28 mars 2017

Fusion de l'Artiste dans la Nature Sauvage

Les transitions de dynasties sont impitoyables et Zhu Ruoji naît au mauvais moment. Apparenté aux Ming, il devient moine Bouddhiste avant l'âge de 9 ans pour échapper aux persécutions des Qing. Il prend alors le nom de Yuanji Shitao. Il utilisera plus tard des noms de courtoisie qui identifient son idéal de pureté et son rejet des tentations, tantôt inspiré par le Bouddhisme et tantôt par le Taoïsme.

L'art de Shitao exprime la nature avec une très petite place laissée aux êtres humains pour s'insérer dans cette immensité. Il est un poète : sa technique de dessin est hautement originale pour son temps, préférant les lavis et les hachures par rapport au trait. Ses paysages ne sont pas localisables et sont probablement plus imaginaires que contemplatifs.

Le 3 avril à Hong Kong, Sotheby's vend un album de douze dessins 14 x 26 cm, lot 2900. La présence humaine dans la nature sauvage est symbolisée par un ermitage, un groupe de maisons ou un pont et parfois animée au loin par un personnage tranquille. Chaque dessin porte le sceau de l'artiste.

Le sage s'est fondu dans la nature avant de mourir. La calligraphie du douzième dessin est datée dinghai, avec une évocation de la maladie de l'artiste. Dinghai, 1707 de notre calendrier, est l'année de la mort de Shitao âgé de 65 ans. L'album a été daté de la même année par un admirateur. Il est en quelque sorte le testament artistique d'un sage.

26 mars 2017

Grand Format par Ansel Adams

A l'âge de 14 ans Ansel Adams est ébloui pour toujours par la beauté du Yosemite. Soucieux de la préservation de la nature sauvage, il s'engage à fond avec le Sierra Club qui a pour but de promouvoir les parcs nationaux et il abandonne sa vocation pour la musique afin de devenir photographe.

L'oeuvre d'Adams est complètement figurative mais son approche est nouvelle. Comme les meilleurs peintres abstraits, il considère que l'art doit exprimer l'émotion. Pour concilier ces contraires, une perfection technique est requise. Technicien exceptionnel, il trouve lui-même les recettes qui répondent à son exigence.

A la prise de vue, les très petits diaphragmes assurent une netteté totale, le choix judicieux du filtre prépare l'expression de l'émotion et le déclenchement est effectué au meilleur moment d'un éclairage éphémère dû à un ciel chargé ou à un clair de lune.

Après guerre Adams réutilise ses meilleurs négatifs pour préparer des tirages de format mural très appréciés des sociétés pour une décoration spectaculaire de leurs bureaux. Deux ventes d'ensembles importants ont été effectuées : une collection Californienne à Christie's le 11 avril 2008 et la collection Polaroid à Sotheby's les 21 et 22 juin 2010. Dans les deux cas les dates précises des tirages n'ont pas été archivées.

Moonrise, Hernandez NM est l'oeuvre la plus connue d'Adams. Le tirage 100 x 144 cm réalisé pour Polaroid dans les années 1950 ou 1960 a été vendu pour $ 520K incluant premium en 2010 et est estimé $ 400K à vendre par Christie's à New York le 6 avril, lot 232.

Clearing winter storm est le plus spectaculaire paysage de montagne par Adams. Le tirage 103 x 139 cm réalisé au début des années 1970 pour la collection Californienne a été vendu pour $ 480K incluant premium en 2008 et est estimé $ 300K le 6 avril dans la même vente que ci-dessus, lot 235. Le tirage 98 x 132 cm de la même vue pour Polaroid a été vendu pour $ 720K incluant premium en 2010.

Casterman en Amérique

En 1934 l'éditeur Casterman prend en mains le destin de Tintin dont les aventures connaissent déjà un succès notoire. Le noir et blanc ne suffit plus, il va falloir généraliser la couleur qui était jusque-là limitée aux images des couvertures.

Hergé et Casterman ne sont cependant pas encore prêts à colorier toutes les pages. Les quatre ou cinq dessins pleine page hors texte pourront être un support pour introduire la couleur, sans perturber le lecteur parce qu'ils sont essentiellement des évocations d'ambiance indépendantes du déroulement de l'action.

En 1936 ces hors texte sont encore en noir et blanc. Le dessin original d'une vue de Shanghai avec Tintin et Milou se déplaçant dans un pousse-pousse a été vendu pour HK$ 9,3M incluant premium par Artcurial le 5 octobre 2015.

Tintin en Amérique est à cette date le meilleur succès des albums Tintin. Casterman demande à Hergé de réaliser des hors texte en couleurs pour préparer une nouvelle édition. La technique utilisée est nouvelle pour Hergé. Contrairement aux couvertures des cinq premiers albums qui étaient faites à la gouache directe, Hergé prépare le dessin à l'encre de Chine puis réalise un calque sur lequel il définit la mise en couleurs.

Le dessin et le calque du premier hors texte de l'édition de 1937 de Tintin en Amérique ont été conservés ensemble et sont vendus en un seul lot par Artcurial à Paris le 8 avril, lot 90 estimé € 600K.

Comme à Shanghai l'année précédente, c'est un dessin d'ambiance. La rue de Chicago est bordée de gratte-ciel sans fin et Tintin défie les bandits dans un taxi qui fraye son chemin dans les embouteillages. Comparé aux pages de l'action dessinées en 1931 et 1932, le graphisme du hors texte est très amélioré.

La modernisation de Tintin en Amérique sera réalisée en 1945 avec une nouvelle version entièrement en couleurs sans hors texte re-dessinée dans les principes de la ligne claire, avec fort heureusement la suppression de diverses balourdises du texte original.

25 mars 2017

Le Bodhisattva des Tang

Les empereurs Tang ont eu une attitude ambiguë envers le Bouddhisme, tantôt attirés par de supposés pouvoirs mystiques et tantôt résolument hostiles. Sous cette dynastie le Bouddhisme a une forte tendance ésotérique qui met en avant au côté de Bouddha le Sage l'entremetteur universel, le bodhisattva Avalokiteshvara.

La sculpture en laque sèche construite et ciselée en faible épaisseur par-dessus un mandrin de bois est utilisée pour obtenir des figures de très grand naturalisme dans les détails et l'expression du visage. La légèreté de la pièce permet un transport facile en procession mais la difficulté de réalisation a limité la production et les survivants sont de la plus grande rareté.

Deux têtes plus grandes que nature réalisées avec une technique identique ont certainement été produites par le même atelier pour le même usage religieux, peut-être au temps de l'empereur Taoïste Xuanzong dont le règne commencé il y a 1300 ans dura plus de 40 ans. Les visages charnus ont entre eux une évidente similitude.

La figure de Bouddha, haute de 46 cm, a été vendue pour HK$ 40,4M incluant premium par Sotheby's le 8 octobre 2013 sur une estimation basse de HK$ 20M.

La figure d'Avalokiteshvara est haute de 43 cm incluant un haut chignon. Elle est estimée HK$ 18M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 4 avril, lot 3015.

Virtuellement oubliée en Chine après sa très brève période sous les Tang, la technique de la laque sèche a été exportée au Japon à l'époque des persécutions des derniers Tang contre le Bouddhisme.

Curiosités Exotiques à Utrecht

Le thème de la nature morte de fleurs comme une oeuvre d'art à part entière est développé à partir de 1606 par Jan Brueghel comme une conséquence de l'engouement Européen pour l'horticulture. Ambrosius Bosschaert, artiste Flamand émigré à Middelburg, est un pionnier de ce nouveau genre.

Balthasar van der Ast est formé par Bosschaert qui a épousé sa soeur ainée. La famille s'installe de façon permanente à Utrecht en 1619. La même année Roelandt Savery devient membre de la guilde d'artistes de la même ville.

Le 31 mars à Zurich, Koller vend une nature morte peinte par Balthasar, lot 3040 estimé CHF 850K. Cette huile sur panneau de grandes dimensions pour l'époque, 77 x 107 cm, montre une grande variété d'objets : fruits, fleurs, coquillages, insectes et deux perroquets, et annonce une nouvelle phase dans la nature morte.

Le réalisme naturaliste voulu par Brueghel et Bosschaert est encore présent mais le thème inclut désormais des nouveautés importées en Hollande par la Compagnie des Indes. Cet exotisme est ici représenté par les coquillages, les deux oiseaux, certains fruits et le vase Wanli. Chaque élément de botanique ou de zoologie reste parfaitement identifiable.

Malgré l'abondance des objets, la composition est claire et aérée, avec une jolie gamme de couleurs qui a peut-être déjà été influencée par Savery. L'hypothèse selon laquelle cette peinture aurait été réalisée par Balthasar comme un démonstrateur de la variété de son savoir faire vers 1620 peu après son arrivée à Utrecht est séduisante. Quand Ambrosius meurt en 1621, Balthasar prend la relève.

Mystérieux Ciel de Minuit

L'Art Déco Parisien offre une tendance nouvelle de l'art du meuble et de l'ameublement, avec des matériaux rares et luxueux dans des formes simplifiées. Entre 1922 et 1931, dans une approche hautement originale répondant à la mode du temps, Cartier associe des jades antiques Chinois avec les plus spectaculaires techniques d'horlogerie.

Le Ciel, daté 1928, a probablement nécessité un an de travail. La pièce d'horlogerie est une pendule mystérieuse transparente de couleur bleu nuit rehaussée de diamants, nacre et émail. La nappe étoilée brille sur la face arrière et les aiguilles sans mécanisme apparent simulent la queue d'une comète.

Cette pendule est en appui sur deux grosses carpes en jade serties de pierres de lune et coraux. Les poissons sont posés sur une fontaine éternelle en cristal de roche. La hauteur hors tout est 22 cm.

Ce luxueux objet qui mêle la technique moderne et le symbolisme éternel de l'Extrême-Orient est estimé HK$ 10,5M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 4 avril, lot 1790. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

19 mars 2017

Le Kesi de Longévité

Le kesi est une technique de tapisserie Chinoise consistant à assembler des éléments préparés indépendamment. Déjà connue sous les Tang et très appréciée à la cour raffinée des Song du Sud, elle est relancée par l'empereur Qianlong toujours soucieux de faire revivre l'héritage culturel Chinois dans toutes ses caractéristiques.

Le 5 avril à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 3629 un rouleau à pendre 312 x 145 cm réalisé en kesi avec un assemblage tissé.

Le centre de la pièce dans une réserve rectangulaire est un immense caractère imitant la calligraphie, tissé en noir sur un fond beige avec une grande fermeté et régularité du trait. C'est un shou, le caractère de longévité. Les marges sont animées par onze dragons de fil d'or dans différentes postures.

Le haut et le bas de la pièce sont décorés de fleurs, de fruits et cinq sympathiques chauves-souris offrant par rébus l'auspice wufu pengshou, cinq bénédictions de longévité, jeu de mot utilisant l'homophonie fu entre cet animal et la longévité.

Qianlong a beaucoup aimé ce cadeau somptueux, seul exemple de cette dimension sur le thème de la longévité et utilisant les meilleures techniques du kesi avec des couleurs multiples et chatoyantes. Il a apposé cinq marques de sceaux bien alignées au-dessus du shou dont le prestigieux Qianlong yulan zhibao signifiant trésor apprécié par Qianlong.

Les anniversaires de décennies d'âge des empereurs faisaient l'objets de célébrations grandioses préparées longtemps à l'avance et Qianlong était très fier de sa santé exceptionnelle et de son activité intacte à 70 et 80 ans. Les dates des cinq sceaux sont cohérentes avec l'hypothèse selon laquelle ce kesi lui a été offert pour ses 80 ans, année 1790 de notre calendrier.

18 mars 2017

Les Poissons Bleus

Lorsque l'empereur lui-même encourage le développement des techniques de porcelaines, l'ingéniosité des potiers de Jingdezhen n'a plus de limites. Le règne de Xuande, cinquième empereur de la dynastie Ming, est un de ces âges d'or avec de spectaculaires progrès pour le bleu et le rouge sous glaçure.

Le rouge reste difficile à réaliser et son dessin est limité à des silhouettes massives de poissons ou de fruits. Par contre le bleu de cobalt est obtenu en une suite de tons qui permet des contrastes subtils. La qualité des bleus et blancs Xuande ne sera jamais surpassée.

La finesse du dessin bleu devient exceptionnelle mais l'iconographie reste traditionnelle. Le flanc d'un bol se lit comme un dessin que l'on déroule progressivement. Le thème des poissons évoluant à mi-profondeur parmi les herbes aquatiques d'un étang est bien adapté à de telles réalisations.

Le 5 avril à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 101 un bol en forme de cloche sur ce thème, de 23 cm de diamètre, avec un ultime raffinement : il est lobé en dix sections prolongées par la base elle-même lobée dans le prolongement. Le but est un effet visuel sans précédent : le déroulement de l'image devant les yeux donne l'impression d'un doux mouvement des poissons.

Les lobes ne sont pas nouveaux dans la porcelaine Chinoise : les soucoupes lobées pour imiter une fleur étaient une spécialité des fabuleux fours Ru à la fin de la dynastie des Song du Nord.

Une pièce aussi profonde que le bol lobé aux poissons est un exploit technique : aucune autre pièce de cette forme et de cet effet visuel n'a fait surface dans une aussi grande dimension. Deux bols de plus petit diamètre ont été identifiées dans un ancien inventaire du musée de Taipei. Des déchets d'une pièce rebutée encore plus petite ont été retrouvés à Jingdezhen.

Il est difficile d'évaluer le prix d'une telle rareté qui atteint les limites extrêmes des technologies connues sous les premiers Ming. Le communiqué de presse du 8 mars espère un résultat au-delà de HK$ 100M.

Groupe avec l'Echarpe Rouge

Avec ses premières séries sur le thème des Hôpitaux et des Viandes, Zeng Fanzhi apporte une vision cruelle de la relation entre la souffrance et l'indifférence, et entre l'être humain et la chair. Natif de Wuhan, Zeng vient s'installer à Beijing en 1993. Comme Kirchner à Berlin en 1911, il ne parvient pas dans la grande ville à établir un réseau de relations sociales répondant à son besoin émotionnel.

Il commence sa série des Masques montrant la dissimulation des gens derrière des conventions sociales applicables à tous, gommant l'originalité de chaque personnalité. A la même époque la Big Family de Zhang Xiaogang exprime un malaise similaire d'identification de la personnalité d'une façon opposée : les individus sont tous physiquement différents mais leurs mornes vies sont interchangeables.

L'écharpe rouge des Jeunes Pionniers est un symbole de ralliement des personnages masqués de Zeng. Elle exprime aussi la fierté et le malaise de sa propre différence. Cet embrigadement est offert à presque tous les écoliers à titre d'encouragement à entrer dans la ligne du parti mais le jeune Zeng, trop mauvais élève ou peut-être trop émotif ou trop indiscipliné, ne l'a jamais reçue.

Il est généralement difficile de décider dans une image de Masque par Zeng si l'on voit ou non le vrai visage des personnages. Cette règle a deux rares exceptions, les auto-portraits sans le sourire artificiel et les groupes où la répétition des mêmes traits sur tous les personnages révèle la présence des masques.

Mask 1996 No. 6 est une huile sur toile en diptyque d'une dimension totale 200 x 360 cm. Huit jeunes Chinois de même visage trop souriant, différenciés par la taille et la coiffure, sont alignés comme pour une photographie de groupe, les mains des uns sur les épaules des autres pour simuler leur camaraderie. Chacun a l'écharpe rouge confirmant leur manque de liberté.

Vendue pour HK$ 75M incluant premium par Christie's le 24 mai 2008 sur une estimation de HK$ 15M, No. 6 a attiré soudain l'attention du marché de l'art sur les jeunes peintres de la dérision sociale Chinoise : Zeng, Zhang, Yue Minjun, occultant pour quelques années la variété de la peinture Chinoise ultérieure aux évènements de la place Tiananmen. No. 6 est de retour, à vendre le 3 avril par Poly à Hong Kong, lot 173.

15 mars 2017

Menace à Central Park

Inspirée et encouragée par Lisette Model, Diane Arbus veut révéler l'incongru ou la monstruosité dans la condition humaine. Les appareils au format 24 x36 mm ne lui conviennent plus parce que l'oeil est trop près de l'oeilleton de visée, gênant le choix du juste moment d'un instantané. En 1962 elle opte pour le format 6 x 6 cm avec un Rolleiflex bi-objectif à visée reflex.

La photo du garçon à Central Park est une de ses premières 6 x 6 cm. Un tirage contact de ce rouleau de 12 vues a pu être examiné et témoigne de la méthode terrible de l'artiste pour obtenir des situations hors norme.

Dans les premières vues le garçon pose complaisamment comme s'il attendait un témoignage de satisfaction. Vers le milieu du rouleau une grenade jouet apparaît dans sa main (on ne saura pas si elle lui a été fournie par Diane ou par une tierce partie non visible).

Diane agace le garçon jusqu'à l'exaspération. Le regard devient furibond et la bouche désagréable. Oubliant le symbole militaire du jouet il menace de le lancer vers la photographe. Elle est une grande artiste : seule l'image du résultat final sera utilisée, les précédentes n'ont pas d'importance. Vue isolément du contexte de sa mise en scène une telle agression promise par un enfant ressemblant à tous les autres est dérangeante. C'est un chef d'oeuvre de la photographie sociale.

Un tirage argentique vintage 30 x 30 cm signé et daté par Diane avec le titre autographe Exasperated boy with toy hand grenade a été vendu pour $ 790K incluant premium par Christie's dans sa vente de prestige Looking forward to the past le 11 mai 2015.

Le 6 avril à New York, Christie's vend un tirage réalisé, titré et signé par Diane en 1963 dans un format similaire sur une feuille 50 x 40 cm, lot 12 estimé $ 400K.

Les Ultimes Visages de Henri Matisse

Depuis 1941 Henri Matisse est invalide. Il ne peut plus utiliser la peinture à l'huile et ne reste pas plus d'une heure debout. La technique des papiers découpés entretient sa réputation de coloriste mais cela ne lui suffit pas : il dessine beaucoup de portraits.

Malgré ces difficultés il se considère encore comme un medium chargé par son art d'interpréter la beauté du monde et surtout celle de la figure humaine. Il admet qu'il n'est pas intéressé par la psychologie. Au travers de l'infinie variété des visages, il synthétise la figure humaine idéale. Le visage de Lydia, sa dévouée assistante depuis 1932, est sa principale inspiration.

Ses dessins décorent sa chambre à Nice et rompent sa propre solitude. En 1950 il dessine sur le plafond les portraits de ses trois petits-enfants en utilisant un fusain au bout d'un bâton de 2 m de long. Par chance la main du vieil artiste ne tremble pas.

Il utilise aussi l'encre de Chine sur papier en larges traits effectués avec un pinceau. Une Tête de femme 65 x 50 cm réalisée en 1952 a été vendue pour $ 1,33M incluant premium par Christie's le 16 novembre 2016 sur une estimation basse de $ 500K.

Le 23 mars à Paris, Sotheby's vend Visage, réalisé la même année dans le même format et la même technique, lot 17 estimé € 800K.

Ce dessin est un apogée de cette phase par sa vue simplifiée en gros plan qui élimine les contours du visage. L'expression est renforcée par l'économie de moyens sur cette figure réalisée avec moins de 20 coups de pinceau. C'est la même femme que sur la Tête mentionnée ci-dessus. Si c'est Lydia, cette vue est peut-être un moyen élégant d'éviter le menton trop pointu sans diminuer la ressemblance.

Le 1er novembre 1954, Matisse termine un autre portrait de Lydia et dit "ça ira". il meurt deux jours plus tard.

Le Livre d'Images du Duc de Mirepoix

Le duc de Laval, de la famille de Montmorency, meurt en 1837. Sa fille et son gendre, le duc de Mirepoix de la famille de Lévis, héritent du château et de son contenu et de son titre espagnol de duque de San Fernando Luis.

Pendant un inventaire les descendants inspectent un vieux livre de comptes oublié dans un rayonnage de la bibliothèque depuis le milieu du XIXème siècle. Dans ce gros volume pré-imprimé, presque toutes les pages avaient été utilisées pour coller une image. Une inscription à l'intérieur de la couverture par un artisan non identifié indique que cette opération a coûté 5 fr 50 c à M. de Mirepoix.

Les découvreurs ne sont pas spécialement excités par les 90 lithographies colorées à la main d'uniformes militaires par Hippolyte Bellangé mais ce début menait à un trésor : la série complète des 33 gravures de La Tauromaquia par Goya. Ils comprennent que le registre a été choisi parce que son format 54 x 36 cm permettait d'installer ces feuilles 30 x 45 cm avec leur pleine marge.

La Tauromaquia a été publiée par Goya en 1816, peu après le retour de la dynastie des Bourbon en France et en Espagne. Laval est ambassadeur de France en Espagne de 1814 à 1823.

Le thème de la lutte à mort entre la bête et les hommes permet à l'artiste d'éviter la censure qui menace déjà ses thèmes sociaux préférés. Goya connaît parfaitement les détails d'une corrida et ses images montrent toute la variété de l'action. Le fait que le taureau ne soit pas toujours le perdant est un message politique sous-jacent.

Goya est un maître de toutes les techniques de gravures. En 1799 les beaux tons sepia de ses aquatintes de Los Caprichos sont des chefs d'oeuvre. La Tauromaquia est imprimée à l'encre noire avec de très beaux contrastes apportées par l'aquatinte.

Resté en très bon état grâce à son très long stockage sans manipulations, l'album d'images du duc de Mirepoix est estimé £ 300K à vendre par Sotheby's à Londres le 4 avril, lot 34.

Un ensemble complet 28 x 40 cm de La Tauromaquia augmenté d'une liste manuscrite des images dans une reliure contemporaine de l'édition a été vendu le 9 avril 2013 par Christie's pour $ 1,9M incluant premium sur une estimation basse de $ 400K.


12 mars 2017

Les Formes Parfaites de Miriam

En 1923 Edward Weston part pour le Mexique avec Tina Modotti. Il emmène un de ses fils et laisse derrière lui aux Etats-Unis sa femme Flora et leurs trois autres fils. La très active Tina est son sponsor et son modèle et aide le photographe à entrer dans les cercles socialistes de Mexico City.

La rencontre avec les artistes avant-gardistes de Mexico transforme la vision artistique d'Edward, désormais orienté vers la recherche des formes parfaites dans les objets ordinaires et les corps. Tina a 27 ans. Elle est mince et jolie. Edward étudie les détails comme les mains croisées devant la robe et photographie aussi le corps nu.

Tina ne répond sans doute pas à l'idéal esthétique d'Edward. Il reprend contact avec Miriam Lerner qu'il avait brièvement rencontré avant son départ pour Mexico. Les détails du corps pulpeux de Miriam entre les épaules et le bas des fesses répondent aux désirs érotiques et esthétiques du photographe. Ils vivent ensemble un amour passionné dans les premiers mois de 1925 à Edendale, Los Angeles, avant qu'il reparte pour Mexico où Tina n'a pas cessé de travailler pour sa gloire.

Un tirage argentique mat 13 x 24 cm montrant les formes doucement géométriques du dos de Miriam nue en position allongée a été vendu pour $ 1,6M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2008 sur une estimation basse de $ 600K.

Le 6 avril à New York, Christie's vend un très rare tirage palladium 18 x 23 cm daté au crayon 1925 et localisé à Edendale, lot 7 estimé $ 400K, non dédicacé mais offert à l'origine par l'artiste à Miriam.

Cette étude montre le corps nu en torsion posé sur les deux épaules et le bord d'une fesse. L'utilisation du palladium apporte une surface lustrée avec de très subtiles nuances dans les gris pour une vision douce qui renforce l'érotisme suggestif de ce buste sans tête.

La Falaise de Bandiagara

La forêt humide d'Afrique gomme impitoyablement les restes des civilisations anciennes. Fort heureusement pour les scientifiques certaines tribus ont été chassées vers les régions arides. La falaise de Bandiagara, située géographiquement au Sahel et politiquement au Mali, a été classée en 1989 au patrimoine mondial de l'humanité par l'UNESCO.

Les plus anciens habitants troglodytes étaient les Tellem, des chasseurs cueilleurs qui aménageaient des greniers et utilisaient des poteries il y a 2000 ans. Il y a 500 ans les Tellem ont été expulsés par les agriculteurs Dogons qui ont utilisé les grottes pour conserver leurs objets rituels à l'abri des utilisations intempestives.

La civilisation Dogon a été étudiée sur place par Marcel Griaule qui a collecté des objets de 1931 à 1933 pour le Musée du Trocadéro et a réalisé en 1946 un très long entretien avec un vieillard aveugle qui consacrait sa vie à comprendre les traditions orales de sa tribu.

Une figure Dogon de Bandiagara a été acheminée à Paris dans les années 1950 par un marchand Africain. Haute de 57 cm, elle montre une femme nue en position agenouillée sur le crâne d'un masque masculin. Cette caractéristique unique en son genre dans l'art Africain est sans doute un signe de très grande ancienneté, peut-être supérieure à 300 ans. Sa patine épaisse atteste d'une utilisation rituelle intensive.

Mort en 1956, Griaule n'a pas pu étudier ce spécimen exceptionnel mais ses observations aident à l'interprétation. La dualité homme-femme d'un objet, qui mène parfois jusqu'à l'hermaphrodisme dans les pièces les plus anciennes, est un culte du couple primordial offrant à la fois la force et la fécondité. La position agenouillée des femmes est une attitude décrite par Griaule parmi les rites funéraires Dogons.

Cette figure a été vendue à Paris (Drouot) le 30 juin 1994 par De Quay-Lombrail pour 2,3 MF, un prix considérable à cette époque pour un masque Africain. Elle est estimée € 2,5M à vendre par Christie's à Paris le 4 avril, lot 82.

Le Charmant Prince Pala

La dynastie qui régna pendant quatre siècles sur le Bengale et le Bihar est identifiée sous le nom de Pala, un suffixe signifiant "protecteur" qui était ajouté au nom personnel de chaque monarque.

Trois religions cohabitaient : l'Hindouisme, le Bouddhisme et le Jaïnisme. Elles avaient la préoccupation commune de régir la communication entre le divin et le mortel. Dans le Bouddhisme cette fonction est assurée par le bodhisattva Avalokiteshvara.

Le 14 mars à New York, Christie's vend au lot 233 une statue réalisée vers la fin de la période Pala il y a environ 900 ans.

Le jeune homme est assis sur un épais lotus, une jambe pliée et l'autre pendante. Cette figure a été sculptée dans une pierre noire similaire à un schiste qui était très utilisée dans les stèles Pala et dont la dureté permet une grande finesse de sculpture.

Il a évidemment toutes les qualités. Le dynamisme spectaculaire de l'attitude invite au dialogue avec les fidèles. Il est un prince élégamment habillé avec une profusion de bijoux pectoraux ciselés dans la pierre mais aussi un ascète reconnaissable à sa chevelure tressée. Son appartenance au Bouddhisme est identifiée par Amitabha caché dans une fente de la tiare : il est à la fois Avalokiteshvara, le seigneur qui voit tout, et Lokanatha, le sauveur du monde.

Le personnage est grandeur nature sur cette statue de 148 cm de haut. Cette caractéristique exceptionnelle dans l'art Bouddhiste laisse supposer qu'elle était la figure de dévotion principale d'un temple spécialement dédié à Avalokiteshvara.

Elle a été à partir de 1922 une pièce importante de la collection d'art de l'Inde du Boston Museum puis dé-accessionnée en1935 pour un échange avec une autre statue de la même culture. Les bras et le nez étaient manquants. Le nez a été reconstruit ultérieurement.

11 mars 2017

L'Argenterie du Duc d'York

Le duc d'York, second fils du roi George III, dépense sans limites et aime l'antiquité héroïque qui flatte sa brillante carrière militaire dans les guerres Napoléoniennes. Le marchand d'antiquités Kensington Lewis profite de la faiblesse de ce prince pour lui procurer à des prix très élevés d'extravagantes pièces d'argenterie qui sont fabriquées à Londres par Edward Farrell.

Le 22 mars à Londres, Christie's vend un centre de table en argent massif doré sur le thème du combat victorieux d'Hercule contre l'Hydre de Lerne, poinçonné par Farrell en 1824, lot 200 estimé £ 400K.

Ce groupe haut de 89 cm pesant 35 Kg montrant Hercule en pleine action a été réalisé dans le goût de l'argenterie baroque d'Augsbourg. Hercule drapé de la peau du lion domine, aidé par son neveu Iolaus. Les neuf têtes du monstre servent de porte-chandelle en circonférence irrégulière. L'artiste n'a pas omis le crabe géant qui tente une contre-attaque sur la jambe du héros.

Héritier présomptif du trône depuis 1820, le duc meurt en janvier 1827, laissant une dette si importante que son évaluation n'a pas pu être faite. Ses biens sont aussitôt vendus aux enchères par Christie's. L'Hercule qui apparaît comme la plus importante pièce d'argenterie attribuée à Lewis dans cette vente n'était pas à la mode du style George IV. Le résultat très bas est un désaveu pour Lewis qui a de surcroît perdu son naïf client et est ruiné.

Stradivari dans la Suite d'Amati

Pendant sa très longue carrière Nicola Amati avait été le plus important luthier de Crémone. Il meurt en 1684 âgé de 88 ans sans avoir cessé son activité. Son jeune collègue Antonio Stradivari doit faire face à un surcroît de commandes.

Les relations professionnelles formelles entre les deux ateliers ne sont pas connues mais une étiquette datée 1666 laisse supposer que Stradivari avait commencé sa carrière comme apprenti ('alumnus') d'Amati.

Amati avait été un grand innovateur et expérimentateur, identifiant comment une infime variation dans la forme ou la dimension d'un violon génère des différences considérables de sonorité. Il avait aussi cherché à mettre au point le meilleur vernis. Stradivari analyse les solutions trouvées par le vieux maître. Il sera considéré à partir de 1690 comme le plus important concepteur et fabricant de tous les temps.

Le 28 mars à Londres, Ingles and Hayday vend un violon stradivarius, lot 28 estimé au-delà de £ 1,3M. L'instrument porte une étiquette d'origine marquée 'Antonius Stradiuarius Cremonensis Faciebat Anno 1684' et présente toutes les caractéristiques de cette très importante période qui lança la carrière du maître alors âgé de 40 ans.

Ce violon a fait surface au milieu des années 1880 dans les cercles musicaux très actifs à Edimbourg et est maintenant identifié comme le Ex Croall McEwen specimen. Utilisé régulièrement en concert dans les trente dernières années, il offre d'importantes références discographiques de 1985 à 1990 avec le jeune soliste Frank Peter Zimmermann.

Je vous invite à jouer la video partagée par la maison de ventes :


8 mars 2017

Le Printemps chassé de l'Enfer

Dans le deuxième cercle de l'Enfer Dante a rencontré Paolo et Francesca condamnés à la passion sans fin pour leur amour adultère. Rodin prévoit d'accorder une place majeure à ce thème dans sa Porte de l'Enfer et réalise vers 1884 le plâtre du jeune couple nu embrassé dans une attitude fougueuse. La sculpture mesure 64 cm de haut.

L'artiste change rapidement d'avis parce que ce groupe infernal n'est pas assez tragique pour sa porte et peut-être aussi parce qu'il ne comprenait pas bien en quoi un amour charnel pouvait susciter une telle réprobation éternelle. Le groupe est désormais proposé séparément de la Porte sous le titre Le Printemps, qui deviendra à partir de 1900 l'Eternel Printemps rappelant la première inspiration de l'artiste.

Rodin est désormais l'artiste du bonheur érotique. Le Baiser est une suite du Printemps commandée pour l'Exposition Universelle de 1889.

Les plâtres de Rodin sont réalisés en bronzes par des ateliers indépendants. De 1887 à 1894, Griffoul et Lorge éditent 105 pièces de Rodin.

Quatre variantes du premier état du Printemps sont répertoriées par le Comité Rodin et numérotées A, B, C et D. Un bronze réalisé par Griffoul et Lorge a été vendu pour $ 1,77M incluant premium par Christie's le 8 mai 2000. Il avait été demandé par Rodin en 1892 pour offrir au politicien Eugène Spuller qui n'avait pas voulu conserver un plâtre original considéré comme trop fragile.

Le 22 mars à Paris (Drouot) Fraysse vend au lot 15 un bronze du Printemps premier état type B par Griffoul et Lorge. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Le second état du Printemps est préparé par Rodin en 1898 pour être édité en bronzes et en marbres dans plusieurs dimensions selon le procédé de réduction et d'augmentation mis au point par un collaborateur de l'artiste, Henri Lebossé. Un marbre de l'Eternel Printemps a été vendu pour $ 20,4M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2016.

5 mars 2017

Les Bronzes Rituels d'Anyang

L'histoire Chinoise émerge des brumes de la légende avec la dynastie Shang qui dura plus de cinq siècles. Le bronze vient en complément de la poterie et est utilisé surtout pour les récipients rituels. Pour le bonheur des archéologues les bronzes Shang et Zhou ont conservé un état parfait grâce à une teneur suffisante en étain. Leur décoration très finement ciselée de figures et motifs mystiques n'est pas corrodée.

Le long règne de Wu Din marque l'apogée des Shang, il y a 3250 ans. Il réside dans la nouvelle capitale Yinxu qui est aujourd'hui sur le territoire de la ville d'Anyang.

La tombe de Fu Hao, découverte en 1976, n'avait jamais été visitée par les pilleurs. Cette épouse de Wu Din avait eu une influence politique considérable, devenant même général suprême des armées. Sa tombe est un catalogue complet de l'art des Shang, incluant 1800 pièces essentiellement en jade, os, bronze et pierre sans oublier 6900 coquilles de bigorneaux qui servaient de monnaie et 16 squelettes d'esclaves sacrifiés.

Les bronzes rituels des Shang étaient de la plus grande variété de formes adaptées au stockage et à la cuisson. Les rites définissaient les quantités de récipients sacrificiels autorisés selon la position sociale. Sous les Zhou qui ont renversé les Shang, le roi pouvait utiliser 9 ding et 8 gui tandis qu'un noble était limité à 3 ding et 2 gui. La tombe de Fu Hao contenait la quantité incroyable de 200 bronzes rituels.

Le 15 mars à New York, Christie's disperse la collection d'art Chinois du musée Fujita d'Osaka, incluant quatre bronzes Shang. Le catalogue indique pour chacune de ces pièces une acquisition antérieure à 1940 par le musée. Leur similitude avec les bronzes de Fu Hao et la qualité égale ou parfois supérieure de leur technique et de leur décoration mystique laisse supposer que ces quatre pièces provenaient d'une même tombe royale. Ils ont conservé leur couvercle, sauf bien sûr le zun qui n'en a jamais.

Le lot 523, estimé $ 6M, est un récipient de 52 cm de haut de forme complexe à trois corps. Par sa grande ouverture évasée (zun) de section carrée (fang), c'est un fangzun.

Le lot 524, estimé $ 5M, est un fanglei de 63 cm de haut avec son couvercle. Par comparaison le fanglei du Père Ji, vendu pour $ 9,2M incluant premium par Christie's le 20 mars 2001, est haut de 64 cm sans son couvercle qu'il a perdu et est daté de la transition Shang-Zhou deux siècles plus tard.

Le lot 525, estimé $ 4M, est un pou de 57 cm de haut. Sa forme à deux corps avec une panse ronde sur une base en tronc de cône est archaïque mais sa décoration est comparable aux autres pièces de la vente.

Le lot 526 est le sensationnel gong zoomorphe qui a fait l'objet d'une discussion précédente dans cette chronique.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's pour introduire la vente.

4 mars 2017

Six Fils du Roi Dragon

Les dragons, symboles de l'empereur et de sa famille, savent se confronter aux forces de la nature. Leurs corps sinueux voguent comme en apesanteur dans les nuées et les ondes. Les expressions variées de leurs têtes sont toujours vigoureuses.

Le rouleau à main est un art bien plus raffiné qu'un simple dessin. L'image se lit de droite à gauche au fur et à mesure du déroulement, offrant la scène d'une véritable action. Le papier doit aussi être agréable à toucher.

Vers la fin de la dynastie des Song du Sud, l'artiste Chen Rong a poussé au rang des chefs d'oeuvres ses images de dragons. Ses rouleaux furent très admirés de l'empereur Qianlong qui commenta les colophons et apposa ses sceaux.

Le dessin de la bête fabuleuse par Chen Rong est fin et détaillé, par contraste avec son environnement humide réalisé par une méthode originale de pulvérisation d'encre. Dans la tradition Taoïste, une telle scène est un appel magique à la pluie.

Le Musée de Boston conserve un rouleau aux neuf jeunes fils du roi Dragon, 46 cm de haut pour 15 m de long, incluant sur la peinture deux inscriptions autographes qui permettent une estimation de la date de l'oeuvre à 1244 de notre calendrier.

Le 15 mars à New York, Christie's vend un rouleau montrant six dragons dans un style similaire au specimen de Boston. Signé par un sceau de l'artiste, il mesure 35 cm de haut pour une longueur de 4,40 m pour l'image et 83 cm pour la calligraphie. Dé-accessionnée du Musée Fujita d'Osaka, cette oeuvre est estimée $ 1,2M, lot 507. Elle est dépliée pour notre plaisir dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

Entre Atom et DB2

La seconde guerre mondiale ralentit les ambitions d'Aston Martin. L'Atom est une voiture de sports séduisante destinée à concurrencer les Alfa Romeo 8C 2900 et 6C 2500 carrossées avec la technologie Touring. Le prototype de l'Atom est opérationnel mais aucune production ne suivra.

L'Atom continue à porter les espoirs de la marque. Le fils du propriétaire de la marque l'utilise intensivement pour son usage personnel et la montre avec complaisance à ses amis. En 1945 elle est la toute première voiture équipée du nouveau moteur 2 litres breveté par Aston Martin.  L'histoire selon laquelle l'entrepreneur du tracteur David Brown a été séduit par cette voiture au point de décider de produire lui-même des voitures de sport est tout à fait plausible. Ce coupé unique est passé aux enchères chez Bonhams en 2014.

La fin de la guerre modifie considérablement la conjoncture industrielle. David Brown achète coup sur coup Lagonda et Aston Martin. Le premier modèle de la nouvelle société Aston Martin Lagonda est la 2-Litre Sports lancée en 1948 avec le moteur 2 litres. La victoire immédiate et inattendue d'une de ces voitures aux 24 heures de Spa encourage le développement d'un modèle plus ambitieux.

En 1949 Aston Martin construit quatre prototypes sur le nouveau châssis DB Mk II, une dénomination utilisant les initiales du nouveau patron. La forme aérodynamique est inspirée des voitures Italiennes. Deux prototypes sont équipés du moteur 2 litres et ls deux autres d'un moteur 2,6 litres conçu en 1943 par Lagonda.

Les deux 2 litres et l'une des 2,6 litres sont équipées en configuration compétition et entrées aux 24 heures du Mans. L'autre 2,6 litres est équipée en voiture routière pour l'usage personnel de David Brown qui l'utilise pour des démonstrations. La presse spécialisée est très élogieuse sur les performances, l'endurance et le confort de cette voiture.

Brown a gagné : le succès de sa ligne de produits est désormais assuré. En 1950 il revend sa voiture à un pilote de sa marque et démarre la production de la DB2. La 2-Litre Sports est renommée rétroactivement DB1.

La DB Mk II de David Brown est à la suite de l'Atom une des voitures les plus importantes de la modernisation de la marque Aston Martin. Elle est estimée $ 1,5M à vendre par Gooding à Amelia Island le 10 mars, lot 031. Voici le lien vers le communiqué de presse.

1 mars 2017

Le Bélier Rituel

L'art du bronze pour les récipients Chinois s'est diversifié à la fin de la dynaste Shang, il y a 3300 à 3050 ans. Les formes variées sont adaptées aux usages rituels. Des exemples li, yi, lei, fangyi, fanglei, hu ont été précédemment discutés dans cette chronique.

Le gong et le zun peuvent tous deux devenir zoomorphes avec un haut degré de réalisme tridimensionnel. Le zun est conçu pour la facilité à verser, avec un bec bordé de larges lèvres. Le gong ou guang est un récipient ouvert équipé d'un couvercle amovible sur la totalité de sa surface.

Le 15 mars à New York, Christie's vend un gong en forme de bélier de 22 cm de long, lot 526 estimé $ 6M. Cette pièce est dé-accessionnée du Fujita Museum d'Osaka.

Le dos de la bête est constitué par le couvercle qui se prolonge par la tête superbe avec ses cornes enroulées. Le corps incluant le couvercle est orné en relief peu profond des mêmes motifs traditionnels que les récipients de forme géométrique : taotie, bêtes stylisées. Les pattes épaisses assurent la stabilité du récipient. Le dos est surmonté d'un dragon et d'un oiseau servant de poignée.

Les pièces quadrupèdes sont extrêmement rares. Le catalogue de la maison de ventes considère douze autres exemples complets gong ou zun d'époque Shang qui sont tous dans des musées : buffles, éléphants, animaux fabuleux, un sanglier, un éléphant. Le dernier qui ait été offert aux enchères était un zun en forme de buffle en 1988.

Considérant l'usage sacré ou sacrificiel de certains de ces animaux, l'extrême rareté de ces pièces peut surprendre. Elle est probablement due à une grande difficulté d'exécution.