22 oct. 2017

La Synthèse de l'Eau

Le principe de base de la réaction en chaîne a été utilisé en 1913 par Max Bodenstein pour expliquer les explosions. Un déclencheur attaque un élément chimique et crée une molécule instable qui propage la réaction dans le reste de l'élément avec un effet d'accélération. Un atome d'hydrogène joue parfaitement ce rôle d'amorceur, par exemple avec le chlore, le bore ou l'oxygène.

En 1934 le physicien Soviétique Nikolay Semenov parvient à quantifier la réaction en chaîne. Cette cinétique est étudiée indépendamment par le chimiste anglais C.N. Hinshelwood de l'Université d'Oxford qui l'applique à la synthèse de l'eau.

Les principes de la chimie cinétique vont plus loin que l'étude des explosions. Hinshelwood lui-même les applique à la biologie cellulaire bactérienne à partir de 1946. Il est anobli en 1948.

Le prix Nobel de chimie est attribué à Semenov et Hinshelwood en 1956. Hinshelwood est mort célibataire en 1967 et sa médaille Nobel est apparue peu après sur le marché. Elle est estimée $ 200K à vendre par Julien's à Los Angeles le 17 novembre, lot 162.

Rocky au Musée

Sylvester Stallone a mené son alter ego Rocky au faîte de la gloire. Le héros de cinéma devient champion du monde de boxe poids lourds à la fin de Rocky II, sorti en 1979. En 1980 Stallone prépare Rocky III qui sortira en 1982. Le thème partiellement inspiré par les retours de Muhammad Ali est plus difficile : pour maintenir sa position sociale, le champion doit continuer à combattre.

Au début de Rocky III une foule dense est réunie pour l'inauguration d'une statue monumentale dans la cour du Philadelphia Museum of Art. Le Rocky en bronze en tenue de combat lève ses poings gantés en signe de victoire. De façon inattendue une gloire artistique commence : Philadelphie applaudit les self made men même quand ils sont fictifs. Depuis 2006 la statue est exposée en permanence en bas des marches du musée.

Le champion est plus grand que nature : 2,60 m de haut pour l'homme, et 3,65 m hors tout incluant les bras levés et le socle. Le monument pesant plus de 800 Kg a été réalisé par A. Thomas Schomberg avec une licence pour créer trois exemplaires.

Le No 2/3 a été édité en 1980 en même temps que l'exemplaire 1/3 de Philadelphie utilisé dans le film. Il sera vendu par SCP Auctions dans une vente en ligne qui se termine le 4 novembre, lot 1 estimé entre $ 500K et 1M. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Le No 3/3 qui clôt cette production a été réalisé en 2006 et est disponible pour vente auprès de Schomberg Studios.

21 oct. 2017

Musique dans l'Arrière-Boutique

Une des raisons de la popularité durable des illustrations réalisées par Norman Rockwell pour les pages de couverture du Saturday Evening Post est la variété de son inspiration. Après la guerre, le patriotisme laisse la place à des scènes burlesques activant de nombreux personnages.

Rockwell est surtout au mieux de son art quand il peint les scènes de la vie au village. L'ambiance tranquille est révélée par une multitudes de petits détails créés à partir de photos individuelles. Comme les maîtres Hollandais du XVIIème siècle, Rockwell vérifie minutieusement la géométrie réaliste des lumières et des ombres.

Par l'intimité du thème et la complexité de la composition, Shuffleton's Barbershop publié par le Saturday Evening Post le 29 avril 1950 est une de ses couvertures les plus réussies. L'huile sur toile 117 x 109 cm dé-accessionnée du Berkshire Museum est estimée $ 20M à vendre par Sotheby's à New York le 13 novembre, lot 10.

Le spectateur regarde au travers de la grande vitrine dont les inscriptions sont tronquées. Après la journée de travail, la lumière est éteinte dans la boutique. Le poêle, l'évier, le rayonnage des magazines et le chat attendent le lendemain. Trois hommes jouent de leurs instruments de musique dans la lumière de l'arrière-boutique sans risquer d'être dérangés.

Dans ses compositions Rockwell ré-assemble mais n'invente pas. Rob Shuffleton est bien dans la vraie vie le barbier du village du Vermont où l'artiste s'est installé en 1939 et il est aussi l'homme qui tient le violoncelle, à moitié caché par la porte intérieure.

En 1951 Rockwell peint une autre scène paisible dans l'intérieur d'une boutique. Considérée par un sondage auprès des lecteurs comme sa meilleure couverture, Saying Grace a été vendue pour $ 46M incluant premium par Sotheby's le 4 décembre 2013.

L'image faible résolution de Shuffleton's Barbershop est partagée pour un usage raisonnable par WikiArt :



Le Rookie des Dodgers

Les Brooklyn Dodgers figurent parmi les meilleures équipes de baseball. En 1947 pour la 7ème fois de leur histoire ils sont champions de la National League. Cette année-là leur succès a une dimension historique : pour la première fois grâce à l'opiniâtreté de leur manager général Branch Rickey et au courage de Jackie Robinson, la barrière des races est tombée dans un de ses bastions les plus protégés, la Major League Baseball.

Lors de la cérémonie de clôture du championnat le 23 septembre 1947, une photo montre Jackie en maillot de baseball au côté de sa femme et d'un ami.

Ce maillot qui avait été utilisé en match a été conservé pendant un demi-siècle par Jackie puis par sa veuve. Symbole du mouvement qui aboutira à l'égalité raciale aux Etats-Unis, il est vendu sans prix de réserve au lot 50001 par Heritage à Dallas le 19 novembre dans une vente en ligne avec extended bidding. Les enchères débutent à $ 900K, avec un guide value de $ 3M.

La saison 1947 se termine du 30 septembre au 6 octobre par la World Series où les Dodgers sont battus par les Yankees au septième match. Le choix de Rickey avait été pertinent : Jackie Robinson a su résister à toutes les insultes jusqu'à l'évènement le plus prestigieux de la MLB et ses qualités sportives le font nommer Rookie de l'année.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Heritage.

20 oct. 2017

Titane et Triple Complication

Organisée tous les deux ans par l'Association Monégasque contre les Myopathies, la vente de charité OnlyWatch requiert l'offre par chaque marque d'une montre unique en son genre. L'édition 2017 est confiée à Christie's à Genève le 11 novembre.

Patek Philippe répond le plus souvent par un modèle de haut de gamme dans un métal réfractaire inhabituel dans ses productions : le titane en 2007 et 2013, l'acier en 2011 et 2015. La Patek Philippe 5016A-010 vendue par Phillips le 7 novembre 2015 a rapporté CHF 7,3M.

Le titane revient en 2017 avec l'exemplaire unique Patek Philippe 5208T-010, lot 12 estimé CHF 900K.

Sortie en 2011 avec une version platine 5208P, la 5208 est une montre à triple complication : répétition des minutes, chronographe mono-poussoir et quantième perpétuel à guichets et phases de la lune incluant l'année bissextile. Elle résiste à l'humidité et à la poussière mais pas à l'eau. Son dos amovible peut être remplacé par un dos transparent en cristal de saphir donnant visibilité sur le mécanisme. Elle est assemblée avec plus de 700 composants.

Dans la gamme sans cesse améliorée des montres à complications de Patek Philippe, la 5208 est la première montre-bracelet dont la triple complication inclut un chronographe, contrairement à la 5207 sortie en 2008 avec un tourbillon.

L'Afrique à Paris

En 1920 Félix Fénéon pose une question dérangeante : les arts lointains iront-ils au Louvre ? Dans le même élan les avant-gardes imaginent de nouveaux styles artistiques réutilisant des éléments Africains.

Les Demoiselles d'Avignon dont les têtes ressemblent à des masques apparaissent désormais comme un précurseur de l'art moderne. Sur le conseil d'André Breton, Jacques Doucet achète cette peinture à Picasso en décembre 1924. Picasso a nié l'influence Africaine sur son exemple séminal d'art primitif.

Man Ray est très à l'aise dans ce foisonnement intellectuel. En 1924 il prend une photo intitulée Black and white pour laquelle il a juxtaposé un masque Africain et une statuette de nu de la Renaissance allemande.

Une autre photo de l'artiste paraît en mai 1926 dans l'édition française du magazine Vogue. Intitulée Visage de nacre et masque d'ébène, elle montre Kiki de Montparnasse avec un masque Baoulé. Les yeux fermés, la muse de Man Ray a la tête posée sur une table sur laquelle l'objet Africain est maintenu vertical par sa main.

Cette image composée simplement de deux ovales parfaits ouvre une vision des opposés dans la meilleure tradition surréaliste : blanc et noir, Europe et Afrique, horizontal et vertical, vivant et objet. Son titre deviendra Noire et Blanche en 1928 sans accord de l'auteur.

Le tout premier tirage argentique de cette photo, en format 21 x 28 cm, a été particulièrement soigné par l'artiste avec les nombreuses retouches répondant à sa conception de la perfection. Aussitôt acheté par Doucet, il fait apparaître Noire et Blanche comme une réponse de Man Ray aux Demoiselles d'Avignon. Ce tirage est estimé € 1M à vendre par Christie's à Paris le 9 novembre, lot 8.

Toujours attentif à sa propre promotion, Picasso ne néglige plus la tendance Africaine. Il promeut a posteriori les Demoiselles d'Avignon comme la pierre angulaire du cubisme et cherche une jeune muse blonde avec un nez épaté. Ce sera Marie-Thérèse.

Le Prince Heinrich et le Roi de la Vitesse

L'automobile et l'aéronautique se développent en parallèle. Des compétitions, des démonstrations et des rallyes sont organisés par de riches sponsors et par des aristocrates. Le prince Heinrich, frère de l'empereur de Prusse, soutient une compétition qui mélange le tourisme et la compétition.

Le Prinz-Heinrich-Fahrt est une course par étapes sur les routes Allemandes, incluant des courses de côte. La compétition se déroule sur trois années consécutives, de 1908 à 1910, pour un total d'environ 6000 Km. Le trophée remis au vainqueur à la fin de ces trois séquences est une voiture en argent de 13,5 Kg offerte par le prince.

Une Benz 50 hp gagne le premier de ces rallyes en 1908. C'est une très bonne publicité pour la marque qui décide le lancement d'un modèle de tourisme sous le nom de Prinz-Heinrich-Wagen avec une puissance considérablement augmentée qui permet d'atteindre 130 Km/h.

Une Benz 75/105 hp Prinz-Heinrich est à vendre au lot 420 par Bonhams le 11 novembre dans la vente sur place de la collection Bothwell près de Los Angeles.

Construite en 1908 ou 1909, cette voiture a été exportée aux Etats-Unis et fréquemment utilisée par Barney Oldfield. Grand amateur de véhicules Benz, Oldfield a été surnommé le Speed King après avoir poussé une Blitzen-Benz à 210 Km/h à Daytona Beach en mars 1910.

19 oct. 2017

Sur les Hauteurs de Mexico

La victoire de Jim Hines sur le 100 m aux Jeux Olympiques de Mexico en 1968 fait date dans l'histoire de l'athlétisme.

C'était une période de transition pour l'enregistrement des records entre le chronométrage manuel et le chronométrage électronique. L'importance de mesurer les temps avec une précision meilleure que le 1/10ème de seconde ne permettait plus de s'appuyer sur un déclenchement manuel quelque soient l'habileté et l'entraînement de l'opérateur. La mesure deviendra entièrement automatique en 1977.

Le 20 juin 1968 à Sacramento, le 100 m des US national championships est gagné par Hines. Chronométré en 9,9 secondes en manuel, il est considéré ce jour-là comme le premier athlète à passer sous la barre des 10 secondes, mais le chronométrage électronique utilisé en redondance affiche seulement 10,03 secondes.

En octobre aux Jeux Olympiques, Hines confirme brillamment qu'il est le meilleur, avec 9,95 secondes entre le son du pistolet et la photo du passage de la ligne d'arrivée. Non seulement son temps en-dessous de 10 secondes est incontestable, mais encore ses suivants sont loin derrière, à 10,04 secondes pour la médaille d'argent et 10,07 secondes pour la médaille de bronze. Il gagne une autre médaille d'or, au relais 4x100 m.

L'altitude de Mexico City est propice aux records. Le saut en longueur de Bob Beamon aux mêmes Jeux restera pour toujours légendaire. Comprenant sans doute qu'il a atteint une limite difficilement franchissable, Hines arrête l'athlétisme aussitôt après son retour et commence une carrière professionnelle dans le football Américain. Il est classé par les observateurs comme un des pires joueurs de la NFL.

Hines a prêté sa médaille d'or du 100 m sur gages au début des années 1980 avant de l'abandonner au prêteur. Elle sera vendue par SCP Auctions dans une vente en ligne qui se termine le 4 novembre, lot 699. Son record du monde a été battu en 1983 par Calvin Smith.

Portraits Safavides

Les portraits à l'huile sur toile de grandes dimensions d'époque Qajar ne sont pas rares et les artistes travaillant pour la cour sont bien identifiés. Ils ont été précédés à l'époque Safavide par un très petit groupe de peintures probablement réalisées à Isfahan entre 1660 et 1700 de notre calendrier. Ce thème et ce format sont moins rares dans la peinture murale Persane et un usage décoratif est évident.

Quinze oeuvres seulement sont connues : huit hommes dont un Européen et sept femmes. Plusieurs de ces portraits survivants présentent entre eux des similitudes de traits du visage, de robe ou de décor d'arrière-plan. Deux ou peut-être trois paires sont identifiés parmi ces quinze oeuvres. Plusieurs artistes ont probablement opéré mais il ne faut pas exclure que certaines peintures soient des copies d'époque.

Une origine non-Musulmane dans la communauté Arménienne d'Isfahan est proposée, soit par des artistes Arméniens soit par des artistes Européens séjournant dans leur communauté. Les Arméniens étaient en contact régulier avec les Européens pour exporter la soie et servaient aussi d'interprètes à la cour de Perse.

Bien que la plus grande partie des détails vestimentaires soit Safavide, quelques éléments étrangers apparaissent. La beauté des oeuvres et la richesse des habits laisse supposer qu'ils résultent d'une commande de la riche aristocratie.

Le 25 octobre à Londres, Sotheby's sépare une paire d'huiles sur toile formant pendant 162 x 83 cm chacune avec un même décor en composition inversée. L'homme est au lot 115 et la femme au lot 116. Chaque lot est estimé £ 850K.

La femme porte à la ceinture une grande médaille ornée d'une figure couronnée qui n'a pas encore été identifiée mais pourra peut-être un jour jeter une lueur sur l'histoire de ce groupe de peintures.

La Vieille Histoire de l'Eté

Edvard Munch passe ses vacances d'été au bord de la mer près de Christiania qui sera plus tard Oslo. Les artistes se retrouvent en ce lieu et jouent le grand jeu de la vie. En 1891, âgé de 28 ans, Edvard observe son ami Jappe âgé de 21 ans qui devient amoureux fou d'une femme mariée de dix ans son ainée.

La femme finit par éconduire son amoureux. Une telle histoire n'est pas rare. Edvard observe le désespoir de Jappe comme un miroir de sa propre aventure avec une autre fille quelques années plus tôt. Avide d'exprimer les sentiments extrêmes, Edvard commence une série de peintures intitulée Melankoli. On ne sait pas si la créativité d'Edvard a consolé Jappe mais leur amitié a survécu.

En 1895 et 1896 Edvard rassemble ses images les plus fortes pour préparer des gravures. Les lignes sont conformes aux peintures mais les couleurs varient d'un exemplaire à l'autre, certainement à l'usage de l'artiste lui-même qui y trouve un moyen facile de vérifier leur impact émotionnel.

Le 23 octobre à New York, Sotheby's vend Evening - Melancholy I réalisé en 1896, lot 95 estimé $ 850K. La gravure sur bois 38 x 46 cm a été réalisée à partir de deux blocs. Les couleurs noir, gris et ocre de cet exemplaire sont particulièrement lugubres. Un exemplaire aux tons plus doux a été vendu pour £ 960K incluant premium par Sotheby's le 17 septembre 2013.

En 1902 Munch réalise une nouvelle série dans le même format, intitulée Melancholy III. La composition inversée gauche-droite par rapport à la version de 1896 est conforme à la peinture d'origine. Un exemplaire a été vendu pour $ 420K incluant premium par Sotheby's le 1er novembre 2007. Un autre est estimé $ 300K à vendre le 23 octobre dans la même vente que ci-dessus, lot 84.

15 oct. 2017

Le Moteur des Charlatans

La brouille avait été durable dans la famille Peugeot entre les partisans et les adversaires de la construction automobile au point que l'activité avait été scindée en deux sociétés indépendantes. Après la mort d'Eugène, ses fils sont enfin attirés par l'automobile et créent la marque Lion-Peugeot. Même après la fusion des deux sociétés en 1910 les réticences persistent. L'équipe de course de la marque reçoit en interne le surnom péjoratif de Charlatans.

Après une première expérience dans la conception de moteurs pour la marine, le jeune ingénieur Ernest Henry est embauché par Peugeot en 1911. Il est intégré à l'équipe des Charlatans où il écoute les idées novatrices des pilotes.

Henry conçoit une synthèse de deux techniques : le double arbre à cames en tête et les quatre soupapes par cylindre. A cette époque les organisateurs des compétitions commençaient à limiter les volumes. Les voitures Peugeot équipées du moteur conçu par Henry sont la L76 (7,6 litres) et la L3 (3 litres) en 1912, la L56 (5,6 litres) en 1913 et la L45 (4,5 litres) en 1914. Dans un dernier défi aux traditionalistes de la société ce L signifie Lion.

Grâce à ces innovations les Peugeot des Charlatans ont des châssis allégés et une meilleure tenue de route. Elles commencent à dominer les compétitions de l'ACF en France puis les 500 miles d'Indianapolis.

Le moteur Peugeot-Henry est tellement en avance sur ses concurrents que les organisateurs d'Indianapolis craignant que la guerre freine l'intérêt de leur évènement demandent à un constructeur Américain de construire des répliques. Il est par cet intermédiaire le précurseur de tous les moteurs modernes.

Deux de ces voitures Peugeot ont survécu. Le 11 novembre dans la vente sur place de la collection Bothwell près de Los Angeles, Bonhams vend une L45 dans un état d'authenticité sensationnel pour une voiture de cette époque. Son châssis et son moteur portent le numéro 1 et la carrosserie est d'origine. Grâce à l'amélioration des technologies des pneus, elle a été chronométrée à 165 Km/h en 1949, une vitesse sans précédent pour une voiture fabriquée avant la première guerre mondiale.

La L45 est estimée $ 3M, lot 408. Elle a été filmée en fonctionnement par un spectateur lors du Goodwood Festival of Speed 2011. Cette vidéo est partagée sur YouTube.

Les Dollars Morgan

Le Morgan dollar est créé en 1878 après la reconnaissance par le gouvernement Américain de l'échec du bimétallisme. Il tire son nom de l'assistant graveur de l'US Mint qui l'a dessiné, George T. Morgan. Ce dollar accompagne pendant deux décennies une des plus graves crises financières qu'ont connues les Etats-Unis, aggravée par l'endettement croissant des fermiers de l'Ouest.

Les industriels des mines d'argent poussent à la hausse du prix de ce métal. Le Sherman Silver Purchase Act de 1890 obligeant le gouvernement fédéral à acheter une quantité considérable d'argent ne jugule pas la crise. De nombreuses banques font faillite.

Le Morgan dollar est une monnaie de circulation que personne ne thésaurise. Les productions de monnaie sont actives mais souvent annulées par des contre-ordres qui génèrent des fusions immédiates ou des mises en stock qui seront fondues plus tard. Le Morgan dollar 1889-CC (Carson City) est un exemple typique. Une pièce presque parfaite gradée MS-68 par PCGS a été vendue pour $ 880K incluant premium par Stack's Bowers le 15 août 2013.

En 1893 les réserves fédérales d'or ont baissé jusqu'au seuil critique avec le risque que les gold certificates ne puissent pas être échangées. Le Morgan dollar 1893-S (San Francisco) est extrêmement rare à l'état neuf.

Un 1893-S est resté dans un état superbe. Gradé MS-67 par PCGS, il avait probablement été choisi directement à l'usine par un collectionneur pour la netteté exceptionnelle de sa frappe et était resté dans sa descendance jusqu'à sa vente par Stack's en septembre 2001 pour $ 414K incluant premium.

Cette pièce n'avait pas été incluse dans les ventes aux enchères des Morgan dollars de la collection Coronet par Legend Rare Coins en 2015. Cet opérateur avait tenté une vente privée avec un prix fixe de $ 2M. Cette offre avait été discutée à l'époque dans un article partagé par Coin World.

Cette pièce est maintenant estimée $ 1,3M à vendre aux enchères par la même maison de ventes à Philadelphie le 26 octobre, lot 388. Legend Rare Coins est l'auctioneer officiel du PCGS Member Only Show.

14 oct. 2017

Vertige à Berlin

Quand il s'établit à Berlin en 1911, Ernst Ludwig Kirchner est déjà un maître de la gravure. Un exemplaire de sa lithographie en couleurs de 1909 Dodo mit japanisches Schirm a été vendu pour CHF 980K hors frais par Galerie Kornfeld le 6 juin 2008.

Ce séjour à Berlin est un échec. L'école privée de peinture moderne qu'il crée avec Pechstein ferme presque immédiatement. L'amateur de nus en plein air est oppressé dans la grande ville. Il regarde avec une commisération mêlée d'effroi les passants anonymes dans la rue. Leur expression stylisée est patibulaire. Les groupes sont serrés mais la communication est absente.

L'artiste exprime ce malaise à partir de 1913 dans ses Strassenszenen. Une huile sur toile 122 x 91 cm peinte en 1913-1914 en couleurs saturées a été vendue pour $ 38M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2006.

La gravure sur bois permet des noirs saturés qui expriment le rejet de la vie citadine par l'artiste. Un Fünf Kokotten 52 x 39 cm imprimé en 1914 a été vendu pour CHF 920K hors frais par Galerie Kornfeld le 15 juin 2012.

Le 23 octobre à New York, Sotheby's vend la gravure sur bois 26 x 27 cm d'une Strassenszene, lot 99 estimé $ 500K. Elle est datée 1912 au crayon. Cette date est peu crédible. La maison de ventes date la gravure de 1913-1914.

Le malaise est portée à son paroxysme par la vision en plongée et par la perspective fuyante des bords verticaux. Cette image est connue en cinq exemplaires. Parmi eux l'exemplaire à vendre est le seul sur lequel l'artiste a ajouté des ombres violet foncé avec la technique du monotype. Par son ambiance étouffante cet exemplaire est un chef d'oeuvre de la gravure expressionniste.

La Couleur plein les Yeux

En 1935 Man Ray prépare sa peinture A l'heure de l'Observatoire - Les Amoureux qui est sa contribution majeure au surréalisme. Les lèvres rouge vif flottant au-dessus du paysage ont les contours de deux corps nus superposés.

L'artiste réserve la peinture pour les images oniriques et utilise préférentiellement la photographie pour les compositions basées sur le réel. Ce champion de l'érotisme regrette l'absence de couleurs dans la photographie d'art. L'autochrome et le dufaycolor ne sont utilisables qu'en petit format. Man Ray essaye le meilleur procédé trichrome mais abandonne aussitôt parce que la difficulté technique freine la créativité.

Man Ray essaye ensuite les crayons de couleurs sur les tirages noir et blanc. Au tout début de la photographie les miniaturistes se reconvertissaient dans la photographie pour colorier à l'aquarelle les photographies d'édition, apportant une illusion de réalisme qui plaisait aux clients. L'expérience de Man Ray est une application rare en son temps de cette pratique en grand format.

Le 19 octobre à Paris, Sotheby's vend Tearful woman, tirage argentique noir et blanc 23 x 18 cm réalisé et coloré à la main par Man Ray et daté 1935, lot 31 estimé € 300K.

Les couleurs sont variées et charmantes. La peau du visage est lisse et rose. Sous les sourcils soigneusement maquillés, les yeux regardent vers le haut, remplis d'humidité juste avant l'émission des gouttes de larme. La bouche très rouge est entr'ouverte, montrant bien que les yeux expriment l'émotion et pas le chagrin. L'identité du modèle est inconnue.

D'après le communiqué de presse de Sotheby's, un seul autre tirage est existant. Daté 1936 et de même format que l'image à vendre par Sotheby's, il avait appartenu à Robert Mapplethorpe. Il a été vendu par Christie's le 17 mai 2017 pour $ 2,17M incluant premium sur une estimation basse de $ 400K.

Cette technique n'a pas réellement eu de suite. Les progrès de la photographie en couleurs laissent espérer des procédés plus directs. Le Kodachrome pour diapositives de format cinéma sort en 1935 et le film négatif Kodacolor en 1942. Il faudra cependant attendre les années 1970 pour que William Eggleston lance la photo d'art en couleurs.

11 oct. 2017

Proust et les Editeurs

Marcel Proust prépare à partir de 1907 sa grande suite de littérature de fiction intitulée A la Recherche du Temps Perdu. Pour exprimer la vraie vie, il s'écarte résolument du roman narratif pour s'appuyer sur la persistance de la mémoire dans toute son apparente confusion.

Cette approche sans précédent ne persuade pas les éditeurs. En 1912 et 1913 Fasquelle, NRF et Ollendorff refusent de publier la première histoire intitulée Du Côté de chez Swann. Grasset poussé par son directeur Louis Brun accepte à condition que tous les frais soient payés par l'auteur. Le livre sort en novembre 1913.

Comme convenu Proust assure sa propre promotion en préparant des lettres dactylographiées pour les journaux. Il ne s'identifie pas comme l'auteur de cette campagne de marketing qui inclut des éloges dithyrambiques envers lui-même. ll croyait d'ailleurs certainement en son propre génie.

Dès janvier 1914 André Gide agissant pour la NRF et pour Gallimard comprend que son refus de l'année précédente était une erreur stratégique majeure. En mars la NRF fait une offre à Proust pour publier le reste à venir de la série. L'offre sera acceptée mais Proust restera très reconnaissant à Brun de l'accord initial qui lui avait ouvert les portes de la gloire.

L'édition originale de Du Côté de chez Swann inclut cinq exemplaires sur le très prestigieux papier Japon, que Proust offre et dédicace à ses meilleurs amis. Le numéro 1 offert à Léon Daudet a été vendu pour € 600K incluant premium par Sotheby's le 18 décembre 2013 sur une estimation basse de € 200K.

Le numéro 5 offert à Louis Brun a été truffé par son destinataire de précieux courriers autographes de l'auteur concernant ses relations avec les éditeurs et les journaux pendant cette période décisive de mars à mai 1914. Un bibliophile les a ultérieurement reliés avec le livre. Ce volume vient de refaire surface. Il est estimé € 400K à vendre par Sotheby's à Paris le 30 octobre, lot 151.

Obsession du Grand Sud

En 1981 et 1982 Jean-Michel Basquiat est un virtuose de la couleur qu'il utilise avec force et humour pour glorifier les héros Noirs. Ce panthéon génial n'est qu'une vision d'artiste, impuissant pour changer les relations raciales. A partir de 1983 son art devient une virulente revendication contre la société de consommation qui oppresse les Noirs d'Amérique.

Avec ses cinq toiles jointes qui constituent une histoire, Undiscovered Genius of the Mississippi Delta est un chef d'oeuvre de cette nouvelle manière. Les tags en répétition obsédante accompagnent le message visuel : Mississippi, Mark Twain, Negroes. Une bannière localise cette forme déguisée d'esclavage : The Deep South. Ce polyptyque a été vendu pour $ 23,7M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014.

Le 20 octobre à Paris, Christie's vend au lot 14 B un acrylique et crayon sur parquet de bois 205 x 244 x 4 cm peint en 1986.

Le personnage est une grosse tête noire aux yeux vides fichée sur un squelette dérisoire. Les bras étendus sont terminés par de minuscules poings fermés montrant l'aspect illusoire du combat racial. Cette tête est traversée de part en part par le fleuve Mississippi. Le mot Mississippi est inscrit en répétition dans la partie basse de l'image. Le fleuve tente de faire jeu égal avec l'Hudson, l'Ohio et la Tamise.

Pour supprimer tout doute sur le caractère politique de cette image, une plaque porte de façon très lisible l'inscription Jim Crow, symbole depuis un siècle et demi de la discrimination raciale. Ce Jim Crow, personnage fictif des minstrel shows, était un Noir fruste du Grand Sud apparaissant comme faire valoir du Noir civilisé Zip Coon. Le message est clair : malgré les lois, les conditions de vie n'ont pas changé depuis l'époque de Twain.

L'attitude sans espoir du personnage est compensée par le dynamisme de la composition rythmée autour des lattes de bois. En 1986 Basquiat apparaît de plus en plus comme un passionné de jazz. Un hommage à Lester Young 150 x 100 cm a été vendu pour $ 6M incluant premium par Sotheby's le 18 mai 2017.

Lévitation Nordique

A la recherche des sentiments les plus décalés par rapport aux conventions sociales, Edvard Munch est particulièrement attiré par le thème de la solitude à l'intérieur du groupe. Son allégorie est une grande jeune femme aux cheveux d'or dans une longue robe d'un blanc immaculé, debout et tournant le dos au spectateur pour regarder la mer.

L'artiste réalise en 1895 quelques séries de gravures spectaculaires synthétisant sa vision hantée de la condition humaine : le Cri, Madonna, Vampyr.

Pendant son séjour à Paris de 1890 à 1892 Munch avait commencé à s'inspirer des styles post-impressionnistes pour exprimer son symbolisme. Revenu à Paris en 1896 il retravaille sa Jeune femme sur la plage en la libérant de son accompagnant. Une personne seule suffit en effet pour exprimer la solitude. Cette image tranquille est un des messages les plus forts de l'artiste.

La gravure de 1896 de la jeune femme solitaire sur la plage en format d'image 29 x 22 cm est réalisée en aquatinte brunie à l'imitation d'une mezzotinte qui est ensuite colorée à la main par l'artiste. Sur un total de onze ou douze impressions seulement, Gerd Woll distingue pas moins de sept combinaisons de couleurs qui offrent des variations impressionnistes selon la pratique de Monet.

Un exemplaire dans la variante Woll 3 a été vendu pour £ 2,13M incluant premium par Christie's le 20 mars 2013. La femme offre un contraste spectaculaire par rapport aux couleurs saturées du rivage et de la mer.

Le 23 octobre à New York, Sotheby's vend un exemplaire dans la variante Woll 5, lot 92 estimé $ 3M. Ses tons pastels dans lesquels les détails de l'environnement sont également gommés réduisent le contraste mais renforcent le mystère psychique de cette jeune femme en lévitation hors de l'espace, du temps et de la société.

8 oct. 2017

Tintin, c'était Hergé

Hergé suspend la création des Aventures de Tintin après Les Bijoux de la Castafiore, terminée en 1962. Quand il reprend le crayon quatre ans plus tard il est déjà fatigué et travaille lentement. Deux autres albums complets seulement suivront, en 1968 et 1976.

Hergé se considère comme le détenteur exclusif de l'univers de ses héros. Quand ses collaborateurs inquiets à juste titre sur son état de santé tentent d'organiser la suite de son oeuvre, il résiste farouchement, déclarant dans un entretien cité par Wikipedia : "Faire vivre Tintin, faire vivre Haddock, Tournesol, les Dupondt, tous les autres, je crois que je suis le seul à pouvoir le faire : Tintin c'est moi, exactement comme Flaubert disait : Madame Bovary, c'est moi !". Personne ne saura quelle fin il avait prévu pour son histoire Tintin et l'Alph-Art interrompue par son décès.

Pendant ses dernières années Hergé répond avec complaisance aux sollicitations culturelles. Il conçoit en 1979 une fresque pour le nouveau Centre Culturel de Wallonie-Bruxelles à Paris. Un dessin préparatoire 34 x 72 cm alignant plus de trente personnages a été vendu pour HK$ 8,1M incluant premium par Artcurial le 3 octobre 2016.

En 1982 Hergé travaille sur un projet de fresque pour les deux murs longeant les voies de la future station de métro Stockel à Bruxelles. Pour ces deux images murales de 135 m de long chacune, il réalise une esquisse à l'échelle de 1/100 environ. Après la mort de l'auteur en 1983 ces dessins sont utilisés comme modèles pour la fresque. 

Conservés par un membre de l'équipe et totalement inconnus jusqu'à ce jour, ces deux esquisses de 85 et 95 cm de long pour 3,5 cm de haut seront vendus en un seul lot par Librairie Lhomme à Liège le 21 octobre, lot 22 partagé sur la plate-forme de vente DrouotLive. 

Hergé a montré une dernière fois toute sa verve dans ces dessins dynamiques qui rassemblent en tout environ 140 personnages de ses histoires dans des attitudes humoristiques inspirées des albums. Le prix de cette oeuvre ultime dans un format unique dans l'art d'Hergé est impossible à prédire.

Un Dernier Défi pour Giacometti

Alberto Giacometti est enthousiasmé par le projet de décoration de la plaza devant la Chase Manhattan Bank à New York qui lui est confiée en 1958 et qui pourra être l'aboutissement de la démarche artistique de toute sa vie. Il installera ses sculptures monumentales selon la conception de ses Places I et II de 1948 simulant l'activité bourdonnante de la ville par des personnages épars.

Ses figures ne seront pas nouvelles : l'homme qui marche, la femme debout, la grosse tête. Refusant avec opiniâtreté la solution d'un agrandissement mécanique, il travaille à des proportions nouvelles qui permettront à ses statues de ne pas être miniaturisés par les 60 étages de la banque ni de paraître démesurées aux passants.

Alberto ne connaît pas encore New York. Après de nombreux essais de plâtres et de bronzes, il est découragé par sa propre idée du gigantisme de la ville et renonce au projet en 1960. Il ne détruit cependant pas tout. Quatre Grande Femme, deux Homme qui marche et une Tête de Diego sont conservées.

Conçu en grandeur nature, l'Homme qui marche I est à peine plus haut que l'Homme au doigt de 1947 mais il est un des meilleurs symboles de la vision de l'humanité par Giacometti. Le bronze 2/6 édité par Susse en 1961 a été vendu pour £ 65M incluant premium par Sotheby's le 3 février 2010.

Les quatre femmes sont de hauteurs variées. Avec ses 2,75 m de haut, la Grande Femme Debout II est la géante qui domine tout l'ensemble. Le bronze 1/6 fondu par Susse en 1961 a été vendu pour $ 27,5M incluant premium par Christie's le 6 mai 2008.

Cette oeuvre, la plus haute jamais réalisée par l'artiste, fait l'objet d'une réédition posthume en 1980-1981 également par Susse en sept exemplaires plus deux épreuves d'artistes pour Annette Giacometti et une pour la Fondation Maeght. L'une des épreuves d'artiste sera vendue par Christie's à Paris le 19 octobre, lot 8.

Alberto visite pour la première fois New York en octobre 1965. Miné par son cancer depuis 1963, il comprend trop tard comment il aurait pu intégrer son oeuvre ultime à Manhattan. Il conçoit une sculpture encore plus grande. Diego est chargé de préparer l'armature gigantesque mais ce projet est stoppé par la mort d'Alberto.

La Muse Facile d'Eluard

Les poètes et les artistes ont besoin d'une muse. Nusch est acrobate au Grand-Guignol quand elle rencontre par hasard René Char et Paul Eluard, en 1930. Elle a 24 ans. Paul et Nusch ne se quittent plus. Ils se marient en 1934.

Pour le poète Nusch est la femme idéale dont le corps se confond avec les forces de la nature. Elle est la "tranquille sève nue" de sa déclaration d'amour. Pendant que Paul compose ses poèmes, il confie sa muse à Man Ray, le photographe du groupe surréaliste.

Le recueil de poèmes intitulé Facile est publié en 1935. Ses sept doubles pages sont des imbrications choquantes pour l'époque du texte panthéiste et des photos 24 x 18 cm du corps nu de Nusch. Imprimées en héliogravure, les douze photos de Man Ray marquent la variété de son savoir faire avec effets d'éclairage, solarisations et silhouettes.

Paul reçoit un des cinq exemplaires hors commerce sur papier japon impérial. Paul Bonet réalise en 1943 une reliure surréaliste en dessinant les silhouettes entremêlées des mains que les deux amoureux ont posé alternativement sur sa maquette.

L'exemplaire a été dédicacé au poète par Nusch et surtout par Man Ray qui exprime par des mots le plaisir de leur collaboration et de leur amitié. Man Ray ajoute trois tirages argentiques de photos du livre et un rayogramme original en surimpression d'un nu solarisé de Nusch ainsi que six autres photos de plus petit format.

Le livre est estimé € 500K à vendre par Christie's à Paris le 19 octobre, lot 23.

7 oct. 2017

Regardez la Joconde

Le mouvement Dada exige un nouveau langage artistique résolument anticonformiste. La Joconde (Mona Lisa) est une cible privilégiée pour les caricaturistes et les théoriciens. Déjà en 1914 Malevitch fustigeait ce symbole de l'art bourgeois. Son vol au Louvre en 1911 l'avait placée au rang des héroïnes de romans d'aventures.

En 1919 Marcel Duchamp dessine une moustache et une barbe sur une image de la Joconde en format carte postale. Cet acte irrévérencieux est très bien ciblé. Le titre L.H.O.O.Q. est à la fois un homophone de Look dans le sens de voyeurisme quand on lit le mot et de l'érotique Elle a chaud au cul quand on épelle les lettres, dans un exemple unique en son genre de jeu de mots bilingue.

L'art autorise toutes les audaces. L.H.O.O.Q. est aussi un symbole du mélange des genres. En 1910 Sigmund Freud avait cru discerner dans le visage ambigu de cette femme une preuve de l'homosexualité de Leonardo. La féminisation de Marcel Duchamp en Rrose Sélavy en 1920 est une intéressante suite de ce débat.

L.H.O.O.Q. accompagne la réputation d'innovateur de Duchamp tout au long de sa brève carrière d'artiste créateur et de sa très longue retraite consacrée à sa passion pour le jeu d'échecs. Les répliques et les imitations sont nombreuses.

En 1964 un ami de Duchamp prépare une monographie à éditer en 35 exemplaires. Il demande à l'artiste d'y insérer une oeuvre. Duchamp achète 38 lithographies identiques 30 x 23 cm. Sur chacune d'elles il modifie le visage au crayon et efface à la gouache blanche la référence à Leonardo et au Louvre tout en maintenant le titre d'origine La Joconde. Il ajoute L.H.O.O.Q. en sous-titre, signe et numérote tous les exemplaires.

L'une d'elles a été vendue pour $ 1,2M incluant premium par Christie's le 8 mai 2016 sur une estimation basse de $ 400K. Un autre exemplaire est estimé € 400K à vendre par Sotheby's à Paris le 21 octobre, lot 105.

La Daytona Exotique

Rolex lance en 1963 la Cosmograph Daytona référence 6239 à l'usage des pilotes des courses d'endurance automobiles. La marque pense que les autres clients seront fiers de posséder une telle montre avec des performances de haut de gamme. Les ventes sont décevantes. Pour relancer le modèle à la fin 1966 Rolex offre des cadrans plus élégants avec un choix dans une gamme de couleurs agréables et des chiffres mieux dessinés. Ce modèle est désigné comme "exotique".

Paul Newman découvre les joies de la compétition automobile en 1968 quand il joue avec Joanne Woodward dans le film Virages (Winning) qui sortira l'année suivante. Joanne est sa femme dans ce film et depuis 1958 dans la vie. Elle est infidèle dans le film et éperdument amoureuse dans leur vie privée.

Joanne est inquiète de la nouvelle passion de Paul pour ce sport dangereux. Elle lui offre en 1968 une Daytona 6239 exotique au dos de laquelle elle a fait inscrire le bon conseil "Drive Carefully Me".

Hyperactif et philanthrope, Paul est une des personnalités les plus populaires de Hollywood. Maniaque de la précision du temps, il est fou de sa 6239. Les lecteurs des magazines s'amusent de voir Paul exhibant régulièrement à son poignet cette Rolex, reconnaissable de loin par la simplicité de son design aux trois sous-cadrans. Depuis le milieu des années 1980, les Daytona exotiques sont surnommées Paul Newman par les collectionneurs sans intervention de la marque et sans distinction des modèles (6239, 6241 et 6262 à 6265).

Paul est gentil. Un jour où le petit ami de sa fille Nell a oublié sa montre, il lui donne la 6239. Nell et James se sépareront plus tard sans cesser de coopérer étroitement. Cette montre éponyme de toute la lignée des Daytona Paul Newman est à vendre par Phillips en association avec Bacs et Russo le 26 octobre à New York, lot 8. Elle est consignée par James et une partie du profit sera reversé à la Nell Newman Foundation créée par Nell en 2010 pour continuer l'oeuvre charitable de son père.

Cette montre intensément utilisée par Paul n'a jamais été modifiée. Elle joint à la glamour de Hollywood la belle histoire des deux générations de Newman. Les observateurs considèrent que son estimation à $ 1M sera dépassée.

1 oct. 2017

Le Nymphée d'Alexandre

Après la mort de Septime Sévère en 211 de notre calendrier, sa dynastie tombe dans le chaos. Les deux derniers empereurs sont de faibles adolescents. Elagabale suscite toutes les haines par sa politique religieuse et reçoit une réputation de monarque vicieux qui dépasse probablement la réalité.

Après l'assassinat d'Elagabale en 222, tous les espoirs sont mis dans son successeur Sévère Alexandre âgé de 14 ans. Ses conseillers sont des juristes. Cette désignation de Sévère n'est pas dynastique. C'est plutôt un encouragement à déployer une force de caractère que le jeune homme n'aura jamais.

Sévère Alexandre commence son règne comme un grand bâtisseur. Il agrandit les Bains de Néron en commençant par y adjoindre en 226 le Nymphaeum Divi Alexandri dont le castellum existe encore aujourd'hui. Selon une pratique courante en son temps, le nymphée est un bassin créé pour accueillir et honorer les nymphes et flanqué d'un bâtiment à plusieurs étages pouvant servir d'arc de triomphe.

Le 24 octobre à Zurich, NAC (Numismatica Ars Classica) vend un aureus de Sévère Alexandre, lot 543 estimé CHF 275K, ici lié sur la plate-forme d'enchères Sixbid. La frappe est profonde et nette et l'état est excellent.

Le portrait en profil réaliste montre un jeune homme avec une petite barbe. La tête est laurée et le buste est drapé et cuirassé. Le revers est une vue du nouveau monument et de son bassin semi-circulaire, avec des arches, des statues de victoires et le quadrige de l'empereur.

Ce modèle a été frappé en 226 ou peu après. L'empereur n'avait pas encore montré son incompétence militaire. Un seul autre exemple est connu. Cette rareté pourrait s'expliquer par un retour de certaines pièces en fabrication pour remplacer le nymphée par les bains quand l'hommage à ce faible empereur est devenu politiquement incorrect. Sévère Alexandre a été assassiné dans un coup d'Etat après treize ans de règne.

Une Rencontre Virtuelle avec Boetti

Ce qui est important, ce n'est pas l'objet d'art mais son message. L'art de Michelangelo Pistoletto fait participer le spectateur d'une façon unique qui évoque à la fois les happenings et les installations.

En 1961 l'artiste travaillait à un autoportrait sur une surface polie. En voyant son reflet dans ce miroir, il trouve l'inspiration d'un art nouveau. Il agrandit des photos jusqu'à la grandeur nature des personnages et les transpose en une peinture sur papier de soie qui est collée sur une plaque en acier inoxydable. Après 1971 il remplacera la peinture par une sérigraphie de la photo d'origine.

Le personnage ou le couple est souvent relégué sur un bord du miroir, laissant libre tout le reste de la surface où le visiteur ajoute son propre reflet à la scène proposée par l'artiste. Pistoletto peint presque exclusivement ses amis et sa famille. Le spectateur joint de cette façon le temps présent à une scène intime du passé de l'artiste.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend une peinture miroir 230 x 120 cm réalisée en 1967 par Pistoletto, lot 108 estimé £ 2,5M.

Intitulée Uomo che guarda un negativo, elle montre Alighiero Boetti debout, inspectant un négatif photographique qu'il tient à bout de bras. Le spectateur peut positionner son propre reflet devant l'artiste ou devant le négatif qui est une image dans l'image au-delà du miroir par un effet de perspective.

La même année, Boetti, Pistoletto et leurs amis créent le mouvement Arte Povera qui libère pour la création artistique l'utilisation des matériaux les plus divers dans la tendance ouverte par Duchamp, Rauschenberg et Cornell.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's, avec une interview de l'artiste et une très convaincante démonstration par une jeune femme blonde de cette illusion de rencontre entre le passé figé et le présent en pleine vie.

Autoportrait sur Fond Noir

En 1986, âgé de 40 ans, Robert Mapplethorpe apprend qu'il a le virus du SIDA. Il réagit par une suractivité destinée à promouvoir son oeuvre et sa vision sociale et artistique. Il crée en mai 1988 la Robert Mapplethorpe Foundation sans but lucratif, qu'il engage également dans la lutte contre le SIDA.

Pourfendeur de tous les tabous sexuels dans sa vie et son art, Mapplethorpe a réalisé de nombreux auto-portraits avec une grande variété de positions et d'expressions.

L'auto-portrait de 1988 est un chant du cygne. Les joues sont déjà creuses et les tempes grisonnent. Robert tient une canne à marcher qui renforce le message de son vieillissement prématuré. Le pommeau est un petit crâne positionné dans la même direction que les yeux grand ouverts de l'artiste. La prise de vue est focalisée sur le poing et la canne : le visage triste un peu flou est prêt à sombrer dans le néant. Le corps habillé d'un chandail noir n'est pas visible sur le fond noir.

Les tirages au platine sont chers mais apportent les meilleures nuances de gris. Depuis les années 1920 les grands artistes les utilisent pour leurs meilleures images noir et blanc. Robert réalise en 1988 trois tirages numérotés et une épreuve d'artiste de son nouvel autoportrait, en format 58 x 48 cm. Le numéro 3/3 est estimé £ 300K à vendre par Christie's à Londres le 3 octobre, lot 12.

Cette image est rare. Un tirage argentique d'une série de 10 du même format a été vendue pour £ 58K incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2004.

30 sept. 2017

Dernière Lueur

Fragilisée par l'hypertension et les excès, la santé de Mark Rothko se détériore au début de 1968. Il n'écoute pas les recommandations de ses médecins concernant ses conditions de vie. En janvier 1969 Mark et sa femme se séparent. Il se réfugie dans son atelier.

Il applique cependant une des prescriptions : pour éviter la fatigue, il limite le format de ses peintures à 40 inches de haut. Il utilise désormais l'acrylique sur un papier à monter sur une toile. N'ayant plus guère d'illusions sur l'utilisation de son art pour véhiculer un message émotionnel, il explore les possibilités de sa nouvelle technique pour rechercher la lumière.

Dans cette période qui dure moins de deux ans avant la catastrophe finale, Rothko atteint une nouvelle fois le sublime en faisant jaillir une brillante lumière au travers de couleurs saturées. Bien que les couleurs de plus en plus sombres suivent l'aggravation de sa dépression, il sent à quel point son art est transcendental. Il revient progressivement à de plus grands formats et à des huiles sur toile.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend un acrylique 182 x 98 cm daté du 21 mai 1969, lot 40 estimé £ 4M. La provenance de cette oeuvre est impeccable : elle a été achetée en 1997 par Antoni Tapies à la fille de l'artiste.

Cet opus sans titre est extraordinaire dans son opposition avec la chute vers le sombre. Le centre jaune bordé en haut et en bas par des blocs oranges est un hommage à la lumière pure et peut-être aussi un très bref retour à l'optimisme, comme un point haut dans une cyclothymie.

Un ultime aboutissement de cette phase, une huile sur toile 175 x 137 cm vert sombre sur indigo peinte quelques semaines avant son suicide, a été vendue pour $ 40M incluant premium par Sotheby's le 10 novembre 2014.

27 sept. 2017

Un Bouddha Pala du Bihar

L'art Bouddhiste du nord-est de l'Inde atteint son point culminant à la fin de la période Pala. Un Avalokiteshvara en pierre noire avec un historique de musée a été vendu pour $ 24,7M incluant premium par Christie's le 14 mars 2017.

En 1930 un trésor incluant environ 150 sculptures en métal est déterré à Kurkihar dans l'actuel Bihar. Un tel regroupement répond forcément à la présence en ce lieu d'un très important sanctuaire dont l'historique a été effacé lors de la destruction des monastères Bouddhistes par les Musulmans. Conservé au musée de Patna, cet ensemble n'a pas été dissocié.

Le 3 octobre à Hong Kong, Bonhams vend un Bouddha de 39 cm de haut, lot 16 estimé HK$ 8M. Cette statuette réalisée il y a environ 900 à 950 ans en alliage de cuivre incrusté d'argent et de cuivre correspond parfaitement au style des figures de Kurkihar. En très bon état, elle a une riche patine noire due à une exposition ancienne à des fumées d'encens. Comme la plupart des bronzes Pala, elle n'a pas été dorée.

Bouddha est debout sur un double lotus. Sa figuration s'écarte de l'iconographie Bouddhiste antique par la couronne et par la simulation des bijoux, deux caractéristiques qui deviendront courantes un peu plus tard à leur tour. La très expressive position des doigts est par contre un symbole classique.

Le Bouddha Pala est le deuxième lot sur trois discuté par Bonhams dans la vidéo ci-dessous, après un bronze Tibétain précédemment annoncé dans cette chronique.

L'Adieu à New York de Yayoi Kusama

En 1958 Yayoi Kusama apporte à New York City les éléments visuels de son obsession. Le monde est un filet ou un rideau illimité. L'humanité n'est rien de plus que des taches minuscules indifférenciées réparties avec régularité sur ce réseau. L'élément constitutif est le pois (polka dot) mais il peut aussi prendre d'autres formes.

Le très long séjour de l'artiste à New York est une tentative permanente d'échapper au destin commun. Elle imagine et réalise de nombreux happenings aux limites extrêmes de la décence et même au-delà.

Elle est en contact avec les avant-gardes. Donald Judd est enthousiasmé par son minimalisme graphique. Elle admire l'utilisation d'objets ordinaires du hasard par Joseph Cornell qui fait exception à ses habitudes solitaire pour entretenir avec elle une relation quotidienne et platonique qui est profitable à la créativité des deux artistes. Yayoi Kusama couvre de ses pois des objets divers ainsi que les corps nus des participants de ses performances et utilise des miroirs pour aller au-delà de l'infini.

Le 30 septembre à Hong Kong, Sotheby's vend une huile sur toile 107 x 92 cm peinte par Yayoi Kusama en 1972, lot 1067 estimé HK$ 32M. Cette oeuvre est un retour inattendu à son obsession du filet, mais peut aussi être considérée comme un nouveau prototype par l'utilisation de couleurs multiples.

Après 14 ans de surmenage à New York, l'artiste est exténuée. La mort soudaine de Cornell le 29 décembre 1972 achève de ruiner le fragile univers de Yayoi Kusama. Elle rentre au Japon l'année suivante. Sa résidence volontaire depuis 1977 dans un hôpital pour malades mentaux la protège de sa pulsion pour les performances sans réduire sa créativité graphique. Elle a réussi à faire aimer du public sa vision décalée de l'univers.

24 sept. 2017

Matin Rouge en Noir et Blanc

Le thème presque unique du duo Gilbert et George est la condition de vie à Londres, pas toujours facile dans le East End où ils vivent depuis 1968 dans une maison du XVIIIème siècle.

Ils sont anti-conformistes dans toutes leurs actions. Quand ils se déclarent royalistes, c'est parce qu'ils perçoivent dans le communisme la menace d'un nivellement social. Leurs installations murales sont des assemblages de photographies hétéroclites certainement inspirées par leurs voisins les punks.

En 1977 les socialistes progressent trop à leur goût. Ils créent une série de 17 oeuvres prophétiques sous le titre Red Morning pour prédire par les sous-titres toutes les catastrophes qui s'annoncent incluant par exemple Attack, Death, Dirt, Scandal.

Chaque opus est un rectangle régulier de trois à cinq éléments en ligne et en colonne. Les images sont divisées en trois thèmes : l'autoportrait de l'un ou l'autre des deux artistes debout en manches de chemise avec une attitude vulnérable, les grands immeubles de la City et le paysage urbain vu par réflexion dans une flaque. Certaines images sont colorées en rouge.

Hate est un collage 240 x 200 cm de seize éléments 60 x 50 cm. Les douze photos du pourtour sont colorées. Cette oeuvre a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

Avec l'humour décalé et toujours imprévisible qui caractérise le duo, Hell est la seule des 17 images murales qui n'ait pas du tout été colorée. Dans le même format que Hate, elle est signée George and Gilbert. Hell est estimée £ 800K à vendre par Christie's à Londres le 3 octobre, lot 21.

Auto-Portrait de Gormley en Aéroplane

Comme beaucoup d'autres artistes, Antony Gormley questionne le mystère de la vie humaine. Dans une première phase le sculpteur allonge démesurément certains organes du corps.

Il crée ensuite en 1989 un hybride construit sur un plâtre moulé de son propre corps dans lequel il remplace les bras par des ailes étendues jusqu'aux limites de l'équilibre. Le plâtre est couvert d'une feuille de plomb ajustée à la main. Une ligne droite traverse le corps de la tête aux pieds pour accentuer l'impression de symétrie. Le bord des ailes est un horizon.

Cet être de 197 x 858 x 46 cm en forme d'aéroplane vertical prenant son vol n'est plus humain. L'artiste l'intitule A case for an Angel dans une invitation à la méditation transcendantale qui n'a pas d'intention religieuse. Case signifie ici à la fois l'argument didactique et la carapace charnelle. Cette sculpture monumentale d'une figuration inédite est estimée £ 5M à vendre par Christie's à Londres le 6 octobre, lot 14.

Deux autres exemples sont réalisés en 1990 avec le même titre. L'aboutissement de cette démarche arrive en 1998 après quatre ans de préparation quand Angel of the North est installé en haut d'une colline du nord-est de l'Angleterre. Cette sculpture qui mesure 20 m de haut et 54 m d'envergure et pèse 110 tonnes est ancrée sur 165 tonnes de béton.

En 1996 la maquette d'Angel of the North 200 x 533 x 33 cm offrant la taille réelle du corps humain central avait été éditée en cinq exemplaires en fer moulé. Deux d'entre eux ont été vendus aux enchères : £ 2,3M incluant premium par Sotheby's le 1er juillet 2008, et £ 3,4M incluant premium par Christie's le 14 octobre 2011.

Les anglais savent reconnaître leurs artistes. Gormley a été anobli en 2014.

L'Enfant au Rosaire

Bartolomé Esteban Murillo obtient en 1645 sa première commande importante pour un couvent de Séville, sa ville natale où il fera toute sa carrière. Il a 28 ans. La Sainte Famille est un thème primordial de l'attente de ses clients. Il y apporte une grande originalité en minimisant la figuration sacrée. Ses modèles et leurs costumes très colorés sont locaux, apportant gentillesse et proximité.

Le thème intime de la Vierge à l'Enfant au Rosaire contribue à ses premiers succès. L'une d'elles, accrochée jusqu'en 1810 dans la sacristie d'un couvent Sévillan, est à vendre le 4 octobre à Madrid par Alcala Subastas avec un prix de départ de € 750K, lot 351. Par la netteté du dessin cette oeuvre peut être datée d'avant 1650. Elle est signée, et les doutes soulevés au siècle dernier sur son authenticité ont été levés par une restauration récente qui a révélé l'impasto d'origine.

La Mère est assise et tient l'Enfant sur les genoux. L'auréole à peine visible sur le fond sombre est le seul symbole mystique et le rosaire est le seul attribut liturgique. La jeune femme est attentive et l'enfant sourit avec confiance.

Cette huile sur toile 168 x 112 cm est très comparable à un autre exemple de dimensions similaires possédé par le Louvre et exposé depuis 1949 au Musée d'Art Hispanique de Castres. La position du chapelet dans les mains de l'Enfant est différente.

La Cabane Onirique

Les paysages peints par Peter Doig sont d'une grande précision, bénéficiant de sa maitrise du détail, de la perspective, de la couleur et renforçant le réalisme de l'oeuvre par une habile variation d'épaisseur de la matière picturale.

Pourtant ses paysages ne sont pas réels. Doig transfère sur la toile les scènes de son imagination. Il admet qu'il ne sait pas peindre un paysage en plein air. Il cherche avidement les images qui se rapportent le mieux aux souvenirs visuels de son enfance au Canada, bien au-delà des possibilités d'une expression verbale.

Dans les années 1990 certains thèmes reviennent régulièrement, comme la réflexion de la scène dans l'eau calme d'un étang, dans un effet onirique qui est en quelque sorte doublé. Son univers parallèle n'est pas complètement sauvage. Il faut qu'il y ait une habitation même si elle est proche de la ruine. Une figure humaine à peine esquissée apparaît parfois.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend une huile sur toile 170 x 170 cm peinte en 1996 qui offre toutes ces caractéristiques. Elle est intitulée Camp Forestia par référence au clubhouse sur un lac de Seattle dont une photo ancienne avait été acceptée dans son paradis mental.

Camp Forestia est estimé £ 14M, lot 19. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'image sous copyright de l'artiste est partagée "for fair use" par Wikiart.

23 sept. 2017

Premier Essaimage du Livre Imprimé

L'échec commercial de la Bible à 42 lignes terminée par Gutenberg en 1455 n'a pas empêché la propagation de l'imprimerie à caractères mobiles par ses anciens collaborateurs. Pendant trois ans une petite activité est maintenue uniquement à Mayence par Fust et Schoeffer.

Le premier essaimage délocalisé est constitué de deux Bibles, toutes deux basées sur la Bible latine à 42 lignes, réalisées entre 1458 et 1460 mais non datées dans l'impression. Leurs plus anciennes dates de rubrication donnent un terminus ante quem à 1460 pour le premier des deux volumes de la Bible à 49 lignes et à 1461 pour l'autre volume et pour la Bible à 36 lignes. La rubrication est l'ajout de couleur rouge à la main pour identifier les parties importantes du texte et les changements de paragraphes.

L'origine de la Bible à 36 lignes n'est pas documentée. Elle est appelée Bible de Bamberg parce que la plupart des exemplaires dont l'origine est connue ont eu un ancien propriétaire à proximité de cette ville où Gutenberg avait tenté en vain de recréer son atelier. La Bible à 49 lignes a été imprimée à Strasbourg par Johannes Mentelin, précédemment établi comme calligraphe.

Ces trois Bibles ont d'autres points communs. Elles ont été imprimées sur deux colonnes par page avec des papiers et des encres similaires. La Bible de Mentelin a été imprimée avec une élégante et éphémère typographie pseudo-gothique. Grâce à son nombre plus important de lignes par page, cette Bible in-folio 41 x 30 cm est la plus compacte.

Le 17 octobre à Paris, Alde vend un exemplaire complet en très bon état du premier volume de la Bible de Mentelin incluant la Genèse et les Psaumes, lot 76 estimé € 450K. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. Rubriqué mais non daté, il est équipé d'une reliure réalisée au XIXème siècle pour un érudit dans le style spectaculaire d'Augsbourg au XVème siècle.

La Bible à 49 lignes a lancé l'activité commerciale de Mentelin, plus célèbre par la première impression d'une Bible en langue allemande en 1466.

21 sept. 2017

Caché dans le Parc

Cecily Brown s'engage dans la peinture dans les années 1990 avec un objectif inédit mais somme toute très logique : le spectateur devra être fasciné par l'oeuvre au point de ne pas pouvoir en détacher son regard. Elle construit sa recette avec des éléments simples : le grand format, l'impasto, le sexe sans honte.

Ses peintures sont un mélange de couleurs en couches épaisses. La chair est repérable par sa couleur mais souvent cachée dans les plis de l'impasto. Le spectateur ne peut pas percevoir dans un seul angle toutes les subtilités cachées de la composition et reste devant la toile jusqu'à ce qu'il croie avoir élucidé tout son mystère. Dans sa technique elle associe les chairs de Lucian Freud avec les tourments de Francis Bacon dans une frontière entre l'expressionnisme et l'abstraction qui rappelle de Kooning.

Peinte vers la fin de cette première période en 1998 avec un titre aguichant et des fesses nues au premier plan, The girl who had everything, huile sur toile 253 x 280 cm, a été vendue pour £ 1,87M incluant premium par Sotheby's le 28 juin 2017.

L'artiste manipule avec un humour malicieux les envies des voyeurs. Au tournant des années 2000 elle sait que son art a acquis une telle réputation pornographique qu'elle n'a même plus besoin de cacher du sexe dans ses compositions. Sans changer de technique elle tourne alors tranquillement sa peinture vers d'autres sujets comme l'illustration de poèmes, de comédies musicales ou de films mentionnés en clair dans ses titres.

Peinte en 2004, Park est une huile sur lin de cette seconde période. Les deux éléments 196 x 140 cm chacun de ce diptyque ont une densité opposée : à gauche un jardin clairsemé, à droite une végétation luxuriante, le tout sans imagerie érotique.

Park a été discuté dans cette chronique avant d'être vendu pour £ 420K incluant premium par Phillips de Pury le 12 octobre 2011. Cette oeuvre revient le 6 octobre à Londres dans la même maison de vente devenue entre temps Phillips, lot 7 estimé £ 400K.

L'Horizon de Los Angeles

L'art d'Andreas Gursky est unique en son genre par sa technique et ses résultats. Ses photos montrant une scène illimitée sont formées d'un réseau de centaines d'éléments tous différents les uns des autres même quand il utilise les techniques digitales. L'observateur qui s'approche ou s'éloigne de l'image a une vision sans cesse changeante comme un lien entre le monde cosmique et la vie de tous les jours.

Elève de Bernd et Hilla Becher de 1980 à 1987 à la Kunstakademie Düsseldorf où il enseigne à son tour depuis 2010, Gursky utilise un grand format à la prise de vues et construit ses images avec une impeccable rigueur géométrique. Comme ses mentors il traite des sujets différents sous des angles de prise de vue similaires qui permettent les comparaisons.

Il est le meneur dans l'impression photographique de très grands formats. Dans l'ordre chronologique Los Angeles, tirage Cibachrome 158 x 316 cm préparé en 1998 et exposé en 1999, est une étape entre le Rhein I 146 x 181 cm de 1996 et le Rhein II 185 x 364 cm de 1999. Le numéro 1/6 de Rhein II a été vendu pour $ 4,3M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2011.

Los Angeles est une vue panoramique à vol d'oiseau englobant toute la conurbation la nuit en une forme galactique éclairée par l'activité humaine et cernée d'un halo de pollution orange qui simule la rotondité de la Terre. Trois grandes avenues linéaires se joignent en un unique point de fuite dans une symétrie parfaite. Cette bande lumineuse sépare le premier plan et le ciel d'un même noir profond.

Los Angeles a été édité en six exemplaires. Le numéro 3/6 a été vendu pour £ 1,48M incluant premium par Sotheby's le 27 février 2008. Monté dans un cadre d'auteur et protégé par un Plexiglas, 4/6 est estimé £ 1,4M à vendre par Phillips à Londres le 6 octobre, lot 24.

Le Crâne Ecarlate

Le 18 mai 2017, Sotheby's vendait pour $ 110M incluant premium un Untitled 183 x 173 cm peint par Basquiat en janvier 1982 sur le thème du crâne. Un Red Skull 152 x 152 cm de la même année est à vendre par Christie's à Londres le 6 octobre, lot 8. Au-delà du fait qu'elles sont centrées sur un crâne unique, les deux oeuvres ont des différences significatives.

Le crâne peint en janvier est flottant devant un environnement incertain pouvant être un passage au travers d'une palissade. Large et noir et occupant les deux tiers de la hauteur et de la largeur de l'image, il dégage une extrême puissance. Avec plusieurs trous ouverts sur le ciel bleu et la langue rouge, il est tout autant un masque dément qu'un simple crâne humain.

Le Red Skull met en scène un crâne rouge écarlate aux joues creuses, plus petit en proportions par rapport à l'image. Moins obsédant que l'autre crâne, il laisse par conséquent une meilleure place à son environnement qui est un chef d'oeuvre de synthèse de l'art moderne auquel l'artiste ajoute sa maîtrise innovante des couleurs pures par la technique de l'oilstick.

Grand amateur de jazz, Basquiat admirait l'art de Franz Kline. King Oliver, peinture abstraite 250 x 197 cm peinte par Kline en 1958 et vendue pour $ 26,5M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014, était déjà un équilibre de couleurs pures apportées sur la toile par une gestuelle musicaliste.

Red Skull est un très bon exemple de l'équilibre expressionniste apporté par Basquiat avec pas moins de sept couleurs, rouge, bleu, lilas, rose, vert, jaune et or, couvrant l'ensemble de la toile contrairement aux explosions de Kline ou de Joan Mitchell. L'oeuvre est également agrémentée de structures urbaines tendant à l'abstraction qui auraient enchanté Kandinsky ou de Kooning.

20 sept. 2017

Un Austère Président

Elu en 1824 sixième président des Etats-Unis, John Quincy Adams avait une intelligence exceptionnelle et beaucoup d'idées pour réformer la société Américaine. Sa présidence fut terne et impopulaire et ne le satisfit pas. Refusant d'abandonner la politique, il resta très actif à la Chambre des Représentants jusqu'à sa mort en 1848 des suites d'un malaise durant un vote.

Adams avait compris l'importance de l'image et fit faire de nombreux portraits. Dans les années 1840 les imprimeurs utilisaient le procédé du daguerréotype révélé en France en 1839 pour créer les images originales avec lesquelles ils produisaient les lithographies en séries.

Le journal personnel d'Adams est détaillé. Les 8 et 16 mars 1843 il visite l'atelier de Philip Haas à Washington DC. Chaque prise de vue dure une demi-minute pendant laquelle l'ancien président conserve cette attitude austère qui convient si bien à son engagement politique.

Les trois photos en format demi plaque 5 x 4 inches faites par Haas dans la deuxième séance sont très réussies : le vieil homme est assis confortablement dans un fauteuil devant le décor mural de l'atelier, le regard est droit et la netteté est excellente. Haas réalisera une édition lithographique d'une de ces images.

L'ancien président avait eu la priorité contre un représentant du Vermont qui visitait Haas le même jour. Peut-être pour s'excuser, il lui donne une de ses photos. Réapparue très récemment dans la famille, elle est authentifiée comme un original par une note manuscrite d'Adams au verso. Elle a été très peu manipulée et est en excellent état. Ce daguerréotype est estimé $ 150K à vendre par Sotheby's à New York le 5 octobre, lot 147.

Cette pièce est la plus ancienne photographie originale connue d'un président Américain. L'original du superbe portrait de WH Harrison pendant sa très courte présidence en 1841 n'est pas localisé et a sans doute été détruit après la réalisation de copies.

Venise par Fontana

Début 1961 Lucio Fontana prépare onze acryliques sur toile en un seul format 150 x 150 cm pour l'exposition Arte e Contemplazione en juillet au Palazzo Grassi. Cet ensemble utilisant son titre habituel Concetto Spaziale exprime les impressions abstraites de l'artiste à Venise à toutes les heures du jour et de la nuit. Suite à ce succès Fontana complète sa vision par onze autres peintures avant la fin de la même année.

Fontana connaît bien Venise qu'il revisite souvent avec sa femme Teresita. Son format carré invite aussi à une expression de l'équilibre urbaniste de la Piazza San Marco, thème de pas moins de quatre opus parmi les 22 oeuvres de la série.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend au lot 106 une des onze premières oeuvres. Localisée In piazza San Marco di notte con Teresita, c'est certainement la meilleure synthèse des techniques utilisées dans cette série : petits trous et incrustation de verroteries colorées sur un lourd impasto de teinte homogène, un noir lumineux pour cet opus spécifique.

Les trous forment un carré extérieur presque régulier. Le milieu de l'image est parsemé de taches de couleurs qui expriment la quête de l'artiste d'une séparation entre l'espace tangible et le cosmos, comme les vitraux d'une église, anticipant la série de toiles ovales percées La Fine de Dio de 1963-1964. Cette vision non-conventionnelle de Venise répond aussi à l'intention de l'artiste de promouvoir un art anti-bourgeois.

Rotation et Miroir du Bien et du Mal

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend au lot 16A une huile sur toile 198 x 148 cm peinte par Francis Bacon en avril 1971 et intitulée Study of Red Pope 1962 2nd version. Ce titre inhabituel indique que pour l'artiste cette oeuvre inspirée du portrait d'Innocent X de Velazquez est un point culminant de ce thème.

Conçu comme une sorte de triptyque concentré sur une seule toile, 2nd version pose des questions existentielles et réserve de nombreuses surprises.

Le pape dans la position recroquevillée d'Innocent X est installé dans un environnement circulaire comme s'il était assis sur un tourne-disque. La pièce est fermée avec deux miroirs curvilignes latéraux, offrant un mystère de la réflexion apparenté aux Ménines de Velazquez. Le miroir de droite apporte la figure très reconnaissable de l'amant de Francis, George Dyer.

La scène est une rencontre impossible entre les deux personnages. Chacun incarne à la fois le bien et le mal. Le vieux pape veule ne maîtrise pas les responsabilités de sa fonction dont il est le représentant unique. L'homme ordinaire au trouble passé est devenu l'idole suprême dans la vie de Francis.

Le pape tournant a atteint une position où il ne peut pas voir George. Au contraire George cherche à établir la communication et tend la main vers le reflet de la ficelle d'une sonnette ou d'une lumière hors champ.

George se suicide six mois plus tard à Paris pendant que Francis prépare dans cette ville la grande exposition qui le consacre comme un artiste majeur de son temps. Francis traumatisé n'aura plus besoin des papes. Le fantôme de George assurera désormais à lui seul le mystère de l'esprit et de la chair.

17 sept. 2017

Thomas Struth entre Passé et Présent

L'approche de Bernd et Hilla Becher est nouvelle dans la photographie moderne. Dans un monde industriel qui n'a aucune raison d'être préservé ils photographient les usines éphémères.

Voulant une reproduction sans déformation de ce qu'ils voient, ils utilisent des objectifs de très longue distance focale avec une chambre Linhof de grand format. Les monuments parfaitement centrés en vision rigoureusement frontale forment un ensemble dans lequel les formes géométriques deviennent remarquablement répétitives, démontrant une normalisation involontaire liée à la fonctionnalité.

L'oeuvre en noir et blanc des Becher est reconnue comme un des plus importants enregistrements photographiques du monde d'aujourd'hui. Bernd est nommé en 1976 professeur de la Kunstakademie Düsseldorf.

Thomas Struth a retenu de l'enseignement des Becher l'architecture centrée, frontale et sans déformation. Il ajoute la couleur, le très grand format, les vues d'intérieur des musées ou des églises. Son but n'est pas documentaire. Il confronte l'attitude stéréotypée des passants anonymes par rapport à des monuments et objets d'art relevant d'une culture révolue. Son choc entre le passé et le présent est tout autant nostalgique que sociologique.

En 1991 il édite en 10 tirages chromogéniques 184 x 238 cm une photo montrant l'intérieur majestueux du Panthéon de Rome occupé en son centre par un groupe de touristes agglomérés. Un de ces tirages a été vendu pour $ 1,8M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015.

En 1998 sa vue du dôme de Milan est éditée dans la même quantité et la même technique dans un format similaire, 183 x 230 cm. La façade est droite et centrée, sans horizon. Sur les marches et le parvis des personnages ordinaires passent ou flânent, intéressés ou indifférents devant cet imposant monument religieux de l'ancien temps.

L'exemplaire 1/10 de la vue de Milan a été vendu pour £ 410K incluant premium par Christie's le 14 octobre 2007. L'exemplaire 7/10 est à vendre par Sotheby's à New York le 28 septembre, lot 23 estimé $ 300K.

Bouddhisme à Jingdezhen

Les empereurs Hongwu et Yongle avaient établi la dynastie Ming en surmontant de multiples difficultés. Avec l'empereur Xuande, petit-fils de Yongle, la paix et la prospérité sont revenues de façon durable.

La porcelaine de Jingdezhen était souvent utilisée sous Yongle comme cadeau diplomatique. Xuande y voit une source de raffinement extrême pour son propre usage et le nombre de pièces portant sa marque est important. La maîtrise des préparations au cobalt permet des nuances subtiles du bleu sur blanc qui ne seront jamais égalées.

Les potiers Xuande essayent des formes complexes inspirées de modèles en or ou en argent. Un bol en forme de cloche dix fois lobée pour améliorer l'effet visuel d'une scène de poissons a été vendu pour HK$ 230M incluant premium par Sotheby's le 5 avril 2017.

Les empereurs gouvernent selon les principes de Confucius mais protègent aussi le Bouddhisme Tibétain dont ils reconnaissent la vision mystique. L'utilisation de thèmes Bouddhistes dans les bleus et blancs de Jingdezhen est essentiellement limitée au règne de Xuande. Deux porcelaines Bouddhistes de très haute qualité portant sa marque impériale seront vendues par Sotheby's le 3 octobre à Hong Kong.

Le lot 3301 estimé HK$ 35M est un bol de 18 cm de diamètre dont la forme évasée est très élégante. Il a conservé son couvercle, ce qui est une rareté parce que les récipients n'étaient ainsi équipés que s'ils étaient conçus pour certaines utilisations rituelles. Le couvercle reprend en un face à face exact le décor du bol, un cercle de huit fleurs de lotus chacune surmontée d'un des huit symboles constituant le bajixiang Bouddhiste. La marque impériale à l'intérieur du couvercle est une surprise exquise quand l'eunuque ouvre le bol. La glaçure transparente est onctueuse.

Le lot 101 estimé HK$ 30M est une jarre ovoïde de 19 cm de haut décorée de deux dragons inspirés du type Indien makara qui assure ordinairement la protection d'un temple. Cette illustration est extrêmement rare dans la porcelaine Ming.