28 juin 2017

Célébration Vénitienne

Peintre des vues de Venise, Canaletto est aussi un illustrateur, contemporain de Piranesi. Sa série de douze vues intitulée Feste Ducali est un chef d'oeuvre de la fin de sa carrière, gravée par Brustoloni en grand format autour de 45 x 57 cm à l'eau-forte et au burin.

L'artiste compense l'absence de couleurs par des nuances de lavis de gris. Comme dans les peintures de toute sa carrière les monuments sont montrés autant que possible dans la plus grande extension de leur façade. Les personnages sont répartis par petits groupes.

Les Feste Ducali suivent l'élection d'un Doge qui a eu lieu en avril 1763. L'éditeur Furlanetto annonce à la vente les douze images en mars et juillet 1766 et ordonne leur impression.

Le 5 juillet à Londres, Sotheby's vend le dessin original 39 x 55 cm de la scène montrant le couronnement du Doge au Palazzo Ducale, lot 44 estimé £ 2,5M. Cette vue grandiose est aussi une très belle étude de perspective et de lumière. La Scala dei Giganti est vue très légèrement de biais, améliorant l'effet des ombres.

Le groupe avec le Doge est très loin, tout en haut de l'escalier monumental. Canaletto a choisi un point de vue comme s'il était dans la foule des spectateurs anonymes. Effectivement cet artiste commercial n'avait pas de reconnaissance officielle. Sa réception à l'Accademia veneziana di pittura e scultura eut lieu en 1765 après une élection difficile en septembre 1763.

25 juin 2017

Le Trésor venu de la Lune

Avant Apollo 11 seuls les poètes savaient parler de la Lune. On ne connaissait rien de sa composition géologique qui était peut-être toxique.

Neil Armstrong atteint le sol Lunaire le 21 juillet 1969 à 02:56:15 UTC. Après sa phrase pour la grande histoire, sa toute première activité est d'observer le sol et de prélever des petits cailloux et de la poussière. Il ne fallait pas qu'un incident ultérieur empêche cette très précieuse collecte effectuée avant même qu'Aldrin descende pour le rejoindre.

Armstrong range ses specimens dans un Contingency Sample Bag spécialement conçu pour protéger les utilisateurs contre tout danger non identifié. Le sac est réalisé avec une fibre isolante multi-couche nommée Beta cloth et du polyester et clos par une fermeture éclair en laiton. Il est vidé lors du voyage de retour avec un processus sous vide qui n'est pas bien efficace puisqu'un peu de la poussière lunaire est restée dans le sac.

Les pièces provenant d'Apollo 11 sont très rares sur le marché de l'art, à l'exception de quelques souvenirs gérés par les astronautes. Le Contingency Lunar Sample Return Outer Decontamination Bag dans lequel Armstrong a stocké provisoirement sa toute première collecte est estimé au-delà de $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 20 juillet, lot 102.

La disponibilité aux enchères de ce sac historique résulte d'une double négligence de la NASA. Dans les années 1970 quand l'Agence fournit au Smithsonian ce qui lui restait de la mission Apollo 11 l'absence de ce sac n'est pas identifiée. La NASA ne vérifie pas non plus en 2014 une collection privée qui sera mise aux enchères par le gouvernement pour un comportement frauduleux de son propriétaire, ancien directeur d'un musée spatial au Kansas.

Identifié comme “One flown zippered lunar sample return bag with lunar dust (“Lunar Bag”), 11.5 inches; tear at center. Flown Mission Unknown” le sac finit par être acheté en mars 2015 par une géologue amateur ravie de cette aubaine. Elle ouvre le sac, note les références inscrites, effectue une recherche en ligne et découvre que ce qu'elle a acheté pour $ 995 est le tout premier sac qui a contenu des échantillons lunaires.

La NASA confirme l'authenticité ainsi que la nature lunaire de la poussière restant dans le sac. Navrée de sa propre bévue elle tente de récupérer l'objet mais la vente aux enchères avait été garantie par le US Marshals Service. Deux procès ont donné raison à la propriétaire qui a promis de faire bénéficier diverses charités d'une portion du produit de la vente qu'elle a confiée à Sotheby's.


24 juin 2017

Fête au Village avec l'Artiste

Jan Brueghel est l'un des meilleurs peintres Flamands et ses thèmes sont de la plus grande variété. Il imagina très tôt dans sa carrière les scènes et les personnages du paradis. Il eut la bonne idée de transposer ce thème à la vie paysanne, dégagée dans son art des intentions moralisantes de son père Pieter Bruegel l'Ancien.

Ses paysages restent probablement imaginaires. Ils ont des compositions très équilibrées construites autour du tournant d'une route ou d'une rivière ou même des deux. La technique de l'huile sur cuivre permet des couleurs pures et très agréables.

Une de ses scènes de fête au village exprime certainement une émotion personnelle de l'artiste. Cette peinture 26 x 38 cm datée 1616 a été vendue pour £ 3,5M incluant premium par Sotheby's le 9 juillet 2008. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Christie's à Londres le 6 juillet, lot 42. Je l'avais décrite comme suit en 2008 :

Le paysage au tournant d'une rivière est plaisant avec une animation variée. Les paysans dansent au milieu de la route entre deux rangées de spectateurs bien alignés. Un marchand vend ses poissons et deux bourgeois discutent. Le catalogue nous dit que l'un des bourgeois est un très rare auto-portrait de l'artiste, confirmant l'importance que ce thème heureux avait pour lui.

L'animation des plans éloignés est également intense. De jolis bateaux naviguent sur la rivière. En haut à gauche le village est animé de personnages avec des chevaux et des carrioles. Au premier plan, deux chiens attendent gentiment.

Des Deux Côtés du Rialto

Une paire d'huiles sur toiles est unique dans l'histoire des vedutas par la conjonction de leur dimension monumentale, 120 x 204 cm chacune, avec la maturité d'un des plus grands artistes de Venise, Francesco Guardi. Les toiles sont plus larges que les métiers à tisser en usage à l'époque et un raccord à peine visible a été nécessaire dans la partie basse de l'image.

Elles montrent le quartier commercial de Venise, le Rialto, sur le Grand Canal des deux côtés de son spectaculaire pont couvert à arche unique qui abritait des boutiques. Par son animation pittoresque et sa luminosité, Guardi apparaît comme un continuateur de Canaletto.

La séquence de monuments est correcte mais ces panoramas sont trop larges pour respecter une perspective unique. Le grand format apporte un foisonnement de détails et une vision exceptionnelle de l'ambiance Vénitienne.

Guardi travaillait d'après la collection de ses dessins autographes et les modifications apportées aux monuments ne permettent pas de dater ses peintures avec précision. On retiendra 1768 pour cette paire pour deux raisons. La mort de Canaletto en avril donne certainement de grandes ambitions à Guardi devenu soudain le meilleur fournisseur des Touristes. Le premier propriétaire a été un jeune aristocrate Britannique qui effectuait son tour en 1768, arrivant en août à Venise.

La paire a été séparée en 2011. La vue prise en direction du nord a été vendue par Sotheby's pour £ 26,7M incluant premium le 6 juillet 2011. La vue dans le sens opposé est à vendre le 6 juillet à Londres par Christie's, lot 25. Le communiqué de presse du 5 avril annonce qu'elle est attendue au-delà de £ 25M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

21 juin 2017

Pèlerinage Romantique aux Bords du Rhin

Turner est un illustrateur. Ses aquarelles sont utilisées pour créer des recueils d'images et inversement les gravures sont un moyen efficace de divulguer ses oeuvres majeures.

Il est aussi un grand voyageur. En sillonnant toute l'Europe, il marche délibérément dans les empreintes de Childe Harold, le jeune homme désillusionné du poème de Byron qui visite les sites meurtris par les guerres pour assouvir son besoin de liberté.

En 1835 Turner termine sa superbe vue de Rome prise de l'Aventin, huile sur toile 93 x 126 cm. Etendant à l'huile la technique traditionnelle de l'aquarelle, la superposition de très fines couches de peinture apporte une transparence qui simule la brume sans affaiblir les détails du dessin. Cette peinture a été vendue pour £ 30,3M incluant premium par Sotheby's le 3 décembre 2014.

L'artiste a conclu un accord pour une image d'Allemagne avec le graveur John Pye dont il avait apprécié précédemment la qualité des effets de lumière. Quand il apporte le travail promis, Pye est effaré mais il est trop tard pour renoncer : Turner n'a pas réalisé une aquarelle mais une huile sur toile de grande dimension, 93 x 123 cm, avec la même subtilité de nuances que la vue de Rome. La réponse aux exigences du maître est quasiment impossible.

Cette peinture est une vue d'Ehrenbreitstein, sous-titrée The bright stone of honour and the tomb of Marceau, from Byron's Childe Harold. La forteresse ruinée d'Ehrenbreitstein qui domine encore la ville de Coblence est un symbole de la vanité des anciennes guerres. Marceau est ce jeune général français tué à 27 ans près de Coblence qui avait mérité une telle réputation de bravoure chevaleresque que les deux armées ennemies ont participé ensemble à ses funérailles.

Contrairement à la vue de Rome, la vue des bords du Rhin ne cherche pas un réalisme topographique d'ensemble. Elle est un ensemble de scènes où les jeunes paysannes cohabitent paisiblement avec des soldats des deux armées.

La peinture était terminée en 1835. Neuf ans plus tard Turner s'impatiente contre Pye qui parvient à le convaincre que son travail n'est pas abandonné. La gravure est imprimée en 1845 sous la pression d'un collectionneur qui voulait acheter l'original à Turner.

La peinture d'Ehrenbreitstein est estimée £ 15M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 juillet, lot 21. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes :


Promesse d'une Odalisque

Henri Matisse est pendant toute sa carrière un amoureux de la couleur. Lorsqu'il s'installe à Nice après la première guerre mondiale, ses thèmes changent. Il commence à envisager les scènes orientalistes comme un prétexte aux couleurs les plus bariolées.

La figuration de ses modèles change également. Il reste cependant très exigeant avec les jeunes femmes qui doivent subir des poses très longues. Peut-être l'artiste a-t-il compris leur déception quand elles voyaient leur visage avec des couleurs Fauvistes.

Henri voit sa future odalisque en 1920. Henriette a 19 ans. Ses formes sont sculpturales : elle est grande et harmonieusement musclée par la pratique de la danse. Elle est fière de son corps et aime se déguiser. L'artiste n'a pas d'envie sexuelle pour ses modèles et Henriette est accueillie chaleureusement par sa famille. Elle sera jusqu'en 1927 le modèle préféré de Henri.

Le 27 juin à Londres, Christie's vend Nu sur fond rouge, huile sur toile 56 x 34 cm peinte en 1922, lot 18 estimé £ 4M. Cette oeuvre avait été vendue pour $ 4,5M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2007.

La jeune femme est debout de face, entièrement nue. Les mains posées sur la nuque lui donnent une attitude fraîche et innocente malgré la vision impudique. Les couleurs de sa peau un peu luisante sont réalistes. Les tapis et tentures très colorées confirment l'envie d'orientalisme de l'artiste.

18 juin 2017

Vincent aux Champs

La vocation altruiste contrariée de Vincent van Gogh était de devenir un pasteur ouvrier. Son profond intérêt pour l'art n'a pas un but professionnel : très tôt la notion de commerce d'art le dégoûte. Quand le jeune bourgeois entre en contact avec le monde paysan, il admire profondément la personnalité quasiment apostolique de Jean-François Millet.

Le chemin de Vincent vers sa maturité artistique est long et inclut de nombreuses copies des maîtres. En 1889 sa santé mentale est devenue critique. Pendant de longues périodes en Arles ou à l'asile de Saint-Rémy il ne peut plus sortir et n'a plus de modèles. Cet interprète de la nature doit désormais se contenter d'images. Il entreprend une copie systématique des deux grandes séries de gravures éditées par Millet, les Quatre Heures du Jour et les dix Travaux des Champs.

Les dessins faits par Vincent sont très semblables aux originaux mais les oeuvres sont complètement ré-interprétées par l'équilibre des couleurs. Le bleu strident du ciel et l'or des champs de blé sont habilement mis en valeur par les couleurs plus douces des vêtements.

Le moissonneur de Millet fut certainement un des thèmes préférés de Vincent. Vu de dos, ce paysan de très haute taille est penché pour faucher les blés. Dans la tradition chrétienne la faux est l'outil de la mort, traduite plus positivement par Vincent comme un symbole de la position de la moisson dans l'inexorable cycle de la vie.

Le 27 juin à Londres, Christie's vend Le Moissonneur (d'après Millet), huile sur toile 43 x 24 cm peinte par Vincent en septembre 1889, lot 6 estimé £ 12,5M. L'image est partagée par Wikimedia.

Van Gogh - Der Schnitter (Nach Millet)

Lumière sur l'Escaut

Le néo-impressionnisme de Seurat et Signac cherche à adapter à la peinture les théories de Chevreul sur la perception des couleurs. Les divisionnistes juxtaposent leurs taches de couleurs pures supposées recombiner le spectre complet dans une observation éloignée.

Les suiveurs de ce mouvement atteignent vite ses limites. La luminosité peut effectivement être spectaculaire, mais à la seule condition que la composition soit dominée par le jaune et l'orange. L'affaiblissement des autres couleurs réduit considérablement les thèmes.

Seurat meurt prématurément en 1891. Signac part à la rencontre du soleil. Son huile sur toile 47 x 55 cm peinte en 1892 montrant Saint-Tropez sous un ensoleillement maximum en plein midi a été vendue pour $ 10,7M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2016.

Théo van Rysselberghe est un ami de Signac dont il partage les opinions anarchistes. Il est convaincu par le divisionnisme sans pour autant rejoindre sa variante luministe promue par Emile Claus et les autres néo-impressionnistes belges.

En 1892 et 1893 van Rysselberghe atteint une luminosité sensationnelle dans ses huiles sur toile. Décidément attiré par le soleil il s'installe en Provence à la fin des années 1890 mais déjà son art est redevenu classique.

Le 21 juin à Londres, Sotheby's vend L'Escaut en amont d'Anvers le soir, huile sur toile 67 x 90 cm peinte en 1892. La composition est d'une grande simplicité, avec en points forts quatre poteaux et leurs reflets et un petit voilier qui vient se confondre dans la pénombre de l'autre rive du fleuve. Le ciel et l'eau sont rougeoyants. Restée dans le cadre original de l'artiste cette peinture est estimée £ 7M, lot 59.

Sous les Saules Pleureurs

La guerre est une période de grande inquiétude pour Claude Monet, patriote et ami de Clémenceau. Trop âgé pour un engagement actif il se réfugie avec un peu de honte dans son travail d'artiste. Avec la série de peintures de nymphéas qui deviendra Les Grandes Décorations, il veut exprimer que la beauté de la nature est immuable contrairement aux évènements créés par les hommes.

Chaque peinture de nymphéas est un exploit technique traité dans des formats de plus en plus panoramiques. Monet observe aussi les bords de son bassin à la recherche de thèmes verticaux qui apporteront une impression de vitalité et de puissance. L'image 200 x 100 cm d'un groupe d'iris mauves en gros plan a été vendue pour £ 10,8M incluant premium par Christie's le 23 juin 2015.

En mars 1918 la contre-offensive Allemande menace Amiens. Après quelques hésitations Monet décide de rester coûte que coûte à Giverny. Il commence aussitôt ses peintures sur les saules pleureurs de son jardin. Cette série comprendra dix oeuvres réalisées en 1918 et 1919.

Le saule pleureur est un arbre d'ornement au feuillage dense et enveloppant. Sous son arbre Monet observe la subtilité des couleurs. Le tronc et un petit coin du sol au bord du bassin sont suffisants pour identifier le thème. La contre-plongée suit le tronc dans toute sa hauteur. Les feuilles sont une symphonie de couleurs traitées en un lourd impasto par des coups de pinceaux gestuels qui ignorent délibérément la perspective.

Les saules pleureurs de Monet renouvellent l'art moderne. Il en est conscient et fier et souhaite offrir une de ces peintures à la France au moment de l'armistice. Cette série ouvre la voie aux expériences proches de l'abstraction des dernières années de sa vie.

Le 27 juin à Londres, Christie's vend un Saule pleureur par Monet, huile sur toile 130 x 110 cm, lot 14 estimé £ 15M.

17 juin 2017

Petit Format pour Grandes Baigneuses

Paul Cézanne est malade et angoissé : peut-être n'arrivera-t-il jamais à atteindre l'objectif de perfection qu'il s'est lui-même assigné.

Il ouvre en 1901 son atelier des Lauves. Devant la Montagne Sainte-Victoire, il cherche à extraire du paysage les géométries fondamentales accentuées par les couleurs rares de sa palette d'aquarelliste. Il n'est plus un professionnel mais un expérimentateur. Jusqu'à sa mort en 1906 très peu de ses oeuvres sont datées. Une aquarelle 43 x 54 cm de ce paysage a été vendue pour £ 3,55M incluant premium par Christie's le 24 juin 2014.

En parallèle de cette inlassable activité de paysagiste, Cézanne retravaille son thème traditionnel des Baigneuses en plein-air, en huiles sur toiles qui atteignent maintenant des formats monumentaux. Refusant que ses couleurs s'entremêlent, il exécute une restructuration qui bouscule la figuration réaliste et anticipe le cubisme. A sa mort trois peintures sont inachevées. L'une d'elles, 210 x 250 cm, est conservée au Philadelphia Museum of Art.

Le 21 juin à Londres, Sotheby's vend une étude à l'aquarelle et au crayon mêlant les deux thèmes favoris de la fin de sa vie. Baigneuses, la Montagne Sainte-Victoire au fond est estimée £ 4M, lot 10.

La composition d'ensemble est proche de la peinture de Philadelphie mais le style figuratif n'est pas comparable. Le très petit format, 12,5 x 21 cm, suggère qu'il s'agissait d'une première esquisse pour une huile sur toile qu'il n'aura pas le temps de réaliser.

Les baigneuses son réparties par groupes dans un environnement d'arbres. Le centre ouvre sur le paysage. Les corps, les feuilles et la montagne sont dessinés sans contours par des traits et des couleurs indifférenciés. La perspective est absente laissant à l'harmonie des couleurs toute la puissance émotionnelle de cette oeuvre. Parti de l'impressionnisme pour atteindre l'expressionnisme, Cézanne est un des plus profonds innovateurs de l'histoire de l'art.

La Folie des Oiseaux

Après la première guerre mondiale, des artistes allemands comme Max Beckmann, Max Ernst, George Grosz et Otto Dix ont porté la critique sociale au rang d'un art majeur bien au-delà de la caricature. Bien entendu le régime Nazi n'est pas d'accord. Beckmann est une des cibles des attaques furieuses de Hitler contre l'art dégénéré.

Beckmann quitte précipitamment l'Allemagne en 1937 et s'installe à Amsterdam. Comme Miro au même moment en Espagne, il n'est pas parvenu à se maintenir à l'écart de la politique. Il conçoit aussitôt une grande composition d'abord intitulée Der Land des Wahnsinningen (le pays des déments) qui exprimera son horreur des collectivismes.

Terminée à la fin de l'été de 1938, Hölle der Vögel (enfer des oiseaux) est l'aboutissement de ce projet. Cette huile sur toile 120 x 160 cm est à vendre par Christie's à Londres le 27 juin, lot 11. Trois jours avant le communiqué de presse du 8 mai, Financial Time annonçait une estimation de £ 30M.

Cette scène mêle le médiéval et le moderne pour mieux exprimer la menace permanente des persécutions abjectes. Les tortures sont infligées par des oiseaux cagoulés. Dans une atmosphère claustrophobe aux lignes noires et aux couleurs criardes, la victime attachée sur son lit d'Inquisition est une tache claire. Un oiseau bourreau laboure son dos jusqu'au sang avec un grand couteau.

Cette cérémonie lugubre est présidée par une harpie sortant de l'oeuf avec une poitrine monstrueuse. La foule des personnages secondaires est constituée de nus hurlants qui font le salut Hitlérien, supprimant toute équivoque possible sur l'interprétation de cette allégorie dans le monde moderne.

Le foisonnement narratif de l'oeuvre est inspiré de l'imagerie médiévale. Le choix de l'oiseau comme symbole de l'acharnement stupide rappelle l'oiseau avaleur d'homme dans l'Enfer de Bosch.

Par sa violence politique, Hölle der Vögel peut être comparée au Guernica de Picasso également conçu en 1937. La peinture de Beckmann, prudemment conservée dans un appartement privé à Paris jusqu'à la fin de la seconde guerre mondiale, aurait mérité une meilleure notoriété.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's dans laquelle la maison de ventes a choisi d'accompagner cette oeuvre par la lecture d'un poème de W. H. Auden d'inspiration similaire.

Lettres Secrètes

Picasso est marié avec Olga et follement amoureux de Marie-Thérèse. Les deux amoureux ne vivent pas ensemble mais entretiennent leur passion par des lettres quotidiennes avec des phrases enflammées. Marie-Thérèse continuera à écrire à Pablo pendant de nombreuses années, même quand l'artiste partira avec de nouvelles muses.

Le 27 juin à Londres, Christie's vend Femme écrivant, huile sur toile 81 x 65 cm peinte le 26 mars 1934 dans leur nid d'amour à Boisgeloup, lot 8 estimé £ 25M.

Peint avec des couleurs joyeuses, Femme écrivant est un des portraits les plus émotionnels de Marie-Thérèse. Au-delà de la beauté de son visage et de son corps qui suscitaient l'érotisme des peintures de 1932, au-delà de la contemplation d'une femme douce et somnolente qui se laisse gentiment admirer, cette peinture exprime l'authenticité de leur relation.

Tournant le dos à la fenêtre, Marie-Thérèse est concentrée sur son écriture. Pablo sait qu'en ce moment elle ne pense qu'à lui. Sa tête déstructurée devient transparente devant le bleu du ciel. Les yeux prennent la forme romantique de croissants de lune.

Pablo est en pleine créativité. Dès le 27 mars il commence La Lecture qui sera une série de six peintures démontrant la variété des styles de l'artiste. Rompant l'intimité secrète de la Femme écrivant, Marie-Thérèse est accompagnée d'une autre femme.

Picasso savait que Femme écrivant était un de ses chefs d'oeuvres parmi ses nombreux portraits de Marie-Thérèse : il l'a gardé jusqu'en 1961. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's dans laquelle l'oeuvre est discutée avec sensibilité par Diana Widmaier-Picasso, la petite-fille de Pablo et Marie-Thèrèse, aussi blonde que sa grand-mère.


14 juin 2017

La Maison de l'Automne

Egon Schiele veut être le pionnier d'un art nouveau exprimant le plus profond de la nature humaine qu'il observe sans complaisance jusqu'à la pornographie et l'auto-dérision. Il est persécuté par les bourgeois pour ses moeurs supposées et pour l'exposition publique bien réelle d'oeuvres sexuellement explicites.

Le trait nerveux des corps de ses jeunes maîtresses annonce leur future décadence mais elles restent vivantes. Il faut que cet artiste angoissé trouve un moyen d'exprimer la mortalité. A partir de 1912 il utilise comme autre thème la petite ville de Krumau où sa mère était née. Krumau est une ville médiévale incompatible avec les pulsions modernistes et socialement avancées de l'artiste. Elle est sa Tote Stadt, encore plus morbide dans ses souvenirs et son imagination. L'automne ajoute sa décrépitude.

Rien ne se passe comme l'aurait voulu cet idéaliste. Le déclenchement de la guerre est perçu comme une rupture avec le passé sans ouverture sur l'avenir. Il va se marier avec Edith mais Wally refuse violemment le ménage à trois dont il fantasmait. Il est frustré dans ses désirs érotiques et dans la reconnaissance de son génie auto-proclamé.

Egon n'est pas apte à un service militaire actif mais est mobilisé pour un emploi de bureau en juin 1915 trois jours après avoir épousé Edith. Le 27 juin à Londres, Christie's vend Einzelne Häuser, lot 16 estimé £ 20M. Cette huile sur toile 110 x 140 cm peinte dans les moments les plus noirs de cet été 1915 avait été vendue pour $ 22,4M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2006, lot 60.

Devant un paysage insignifiant structuré en lignes horizontales, la grosse maison est le personnage principal. Sa texture lugubre annonce un pourrissement prochain. Elle se dresse comme un inquisiteur imposant et périmé au milieu de la scène. Elle a déjà perdu toute trace de vie.

Avec son linge qui séchait et quelques fenêtres éclairées, un autre chef d'oeuvre peint l'année précédente sur le même thème, Häuser mit bunter Wäsche, n'était pas totalement pessimiste. Cette huile sur toile 100 x 120 cm a été vendue pour £ 24,7M incluant premium par Sotheby's le 22 juin 2011.

Deux Lions aux Pieds du Roi

Dans la longue suite des rois de France, la succession de Jean II en 1364 en pleine Guerre de Cent Ans est une des plus contestée. Le dauphin âgé de 26 ans avait été régent pendant que son père était prisonnier et il est habile. Sorti vainqueur de cette impitoyable compétition dynastique il sera surnommé Charles V le Sage.

L'autorité divine dont se réclame l'héritier légitime du trône n'est pas suffisante pour garder et protéger son pouvoir. Dès son accession Charles V multiplie les symboles de sa supériorité et de sa prospérité. Le lion est son emblème.

Pour maintenir la chaîne de la légitimité il faut aussi réhabiliter l'inefficace Jean II. Dès 1364 Charles V décide de faire réaliser dans la nécropole traditionnelle des Capétiens à Saint-Denis les monuments funéraires de Jean et des parents de Jean. Il ajoute la préparation de son propre tombeau, ce qui est une innovation considérable pour l'époque.

Le maître d'oeuvre des quatre monuments est le meilleur sculpteur de son époque, désigné dans un document sous le nom d'Andreu Bauneveu, André Beauneveu en français moderne. Le roi est puissant et servi en priorité : son gisant en marbre est le plus beau des quatre, avec un très beau polissage du marbre blanc. Beauneveu travaille jusqu'en 1366 sur ce chantier.

Les monuments royaux de Saint-Denis sont démantelés en 1793. Les pièces essentielles sont récupérées par l'archéologue Alexandre Lenoir, fondateur en 1791 à la demande du gouvernement du Musée des Monuments Français regroupant des oeuvres confisquées au clergé par la Révolution. Lors de la Restauration en 1816, Louis XVIII oblige Lenoir à réinstaller à Saint-Denis ce qui reste des monuments de la nécropole incluant le gisant de Charles V par Beauneveu.

Le monument de Charles V incluait un groupe adjacent de deux lions adossés qui était posé aux pieds du roi. Ce groupe n'était connu que par le dessin d'un archéologue. Il vient d'être redécouvert dans la descendance d'un collectionneur anglais qui l'avait acquis en 1802, très certainement acheté à Lenoir dont les difficultés financières étaient connues à cette époque.

Ce groupe de lions est un marbre de la même qualité que son gisant et certainement exécuté par le même artiste. Les points de fixation de cette statue correspondent exactement à la distance des empreintes sur les pieds du gisant. Les lions de Beauneveu, 45 x 29 x 12 cm, seront vendus au lot 10 par Christie's à Londres le 6 juillet. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


11 juin 2017

Le Basculement de la Perspective

Les étés 1908 et 1909 passés par Kandinsky à Murnau sont importants pour l'évolution de sa vision créative mais ne sont en fait qu'une phase intermédiaire. En reconstruisant la figuration il est encore dans le sillage de Cézanne. En utilisant des couleurs pures et vives il suit Matisse.

L'anecdote selon laquelle Kandinsky n'a pas reconnu une de ses propres peintures parce qu'elle était posée sur un côté est souvent considérée comme l'acte fondateur de l'art abstrait. Rapportée bien plus tard par l'artiste, cette histoire est surtout symbolique et n'est pas réellement datée. Elle marque la prise de conscience par Kandinsky que l'identification du thème nuit à l'appréciation esthétique de l'oeuvre.

Après 1909 Kandinsky supprime la perspective classique au profit de panoramas basculés pour lesquels les premières esquisses sont figuratives. Il reprend les positionnements, les proportions et les masses dans l'oeuvre finale. Les détails figuratifs disparaissent et le titre laisse croire à une conception abstraite dès l'origine. La perte de la perspective donne l'opportunité à l'artiste de renforcer l'interprétation musicaliste des couleurs. L'équilibre des masses devient une symphonie.

Le 21 juin à Londres, Sotheby's vend au lot 53 Bild mit weissen Linien, huile sur toile 120 x 110 cm peinte en 1913. Le communiqué de presse du 29 mai annonce une estimation au-delà de US$ 35M.

Une esquisse de cette oeuvre à l'aquarelle et encre est connue, datée de la même année. On y voit distinctement les tours d'une ville Russe, un pont rouge au-dessus de sa rivière, deux chevaux attelés. La comparaison est évidente quand on regarde simultanément l'esquisse et la peinture. Quand on ne voit que l'image finale, celle-ci est un amalgame brillamment coloré formant une masse oblique.

Après son retour en Russie, Kandinsky continue à procéder avec une méthode similaire. En 1916 Moskau I est une esquisse basculée où certaines caractéristiques de la grande ville sont reconnaissables. Moskau II est plus proche de l'abstraction et exige un effort d'interprétation. Cette huile sur toile 53 x 38 cm a été vendue pour £ 6,3M incluant premium par Sotheby's le 3 février 2015.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's introduisant l'oeuvre abstraite de la prochaine vente.

Poésie des Constellations

Joan Miro n'avait pas voulu s'engager en politique mais les évènements tragiques ont forcé sa main. Sa participation au pavillon de la république espagnole à l'Exposition de Paris en 1937 n'est pas passée inaperçue. Il craint des représailles et part s'installer à Varengeville-sur-Mer en 1939.

Varengeville est un des plus jolis villages de la côte Normande. Braque y a un atelier et y passe ses étés. Calder est un visiteur fréquent. Dans ce petit bout du monde Miro calme ses angoisses en contemplant l'immensité du ciel nocturne.

La personnalisation des regroupements d'étoiles est un des plus anciens thèmes poétique de nos civilisations. Miro n'est pas astrologue, il est poète. Avec l'exceptionnelle liberté de son imagination il superpose sur le ciel les images de sa fantaisie.

En janvier 1940 Miro commence une série d'oeuvres sur le thème des Constellations. Elles seront toutes sur papier de la même dimension, 38 x 46 cm. Le fond est préparé par des éclaboussures de gouache et d'huile plus ou moins sombres. Le croissant de lune et quelques étoiles sont les éléments spectaculaires en couleurs vives accompagnées de formes flottantes symboliques ou abstraites. La constellation, femme ou oiseau, est un trait environné de volutes à peine plus visible qu'un filigrane.

L'artiste a conçu dès le départ cette série comme un ensemble cohérent. L'utilisation d'un format petit et léger était prémonitoire. Quand il fuit la France pour retourner en Espagne en mai 1940, il peut emporter la totalité : dix oeuvres terminées et les papiers qui seront utilisés pour les treize oeuvres suivantes.

La série des Constellations est achevée en septembre 1941. Miro conserve le secret jusqu'à une exposition à New York en 1945. Pollock est convaincu par cette transposition artistique non figurative d'une réalité observable. Avec les Constellations de Miro l'art moderne vient de traverser l'Atlantique.

Le 21 juin à Londres, Sotheby's vend au lot 45 le huitième opus des Constellations de Miro, daté 13 avril 1940. Son titre d'une inhabituelle simplicité, Femme et Oiseaux, préfigure les thèmes favoris de l'artiste pour le reste de sa carrière. Dans ce ciel qui appelle à la paix, l'artiste n'est pas calmé : la femme hurle.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.



10 juin 2017

L'Ere du Disco

La vie sociale change pour le meilleur et pour le pire. Les jeunes gens de la classe ouvrière trompent leur ennui tous les week-ends en dansant et buvant dans les discothèques. Un critique de rock nommé Nik Cohn publie en 1975 un article décrivant une salle de danse dans laquelle le parquet est illuminé au rythme de la musique. Il admettra vingt ans plus tard que cette animation sensationnelle était sortie de sa propre imagination.

Le cinéma s'empare de cette idée. Un parquet de 7 x 5 m est construit, incluant 250 compartiments lumineux qui s'éclairent en rouge, bleu ou jaune sous les pieds des danseurs. Il est installé dans un vrai night club à Brooklyn, considéré comme représentatif du milieu social adonné au disco.

John Travolta s'entraîne à des danses effrénées qui sont filmées en pieds pour éviter la suspicion de doublage, montrant ainsi en permanence l'illumination du parquet. Sorti en 1977, le film Saturday Night Fever est un grand succès qui lance la carrière de Travolta et mène la musique des Bee Gees tout en haut du hit parade. Le disco devient un phénomène de société.

Le parquet est resté dans le night club de Brooklyn jusqu'à la fermeture de cet établissement en 2005. Il était tellement en avance sur son temps qu'il a été réutilisé pour un autre film en 2012 avec de nouveaux panneaux compensant l'usure des panneaux d'origine.

Le parquet complet de 1977 accompagné de son orgue de lumière d'origine et de ses panneaux de rechange de 2012 est estimé $ 1M à vendre par Profiles in History à Calabasas CA le 27 juin, lot 1216 lié ici sur la plate-forme d'enchères Invaluable.

Et Alberto créa la Femme

Après la guerre Alberto Giacometti se réinstalle dans son atelier Parisien qui avait été soigneusement maintenu par Diego. Sa vie est stabilisée par sa rencontre avec Annette. Il veut exhiber par ses sculptures sa propre vue de la nature humaine, proche de l'existentialisme de Sartre.

Ses personnages filiformes sont à la fois fragiles dans leur corps et solides dans leur bronze. Ces humains ne sont pas identifiables mais le plâtre d'origine inlassablement pétri par la main de l'artiste leur apporte une texture tourmentée qui ressemble à leur créateur.

Pierre Matisse est séduit mais pressé. Alberto termine en 1947 dans une hâte qui ne lui est pas habituelle sa trilogie primordiale dominée par l'Homme au doigt. Les deux autres éléments sont l'homme qui marche avec ses jambes en compas qui annoncent le déséquilibre du futur, et la femme debout.

D'autres figures seront bientôt créées ainsi que des groupes. L'attitude de la femme à la fois frêle et stoïque restera cependant inchangée tout au long de la carrière d'Alberto comme si cet artiste perfectionniste avait trouvé du premier coup comment exprimer la femme intemporelle. Avec ses jambes strictement jointes elle est inspirée des sarcophages anthropomorphes Egyptiens. Dorée ou juchée sur un chariot pour être adorée, elle est la déesse mère du panthéon surréaliste d'Alberto.

Le 21 juin à Londres, Sotheby's vend Grande Figure, un bronze de 1,30m de haut dans une patine de couleur d'or sombre. Fondue en exemplaire unique par la société Alexis Rudier à Paris en 1948 d'après un plâtre daté 1947, elle est un des plus anciens exemples en grande dimension de la femme debout d'Alberto. Elle est estimée £ 15M, lot 57.

Montagne Bleue et Maison Verte

Dès son enfance, Kandinsky est fasciné par les couleurs. Il s'établit à Munich en 1896 pour s'intégrer aux avant-gardes artistiques qu'il aime à regrouper autour de lui. Dès cette première phase il est remarquablement ouvert à toutes les tendances qui échappent au classicisme. Les principaux thèmes de son art personnel sont les paysages de Bavière et les légendes rurales de la Russie.

Après Cézanne et van Gogh, il apprend à bousculer le réalisme des lignes. Après Gauguin, Matisse, les Fauvistes et les post-impressionnistes, il aime exagérer les couleurs et cesse de les affaiblir sous un vernis. Il suit son ami Jawlensky qui était un des tout premiers à abandonner de façon systématique le réalisme des couleurs. Attiré par le mysticisme, Kandinsky étudie les théories de Goethe sur la signification psychologique des couleurs.

Deux séjours d'été à Murnau avec Jawlensky et leurs compagnes Gabriele et Marianne sont décisifs pour la carrière de Kandinsky et son rôle de pionnier de l'art moderne. En 1908 il expérimente les nouvelles formes et les nouvelles couleurs. En 1909 il termine ses compositions de l'année précédente avec des couleurs flamboyantes en couches épaisses et prépare les théories de son art nouveau.

Der blaue Berg est narratif. Un groupe de cavaliers passe devant une montagne réduite à une surface triangulaire d'un bleu intense. Murnau - Studie zur Landschaft mit grünem Haus, est une huile sur panneau 33 x 45 cm peinte en 1908.

Satisfait de l'audace de son esquisse à la maison verte, Kandinsky réutilise la même composition en 1909 avec un format plus grand et des couleurs à la fois plus pures et plus intenses. Murnau - Landschaft mit grünem Haus, huile sur panneau 70 x 96 cm, est estimée £ 15M à vendre par Sotheby's à Londres le 21 juin, lot 47. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

8 juin 2017

Le Bonheur pour Tout le Monde

Walt Disney est un gentil papa. Il emmène ses deux filles dans les parcs d'attractions. Pendant qu'elles jouent dans les manèges, il attend et s'ennuie. Ce serait bien mieux pour tout le monde avec des thèmes qui amusent à la fois les petits et les grands.

Walt voyage en Europe pendant l'été 1951. Il visite Madurodam à La Haye et Tivoli à Copenhague. Madurodam est une réplique à l'échelle 1:25 des villes et monuments Hollandais. Tivoli a été créé en 1843 sur ordre du roi Christian VIII qui avait compris que quand les gens s'amusent ils ne font pas de politique.

L'inventeur de Mickey Mouse sait désormais que son nouveau projet est sans précédent et sera populaire. Il achète 64 hectares d'orangeraie à Anaheim CA et conçoit le plan d'ensemble ainsi que les détails des attractions qu'il regroupe en Lands. Les visiteurs sont invités à oublier aujourd'hui pour idéaliser hier et demain.

L'urbanisme en étoile du parc est soigneusement étudié pour que le visiteur ne perde jamais son chemin et trouve facilement les boutiques. Le château de la Belle au bois dormant est un repère fantastique et féérique. Parmi les tout premiers lands du projet figurent World of Tomorrow et Frontier Country. Lilliputian Land ne sera cependant pas développé.

Les frères Disney n'ont pas l'argent nécessaire. En septembre 1953 Walt aidé par l'artiste Herb Ryman dessine une carte aérienne en vision oblique de son projet Disneyland. Le dessin original est calqué pour être utilisé sur un support robuste 100 x 175 cm. Cet  assemblage est utilisé par Roy Disney pour chercher des investisseurs. C'est gagné : un accord est conclu avec ABC (American Broadcasting Company).

En 1954 les traits et les textes du dessin sont renforcés pour diverses expositions promotionnelles. Juste avant l'ouverture de Disneyland l'année suivante, ce dessin monté est désormais inutile et Walt le donne à un de ses employés. Cette pièce unique d'une très grande importance dans le développement des parcs Disney est estimée au-delà de $ 700K à vendre le 25 juin par Van Eaton Galleries à Sherman Oaks CA, lot 217 ici lié sur la plate-forme d'enchères icollector.

Je vous invite à lire l'essai préparé par la maison de ventes incluant plusieurs photos anciennes et une courte vidéo.

Un Ethnologue à la Frontière

Second fils du prince titulaire d'un très petit état en Rhénanie, Maximilian zu Wied-Neuwied quitte l'armée en 1815 et se consacre aussitôt à sa passion pour les sciences naturelles. Disciple de von Humboldt, il s'intéresse aussi à l'ethnologie. Pendant trois ans il explore le sud du Brésil. Son album Reise nach Brasilien apporte aux Européens les premières informations et images documentaires concernant les tribus alors sauvages du Brésil et leurs artefacts.

En Amérique du Nord l'ouest des Etats-Unis est encore largement inexploré. Wied-Neuwied veut visiter les tribus de la frontière pour les comparer aux tribus Brésiliennes. Accompagné du jeune artiste Suisse Karl Bodmer, il longe la rivière Missouri dans un voyage de 4400 Km au printemps 1833 et passe l'hiver suivant dans le Dakota.

Les années suivantes sont consacrées par Wied-Neuwied et Bodmer à la préparation de la publication de leurs travaux d'Amérique du Nord en trois langues : allemand, français et anglais. De 1839 à 1841 Bodmer désormais installé à Paris prépare 81 illustrations réparties en 48 images de grand format et 33 vignettes qui sont imprimées en aquatinte par Bougeard sur feuilles 61 x 46 cm.

La publication en fascicules de Reise in das innere Nord-America in den Jahren 1832 bis 1834 est effectuée de 1839 à 1841. La publication par Arthus Bertrand à Paris du Voyage dans l'intérieur de l'Amérique du Nord effectué pendant les années 1832, 1833 et 1834 s'étend de 1840 à 1843.

Cette version française est constituée de trois volumes de textes et d'un volume atlas réunissant les 81 aquatintes en folio oblong. Elle est préparée en 206 exemplaires. Seuls 6 exemples ont toutes leurs images colorées à la main. Pour 30 exemples le coloriage est limité aux planches les plus intéressantes pour l'ethnographie. Le reste de la publication est laissé en noir et blanc.

Le 13 juin à New York, Sotheby's vend un exemplaire du Voyage, lot 75 estimé $ 300K. Son atlas est complet dans le format utilisé par Bougeard. 19 grandes images et 7 vignettes sont colorées à la main sans altération par rapport au coloriage d'origine.

Un atlas complet entièrement coloré antérieur aux volumes de textes a été vendu pour $ 300K incluant premium par Doyle le 3 novembre 1999. La plupart des planches portent le timbre sec de Bodmer et leurs titres sont trilingues.

4 juin 2017

Un Squelette sous le Saphir

La société Richard Mille offre des montres bracelets de très haute performance, associant souvent à ses modèles la sponsorisation d'un champion sportif. Les hautes technologies apportent la légèreté, la transparence et la robustesse en environnement sévère.

La sortie en 2012 de la RM 056 - Felipe Massa dans une édition limitée à cinq exemplaires est un évènement en termes d'innovation horlogère. Son prix était d'environ $ 1,7M. Les trois pièces constituant le boîtier de cette montre chronographe à rattrapante sont transparentes avec une clarté absolue, permettant à l'utilisateur de voir sous tous les angles le mouvement du tourbillon.

Le matériau transparent est un cristal de saphir résistant à toutes les rayures. L'usinage et le polissage d'une pièce prend plusieurs centaines d'heures. L'utilisation du titane est généralisée pour les composants mécaniques et la platine. Le boîtier est étanche jusqu'à 50 mètres.

L'évolution a continué. La RM 56-01 a sa platine et sa troisième aiguille en saphir. La RM 27-01 - Rafael Nadal et la RM 56-02 incorporent une nouvelle amélioration de la suspension du mouvement sur la platine. Lors de son lancement en 2014 le prix de la RM 56-02 était d'environ $ 2M.

Le 21 juin à New York, Christie's vend le prototype No. 2 de la RM 056, lot 228 estimé $ 1M.  Le nombre de prototypes réalisés pour ce modèle n'a pas été divulgué.

L'Encre Ultime de Huang Binhong

L'art graphique Chinois n'était pas le monopole des artistes professionnels. Les literati avaient d'autres occupations et n'avaient pas besoin de vendre leur art. Mieux : ils ont largement contribué par leur connaissance de la culture ancienne à la remarquable homogénéité de l'art Chinois tout au long de la période historique et presque jusqu'à nos jours. En ce sens le vieillard qui porta à une perfection sans précédent au début des années 1950 le très traditionnel paysage à l'encre sur rouleau à pendre n'était pas un artiste.

Originaire de la province de Zhejiang, Huang Binhong avait eu de nombreuses passions centrées sur les lettres et les arts anciens incluant la calligraphie. Il collectionnait et ciselait des sceaux, pratiquait l'escrime et jouait du guqin. Il dessinait depuis son plus jeune âge et son thème favori était les sublimes montagnes de Huangshan qu'il visita à neuf reprises de 1883 à 1935.

Huang travaillait comme éditeur et illustrateur et aussi comme professeur d'art. En 1948, âgé de 85 ans, il s'établit à Hangzhou où son activité d'enseignant lui laissa certainement plus de temps libre. C'est à partir de cette date qu'il perfectionna l'art du paysage.

Il ne voyage plus dans les montagnes et travaille de mémoire et d'imagination, privilégiant l'expression par rapport au réalisme. Comme les plus grands maîtres, il n'a pas besoin de dessin préparatoire et ne fait pas de rature. Sa maîtrise complète de la largeur du trait génère des contrastes superbes mis en valeur par une utilisation habile du vide pour montrer la brume et le torrent. La densité des traits rappelle le lièvre de Dürer et la composition d'ensemble est très équilibrée.

Huang a la sympathique habitude de dater certaines de ses oeuvres par son âge. Une vue du Huangshan est datée de ses 92 ans, correspondant à 1955 juste avant sa mort. Ce rouleau 171 x 96 cm est estimé RMB 80M à vendre par China Guardian à Beijing le 19 juin, lot 706.

Un autre paysage réalisé la même année, 178 x 74 cm, a été vendu pour RMB 63M incluant premium par China Guardian le 18 mai 2014. Il remémore l'émotion de l'artiste comparant dans un ancien voyage la vue réelle de la montagne avec son interprétation par un artiste de l'époque Yuan. L'estimation basse qui avait été annoncée à RMB 12M atteste a posteriori que l'extrême qualité de l'art ultime de Huang a été redécouverte à cette vente.

3 juin 2017

Longue Marche dans les Montagnes

Les peintures à l'encre et couleurs sur le thème des montagnes rouge vif réalisées par Li Keran en 1964 glorifient la pensée et l'action de Mao. Un poème du Grand Timonier apparaît dans un coin de l'image tout comme de tous temps les artistes Chinois calligraphiaient dans leurs rouleaux les textes des plus grands philosophes.

Les montagnes escarpées de Li Keran symbolisent la domination du régime politique sur la nature sauvage et les collines qui s'étendent jusqu'à l'horizon démontrent que ce pouvoir est illimité. Les petites maisons tranquilles blotties dans les vallées ou sur les flancs des montagnes attestent de la protection assurée par le régime sur les populations.

L'être humain figure rarement dans les montagnes rouges de Li Keran. Le rouleau 134 x 82 cm à vendre par China Guardian à Beijing le 19 juin est une exception significative à caractère épique.

Une file sans fin de soldats avance sur la route au fond du vallon, symbolisant la Longue Marche. Ils vont ensemble vers le progrès. Ils sont guidés par le drapeau rouge et aucun d'entre eux ne s'est égaré à la bifurcation avec un autre chemin. Chacun porte son fusil. Cette oeuvre est estimée RMB 68M, lot 665.

Deux oeuvres de la même année ont consacré cette série comme les chefs d'oeuvre de l'art Maoïste. Montagnes en rouge, 131 x 84 cm, a été vendu pour RMB 293M incluant premium par Poly le 3 juin 2012. Milliers de montagnes en automne, 76 x 46 cm, a été vendu pour RMB 184M incluant premium par China Guardian le 15 novembre 2015 sur une estimation basse de RMB 68M.

Un dessin 96 x 146 cm en noir et blanc réalisé en 1959 par Li Keran sur le thème de la Longue Marche au travers des montagnes a été vendu pour RMB 108M incluant premium par China Guardian le 22 novembre 2010.

Paysages sur Toile de Jute

Encouragé par les intellectuels dont Paulhan et Breton, Jean Dubuffet développe une conception nouvelle de l'art figuratif tout en fustigeant ouvertement et violemment toutes les traditions culturelles. Sa vision personnelle et autodidacte de l'art est illimitée : il se donne le droit d'utiliser tous les supports, tous les outils, toutes les matières picturales.

Il groupe ses oeuvres par thèmes, offrant de nouvelles visions d'un univers qui devient exclusivement mental, à l'extrême limite de la pathologie obsessionnelle. Dubuffet est heureux quand le public ou les critiques sont choqués. Il clame que n'importe qui peut faire ce qu'il fait et c'est absolument vrai.

Jusqu'en 1948 l'art de Dubuffet reste narratif, avec un dessin volontairement grotesque et négligé. En 1949 ses personnages se juxtaposent sans action ni individualisation dans un monde sans forme limité par un horizon. L'artiste peint en gris ou en couleur neutre sur toile de jute. La couleur est indiquée dans le titre pour choquer encore plus le bourgeois, comme par exemple Paysage grotesque violâtre ou Paysage couleur de viande cuite.

Avec sa pulsion de faire différemment de tous les autres artistes et son observation attentive de l'art des malades mentaux, la créativité de Dubuffet devient illimitée. Les Corps de Dames de 1950 sont typiques de cet art nouveau qui restera en totale opposition avec l'expressionnisme et l'abstraction.

Le 6 juin à Paris, Sotheby's vend Paysage gris aux taches cerises, huile sur toile de jute 89 x 117 cm peinte en 1949, lot 6 estimé € 1,5M.