifique et réalise les illustrations pour la traduction faite par son père du livre des mollusques de Lamarck.

Children est un membre éminent des sociétés savantes anglaises. Anna devient membre en 1839 de la Société Botanique de Londres créée trois ans plus tôt. Le père et la fille sont proches de John Herschel et connaissent les travaux de William Henry Fox Talbot.

A cette période les chimistes travaillent avec ardeur au développement de nouveaux procédés photographiques. Herschel invente le cyanotype en 1842. Anna décide d'utiliser cette nouvelle technique pour diffuser son alguier. Cette activité l'occupe de 1843 à 1853. Elle continue ensuite avec les fougères.

L'algue séchée a été aplatie comme pour un herbier. Anna n'a pas besoin de lentille pour réaliser ses photographies : il suffit de poser l'échantillon directement sur la surface sensible et de l'exposer à la lumière du soleil. Thomas Wedgwood avait eu une idée similaire en 1802 mais ses images disparaissaient aussitôt qu'elles étaient créées : le problème de la fixation sera résolu par Niepce dans les années 1820.

Les photos au cyanotype ont une couleur bleu cyan. Une étiquette dans l'image fournit le titre nommant chacun des 389 échantillons. La photographie conserve la dimension exacte de la préparation originale, sur une feuille 26 x 21 cm. L'opération est répétée jusqu'à obtenir le nombre d'exemplaires souhaités.

Un album de 382 cyanotypes d'algues en deux volumes par Anna Atkins a été vendu pour £ 230K incluant premium par Christie's le 19 mai 2004. Un album de 102 cyanotypes est estimé € 120K à vendre par Sotheby's à Paris le 11 novembre, lot 15.

26 oct. 2016

Une Meule en Hiver

Claude Monet n'était pas un théoricien. Il progressait en libérant son émotion. L'Impression soleil levant peinte en 1872 estompe dans la brume la réalité du paysage. Cette peinture est une intuition fulgurante et est considérée dans l'histoire de l'art comme le fondement de l'impressionnisme. Il a fallu cependant près de deux décennies pour que l'artiste franchisse un pas encore plus décisif, avec les Meules.

Il avait été très actif pendant toute cette période. Ses peintures de la Gare St Lazare en 1877 constituaient une série qui montrait les variations de couleur en fonction de l'intensité du soleil et de l'épaisseur de la fumée des trains. L'excursion solitaire en Normandie en 1882 pour se consoler de la mort de Camille est très importante : Monet se démontre à lui-même que l'éclairage est meilleur que la topographie pour exprimer une ambiance.

Quand vient la fin de l'été 1890 Monet est prêt pour une nouvelle expérience. La végétation va disparaître avec l'hiver. Comme tous les ans les meules resteront seules au milieu des champs jusqu'au battage de blé du printemps. Elles seront le support idéal pour Monet pour effectuer ses observations de couleurs par tous les temps et à toutes les heures. Cette série totalise 25 peintures.

Trois d'entre elles ont été spécifiquement groupées comme l'ultime aboutissement dans le catalogue raisonné publié par Daniel Wildenstein. Une seule meule reste visible devant un paysage escamoté. Elle est tronquée soit par le haut soit sur un bord. L'émotion de la couleur est totale avec ce support figuratif réduit à un triangle. En 1896, devant l'une de ces peintures, Kandinsky est ébloui.

Une autre de ces trois Meules, huile sur toile 73 x 92 cm peinte en 1891, référence Wildenstein 1290, a été vendue pour $ 12M incluant premium par Sotheby's le 11 mai 1999. Elle est maintenant à vendre par Christie's à New York le 16 novembre, lot 9 B. Le prix ciblé a été annoncé autour de $ 45M par la presse spécialisée. L'image est partagée par Wikimedia :

1290 Grainstack in the Sunlight, 1891, Oil on Canvas, Private Collection

23 oct. 2016

Mickey Mantle toujours plus haut

La première partie de la série de cartes de baseball publiée par Topps en 1952, numéros 1 à 310, inaugure le style moderne avec une image colorée et plaisante et une bonne information sur le joueur au dos. Topps a voulu continuer sur sa lancée mais son extension de la série, numéros 311 à 407, n'est pas sortie à temps. L'information sur les résultats des joueurs étant périmée, la distribution a été limitée et les invendus restés dans le stock de l'éditeur seront détruits en masse.

La première carte de cette seconde partie, portant le numéro 311, suscite la passion dans le hobby. Elle n'est pas la plus ancienne carte de baseball de Mickey Mantle mais peut être considérée comme sa rookie card. Son omission dans la première partie de la série Topps apparaît a posteriori comme une bourde.

Mickey Mantle est le jeune joueur emblématique du rêve Américain d'après-guerre. La possession d'une carte 1952-311 de haut grade est recommandée comme un investissement. La date de cette édition n'est pas si ancienne et nos grands-pères fouillent fiévreusement dans les boîtes à chaussures de leur jeunesse. La population des cartes gradées par PSA croît significativement : 1225 en décembre 2015, 1392 en octobre 2016.

Le plus haut point de l'échelle est occupé par 3 cartes gradées Gem Mint 10 et 6 gradées Mint 9. Le prix guide annoncé par PSA pour une MT 9 est actuellement $ 1,5M.

Le 20 février 2016 Heritage vendait pour $ 500K incluant premium une Topps 1952-311 gradée NM-MT 8 et annoncée comme meilleure que les autres cartes de son grade par la fraîcheur de ses couleurs.

Une carte avec une qualité de couleurs similaire et une remarquable absence d'usure a été apportée par un visiteur sur le stand de Heritage dans un salon spécialisé en août de cette année. Elle a été immédiatement expertisée par PSA. Gradée NM-MT+ 8.5, cette carte est estimée $ 1M à vendre par Heritage à Dallas le 17 novembre, lot 50786.

L'Imprimeur de Picasso

Dès son arrivée à Paris, Pablo Picasso avait été soutenu par Vollard. Les conditions dans lesquelles ils démarrent ensemble en 1930 le projet d'une série de gravures n'ont cependant pas été documentées. Ces cent illustrations ont été nommées la Suite Vollard après la mort accidentelle de l'éditeur survenue en 1939.

La plupart de ces images ont été préparées entre 1930 et 1934. En admirant la douce Marie-Thérèse, Pablo retrouve les élans fougueux de sa jeunesse. Loin du cubisme, les minotaures et les faunes approchent avec brutalité ou délicatesse des femmes assoupies aux rondeurs attractives. Le complément au chiffre symbolique de 100 est assuré en 1937 avec trois portraits d'Ambroise Vollard.

En cours de route avant 1934 la rencontre de Picasso avec Roger Lacourière modifie la qualité du graphisme et de l'impression. Les dessins deviennent plus riches. Picasso aime expérimenter et suit les instructions de son nouvel imprimeur qui lui apprend les possibilités variées du burin, de l'aquatinte et de la pointe sèche.

310 copies de chaque image sont effectuées incluant 50 destinées à la publication de luxe en grandes marges sur format de feuille 51 x 39 cm. Après la mort de Vollard, ce stock encore presque intact est acquis par le marchand Henri M. Petiet qui vendra de nombreuses images à l'unité. Pour cette raison les ensembles restés complets sont extrêmement rares. Picasso a signé bon nombre d'épreuves avant et après la mort de Vollard.

Voici ci-dessous trois cas de séries complètes à grandes marges de la Suite Vollard.

Un ensemble partiellement numéroté par Picasso du vivant de Vollard mais complètement signé par l'artiste a été vendu pour CHF 2,65M incluant premium par Galerie Kornfeld le 15 juin 2012.

Un ensemble acquis par Petiet et entièrement signé par Picasso a été vendu pour £ 2,65M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2013.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend la collection complète assemblée par Lacourière. L'imprimeur avait conservé des épreuves de très beau contraste réalisées avant et pendant ses propres travaux. C'est le cas rare d'un ensemble qui n'a pas été possédé par Petiet mais les planches ne sont pas signées. Il est estimé $ 2M, lot 11.

Le Ciel sur le Poignet

Le rêve des hommes de calculer la configuration du ciel avec un instrument tenu dans la main a été réalisé depuis longtemps : ce fut l'astrolabe. Depuis la fin des années 1980 Patek Philippe offre des complications de plus en plus subtiles aux amateurs de maîtrise du temps astronomique.

La montre la plus compliquée de tous les temps est la Calibre 89 avec 33 complications. Avec 22 complications, la Star Caliber 2000 est comme la Calibre 89 une montre de poche mais son développement a ouvert la voie à la plus compliquée des montres-bracelets, la Sky Moon Tourbillon 5002 produite de 2001 à 2011.

Les astronomes sont ravis : avec la 5002 ils contrôlent le temps et le ciel sur leur poignet avec pas moins de 12 complications qui incluent parmi les nouveautés le temps sidéral, le calcul rétrograde du calendrier perpétuel et le méridien de Sirius choisie parce qu'elle est l'étoile la plus brillante.

Pour éviter un affichage trop serré la 5002 est la première montre-bracelet à double cadran de Patek Philippe. Le progrès ne concerne pas seulement l'astronomie : le nouveau carillon cathédrale, plus prolongé et plus musical, enchante ses propriétaires fortunés.

L'assemblage des 686 composants mécaniques de la 5002 est d'une haute complexité. Sa moyenne de production était autour de 10 unités par an. La référence 6002 lancée en 2013 est un habillage de luxe de la 5002.

La version platine de la 5002 est référencée 5002P. L'une d'elles a été vendue pour HK$ 11,7M incluant premium par Sotheby's le 10 avril 2008. Une autre 5002P fabriquée en 2010 est estimée CHF 950K à vendre par Christie's à Genève le 14 novembre, lot 146.

22 oct. 2016

Médaille d'Argent pour le Vainqueur

Les premiers Jeux Olympiques modernes ont lieu à Athènes en 1896. En reprenant sur son propre sol une de ses plus anciennes traditions la Grèce démontre sa capacité à organiser un évènement international qui est à la fois ludique, pacifique et pédagogique. Les Jeux Olympiques d'Athènes offrent sur neuf jours 43 épreuves réparties sur neuf sports.

Les vainqueurs des épreuves antiques recevaient comme récompense une couronne d'olivier.
En 1896 le vainqueur de chaque épreuve reçoit une médaille en argent, un rameau d'olivier et un diplôme. Le second reçoit une médaille en cuivre, une branche de laurier et un diplôme.

Tout est fait pour honorer le pays organisateur : les branches ont été prélevées au Mont Olympe et la médaille d'argent montre sur une face une tête de Zeus avec une petite Victoire ailée et sur l'autre face une vue de l'Acropole et du Parthenon. Une médaille d'argent des Jeux Olympiques de 1896 est estimée $ 100K à vendre par Heritage à Dallas le 18 novembre, lot 53217.

L'enthousiasme de la foule est porté à son comble quand un humble porteur d'eau Grec nommé Spyridon Louis gagne l'épreuve emblématique de ces jeux, qui est aussi le tout premier marathon de l'histoire du sport. En plus des récompenses officielles le roi George remet à Louis une coupe en argent et un vase ancien. Le vase est aussitôt donné à un musée. La coupe a été vendue pour £ 540K incluant premium par Christie's le 18 avril 2012.

Les Jeux Olympiques suivants, à Paris en 1900, n'ont pas continué l'attribution de médailles. Les vainqueurs ont reçu des coupes et des trophées. Le système moderne, avec l'or pour le vainqueur, l'argent pour le second et le bronze pour le troisième, apparaît pour la première fois à St. Louis en 1904. Jusqu'en 1912 la médaille du vainqueur est en or massif.

Quatre Filles Loin de la Rambarde

Edvard Munch veut être l'artiste de l'existence. Sa grande frise sur la vie, l'amour et la mort l'occupe depuis 1893 mais ne calme pas l'instabilité émotionnelle de sa propre vie.

Les espoirs légitimes pour une vie heureuse aboutissent impitoyablement aux amours interdites du Vampire, à l'avortement inavoué de Madonna et à la folie ouverte du Cri. Le trait et la couleur sont d'une expressivité cinglante, après Gauguin et Van Gogh, avant Matisse, Kirchner et Kandinsky.

Ses personnages jouent la tragédie d'une solitude mentale qui n'est pas annulée par leur présence à l'intérieur ou à proximité d'un groupe. Parfois la scène est limitée sur un côté par une interminable rambarde par-dessus laquelle un ou plusieurs acteurs viendront par moment méditer en se penchant au-dessus de l'eau. Cette similitude théâtrale est le terrible point commun entre le Cri, paroxysme de la terreur, et les très paisibles Filles sur le pont.

En 1901 et 1902, Munch peint plusieurs variantes des Filles sur le pont, avec une position différente des personnages. L'une de ces oeuvres apporte un peu plus d'espérance que les autres. Loin de la rambarde suicidaire, elle montre un groupe serré de quatre dans une position respective propice à l'ouverture d'une discussion mais quand même pas à l'échange des secrets.

Cette huile sur toile 101 x 102 cm peinte en 1902 a été vendue pour $ 30,8M incluant premium par Sotheby's à New York le 7 mai 2008. Elle revient dans le même lieu de ventes le 14 novembre, lot 12. Le communiqué de presse du 21 octobre annonce une estimation au-delà de $ 50M.

21 oct. 2016

Portrait d'un Faiseur de Pluie

Le royaume du Bénin était très puissant, sous le contrôle du peuple Edo. Le titre du roi était Oba. La capitale était située dans le territoire actuel du Nigeria à 320 Km à l'est de Lagos.

La cité royale est immense avec de nombreux bâtiments. Les galeries sont couvertes de plaques rectangulaires en bronze qui remémorent les traditions et l'histoire Edo. Les noms des Oba successifs et les dates approximatives de leurs règnes ont été enregistrées et leurs têtes sculptées sont les chefs d'oeuvres de l'art Africain ancien.

Le terme de bronze attribué par les anciens explorateurs a été conservé mais est métallurgiquement incorrect. Il s'agit en fait de laiton. Les oeuvres étaient réalisées selon une technique de fonte à la cire perdue développée bien avant le premier contact avec les Portugais qui eut lieu autour de 1485. Cette remarquable découverte est la preuve d'une technologie avancée dans ce continent trop longtemps considéré comme primitif par les Chrétiens.

La production de ces images s'étend sur plus de cinq siècles. La composition de l'alliage et sa conservation ne peuvent pas être homogènes sur une aussi longue période. Le thème et le style ont cependant à peine varié : scènes de guerre, portraits de personnages de la cour. Cette extraordinaire collection native a été dispersée par une expédition punitive des anglais en 1897.

Le 24 novembre à Paris (Drouot), Binoche et Giquello vendent une plaque Edo du royaume du Bénin 47 x 21 cm dans un état superbe, lot 16 estimé € 600K. Elle est datée par le catalogue au XVIIème siècle de notre calendrier qui correspond incontestablement à un apogée de cet art. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Le personnage debout est très finement sculpté, avec la longue robe d'un prêtre faiseur de pluie et la coiffure pointue d'un membre de la famille royale. Le vêtement et le fond sont agrémentés de motifs géométriques.

Une Nouvelle Signature à Paris

Paris reste une capitale du luxe. Un nouvel atelier vient d'être créé, avec une seule spécialité : assembler des bijoux composés de diamants parfaits par leur couleur blanc Type-D, leur clarté flawless et leur symétrie.

Les diamants sont éternels et leur élégance aussi. Ces nouveaux venus renouent avec le passé en prenant le nom de Boehmer et Bassenge.

Ce double nom qui était passé dans l'oubli de l'histoire était celui des joailliers chargés par Louis XV en 1772 de créer le plus beau collier de tous les temps pour en faire cadeau à sa favorite Madame du Barry. Le collier totalisant 2840 carats a été assemblé mais n'a pas été livré en raison de la mort du roi. Il a été démantelé en 1785 dans la plus sensationnelle affaire d'escroquerie de l'Ancien Régime désignée sous le nom d'Affaire du collier de la Reine.

La nouvelle société Boehmer et Bassenge mise sur l'extrême qualité et leurs bijoux seront de la plus grande rareté. Ils ont choisi Christie's pour vendre deux de leurs tout premiers chefs d'oeuvre. La vente aux enchères a lieu à Genève le 15 novembre sans prix de réserve.

Miroir de l'Amour est une paire de boucles d'oreilles de 7 cm de long, lot 188 estimé CHF 20M. Chaque élément est composé d'un diamant de forme poire de plus de 50 carats, plus précisément 52,55 et 50,47 carats, surmonté d'une opulente grappe de plus petits diamants.

Le Jardin d'Isabelle est un collier, lot 187 estimé CHF 8M. Ce bijou est composé de deux rangs respectivement centrés sur des diamants de 31,38 carats et 12,11 carats.

20 oct. 2016

La Robe d'une Crooneuse

En 1959 Certains l'Aiment Chaud est un grand succès du cinéma. Cette comédie musicale parodie les films romantiques et les films de gangsters tout en maintenant une amusante ambiguïté masculin-féminin sur les deux acteurs vedettes du film. Le titre est une allusion aux rythmes du jazz.

Marilyn Monroe a le premier rôle féminin sans ambiguïté sur ses charmes. Elle joue le rôle d'une jeune chanteuse venue en Floride pour capter l'amour du premier milliardaire qui voudra bien d'elle. Elle n'imagine pas que deux femmes avec qui elle fait connaissance sont des hommes déguisés pour échapper à des tueurs.

Dans la salle de musique d'un yacht luxueux, Marilyn chante son désespoir d'amour avec la voix douce et convaincante d'un vrai crooner : "I'm through with love, I'll never fall again".

Elle porte pour cette scène une robe de cocktail dont le bustier est quasi transparent, ce qui est encore à cette époque en Amérique une grande audace trois ans après la révolution sexuelle opérée par Vadim avec Bardot de l'autre côté de l'Atlantique. Prudemment le cameraman n'offre cependant pas de gros plan. La robe est agrémentée de perles et de paillettes.

Comme la robe de Happy birthday Mr President trois ans plus tard cette robe serrée révèle les formes du corps. Elle ne laisse pas de liberté de mouvement et tout au long de cette scène Marilyn reste assise sur le piano.

La robe de I'm through with love est estimée $ 400K à vendre le 17 novembre par Julien's à Los Angeles, lot 40. Le catalogue en ligne inclut la vidéo de la chanson dans le film. La femme enamourée qui descend l'escalier est un des hommes déguisés.

Au plus près de Marilyn Monroe

L'anniversaire de John Kennedy est grandiose à Madison Square Garden à New York le 19 mai 1962. 15 000 amis du Président assistent à ce spectacle privé où interviennent les vedettes du music hall : Jack Benny, Ella Fitzgerald, Henry Fonda, Maria Callas et, bien sûr, Marilyn Monroe.

Marilyn a soigneusement préparé sa contribution. Les détails sont une surprise pour le Président et l'assemblée. Elle a composé toute seule le court poème 'Happy birthday Mr President' qu'elle chante à la tribune d'une voix à la fois langoureuse et essoufflée après avoir ôté son manteau.

Elle a pour cette occasion commandé à Jean Louis une robe sensationnelle comme "Marilyn seule pouvait porter". L'effet de son apparition est considérable sur ce public bienveillant. Jackie Kennedy est furieuse.

Jean Louis (Jean-Louis Berthault) travaille pour les studios de Hollywood depuis 1943. Ses créations ont poussé Rita Hayworth au rang de symbole sexuel de l'après-guerre. Il avait déjà travaillé avec Marilyn en 1961, pour The Misfits.

Marilyn aura 36 ans moins de deux semaines plus tard. Sa carrière professionnelle est à un point de non-retour. Elle est contractuellement liée avec la Fox dont les projets ne l'amusent plus. Elle ressent que son corps qui a fait sa gloire commence à s'empâter. Elle rêve de devenir une grande comédienne.

La robe réalisée par Jean Louis est l'aboutissement de la flamboyante jeunesse de Marilyn et son apothéose. La couleur du tissu est parfaitement assortie à sa peau. Le vêtement très ouvert dans le dos est moulant au point que la fermeture éclair ne fonctionne pas complètement et que le dernier point est cousu sur l'actrice. Sous les lumières de la scène les centaines de cristaux répartis sur la robe étincèlent pour cacher la nudité tout en en renforçant l'illusion.

Fin juin c'est La Dernière Séance. Photographiée pour le magazine Vogue, Marilyn montre ce corps encore jeune que la robe de Jean Louis avait caché. La cause racine de sa mort le 5 août 1962 n'est pas connue.

La robe faite par Jean Louis pour Happy Birthday est estimée $ 2M à vendre par Julien's à Los Angeles le 17 novembre, lot 84. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

19 oct. 2016

Renault Frères de A à Z

Louis Renault est un inventeur précoce. Dessinateur industriel chez Delaunay-Belleville, il consacre ses loisirs à imaginer sa propre voiture. Dans le jardin de ses parents à Boulogne-Billancourt il ajoute une quatrième roue à un tricycle à moteur De Dion-Bouton qu'il équipe d'une boîte de vitesse à prise directe sans courroie de transmission.

Cette invention est efficace : après une spectaculaire grimpée de la rue Lepic à Montmartre en décembre 1898, les demandes affluent. Louis, Marcel et Fernand fondent la société Renault Frères quelques mois plus tard.

La nouvelle marque engage ses voiturettes dans les compétitions de ville à ville. Louis s'occupe de l'ingénierie et de la production. Il est créatif et la diversification est rapide. Les nouveaux modèles sont identifiés par les lettres successives de l'alphabet. K est atteint en 1902, S en 1903 et Z en 1905. La mort de Marcel en 1903 suspend les ambitions sportives mais n'interrompt pas le développement industriel.

En 1903 une nouvelle étape est franchie avec le Type N pour lequel Renault Frères construit son propre moteur.  Les variantes N-A et N-B sont les premières de la marque à utiliser un moteur à 4 cylindres qui génère de nouvelles solutions pour le système de refroidissement et une nouvelle forme en pente du capot avant qui deviendra illustre dans l'imagerie populaire avec les Taxis de la Marne. La N-C est plus petite avec seulement deux cylindres.

Le 4 novembre à Londres, Bonhams vend une Renault N-B 14/20 CV fabriquée en 1904, lot 205 estimé £ 250K. Sa carrosserie tonneau répond parfaitement à l'usage familial pour lequel cette variante était conçue.

L'Ecriture des Sourds

En 1865 Rasmus Malling-Hansen récemment nommé pasteur devient principal de l'Institut des Sourds-Muets à Copenhague. Il y fera toute sa carrière. Educateur attentif et scrupuleux, il améliore considérablement les conditions de vie des enfants dont il a la charge.

Il considère plusieurs catégories de sourds-muets. Les enfants dont l'infirmité est totale et les débiles mentaux ont moins de chance de pouvoir mener une vie normale que ceux qui ont conservé un rudiment d'audition et pourront parler.

Le langage parlé est plus rapide que l'écriture. Malling-Hansen invente dès 1865 une boule à écriture qui compense partiellement cette différence et permet à l'élève de participer plus activement à une conversation. La forme sphérique du clavier est due au fait que chaque touche converge vers le même point du papier déroulant. L'inventeur dépose un brevet en 1870 et démarre une production en série.

Il est le pionnier incontestable dans ce domaine. Ses prédécesseurs n'avaient réalisé que des prototypes peu opérationnels. La boule à écrire de Malling-Hansen est cependant une machine complexe dont la fabrication est difficile et l'industrialisation illusoire. Malgré plusieurs récompenses dans les expositions industrielles elle ne pourra pas concurrencer le type-writer à clavier plat inventé par Sholes et Glidden, breveté en 1868 et produit par Remington à partir de 1873.

Une boule de Malling-Hansen a été vendue pour € 100K hors frais par Auction Team Breker à Cologne le 21 mai 2016. Une autre fabriquée en 1872 est vendue avec sa boîte le 5 novembre par la même maison de ventes. Elle est estimée € 70K, lot 0108 sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

18 oct. 2016

Les Chasses Impériales de Rehe

Les Chinois ont inventé la poudre mais leur utilisation régulière des armes à feu est étonnamment tardive. Quand Kangxi comprend la supériorité que le canon peut apporter à ses armées, il fait appel aux technologies Européennes complaisamment apportées à sa cour par les Jésuites.

Kangxi constitue en réserve naturelle à usage exclusif de la chasse impériale l'immense territoire de Rehe. Comme tout ce que faisait Kangxi, ce choix est judicieux. Rehe est située entre la Mandchourie d'où sont venus les Qing et la Mongolie dont l'alliance est politiquement précieuse pour la consolidation de la nouvelle dynastie.

Qianlong est comme son grand-père un chasseur passionné qui séjourne très souvent à Rehe et accueille dans sa yourte les diplomates étrangers dans une ambiance moins protocolaire que celle de Beijing. Ses amis Mongols utilisent la flèche et la lance. L'empereur sait facilement montrer sa propre supériorité : la balle de son mousquet atteint des bêtes plus éloignées. Qianlong est un habile tireur.

Le 9 novembre à Londres, Sotheby's vend un très rare mousquet à mèche portant la marque impériale de Qianlong, lot 100 estimé £ 1M, qui est très probablement le seul exemple en mains privées.

Cette arme de grand luxe a été fabriquée par les ateliers impériaux. Une identification non déchiffrée est peut-être le nom de l'armurier. Elle a été identifiée comme la meilleure de sa catégorie par une marque de contrôle la certifiant Grade Suprême Numéro 1.

Elle n'est pas datée mais pourrait avoir été créée dans les toutes dernières années du règne. Comme pour l'horlogerie, les artisans impériaux reproduisaient les techniques Européennes. Le mousquet Chinois a des similitudes avec une arme Britannique offerte à Rehe par Lord Macaulay à Qianlong pour célébrer son 80ème anniversaire en 1793 de notre calendrier.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Sotheby's.

16 oct. 2016

Chimie et Photographie

Le daguerréotype, révélé en France en 1839, est un exploit technique sensationnel. Au même moment en Angleterre, William Henry Fox Talbot développe le procédé négatif qui permettra d'obtenir des impressions multiples sur papier à partir d'une prise de vues unique. Talbot brevète le calotype en 1841 et publie en 1844 Pencil of Nature, le tout premier livre illustré par des photographies.

En France, la photographie a été offerte à la nation. Chimistes et artistes multiplient les expériences sans négliger l'étude des procédés de Talbot. En 1847 Blanquart-Evrard et Guillot-Saguez publient indépendamment l'un de l'autre leurs améliorations du calotype.

Douze ans auparavant le Dr Guillot, chimiste, a épousé Amélie Saguez, artiste peintre. Le couple utilise le double nom Guillot-Saguez comme nom d'artiste et d'affaires.

L'Italie attire irrésistiblement les premiers photographes français, pour une raison bien simple. Ils ont besoin d'un fort ensoleillement pour le traitement de leurs surfaces sensibles extrêmement lentes à cette époque. Les Guillot-Saguez rejoignent en 1845 cette petite communauté qui aime se réunir à Rome au Caffè Greco.

Amélie prend des photos. Elle est la seule femme artiste du groupe. En 1847 elle constitue un album de 37 tirages sur papier salé à l'attention d'une femme dont elle est très proche. Plusieurs images sont signées soit dans le négatif soit à l'encre sur la photo. Cette série d'une belle variété inclut le portrait en gros plan d'un pifferaro.

L'album est estimé € 200K à vendre par Christie's à Paris le 10 novembre, lot 66.

Cet ensemble exceptionnel anticipe de quatre ans les quatre grandes avancées techniques et culturelles qui permettront enfin à la photographie de concurrencer la lithographie comme technique majeure de l'illustration : l'invention du procédé au collodion humide par Archer, la création de l'Imprimerie Photographique par Blanquart-Evrard, la fondation de la Société Héliographique et la reconnaissance par la Commission des monuments historiques de l'irremplaçable avantage de l'exactitude photographique.

Le Superbird Moghol

La communication avec le ciel est un désir mystique basique pour les peuples anciens. L'oiseau surpuissant pourra aider mais il est terrible parce qu'il maîtrise le tonnerre. Il est l'aigle de Jupiter, le Phénix, le Rokh et un cousin pas si lointain que cela du Dragon.

Les conteurs orientaux aiment confronter les héros aux animaux mythiques. L'empereur Akbar est un très important protecteur de la culture mais il est illettré, probablement à cause d'une infirmité dyslexique. Son père revenant d'un long exil avait importé en Inde la tradition des miniatures Perses. Le règne d'Akbar devient l'âge d'or des contes enluminés Moghols.

Vers 1a 6ème année de son règne, 1562 de notre calendrier, le jeune Akbar âgé de 20 ans demande une version illustrée du Hamzanama. Ce projet gigantesque occupera pendant quinze ans les artistes de son atelier personnel dirigé par des maîtres Perses. 1400 miniatures sont réalisées en pleine page sur de grandes feuilles 71 x 53 cm.

Du temps d'Akbar, le Hamzanama est politiquement correct pour le monde musulman parce que son héros Hamza, l'oncle de Mahomet, est antérieur à l'Hégire. La prise de Delhi par Nadir Chah en 1739 est une catastrophe pour ce chef d'oeuvre qui est démantelé. Beaucoup de pages ont probablement été tout simplement détruites, ce qui expliquerait pourquoi moins de 200 d'entre elles ont survécu.

Le 20 octobre à Londres, Christie's vend une page fantastique du Hamzanama d'Akbar, lot 89 estimé £ 200K. Une autre peinture connue avec la même écriture des lignes sous l'image est datée AH 972, 1564-1565 de notre calendrier.

Hamza vient tout juste de se réconcilier avec le Rokh. L'oiseau ramène le héros chez lui. En plein vol loin au-dessus du paysage, Hamza est suspendu aux pattes de l'oiseau gigantesque.

15 oct. 2016

Les Totems Fauves d'Emily Carr

Emily Carr est née en Colombie Britannique. Son art unique en son genre est issu d'une curiosité tout aussi intense pour les avant-gardes que pour l'ethnographie tribale.

Emily visite les villages côtiers chaque année de 1908 à 1910 et réalise des aquarelles selon la bonne pratique traditionnelle des explorateurs. Elle emporte ses dessins avec elle pour un séjour de formation en France où elle est en relation pendant deux ans avec les artistes modernes.

Elle est tout de suite intéressée par le Fauvisme, qu'elle assimile comme une possibilité pour un artiste d'interpréter une scène à sa propre manière, selon sa propre vision et son propre tempérament. Elle ré-interprète aussitôt ses aquarelles Américaines à l'huile sur toile.

Emily a notamment visité 'Yalis (en anglais : Alert Bay), un village typique bien que de création récente. Le peuple Kwakwaka'wakw souvent désigné par le terme moins imprononçable Kwakiutl a su y profiter des avancées technologiques des colons blancs tout en maintenant une autonomie traditionnelle de plus en plus menacée par les progrès croissants des communications. Le plus haut totem pole du monde, 53 m de haut, est actuellement à Alert Bay.

Le 23 novembre à Toronto, Heffel vend une huile sur toile 65 x 47 cm peinte par Emily Carr juste avant ou juste après son retour en Colombie Britannique en 1912, lot 261 estimé CAD $ 900K illustré en dernière page du flyer annonçant la vente.

L'influence du Fauvisme fournit la dimension mystique supplémentaire souhaitée par l'artiste. Par comparaison avec l'aquarelle qui a servi de modèle le trait est simplifié. Les couleurs irréelles expriment l'ensoleillement de la rue et transforment en divinité fantôme la figure de bienvenue délibérément agrandie du premier plan.

De hauts totem poles sont alignés frontalement devant les façades des maisons blanches. Le pole plus proche est équipé d'une proéminente tête d'oiseau fantastique thunderbird avec le bec fermé. Un mécanisme d'ouverture du bec libérait l'accès pour pénétrer dans la maison. Un seul visiteur à la fois pouvait franchir cette rampe, par mesure de sécurité : les chefs Kwakiutl avaient certainement de bonnes raisons d'être méfiants.

12 oct. 2016

Le Cheval aux Pieds d'Or

Le second empereur Moghol, Humayun, perd le pouvoir en 1540 de notre calendrier et passe 15 ans en exil à Tabriz à la cour du Shah Safavide Tahmasp. Il reprend ensuite le pouvoir avec l'aide de ses alliés Perses et apporte en Inde leur tradition d'illustrations.

Le second règne de Humayun est très court. Son fils qui lui succède sera surnommé Akbar ("le Grand"). Avec ce souverain libéral l'empire Moghol connaît son apogée culturel. On estime à environ cent le nombre d'artistes qui travaillent autour de 1580 à peindre des miniatures et des enluminures pour les importants livres épiques et les albums de l'empereur.

Akbar est un grand chasseur et un bon cavalier. Le style de la miniature Moghole se démarque de la miniature Safavide par la représentation très réaliste des animaux.

Le 19 octobre à Londres, Sotheby's vend une gouache16 x 23 cm sur feuille 20 x 27 cm, lot 10 estimé £ 200K, sur le thème du ferrage d'un cheval Moghol.

L'animal est haut à l'encolure et majestueux. Il porte sur son dos une luxueuse couverture. Pas moins de trois assistants prennent soin de de lui. L'un d'eux tient une des pattes avant pendant qu'un autre y fixe le fer avec des clous d'or. Le troisième qui est peut-être le chef rassure le cheval en tenant le guide près des naseaux.

Cette oeuvre n'est pas datée mais sa plus ancienne inspection a été effectuée dans la 8ème année de Jahangir, 1611 de notre calendrier.

Les Batailles Epiques du Tintoret

La bataille navale de Lépante, en 1571, est une victoire décisive des Chrétiens sur les Turcs, faisant suite à une série de campagnes militaires Vénitiennes. Un appel d'offre est lancé pour une immense peinture commémorant l'évènement dans le Palais des Doges.

Le Tintoret, parfois surnommé Il Furioso, est connu pour sa rapidité de décision et d'exécution. Il obtient cette commande et réalise la peinture en moins d'un an.  Une huile sur toile 180 x 320 cm vendue pour € 315K incluant premium par Sotheby's le 20 septembre 2016 a les caractéristiques d'un modello fait par Tintoret dans la préparation de cette oeuvre perdue dans l'incendie du Palais en 1577.

Tintoret était avant tout un artiste de thèmes religieux mais il savait convaincre ses clients de la globalité de son savoir faire. De 1578 à 1580 il réalise huit grandes peintures à la gloire des Gonzague pour leur palais ducal de Mantoue. L'animation des batailles dans un style maniériste est foisonnante. Le détail des scènes prévaut par rapport à la cohérence de l'ensemble.

Le 18 octobre à Vienne, Dorotheum vend une Bataille entre les Philistins et les Israélites, huile sur toile 146 x 231 cm récemment découverte. La conception d'ensemble est comparable aux oeuvres de la série Gonzague. Les analyses aux rayons X et infrarouges démontrent que cette pièce est un original avec d'importantes modifications faites par l'artiste pour changer le thème.

Les scènes sont violentes, de la lutte à la fuite. Quelques éléphants en arrière-plan fournissent l'ambiance orientaliste. L'action principale est située résolument à l'extrême droite de l'image, comme la conclusion d'une bande dessinée moderne : le jeune David transperce avec sa lance le géant Goliath à terre.

Cette peinture est estimée € 300K, lot 26. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

9 oct. 2016

L'Exposition Athlétique

Paris organise des expositions universelles dans la seconde moitié du XIXème siècle avec un intervalle très régulier de onze ans. En 1892 il est confirmé que la prochaine exposition aura lieu en 1900, année symbolique de la naissance du nouveau siècle.

Pierre de Coubertin est un jeune pédagogue. Inspiré par le spectaculaire développement des sports en Grande-Bretagne et aux Etats-Unis, il imagine un évènement sportif international qui pourra promouvoir à la fois l'effort athlétique et la paix. La prochaine exposition Parisienne sera à la fois grandiose et populaire. Il veut y insérer son projet.

Le 30 janvier 1894, Coubertin écrit ses idées sur un papier. Il imagine un stade similaire à celui d'Olympie assorti de salles d'exposition spécialisées rappelant l'histoire des sports athlétiques depuis l'antiquité. Les sports modernes comme la "vélocipédie" seront inclus.

Il exclut délibérément les entrainements sportifs des militaires et le professionnalisme considéré comme une dérive amorale. Les spectacles de démonstrations seront gratuits. Les cafés et boutiques seront interdits, pour éviter l'ambiance dépravée selon lui de la Rue du Caire de l'exposition de 1889. A cette étape l'inventeur n'envisage pas de compétitions.

Ce document séminal de l'Olympisme moderne est estimé $ 1M par Goldin Auctions, lot 3 dans une vente en ligne qui se termine le 29 octobre.

En juin de la même année, Coubertin réunit à Paris un comité de 49 clubs représentant 13 nations différentes. Le CIO est créé et le rétablissement des Jeux Olympiques est solennellement proclamé. Les premiers d'entre eux auront lieu à Athènes en 1896. Les réticences de Paris sont levées au printemps 1899, juste à temps pour être reconnus comme un élément majeur de l'exposition de 1900.


La Poursuite d'Hérodiade

Pendant 34 ans Stéphane Mallarmé a poursuivi Hérodiade.

En 1864 il est un jeune poète âgé de 22 ans qui admire Baudelaire. Dans sa conception, la poésie transcende les mots pour atteindre l'émotion. Son premier objectif est le théâtre, cette littérature parlée qui permet les juxtapositions de rythmes et de sonorités.

Deux projets sont conçus simultanément. Hérodiade est le mythe d'un choc antique de civilisations. L'Après Midi d'un Faune est le prétexte d'une ode aux nymphes. Quand il commence Hérodiade quelques mois avant de travailler sur le Faune, il sait déjà que la perfection est impossible mais il veut résolument l'atteindre.

Le refus du Faune par le Théâtre Français est logique pour son époque et serait encore compréhensible de notre temps. Mallarmé est déjà trop abstrait pour pouvoir convaincre que son travail littéraire est en réalité un art absolu. Il abandonne l'idée de théâtre en faveur de la poésie mais maintient une structure en trois actes de son Hérodiade.

Les années suivantes marquent ses doutes métaphysiques. Inspiré par la lecture de Hegel il devient matérialiste. Le poète exprime désormais le néant. Le pouvoir est octroyé au verbe. Mallarmé serait un poète hermétique si seulement son texte avait une signification.

Mallarmé a travaillé son Hérodiade de 1864 à 1866 puis en 1887. En mai 1898 il redémarre avec un nouveau titre Les Noces d'Hérodiade. Mystère. Une fois de plus c'est en vain : Hérodiade restera éternellement inachevée par la mort de son poète le 9 septembre 1898.

Les manuscrits autographes des versions successives d'Hérodiade ont été reliées en un seul volume bien que les formats des feuillets soient variés. Ce livre prophétique d'une nouvelle tendance de la poésie française est estimé € 400K à vendre par Pierre Bergé et Associés en collaboration avec Sotheby's le 9 novembre à Paris (Drouot), lot 466.

Expérience Littéraire à Quatre Mains

Gustave Flaubert a à peine 25 ans quand son père meurt en 1846. L'héritage est opulent et le jeune homme peut désormais réaliser son rêve de se consacrer entièrement à l'écriture.

Pour écrire et pouvoir publier, il faut trouver un thème innovant. Avec Maxime Du Camp plus jeune que lui d'un an, Gustave explore la Bretagne, à pied et sac au dos. Cette province où les côtes sont superbes est à peine civilisée : les deux randonneurs peuvent y réfléchir sur les origines et les évolutions de la civilisation.

Dès le retour les deux auteurs se mettent au travail avec une méthode inédite. L'oeuvre intitulée Par les champs et les grèves (Voyage en Bretagne) suivra le parcours mais celui-ci est partagé : Gustave prend les chapitres impairs et Maxime les chapitres pairs. Pendant plusieurs mois ils préparent leurs parties à Croisset dans la même pièce en échangeant leurs idées et leurs impressions.

Quand l'oeuvre est terminée, deux copies complètes sont réalisées et chaque écrivain conserve son brouillon autographe. A cette étape ils renoncent sagement à la publication, se rendant à l'évidence que le texte nécessiterait des remaniements profonds pour pouvoir intéresser des lecteurs à leurs observations et digressions.

Le premier manuscrit écrit par Flaubert démontre que la création n'a pas été linéaire. Le réel objet de leur travail était la perfection littéraire et les ratures et corrections sont innombrables. Les manuscrits ultérieurs de Flaubert conserveront cette obsession jusqu'à l'extrême limite de l'illisibilité.

Ce manuscrit de 277 pages in folio est signé par Flaubert et daté du 3 janvier 1848. Cette date indique surtout une décision d'achèvement prise par les auteurs et il est tout à fait possible que certains remaniements soient ultérieurs. Ce document qui n'inclut évidemment pas les chapitres pairs écrits par Du Camp sera vendu par Pierre Bergé et Associés en association avec Sotheby's à Paris le 8 novembre, lot 351 estimé € 400K.


8 oct. 2016

Le Ranger d'Algonquin Park

Tom Thomson est un autodidacte qui décide de devenir artiste en fréquentant le milieu artistique de Toronto. Il découvre la beauté d'Algonquin Park en 1912. Il aime la pêche et la vie sauvage.

Sa vie change en 1914. Son patron artistique le Dr MacCallum, ami de Lawren Harris, lui offre une place dans l'atelier collectif et assure l'achat de ses peintures. Thomson arrive à Algonquin Park à fin avril pour un séjour de plusieurs mois au cours duquel il devient ranger du park.

Ce subtil mélange de stabilité et d'aventure transforme aussitôt sa vision d'artiste. Ses vues de détails forestiers d'Algonquin Park sont hautement émotionnelles, avec des couleurs inédites qui renoncent au réalisme pour mieux traduire l'ambiance. Les conditions difficiles de sa création artistique l'obligent à travailler sur des toiles de petit format, 22 x 27 cm, qui lui serviront de modèles pour les grandes compositions réalisées en studio à Toronto pendant l'hiver.

Le 23 novembre à Toronto, Heffel vend Sleet Storm, huile sur toile montée sur panneau 22 x 27 cm datée 1914, qui est probablement un des tout premiers essais de cette phase de grande créativité de l'artiste. Le printemps est en train de vaincre l'hiver. La neige fondue pend encore aux branches mais est déjà dispersée par le vent.

Sleet Storm est estimé $ 1M CAD, lot 212 et illustré en page 6 du flyer annonçant la vente.

Le ranger d'Algonquin Park fut un pionnier de l'art moderne Canadien. Son nouveau style inspira considérablement ses amis de Toronto qui créeront le Groupe des Sept en 1919. Thomson était mort noyé à Algonquin Park en juillet 1917 dans des circonstances qui n'ont jamais été élucidées.

L'Acier défie l'Usure du Temps

Jusqu'à la seconde guerre mondiale et un peu au-delà, l'utilisation de l'acier inoxydable reste exceptionnelle dans les montres bracelets de haut de gamme réalisées par Patek Philippe. Les clients identifient le luxe avec l'or ou le platine. Les montres en acier sont produites sur demande spécifique de clients qui craignent l'usure liée à une utilisation intensive.

La référence 1518 est en production de 1941 à 1954. Tirant avantage des prototypes d'avant guerre, elle est le premier modèle de série à offrir à la fois les deux complications prestigieuses que sont le chronographe et le calendrier perpétuel, en plus des phases de la lune.

Elle est en avance sur son temps et la clientèle ne se précipite pas. 281 montres sont construites dans cette référence soit une moyenne de 20 par an. La plupart sont en or jaune. 34 d'entre elles sont en or rose : l'une d'elles précédemment discutée dans cette chronique a été vendue pour $ 795K incluant premium par Antiquorum le 10 avril 2013 ; une autre, fabriquée en 1948, est à vendre par Phillips à Genève le 13 novembre, lot 196.

Les 1518 en acier inoxydable sont d'une extrême rareté : quatre exemplaires seulement sont connus. Ce n'est pas réellement surprenant : il faut bien reconnaître une certaine contradiction entre le besoin d'un calendrier perpétuel et la crainte de l'usure.

Les deux premières 1518 en acier inoxydable ont été fabriquées en 1943 et vendues ensemble à un même client en février de l'année suivante. L'une d'elles, restée dans un état immaculé, lui servait probablement de rechange. Elle est à vendre par Phillips à Genève le 12 novembre, lot 38. Le communiqué de presse du 22 septembre annonce une estimation au-delà de CHF 3M.

Les Liaisons Prometteuses

Le chimiste Allemand Georg Wittig fut un habile expérimentateur qui forma à son tour de nombreux chercheurs. Il obtint le prix Nobel de Chimie en 1979 conjointement avec Herbert C. Brown. Sa découverte la plus importante effectuée en 1954 a été nommée réaction de Wittig.

Le 19 octobre à Dallas, Heritage vend ensemble au lot 49227 cinq médailles décernées à Wittig : la médaille Nobel et quatre autre médailles échelonnées de 1953 à 1973. Parmi elles le prix Otto Hahn est la plus haute récompense Allemande en physique et chimie. Wittig l'a obtenu en 1967.

Les alcènes sont des molécules organisées autour d'une double liaison carbone. Lorsque les quatre atomes périphériques sont de l'hydrogène, le plus simple des alcènes est l'éthylène. Ces molécules carbonées intéressent vivement la pharmacologie.

La production des alcènes est difficile par soustraction. Le mérite de Wittig est d'avoir obtenu des alcènes par synthèse organique. La mise en présence d'un aldéhyde et d'un oxyde de triphenylphosphine crée la double liaison carbone recherchée en cassant la double liaison carbone-oxygène de l'aldéhyde. Wikipedia fournit la formule :

Wittig Reaktion

5 oct. 2016

La Belle en Linogravure

Pablo Picasso a du temps libre à Vallauris. Il diversifie son utilisation des matériaux et des techniques. En 1958 il essaye la linogravure.

La linogravure est dérivée de la gravure sur bois, avec un encrage des surfaces non préalablement évidées. Le linoleum a deux avantages par rapport au bois : il est moins dur et n'est pas fibreux, permettant l'exécution en réserves d'un dessin plus net.

A cette époque Pablo n'hésite plus à montrer ses inspirations extraites de l'histoire de l'art, comme l'ont démontré les Femmes d'Alger d'après Delacroix. Son choix du Portrait de Jeune Femme d'après Cranach le Jeune est cependant conjoncturel : il vient tout juste de recevoir de Kahnweiler une carte postale illustrée par cette image.

Ce sont ses premiers essais sérieux en linogravure : il commence avec deux couleurs, constate qu'il maîtrise le procédé et refait ce travail en cinq couleurs : sepia, jaune, rouge, bleu et noir. L'impression est réalisée par Arnéra à Vallauris et la Galerie Louise Leiris la publie en 50 exemplaires numérotés de format 64 x 53 cm sur papier d'Arches 76 x 57 cm auxquels s'ajoutent environ 15 épreuves d'artiste.

Une épreuve d'artiste signée et dédicacée à un ami est estimée $ 500K à vendre par Sotheby's à New York le 27 octobre, lot 26. Une des cinquante épreuves commerciales, également signée, a été vendue pour $ 700K incluant premium dans la même salle de ventes le 20 avril 2016 sur une estimation basse de $ 400K.

2 oct. 2016

La Montagne Eternelle de Lawren Harris

Lawren Stewart Harris est un randonneur mystique. Seul ou dans un groupe, il cherche dans la nature la vérité éternelle. Le Canada lui offre des paysages inviolables par les humains. Il explore les rives gelées du Lac Supérieur à partir de 1921 et les Montagnes Rocheuses à partir de 1924.

Il réalise des dessins qu'il transfère ensuite en peintures de plus en plus grandes tout en éliminant tous les détails inutiles, aboutissant à une symphonie en blanc et bleu. Le blanc de la neige et de la glace est pour ce théosophe un oracle de pureté, communiant avec le bleu du ciel.

1926 marque l'accession à la maturité de l'artiste dans son illumination simplificatrice. Une petite esquisse 30 x 38 cm sur panneau préparant sa grande composition du Old Stump, Lake Superior, a été vendue pour CAD 3,5M incluant premium par Heffel le 26 novembre 2009.

La même année le randonneur est ébloui par le triangle parfait du Mount Ishbel, entre Banff et Lake Louise. Il a trouvé son Sphinx. Une fois isolée des montagnes voisines, Ishbel dégage une symétrie dominatrice. La vue en contre-plongée mène le regard vers les couleurs lisses des bois et des roches avant d'atteindre le sommet étincelant.

Harris intitule cette vue Mountain Form, sans localisation, montrant ainsi qu'il a trouvé sa vérité ineffable. Dans une approche plus Humboldtienne, son titre deviendra plus tard Mountain Forms. Cette huile sur toile 152 x 178 cm est estimée CAD 3M à vendre par Heffel à Toronto le 23 novembre, lot 118 faisant l'objet d'un communiqué de presse dédié.

L'artiste continue ses recherches philosophiques et ses randonnées. Mountain and glacier, huile sur toile 74 x 89 cm peinte en 1930, a été vendue pour CAD 4,6M incluant premium par Heffel le 26 novembre 2015 sur une estimation basse de CAD 1M.

Une Création par Beethoven

Ludwig van Beethoven est un créateur. A Vienne à la fin de la décennie 1800, son activité musicale est intense et multiforme. Il est sûr de son génie mais proclame trop fort cette haute opinion de lui-même.

Un brouillon autographe musical vient de faire surface dans la collection d'un bibliophile. Ce document composé de deux pages 20 x 30 cm avec 15 portées par page est estimé £ 150K à vendre par Sotheby's à Londres le 20 octobre, lot 12.

Ce document précédemment inconnu aide à comprendre le processus créatif de Beethoven appliqué ici à son 5ème concerto pour piano en mi bémol majeur. Le compositeur veut la liberté, en musique et en politique. Dans cet opus 73 il renforce le rôle du soliste face à l'accompagnement et allonge les durées.

La conception de ce concerto s'étend sur plusieurs mois, dans une ambiance de peur de la guerre et de haine contre l'empire Napoléonien. Le brouillon datant certainement de la fin 1808 entremêle les idées qui mèneront au premier et dernier mouvement du concerto, démontrant que dès le début de ce nouveau projet Beethoven a une vision d'ensemble de son futur opus.

Le concerto est achevé en 1809 mais Beethoven ne peut pas l'interpréter lui-même du fait de son infirmité auditive croissante. Cette oeuvre très novatrice qui ne pouvait pas laisser les mélomanes indifférents est diversement accueillie deux ans plus tard : triomphe à Leipzig et doute à Vienne.

Le maître a créé par cet opus 73 la structure du concerto symphonique qui inspirera Liszt et Brahms. Il est cependant frustré par son infirmité et n'écrira plus de concerto. L'appellation de Concerto Empereur donnée populairement à cet opus déplaît au compositeur.

1 oct. 2016

Les Fantômes de l'Odeon

Né en Roumanie, Adrian Ghenie avait 12 ans lors de la chute de Ceausescu. Devenu artiste il compare le nouveau mode de vie aseptisé et lumineux avec le passé sombre et tragique qu'il a connu et dont il ne faut pas oublier l'inhumanité.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend Nickelodeon, huile et acrylique sur toile peinte en 2008, lot 5 estimé £ 1M. Ce diptyque de très grande dimension, 238 x 414 cm en tout, était la pièce maîtresse d'une exposition réalisée en 2009 intitulée significativement Darkness for an hour.

Un groupe d'hommes est debout. La plupart d'entre eux regardent en direction d'un écran. Dans une salle rudimentaire, ils assistent à une projection cinématographique de l'ancien temps. On devine leurs intentions et leurs engagements. Avec leurs long manteaux, ils personnifient les heures noires de la nomenklatura.

Ces personnages glaçants et raides n'ont pas d'identité. Les visages sont brouillés comme sur ces photos où les bureaucrates Staliniens modifiaient le passé en effaçant les traitres à leur cause. L'un de ces hommes a un geste plus précis comme s'il se lacérait lui-même le visage de ses deux mains.

Adrian Ghenie tentera ensuite de conjurer ses fantômes, avec les identités de criminels Nazi et de dictateurs et leurs visages brouillés inspirés de portraits réels dans un style expressionniste qui a fait comparer son art avec celui de Francis Bacon. Dans le même style il a réalisé des auto-portraits dérisoires.

Son succès est croissant et il prend désormais soin de prendre ses références dans l'histoire de l'art. Un auto-portrait en Vincent van Gogh 48 x 30 cm peint en 2012 a été vendu pour $ 2,6M incluant premium par Sotheby's le 11 mai 2016 sur une estimation basse de $ 200K. Des tournesols 280 x 280 cm peints en 2014 dans une composition inspirée du même artiste ont été vendus pour £ 3,1M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2016 sur une estimation basse de £ 400K.

La Divine Comédie d'Alighiero Boetti

En 1973, Alighiero Boetti quitte le mouvement Arte Povera. Son art devient plus conceptuel, ouvrant une voie entièrement nouvelle. L'artiste conçoit les principes et les algorithmes de l'oeuvre, il ne l'exécute pas. Les cartes de Boetti ont un point commun avec les drapeaux Américains de Jasper Johns : l'artiste utilise le motif sans modification par rapport à l'original.

Le but poursuivi par Boetti est ambitieux : concevoir et exhiber l'unité du monde, construite par des éléments individuellement incohérents entre eux. Dès 1975, il crée son premier Tutto. A partir de 1982, ses oeuvres de ce thème sont réalisées en broderie, comme ses Mappa.

L'artiste choisit ou faire choisir par son équipe dans son catalogue de pochoirs les motifs de son Tutto. La broderie est réalisée par un atelier Afghan qui sera plus tard transféré à Peshawar au Pakistan. Les ouvrières disposent de fils de cent couleurs différentes. Elles doivent remplir complètement la surface de la toile avec ces motifs et ces couleurs.

Cette exécution longue et minutieuse est effectuée sans aucune supervision de l'artiste, qui signe et date l'oeuvre une fois qu'elle est achevée. Il compare ce processus de conception à la création des minéraux, des végétaux et des animaux, ordres créés à partir du désordre. Comme en thermodynamique, la distinction entre l'état macroscopique et l'état microscopique permet de comprendre en quoi et pourquoi le monde semble cohérent.

Un Tutto de grandes dimensions, 128 x 235 cm, réalisé en 1988-1989 à Peshawar, est estimé £ 1,8M à vendre par Christie's à Londres le 6 octobre, lot 148. Un Tutto 125 x 266 cm daté 1988 a été vendu pour £ 1,33M incluant premium par Christie's le 14 octobre 2011.