31 mai 2017

La Promenade des Dinosaures

Les meubles zoomorphes des Lalanne sont une conception féconde qui permet une fantaisie rare dans l'art et dans l'ameublement. Rien n'empêche de donner à une lampe la forme d'un pigeon, de transformer un bar en poisson ou en sauterelle, de cacher un coffre de sûreté dans le torse d'un gorille ou d'utiliser un mouton comme banquette.

En 1989 Claude et François-Xavier Lalanne réalisent six fontaines monumentales en acier inoxydable et cuivre pour une promenade publique de Santa Monica. Chacune est un modèle différent de dinosaure avec toutefois quelques libertés par rapport à la vérité scientifique. Chaque animal sert aussi de bac à fleurs, permettant une décoration saisonnière selon la fantaisie du jardinier, couvrant de végétaux toute la surface sauf la tête, la crête et les griffes.

L'un des six est un intrus : le dimétrodon qui vivait il y a 280 millions d'années est antérieur aux dinosaures et plus proche des mammifères. Il est vrai que l'ornement exubérant de son dos peut le faire confondre avec un stégosaure. Cette voile dorsale lui servait à réguler sa température lors d'une exposition au soleil. Wikipedia en français ajoute non sans hardiesse que cet organe servait aussi à la séduction lors de la parade amoureuse.

Dimétrodon II a été réalisé avec les mêmes matériaux sur commande d'un collectionneur en 1998 et peut également être utilisé en fontaine. Long de 5,30 m, il est plus grand que l'animal préhistorique qui ne dépassait pas 3,50 m et ajoute au pouvoir séducteur de la bête d'origine une élégante corne frontale.

Numérotée 1/1 cette oeuvre qui entre dans la très rare catégorie des installations topiaires est estimée $ 500K à vendre par Sotheby's à New York le 6 juin, lot 127.

Une Emeraude à New York City

John D. Rockefeller fut le premier milliardaire Américain. Son dernier enfant et unique fils John D. Jr continue son oeuvre de philanthrope et fait construire de 1928 à 1930 le Rockefeller Center à New York City. Abby Rockefeller, la femme de John D. Jr depuis 1901, est en 1929 une des fondatrices du Museum of Modern Art.

En 1930 John D. Jr offre à Abby une broche ornée de plusieurs émeraudes. Le bijou est démantelé pour le partage de la succession d'Abby en 1948 et la plus grosse émeraude est confiée à Raymond Yard, le joaillier préféré de la famille Rockefeller. Cette pierre superbe taillée à pans coupés pesant 18,04 carats offre les meilleures caractéristiques des émeraudes de Colombie par sa couleur intense et sa saturation.

La bague en platine créée en 1948 par Yard n'a pas été modifiée. L'émeraude est flanquée des deux côtés par des petits diamants. Elle sera vendue par Christie's le 20 juin dans sa salle habituelle du Rockefeller Center à New York, lot 126 estimé $ 4M.

Une émeraude de qualité comparable figurait dans la collection d'Elizabeth Taylor. Elle avait été assemblée en broche par Bvlgari dans un environnement de diamants. Vendue par Christie's le 13 décembre 2011 pour $ 6,6M incluant premium, cette émeraude pesant 23,46 carats atteignait le prix record de $ 280K par carat.

28 mai 2017

La Bague du Champion

Le championship ring est une tradition dans les sports d'équipe Américains. Cette bague n'est pas assimilable à une médaille sportive mais à la célébration et la commémoration d'une victoire. Elle est généralement offerte par le club gagnant d'un championnat important sans limitation de quantité : les joueurs la reçoivent mais aussi les dirigeants, les entraineurs, les sponsors.

Cette tradition s'est installée progressivement dans les années 1920 dans la Major League Baseball au bénéfice de l'équipe gagnante de la World Series. Les premières bagues liées à la MLB ont été remis en 1922 aux New York Giants.

En 1923 quand les New York Yankees gagnent la World Series le souvenir qui leur est offert n'est pas une bague mais une montre. L'exemplaire de Babe Ruth a été vendu pour $ 720K incluant premium par Heritage le 22 février 2014.

La victoire suivante des Yankees en World Series est en 1927. C'est aussi un exploit sportif : ils ont gagné les quatre parties contre les Pittsburgh Pirates. L'année dans son ensemble est exceptionnelle pour Babe Ruth qui marque 60 home runs dans cette seule saison, un record dans les compétitions de la MLB.

Les Yankees ont maintenant rejoint la nouvelle tradition. Le World series ring en or jaune 14K offert à Babe Ruth en 1927 est offert au lot 1 dans la vente en ligne organisée par Lelands avec une date de clôture au 30 juin. Un léger éclat au diamant est annoncé. Voici le lien vers Lelands.com.

Le prix d'une bague aux enchères dépend du prestige de l'exploit sportif qui a été récompensé. Lorsque le joueur de basketball 'Dr J' Erving a vendu sa collection en novembre 2011 par SCP Auctions, sa bague du 1974 ABA championship a été vendue pour $ 460K tandis que la meilleure de ses autres bagues n'a pas atteint $ 250K.

27 mai 2017

George H. Ruth est à vendre

Une mauvaise décision peut changer le cours de l'histoire : c'est également vrai pour le sport.

Jusqu'en 1918 l'équipe des Boston Red Sox domine largement la prestigieuse World Series de la Major League Baseball. La saison 1919 est mauvaise pour les Red Sox et le propriétaire du club, Harry Frazee, décide de changer de stratégie, préférant construire une équipe cohérente plutôt que de s'appuyer sur un joueur vedette. La personnalité larger than life de Babe Ruth et ses exigences croissantes de salaire ne plaisent pas à Frazee : le joueur George H. Ruth est désormais à vendre !

Frazee qui est aussi directeur de théâtre a un urgent besoin d'argent. Il accepte la proposition des New York Yankees d'un prêt hypothécaire de $ 300K engageant son stade de Boston et vend Ruth aux Yankees pour $ 100K.

Le contrat de vente du joueur est signé devant notaire à New York le 26 décembre 1919. Par prudence des clauses sont prévues entre les deux parties pour gérer une probable nouvelle demande d'augmentation de salaire de Ruth ou une possible déficience du joueur à travailler pour les Yankees.

Trois exemplaires de ce contrat ont été établis. La copie de Frazee a été vendue pour $ 1M incluant premium par Sotheby's le 10 juin 2005. La copie du propriétaire des Yankees, Jacob Ruppert, est offerte sous le lot 2 dans la vente en ligne ouverte par Lelands avec une date de clôture au 30 juin. Voici le lien vers Lelands.com. Le troisième exemplaire n'a pas refait surface.

Babe Ruth signe avec les New York Yankees le mois suivant. La partie la plus brillante de son exceptionnelle carrière sportive commence.

Du point de vue sportif la décision de Frazee est une catastrophe pour le club de Boston qui disparaît jusqu'en 2004 du palmarès de la World Series. Cette longue période est assimilée à une malédiction dans la légende du baseball sous le nom de Curse of the Bambino.

Le Mystère de la Montagne

Fu Baoshi a fait carrière à Nanjing, la capitale du Sud. Voulant associer ses propres émotions aux traditions les plus anciennes de la Chine, il est un des plus subtils artistes de son temps. Ses études d'art à Tokyo ont apporté une indéniable influence Japonaise à sa figuration des visages.

Fu Baoshi est son nom d'artiste pris à l'âge de 18 ans pour exprimer son admiration pour Shitao, l'artiste visionnaire du début des Qing qui positionnait la fragile activité humaine dans l'immensité insondable de la nature.

La rencontre de Fu avec l'éminent érudit Guo Moruo en 1943 attire l'attention de l'artiste sur les poèmes de Qu Yuan, recueillis sous les Han. Ce poète semi-légendaire de l'époque difficile des Royaumes Combattants est un équivalent d'Homère. Il fournit un lien inestimable avec les mythologies antiques, posant les questions mystiques sans chercher à fournir des réponses.

Le 5 juin à Beijing, Poly Auction vend au lot 2250 Mountain Ghost incluant et illustrant un poème de Qu Yuan. Réalisée en 1945 cette encre et couleurs 133 x 66 cm est résolument originale par l'enchevêtrement des lignes et le contraste saisissant entre les actions au sol et dans les nuées.

La jeune femme au premier plan est un symbole de beauté qui inspirait déjà les artistes de la dynastie Song interprétant le même poème. Elle semble debout mais le bas de sa longue robe ne touche pas pas terre. Le ciel d'orage libère pour l'observateur attentif deux divinités attelées derrière le léopard rouge.

Le 15 mai 2016, China Guardian a vendu pour RMB 52M incluant premium un rouleau de même format réalisé en 1946 mettant en scène les mêmes personnages. Les traits de la robe viennent se fondre dans le paysage et l'attitude assise de ce fantôme est encore une illusion.

En 1949 Guo devient un des principaux dirigeants de la nouvelle République Populaire. Utilisant l'histoire du suicide de Qu Yuan protestant contre l'invasion de son pays par les Qin, il fait du vieux poète un martyr exemplaire du patriotisme Chinois. Fu continue à illustrer les dieux et les nuées de Qu Yuan. Une grande image 223 x 133 cm peinte en 1954 est restée invendue à Poly en juin 2013.

26 mai 2017

Le Troisième Temps de la Valse

Dès son enfance Camille Claudel est passionnée par la création de formes en pétrissant la glaise. En 1882, âgée de 18 ans, elle crée un atelier et rencontre Rodin. Assistante, praticienne et modèle du maître, elle comprend que ses émotions peuvent générer un style différent, plus féminin, encore plus explicite dans l'expression de l'attraction entre l'homme et la femme.

Elle conçoit son groupe Les Valseurs à partir de 1889. Ils sont étroitement enlacés et entièrement nus, occupés par le mouvement rapide de la danse et par leur désir érotique. En 1892, satisfaite de son travail, elle cherche à obtenir des commandes officielles selon la pratique du temps.

L'oeuvre est trop hardie et l'expression de l'amour nu par une femme est inconvenante. Camille accepte le jugement du premier inspecteur et entoure la femme d'un voile tourbillonnant. Elle change aussi le titre : La Valse est mieux appropriée pour attirer l'attention du spectateur sur l'expression du mouvement par la sculpture plutôt que sur l'ardeur du désir sexuel.

Un seul bronze a été réalisé sur cette toute première version de La Valse. Fondu en 1893 par Siot-Decauville, haut de 96 cm, il a été vendu pour £ 5,1M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2013.

Le gouvernement n'est toujours pas convaincu et Siot-Decauville ne fait pas d'effort promotionnel pour cette jeune femme aux thèmes sulfureux. Camille qui avait cédé ses droits à Siot-Decauville multiplie les variantes dans ses plâtres et ses grès et fait réaliser quelques bronzes illicites par d'autres fondeurs. Le voile de la femme est allégé, libérant le haut du corps, et la traîne allongée apporte une augmentation de l'effet de mouvement.

L'un de ces bronzes dans une fonte au sable sans évidement, haut de 47 cm, a été vendu ou offert vers 1900 à un ami de Rodin. Les héritiers affolés par son impudeur ont mis la sculpture au placard il y a plus de cent ans. Elle vient de refaire surface et sera vendue le 11 juin par Rouillac dans la vente garden-party annuelle au château d'Artigny, lot 170 estimé € 500K. Voici le lien vers l'essai publié par la maison de ventes.

La Valse trouve enfin son éditeur après 1902 quand Blot achète le premier bronze et les droits à Siot-Decauville. Blot édite La Valse à partir de 1905 en deux dimensions : 24 exemplaires pour la version 46 cm et 4 exemplaires pour la petite version.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Culturebox incluant une interview de l'auctioneer Aymeric Rouillac.


Un buste de Camille Claudel mis aux enchères

Le Grand Salon du Normandie

Lancé pour sa première traversée transatlantique commerciale en mai 1935, le paquebot Normandie est le champion du volume, de la vitesse, du service et du luxe. Un équipage de 1345 employés accompagne les 1972 passagers payants dont près de la moitié en première classe. Dès son premier voyage il capte le Ruban Bleu dans les deux sens.

Douze mois plus tard le Queen Mary atteint des performances similaires mais pour ce qui est du luxe le Normandie conçu comme une vitrine des arts modernes français restera sans rival. Ses architectes aiment comparer l'opulence de l'aménagement intérieur à la Galerie des Glaces du château de Versailles.

Une attention particulière est apportée à la luminosité. L'immense salle à manger est équipée de murs en verre de Compiègne et éclairée par des lustres, des appliques et des cascades de Lalique. Les colonnes du Grand Salon sont en verre de Lalique.

Les artistes et artisans du style Art Déco sont sollicités. Jean Dupas, spécialiste des décorations de dimensions monumentales, dessine pour le Grand Salon les portes réalisées en laque d'or par Dunand et les murs d'angles réalisés en verre de Saint-Gobain églomisé par Champigneulle. Cette technique de peinture sur la face arrière du verre apporte un effet miroir à la décoration du salon.

Pour les murs d'angles Dupas et Champigneulle ont réalisé quatre oeuvres pour une surface totale de 400 mètres carrés sur des thèmes mêlant les symboles de navigation et de mythologie. Chacune est composée de cent plaques églomisées assemblées sur des crochets de bronze. Tout cet ensemble a été démonté quand le paquebot a été militarisé en 1941 et la plupart des plaques ont été détruites.

Grand amateur de paquebots et de voyages, Malcolm Forbes se précipite chez Christie's le 21 mars 1981 pour acheter un ensemble jointif de deux rangs de quatre plaques provenant de la partie haute de La Naissance d'Aphrodite qui sera exposé jusqu'en 2014 à la Forbes Gallery.

Cet ensemble de dimension hors tout 250 x 310 cm est à vendre par Sotheby's à New York le 6 juin, lot 64. La maison de ventes a révélé au New York Times une estimation aux alentours de $ 1M.

25 mai 2017

Prix Nobel dans un Ballon

La découverte de la radioactivité en 1896 par Henri Becquerel et Marie Curie ouvre de nouvelles questions sur la constitution physique de l'univers. Les physiciens utilisent leurs électromètres pour caractériser les radiations. Une légère élévation au-dessus du sol abaisse le niveau mesuré : la radiation naturelle semble donc provenir des éléments radioactifs contenus dans le sol.

Un jeune savant Autrichien nommé Victor Franz Hess considère à juste titre que ces expériences ne sont pas suffisantes. Il utilise en 1912 un ballon libre pour effectuer des mesures à plus haute altitude. A 5300 mètres, le signal est devenu deux fois plus intense qu'au sol.

Hess sait que son intuition avait été juste : la radioactivité des hautes altitudes provient de l'espace, et elle est atténuée par les couches denses de la basse atmosphère. Cette expérience irréfutable est améliorée par Hess lui-même qui démontre que son résultat reste inchangé dans la nuit et pendant une éclipse.

Autour de Millikan les physiciens sont désormais convaincus que de nouvelles particules de masse et charge variées restent à découvrir. Millikan lui-même donne le nom de Cosmic rays à cette nouvelle famille d'objets physiques. Les équipes perfectionnent leurs expériences au sol : en 1932 Carl David Anderson travaillant pour Millikan identifie le positron, particule de même masse que l'électron mais de charge opposée.

Millikan avait reçu le Prix Nobel de Physique en 1923 pour sa mesure de la charge de l'électron qui est une des bases les plus fondamentales de la physique moderne et pour ses travaux sur l'effet photoélectrique. Hess et Anderson reçoivent la même récompense en 1936.

La médaille et le diplôme Nobel de V.F. Hess, offerts comme d'habitude en un seul lot, sont estimés $ 300K à vendre par Bonhams le 7 juin à New York, lot 182. Rappelons que la médaille et le diplôme Nobel attribués à James Chadwick en 1935 pour la découverte du neutron ont été vendus pour $ 330K incluant premium par Sotheby's le 3 juin 2014.

Les Nuages du Kilimandjaro

Le 2 juin 2010 à Beijing, Poly Auction consacrait une session de ventes à l'évolution du paysage dans l'art de Wu Guanzhong de 1975 à 1994.

Pendant ces années de plus grande créativité de l'artiste, le dessin est d'abord réaliste, appuyé sur une composition hardie et des couleurs vives. Au fil du temps un intérêt croissant pour la composition et pour la géométrie mène Wu jusqu'au paysage abstrait. Le meilleur résultat de ce groupe, RMB 28M incluant premium, a été enregistré sur une encre sur papier 124 x 124 cm réalisée en 1990 sur le thème du Grand Canyon en Amérique.

J'avais choisi en 2010 de discuter la plus ancienne oeuvre, Mont Kilimandjaro, huile sur toile 100 x 180 cm peinte en 1975, qui réalisa RMB 20M incluant premium. Elle est à vendre par la même maison de ventes le 4 juin, lot 4554 estimé RMB 28M.

Wu avait terminé en 1972 trois ans de travaux forcés pendant lesquels il avait prudemment détruit la plus grande partie de son oeuvre. Revenu à une pleine liberté l'année suivante, il cherche aussitôt à redéfinir l'art moderne en améliorant conjointement sa pratique de l'encre sur papier et de l'huile sur toile.

En 1975 sa situation personnelle est complètement rétablie au point qu'il participe à une délégation en Afrique pour mettre en place l'usine Chinoise chargée de construire la nouvelle ligne ferroviaire entre la Tanzanie et Zambie. Sa contribution consiste à réaliser pour les bureaux de l'usine une vue de chacun des deux sites les plus spectaculaires de l'Afrique Orientale, le Mont Kilimandjaro et les Chutes Victoria qu'il n'a cependant pas visités.

Il a imaginé de montrer le fameux sommet neigeux du Kilimandjaro baignant au-dessus d'une épaisse mer de nuages. Les nuages couvrant la plus grande partie de l'image cachent la vallée, laissant un doute sur l'altitude et renforçant ainsi la majesté mystique de cette montagne.

21 mai 2017

Un Humour de Plombiers

De 1916 à 1963, 322 peintures à l'huile préparées par Norman Rockwell ont illustré la couverture du Saturday Evening Post. Cet hebdomadaire populaire offrait à la classe moyenne Américaine des nouvelles, des romans feuilletons et des histoires vraies.

Rockwell observe les occupations au village, l'empathie entre les personnages, les émotions parfois excessives ou gentiment caricaturales suscitées par la multitude d'occupations de la vie courante. Il vit depuis 1939 à Arlington, Vermont, où ses voisins aiment bien lui servir de modèles. Ses illustrations de guerre sont patriotiques mais il s'aventure peu en politique, contrastant avec les opinions souvent plus engagées du journal.

Une scène par Rockwell doit tout exprimer en une seule image et la simplicité du thème masque la complexité de la composition. Le long processus de création commence par des assemblages de photographies. Après les esquisses, il réalise souvent plusieurs peintures préparatoires et il est parfois difficile d'identifier quelle est la peinture finale.

L'humour est sans finesse et fort heureusement rare. Le chien assis en plein milieu d'une rue étroite dont il bloque la circulation est navrant. Peint en 1949, Road block a été vendu pour $ 4,7M incluant premium par Sotheby's le 18 mai 2016.

Le 23 mai à New York, Sotheby's vend Two Plumbers, huile sur toile 100 x 94 cm, lot 42 estimé $ 5M. Cette image a paru en couverture du Saturday Evening Post le 2 juin 1951.

Dans un appartement bourgeois, deux plombiers ont terminé leur travail. Le chef, reconnaissable au fait qu'il a des papiers dans sa poche, a trouvé un flacon de parfum qu'il vaporise sur l'ouvrier portant les outils. Un chien Pékinois blotti derrière une corbeille à papier montre sa réprobation.

Le chef se croit malin et l'ouvrier sourit stupidement. La saleté des mains et des vêtements d'un plombier après l'accomplissement de sa tâche est inévitable et n'est pas risible. Cette dérision de l'ouvrier pour amuser la petite bourgeoisie d'après guerre serait à peine acceptable aujourd'hui.

16 mai 2017

Zhang Daqian du Mogu au Moderne

Zhang Daqian commença par être le meilleur copiste de l'art graphique Chinois de toutes les périodes. Son installation près de Sao Paulo en 1954 lui ouvre les paysages du monde et le contact avec les avant-gardes artistiques. Il rencontre Picasso à Antibes en 1956.

Le mogu est une technique très ancienne qui était déjà pratiquée sous les Tang, basée sur l'observation que la figuration graphique peut être obtenue sans dessin par des lavis.

Zhang apporte des idées nouvelles par l'utilisation d'éclaboussures de peintures en couches superposées qui créent des couleurs rares. En 1965 il expérimente sa nouvelle technique désormais proche de l'abstraction avec des thèmes variés : paysages, lotus. Certains paysages sont localisés dans les montagnes Suisses. D'autres évoquent la Chine ancienne par leur titre et par l'insertion à la fin du processus créatif de petites maisons éparpillées dessinées selon la tradition anciennes.

Splendour of the Peak, encre et couleur sur soie 172 x 90 cm, a été vendu pour HK$ 34M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2016. Provenant de la collection Mei Yun Tang, Ancient Temples amidst Clouds, encre et couleur sur papier doré de même format, a été vendu pour HK$ 68M incluant premium par Sotheby's le 31 mai 2011 et sera vendu par Christie's le 30 mai à Hong Kong, lot 8001.

Ce nouveau style occupe Zhang jusqu'à la fin de sa vie. Intitulée An Invitation to rusticate, une étude de couleurs splendides 67 x 188 cm réalisée en 1966 a été vendue pour HK$ 72M incluant premium par Sotheby's le 27 mai 2013. Réalisée en 1982, Peach Blossom Spring est la culmination de ces mélanges subtils de couleurs abstraites et de dessins détaillés. Cette encre et couleurs 209 x 92 cm a été vendue pour HK$ 270M incluant premium par Sotheby's le 5 avril 2016.

13 mai 2017

Abstraction jusqu'à l'Horizon

Zao Wou-Ki atteint au début des années 1960 un nouveau niveau de sa maturité. Son art intense n'a plus besoin de références aux autres artistes. Seul dans son atelier, il laisse exploser ses tensions. Il a appris auprès des expressionnistes abstraits de New York l'avantage des grands formats avec lesquels l'artiste augmente l'amplitude et la rapidité de son mouvement.

Ses paysages vastes et tourmentés avec une perspective et un horizon sortent en fait exclusivement de son subconscient. Sa planète basée sur le feu est composée de tourbillons incandescents et de coulées de lave.

29.9.64 est son plus grand format à sa date, mesurant à l'origine 255 x 345 cm réduit plus tard à 230 x 345 cm sous la supervision de l'artiste. La dominante sombre est agrémentée de bleus saturés en lutte avec des blancs brillants au premier plan et un centre orange.

La large surface permet une multitude de détails minutieux qui constituent l'équilibre somptueux de l'univers tout en recourant à la plus grande variété des techniques : impasto, couches transparentes, coulures, éclaboussures et pseudo-calligraphie.

Deux semaines plus tard l'Hommage à Edgar Varèse exécuté dans le même format d'origine confirme une clé de la créativité de Zao à cette époque. Il était passionné de musique contemporaine et grand ami de Varèse. Le musicien savait placer des silences au milieu du vacarme tout comme le paysage tumultueux de l'artiste incluait des détails paisibles.

29.9.64 est estimé HK$ 38M à vendre par Christie's à Hong Kong le 27 mai, lot 4. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

12 mai 2017

Le Premier Niveau de la Reconstruction

Une exposition de peintures Russes d'avant-garde se tient à Petrograd (précédemment St. Petersbourg) en mars 1915 à l'initiative du très jeune Ivan Puni. Son but est de promouvoir une synthèse entre cubisme et futurisme. Le titre, Tramway V, est une allusion aux progrès de la locomotion mécanique qui symbolisent le nouveau siècle pour les Futuristes.

Malevitch participe à Tramway V mais il est déjà quelque peu rebelle. Il introduit ses propres oeuvres par un commentaire qui est déjà une profession de foi pour un art abstrait : "l'auteur ignore le contenu de ces tableaux".

Le succès de scandale de Tramway V répond aux attentes de ses organisateurs et une autre exposition sera effectuée avant la fin de l'année. Malevitch comprend que son heure est venue : il sera l'apôtre de l'art du sans-sujet.

Il commence par libérer les figures essentielles, invariablement sur un fond blanc, et atteint en mai l'expression suprême de ce nouveau langage artistique, le carré noir. Conscient de l'importance prometteuse de cette invention, il revient à des assemblages complexes exprimant les forces de l'univers par l'opposition de couleurs circonscrites dans des formes strictement géométriques. Pour éviter toute interprétation figurative il va jusqu'à bannir la ligne horizontale qui évoque l'horizon.

Dans l'exposition de décembre intitulée hermétiquement Zéro-Dix, Malevitch montre 39 oeuvres offrant différents degrés de reconstruction mais dominées physiquement dans l'accrochage par le Carré noir. La perte de signification permet à l'artiste de modifier la position des peintures. Il est un précurseur de l'installation moderne.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend une Composition de trois éléments, lot 32 estimé $ 12M. Cette huile sur toile 53 x 53 cm est une démonstration parfaite du premier niveau de la reconstruction suprématiste, au point qu'elle a incontestablement été réalisée pour la préparation de Zéro-Dix.

Elle est dominée par un triangle tronqué de couleur jaune foncé très saturé qui est la projection d'un rectangle sur la surface de la toile. Un groupe de deux petits rectangles masquant partiellement la forme jaune peut être perçu dans l'espace comme co-planaire avec son arête supérieure.

Quelques années plus tard, le constructivisme de Rodchenko est une suite au suprématisme de Malevitch auquel il ajoute le désir de créer des structures utiles pour l'architecture et le mobilier. Malevitch n'a pas besoin de suivre Rodchenko : indépendamment de Mondrian, il a été un des tout premiers artistes à offrir une vision de l'univers débarrassée de toute référence thématique.

Une Insomnie Mystique de Damien Hirst

Pendant ses études, Damien Hirst travaille temporairement dans une morgue. Il est choqué par la transition entre la vie et la mort. Devenu artiste, il consacre paradoxalement son oeuvre à ce phénomène qu'il ne comprend pas. Les titres de ses oeuvres tournent inlassablement autour de ce thème mais malheureusement pour lui il n'est pas toujours convaincant.

Le médicament accompagne cette transition dont il devient un symbole. Dès 1989, âgé de 24 ans, il réalise des installations d'armoires remplies de boîtes et de flacons. L'une d'elle est intitulée God.

Un déclic survient dix ans plus tard au cours d'une nuit d'insomnie, selon ses dires. Il dispose sur des étagères entre une vitre et un fond miroir des pilules en plâtre peint, en faisant en sorte qu'elles soient toutes différentes en forme, taille ou couleur. Chaque pilule est exposée individuellement, bien séparée des autres par des intervalles réguliers, comme jamais un médecin ou un malade n'aurait pensé à ranger un médicament.

Ses premières armoires à pilules sont monumentales, apportant à l'artiste la notion d'espace illimité qui manquait dans sa quête mystique. L'effet de la pilule individuelle qui est son atome ou son quantum restera un mystère. Peut-être n'y en a-t-il pas : la mort est inéluctable.

Hirst n'est pas Thomas d'Aquin : son armoire à pilules n'apporte aucune réponse à une question qui est peut-être seulement mal posée. Pourtant tout au long de sa carrière il continuera à créer des oeuvres sur ce thème, plus petites et aux détails moins soignés pour gagner du temps.

Le 18 mai à New York, Phillips vend une des toutes premières armoires à pilules, lot 8 estimé $ 5M. Réalisée en 2000, elle est gigantesque : 236 x 470 x 11 cm. Elle est intitulée The Void.

Lullaby Winter, 72 x 108 x 4 cm, réalisé en 2002, a été vendue pour $ 7,4M incluant premium par Christie's le 16 mai 2007. Fragments of Paradise, 183 x 276 x 10 cm, réalisé en 2008, a été vendue pour £ 5,2M incluant premium par Sotheby's le 15 septembre 2008 dans la vente spécialement organisée avec Hirst sous le titre Beautiful inside my head forever.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Phillips.

Revisiting 'The Void': Francesco Bonami on Hirst's Iconic Early Pill Cabinet from Phillips on Vimeo.

11 mai 2017

Galops au Far West

Depuis son atelier de New Rochelle dans la banlieue de New York, Frederic Remington illustrait pour les magazines les joies et les tourments des frontaliers. Il veut que son réalisme recrée l'ambiance du Wild West et est influencé par la décomposition du galop du cheval magistralement démontrée par les photographies de Muybridge contre toutes les idées préconçues.

Quand Remington devient sculpteur, il pousse à son paroxysme l'étude du déséquilibre dans les mouvements rapides. En 1895 son premier chef d'oeuvre dans cette technique, The Broncho Buster, montre un grand cheval cabré sur ses pattes arrière sans autre support, cherchant à désarçonner son cavalier. Un bronze de 58 cm de haut édité en 1906 a été vendu pour $ 2,6M incluant premium par Christie's le 29 novembre 2007.

Encore plus audacieux : le sculpteur tente dès 1896 un groupe de deux en plein galop intitulé The Wounded Bunkie, uniquement relié à la base par deux sabots, un par cheval en conformité avec les découvertes de Muybridge. Un bronze de 51 cm de haut édité la première année a été vendu pour $ 5,6M incluant premium par Sotheby's le 22 mai 2008.

Rien n'arrête cet artiste exigeant. En 1902 il conçoit un groupe de quatre relié par cinq pattes. Le fondeur parvient à le convaincre de l'impossibilité de la réalisation et un compromis à six sabots porteurs est trouvé. Intitulée Coming through the Rye, c'est une fois de plus une scène exprimant une grande rapidité. Les quatre chevaux en plein galop sont montés par des cowboys en pleine euphorie qui exhibent leurs pistolets au bout de leurs bras tendus vers le haut.

Quelques commandes sont prises en 1903 mais la réalisation est un exploit. Cette pièce complexe de 78 cm de haut est trop encombrante et le prix demandé de 2000 dollars est beaucoup trop cher. Très peu d'exemplaires seront réalisés.

Daté 1905 et livré en 1906 à Tiffany and Co, le numéro 3 est estimé $ 7M à vendre par Christie's à New York le 23 mai, lot 7.

Suite à cet échec commercial Remington détruit rageusement ses modèles de cire et de plâtre en 1908. La même année, dégoûté par la nouvelle mode des illustrations de fantaisie, il allume un bûcher dans sa cour et détruit des centaines de ses peintures originales. Cet artiste hors normes dans tous les sens du terme meurt en 1909 à l'âge de 48 ans du fait de complications liées à son extrême obésité.

Enfants contre la Guerre

Les enfants illustrés par Yoshitomo Nara joignent à leur physionomie innocente les menaces et les colères des adultes. Tout comme le garçon photographié à Central Park par Diane Arbus, ils ne sont pas dangereux. Ils contribuent à poser les vraies questions sociales de notre époque.

En 2000 Yoshitomo Nara visite Auschwitz juste avant de quitter l'Allemagne où il résidait depuis 1988 et avait terminé ses études d'art. Il comprend que ses personnages peuvent hausser la voix pour exiger que toutes les guerres soient évitées.

Le 28 mai à Hong Kong, Phillips vend le portrait d'une petite fille dont le double titre est sans ambiguïté : Last Warrior / The Unknown Soldier. Elle est estimée HK$ 20M, lot 11.

Cet acrylique sur toile 165 x 150 cm peinte en 2000 confirme qu'au-delà de son inspiration par les manga l'artiste maîtrise complètement les techniques occidentales. Sur un fond clair de grande luminosité la peau et la robe sont diaphanes, contrastant avec la bouche et les yeux qui expriment le message. La bouche est autoritaire et butée et le strabisme divergent n'invite pas à la négociation.

Cette oeuvre a une suite qui donne la clé de l'espoir de l'artiste. L'attitude de l'enfant est quasiment identique avec trois exceptions : une main apparaît pour offrir un semis à deux feuilles, la bouche perd sa torsion en faveur d'une expression sérieuse et le strabisme a disparu. Intitulée judicieusement The Little Ambassador, cette peinture 198 x 133 cm a été vendue pour HK$ 24M incluant premium par Sotheby's le 2 octobre 2016.

Equitation Américaine

Passionné par les chevaux, Alfred Munnings est un peintre classique résolument opposé à l'art moderne. Il est le meilleur artiste de son temps pour l'observation de l'élégance des chevaux, des cavaliers et des chiens.

En 1924 il effectue un voyage de rêve de six mois aux Etats-Unis pendant lequel il visite les clubs de chasse et de polo de la Nouvelle Angleterre et de Long Island. Les similitudes des gentries américaine et anglaise le mettent aussitôt à l'aise.

Le 24 mai à New York, Sotheby's vend trois huiles sur toile mémorisant cet itinéraire. On notera que les femmes montent en amazone.

Le lot 72, 78 x 85 cm, estimé $ 300K, est le portrait de la femme d'un de ses hôtes montée sur Desert Queen. La jument est à l'arrêt, levant gentiment une patte avant. La femme a probablement posé en studio.

Le mari était tellement satisfait du premier portrait qu'il a demandé à l'artiste de faire le sien, sur son cheval gris Powder Puff, accompagné de sa meute de chiens. Formant pendant au lot précédent il est offert avec la même estimation, lot 73.

Contrairement aux deux lots précédents, le lot 74 a été peint autour de 1927, longtemps après le retour de l'artiste en Angleterre, quand la jeune Américaine se prépare à épouser un aristocrate anglais. Cette huile sur toile 85 x 101 cm est estimée $ 1,4M et illustrée sur le tweet ci-dessous. Miss Ruth Brady est montée sur l'énergique Bugle Call et est accompagnée d'un beau chien.

Les Murs Mous de Rudolf Stingel

Avec Felix Gonzalez-Torres puis avec Rudolf Stingel l'observateur anonyme participe à la création. On se souvient du tapis de bonbons de Gonzalez-Torres sur lequel un enfant trop jeune pour comprendre l'art avait fait un prélèvement.

Stingel étale au sol des tapis sur lesquels les visiteurs de ses expositions laissent la trace de leurs pas. L'effet est amélioré quand les chaussures sont préalablement trempées dans la laque. Il couvre les murs de plaques d'aluminium et invite la foule complaisante à inciser le graffiti sur cette surface malléable. L'artiste intervient quand l'aluminium est suffisamment couvert et moule le graffiti sur une plaque de cuivre.

Stingel expose cet art collectif en 2007 avec des plaques de cuivre argentées par électrolyse. En 2012 avec le support de Gagosian il réalise des murs dorés avec une technique similaire, en panneaux de plaques individuelles 120 x 120 cm de 4 cm d'épaisseur.

Un panneau 240 x 240 cm de quatre plaques dorées a été vendu pour $ 4,8M incluant premium par Phillips le 14 mai 2015. Une oeuvre similaire est estimée $ 4,5M à vendre par Christie's à New York le 17 mai, lot 45 B.

Un mur de six plaques dorées pour une surface hors tout de 240 x 360 cm est estimé $ 5M à vendre par Sotheby's à New York le 18 mai, lot 5. Il est illustré sur le tweet ci-dessous :

10 mai 2017

Espoir et Jalousie de la Femme Nue

Théoricien souvent iconoclaste de presque tous les genres de la peinture, Roy Lichtenstein se rend compte en passant 70 ans que le spectateur désire des femmes nues. Il observe : "If you draw three lines that look like a nude, people see a nude" (Si vous dessinez trois lignes qui ressemblent à un nu, tout le monde voit un nu)".

Pour rejoindre ce thème éternel de l'art, il déshabille les jeunes femmes des histoires sentimentales de ses vieux magazines. Il choisit tout d'abord des scènes en appartement avec une ou deux filles dans leurs occupations ordinaires. La condition féminine a changé, fort heureusement, et ces scènes qui auraient autrefois été osées n'ont plus rien de choquant.

Le vieil artiste fait alors un pas en avant vers l'érotisme. Il choisit une histoire sentimentale parue en 1964 dans le magazine Heart Throbs. Sa jeune femme est la copie conforme de la version d'origine sauf que maintenant elle est nue. Il enlève les textes qui expliquaient trop directement ces drames de la passion.

Le 18 mai à New York, Sotheby's vend au lot 8 une peinture à l'huile et acrylique 148 x 152 cm réalisée en 1995. Le communiqué de presse du 10 avril annonce une estimation aux alentours de $ 20M.

Dans le comics la blonde est assise et accoudée au bord du lit et rêve à son succès : Danny m'aime ; il m'aime pour moi et ne sait pas à quel point je peux être belle. Une fois dénudée par Roy elle conserve de l'original une bouche trop épaisse et trop rouge qui rappelle que malgré son corps parfait son sex appeal est vulgaire.

Cette peinture est intitulée Nude sunbathing, un titre bien étrange puisque la scène d'origine en chambre n'est pas contredite par la version nue. Peut-être Roy cherchait-il un prétexte occupationnel pour justifier la place croissante de l'érotisme dans son art.

L'année suivante, les tabous tombent enfin avec une image charmante ré-appropriée du même comic book. Dans le comics la jeune femme au lit ne trouve pas le sommeil parce que son Danny est amoureux d'une autre fille. Son regard est languissant. Roy lui ôte sa chemise de nuit : Seductive Girl a été vendu pour $ 31,5M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

Supplique pour un Rythme Moderne

L'art abstrait est élitiste en ce sens que seul un public déjà sensibilisé peut comprendre l'oeuvre. En 1987 Christopher Wool décore sa voiture avec deux mots géants : SEX et LUV. Cet acte est le déclic d'une nouvelle forme du Word art.

L'artiste cherche aussitôt des mots qui exprimeront les problèmes du monde contemporain par des références au cinéma et à la pop music. Après quelques dessins il choisit sa typographie et sa mise en page, avec des lettres géantes répétées comme au pochoir, en lignes parfaitement empilées comme une peinture d'Agnes Martin.

Ses trois oeuvres importantes peintes en 1988 démontrent que la lettre est le principal support, précédant le mot : Apocalypse Now est une suite complexe de lettres avec des mots cassés au bout de la ligne et quelques intervalles supprimés. Dans des oeuvres plus tardives Wool supprimera aussi quelques voyelles. Helter est un énorme mot divisé en deux lignes et répété une fois. Please occupe toute la ligne mais est répété cinq fois.

Ces thèmes évoquent un déchirement qui émeut le spectateur. Apocalypse now accompagne le départ du héros furieux qui abandonne sa femme. Helter skelter est un titre des Beatles. Please Please Please est une chanson rhythm and blues de James Brown suppliant sa petite amie de ne pas le quitter.

Apocalypse now, 213 x 183 cm, a été vendu pour $ 26,5M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013 sur une estimation basse de $ 15M. Untitled (Helter), 122 x 81 cm, a été vendu pour $ 5,5M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2016. Untitled (Please), 244 x 142 cm, est estimé $ 15M à vendre par Christie's à New York le 17 mai, lot 24 B.

La Beauté d'Andromède

Rodin observait dans son atelier les corps nus de ses modèles. Quand une attitude l'intéressait, il réalisait un plâtre et ensuite seulement définissait un titre ou une place dans le projet de La Porte. Conçu autour de 1885 le nu au rocher est sans doute l'image d'une jeune femme cherchant le repos après une pose fatigante. Les jambes et les bras sont pliés, exacerbant pour l'artiste la perfection des lignes du dos.

En deux variantes très similaires Rodin exprime à la fois le corps lisse de la femme et l'environnement rugueux. Le marbre sera le matériau parfait pour dégager la sensualité de cette femme qui naît du limon.

La plus grande de ces variantes, 70 cm de long, est La Source, un thème très populaire au XIXème siècle où la chevelure abondante descend comme une cascade. Elle deviendra La Danaïde. L'autre version, 30 cm de long, qui n'a pas cet excès capillaire est affalée en haut d'un rocher spectaculaire. Elle sera Andromède, la jeune héroïne mythologique torturée en raison même de sa suprême beauté.

Le 30 mai à Paris, Artcurial vend un marbre daté 1887 de la petite version. L'année suivante, Rodin l'avait donné à un diplomate Chilien en échange du buste à l'expression charmeuse de la femme de son client, si parfait que l'Etat français avait voulu l'acquérir. Cette Andromède conservée jusqu'à ce jour comme un trésor dans la famille du diplomate est estimée € 800K, lot 6.

Quatre autres marbres d'Andromède sont connus. L'un d'eux réalisé vers 1895 a été vendu pour $ 3,04M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2006 sur une estimation basse de $ 500K. Un bronze de Danaïde de la même époque a été vendu pour $ 1,7M incluant premium par Christie's le 5 novembre 2014.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Artcurial :

9 mai 2017

Peinture Quantique

Roy Lichtenstein remet en question les principes fondamentaux de la peinture par l'appropriation d'images de bandes dessinées, la coloration par Ben-day dots de toiles de grandes dimensions, l'appropriation d'un chef d'oeuvre comme une référence de dérision.

Roy trouve dans les comics l'inspiration la plus variée. Une bande intitulée The painter est publiée en octobre 1964 : un artiste fou annihile sa propre oeuvre avec quelques coups de brosse. L'image montre les coulures, les gouttes et même l'effilochage quand la peinture devient plus rare sur les poils de la brosse à la fin du geste rageur.

Roy utilise ce thème un an plus tard tout en enlevant le texte qui exprimait le cauchemar de l'artiste. Sa première peinture intitulée Brushstroke est proche du dessin original avec la main et la brosse en premier plan. Il persévère : une peinture est-elle autre chose que des coups de pinceau sur une surface ? Dans la suite de sa série, il ôte la main et la brosse, laissant seules dans l'image deux coups de brosse superposés.

Le 17 mai à New York, Christie's vend Red and White Brushstrokes, toile 122 x173 cm peinte en 1965, lot 57 B estimé $ 25M. Les deux larges bandes reproduisant les avatars du geste originel sont des horizontales en frottement dans une direction légèrement montante. Ce n'est sans doute pas par hasard que l'ensemble de l'image ressemble à un drapeau endommagé.

Allant bien plus profond que l'auteur du comics Roy atteint l'élément quantique de l'art. Il va dans la même direction que Jasper Johns ou Frank Stella pour qui le thème est moins important que le processus de fabrication de l'oeuvre.

En transformant ses Brushstrokes en sculptures un quart de siècle plus tard Roy achève son ingénieux parcours de dérision de la peinture. Après tout, si on cherche un parallèle dans d'autres actions artistiques, le cinéma est-il autre chose qu'une projection de lumière au travers d'un déroulement de filtres colorés ?

8 mai 2017

Le Bonheur dans le Pré

De 1975 à 1977 Willem de Kooning trouve un bonheur inespéré qui génère graduellement un grand élan de créativité. Il vit à Long Island au milieu d'une nature luxuriante, au côté de sa maîtresse Mimi. Sa femme Elaine est prête à revenir.

Il couvre avec ses couleurs des toiles de grande surface dans lesquelles il peut s'imprégner lui-même et happer le spectateur. Les couleurs viennent jouer par-dessus un fond blanc de plomb lumineux. La main est rapide mais les équilibres des blocs et la brillance inégale fournie par la variation des épaisseurs de peinture répondent à une conception prédéfinie.

L'abstraction n'exprime pas suffisamment la contemplation de l'artiste dans son environnement. Les couleurs évoquent désormais la mer, l'arbre et la chair nue, sans être supportées par un dessin figuratif.

Les Untitled peints par de Kooning en 1977 sont les chefs d'oeuvre du paysage abstrait. Untitled XXV, 196 x 224 cm, a été vendu pour $ 66M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2016.

Le 17 mai à New York, Christie's vend l'Untitled II de la même année, huile sur toile de même format, lot 42 B estimé $ 25M.

Untitled II exprime les couleurs et les équilibres de la nature tout en apportant un thème supplémentaire : le corps de femme paisiblement allongée qui apparaît au premier plan offre un rare rappel des Woman qui avaient apporté à l'artiste sa notoriété injustement sulfureuse un quart de siècle plus tôt.

Sa nouvelle inspiration sera éphémère. L'année suivante, les traits structurants séparant les couleurs détruisent l'illusion thématique dans ces compositions redevenues de simples abstractions.

Reconversion de la P1 GTR

La McLaren P1 a été la première hypercar hybride, dépassant 350 km/h en vitesse de pointe. Elle a été suivie par la Porsche 918 Spyder et par la LaFerrari. La concurrence est rude et les évolutions sont nécessaires.

La P1 GTR est le modèle de compétition sur piste. Dépouillée de tous ses poids inutiles elle a été construite en 58 exemplaires. Sa production a commencé en 2015 après l'achèvement de la P1. La GTR était initialement réservée pour des propriétaires de P1 qui seraient intéressés par sa performance sensationnelle sur piste.

Les clients ont préféré demander une voiture homologuée pour la route bénéficiant des performances additionnelles de la GTR. Depuis 2016 près de la moitié des P1 GTR ont été converties pour la route par un sous-traitant de McLaren, Lanzante Motorsport.

Le 27 mai à Villa Erba, RM Sotheby's vend une P1 GTR fabriquée en 2016 et transformée par Lanzante. Cette hypercar comptant 360 Km au compteur est estimée € 3,2M, lot 157.

Dans la suite de ce succès de la transformation de leur GTR, McLaren a confié à Lanzante la réalisation d'un nouveau prototype suivi d'une série limitée à cinq voitures sous la référence P1 LM.

Le Crépuscule du Peintre

Philip Guston avait été un des meilleurs peintres de l'expressionnisme abstrait, montrant des explosions de couleurs au centre de ses toiles. Peint en 1958, To Fellini a été vendu pour $ 26M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013.

Guston est cependant tourmenté par la question du rôle de l'art. Quand il s'installe à Woodstock NY en 1967, il change complètement son approche au détriment de sa propre carrière.

Il ne comprend plus à quoi peut servir de juxtaposer des couleurs. Il montrera désormais des objets ordinaires témoignant de son temps avec un dessin imitant les cartoons et des couleurs fades ou lugubres.

Le 17 mai à New York, Christie's vend Painter at night, huile sur toile 172 x 203 cm peinte en 1979, lot 11 B estimé $ 8M. Cette oeuvre chargée des symboles de toute sa vie apparaît comme son testament artistique. Ce grand fumeur sentait-il que sa santé était menacée ? Il mourra l'année suivante d'une crise cardiaque.

L'artiste mal rasé aux cheveux sales tourne le dos au spectateur. Dans sa dignité de créateur, il n'est pas gêné de ressembler à un clochard. Il tient le pinceau et regarde la fumée de sa cigarette. La scène est à peine éclairée par une petite lampe qui symbolisait le suicide de son père dans ses dessins d'adolescent. Encadrée dans un téléviseur elle n'est qu'une image dans l'image : une fois de plus l'art n'a pas exprimé la réalité.

Incompris en son temps, Guston était devenu le précurseur d'un mouvement qui n'a pas encore de nom cherchant à exprimer la difficulté existentialiste et la brutalité de la vie moderne.

7 mai 2017

Tagueurs et Policiers

Soudain à l'aise en 1981 grâce au support d'Annina Nosei, Jean-Michel Basquiat envisage son avenir au rang des plus grands héros Africains-Américains.

Ce n'est pas si simple. La ségrégation reste latente dans la haute société et les artistes des rues considérés comme de simples vandales sont pourchassés sans pitié par les policiers. On ne peut pas lui donner tort de cette peur du gendarme : deux ans plus tard un de ses amis sera tué dans une intervention policière trop musclée.

Qu'il soit blanc ou noir, le policier est un ennemi de sa liberté. Jean-Michel réalise quelques portraits caricaturaux de ces brutes qui maintiennent l'ordre public. Par défi et par soutien de ses copains qui restent dans la rue, il ajoute sur le mur du fond des inscriptions apparaissant comme écrites à la hâte. Dans une phase ultérieure de sa carrière ces messages souvent incompréhensibles deviendront prépondérants.

Un panneau 182 x 121 cm orné du remarquable tag IRONY OFNEGROPLCEMN a été vendu pour £ 8,2M incluant premium par Phillips de Pury le 28 juin 2012.

Le 17 mai à New York, Christie's vend un panneau de même dimension peint à l'acrylique et oilstick qui est un des rares exemples dans l'art de Jean-Michel où le personnage est un blanc. Il est estimé $ 22M, lot 55 B.

Ce policier est un homme massif aux épaules larges dont la fonction est reconnaissable à l'uniforme et au casque. La bouche est ouverte dans un cri et le regard est sanglant. Sur le mur le dessin stylisé d'un aigle décharné est un symbole dérisoire de l'autorité fédérale. En-dessous de l'aigle, le tag LA HARA apparaît quatre fois comme un défi inspiré de La Jara signifiant les flics en argot Porto-Ricain.

La Face Cachée de la Blonde

Contrairement à Warhol, Lichtenstein ne multiplie pas les images pour inonder le monde sous sa propre vision. Il est plutôt un explorateur du langage et des techniques de l'art et sa ligne directrice semble surtout d'avoir rejeté les idées préconçues.

Woman : Sunlight, Moonlight est un buste plat en bronze peint de 104 cm de haut, édité en 1996 en six exemplaires et une épreuve d'artiste. Jouant avec les dualités image plate ou tridimensionnelle et positif ou négatif, cette figure ne ressemble ni à un buste ni à un bronze.

Il réutilise l'image de la jeune femme blonde qui était le personnage principal féminin du comic book Secret Heart et de ses chefs d'oeuvre des années 1960. Ce buste plus grand que nature est détouré sur la tête de la femme simulant de chaque côté la même image du magazine avec des points de trame (benday dots) bien visibles. L'expression d'attente est la même, avec les yeux fermés et la bouche rouge entr'ouverte.

Les deux faces sont cependant très différentes. La face Soleil porte les habituels cheveux jaunes et des points rouges. La face Lune apparaît comme plus sombre avec ses cheveux et ses points bleus.

L'épreuve d'artiste a été offerte en 2014 par la succession de l'artiste à la Roy Lichtenstein Foundation qui l'offre maintenant au bénéfice des projets de son centre d'étude. Elle sera vendue par Phillips à New York le 18 mai, lot 6. Le communiqué de presse du 26 avril annonce une estimation au-delà de $ 10M.

La Poésie selon Twombly

A la recherche d'un art total, Cy Twombly inclut la poésie. Les écrivains traduisent et transmettent les passions depuis l'antiquité. Depuis Mallarmé la signification des mots est moins importante que leur position sur la page et leur propre musicalité.

Twombly peint des poèmes sans mots qui pourraient être assemblés en volumes. Poems to the sea, ensemble de 24 pages sur papier peintes en 1959, a été vendu pour $ 21,7M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013 sur une estimation basse de $ 6M.

La phase de proto-écriture sur les tableaux noirs autour de 1970 n'a pas stoppé sa recherche littéraire. Dans le livre mystique Silex Scintillans écrit en 1650 par Henry Vaughan, Twombly trouve le poème The storm dans lequel l'auteur tente une comparaison proche du panthéisme entre la violence de la tempête qui projette les eaux dans les airs et le bouillonnement passionné de son propre sang.

Cette tempête à la fois extérieure et intérieure est illustrée par Twombly en 1981 à l'huile, cire, crayons de couleurs et graphite sur trois feuilles de papier de dimensions inégales : 149 x 132 cm pour la page centrale et 100 x 71 cm sur chacune des pages latérales. Le titre Silex Scintillans est inscrit par l'artiste en haut de la page de gauche dans la logique d'une lecture traditionnelle.

Cette oeuvre entièrement abstraite est réalisée en un foisonnement de traits courbés comparable aux abstractions mythologiques des années 1960, en utilisant des couleurs vives qui viennent entrelacer leur énergie plus ou moins spontanée.

Le triptyque est estimé $ 5M à vendre par Sotheby's à New York le 18 mai, lot 6. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's dans laquelle la diction du court poème accompagne l'exploration des détails colorés de l'oeuvre.

Une Amphore pour les Qing

Les Mandchous qui ont renversé la dynastie des Ming sont des étrangers. Lorsque leur dynastie des Qing est politiquement stabilisée, ils apportent une attention intense à s'appuyer sur toute la tradition plus de quatre fois millénaire de l'empire de Chine. A partir du règne de Kangxi certains ateliers de Jingdezhen réalisent des pièces en porcelaine imitant l'antique.

Les chimistes et les thermiciens de Jingdezhen sont extrêmement compétents et il n'est pas question de revenir aux processus de fabrication antiques. Un effort particulier est apporté à l'amélioration de la glaçure verte imitant la couleur et la transparence du jade, qui est appelée qingci en Chinois et céladon en Europe. Sous le règne de Yongzheng plusieurs nuances de glaçure céladon sont répertoriées.

Un vase amphore portant la marque impériale de Yongzheng apparaît comme un aboutissement de ce développement. Il a été vendu pour HK$ 17,4M incluant premium par Christie's à Hong Kong le 1er novembre 2004, un très haut prix à cette époque pour une porcelaine monochrome, et revient dans la même salle de ventes le 31 mai, lot 2888.

La forme de ce vase de 52 cm de haut imite des vases en métal ou en porcelaine d'époque Tang qui ne sont déjà plus des amphores de type antique puisque l'extrémité pointue qui servait à attraper le récipient dans sa partie basse pour verser le liquide a été remplacée par une base plate permettant de le poser. Il a conservé de ces modèles Tang les deux anses latérales en forme de dragons mordant le bord du vase. L'ornement du col en anneaux simulant le bambou est une référence aux Song du Nord.

Le céladon est aussi un symbole antique rappelant le développement de cette glaçure dans les fours de Longquan sous la dynastie des Song du Sud. La glaçure vert-bleuâtre de cette amphore, épaisse et transparente et nivelée dans les creux, est cependant une réussite directement attribuable à l'ingénierie des Qing.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's :

6 mai 2017

Trois Cierges contre la Guerre

A la fin des années 1930, les Nazis s'immiscent de plus en plus dans les affaires françaises. Dès 1937 ils fustigent l'art poétique de l'immigré Biélorusse Marc Chagall, avec ses évocations permanentes du Judaïsme et ses personnages flottant dans les airs.

En 1939 Marc et Bella sont inquiets mais ne perçoivent pas encore que les Nazis voudront éradiquer physiquement le Judaïsme français. Ils se souviennent de Vitebsk où ils se sont mariés en 1916 et expriment leurs racines avec leurs talents : Bella par ses histoires en Yiddish et Marc par la peinture.

Le 15 mai à New York, Christie's vend Les Trois Cierges, huile sur toile 130 x 97 cm peinte en 1939, lot 6 A estimé $ 8M.

Comme toujours avec le style surréaliste de Marc, les scènes se juxtaposent avec des échelles différentes selon l'importance accordée par l'artiste.

A droite de la composition les jeunes mariés en lévitation sont revenus à l'époque heureuse de Vitebsk. A gauche trois longs cierges sont allumés, marquant l'espoir de la petite cellule familiale constituée par Marc, Bella et leur fille Ida : les tourments du moment seront annihilés par la fusion dans la cire. L'animation secondaire en petite échelle inclut des anges volants, des musiciens et une vue du village.

En 1940 la persécution atteint l'ensemble du territoire français. Marc et Bella quittent la France précipitamment. Quelques mois plus tard Ida et son mari les rejoignent aux Etats-Unis. Dans leur traversée de l'Atlantique rendue extrêmement dangereuse par la guerre, ils ont réussi à acheminer une importante caisse d'oeuvres peintes par Marc, incluant Les Trois Cierges qui ont ainsi été sauvés d'une destruction inéluctable.

L'année suivante Les Trois Cierges sont une pièce majeure de l'exposition consacrée à l'art de Chagall par Pierre Matisse à New York, une des initiatives les plus importantes de cette période de transition dans laquelle les Américains découvrent l'art moderne Européen et Russe.

Les Deux Portraits d'Olga

Les temps sont durs. Pablo Picasso a donné un formidable élan à l'art moderne avec les Demoiselles puis avec le cubisme analytique utilisant ou imitant des collages. Les concurrents suivent avec enthousiasme mais les clients sont rares pour cet art qui est trop intellectuel, surtout en cette période de guerre. Un retour au classicisme devient vital mais Picasso ne peut pas renoncer à son ambition avant-gardiste.

Autour de 1916 il tente une nouvelle approche de simplification des formes géométriques et à leur limitation aux éléments essentiels. La lisibilité reste difficile sauf peut-être pour la nature morte. Pour convaincre son public Picasso a d'abord besoin de se convaincre lui-même.

Il réalise deux portraits d'Olga dans le même format, basés sur la même photographie. L'un d'eux est réaliste dans le style d'Ingres, l'autre est cubiste. L'artiste veut démontrer que l'impression offerte au spectateur par une oeuvre d'art ne dépend pas du style.

Zervos considère que les deux peintures ont été commencées simultanément en 1917. Le portrait Ingresque est terminé rapidement. Le portrait cubiste est continuellement retravaillé jusqu'en 1920. Le résultat est lumineux comme un vitrail avec ses aplats de couleurs enfermés dans des contours de bandes blanches bordées d'un trait noir. La femme maintient une attitude identique sur les deux images.

L'utilisation du portrait cubiste comme une sorte de laboratoire pour le développement d'un nouveau style ne fait aucun doute. Picasso a conservé cette oeuvre pendant toute sa vie, certainement pas en souvenir d'Olga mais bien comme un démonstrateur de l'évolution de son art à une période difficile de sa carrière.

Intitulé Femme assise dans un fauteuil, le portrait cubiste, huile sur toile 130 x 89 cm, est estimé $ 20M par Christie's à New York le 15 mai, lot 7 A vendu ainsi que sept autres oeuvres majeures au bénéfice du Cleveland Clinic Heart and Vascular Institute. Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Christie's montre ces huit lots :

3 mai 2017

La Fin de l'Ecole de Crémone

Les luthiers de Crémone ont porté à la perfection la fabrication du violon avec plusieurs ateliers travaillant en concurrence ou en coopération. Antonio Stradivari meurt en 1737 âgé d'environ 93 ans. Ses fils n'ont pas son talent.

Le meilleur continuateur de la tradition de Crémone et le seul qui continue à innover est Guarneri del Gesu, très actif jusqu'à sa mort prématurée en 1744. Guadagnini qui ouvre un atelier à Piacenza vers 1742 a peut-être été auparavant apprenti d'un des derniers luthiers de Crémone.

Carlo Bergonzi aussi travaille à Crémone, probablement dans l'entourage de Vincenzo Rugeri. Malgré sa longue carrière très peu d'instruments lui sont attribués, ce qui laisse supposer qu'il travaillait comme sous-traitant des autres maîtres. Agé de 54 ans à la mort de Stradivari, il savait fabriquer des violons d'une riche sonorité intermédiaire entre les stradivarius et les del Gesu avec un épais vernis de grande qualité.

Le 11 mai à New York, Tarisio vend au lot 229 un exceptionnel violon tardif par Carlo Bergonzi sur lequel les experts reconnaissent la participation de son fils Michel'Angelo. Sa date est estimée vers 1740-1745 et une étiquette porte la date plausible de 1742. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

La Femme qui sourit

Quand Dora Maar effectue le reportage photographique de la création de Guernica, Picasso observe son hypersensibilité féminine et conceptualise sa nouvelle muse comme une prophétesse des catastrophes politiques.

Cette vision d'artiste est incomplète et même désobligeante pour cette femme militante qui aime le surréalisme et les tenues excentriques. Elle n'a certainement pas aidé à préserver son fragile équilibre mental. Ils termineront leur liaison en 1943.

Une autre catastrophe survient. En septembre 1939 par peur des attaques aériennes, Picasso quitte Paris et établit son petit cercle à Royan en deux endroits différents afin que ses deux maîtresses rivales ne se rencontrent pas.

Dans la cyclothymie de cet artiste anxieux le 25 octobre 1939 est un bref temps d'accalmie. Pablo fête son anniversaire à Royan avec Dora. Il peint Femme assise, robe bleue. Cette huile sur toile 73 x 60 cm a été vendue pour £ 18M incluant premium par Christie's le 21 juin 2011 sur une estimation basse de £ 4M. L'intérêt du marché international pour les portraits de Dora est croissant. Elle est estimée $ 35M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 12 A.

Ce jour-là la maîtresse de Pablo n'est plus une allégorie mais une jeune femme qu'il aime. Les couleurs sont vives et joyeuses et le chapeau est exubérant. Le visage aux perspectives multiples selon le goût de l'artiste à cette époque renforce l'expression d'un sourire large et sympathique proche du rire.

Sir George et le Petit Voleur

Au tournant des années 1960 le monde de l'art exige du changement. L'abstraction a pris trop de place et occulte la figuration psychologique. Francis Bacon jouit à ce moment du plus haut niveau de la gloire à tel point que ses pulsions sado-masochistes en sont inversées : après la mort de Peter Lacy, Francis désire dominer une jeune muse masculine.

George Dyer répond parfaitement à ce nouveau besoin. Son physique puissant évoque les nus masculins sculptés par Michel-Ange. Sa vie minable de petit voleur ignorant l'art excite Francis qui bâtit l'histoire invérifiable de leur première rencontre en 1963 dans un cambriolage de son atelier. Francis appelle parfois 'Sir George' cet amant magnifique.

George a une personnalité faible qu'il compense vainement par le tabac, la drogue et l'alcool. Le colosse aux pieds d'argile devient pour Francis un sujet d'étude des contradictions humaines. Comme toujours, Francis cherche au travers de ses modèles le miroir de sa propre complexité.

Francis attrape ses pinceaux pour approfondir cette nouvelle recherche. Il aime les séries sur un fond homogène pour la possibilité de varier l'expression. Sa toute première étude pour un portrait de George est un triptyque d'éléments 35 x 30 cm permettant la grandeur nature du visage, peint en 1963.

Francis déforme le nez, les joues, et ajoute des couleurs vives pour mieux révéler les contradictions mais la forme globale reste parfaitement superposable aux photographies de George. Sur fond noir, sans information sur le vêtement, cette triple tête qui sort de l'ombre avec un regard vide est un des plus profonds témoignages par Bacon sur la misère psychologique.

Ce triptyque est vendu par Christie's à New York le 17 mai, lot 38 B, dans la vente de soirée d'art d'après-guerre et contemporain. Ce lot fait l'objet d'une publication spéciale en 134 pages avec une introduction par Brett Gorvy. Le communiqué de presse du 24 février annonce une estimation entre $ 50M et 70M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's :

1 mai 2017

Coeur et Perles

La forme coeur est un symbole romantique. Pour un diamant, c'est un exploit technique : le coeur est un brillant modifié. C'est le seul cas de diamant sculpté pour inclure des surfaces concaves.

La difficulté consiste à maintenir un équilibre géométrique sans disparité entre les deux moitiés du coeur tout en conservant une netteté parfaite du clivage. Toute erreur apparaît comme ridicule à l'utilisateur exigeant.

Un diamant coeur type IIa, couleur D, clarté Internally flawless, pesant 56,15 carats a été vendu pour CHF 9,6M incluant premium par Christie's le 18 mai 2011.

Boehmer et Bassenge, la Maison de Haute Joaillerie fondée en 2016 à Paris, ne craint pas les difficultés pour assembler les bijoux les plus exceptionnels autour des plus gros diamants. Leur production de haute qualité est limitée à quelques pièces par an.

Le 15 novembre 2016, Christie's a vendu pour CHF 17,6M incluant premium une de leurs toutes premières réalisations : une paire de boucles d'oreille équipée de diamants appairés de forme poire pesant 52,55 et 50,47 carats dans un entourage de petits diamants.

Le 17 mai à Genève, Christie's vend La Légende par Boehmer et Bassenge, lot 228 estimé CHF 14M.

Ce bijou est centré sur un diamant D, IIa, Flawless de forme coeur pesant 92,15 carats. Le GIA a constaté son excellente symétrie et la qualité de son polissage. Il est accroché au travers de deux petits diamants circulaires à un collier sautoir de perles de culture de 93 cm monté en platine.

Une Frénésie Mythique

Cy Twombly visite pour la seconde fois l'Italie en 1957. Il perçoit que Rome a conservé les traces de la violence charnelle de sa mythologie et de son histoire antique, dans ses monuments et leur graffiti mais aussi dans la tradition transmise au travers de tous ces siècles par les poètes et les artistes.

Se démarquant dès lors totalement du milieu artistique de New York, il s'installe à Rome où il développe son nouveau style visant à exacerber simultanément toutes les passions : érotiques, pornographiques, criminelles, scatologiques. Il tente de vivre lui-même toutes ces pulsions dans un acte créatif semi-automatique pour lequel il peint avec ses mains et ajoute ses propres graffiti.

Le viol de Leda par Jupiter prenant la forme d'un cygne est pour lui un thème complet, avec son acte sexuel qui génère une fécondité mythique.

Twombly exécute en 1962 deux oeuvres sur ce thème dans le même format 191 x 200 cm choisi très certainement pour donner une idée de la représentation grandeur nature de cette échauffourée dans une abstraction mêlant l'illusion des corps et des plumes. L'une d'elles est conservée au Museum Of Modern Art à New York. L'autre est estimée $ 35M à vendre par Christie's à New York le 17 mai, lot 6 B.

La comparaison de ces oeuvres est significative. Leur explosion similaire démontre que l'écriture de l'artiste, bien que basée sur un geste impulsif, répond à une conception globale prédéfinie. Le Leda du MoMA est plus achevé car il inclut les habituels graffiti absents de la version à vendre. Dans les deux cas dans la partie haute de l'image le petit dessin d'une fenêtre moderne apparaît, symbolisant le message de l'artiste sur le caractère intemporel des passions.