30 nov. 2016

Heures pour la Maison Tudor

Le 6 décembre à Londres, Sotheby's vend un manuscrit enluminé à usage anglais, lot 28 estimé £ 1,5M. Ce livre sur vélin 23 x 16 cm a appartenu au XXème siècle aux marquis de Bute et est connu sous le nom de Bute Hours.

Il contient environ 50 grandes illustrations d'une très grande qualité qui n'ont pas d'équivalent dans les livres anglais. Du fait de cette absence de point de comparaison les spécialistes doivent chercher des informations dans les détails de son contenu.

Une datation dans les vingt premières années du XVIème siècle paraît incontestable. A cette époque les enluminures atteignent une qualité sans précédent dans les Flandres, dans une fuite en avant face aux progrès des livres imprimés.

Le livre a été réalisé pour un membre de la cour des Tudor. Il montre en saint le feu roi Henri VI pour qui Henri VII s'efforçait sans succès d'obtenir une canonisation. Le dédicataire et sa famille sont montrés sur de nombreuses images. L'hypothèse selon laquelle il pourrait être le futur roi Henri VIII était considérée au XIXème siècle.

Surtout, la place prééminente parmi les saints est accordée à St Roch, invoqué contre la peste. En 1499 et 1500 cette maladie infecte Londres et le roi Henri VII trouve un refuge temporaire à Calais. La peste épargne ensuite Londres jusqu'en 1537, qui est une date bien trop tardive pour les techniques picturales utilisées dans ce manuscrit.

Un autre saint listé dans ce livre d'heures est le Gallois Armel, entré au calendrier en 1498. La famille Tudor était en partie d'origine Galloise.

En l'absence d'autres éléments significatifs la date de 1500 peut être acceptée. Si la référence à St Roch est un remerciement et non un appel, l'ouvrage peut cependant être légèrement ultérieur. L'identification de l'atelier ne fait l'objet d'aucune hypothèse. Je pense qu'une origine flamande ne devrait pas être écartée, à corréler avec l'exil temporaire du roi.

Le Moment Décisif de Neil Leifer

Neil Leifer devient photographe de sports avant même d'avoir 20 ans. Ses cadrages sont spectaculaires et le magazine Sports Illustrated publie régulièrement ses photos. Avec son Rolleiflex il travaille déjà en diapositives couleurs Ektachrome alors que la plupart des autres professionnels sont encore au noir et blanc.

Le match revanche de championnat du monde de boxe poids lourds entre Mohammed Ali et Sonny Liston a lieu le 25 mai 1965 à Lewiston. Leifer obtient une accréditation de presse mais il est bien jeune et doit laisser les meilleures places à ses concurrents.

Le match prend fin de façon soudaine au milieu du premier round. Liston tombe au tapis par suite d'un coup terrible d'Ali que personne n'a réellement vu. Cette situation n'est pas impossible du fait de la rapidité des mouvements dans un corps à corps mais Ali lui-même est surpris. Liston est à terre. Ali hurle : "Lève-toi et combat, minable !".

Liston reste au sol deux secondes de trop. Ali a gagné. Le soupçon d'abandon de Liston par tricherie ne sera jamais levé. La pression de groupes d'influence liés à sa mauvaise vie a été supposée mais non démontrée. Fort heureusement Ali est un grand champion qui méritait de conserver son titre et sa réputation n'est pas ternie.

La photo prise par Leifer à Lewiston est parfaite : il a capté le moment d'intense tension du cri d'Ali. Le champion vu en pleine face est surpuissant dans un cadrage aéré qui donne une dimension dramatique. Ali tourne le dos aux autres photographes et on voit entre les jambes du champion le rival de Leifer, Herb Scharfman.

Leifer suit Ali pendant toute la carrière du champion. Il réalise un tirage dye-transfer 50 x 60 cm de la photo de Lewiston et l'encadre dans un format 64 x 92 cm avec d'autres documents qui incluent une dédicace d'Ali : "Thank you for such a great picture". Effectivement cette photo est la meilleure preuve de l'honnêteté d'Ali dans le match décisif. L'un des documents est daté 2008, correspondant probablement aussi à la date du dye transfer et du montage.

Cette photo est à vendre par Guernsey's à New York le 3 décembre, lot 1221 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

Le Dernier Coupé LaFerrari

La dernière Ferrari Enzo était hors commerce. La production avait été fixée à 349 unités plus tard étendue à 399. Une voiture supplémentaire avec des options uniques a été construite en 2005 et offerte au pape. Cette Enzo avec 179 Km au compteur a été vendue par RM Sotheby's le 13 août 2015 pour $ 6M incluant premium, très au-delà du prix habituel pour ce modèle.

En fixant le nombre d'exemplaires du coupé LaFerrari à 499 exemplaires, Ferrari prévoyait de toute évidence une opération promotionnelle similaire. La production commerciale a été effectuée de 2013 à 2015 et la 500ème LaFerrari a été annoncée en 2016.

2016 a été une année terrible pour l'Italie. Le 500ème coupé fait l'objet d'une vente aux enchères de charité à l'initiative de Ferrari pour aider l'état Italien à la reconstruction des régions ravagées par les tremblements de terre. L'acquéreur sera ainsi le seul à posséder une LaFerrari neuve sans avoir été inscrit sur la liste des clients acceptés par Ferrari avant le lancement de la production.

La vente est réalisée par RM Sotheby's le 3 décembre à Daytona. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Deux LaFerrari ont été vendues aux enchères en Californie en août 2016. La première était un exemplaire ordinaire vendu pour $ 3,7M incluant premium par Bonhams. La seconde était une exceptionnelle Nero Opaco vendue pour $ 4,7M hors frais par Mecum.

27 nov. 2016

La Passion de William Tyndale

William Tyndale a la réputation d'être un très bon linguiste et est un admirateur d'Erasme. Le retour à l'étude des Saintes Ecritures dans leur version la plus originale est le combat de toute sa vie. Comme Wycliffe un siècle et demi plus tôt, Tyndale avait voulu que les Ecritures soient compréhensibles par le peuple et fustigeait les abus de l'aristocratie.

Dès 1524 il avait choisi de s'exiler sur le continent, pour des raisons de sécurité mais aussi et surtout parce que la possession de textes en Hébreu était interdite en Angleterre depuis l'Edit d'Expulsion des Juifs en 1290.

Traduit du grec, le Nouveau Testament de Tyndale est édité en 1526. Les exemplaires exportés en Angleterre sont brûlés par l'évêque de Londres dans de spectaculaires processions humiliantes de pénitents qui accroissent par contre-coup la notoriété du traducteur.

Tyndale travaille ensuite à une traduction du Pentateuque directement de l'Hébreu qui est publiée à Anvers en 1530, réutilisant les illustrations de Holbein pour un Ancien Testament publié à Bâle en 1524.

Le Pentateuque de Tyndale est extrêmement rare. Huit exemplaires seulement ont survécu. Le seul exemplaire restant en mains privées est estimé $ 300K à vendre par Sotheby's à New York le 5 décembre, lot 44.

Condamné pour hérésie par l'inquisiteur de Charles Quint, William Tyndale est étranglé et brûlé à Vilvorde en 1536. Il avait écrit un pamphlet en 1530 contre le premier divorce de Henri VIII mais le roi avait besoin de supports moraux contre ses adversaires ecclésiastiques. Dès 1538 l'utilisation de la Bible de Tyndale est recommandée officiellement à tous les anglais.

La Bible Wycliffite

Le philosophe et théologien John Wycliffe réfutait le pouvoir de la papauté et la corruption des moines en argumentant par le fait que cette situation n'était pas prévue par les Saintes Ecritures. La vérité théologique doit être trouvée par la lecture des textes et non par la prédication des prêtres.

A son époque où le peuple était illettré toutes les élites comprenaient le latin aussi bien que leur langue vernaculaire. Son projet de traduire la Vulgate en Middle English est essentiellement un défi social.

Une première équipe à laquelle Wycliffe apporte sa participation directe traduit la Vulgate en mot à mot. Une autre équipe travaille en parallèle en sa présence à une version plus compréhensible.  La première (Earlier version) est achevée juste avant la mort de Wycliffe survenue en 1384 et la seconde (Later version) est achevée en 1388.

Les équipes de Wycliffe n'ont pas altéré les Ecritures et ses Bibles sont inattaquables. Le haut clergé est furieux. Les paysans en révolte prennent comme modèles les positions anti-aristocratiques de Wycliffe et sa condamnation posthume pour hérésie devient inévitable. Quand elle est prononcée formellement en 1415 par le concile de Constance, c'est trop tard : la Later version est déjà très appréciée des théologiens et sa prohibition sera inefficace.

Le 5 décembre à NewYork, Sotheby's vend un manuscrit complet sur vélin 21 x 15 cm du Nouveau Testament dans la Later Version, lot 9 estimé $ 500K. Il est daté de la première moitié du XVème siècle par le catalogue et plus précisément vers 1430 par le communiqué de presse. Un autre manuscrit de description et date similaires a été vendu par Christie's le 30 avril 2008 pour £ 334K incluant premium valant $ 660K à cette époque.

Le Grenier de Kenwood

La gloire est venue très vite et très fort pour les Beatles. Ils doivent protéger leur vie privée contre les foules délirantes. En 1964 John Lennon achète Kenwood, une grande maison dans le style imitation Tudor à Weybridge.

John réside pendant quatre ans à Kenwood avec sa femme Cynthia et leur fils Julian né en 1963. Kenwood connaît une vie intense autour de la musique et de la drogue. Les Beatles sont las des concerts en public et veulent perfectionner leurs chansons qui seront ensuite enregistrées en studio. L'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en 1967, est le plus grand succès du groupe.


John aime écrire ses chansons dans le grenier à Kenwood où il a installé deux pianos, l'un de marque Bechstein et l'autre de marque John Broadwood and Sons. 


Le Broadwood, un piano droit fabriqué vers 1872, a certainement été son piano préféré pendant la phase de préparation de Sgt. Pepper. Avant de le donner à un ami, John lui appose une petite plaque indiquant "On this piano was written: A Day in the Life, Lucy in the Sky with Diamonds, Good Morning, Good Morning, Being for the Benefit of Mr. Kite and many others. John Lennon. 1971".


John avait raison, cet instrument fait partie de sa légende. Quand Julian est revenu de l'école un soir de 1967 avec son célèbre dessin d'enfant désignant Lucy, il est facile d'imaginer John griffonnant le premier brouillon de sa chanson avant de se ruer sur son Broadwood.


Ce piano est estimé $ 1,2M à vendre par Sotheby's à New York le 10 décembre, lot 75.


26 nov. 2016

Etude de Couleurs des Montagnes Suisses

Zhang Daqian quitte la Chine continentale après la seconde guerre mondiale pour des raisons politiques. Ce parfait connaisseur des arts graphiques Chinois voyage désormais beaucoup.

Au Brésil où il fixe sa résidence en 1953 ou lors de fréquentes visites de tourisme dans les Alpes Suisses, il découvre des paysages qui n'existent pas en Chine. Il développe au milieu des années 1960 un style pictural entièrement nouveau basé sur des éclaboussures de couleurs pour exprimer de mémoire cette nouvelle expérience sensorielle avec une spontanéité d'exécution inspirée de l'Action Painting.

Pour ces vues, Zhang utilise parfois de très grands formats. Le 4 décembre à Beijing, Poly Auction vend au lot 2030 une encre et couleurs sur soie 173 x 344 cm sur le thème de la montagne Suisse enneigée.

Cette oeuvre réalisée en 1965 est une des premières de cette nouvelle phase de l'art de Zhang. L'horizon laisse apparaître l'ambiance de montagne avec deux pics jumeaux léchés par des nuages mais tout le premier plan est une étude de couleurs proche de l'abstraction d'où le dessin est absent.

Dans les années suivantes, Zhang redeviendra plus figuratif par un subtil mélange de l'éclaboussure et du trait. Une interprétation 264 x 176 cm du lac Achensee réalisée en 1968 à l'encre et couleurs sur soie a été vendue pour RMB 100M yuan incluant premium par China Guardian le 17 mai 2010.

Un Falangcai Rouge-Rubis

Falangcai signifie couleurs étrangères. L'apport des "étrangers" dans cette nouvelle technique est l'utilisation de poudres d'émail permettant des jaunes, des rouges et des bleus d'une brillance sans précédent dans la porcelaine de Chine.

Les détails du processus ont été mis au point pendant les dernières années de Kangxi par les potiers de Jingdezhen et de Beijing au service direct de la cour impériale. Certaines pièces apparaissent comme uniques dans leur combinaison de forme, de dimension, de thèmes et de couleurs, laissant supposer une phase expérimentale.

Le 30 novembre à Hong Kong, Christie's vend une coupe de 6,3 cm de diamètre, lot 3218 estimé HK$ 40M. Elle porte la marque impériale de Yongzheng mais plusieurs caractéristiques permettent de la dater plus précisément dans la transition Kangxi-Yongzheng, autour de 1722 de notre calendrier.

Sa forme de coupe sans pied était plus appréciée sous Kangxi et est devenue rare sous Yongzheng. Elle est décorée de motifs de bons auspices peints avec un fond rouge rubis qui était déjà en usage sous Kangxi. La qualité esthétique de l'enroulement de la branche fleurie de prunier sur le pourtour est plus typique des exigences de raffinement suprême de Yongzheng.

La poudre pour la réalisation du fond rouge était soufflée par le potier dans un tube de bambou au travers d'une gaze alors que la décoration préalablement peinte sur la glaçure était préservée dans des réserves. L'obtention conjointe d'une homogénéité parfaite du fond et d'une grande netteté dans le pourtour des réserves est un exploit nécessitant le contrôle total de la respiration pendant le soufflage.

Dans le développement de la porcelaine des Qing, on comparera cette coupe avec un bol portant la marque impériale de Kangxi, vendu pour HK$ 74M incluant premium par Sotheby's le 8 avril 2013. Cette pièce unique en son genre était décorée de lotus sur fond rubis.

23 nov. 2016

Art Ensor et As de Pique

L'expression de la dérision sociale par l'art pictural ne peut pas trouver un bon accueil de la part du public de la fin du XIXème siècle. James Ensor fait le contraire de tous les autres artistes. Quand il voit ses oeuvres refusées dans les expositions, il se retire dans sa ville natale d'Ostende où il choisit les thèmes les plus propices à choquer le bourgeois. Bien des années plus tard, quand il sera célèbre et reconnu, il cessera de peindre.

Le jeune artiste est un très bon connaisseur de l'art ancien. L'Entrée du Christ à Bruxelles, peinte en 1889, est une scène de foule d'inspiration anarchiste dans un thème inspiré de Bosch et Bruegel.

Ensor vit pour son art sans fournir d'informations sur sa vie privée, mais il aime introduire sa vraie image parmi les masques de carnaval. Les danses macabres l'inspirent et ses squelettes sont des auto-portraits. Il est grand et fort. Le hussard à tête de mort qui domine les autres personnages de la scène, c'est encore lui.

James Ensor introduit dans son art des énigmes et des messages à décoder. La petite huile sur toile 16 x 21 cm intitulée Squelettes se disputant un hareng peinte en 1891 est un chef d'oeuvre du surréalisme un quart de siècle avant la création de ce mouvement. Il n'y a pas de différence de prononciation en français entre Hareng saur et Art Ensor.

Une huile sur toile 30 x 51 cm vient de faire surface. Intitulée Squelette arrêtant masques, cette huile sur toile avait été longtemps conservée par l'artiste qui l'a donnée à un ami. Emile Verhaeren l'avait répertoriée dans l'atelier d'Ensor en 1908 mais elle n'avait jamais été photographiée ni exposée. Elle est estimée € 1M à vendre par Sotheby's à Paris le 7 décembre, lot 11.

Squelettes arrêtant masques a été peinte en 1891 et présentes de nombreuses similitudes de style avec Squelettes se disputant un hareng : les personnages sont vus à mi corps laissant toute la partie haute de l'image pour un superbe ciel Ostendais.

La scène montre sept masques typiques du carnaval d'Ostende opposés au hussard qui parvient à les repousser. L'opposition est sociale : on ne sait pas quelle sordide vérité chaque masque peut cacher ni à quoi les bons bourgeois d'Ostende veulent jouer pendant le carnaval. La tête de mort du soldat montre sa réalité, elle est le contraire du masque. Ce squelette vit sa propre vie dans un monde dérisoire et rejetable, comme fait l'artiste lui-même.

Squelettes arrêtant masques est signée ENSOR accompagnée d'un as de pique rouge qui semble unique dans l'art d'Ensor et n'a pas été décodé. Cet as désigne à mon avis l'artiste comme le champion de ses opinions contestataires. La carte de pique est un symbole militaire qui renforce l'identification du hussard comme un auto-portrait. Le rouge est le symbole de la révolution pour les socialistes.

La Philosophie Universelle révélée au Monde

Isaac Newton fut le plus brillant innovateur scientifique de tous les temps. Vers la fin de sa vie il énonce les règles qui ont guidé sa méthode sans précédent. L'une d'entre elles résume en une simple phrase comment il a créé la physique moderne : to the same natural effects we must, as far as possible, assign the same causes.

Un de ses exceptionnels talents était de savoir développer des méthodes mathématiques d'une extrême complexité pour analyser et étayer ses propres théories physiques. Avant même d'avoir 30 ans, il compare les mouvements des planètes et la chute des corps. Essentiellement préoccupé par sa propre compréhension du mécanisme de l'univers, il publie avec parcimonie.

En 1684 à Londres, les savants de la Royal Society se mettent au défi de trouver la formulation mathématique de la loi de mouvement des planètes décrite par Kepler. Tous échouent. Halley visite Newton à Cambridge. Il est stupéfait : Newton connaît la solution mais a perdu ses notes de calcul. Le mouvement orbital d'un corps céleste est une ellipse dont la position de l'autre corps est un des foyers.

L'enjeu scientifique est important et Halley réussit à convaincre Newton de divulguer dans sa globalité ses résultats concernant la loi de la gravitation universelle. Edité et financé par Halley, le livre de Newton en latin intitulé Philosophiæ Naturalis Principia Mathematica sort en 1687 avec l'imprimatur de la Royal Society.

Le livre est difficile selon l'opinion de l'auteur lui-même et le tirage n'atteint probablement pas 300 exemplaires mais il est d'une telle importance scientifique que Halley et Newton prennent soin d'organiser la vente par l'intermédiaire des libraires. L'un d'eux nommé Samuel Smith est plus spécifiquement chargé de la diffusion sur le Continent et reçoit environ 50 exemplaires.

Le 14 décembre à New York, Christie's vend un exemplaire dans une reliure de luxe en maroquin incrusté, offert dans cet état par Smith à un destinataire non identifié. Il est estimé $ 1M, lot 167.

Un autre exemplaire d'honneur (association copy) est connu avec une reliure d'un luxe comparable. Il a été offert au roi Jacques II, patron de la Royal Society. Ce livre a été vendu pour $ 2,5M incluant premium par Christie's le 6 décembre 2013 sur une estimation basse de $ 400K.

20 nov. 2016

Les Alluvions du Wyoming

L'allosaure était le roi de son territoire à la période Haut-Jurassique il y a environ 150 millions d'années, mais sa répartition géographique était peut-être limitée : la plupart des squelettes sont excavés dans le Wyoming. L'ensablement d'une rivière ou une coulée de boue avait enterré ces dinosaures avant que les corps soient disloqués et les os fossilisés ont été conservés en excellent état.

L'allosaure a une ressemblance remarquable avec son très lointain successeur le tyrannosaure mais il est plus petit. Il a toutes les caractéristiques des plus redoutables prédateurs. Les griffes agrippent et lacèrent les proies et les dents longues de 7 cm étaient courbées vers l'arrière pour empêcher la victime de s'échapper. Les très hautes pattes arrière attestent de sa puissance effroyable.

Le 12 juin 2011 Heritage avait vendu pour $ 2,75M incluant premium un groupe composé d'un allosaure et d'un stégosaure dont les os avaient été trouvés entremêlés, signifiant que le carnivore et l'herbivore s'étaient entretués. Cet allosaure nommé Dracula avait 6,30 m de long et était complet à 70 %.

Le 5 octobre 2010, Sotheby's vendait pour € 1,3M incluant premium un allosaure mesurant 10 m de long ce qui est très gros pour cette espèce, également complet à 70 %.

Un nouveau specimen nommé Kan trouvé en 2013 dans le Wyoming sera vendu par Aguttes à Lyon le 10 décembre, lot 28. Il mesure 7,5 m et est lui aussi complet à 70 %. Il est remarquable pour la conservation de son crâne avec des dents encore en place sur la mâchoire et une très bonne articulation des vertèbres cervicales. Je vous invite à regarder la vidéo en français partagée par Art et Communication.

L'Edition Spéciale de Beedle le Barde

Joanne 'Jo' Rowling a 25 ans en 1990. Elle est une jeune femme fragile sans activité professionnelle régulière. Dans son adolescence elle aimait inventer des contes pour ses amis et lisait Le Seigneur des anneaux. Son train a quatre heures de retard et elle n'a rien d'autre à faire qu'à rêvasser. Elle invente Harry Potter. La saga sera écrite sous le nom de plume J.K. Rowling.

En sept livres, Harry Potter connaît un succès populaire sans précédent avec 450 millions d'exemplaires vendus. J.K. Rowling utilise une grande partie de son immense fortune pour des charités.

L'écrivain a appris à maintenir le suspense auprès des médias. En 2007, le dernier volume d'Harry Potter est publié. Un personnage de ce livre lit un recueil fictif de contes fantastiques intitulé The Tales of Beedle the Bard.

J.K. décide de donner une réalité à ce livre fictif. Elle écrit cinq histoires qu'elle réunit et édite en sept exemplaires autographes illustrés par elle-même. Les six premiers sont envoyés par courrier le 12 décembre 2007 en remerciement à des amis qui l'ont aidée dans la publication des Harry Potter.

Le lendemain le septième manuscrit est vendu par elle chez Sotheby's au profit de la charité The Children's Voice, après une intense annonce médiatique. Estimé £ 30K à 50K et offert sans frais acheteur, il est acquis par un courtier agissant pour Amazon pour £ 1,95M. Le public est excité et frustré par ce livre qui ne lui est pas accessible. J.K. autorise Amazon à utiliser son exemplaire pour préparer une édition qui devient un nouveau best seller dès sa parution.

L'un des six manuscrits d'honneur des Contes de Beedle le Barde est estimé au-delà de £ 300K à vendre par Sotheby's à Londres le 13 décembre, lot 319. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Le Poème de la Neige

L'art de Chu Teh-Chun est voué à la beauté et à la poésie de la nature, qu'il exprime sous la forme de paysages abstraits. Il a retenu à la fois la subtilité des pinceaux et des lavis des artistes Song et la mémoire sensorielle de Nicolas de Staël.

A partir d'un voyage dans les Alpes en 1965, Chu introduit parfois la neige dans ses vues. En décembre 1985, son train traverse une tempête de neige. Très inspiré par cette expérience imprévue, il explore jusqu'en 1990 le thème de l'hiver blanc.

Malgré l'éloignement géographie Chu était resté en relations étroites avec Wu Guanzhong qu'il connaissait depuis près d'un demi-siècle. Wu est le grand expérimentateur de la synthèse artistique entre l'Est et l'Ouest. En 1983 il utilise le point et la ligne pour construire un paysage.

Chu fait de même pour exprimer l'infinie variété de la neige. Elle est légère ou dense et flotte dans la lumière, et devient brume ou gel. Elle est l'acteur principal de la scène en masquant les traits du paysage. L'artiste prépare la toile avec un lavis qui donnera une impression d'ensemble. Si l'effet de cette texture lui plait, il peint ses points et ses lignes, plus ou moins gros et plus ou moins denses.

Il comprend aussi l'avantage des très grands formats pour exprimer son émotion poétique mais l'ascenseur de son immeuble de la banlieue Parisienne est trop exigu pour acheminer les grandes toiles. Pour cette raison ses plus grandes scènes de neige sont réalisés en diptyques. Inspiration Hivernale, 195 x 260 cm, terminé en 1990, a été vendu pour HK$ 28,7M incluant premium par Sotheby's le 4 avril 2011.

Vertige Neigeux, 200 x 400 cm, est l'aboutissement ultime de cette série. De 1990 à 1999 Chu modifie méticuleusement cette peinture jusqu'à obtenir une parfaite satisfaction. Elle a été vendue pour HK 45,5M incluant premium par Christie's à Hong Kong le 29 novembre 2009 et revient dans la même salle de ventes le 26 novembre 2016, lot 2508.

19 nov. 2016

Le Retour des Rois Ivres

Le 29 novembre 2009, Christie's vendait pour HK$ 46,6M un rouleau à main Chinois sur le thème des Cinq Rois ivres, lot 815. Avant la vente, j'avais discuté comme suit cette image inhabituelle et sympathique :

"C'est un rouleau à main de 2,10 m de long sur 35 cm de haut peint en encre et couleurs. Le titre est remarquable : Cinq rois ivres reviennent avec leurs chevaux. Il y a en tout neuf personnages. Les rois sont sur leurs chevaux dans des attitudes vacillantes. Quatre valets sont là pour assurer que leurs honorables maîtres ne vont pas tomber.

"L'artiste se nommait Ren Renfa et vivait sous la dynastie des Yuan il y a 700 ans. Héritier d'une tradition remontant à la dynastie des Tang, il s'est spécialisé dans des images de chevaux d'une grande beauté. La nature irrévérencieuse du thème est une preuve d'humour rare dans l'histoire de l'art et laisse supposer une grande liberté artistique au temps de la domination Mongole".

Cette pièce revient en vente à Beijing le 4 décembre chez Poly Auction, lot 4050. Cette image est en très bon état de contraste malgré son âge et elle a été étudiée avec attention. La trame du papier est conforme aux technologies Song et antérieure aux Ming. Le rouleau inclut des colophons anciens ainsi que les sceaux de trois empereurs Qing.

Les Rois ivres sont nommés et faisaient l'objet d'un très ancien poème. Bien que son oeuvre ne soit pas rare, Ren Renfa n'était sans doute pas un artiste professionnel : il travaillait comme fonctionnaire impérial chargé du contrôle de l'eau. Contrairement à mon enthousiasme de 2009, il est bien téméraire d'en tirer des déductions sur la liberté d'expression artistique en son temps.

Les Tang adoraient les chevaux, pour la guerre et pour le plaisir. Des artistes comme Han Gan et Zhang Xuan dessinaient des cavaliers avec un grand réalisme et cette tradition était encore fraîche au temps des Yuan. Un autre prédécesseur de Ren Renfa était Li Longmian qui vivait sous les Song. La procession des Rois ivres par Ren présente des similitudes révélatrices avec une promenade élégante de femmes peinte deux siècles plus tôt par Li d'après Zhang et conservée au Musée de Taiwan.

Le Rajeunissement de St Joseph

Murillo fait toute sa carrière à Séville, à l'époque de l'art baroque. Avant lui Ribera avait révisé l'iconographie des saints en imaginant leur passion de tous les jours. Murillo humanise les saints en les montrant dans des occupations ordinaires. Ses personnages honnêtes et pauvres invitent les fidèles à la sympathie et la charité.

St Joseph est le personnage idéal de cette nouvelle hagiographie. Son rôle dans la théologie Chrétienne  était mal défini. Thomas d'Aquin avait remarqué avec justesse que son existence était indispensable au côté de Marie pour éviter que cette mère non mariée soit persécutée par les Juifs. En contrepartie il n'a pas le droit à une vie sexuelle et est forcément très vieux.

La contre-réforme modifie cette vision. La sensibilité aux mystères diminue au profit d'une représentation plus familiale et moins narrative. Joseph a désormais un rôle majeur. Il est le père nourricier, signifiant l'éducateur bien intentionné. Il n'est pas une menace pour Marie et peut redevenir jeune.

Le 7 décembre à Londres, Christie's vend une huile sur toile 222 x 165 cm par Murillo sur le thème de St Joseph prenant la main de l'Enfant Christ, lot 50 estimé £ 3M. Cette peinture avait été vendue pour $ 2,5M par Sotheby's le 30 janvier 1998.

Joseph est un homme jeune, similaire à l'iconographie traditionnelle du Christ. L'Enfant un peu boudeur ou plutôt mal réveillé est dans la période précédant ses premiers enseignements et ses premiers miracles. La dimension mystique est assurée par les très discrètes auréoles et par un fond avec des anges.

Cette peinture n'est pas datée. Elle a été réalisée en couleurs neutres, avec seulement une lumière plus vive sur le visage de l'enfant. Cette simplicité dans l'exécution pourrait se rapporter à la dernière partie de la carrière de l'artiste. Murillo est mort en 1682 à l'âge de 64 ans des suites d'un accident de travail.

18 nov. 2016

Les Joues de St Joseph

Le dessin est un travail préparatoire indispensable aux peintres de la fin de la Renaissance. Raphael et Michel-Ange réalisent des dessins de très grande qualité qu'ils conservent comme des modèles réutilisables : ce sont les ben finito cartoni. Des copies sont percées pour permettent une copie exacte des traits lors de l'exécution de la peinture. Un dessin à la pierre noire par Raphael, perforé pour une application aux fresques du Vatican, a été vendu pour £ 29,1M incluant premium par Christie's le 8 décembre 2009.

La craie rouge ou sanguine est également utilisée. Le plus ancien artiste qui ait mélangé les deux craies sur un même dessin est probablement Piero Pollaiuolo, vers 1470. Fra Bartolommeo suit cette idée dans la préparation d'un groupe de portraits autour de 1515.

Dans l'oeuvre abondante d'Andrea del Sarto, seulement trois dessins aux deux craies ont survécu. Tous les trois sont des études de têtes de vieil homme pour St Joseph. Leurs applications pour des peintures réalisées dans la décennie 1520 ont été identifiées avec certitude.

Dans la suite de Fra Bartolommeo, Andrea dessine en noir les grandes lignes de la tête et ajoute le rouge pour apporter un effet charnel sur les joues, les lèvres et les oreilles. Le dessin donnait ainsi une impression réaliste qui anticipait l'effet de la peinture.

L'un des trois dessins de St Joseph est conservé au Ashmolean Museum à Oxford. Un autre, 37 x 23 cm avec au dos une étude de jambes à la sanguine, a été vendu pour £ 6,5M incluant premium par Christie's le 5 juillet 2005.

Le troisième dessin, 23 x 18 cm avec au dos une étude d'oeil, est le plus sympathique par le regard droit et les cheveux coiffés du vieil homme. Il était apparu pour la dernière fois dans une vente aux enchères en juillet 1833 et était de ce fait inconnu lors de l'étude faite par Christie's. Il est estimé au-delà de € 500K à vendre par Gestas et Carrère à Pau le 17 décembre. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Le lien dans le tweet ci-dessous mène à une étude publiée par Interencheres avec la collaboration de Gestas et Carrère et du Cabinet de Bayser, leader en France pour les expertises de dessins anciens.

17 nov. 2016

La Liberté de Vote

L'entrée en guerre des Etats-Unis en 1941 ne suscite pas d'opposition mais les gens sont inévitablement troublés par cette nouvelle situation. Norman Rockwell ne s'engage pas en politique mais ses couvertures hebdomadaires du Saturday Evening Post contribuent au maintien du moral patriotique.

La guerre est nécessaire pour maintenir les libertés. En 1943 Rockwell prépare une série d'affiches illustrant les Quatre Libertés telles qu'elles ont été définies par le Président Roosevelt dans son discours de 1941 sur l'Etat de l'Union  : la liberté de parole, la liberté de culte, la liberté de vivre à l'abri de la peur, la liberté de vivre à l'abri du besoin.

Une nouvelle élection présidentielle a lieu en novembre 1944. Le président sortant est malade mais considère que l'Amérique ne doit pas changer de pilote. Son adversaire républicain Thomas E. Dewey s'oppose à lui sur certains thèmes sociaux mais ne discute pas les affaires militaires et la politique étrangère. Du fait de la similitude des programmes, les électeurs sont indécis.

La couverture de Rockwell pour le Saturday Evening Post du 4 novembre 1944 montre un homme assez âgé à l'intérieur de l'isoloir. Il se tient le menton d'un geste dubitatif en tenant le journal local qui ne l'aide pas beaucoup en titrant : Which one (Pour qui ?). Ses poches sont remplies de papiers attestant qu'il considère la question avec le sérieux requis pour un bon citoyen.

L'huile sur toile 94 x 74 cm préparée par Rockwell pour cette illustration est estimée $ 4M à vendre par Sotheby's à New York le 21 novembre, lot 12. C'est l'image de gauche du tweet ci-dessous :

15 nov. 2016

Le Pigeon Paresseux de l'Océan Indien

En 1598 des marins Hollandais visitent l'île Maurice avec une intention de colonisation. Le dodo est assez abondant. Il a l'apparence d'un dindon gras et nonchalant. Les premiers colons l'appellent walgvogel signifiant oiseau répugnant.

La découverte de cet oiseau suscite une certaine curiosité en Europe, sans déclencher une analyse scientifique. Quand il devint évident environ un siècle après la découverte que l'espèce était éteinte, toute information fiable avait aussi disparu. Les spécimens empaillés avaient pourri. Les descriptions faites par les voyageurs et les rares dessins pouvaient être mis en doute.

Il est probablement le résultat d'une migration trans-Océane de pigeons il y a une dizaine ou une vingtaine de millions d'années. La végétation était abondante sur cette île isolée et il n'y avait pas de prédateurs. Au fil des générations l'espèce s'est transformée. L'oiseau est devenu plus gros et les ailes se sont atrophiées, rendant la fuite impossible quand les hommes sont arrivés, amenant avec eux des cochons, des singes, des chats et des chiens qui ont mangé les bêtes et les oeufs.

En 1865 un maître d'école est autorisé à fouiller une tourbière. Le résultat répond à l'attente : les os sont abondants, probablement suite à une inondation ancienne qui avait englouti simultanément une importante quantité d'oiseaux. Des os sont envoyés aux zoologistes anglais et le reste de la collection est vendu aux enchères à Londres par J.C. Stevens.

La plupart des os de dodo vus sur le marché proviennent de la vente Stevens. Des découvertes importantes ont été faites à partir de 2005 mais leur exportation est interdite.

Pendant quatre décennies un collectionneur a acheté des os de dodo dans le but de créer un squelette le plus complet possible. Il a réussi à 95 %, avec comme seuls éléments manquants une partie du crâne et quelques griffes. Ce squelette composite est estimé £ 300K à vendre par Summers Place à Billingshurst (West Sussex) le 22 novembre, lot 81. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

14 nov. 2016

Le Mandala de la Lumière

Le mandala est un support de méditation Bouddhiste. Un système de 42 mandalas a été défini il y a 900 ans par Abhayakaragupta, un gourou originaire du Bengale, pour enseigner l'univers dans sa globalité.

La construction d'un mandala est faite de carrés, de cercles et de lignes selon une application qui suit rigoureusement les instructions du pandit. Un mandala est utilisé par un seul des dieux. Pour un autre dieu, une image similaire est créée. Tous les symboles nécessaires à l'enseignement mystique entrent dans l'une ou l'autre de ces images.

Le centre est le palais où réside le dieu. Les portails ouvrent la voie aux sept cieux et à la Terre. Les déités associées se répartissent selon un principe basé sur une rose des vents. Les bords haut et bas incluent les personnages du lignage du lama, la figure du donateur et quelques précieuses inscriptions qui permettent de mieux interpréter la signification.

Le 29 novembre à Hong Kong, Bonhams vend un mandala 84 x 73 cm peinte à la détrempe sur drap avec des inscriptions en Tibétain. Cette pièce est dédiée à Marici, la déesse de la lumière. Elle est estimée HK$ 16M, lot 117.

Seize autres éléments de la même série sont dispersés entre des collections publiques et privées. Les couleurs sont vives et la réalisation est soignée. Leur analyse globale converge pour considérer que ces pièces ont été réalisées en hommage posthume au 14ème lama d'un monastère Tibétain de tradition Sakya. La figure de cet abbé mort en 1375 de notre calendrier est visible au centre de la frise supérieure.

Victoire sur la Poliomyélite

Les épidémies de poliomyélite deviennent plus fréquentes à la fin du XIXème siècle jusqu'à devenir un problème majeur de santé publique au début du siècle suivant. L'attaque par le virus atteint la moelle épinière.

Cette maladie infectieuse est incurable. Elle a été vaincue par la vaccin. Son éradication totale est au programme de l'OMS.

En 1949 J.F. Enders, T.H. Weller et F.C. Robbins travaillant ensemble dans un laboratoire du Boston Children's Hospital publient le résultat de leurs recherches dans la revue Science sous le titre 'Cultivation of the Lansing Strain of Poliomyelitis Virus in Cultures of Various Human Embryonic Tissues'.

Avant eux le virus était surtout cultivé in vivo sur des singes. Enders, Weller et Robbins ont franchi une étape décisive en réalisant cette culture dans un tube à essai sans utiliser de cellules nerveuses. La croissance des souches devient facile et plusieurs vaccins inventés par d'autres chercheurs démarreront la production de masse dans les huit ans qui suivent.

Le prix Nobel de Physiologie ou Médecine a été attribué à ces trois virologistes en 1954. Le 6 décembre à New York, Sotheby's vend la médaille et le diplôme Nobel de Frederick C. Robbins ainsi que des tirés à part de plusieurs de ses articles scientifiques dont la conférence Nobel. L'ensemble est réuni au lot 164 estimé $ 400K.

La Semaine de Pâques à Dublin

L'insurrection Irlandaise est lancée le lundi de Pâques 24 avril 1916 à Dublin contre le pouvoir Britannique dans le but de créer une République Irlandaise indépendante. Elle échoue. Le 30 avril les derniers groupes de rebelles se rendent. Tous les dirigeants de la rébellion sont exécutés le mois suivant.

Le 7 décembre à Dublin, Adam's vend trois lots relatifs à cet évènement : deux exemplaires de l'affiche de proclamation datée du 23 avril et un ordre de reddition inconditionnelle autographe signé par le stratège et porte-parole du mouvement, P.H. Pearse, sur une feuille 35 x 21 cm.

Chacune des affiches est estimée € 250K, lot 51 et lot 52. Un autre exemplaire a été vendu pour £ 305K incluant premium par Sotheby's le 15 décembre 2015. Le manuscrit de reddition est estimé au-delà de € 1M, lot 50. Il avait été vendu pour € 700K hors frais par la même maison de ventes le 25 mai 2005.

L'affiche avait été imprimée dans la plus grande hâte sur une feuille 76 x 51 cm. Environ 1000 exemplaires ont été imprimés et moins de 50 survivent. L'imprimeur n'avait pas la typographie nécessaire, ce qui est parfaitement visible avec les deux types différents de la minuscule 'e'. L'encrage est irrégulier.

L'ordre de reddition inconditionnelle a été écrit par Pearse en plusieurs exemplaires pour communiquer avec chacun des groupes d'insurgés. Pearse lui-même avait dû se rendre la veille et n'avait aucune possibilité de négocier. La lettre indique clairement l'intention d'arrêter le massacre. Le National Museum of Ireland possède deux de ces lettres.

13 nov. 2016

Construction en Rouge par Rodchenko

Il y a bien des similitudes entre l'art de Malevitch et l'art de Rodchenko. Tous deux sont basés sur des éléments géométriques et éliminent tout effet narratif ou émotionnel. Leurs intentions sont cependant différentes.

Le carré noir sur fond blanc est créé par Malevitch en 1915, deux ans avant la révolution. Cette pièce séminale du suprématisme donne une existence autonome à la surface peinte dénuée de toute autre signification.

La Révolution d'Octobre apporte une éphémère impression de liberté aux avant-gardes artistiques. En 1918 Malevitch va plus loin dans sa démarche avec son carré blanc sur fond blanc.

Pendant ce temps Rodchenko veut définir un art socialiste qui doit aboutir à des réalisations concrètes. Son constructivisme, basé sur la prédominance de la ligne, développe les structures géométriques sur lesquelles des architectures, des pièces d'ameublement ou des lampes pourront être bâties.

Rodchenko appuie ses théories avec des huiles sur toile, méticuleusement réalisées avec la règle et le compas pour éviter tout tremblement de la main. Les principales figures sont des faisceaux divergents de lignes qui viennent se superposer à des grilles sans toutefois que leur position réponde à la logique d'une perspective.

Le 29 novembre à Londres, Sotheby's vend Construction No. 95, 65 x 40 cm, peint en 1919, lot 10 estimé £ 2,5M. L'oeuvre a été titrée 'sur écarlate' par l'artiste par référence à la couleur orange-rougeâtre du fond. Cette couleur n'est pas le rouge vif de la Révolution. Elle est un symbole d'appel à l'activité selon les théories de Kandinsky dont Rodchenko est très proche à cette époque.

En 1921 l'aboutissement ultime de la démarche constructiviste est une série de peintures monochromes en couleurs pures par Rodchenko. L'art abstrait commence déjà à apparaître comme une menace et l'artiste abandonne la peinture pour développer une nouvelle carrière de décorateur, illustrateur et photographe socialiste.

La Fin du Cheval

Dans son enfance Marino Marini admirait les héros des statues équestres depuis Marc Aurèle jusqu'aux condottieri de Donatello. Il les considérait comme des promesses pour une civilisation nouvelle et ils devinrent un des thèmes préférés de son art.

Les premiers groupes réalisés par Marini sont calmes et dignes. Quand Picasso demande au cheval de Guernica de hurler contre la guerre, Marini comprend et suit. Après les premières ruades, l'équilibre entre le cheval et le cavalier devient précaire puis impossible.

Le cheval est expulsé du monde d'après-guerre par la voiture, sans espoir de retour. Marini est horrifié par sa visite à New York en 1950. Sa version du Cavaliere réalisée en 1951 est une prophétie de la chute du monde moderne en une catastrophe universelle similaire à Sodome et Pompéi.

Ce groupe haut de 1,22 m est spectaculaire et tragique. Le cheval semble fort par sa position stable sur ses quatre pattes mais il pousse le cri de Guernica. Le cavalier a perdu tout contrôle. Il est penché raide vers l'arrière et ses bras sont levés en un geste dérisoire.

Un Cavaliere en bronze ciselé avec une patine brune et grise, édité avant 1953 par Battaglia à Milan, est estimé $ 4M à vendre par Christie's à New York le 16 novembre, lot 4 B. Un autre exemplaire avec une patine brune et or a été vendu pour £ 4,5M incluant premium par Christie's le 14 octobre 2010.

Françoise à Vallauris

Picasso trouve en 1944 une nouvelle muse, la très jeune Françoise Gilot, avec qui il a deux enfants. En 1948 ils s'installent à Vallauris. Dans cette période heureuse, Pablo focalise sa créativité sur les matériaux et revient à la sculpture, notamment avec ses figures d'animaux.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend une tête de Françoise en bronze de 50 cm de haut, lot 16 estimé $ 6M, d'une édition de 2 fondue par Valsuani. Cette tête plus grande que nature a été conçue en 1951.

A la même époque Valsuani édite aussi des sculptures plus anciennes comme la tête de Dora d'après un plâtre de 1941, 80 cm incluant le socle. Un des deux exemplaires a été vendu pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2007. Deux autres exemplaires ont été fondus par Susse.

La tête de Dora était un portrait réaliste. Pour Françoise, l'artiste est inspiré par ses essais de céramique. Les yeux et la bouche sont dessinés par incision de la surface, donnant à cette tête un volume plus lisse que nature qui idéalise sa compagne.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Sotheby's, incluant également une peinture du Peintre et son modèle précédemment discutée dans cette chronique.

12 nov. 2016

Le Bureau de Poste de l'Ile Maurice

Le timbre poste, mis en circulation par l'administration Britannique en 1840, est progressivement adopté par d'autres pays. En 1847 l'île Maurice est la première colonie Britannique à autoriser ce mode de paiement pour l'acheminement de la correspondance.

Deux dénominations sont émises : 1 penny et 2 pence. La plaque d'impression est réalisée en intaglio par un graveur local à l'imitation des timbres à l'image du profil de la reine Victoria alors en vigueur en Grande-Bretagne.

Ils sont extrêmement rares : l'impression avait été stoppée l'année suivante lorsque l'administration a décidé de replacer les mots Post Office par Post Paid sur le bord gauche. 500 timbres Post Office de chaque valeur ont été édités. Une enveloppe qui a circulé avec un exemplaire de chacun des deux timbres a été vendue pour CHF 6,2M incluant premium par David Feldman en 1993.

La plaque d'impression fait surface en 1912. Elle est unique en son genre. Un seul exemple des deux dénominations figure sur ce petit morceau de cuivre 81 x 61 mm. Du fait de cette configuration rudimentaire les timbres devaient être imprimés à l'unité.

Considérée comme un très important trésor philatélique, la plaque entre vers 1930 dans la collection de Maurice Burrus mais n'apparaît pas dans sa succession. Le mystère est levé en 2013 lorsque la famille la trouve par hasard dans la préparation d'une succession : une nièce du collectionneur l'avait conservée en souvenir dans une petite enveloppe, sans jamais imaginer sa valeur inestimable de témoin de l'époque pionnière du timbre.

La plaque est estimée au-delà de € 2M à vendre le 1er décembre à Genève par David Feldman, lot 1. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. L'image ci-dessous est extraite du press kit. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par David Feldman expliquant en détails cette redécouverte.




Deux Nuances de Rose

De nouveaux diamants exceptionnels permettent en cette fin d'année à Genève de comparer les deux plus prestigieuses nuances de rose. Les deux lots ci-dessous ont été expertisés en 2016 par le GIA.

Le 15 novembre, Christie's vend un fancy vivid pink pesant 9,14 carats taillé en poire. Sa clarté est seulement VS2 mais il est exceptionnel par la pureté de sa nuance, sans aucune trace de couleur secondaire. Il est estimé CHF 16M, lot 216.

Le fancy vivid pink est la couleur la plus subtile. Citons le Pink Star, internally flawless pesant 59,60 carats, vendu pour CHF 76M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013 mais impayé par l'acheteur.

Un exemple plus comparable en taille et clarté de celui qui vient en vente est le diamant d'Huguette Clark, réduit à 8,72 carats pour atteindre une clarté VS2. Il a été vendu pour CHF 14,8M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015.

Le 16 novembre, Sotheby's vend un fancy intense pink pesant 17,07 carats, lot 336 estimé CHF 12M. Sa clarté est sensationnelle. Il a été gradé VVS1 par le GIA avec un plan de polissage qui permettrait probablement de le monter à Internally flawless. Sa beauté est démontrée par la vidéo ci-dessous.

Le diamant à vendre a été taillé en émeraude, souvent considéré comme étant la meilleure coupe pour ce qui concerne la brillance. Le Graff Pink, autre fancy intense pink taillé en émeraude pesant 24,78 carats en clarté VVS2, a été vendu pour CHF 45,4M incluant premium par Sotheby's le 16 novembre 2010.

La clarté ne suffit pas pour prévoir le prix au carat. La saturation de la couleur donne en théorie un avantage à la variante fancy vivid pink. Rappelons l'échelle des clartés : IF, VVS1, VVS2, VS1, VS2, SI1, SI2.

Sourires au-dessus de Vitebsk

L'Hiver, huile sur toile 162 x 114 cm peinte par Chagall vers 1966, a été vendue pour £ 3,5M incluant premium par Christie's le 18 juin 2007. Elle est estimée $ 7M à vendre par Christie's à New York le 16 novembre, lot 29 B.

Agé de 79 ans, l'artiste pioche dans ses souvenirs heureux qui sont répétitifs tout au long de son oeuvre. Il en est conscient et admet non sans fierté qu'il assemble ses symboles comme un poète utilise les lettres de l'alphabet pour créer des mots nouveaux.

La scène de L'Hiver montre quatre personnages en lévitation, la nuit au-dessus d'une ville qui ne peut être que Vitebsk qu'il avait quittée 44 ans auparavant. Malgré la densité de la scène, la composition est très équilibrée grâce à un habile échelonnement des distances.

Au plus près une jeune femme tient un gros bouquet de mariée. Derrière elle, le fiancé est un bouc. Les deux autres offrent une sérénade : un homme à tête de coq charme la belle avec sa flute et sur le dos du bouc le violoncelliste joue de son instrument avec passion.

Chagall n'avait pas eu une vie facile mais dans son approche onirique du surréalisme il cherchait toujours à exprimer et communiquer le bonheur. Les humains et les bêtes sourient.

11 nov. 2016

Le Développement de la Vincent Rapide

La société Vincent HRD est dirigée par Philip "Phil" Vincent qui a acheté HRD Motors en 1928. Les premières motos Vincent-HRD sont équipées d'un moteur JAP à un seul cylindre. En 1934 la marque Vincent décide de concevoir et fabriquer ses propres moteurs.

La production de la Vincent Rapide Series A commence en octobre 1936. Ce modèle surpuissant est équipé d'un moteur V-twin de 998 cc. Avec sa vitesse de pointe à 180 Km/h, elle est plus rapide que la Brough SS100.

L'efficacité est prépondérante sur l'esthétique : la Rapide Series A est surnommée Plumbers Nightmare en raison de sa tuyauterie trop visible. Trop en avance sur son temps elle est difficile à mettre au point et la production est stoppée en 1939 après le 78ème exemplaire.

Une Rapide Series A fabriquée en 1938 est estimée £ 200K à vendre par H and H à Donington Park le 15 novembre, lot 64. Un magazine spécialisé publié en septembre 1940 montre Phil Vincent à bord de cette moto. C'est la seule photo connue montrant le patron avec ce modèle.

Cette bécane avait été découverte en 1988. Elle n'était pas en état de fonctionnement mais avait conservé ses équipements d'origine. Elle a été soigneusement restaurée par un enthousiaste de la marque. Elle est aujourd'hui un témoin authentique de cette éphémère Series A qui avait eu le mérite d'ouvrir la voie au grand succès des Rapide Series B et C d'après guerre.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par H and H.

Le Porteur de la Foudre

Le 29 novembre à Hong Kong, Bonhams vend une spectaculaire statue Tibétaine de Vajrapani d'une extrême rareté, lot 108 estimé HK$ 22M. Elle est unique en son genre par sa grande dimension et son superbe état de conservation.

Vajrapani est l'appropriation d'Indra par le Bouddhisme. Il tient la foudre qui prend la forme d'un sceptre de diamant capable de pourfendre n'importe quel matériau ou n'importe quel ennemi. Le Bouddhisme canalise la violence du terrible guerrier pour en faire un défenseur sans compromis des enseignements moraux.

La statue à vendre haute de 1,05 m est un assemblage de six pièces de laiton moulées, avec des inclusions de cuivre. Les joints sont positionnés de façon à rester invisibles des fidèles. La tête est peinte avec de l'or et des pigments blanc et orange. La structure creuse fermée dans le dos par une plaque permet de conserver des offrandes rituelles.

Par comparaison de style avec une stèle de pierre Yuan montrant le même personnage, la statue à vendre peut être datée de la fin du XIIIème siècle de notre calendrier. Les inclusions de turquoise et de corail sont ultérieures.

L'artiste a tout fait pour symboliser une puissance féroce : les proportions massives, le bras levé pour brandir la foudre, le genou fléchi du guerrier en action, le vêtement inférieur décoré en peau de tigre, l'expression faciale sauvage, les yeux grand ouverts et proéminents, la barbe enflammée, les longs crocs aux coins de la bouche.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Bonhams.

Vija Celmins face à la Houle

Vija Celmins a commencé sa carrière artistique à Los Angeles dans le sillage du pop art, en peignant des reproductions de photographies en noir et blanc et des images d'objets ordinaires.

Son Burning plane peint en 1965 fait écho aux avions militaires de Richter. Elle est plus directement inspirée par les idées de Jasper Johns sur un art sans sentiment. Cette huile sur toile 36 x 62 cm a été vendue pour $ 3,4M incluant premium par Sotheby's le 24 septembre 2014.

Influencée également par l'art en nuances de gris de Morandi, elle utilise le dessin au graphite à partir de 1965 avec des agrandissements hyper-réalistes de photographies de nuages faites par elle-même.

En 1968 Vija Celmins modifie sa technique en dessinant sur des papiers préalablement couverts d'une peinture acrylique. Pendant plus de dix ans, elle photographie et copie méticuleusement la houle de l'Océan Pacifique du bout de la jetée de Venice Beach à LA. L'absence totale de terre et de vie donne une illusion d'infini qui peut être comparée aux peintures d'Agnes Martin. La distance respective des ondulations apporte la perspective qui manque dans l'art de Martin.

L'une des premières oeuvres de cette série sur papier 36 x 48 cm incluant une large bordure a été vendue pour $ 1,7M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2013. Une vue en diagonale par rapport au vent, dessinée en 1969 avec une bordure minimale, est estimée $ 1,5M à vendre par Phillips à New York le 16 novembre, lot 6.

10 nov. 2016

Passions pour l'Outre-Tombe

Enfant prodige, Gustav Mahler devient chef d'orchestre et utilise son temps libre à la composition musicale. Son autre passion est pour le mysticisme catholique, bien qu'il soit juif. Il est inspiré par les symphonies de Liszt et Bruckner et par la construction grandiose des opéras de Wagner.

Assistant aux obsèques de von Bülow en 1894, Mahler est ébloui par l'ode à la Résurrection de Klopstock. Il entreprend aussitôt sa seconde symphonie en cinq mouvements intégrant un poème symphonique intitulé Todtenfeier (cérémonie funéraire) qu'il avait composé en 1888.

Les quatre derniers mouvements forment un crescendo dramatique jusqu'au fortissimo exalté du cinquième mouvement. La seconde symphonie de Mahler est monumentale par sa durée, près d'une heure et demie, et par son orchestre de 90 musiciens accompagnés par des choeurs et par des solistes soprano et alto. Le chef d'orchestre Semyon Bychkov commente : "c'est comme si vous arriviez au ciel après avoir traversé l'enfer".

En 1965 l'homme d'affaires Gilbert Kaplan est à son tour subjugué par la seconde symphonie. Il a des talents de chef d'orchestre qu'il consacrera dorénavant exclusivement à cette oeuvre.

Ecrit d'avril à décembre 1894, le manuscrit autographe de la seconde symphonie en 232 pages 35 x 27 cm est resté complet avec ses ratures, ses retraits et ses ajouts. Il n'a jamais été relié. Provenant de la succession de Kaplan qui l'avait acquis en vente privée en 1984, ce manuscrit est estimé £ 3,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 29 novembre, lot 36. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


La Famille Percée de Barbara Hepworth

Henry Moore a déconstruit et reconstruit le corps humain. Lynn Chadwick a peuplé son propre univers de personnages surréalistes en bronze qui aiment se réunir sur des gazons anglais. Pendant ce temps la sculpture de Barbara Hepworth est résolument abstraite, inspirée par les embruns sur les mégalithes de Cornouailles.

Hepworth revient à la figuration en 1970, à sa manière. Après tout, une pierre fichée et un être humain debout ont des similitudes de formes. Comme Chadwick elle ne cherche pas les détails reconnaissables. Elle construit ses personnages comme elle faisait avec ses totems, avec des trous qui deviennent plus expressifs que la matière qui les entoure.

Nine Figures on a Hill, qui sera plus tard renommé The Family of Man, est une assemblée de neuf sculptures séparées qui symbolisent ensemble la croissance et la maturité de l'être humain comme dans une surréaliste cérémonie de mariage : Young girl, Youth, Bride, Bridegroom, Parent I, Parent II, Ancestor I, Ancestor II et Ultimate form. Le nombre de composants varie de l'enfant à l'adulte, de deux à quatre.

The Family of Man a été réalisé en bronze, en deux séries complètes auxquelles s'ajoutent quatre exemplaires de chacune des neuf figures.

Selon l'artiste, Parent I est la mère universelle, qui a peut-être donné vie à une vingtaine d'enfants. Avec près de 2,70 cm de haut, elle est dominante toute en restant opulente avec ses lignes souples. Un bronze de Parent I est estimé £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 22 novembre, lot 13.

Queen Anne après Vigo

En 1702 les anglais n'ont pas réussi à prendre le port de Cadix et détournent leur effort sur la baie de Vigo où un convoi vient d'arriver en provenance de La Havane, apportant en Europe les richesses de l'Amérique. Le trésor de guerre capté par les anglais à Vigo est important.

L'or est rare en Angleterre. En 1703 l'or saisi à Vigo est utilisé pour frapper des monnaies à l'effigie de la reine Anne. La plus forte dénomination est la 5 guineas, une réalisation superbe pesant plus de 40 grammes. Sa population totale est estimée à 20 unités en deux variantes différenciées par la position du mot VIGO centrée sous le buste ou décentrée sous l'épaule. La version VIGO sous l'épaule est la plus rare.

Le 9 février 2016, St. James's a vendu pour £ 275K hors frais un exemple en très bon état de la variété VIGO sous l'épaule, gradé AU55 par PCGS.

Un autre exemplaire VIGO sous l'épaule vient d'être découvert par un particulier dans un "trésor de pirate" que lui avait constitué bien des années auparavant son grand-père, amateur de voyages et de monnaies. Elle est estimée au-delà de £ 200K à vendre par Boningtons à Epping (Essex) le 16 novembre, lot 116.



9 nov. 2016

Un Jeune Garçon sur la Lune

La guerre est finie et Hergé cherche de nouveaux thèmes d'actualités. Les effrayants missiles allemands laissent supposer que la conquête spatiale sera bientôt possible. Aux Etats-Unis l'usine atomique d'Oak Ridge est un modèle pour une organisation moderne capable de réaliser des projets industriels de grande ambition.

Hergé décide donc d'envoyer Tintin, son chien et ses amis sur la Lune après qu'ils aient contribué au développement du projet. L'histoire est intitulée On a marché sur la Lune et sera pré-publiée dans le Journal de Tintin dont la parution est hebdomadaire.

La publication commence en 1950 mais est interrompue après 24 pages, juste avant le lancement de la fusée d'essai. La nouveauté du sujet, sept ans avant Sputnik 1, a apparemment intimidé Hergé toujours soucieux d'envelopper ses fantaisies dans un environnement réaliste. Il se renseigne sur la topographie lunaire, les mouvements en apesanteur et la faible attraction gravitationnelle de la Lune.

La parution hebdomadaire redémarre deux ans plus tard et s'achève le 30 décembre 1953. Contrairement aux histoires d'avant-guerre qui étaient préparées en double page, chaque original est limité à une page.

Il faut désormais préparer l'album. L'histoire est très longue et fait l'objet de deux albums parus en 1954 : les aventures au sol constituent Objectif Lune et le voyage proprement dit conserve le titre initial. Pour ajuster à deux albums de 62 pages chacun, de nombreuses modifications sont effectuées dans la mise en pages et certains gags sont refaits.

Deux dessins originaux 37 x 51 cm viennent en vente à Paris le 19 novembre dans deux maisons de ventes différentes.

Christie's vend la page 117 de la première version, publiée dans Le Journal de Tintin le 9 décembre 1953 et qui deviendra sans modification la page 59 du second album. La fusée arrive au sol avec un retard de freinage et la catastrophe est probable. Les principaux personnages ne sont pas visibles. Le dessin est estimé € 350K, lot 75.

Artcurial vend la page 26 du second album, qui est une copie réarrangée du bas de la page 78 et de la page 79 de la pré-publication. L'arrivée de Milou sur le sol lunaire et sa première expérience avec la gravitation allégée ont été simplifiées. Cette page qui montre l'ébahissement des personnages dans des conditions qu'aucun être vivant n'avait connues avant eux est amusante et emblématique. Elle est estimée € 700K, lot 498.

Visages Brouillés et Longs Manteaux

Adrian Ghenie a vécu son enfance pendant la dictature de Ceausescu. Il comprend et exprime la fragilité de la vie moderne où l'horreur politique reste possible.

Les hommes de ses peintures, avec leurs chapeaux démodés et leurs longs manteaux, ont détruit leur propre vie en détruisant les autres. L'artiste remplace le visage par une charpie. Dans la difficulté de définir une vie acceptable, il fait de même avec ses autoportraits.

Nickelodeon montre un groupe de cette Nomenklatura dans une ambiance d'angoisse. Cette peinture 238 x 414 cm réalisée en 2008 a été vendue pour £ 7,1M incluant premium par Christie's le 6 octobre 2016.

L'artiste continue sur le même thème. Le 15 novembre à New York, Christie's vend The Bridge, huile sur toile 230 x 200 cm peinte en 2015, lot 19 A estimé $ 1,5M.

Le vieux pont au-dessus de la rivière dans une ville indéfinissable est net. Le reste de l'image incluant la circulation sur le pont est brouillé par des lignes ondulantes. La silhouette d'un homme seul en émerge : il est immobile et regarde l'eau. Pourquoi aurait-il cessé son activité sinon pour penser au suicide ? Il n'a pas d'identité et sa vie n'a servi à rien.

8 nov. 2016

Expressions de Londres

La visite de Gerhard Richter à Londres en 1987 a été très importante pour sa notoriété Européenne. Revenu dans son atelier, il prépare quatorze peintures qui seront exposées à la Anthony d'Offay Gallery en mars et avril 1988. D'Offay est un grand incitateur de la création artistique : en 1986 c'est ce marchand d'art qui était derrière l'ultime grande série par Warhol connue plus tard sous le nom de Self portrait Fright wig.

Les quatorze peintures abstraites occupent la salle d'exposition comme l'avaient fait les nymphéas de Monet dans le projet des Grandes Décorations. Richter les a peintes au pinceau et à la raclette selon la méthode développée par lui en 1986, obtenant une grande brillance par la superposition de l'impasto et des couches fluides. Elles montrent également une texture tachetée qui est vibrante.

Richter n'a pas abandonné son idée de l'absence de signification de l'art et plus spécifiquement de sa propre peinture. La mise en parallèle de cette série de "vues" expressionnistes abstraites avec la vision offerte par Monet des couleurs et lumières au travers du brouillard de Londres est attractive mais sans doute erronée.

Ces images homogènes sont différenciées par un titre qui appelle un monument ou un lieu de Londres. Brick Tower est un élément de la Tour de Londres. AB 643-1 Brick Tower, huile sur toile 200 x 140 cm en vision verticale a été vendue pour £ 14,1M incluant premium par Sotheby's le 1er juillet 2015.

AB 653-1 St James, huile sur toile 200 x 260 cm en format panoramique peinte en 1988, est estimée $ 20M à vendre par Sotheby's à New York le 17 novembre, lot 6.

Artiste au Chevalet et Modèle Nu

Picasso épouse en 1961 Jacqueline Roque qui était sa compagne depuis près de dix ans. Il est heureux et décontracté. En 1963 il se consacre essentiellement au thème de l'homme et de la femme, plus précisément au peintre et son modèle.

Il peint beaucoup, même trop, ré-explorant les styles de sa carrière comme il avait fait en 1955 avec les Femmes d'Alger mais sans produire une suite structurée. Certaines de ses huiles sont à peine plus que des esquisses. Toutes sont construites de la même manière : la toile est divisée en deux parties égales avec l'artiste en gros plan à gauche et la femme nue à droite.

Les environnements sont variés, en extérieur ou en studio. Ce ne sont pas des auto-portraits : l'homme n'a pas toujours le même visage. Pablo n'est pas barbu et n'utilise jamais les attributs qu'il donne à ses personnages, le chevalet et la palette. La femme n'est pas identifiable. Elle prend diverses positions.

Une scène d'extérieur fait exception par sa grande dimension, 130 x 195 cm, et par la proximité érotique des deux personnages. Elle est le chef d'oeuvre de cette série mais n'a pas atteint les $ 25M attendus aux enchères en 2013.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend Le Peintre et son modèle daté 26.3.63.II. Cette huile sur toile bien colorée est une des plus grandes de la série parmi les scènes d'intérieur, 130 x 162 cm. Elle est estimée $ 12M, lot 22. Le numéro de série II pour cette journée sur une oeuvre relativement complexe témoigne de la frénésie de création de cet artiste octogénaire.

La femme est debout devant un paravent de salle d'habillage. Le contraste entre la grosse tête de l'artiste et la tête minuscule de la femme indique que le travail en cours ne génère pas de communication. L'objectif visé par Pablo est l'art, symbolisé par un buste de faune sur le bord droit de la composition.


7 nov. 2016

Un Eté à Provincetown

Milton Avery était un ouvrier d'usine et un autodidacte. Il réunit un groupe de jeunes artistes autour de lui à New York au début des années 1930. Ils ont quinze ans de moins que lui et deviendront vingt ans plus tard de grands noms de l'expressionnisme abstrait : Rothko, Gottlieb, Newman. Ils discutent inlassablement du Fauvisme français et de l'expressionnisme allemand.

Avery peint des sujets simples et intimes : sa femme, sa fille, une plage, des musiciens. Dans les années 1940 il débarrasse progressivement son art de tous les détails figuratifs qui ne sont pas strictement nécessaires. En 1950, derrière March et Sally, la terrasse, les arbres et le ciel forment une structure colorée disposée en registres horizontaux comme une abstraction de Rothko. Cette huile sur toile 76 x 102 cm a été vendue pour $ 5,7M incluant premium par Sotheby's le 21 mai 2014.

L'art abstrait Américain se développe. Avery maintient les relations et conserve son influence. Ses thèmes restent cependant figuratifs. Avec Sea and sand dunes peint à Provincetown MA en 1955 le réalisme des formes et des couleurs disparaît complètement.

La grande masse informe de la dune bouche la partie droite de l'image tout en apportant la seule information de perspective devant les registres horizontaux du ciel, de la mer et de la plage. Les nuages ont abandonné le ciel rouge pour flotter devant la mer presque noire.

Cette huile sur toile 102 x 154 cm est estimée $ 3M à vendre par Sotheby's à New York le 17 novembre, lot 42 estimé $ 3M.

L'amitié et les discussions continuent malgré la nouvelle célébrité des plus jeunes artistes, maintenant dans leur cinquantaine. En 1957 Rothko et Gottlieb rejoignent Avery à Provincetown pendant leurs vacances d'été.

L'Artiste à la Barbe Verte

Après plus d'un an de convalescence, Pablo Picasso reprend ses pinceaux en février 1967. Agé de 86 ans, il est trop vieux pour que les femmes l'excitent et son art entre dans une nouvelle phase. Le thème des Mousquetaires est amusant et lui permet de réinterpréter à sa propre façon les maîtres du passé.

L'Homme à la pipe peint le 8 mai 1969 entre dans ce mouvement avec des caractéristiques particulières. Il n'est pas un mousquetaire mais un artiste. La barbe épaisse et le chapeau ressemblant à un canotier permettent même d'identifier un impressionniste. La barbe est verte, assurant un lien entre les pionniers de la peinture de plein air et l'envie de retour à la terre des nouvelles générations.

Les jeunes sont en effet agités à cette époque, avec les mouvements contestataires de 1968 et le festival de Woodstock l'année suivante. Ils se sentent plus concernés par ce nouveau style de Picasso que par Van Dyck ou Velazquez. Les images de Pablo sont nettes, sans les déformations cubistes des visages qui commençaient à lasser ses propres admirateurs.

L'homme à la pipe, huile sur toile plus grande que nature 195 x 130 cm, a été vendu pour $ 11,8M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2007. Il est estimé $ 15M à vendre par Christie's à New York le 16 novembre, lot 26 B.

L'Abstraction Tranquille de Gerhard Richter

Gerhard Richter numérote consciencieusement ses Abstraktes Bild (AB) par ordre chronologique, par séries variant entre une et dix peintures. La consultation du millésime 1986, de AB 588 à AB 619, permet de suivre l'évolution de la technique et de l'inspiration de l'artiste dans cette très importante année de transition qui inclut la première utilisation de la raclette.

Au début de l'année, Richter va déjà plus loin que les autres artistes abstraits par une utilisation très large de la gamme des couleurs et une très grande luminosité. Les premiers AB de 1986 sont souvent inspirées par un paysage et l'on croît reconnaître des chutes d'eau de diverses formes. Des traits encadrent diverses zones dans l'image.

AB 599, 300 x 250 cm, a été vendu pour £ 30,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015. L'aboutissement gigantesque de cette phase est les deux Claudius, AB 603 et AB 604, 311 x 406 cm chacun. Présenté par Christie's le 19 octobre 2008 au démarrage de la crise du marché de l'art, AB 604 n'a pas été vendu.

AB 612-4, 225 x 200 cm, titré Still, est estimé $ 20M à vendre par Sotheby's à New York le 17 novembre, lot 13.

Pour réaliser Still, l'artiste a utilisé conjointement pinceaux et raclettes. L'apport de la raclette ajoute un voile de fluidité par-dessus l'impasto. Les lignes séparatrices peuvent désormais disparaître.

Le titre est intéressant. Still n'est bien sûr pas une photo de cinéma. Le site gerhardrichter.com fournit la traduction officielle : Quiet. AB 615 et AB 616 sont titrés Courbet. Rien n'empêche AB 612-4 d'être un hommage à Clyfford Still. La grande région rouge à gauche dans AB 612-4 peut être un écho aux enfers de Still. Les couleurs imbriquées qui ouvrent le nouveau style de Richter renvoient aux séparations déchiquetées entre les couleurs de Clyfford Still.

6 nov. 2016

Etudes en Blanc

Robert Ryman est garde de sécurité au MoMA de 1953 à 1960. Il rencontre les minimalistes Sol LeWitt et Dan Flavin et regarde les peintures de style expressionnisme abstrait récemment acquises par le musée.

Ryman s'intéresse à l'acte de peindre. Par un curieux hasard Brice Marden suivra un parcours similaire en 1963 : garde au Jewish Museum, Marden découvre le pop art pendant une exposition consacrée à Jasper Johns.

Comme Johns, Ryman refuse la narration dans l'art. Comme Manzoni de l'autre côté de l'Atlantique il refuse aussi les couleurs parce qu'elles sont déjà chargées de symboles. Il ne veut pas être assimilé aux mouvements artistiques pré-existants comme le minimalisme, l'art conceptuel ou l'expressionnisme abstrait.

Comme Donald Judd, Ryman regarde l'effet de l'éclairage sur son art. Depuis un demi-siècle il réalise ses peintures en blanc sur des supports variés, le plus souvent en un lourd impasto qui crée des aspérités de surface et génère des variations de brillance de la lumière. Il déclare que son art est une expérience. Son oeuvre est de la matière sans signification et le titre n'a aucune importance.

Bridge, 192 x 183 cm réalisé en 1980, a été vendu pour $ 20,6M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015 sur une estimation basse de $ 10M. Dans la même dimension, Link réalisé en 2002 a été vendu pour $ 11,4M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014. Connect, 188 x 188 cm également peint en 2002, est estimé $ 10M à vendre par Christie's à New York le 15 novembre, lot 27 A.

La Très Longue Route d'Agnes Martin

Agnes Martin exprime et divulgue dans son art la quiétude parfaite de la nature. Elle partage avec les spectateurs de son oeuvre sa profonde imprégnation dans le Zen et le Taoïsme. Pour atteindre ce niveau de spiritualité, sa peinture est dénuée de formes, d'espace et de temps.

Au contraire, sa vie est une fuite poignante contre la folie. Elle est soumise à des hallucinations auditives et à des transes catatoniques, et un diagnostic de schizophrénie paranoïde a été porté. Dans la grande ville, elle oublie qui elle est, où elle est, accepte les expositions mais rejette la gloire et les catalogues. Elle déclare un jour qu'elle n'est pas une femme. Il semble que son cas était aggravé par une homosexualité contrariée qu'elle n'avoua jamais.

Elle prend en 1967 la décision de partir vers l'Ouest. Pour son cas, c'est la meilleure thérapie. Elle vit seule sans être réellement isolée mais refuse toute aide. Dans ses vagabondages dans le désert elle construit elle-même ses abris. Le grand âge aidera Agnes à retrouver une certaine vie sociale mais elle en ignore certains aspects délibérément. Jamais plus elle ne lira un journal.

De 1967 à 1974 elle cesse de peindre. Le 15 novembre à New York, Christie's vend un acrylique et graphite 183 x 183 cm réalisé dans la phase suivante de sa carrière, en 1983, lot 13 A estimé $ 5M.

Cet opus est constitué de dix rectangles gris identiques, équidistants et de même largeur sur un fond gris plus clair dont la luminosité est soigneusement travaillée. Agnes s'est souvenue à la fois du mysticisme et des rectangles de Rothko mais ne l'imite pas. La réalisation des rectangles est d'une parfaite netteté.

L'art d'Agnes Martin est minimaliste sans être simple. La difficulté pour cette artiste exigeante a été d'éviter ce qu'elle appelle une dissonance entre la position bien alignée de ses dix rectangles et le format strictement carré de la toile.