30 avr. 2017

L'Energie d'un Crâne

La participation de Jean-Michel Basquiat à une exposition collective en février 1981 attire l'attention de trois marchands qui auront séparément un rôle prépondérant dans le démarrage de sa carrière : Emilio Mazzoli, Annina Nosei et Bruno Bischofberger.

Il est tout à l'honneur d'Annina Nosei d'avoir convaincu Jean-Michel que son sous-sol était plus approprié que les rues de New York pour laisser éclater son talent. Cette étroite collaboration au cours de laquelle l'artiste peut enfin travailler régulièrement sur des toiles de très grand format dure de septembre 1981 à novembre 1982.

Pendant la première année, Jean-Michel montre des personnages en pieds, apôtres de la négritude dont la transparence de la chair dévoile le squelette. Sa technique parfaitement maîtrisée à l'acrylique, spray et oilstick et son trait rapide et précis apportent une expression revendicative sans précédent.

Une nouvelle année commence, avec de nouvelles avancées dans son langage artistique. Le 18 mai à New York, Sotheby's vend au lot 24 une peinture 183 x 173 cm réalisée en janvier 1982 pour la Galerie Nosei. Le communiqué de presse du 19 avril annonce une estimation au-delà de $ 60M.

Comme beaucoup d'opus par Jean-Michel, elle n'a pas de titre. Le thème est limité à une énorme tête à laquelle les couleurs vives et les dents agressives donnent une expression rageuse. Par sa transparence, elle est un crâne ou peut-être un masque. Sans cou ni corps, elle flotte devant un ciel bleu qui n'est peut-être qu'un interstice dans un mur tagué.

Les têtes monumentales peintes en 1982 sont le point culminant de l'art de Jean-Michel. La tête diabolique sur une toile 239 x 500 cm peinte en mars à Modène pour Mazzoli a été vendue pour $ 57M incluant premium par Christie's le 10 mai 2016. Des paires de personnages apparaissent également : Dustheads a été vendu pour $ 49M incluant premium le 15 mai 2013, également par Christie's.

Les Ravines de Rosedale

Tout juste diplômé Master de la Chelsea School of Art, Peter Doig reçoit le Whitechapel Artist Prize avec une invitation à préparer une exposition solo qui se tiendra en août et septembre 1991 à la Whitechapel Art Gallery à Londres.

Le jeune artiste développe une vision entièrement nouvelle du paysage tenant compte à la fois des techniques de l'Action painting et des équilibres de couleurs de l'expressionnisme abstrait.

L'effet de présence favorisée par la grande dimension des toiles ne s'appuie pas sur une perspective mais sur le masquage des plans éloignés par un réseau de la nature ou sur la difficile interprétation d'un reflet dans l'eau. L'horizon n'est pas utile dans ces compositions et disparaît comme dans le bassin de Monet.

L'année précédente ses Swamps recréaient une ambiance inspirée du cinéma. Pour préparer l'exposition de Whitechapel, Doig réutilise ses propres photos d'hiver des ravines de Rosedale, une banlieue de Toronto peuplée de très riches et somptueuses résidences.

The Architect's Home in the ravine dévoile une opulente villa au travers des troncs et des branches sans feuille de la forêt, avec un très méticuleux travail des lignes et des couleurs. Cette huile sur toile 200 x 250 cm a été vendue pour £ 11,3M incluant premium par Christie's le 11 février 2016.

Le 18 mai à New York, Phillips vend au lot 9 une huile sur toile 200 x 240 cm simplement intitulée Rosedale. Le communiqué de presse du 19 avril annonce qu'elle est attendue au-delà de $ 25M.

Encore plus que l'Architect's Home, Rosedale ouvre la nouvelle voie du style et de la technique de Doig. La logique classique aurait voulu que le bâtiment soit dessiné avant les éléments qui le cachent partiellement. Doig fait le contraire. L'image est également parsemée d'un pointillisme blanc qui exprime le froid de l'hiver. L'artiste affirme sa sensibilité aux scènes d'hiver par Bruegel dans lesquelles la neige est omniprésente sans être prépondérante.

Complications Etanches par Rolex

Les montres Rolex sont faites pour être portées au poignet, pas pour être thésaurisées. Le marché du luxe est cependant bien tentant pour la marque qui lance en 1950 une montre chronomètre de haut de gamme avec triple calendrier (mois - jour dans le mois - jour dans la semaine) et les phases de la Lune. Ce nouveau modèle est disponible en deux références : 6062 est une Oyster et 8171 n'est pas étanche.

Le prestige de Rolex est immédiatement renforcé. Quand l'empereur Bao Dai réside temporairement à Genève, il achète une 6062 en or jaune assemblée en 1952 avec cadran rehaussé par des diamants, après avoir refusé tous les autres modèles. Sa montre récemment discutée dans cette chronique sera vendue par Phillips le 13 mai à Genève.

Le lendemain 14 mai dans la suite de la même vente, Phillips vend une 6062 en acier assemblée en 1953, lot 172 estimé au-delà de CHF 600K.

A cette époque les montres en acier sont des raretés intéressant des utilisateurs qui ont besoin d'une grande stabilité du métal pour des conditions sévères. Beaucoup d'entre elles ont été endommagées par un usage intensif.

L'exemplaire qui vient en vente est dans un état excellent et non restauré. La configuration Oyster a protégé son fragile cadran réalisé avec une finition argentée laquée offrant une très bonne luminosité.

Les complications ont peu d'intérêt pour la clientèle traditionnelle de Rolex : après quelques années de production du double modèle 6062/8171, la marque a attendu 2017 pour lancer un nouveau modèle offrant les phases de la Lune.

29 avr. 2017

Le Plaisir de la Tartine Beurrée

A Düsseldorf dans les années qui suivent l'érection du Mur de Berlin, Gerhard Richter et Sigmar Polke terminent leurs études d'art à la Kunstakademie. Ils apportent leur frustration d'une société qui ne parvient pas à trouver sa voie entre le capitalisme et le communisme. Tous deux sont exilés de la Deutsche Demokratische Republik : Polke est passé à l'ouest en 1953 à l'âge de 12 ans, Richter en 1961 à 29 ans.

L'influence de Joseph Beuys, professeur depuis 1961 à la Kunstakademie, est prépondérante : les jeunes artistes peuvent et doivent créer des formes d'art entièrement nouvelles. Richter et Polke découpent dans les magazines les photos qui expriment au mieux selon eux la banalité sociale. Avec d'autres étudiants ils créent en 1963 le mouvement Kapitalistischer Realismus regroupant les peintres contestataires.

Les jeunes artistes réalisent des peintures où la forme est générée par des points d'imprimerie laissant sans ambiguïté l'inspiration par les magazines. Contrairement à Lichtenstein de l'autre côté de l'Atlantique, ils prennent cependant des libertés avec la structure de cette trame.

Richter a une sensibilité antimilitariste. Düsenjäger, huile sur toile 130 x 200 cm peinte en 1963, a été vendue pour $ 25,6M incluant premium par Phillips le 16 novembre 2016.

Polke étudie la société de consommation avec ses publicités et ses affiches qui exhibent des promesses auxquelles les familles défavorisées n'auront pas accès. Le 17 mai à New York, Christie's vend au lot 15 B Frau mit Butterbrot, caséine, laque artisanale et huile sur toile 160 x 140 cm peinte en 1964.

La jeune femme moderne bien plus grande que nature est superbement stéréotypée avec une coiffure, une main et des dents parfaites. Elle approche de la bouche la tartine beurrée avec une expression d'intense plaisir aussi exagérée que si elle jouait une publicité commerciale. Selon son degré de frustration, le spectateur peut juger si elle souhaite partager son désir ou le garder égoïstement pour elle seule.

26 avr. 2017

Le Nu Décoratif du Jugendstil

A Vienne en 1909 Gustav Klimt est le leader incontesté des avant-gardes. Egon Schiele âgé de 19 ans est inspiré par Klimt mais cherche déjà à développer un art personnel. Ses premières peintures de grandes dimensions entrent dans la tendance décorative du Jugendstil. Dans un but de rapprochement avec l'architecture, l'art pictural privilégie la géométrie au détriment de la perspective et encourage les textures brillantes et les couleurs subtiles.

L'auto-portrait 74 x 30 cm d'Egon Schiele offre ainsi une composition plate et excentrée dans une attitude originale qui démontre l'intention du jeune artiste de se faire connaître. Il a été vendu pour £ 7,2M incluant premium par Christie's le 2 février 2016.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend Danaë, huile et peinture métallique sur toile 80 x 125 cm considérée comme le premier nu de la carrière professionnelle de Schiele. Elle est estimée $ 30M, lot 27.

Klimt avait réalisé deux ans plus tôt une huile sur toile sur le même thème qui est un chef d'oeuvre de son art érotique. La fesse et la cuisse en avant, la femme nue reçoit la pluie d'or sans masquer son extase sexuelle.

Schiele utilise pour son Danaë plusieurs idées de Klimt incluant les cheveux rouges. Les taches simulant l'or sont supprimées mais la pluie multicolore abstraite du bas de l'image est devenue un lourd rideau qui va envelopper la femme. Les traits sont à peine esquissés donnant à ce corps nu l'apparence d'une masse foetale.

1909 est décidément une année de transition pour l'accès de Schiele à sa maturité artistique. Connu depuis son adolescence pour ses pulsions sexuelles, il garde encore une certaine retenue. Après sa rencontre avec la très jeune Wally deux ans plus tard, il trouvera pour plusieurs années une voie difficile entre l'attraction et le dégoût pour la chair, avec une expression psychologique intense même dans le nu qui ne réduit en rien la banalité de sa vie et de celle de ses personnages.

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Bleu pour les Garçons et Rose pour les Filles

Le 16 mai à Genève, Sotheby's vend un exceptionnel diamant bleu, lot 377 estimé CHF 38M. Il est de la meilleure couleur, Fancy vivid blue, et de clarté parfaite, Internally Flawless (IF). La concentration d'atomes de bore dans son cristal l'a fait classer type IIb, plus rare que le type IIa.

Il pèse 14,54 carats, à comparer avec le Oppenheimer Blue de 14,62 carats qui a été vendu pour CHF 57M incluant premium par Christie's le 18 mai 2016.

Le Blue Moon devenu après sa vente le Blue Moon of Josephine est aussi un Type IIb. Vendu pour CHF 49M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2015, ce diamant pesant 12,03 carats doit sa plus-value à US$ 4M par carat à une pureté absolue générant un effet sensationnel de phosphorescence après exposition aux rayons ultra-violets.

Le diamant qui vient en vente est taillé en poire. Quelqu'un a eu l'idée de choisir un diamant rose de forme et dimension comparable. Les deux gemmes pendues chacune à une suite de deux diamants blancs constituent ainsi temporairement la plus somptueuse paire de boucles d'oreilles de tous les temps. Ils sont nommés Apollon et Artemis par référence aux jumeaux de la mythologie grecque qui symbolisent la beauté.

Cette paire sera pourtant divisée. Artemis est estimée CHF 12,5M, lot 378. C'est un Fancy intense pink Type IIa de clarté VVS2 pesant 16,00 carats. Le marché marque généralement une préférence pour le Fancy vivid pink. De même type, clarté et forme, un Fancy vivid pink pesant 15,38 carats a été vendu pour CHF 31M incluant premium par Sotheby's le 17 mai 2016.

23 avr. 2017

Les Jumeaux Primordiaux de Bandiagara

Les falaises de Bandiagara, classées par l'UNESCO au patrimoine mondial de l'humanité, offrent une vue unique au monde sur l'évolution des croyances primitives. Fort heureusement les peuples qui se sont succédés n'ont pas été continuellement bousculés par les invasions. La datation au carbone 14 établit la chronologie des artefacts. Le climat sec du Sahel permet une conservation satisfaisante de très anciennes figures en bois.

Un hermaphrodite Soninke vendu pour $ 530K incluant premium par Sotheby's le 15 mai 2009 marque une très ancienne tendance à personnifier sur un unique individu la force de l'homme et la fécondité de la femme.

Les Dogons sont venus ensuite. Le 19 mai à New York, Christie's vend une figure en bois de 39 cm de haut attribuée à l'entité culturelle Dogon N'Duleri influencée par leurs voisins plus archaïques les Djennenke, lot 6 estimé $ 1,5M. Son âge est estimé entre 360 et 190 ans.

Cette statuette est une maternité gémellaire. Les Dogons croyaient que l'homme primordial nommé Nommo s'était multiplié par quatre paires de jumeaux mythiques. La femme féconde aux seins saillants est agenouillée dans une attitude de respect appliquée dans les cérémonies funéraires Djennenke. Les deux bébés sont sur ses genoux et scrutent l'avenir chacun de son côté.

Une Paire de Doubles Gourdes

Les porcelaines de type double gourde sont développées sous le règne de l'empereur Yongzheng. Elles atteignent une grande élégance avec son successeur Qianlong : le bulbe supérieur nettement plus petit est souvent lié par deux anses au bulbe inférieur plus globuleux. Lorsque la technique utilisée pour la décoration fait partie des plus raffinées, ces pièces sont parmi les plus recherchées des connaisseurs. La suite de cet essai est limitée à des vases de la période Qianlong.

Le vase vendu pour HK$ 252M incluant premium par Sotheby's le 7 octobre 2010 sur une estimation basse de HK$ 30M était une pièce exceptionnelle par son fond jaune pâle, sa hauteur de 40 cm, son long col cylindrique au-dessus du bulbe supérieur et ses incisions de type sgraffiato.

Notons parmi les vases à anses un bleu et blanc de 23 cm de haut avec un motif de feuilles de lotus, vendu pour HK$ 24M incluant premium par Christie's le 1er décembre 2010.

Les paires sont extrêmement rares. L'une d'elles récemment découverte dans une maison de campagne anglaise sera vendue par Christie's à Londres le 9 mai, lot 99. Chaque vase est de même forme et dimension que le bleu et blanc décrit ci-dessus.

Dans un même style de décoration, les détails de ces vases sont différents. Ils sont peints de fleurs et de papillons en émaux yangcai dans une accumulation d'auspices et de symboles de saisons qui a probablement été préparée pour l'anniversaire d'un personnage prestigieux. Pour les rébus si appréciés à la cour impériale le papillon signifie répétition par homophonie, doublant le message de l'auspice et la prédiction de longévité.

La porcelaine de base de cette paire est blanche selon une pratique usuelle de la période Yongzheng. Considérant que des porcelaines roses ont été appréciées sous Qianlong pour les pièces du même thème, il est possible que cette paire portant la marque impériale ait été réalisée vers le début de ce règne.

La Muse Ovoïde

L'art de Brancusi est trop fondamental, trop séminal et trop personnel pour être associé à un mouvement artistique. Très habile de ses mains depuis son enfance, ce fils de pauvres paysans des Carpathes arrive à Paris à pieds en 1904. L'époque est exceptionnelle : le bouillonnement artistique Parisien ouvre la voie à sa créativité.

Il apprend avec Rodin que la figure humaine peut être réduite à un seul élément. Une tête couchée sur un socle symbolise la sérénité. Il voit avec Gauguin que l'art tribal Océanien peut influencer l'art moderne universel par sa simplification extrême des formes. L'habile colosse barbu choisit la taille directe contrairement à la pratique de son temps. Il influencera Modigliani.

Brancusi commence en 1907 à concevoir sa série de chefs d'oeuvre. Avec Le Baiser il est le premier artiste qui laisse entrevoir un développement du Cubisme en sculpture.

Il réalise en 1909 en marbre blanc le prototype de La Muse endormie. La tête couchée est un oeuf dans lequel les traits du visage et les cheveux sont faiblement incisés. La nuque sert de support. Malgré la stylisation c'est incontestablement un portrait de son modèle la Baronne Frachon. L'artiste a réussi la synthèse impossible entre la géométrie et le portrait.

En 1910 Brancusi crée trois plâtres et six bronzes de sa première Muse endormie. Les bronzes sont fondus par Valsuani mais la patine différente pour chacun des bronzes est réalisée par l'artiste lui-même avec un soin extrême.

Le 15 mai à New York, Christie's vend un des six bronzes, 27 cm de long, lot 32 A estimé $ 20M. Cet exemplaire a une exceptionnelle patine mate et chaude rehaussée par endroits à la feuille d'or qui convient parfaitement à l'illusion de sérénité désirée par l'artiste. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.


Le Lauréat de la Villa Perdue

Le sculpteur Florentin Luca della Robbia, mort en 1482, avait développé une technique de céramique à glaçure qui pouvait remplacer le marbre pour la décoration des palazzi. L'activité de son atelier devient prospère avec son neveu et successeur Andrea, fournisseur prolifique des églises Toscanes.

L'art d'Andrea est très reconnaissable avec le plus souvent une figure blanche réaliste en très fort relief s'inscrivant sur un fond bleu ciel dans un tondo. Une figure de lauréat identifiable à deux rubans latéraux répond parfaitement à cette description. Elle est estimée au-delà de $ 200K à vendre par Christie's à New York le 28 avril, lot 9.

Ce buste de 41 cm de diamètre est inspiré de l'antiquité avec ses cheveux bouclés, sa barbe, son attitude digne et son haut de toge rouge. Il est monté dans un encadrement ancien également en terre cuite de 62 cm de diamètre orné de fruits, végétaux et pommes de pin attribué aux ateliers Della Robbia. L'antiquité de ces deux éléments est confirmée par un test de thermoluminescence.

Le thème du lauréat est rare et permet de corréler cette oeuvre avec le projet de villa Poggio Reale pour laquelle une archive Napolitaine indique que Della Robbia a fourni quatre caisses de têtes glaçurées dans des cadres circulaires.

Alfonso d'Aragon duc de Calabre, héritier du royaume de Naples, est impopulaire parce qu'il aime trop les plaisirs et le luxe. Avec l'aide de Lorenzo de' Medici qui lui délègue son meilleur architecte, il fait commencer en 1487 sur un monticule proche de Naples la villa Poggio Reale destinée à être pour son usage le symbole du paradis sur terre.

Les événements se précipitent. Le faible Alfonso devenu roi de Naples en janvier 1494 est une proie facile pour le roi de France Charles VIII héritier de la dynastie déchue d'Anjou. A l'automne de la même année les troupes françaises détruisent Poggio Reale.

Il ne reste rien de la somptueuse villa qui n'était pas encore terminée sinon le souvenir de son luxe extrême et de ses jardins qui inspireront la Renaissance française. Le lauréat a fait surface dans une vente aux enchères à Christie's en 1902. Est-il le dernier témoin de Poggio Reale ou un exemplaire surnuméraire qui n'avait pas été livré ? Peu importe : c'est avant tout un remarquable exemple de l'art d'Andrea della Robbia, un des artistes les plus originaux de la Renaissance Italienne.

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21 avr. 2017

Un Accès vers le Ciel

L'art très varié de Fahr el-Nissa Zeid mêle harmonieusement les traditions du Moyen-Orient avec celles de l'Ecole de Paris. Elle est la fille d'un diplomate Ottoman. Son inspiration cosmopolite est facilitée par son premier mariage avec un intellectuel Turc qui promeut la culture Européenne. A Paris, elle achève ses études d'art à l'Académie Ranson où le cubisme abstrait de Roger Bissière l'influence durablement.

La jeune artiste devient princesse d'Iraq par son second mariage en 1933 avec Zeid, frère du roi Faisal. Dans les années 1950 le prince reste longtemps ambassadeur d'Iraq au Royaume Uni, facilitant ainsi la carrière de sa femme qui utilise un atelier à Londres et un autre à Paris.

Fahr el-Nissa Zeid introduit des couleurs vibrantes dans des figures de blocs abstraits rappelant à la fois le style de Bissière et les verres colorés, les mosaïques et les kilims du Moyen-Orient. Le 25 avril à Londres, Sotheby's vend son chef d'oeuvre dans ce style, lot 15 estimé £ 550K.

Cette monumentale huile sur toile 593 x 201 cm peinte en 1953 est conçue pour être exposée en position verticale, le haut de l'image offrant un effet de transparence entre les blocs devant un fond noir tandis que les couleurs du bas sont plus chaudes. Elle est intitulée Vers un Ciel (Towards a sky), et non Towards the sky, dans une humilité significative qui montre que l'artiste ne monopolise pas l'accès au ciel. Les difficultés d'accrochage d'une peinture aussi haute dans les salles d'exposition ont certainement amusé l'artiste.

Une oeuvre plus composite essentiellement basée sur une inspiration similaire a été précédemment discutée dans cette chronique : Break of the atom and vegetal life, 210 x 540 cm peinte en 1962, a été vendue pour AED 10,1M incluant premium valant $ 2,75M par Christie's à Dubai le 29 octobre 2013.

20 avr. 2017

Une Boîte à Dominos en Or

Le 15 mai à Genève, Christie's vend une luxueuse boîte à musique et à dominos, lot 127 estimé CHF 300K.

Cette boîte en or 18 carats 114 x 35 x 16 mm est décorée d'émaux et de perles incluant les quatre saisons animées de facétieux cupidons. Elle est accompagnée de son jeu complet d'origine de 28 dominos également en or 18K avec la face en émail bleu roi, les points de chiffre en perles et le verso en émail écarlate.

La boîte est signée M, B et C. Né à Genève, Jean-François Bautte a eu une carrière exceptionnelle dans l'industrie du luxe. Il avait commencé comme apprenti formé aux métiers d'orfèvre, horloger, bijoutier, ornemaniste et monteur de boîtes. Après avoir créé ses premiers modèles il s'associa avec deux hommes d'affaires, Moulinié en 1793 et Moynier en 1804.

L'affaire prit bientôt une ampleur internationale sous le nom de Moulinié, Bautte et Compagnie abrégé en M, B et Cie en 1804, puis Moulinié, Bautte et Moynier en 1808. Cette évolution de la marque permet de dater la boîte à dominos dans cette courte période intermédiaire, en cohérence avec une inscription datée 1808 sur le mécanisme musical.

La provenance exceptionnelle de cette boîte unique en son genre est marquée par deux anciennes ventes aux enchères.

En 1834 elle est offerte dans la vente de succession de Thomas Weeks qui avait tenu à Londres un important musée de curiosités. Il est probable que la boîte n'avait pas eu de client sur le marché Chinois en récession depuis la mort de l'empereur Qianlong et avait rejoint à Londres les collections créées par Cox et Maillardet.

Le nom de l'enchérisseur gagnant de la vente Weeks est Russell. La corrélation avec la future duchesse de Bedford, qui sera bientôt aussi une confidente de la reine Victoria, est séduisante.

La boîte revient aux enchères à Christie's en 1974, vendue par un descendant direct de la Reine Victoria. Les parties de dominos de la jeune reine avec le prince consort Albert sont documentées dans ses journaux intimes. Il apparaît comme hautement probable que la boîte Genevoise a appartenu à Sa Majesté.

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Découpages par Matisse

Le grand projet de Matisse était d'apporter une signification nouvelle à l'art par le choix des couleurs et la simplicité des formes. La Danse, peinte en 1909, apparaît comme un prototype de son évolution de fin de carrière.

Jazz, édité en 1947 par Tériade, marque le triomphe de sa nouvelle technique de papiers découpés. Ce n'est cependant qu'un des éléments du redémarrage des théories de l'artiste pour un art joyeux qui recherche le sublime en échappant désormais aux conventions de la peinture, de la sculpture et du dessin.

Aidé de sa très efficace assistante Lydia, Matisse couvre les murs de son atelier de Vence avec ses nouvelles réalisations dont il modifie sans cesse les positions à la recherche d'un équilibre apaisant dans l'effet d'ensemble. Non seulement Matisse atteint l'abstraction mais aussi il anticipe les monochromistes de la décennie suivante.

Le papier fort est couvert d'une gouache monochrome dans la couleur expressive voulue par l'artiste. Ses grands ciseaux à couture découpent une silhouette abstraite de courbes harmonieuses en plein milieu de cette planche qui est ensuite épinglée sur un carton d'une autre couleur. Quand l'artiste quittera Vence deux ans plus tard, les épingles seront soigneusement remplacées par de légers points de colle.

Le 17 mai à New York, Bonhams vend un découpage abstrait 41 x 26 cm réalisé en 1947, intitulé Arbre de Neige, lot 12 estimé $ 800K. Dans la gouache de couleur fuchsia, l'évidement sur fond blanc prend une forme arborescente aux pourtours ondulés.

Un autre opus de même dimension et de même année provenant de la collection Krieger a été vendu pour $ 1,08M incluant premium par Christie's le 4 novembre 2013. La comparaison des deux oeuvres montre la diversité de la nouvelle inspiration de l'artiste : ces Arabesques violettes sur fond orange ont des bords déchiquetés proches de la violence des peintures abstraites de Clyfford Still.

19 avr. 2017

La Femme du Lac Sentani

Toujours avides d'éradiquer toutes les traces de paganisme, les autorités coloniales ont détruit la culture traditionnelle Papoue des rives du Lac Sentani, au nord de la Nouvelle Guinée. Entre deux visites de l'ethnologue Paul Wirz en 1921 et 1926, les maisons cérémonielles avaient été rasées et leurs décorations jetées dans l'eau et la boue du lac.

Pour acquitter ses lourdes dettes envers le galeriste Pierre Loeb, le voyageur Jacques Viot visite cette région en 1929 et collecte ce qui reste de ces ravages : figures en bois et vêtements d'écorce. Ces artefacts envoyés à Paris complètent l'iconographie tribale appréciée par les clients de Loeb. Les figures longilignes incisées dans la surface du tronc ou de la branche enthousiasment les connaisseurs de Modigliani et inspirent Max Ernst et Jacob Epstein.

Le 15 mai à New York, Sotheby's vend une statue de femme du Lac Sentani haute de 103 cm dont la fruste stylisation figurative est particulièrement efficace et agréable. Elle est estimée $ 1M, lot 29. Les jambes sont légèrement écartées sans que la partie intérieure soit évidée. Une des mains a six doigts, on ne saura jamais pourquoi.

Avant de la rapporter en France, Viot avait pris soin de la photographier sur le lieu de la collecte, fièrement montrée par deux Papous au côté d'une figure masculine légèrement plus haute.

Le bas de la figure féminine présente des traces d'accrochage. Elle pouvait être la partie supérieure d'un poteau dont la partie inférieure était l'autre figure de la photo de Viot. La mystique Papoue aimait à lever les yeux vers le ciel pour révérer les ancêtres, et considérait le Lac Sentani comme la patrie de l'arc-en-ciel.

Double Etoile et Oeil de Chat

Commençant à l'âge de 19 ans en 1955, Manuel Marcial de Gomar a consacré sa vie à l'émeraude, partageant son temps entre son bureau commercial à Key West FL et la forêt tropicale de Colombie.

Il parcourait inlassablement à pied et à cheval la région de Muzo où gisent les meilleures émeraudes du monde, caractérisées par un vert intense et une géométrie parfaite du cristal. Internationalement reconnu comme un spécialiste de l'émeraude, il a aussi expertisé les spécimens retrouvés dans le naufrage de l'Atocha survenu en 1622, qui provenaient déjà de Muzo.

Le 25 avril à New York, Guernsey's vend la collection personnelle de Marcial de Gomar, consacrant un site web spécifique à cette opération. Les pièces minéralogiques de qualité musée abondent dans cette vente.

Au lot 16, La Gloria est une émeraude brute pesant 887 carats. Le catalogue considère qu'elle pourrait fournir après taille une gemme de 300 à 400 carats.

Un groupe de 9 émeraudes brutes du trésor de l'Atocha pour un poids total de 91,69 carats constitue le lot 21 sous le nom de Nine Pillars of the Andes.

Au lot 19, le Marcial de Gomar Star taillé en cabochon de 25,86 carats est un cas exceptionnel d'étoile double face, signifiant que contrairement aux réflexions habituelles des émeraudes celle-ci renvoie la lumière dans toutes les directions, et par ses deux faces opposées.

Signalons parmi les bijoux le lot 4, le Corona de Muzo, un collier centré sur une émeraude de 24,34 carats provenant de l'Atocha.

Sur invitation du collectionneur, une remarquable paire d'une autre provenance est ajoutée, lot 26A. Taillée dans une émeraude brute de 370 carats, cette paire de 36,17 et 38,36 carats parfaitement assortie offre la très rare caractéristique cat's eye. Elles sont en forme de pilule mise en valeur par la brillance spectaculaire d'une très mince réflexion traversant toute la longueur. Cette double préparation qui est un exploit technique sans précédent dans une telle dimension a été effectuée et documentée sous le contrôle du GIA.

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18 avr. 2017

L'Année de la Triple Couronne

1956 est une année sensationnelle pour Mickey Mantle. Il devient le 12ème batteur de l'histoire à remporter la Triple Couronne de la Major League, signifiant qu'il a été le meilleur dans les trois catégories statistiques : batting average, home runs et runs batted in. Il est reconnu par l'Associated Press comme l'Athlète de l'Année tous sports confondus.

Agé de 25 ans, The Mick a progressé régulièrement depuis ses débuts en Major League cinq ans plus tôt. Ses exploits ne cessent pas de défrayer la chronique. Déjà en 1953 il avait frappé une balle tellement fort qu'elle était sortie du stade. Il deviendra peut-être le meilleur joueur de baseball de tous les temps.

Sa carte Topps 1956 est très attendue des jeunes collectionneurs. Probablement éditée avant la fin de la saison, elle ne mentionne pas encore les récompenses de l'année. Le recto est la juxtaposition de deux photos : un portrait en grand sourire de l'outfielder des Yankees et un geste de victoire devant la tribune.

Le verso est très intéressant car il montre l'enthousiasme de l'éditeur pour les capacités du joueur. Topps s'est enhardi. Les dos des cartes 1952 présentaient des faits et des chiffres avec austérité. Ensuite il a été ajouté des devinettes avec leurs réponses et des petits dessins humoristiques.

Trois dessins couvrent la partie centrale du dos de la Topps 1956 du Mick. A gauche, un spectateur utilise une longue-vue d'astronomie pour suivre le trajet de la balle. A droite, le joueur court si vite que son ombre ne parvient pas à le suivre. Au centre une foule se précipite.

La carte a été éditée sur deux types de carton, dos gris et dos blanc. Le blanc est plus rare. Cinq exemplaires ont été gradés Gem Mint 10 par PSA dont un seul blanc. Aucun d'entre eux n'était passé récemment aux enchères selon les données de la PSA.

Un Mickey Mantle 1956 Topps Gem Mint 10 à dos gris est offert par Heritage à Dallas le 11 mai avec extended bidding, lot 80520 annoncé avec un guide value de $ 350K. Par comparaison, le plus haut prix enregistré sur la même carte en grade inférieur est $ 48K incluant premium sur deux exemplaires différents en novembre 2016 et février 2017, par Heritage.

17 avr. 2017

Plein Feu pour Picasso

Picasso nouvellement installé à Vallauris est initié à l'art de la terre cuite par ses voisins Suzanne et Georges Ramié qui éditeront son importante oeuvre de céramiste sous la marque de leur atelier Madoura ou Madoura Plein Feu.

De 1947 à 1949 Pablo explore son nouveau langage artistique en décorant à l'engobe, à l'émail ou à la peinture des plats et des pichets façonnés par les artisans. Le point culminant de cette phase est l'édition de trois Grands Vases, en 1950, en 25 exemplaires chacun plus quelques prototypes et épreuves d'artiste.

Les trois vases ont la même forme, globulaire surmontée d'un tronc de cône largement ouvert, qui répond à l'intention traditionnelle de l'artiste de supporter la forme de corps humain, large aux épaules et renflé aux fesses. Picasso retrouve ou imite l'art pariétal qui utilisait la forme de la roche pour créer la figuration, et l'art du rouleau Chinois où une narration est obtenue en dépliant l'oeuvre.

Les deux premières séries ont la même hauteur, 66 cm, et sont datées du même mois, mai 1950. Leurs thèmes sont complémentaires : Grand vase aux femmes voilées et Grand vase aux femmes nues. La femme voilée est plus subtile : elle est vue de face et habillée d'un côté, de dos et nue sur le côté opposé, et partiellement dénudée sur les images intercalaires.

La troisième et dernière série de cette forme, datée du mois suivant, est un peu plus haute : 70 cm. Ce Grand vase aux danseurs montre des faunes masculins nus.

Le prototype des Femmes voilées, haut de 64 cm, a été vendu pour £ 980K incluant premium par Christie's le 19 juin 2013. Un exemplaire qui était resté dans la collection Madoura a été vendu pour £ 740K incluant premium le 25 juin 2012, également par Christie's. Le numéro 2 est estimé $ 300K à vendre par Sotheby's à New York le 27 avril, lot 4.

Un Grand vase aux femmes nues provenant de la collection Attenborough a été vendu pour £ 730K incluant premium par Sotheby's le 22 novembre 2016. Un Grand vase aux danseurs a été vendu pour £ 510K incluant premium par Christie's le 5 février 2014.

Picasso tranche le Linoleum

Le premier essai significatif de linogravure par Picasso est le Portrait de jeune femme d'après Cranach le Jeune en 1958. Le résultat contribue à renouveler l'iconographie gravée de Picasso mais cette réalisation est un exploit technique du fait de la difficulté à positionner avec précision les blocs qui apportent les couleurs.

Pablo habite désormais toute l'année dans le sud de la France loin des imprimeurs Parisiens et pendant quelques années son activité de gravure dans les techniques plus traditionnelles est limitée.

Il invente progressivement une amélioration qui facilite considérablement la linogravure. Au lieu de travailler avec des éléments préalablement découpés, il utilise une seule plaque de linoleum qu'il évide successivement avant chaque encrage d'une nouvelle couleur.

Ses chefs d'oeuvre de cette nouvelle technique sont un Déjeuner sur l'herbe édité en 50 exemplaires en 1962 et une Nature morte au verre sous la lampe édité la même année en 50 exemplaires et quelques épreuves d'artiste en format d'image 53 x 64 cm sur papier d'Arches 62 x 75 cm.

Deux exemplaires à pleines marges de la Nature morte viennent en vente à New York dans des maisons de ventes différentes, chacune avec une estimation de $ 200K. Le 18 avril Phillips vend le 31/50, lot 8. Le 19 avril Christie's vend le 44/50, lot 36.

16 avr. 2017

L'Imagier de l'Anti-Art

A l'époque du développement du Pop Art, Jasper Johns est déjà célèbre pour ses Flags et ses Targets. Amant de Rauschenberg, il fait partie du cercle de Castelli. Sa recherche sur l'annihilation de la signification de l'art intéresse les avant-gardes New Yorkaises.

Johns détruit tout : la figuration, le format, la signification, l'émotion. Pour aller plus loin encore, il étudie les différences de perception de dessins peints ou imprimés avec des techniques variées sur des matériaux différents.

En 1960 Tanya Grosman l'invite à expérimenter avec elle la lithographie à la Universal Limited Art Editions (ULAE) à West Islip NY. A cette époque Johns travaille sur les chiffres de 0 à 9 qu'il superpose, chaque chiffre couvrant toute la surface d'une feuille pour créer un magma illisible mais coloré. La gravure apporte une contribution supplémentaire à ses théories. Il est convaincu.

En 1963 ULAE édite en portfolio les chiffres 0-9 de Johns. Cette fois-ci chaque chiffre est imprimé sur une feuille séparée 52 x 40 cm. Une seule pierre est utilisée pour toute la série, un nouveau chiffre remplaçant le précédent avec trois passes par chiffre : noir, gris et une couleur différente pour chaque chiffre. Malgré la préparation mécanique de l'oeuvre, la lisibilité du résultat obtenu est différente pour chaque chiffre.

L'édition est composée de 10 portfolios noirs, 10 portfolios gris et 10 portfolios couleurs. Le texte est écrit par le critique d'art Robert Rosenblum convaincu de l'importance de la vision novatrice de Johns. L'exemplaire de Rosenblum du très rare portfolio couleurs de 0-9 est estimé $ 600K à vendre par Sotheby's à New York le 27 avril, lot 87.

Le paradoxe continue. L'artiste sans message devient le meilleur illustrateur de son temps pour ce qui concerne la technique. Son chef d'oeuvre est le Flags I de 1973 où la lithographie exécutée avec 31 écrans atteint la qualité de texture d'une oeuvre peinte. Un exemplaire a atteint $ 1,7M incluant premium à Christie's le 26 avril 2016.

0-9 ne doit pas être confondu avec le Numeral Series édité en noir en 1968 en 70 exemplaires et en couleurs en 1969 en 40 exemplaires plus 11 épreuves d'artiste. Un portfolio noir a été vendu pour $ 410K incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2008. Un portfolio couleurs a été vendu pour $ 720K par Christie's le 12 mai 2011.

Giacometti avec Frank et Tériade

Alberto Giacometti arrive à Paris en 1922. Il a 21 ans. Sculpteur, il crée des formes en plâtre. Certaines sont peintes ou coulées en bronze. Deux rencontres, en 1927 et 1928, sont décisives pour la suite de sa carrière.

Jean-Michel Frank est à l'avant-garde des conceptions de meubles et d'ameublement annonçant déjà l'après Art Déco. Alberto exerce ses talents à créer pour Frank des nouveaux modèles utilitaires de lampes, vases, chenets, consoles et cheminées. Avec Tériade, le futur créateur de la revue Verve, Alberto cherche à définir sa propre voie entre le surréalisme, le cubisme et l'art tribal.

Frank meurt en 1941. Devenu après la guerre un créateur artistique majeur, Alberto délaisse son activité de décorateur sauf pour quelques amis dont Tériade. Ses lustres sont ainsi des exemples extrêmement rares de sculpture abstraite de l'époque de la plus grande maturité d'Alberto.

Le 20 octobre 2007, Artcurial a vendu des oeuvres d'Alberto provenant de la succession d'Alice Tériade. Les amateurs reconnaissent l'importance de cette provenance et les estimations sont très largement dépassées. Cet ensemble était composé d'une lampe flambeau et deux lampes de parquet de l'époque Frank, d'un bronze de femme debout et de trois lustres qui avaient orné les résidences de Tériade.

Le plus grand lustre, 129 cm de diamètre, réalisé en fer et plâtre vers 1954 avec quatre éclairages entre deux cercles entourant un grand cône suspendu, a été vendu pour € 1,92M incluant premium sur une estimation basse de € 70K. Il est estimé £ 1,5M à vendre par Phillips à Londres le 26 avril, lot 215.

Voici les résultats d'Artcurial pour les deux autres lustres : € 1,82M incluant premium sur une estimation basse de € 200K pour le lustre en fer et plâtre de 45 cm de diamètre réalisé avant 1951 avec la collaboration de Diego, et € 720K incluant premium sur une estimation basse de € 25K pour un lustre en bronze de même diamètre.

Les Casques Grecs

Il ne fait pas de doute que les civilisations ont amplifié les guerres en portant les enjeux bien au-delà des simples disputes de territoires locaux. Il était logique de protéger la tête du guerrier par un casque dur.

Il y a 3500 ans en Grèce centrale, la civilisation Mycénienne a laissé des casques enveloppant le haut de la tête et prolongés par des protège-joues, faits par des assemblages de dents de sangliers. L'âge du bronze marquera un progrès certain dans la solidité et l'efficacité de ces accessoires.

Les casques Grecs en bronze sont généralement formés par le martelage d'une seule plaque de métal. Les types archaïques sont nommés Corinthiens et Illyriens. Ils sont très lourds et enveloppants, occasionnant une gêne pour la vue et l'ouïe.

A la période classique il y a 2450 ans, le casque devient ouvert et léger. Désormais les casques des chefs militaires portent des incisions, des crêtes, des panaches qui permettent de distinguer le rang du porteur. Bien entendu les trouvailles archéologiques donnent une idée très incomplète de la patine d'origine et des ornements éphémères ajoutés pour les parades et les joutes.

Un casque Corinthien à la forme terriblement minimaliste a été vendu pour $ 37,5K incluant premium par Christie's le 6 juin 2013. Dans la même vente, un casque Illyrien très géométrique et incisé de quelques ornements a été vendu pour $ 435K incluant premium sur une estimation basse de $ 70K.

Le 28 avril à New York, Christie's vend un casque de type Chalcidien de la période classique, lot 7 estimé $ 350K. L'élégance de sa forme globale et des incisions au front et aux protège-joues place résolument cette pièce dans la transition entre l'artefact nécessaire à la guerre et l'objet d'art utilisable pour la parade.

Le casque de garnison de type Phrygien retrouvé par un détecteur de métaux dans la zone frontière entre la Britannia Romaine et la Calédonie est exclusivement une pièce de parade puisqu'il était équipé d'un masque réaliste. Il a été vendu pour £ 2,28M incluant premium par Christie's le 7 octobre 2010.


Paysans Heureux par Le Nain

La position des trois frères Le Nain dans l'histoire de la peinture est atypique. Les éléments biographiques sont peu nombreux et sans anecdotes. Ils sont venus de Laon et ont ouvert un atelier à Paris en 1630. Peu d'oeuvres sont signées et aucune ne mentionne le prénom. Il semble apparaître aujourd'hui que leurs talents étaient distincts mais la finition de chaque oeuvre pouvait être collective.

Leur affaire est prospère et ils reçoivent de nombreuses commandes. Les thèmes sont innovants. En montrant la famille paysanne française dans une attitude de piété stoïque, ils se démarquent profondément du caractère théâtral ou symbolique du genre Hollandais. Ces contemporains de Poussin ne sont pas inspirés par Rome. Leur art est descriptif et n'est pas narratif. Leur réalisme anticipe Courbet de deux siècles.

L'Académie de peinture et sculpture est créée par Louis XIV en 1648 et les trois frères y sont nommés. Malheureusement Antoine et Louis Le Nain meurent la même année et Mathieu reste seul à l'atelier. Leur iconographie est très populaire et largement copiée.

L'art autographe des Le Nain est extrêmement rare sur le marché. Le 27 avril à New York, Christie's vend une huile sur toile 51 x 61 cm, lot 33 estimé $ 800K.

Deux femmes, une petite fille et un jeune garçon posent autour d'une table à l'heure du benedicite. Le garçon tranche le pain. Ils peuvent constituer une famille exhibant les trois âges de la vie. Une autre interprétation est liée à la pratique des Filles de la Charité, une institution très active à cette époque à Paris : ces femmes laïques mettaient les pauvres en confiance en s'habillant comme eux.

Une autre version autographe de cette peinture est connue, avec un environnement plus simple, moins d'accessoires et un trait moins grossier au niveau des visages. Si l'on retient l'observation de Pierre Rosenberg selon laquelle Louis était le meilleur artiste de l'atelier, la peinture à vendre par Christie's pourrait être une oeuvre plus tardive par Mathieu Le Nain à l'époque où les limites supposées de son talent ne pouvaient plus être compensées par son frère.

15 avr. 2017

Révélation d'une Vierge à l'Enfant

Le 27 avril à New York, Christie's vend un panneau 111 x 125 cm composé en triptyque dans le style de la Renaissance, lot 8 estimé $ 3M. Au premier coup d'oeil l'oeuvre est choquante : c'est une peinture à l'huile à l'exception de la Vierge à l'Enfant de la partie centrale et d'un des deux personnages de l'aile gauche qui sont des dessins.

Le grand collectionneur Horace Walpole l'avait acquis pour 80 guinées en 1752 dans une vente aux enchères, comme une scène du mariage de Henry VII avec Elizabeth d'York. Une différence de technique entre les personnages et les éléments architecturés laisse supposer que la composition est hybride mais Walpole est très fier de posséder cette peinture considérée comme typiquement Tudor. La provenance est connue : un demi-siècle plus tôt elle avait appartenu à William Sykes.

Elle est exposée en 1890. Un observateur perspicace raconte dans La Gazette des Beaux Arts qu'il perçoit une classique Vierge à l'Enfant au travers de la partie centrale qui est un intérieur d'église sans personnages.

L'oeuvre est acquise en 1977 par le marchand d'art Edward Speelman. Convaincu que les éléments d'architecture et trois des quatre saints sont contemporains de la Renaissance Flamande, il confie la restauration au spécialiste David Bull du Norton Simon Museum.

Dans un patient travail qui s'étend sur près de dix ans, Bull retire au scalpel les peintures du XVIIIème siècle, certainement réalisés par ou pour Sykes qui avait une réputation de faussaire et savait transformer les oeuvres quand cela plaisait à ses clients. Ce travail met au jour un superbe dessin de la Vierge à l'Enfant dans la partie centrale, remplace Elizabeth d'York par un dessin mal conservé de St Jean Baptiste et redonne au faux Tudor les attributs de St Louis.

L'expertise a continué. L'inspection radiographique et la réflectographie infra-rouge démontrent que la qualité du sous-dessin est homogène dans toute la surface. Les éléments composites résultant du travail méticuleux de Bull proviennent tous d'un travail de la Renaissance. La beauté du dessin, de la peinture et des couleurs indique que ce panneau est l'oeuvre autographe d'un maître.

La comparaison de détails expressifs, comme par exemple le visage de la Vierge ou les études de pieds, avec des oeuvres indiscutablement attribuées à Hugo van der Goes est convaincante et une datation au début des années 1470 est cohérente avec la dendrochronologie du panneau. Perfectionniste jusqu'à sombrer dans la folie, Hugo travaillait à Gand où il admirait le polyptyque peint un demi-siècle auparavant par les frères van Eyck pour l'autel de la cathédrale St Bavon.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée par Christie's.


12 avr. 2017

Le Luthier des Grateful Dead

Créé en Californie à l'époque de l'acid, le groupe psychédélique Grateful Dead utilise la musique électrique. Le groupe est fondé et dirigé par le guitariste Jerry Garcia qui a besoin des meilleurs instruments dans cette technique dont la popularité est récente.

A fin des années 1960 Doug Irwin est un jeune biochimiste désabusé par sa formation. Malgré l'ambiance de liberté de cette époque, tout le monde doit travailler pour vivre : Doug décide qu'il construira des guitares électriques. Après s'être formé en autodidacte il rejoint la société Alembic créée en 1969 dans la salle de répétition des Grateful Dead.

A cette époque Alembic travaille sur le traitement électronique du son plutôt que sur sa création. En 1971 Doug construit pour son propre compte dans sa cuisine sa première guitare électrique qu'il apporte à une boutique spécialisée. Jerry est là : il achète l'instrument. Cette guitare nommée Eagle (Alembic) a été vendue pour $ 186K incluant premium par Bonhams le 8 mai 2007.

Eagle joue le rôle d'un prototype à partir duquel Jerry et Doug engagent un projet plus ambitieux. Le résultat est une guitare à col asymétrique nommée Wolf. Elle est terminée en 1973 et Jerry l'utilise en concert de façon intensive pendant six ans. L'instrument suivant fait par Doug pour Jerry est nommé Tiger. Moins asymétrique que Wolf, Tiger innove dans la position des cordes.

Dans la dispute occasionnée par la succession de Garcia mort en 1995, Irwin redevient propriétaire de Wolf et Tiger qu'il vend aux enchères chez Guernsey's le 7 mai 2002. Le résultat, exceptionnel pour des guitares électriques à cette époque, est $ 960K incluant premium pour Tiger et $ 790K incluant premium pour Wolf.

Wolf revient en vente chez Guernsey's à Brooklyn NY le 31 mai. Cette vente de charité à lot unique est organisée au bénéfice du Southern Poverty Law Center.

Une Jeune Fille en Prière

Une huile sur toile 58 x 44 cm attribuée à Velazquez, non datée et non signée, vient de faire surface en Espagne. Bien qu'elle n'ait été inspectée que par un seul expert, elle vient déjà aux enchères. Elle sera vendue par Abalarte à Madrid le 25 avril, lot 41.

C'est un très beau portrait de petite fille à mi-corps, les mains jointes pour la prière, les yeux grand ouverts donnant une expression triste. Le chiaroscuro sur fond noir et le réalisme de ce portrait d'enfant sans aucune mièvrerie plaident pour une oeuvre autographe de Velazquez.

Par radiographie, des points blancs pouvant former une auréole ont été découverts, conformes à l'iconographie traditionnelle de l'enfance de Marie. Cette peinture pourrait avoir été conçue comme une Inmaculada avant d'être transformée par l'artiste en modello de portrait.

Si c'est le cas elle est probablement antérieure à une Inmaculada conservée à la Fundacion Focus Abengoa à Seville, datée vers 1618 et attribuée par certains experts à Velazquez et par d'autres à Alonso Cano. Velazquez et son jeune collègue Cano ont tous deux été élèves à Seville de Francisco Pacheco, un peintre et théoricien qui avait rencontré El Greco et était spécialisé dans l'art religieux pour la clientèle ecclésiastique locale.

Le talent de Velazquez était précoce : âgé d'à peine 18 ans en 1617, il a été reçu dans la corporation des peintres de Seville et son premier chef d'oeuvre mêlant la scène de genre et la nature morte, Vieille femme faisant frire des oeufs, a été peint en 1618. Il restait à cette époque dans l'entourage de Pacheco dont il a épousé la fille en 1618.

9 avr. 2017

Chronographes Etanches par Rolex

Rolex s'établit fermement sur le marché des montres bracelet de sport et de conditions extrêmes dès 1928 avec son premier boîtier Oyster hermétiquement scellé pour résister à l'eau et à la poussière. En 1963 une nouvelle gamme de chronographes est nommée Daytona par hommage à la ville de Daytona Beach en Floride, symbole de vitesse sur piste et en mer. La référence à Paul Newman s'applique à des cadrans d'élégance soignée.

Une autre innovation est l'amélioration de l'étanchéité par un poussoir à visser vers le bas qui facilitera la production industrielle de montres de plongée.

Lancé en 1969 le type 6263 est le plus souvent assemblé avec des dos de boîtier pré-existants type 6239 ou similaire. Le dessin du cadran n'est pas tout de suite stabilisé et de minimes différences d'inscriptions ou de couleurs sont considérées aujourd'hui par les collectionneurs parmi les sous-variantes les plus rares de la marque. La suite de cette discussion se réfère uniquement à des 6263 Oyster Cosmograph Daytona Paul Newman construites en 1969.

Une montre en acier inoxydable de la sous-variante nommée Sotto du fait de la position inhabituelle des inscriptions sur le cadran a été vendue pour CHF 2M incluant premium par Phillips le 14 mai 2016 sur une estimation basse de CHF 750K. Appelée RCO pour une autre variante d'inscription, une 6263 a été vendue pour CHF 990K incluant premium par Christie's le 10 novembre 2013.

Le "lemon" et le "tropical panda" sont deux autres variantes du cadran. Une Tropical Panda a été vendue pour CHF 930K incluant premium par Phillips le 14 mai 2016.

Le 14 mai 2017 à Genève, Phillips vend deux montres entrant dans les catégories ci-dessus. Le lot 235, estimé CHF 350K, est en acier inoxydable. Elle est illustrée sur le tweet ci-dessous. Le lot 237, estimé CHF 800K, est une des plus rares variantes : une très élégante 6263 en or jaune avec cadran lemon équipée du poussoir vissé.

L'Impasto Coloré de Jean-Paul Riopelle

Né à Montréal, Jean-Paul Riopelle cherche un style nouveau pour exprimer la flamboyance de la nature. Admirateur de van Gogh, il observe la prééminence de la touche et de la couleur sur la figuration.

Il s'imprègne en 1947 des théories artistiques et intellectuelles du groupe de Paris autour d'André Breton et il développe une technique gestuelle libérée de la volonté et de la psychologie. Une tentative pour injecter ces conceptions anti-bourgeoises à Montréal est peu convaincante et il vient s'établir de façon durable à Paris en décembre 1948.

Riopelle couvre ses toiles d'un impasto de couleurs vibrantes traversé par des balafres blanches. Les couches de peinture atteignent une épaisseur considérable que l'artiste considère comme une conséquence involontaire de son acte créatif : tant qu'il n'est pas satisfait de l'équilibre visuel d'une oeuvre, il ajoute de la matière colorée avec son couteau. Ce perfectionnisme abstrait appliqué sur toute la surface de la toile a fait comparer Riopelle avec Pollock et a beaucoup contribué à sa notoriété internationale.

Autour de 1955 l'artiste trouve une solution pour travailler avec des couches plus minces. Son art perd alors sa caractéristique la plus innovante qui avait fait reculer la frontière entre peinture et sculpture.

Une huile sur toile 120 x 200 cm peinte en 1951-1952 a été vendue pour € 1,86M incluant premium par Christie's le 1er juin 2012. Le 24 mai à Toronto, Heffel vend Vent du Nord, huile sur toile 130 x 195 cm peinte en 1952-1953, lot 19 estimé CAD $ 1M.

8 avr. 2017

Un Caprice d'Empereur

Bao Dai avait été empereur du Viet Nam de 1926 à 1945. La France tente de reconstruire sa politique coloniale en promouvant l'ancien empereur comme chef de l'Etat du Viet Nam. Les revers militaires de l'armée française à Dien Bien Phu rendent de plus en plus improbable la faisabilité du nouvel état.

Au printemps 1954 les négociations de paix se tiennent à l'Hôtel des Bergues à Genève. On comprend qu'elles soient exténuantes pour Bao Dai. Un jour sous prétexte de fatigue il quitte la conférence, traverse la rue et entre dans la boutique d'un détaillant. Il veut emporter comme souvenir de Genève une montre Rolex digne de son haut rang.

Les employés s'empressent pour satisfaire ce riche client mais il refuse toutes les montres qui lui sont présentées. On parvient à le faire patienter jusqu'à l'intervention d'un émissaire de Rolex qui apporte la plus luxueuse montre disponible, qui attendait un client depuis 1952. Bao Dai achète cette montre qui porte aujourd'hui sur le boîtier la légère usure de son utilisation fréquente.

Cette Rolex 6062 en or jaune offre dans son boîtier étanche un triple calendrier et les phases de la lune. Son cadran noir est enjolivé aux cinq marques des heures paires qui sont réalisées en diamants. C'est le seul exemplaire de cette configuration. Deux autres montres sont connues avec des diamants aux six marques impaires.

En provenance directe de la famille de l'empereur déchu, la Rolex Bao Dai a été vendue pour CHF 370K le 18 novembre 2002 par Phillips, de Pury et Luxembourg. Elle revient dans la même maison de ventes, devenue entre temps Phillips, le 13 mai à Genève, lot 93. Le communiqué de presse du 27 mars annonce une estimation au-delà de US$ 1,5M correspondant à CHF 1,5M.

Le Colt de Little Bighorn

La bataille de Little Bighorn, les 25 et 26 juin 1876, est un triomphe militaire pour les Indiens d'Amérique. Custer avait réparti ses compagnies en trois bataillons. Aucun soldat de son bataillon n'a survécu.

Après l'arrêt des tirs le capitaine Benteen qui dirigeait l'un des deux autres bataillons visite le champ du massacre. Les cadavres éparpillés ont été dépouillés de tout ce qui pouvait être utile aux Indiens. Benteen identifie le cadavre de Custer.

Le pillage était presque parfait mais quelques objets ont échappé à la cupidité des Indiens. Un fanion du 7ème Régiment de Cavalerie a été vendu pour $ 2,2M incluant premium par Sotheby's le 10 décembre 2010. Benteen et son équipe ramassent douze carabines Springfield et trois revolvers Colt de type Single Action Army.

Un seul de ces trois Colt SAA est resté dans son état d'origine. Les deux autres ont été remis en service au moment de la guerre Hispano-Américaine. Ce Colt est aujourd'hui le seul revolver non modifié dont la participation à Little Bighorn est incontestable. Pour des raisons évidentes de sécurité les Indiens cachaient les armes volées à l'armée Américaine et même quand certaines ont pu être récupérées leur vraie histoire ne pouvait plus être démontrée.

Ce Colt de Little Bighorn est dans un fort état d'usure avec de nombreuses piqûres liées aux taches de sang. Il est estimé au-delà de $ 175K à vendre par James D. Julia à Fairfield ME le 11 avril, lot 1129. Voici le lien vers le communiqué de presse.

La bataille de Little Bighorn aussi nommée Custer's Last Stand maintient au plus haut sa place de prestige dans l'histoire de la conquête de l'Ouest. Julia se souvient avoir vendu en avril 2000 pour $ 680K incluant premium une carabine Winchester utilisée par un guerrier Indien. Elle avait été retrouvée bien plus tard sur le champ de bataille par un détecteur de métaux.

5 avr. 2017

Plaisirs Régence

Watteau est passionné par le théâtre, de Molière à la Commedia dell'arte. Ses personnages forment des groupes charmants avec des costumes de fantaisie. L'assouplissement des moeurs et de l'étiquette pendant la Régence du duc d'Orléans met à la mode le thème des Fêtes Galantes que Watteau a inventé et développé.

Watteau initie à sa pratique son jeune collègue Nicolas Lancret. De nombreuses esquisses doivent être réalisées pour étudier les attitudes. Elles seront ensuite réparties dans une scène composée.

En 1717 Watteau présente sa pièce de réception à l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture. Lancret progresse rapidement : dès 1719 il est reçu à son tour à l'Académie comme peintre de Fêtes galantes. Watteau devient jaloux de Lancret. Leur rivalité sera malheureusement interrompue par la mort prématurée de Watteau en 1721.

Lancret commence à réaliser des séries thématiques. Un patron enrichi en 1719 par les spéculations financières du système de Law lui commande vers 1720 Les Saisons, quatre peintures dans lesquelles des groupes de personnages s'adonnent à la variété des plaisirs de la Régence. L'Hiver est une scène d'intérieur et les trois autres saisons sont imaginées dans un jardin.

Le 27 avril à New York, Christie's vend L'Automne par Lancret, huile sur toile 113 x 93 cm, lot 28 estimé $ 2M. Au milieu du pré une coquette attire un jeune homme. Derrière elle un Pierrot flirte. Une collation est offerte avec trop de fruits et de vins.


2 avr. 2017

Un Astrolabe de Cordoue

La carte des positions respectives des étoiles est immuable bien que la position absolue varie avec la latitude, l'altitude et l'heure. La position du soleil répond aussi à des règles strictes. L'astrolabe est un instrument de très haute complexité qui permet de corréler toutes ces variables pour des mesures de grande précision.

L'astrolabe a été décrit pour la première fois vers 550 à Alexandrie mais son amélioration est essentiellement l'oeuvre des astronomes Musulmans. Au Xème siècle de notre calendrier un théoricien enthousiaste liste environ 1000 utilisations différentes de cet instrument réellement universel, au sens étymologique du terme.

L'usage de l'astrolabe s'étend bien entendu à tout le monde musulman jusqu'à l'Espagne, mais les traités théoriques et pratiques les plus avancés restent l'oeuvre des astronomes du Moyen-Orient.

Les frères ibn al-Saffar travaillent à Cordoue au début du 5ème siècle de l'Hégire. Ahmed est un très important enseignant dont les écrits seront utilisés pendant quatre siècles. Muhammad fabrique les instruments.

Trois astrolabes signés par Muhammad ibn al-Saffar sont connus. Le plus ancien, daté 411AH correspondant à 1020/1021 de notre calendrier, est estimé £ 300K à vendre par Sotheby's à Londres le 26 avril, lot 170. C'est un gros instrument de 19 cm hors tout incluant la boucle de suspension.

Cet astrolabe est complet mais pas entièrement original, pour une raison valide. En effet le rete qui simule la carte du ciel devient périmé au bout de quelques décennies en raison de la précession des équinoxes. Les anciens utilisateurs connaissaient ce phénomène et le rete de cet instrument a été changé en Turquie Ottomane. La position d'un de ses pointeurs d'étoile suggère une date vers 1550 de notre calendrier pour cette pièce de remplacement.

Le mater est la paroi arrière de l'instrument. Celui-ci est réglé sur la latitude 66° correspondant à la durée la plus longue du jour connue des astronomes de l'Antiquité. Six plaques amovibles double face d'origine sont jointes avec l'indication des latitudes et des villes, invitant à un fabuleux voyage dans le monde médiéval Musulman. Du Sud au Nord : Yemen, La Mecque, Medine, le Caire, Cairouan, Damas, Malaga, Cordoue, Tolède, Saragosse.

Le lien dans le tweet de Sotheby's ci-dessous mène à des photos de cet instrument désassemblé pour expliquer le mater, la boucle, les plaques, l'alidade ou règle de vue et le rede.


Les Femmes de Pierre

Les figures Cycladiques et les idoles Anatoliennes de type Kiliya semblent faire partie de la même famille. Pourtant aucune évidence de corrélation historique n'a été établie. Ces statuettes anthropomorphes montrent surtout des femmes debout. Aucun Kiliya mâle n'a été décrit.

Les marbres ne sont pas datables par des méthodes physico-chimiques. La production Cycladique s'étend probablement sur deux millénaires il y a 5000 à 3000 ans. La répétitivité de ces figures sur une aussi longue période est stupéfiante mais les petits détails permettent de définir plusieurs phases. Les statuettes Anatoliennes, plus rares et souvent fragmentaires, ne permettent pas une analyse similaire.

L'usage est différent. La femme Cycladique est enceinte et protège sa fécondité avec ses bras. La femme Anatolienne tient les bras le long du corps et relève les avant-bras symétriquement vers la poitrine. La tête légèrement penchée vers l'arrière a donné le sobriquet de stargazer au type Anatolien mais aucune explication n'est proposée pour cette attitude.

Dans les deux cas la figuration du corps est très stylisée mais les proportions sont immuables comme si elles répondaient à un canon artistique indépendant de la dimension de la statuette. Ce sont incontestablement des objets d'art au sens moderne du terme, dans la catégorie des multiples.

La femme Anatolienne a une lourde tête en forme de ballon de rugby posée sur le frêle cylindre du cou qui est un incontestable point de fragilité. Presque toutes ont été cassées à cet endroit et les spécialistes concluent de façon peu convaincante qu'elles étaient utilisées pour des décapitations rituelles au moment des enterrements.

Deux prestigieuses collections ont possédé des idoles Anatoliennes en très bon état. Le stargazer Schuster, haut de 20 cm, a été vendu pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 8 juin 2005. Le stargazer Guennol, haut de 23 cm, a été exposé en prêt au Metropolitan Museum of Art de New York de 1966 à 1993 et de 1999 à 2007 et sera vendu le 28 avril par Christie's à New York, lot 12.

1 avr. 2017

Monsieur Désarmement

La crise des missiles de Cuba rappelle en 1962 au monde entier les plus grandes horreurs du XXème siècle. Le Mexique est géographiquement très proche de l'épicentre de cette épreuve de force entre les pays impliqués dans la Guerre Froide. Diplomate et spécialiste du droit international, Alfonso Garcia Robles consacre le reste de sa carrière au recul des armes nucléaires. A l'ONU il sera surnommé Mr Disarmament.

Le travail est rapide et efficace. Préparé le 14 février 1967 à Mexico City, le traité de Tlatelolco est signé la même année par tous les pays d'Amérique Latine sauf Cuba, par la Jamaïque et par Trinidad et Tobago. Il est progressivement ratifié par 33 pays dont Cuba, incluant toutes les grandes puissances nucléaires, assurant de façon permanente une zone de 21 millions de km2 exempte d'arme nucléaire.

Plus important politiquement que la dénucléarisation de l'Antarctique entrée en vigueur en 1961, le traité de Tlatelolco a inspiré le désarmement nucléaire d'autres régions du monde incluant la totalité de l'Afrique par le traité de Pelindaba entré en application en 2009.

Garcia Robles reçoit en 1982 le Prix Nobel de la paix pour son travail acharné à préparer et promouvoir le traité de Tlatelolco. Il partage ce prix avec la pacifiste Suédoise Alva Myrdal qui avait été pendant plus de 10 ans une déléguée active à la conférence ONU de Genève sur le désarmement.

La médaille Nobel d'Alfonso Garcia Robles avec son écrin en maroquin bleu est estimée $ 400K à vendre par Christie's à New York le 28 avril, lot 28.

Mécanique et Mouvement

L'oeuvre de Galileo Galilei, à la fois expérimentateur et mathématicien, est extrêmement abondante et variée. Arrivé au soir de sa vie, le savant est pleinement conscient de l'importance novatrice de ses théories. Il rassemble les éléments les plus fondamentaux qu'il rédige sous forme de dialogues offrant au lecteur une vision claire entre l'argument et le contre-argument.

Il commence par la cosmologie. Dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo, publié à Florence en 1632, est mis à l'Index l'année suivante. Galilée suspecté d'hérésie ne peut plus publier ses livres dans un pays catholique. Heureusement cette interdiction ne stoppe pas son travail.

Le traité de physique, intitulé Discorsi e dimostrazioni matematiche intorno a due nuove scienze attenenti alla mecanica e i movimenti locali, est prêt en 1636. Le comte de Noailles transmet une copie à Elzevier qui publie le livre à Leyde en 1638. Le livre est dédié à Noailles.

Le Discorsi inclut notamment l'affirmation par Galilée que la distance parcourue dans un mouvement naturellement accéléré est proportionnelle au carré du temps. Galilée appuie cette découverte par la description d'une expérience utilisant une bille d'acier roulant dans une rainure. Pendant trois siècles et demi le monde savant mettra en doute la possibilité de mesures suffisamment précises à cette époque pour cette démonstration. On sait aujourd'hui que cette expérience bien réelle, publiée pour la première fois dans le Discorsi, avait été faite par Galilée en 1604.

Le 26 avril à Paris (Drouot), la maison de ventes Pierre Bergé et Associés vend l'exemplaire d'attribution du comte de Noailles, lot 21 estimé € 700K. Quelques erreurs typographiques sont présentes mais sans l'habituel erratum, laissant supposer que ce livre est le tout premier sorti des presses d'Elzevier. Il est présenté dans une somptueuse reliure à la fanfare attribuée à Le Gascon, certainement réalisée à la demande de Noailles.

La physique est moins dérangeante que l'astronomie pour les autorités religieuses et les Discorsi ne seront pas menacés. Bien plus tard Einstein reconnaîtra Galilée plutôt que Newton comme le père de la physique moderne et plus généralement de la science moderne.

Les Six Piliers du Macallan

Fondée en 1824, la distillerie The Macallan mérite et entretient sa réputation de produire des single malt whiskies parmi les meilleurs du monde. La société explique par six slogans didactiques les raisons de sa prééminence, constituant les Six Piliers du Macallan : Exceptional Oak Cask, Natural Colour, Finest Cut, Curiously Small Stills, Spiritual Home, Peerless Spirit.

Autour de 2013 The Macallan édite sa série des Six Piliers : six références de whiskies chacune identifiée par un des six slogans, dans des flacons Lalique de 70 cl spécialement conçus pour chaque référence. Ces whiskies figurent parmi les plus anciens jamais offertes par la marque pour ce qui concerne la date de mise en carafe : 50 à 65 ans.

Le 2 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une série complète des Six Piliers qui avait été conservée par The Macallan. Elle est accompagnée de 12 verres Lalique Macallan et de six mignonnettes de 5 cl contenant des whiskies encore plus anciens : 1937 à 1939. Le tout est offert dans un cabinet en ébène réalisé sur mesure par Lalique.

Cet ensemble est estimé HK$ 2M, lot 7370. Le produit de la vente sera partiellement reversé à des charités.

Ce n'est bien sûr pas la première opération conjointe entre The Macallan, Sotheby's et les charités. En novembre 2010 à New York, Sotheby's a vendu pour $ 460K un single malt whisky de 64 ans d'âge dans une carafe de Lalique. Une impériale (6 litres) de The Macallan M, un mélange exceptionnel et rare de sept barriques d'anciennetés variées, a été vendue pour US$ 630K par Sotheby's à Hong Kong en janvier 2014.

La brève vidéo annonçant les Six Pillars de la prochaine vente est intégrée dans le tweet ci-dessous :