30 sept. 2017

Dernière Lueur

Fragilisée par l'hypertension et les excès, la santé de Mark Rothko se détériore au début de 1968. Il n'écoute pas les recommandations de ses médecins concernant ses conditions de vie. En janvier 1969 Mark et sa femme se séparent. Il se réfugie dans son atelier.

Il applique cependant une des prescriptions : pour éviter la fatigue, il limite le format de ses peintures à 40 inches de haut. Il utilise désormais l'acrylique sur un papier à monter sur une toile. N'ayant plus guère d'illusions sur l'utilisation de son art pour véhiculer un message émotionnel, il explore les possibilités de sa nouvelle technique pour rechercher la lumière.

Dans cette période qui dure moins de deux ans avant la catastrophe finale, Rothko atteint une nouvelle fois le sublime en faisant jaillir une brillante lumière au travers de couleurs saturées. Bien que les couleurs de plus en plus sombres suivent l'aggravation de sa dépression, il sent à quel point son art est transcendental. Il revient progressivement à de plus grands formats et à des huiles sur toile.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend un acrylique 182 x 98 cm daté du 21 mai 1969, lot 40 estimé £ 4M. La provenance de cette oeuvre est impeccable : elle a été achetée en 1997 par Antoni Tapies à la fille de l'artiste.

Cet opus sans titre est extraordinaire dans son opposition avec la chute vers le sombre. Le centre jaune bordé en haut et en bas par des blocs oranges est un hommage à la lumière pure et peut-être aussi un très bref retour à l'optimisme, comme un point haut dans une cyclothymie.

Un ultime aboutissement de cette phase, une huile sur toile 175 x 137 cm vert sombre sur indigo peinte quelques semaines avant son suicide, a été vendue pour $ 40M incluant premium par Sotheby's le 10 novembre 2014.

27 sept. 2017

Un Bouddha Pala du Bihar

L'art Bouddhiste du nord-est de l'Inde atteint son point culminant à la fin de la période Pala. Un Avalokiteshvara en pierre noire avec un historique de musée a été vendu pour $ 24,7M incluant premium par Christie's le 14 mars 2017.

En 1930 un trésor incluant environ 150 sculptures en métal est déterré à Kurkihar dans l'actuel Bihar. Un tel regroupement répond forcément à la présence en ce lieu d'un très important sanctuaire dont l'historique a été effacé lors de la destruction des monastères Bouddhistes par les Musulmans. Conservé au musée de Patna, cet ensemble n'a pas été dissocié.

Le 3 octobre à Hong Kong, Bonhams vend un Bouddha de 39 cm de haut, lot 16 estimé HK$ 8M. Cette statuette réalisée il y a environ 900 à 950 ans en alliage de cuivre incrusté d'argent et de cuivre correspond parfaitement au style des figures de Kurkihar. En très bon état, elle a une riche patine noire due à une exposition ancienne à des fumées d'encens. Comme la plupart des bronzes Pala, elle n'a pas été dorée.

Bouddha est debout sur un double lotus. Sa figuration s'écarte de l'iconographie Bouddhiste antique par la couronne et par la simulation des bijoux, deux caractéristiques qui deviendront courantes un peu plus tard à leur tour. La très expressive position des doigts est par contre un symbole classique.

Le Bouddha Pala est le deuxième lot sur trois discuté par Bonhams dans la vidéo ci-dessous, après un bronze Tibétain précédemment annoncé dans cette chronique.

L'Adieu à New York de Yayoi Kusama

En 1958 Yayoi Kusama apporte à New York City les éléments visuels de son obsession. Le monde est un filet ou un rideau illimité. L'humanité n'est rien de plus que des taches minuscules indifférenciées réparties avec régularité sur ce réseau. L'élément constitutif est le pois (polka dot) mais il peut aussi prendre d'autres formes.

Le très long séjour de l'artiste à New York est une tentative permanente d'échapper au destin commun. Elle imagine et réalise de nombreux happenings aux limites extrêmes de la décence et même au-delà.

Elle est en contact avec les avant-gardes. Donald Judd est enthousiasmé par son minimalisme graphique. Elle admire l'utilisation d'objets ordinaires du hasard par Joseph Cornell qui fait exception à ses habitudes solitaire pour entretenir avec elle une relation quotidienne et platonique qui est profitable à la créativité des deux artistes. Yayoi Kusama couvre de ses pois des objets divers ainsi que les corps nus des participants de ses performances et utilise des miroirs pour aller au-delà de l'infini.

Le 30 septembre à Hong Kong, Sotheby's vend une huile sur toile 107 x 92 cm peinte par Yayoi Kusama en 1972, lot 1067 estimé HK$ 32M. Cette oeuvre est un retour inattendu à son obsession du filet, mais peut aussi être considérée comme un nouveau prototype par l'utilisation de couleurs multiples.

Après 14 ans de surmenage à New York, l'artiste est exténuée. La mort soudaine de Cornell le 29 décembre 1972 achève de ruiner le fragile univers de Yayoi Kusama. Elle rentre au Japon l'année suivante. Sa résidence volontaire depuis 1977 dans un hôpital pour malades mentaux la protège de sa pulsion pour les performances sans réduire sa créativité graphique. Elle a réussi à faire aimer du public sa vision décalée de l'univers.

24 sept. 2017

Matin Rouge en Noir et Blanc

Le thème presque unique du duo Gilbert et George est la condition de vie à Londres, pas toujours facile dans le East End où ils vivent depuis 1968 dans une maison du XVIIIème siècle.

Ils sont anti-conformistes dans toutes leurs actions. Quand ils se déclarent royalistes, c'est parce qu'ils perçoivent dans le communisme la menace d'un nivellement social. Leurs installations murales sont des assemblages de photographies hétéroclites certainement inspirées par leurs voisins les punks.

En 1977 les socialistes progressent trop à leur goût. Ils créent une série de 17 oeuvres prophétiques sous le titre Red Morning pour prédire par les sous-titres toutes les catastrophes qui s'annoncent incluant par exemple Attack, Death, Dirt, Scandal.

Chaque opus est un rectangle régulier de trois à cinq éléments en ligne et en colonne. Les images sont divisées en trois thèmes : l'autoportrait de l'un ou l'autre des deux artistes debout en manches de chemise avec une attitude vulnérable, les grands immeubles de la City et le paysage urbain vu par réflexion dans une flaque. Certaines images sont colorées en rouge.

Hate est un collage 240 x 200 cm de seize éléments 60 x 50 cm. Les douze photos du pourtour sont colorées. Cette oeuvre a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

Avec l'humour décalé et toujours imprévisible qui caractérise le duo, Hell est la seule des 17 images murales qui n'ait pas du tout été colorée. Dans le même format que Hate, elle est signée George and Gilbert. Hell est estimée £ 800K à vendre par Christie's à Londres le 3 octobre, lot 21.

Auto-Portrait de Gormley en Aéroplane

Comme beaucoup d'autres artistes, Antony Gormley questionne le mystère de la vie humaine. Dans une première phase le sculpteur allonge démesurément certains organes du corps.

Il crée ensuite en 1989 un hybride construit sur un plâtre moulé de son propre corps dans lequel il remplace les bras par des ailes étendues jusqu'aux limites de l'équilibre. Le plâtre est couvert d'une feuille de plomb ajustée à la main. Une ligne droite traverse le corps de la tête aux pieds pour accentuer l'impression de symétrie. Le bord des ailes est un horizon.

Cet être de 197 x 858 x 46 cm en forme d'aéroplane vertical prenant son vol n'est plus humain. L'artiste l'intitule A case for an Angel dans une invitation à la méditation transcendantale qui n'a pas d'intention religieuse. Case signifie ici à la fois l'argument didactique et la carapace charnelle. Cette sculpture monumentale d'une figuration inédite est estimée £ 5M à vendre par Christie's à Londres le 6 octobre, lot 14.

Deux autres exemples sont réalisés en 1990 avec le même titre. L'aboutissement de cette démarche arrive en 1998 après quatre ans de préparation quand Angel of the North est installé en haut d'une colline du nord-est de l'Angleterre. Cette sculpture qui mesure 20 m de haut et 54 m d'envergure et pèse 110 tonnes est ancrée sur 165 tonnes de béton.

En 1996 la maquette d'Angel of the North 200 x 533 x 33 cm offrant la taille réelle du corps humain central avait été éditée en cinq exemplaires en fer moulé. Deux d'entre eux ont été vendus aux enchères : £ 2,3M incluant premium par Sotheby's le 1er juillet 2008, et £ 3,4M incluant premium par Christie's le 14 octobre 2011.

Les anglais savent reconnaître leurs artistes. Gormley a été anobli en 2014.

L'Enfant au Rosaire

Bartolomé Esteban Murillo obtient en 1645 sa première commande importante pour un couvent de Séville, sa ville natale où il fera toute sa carrière. Il a 28 ans. La Sainte Famille est un thème primordial de l'attente de ses clients. Il y apporte une grande originalité en minimisant la figuration sacrée. Ses modèles et leurs costumes très colorés sont locaux, apportant gentillesse et proximité.

Le thème intime de la Vierge à l'Enfant au Rosaire contribue à ses premiers succès. L'une d'elles, accrochée jusqu'en 1810 dans la sacristie d'un couvent Sévillan, est à vendre le 4 octobre à Madrid par Alcala Subastas avec un prix de départ de € 750K, lot 351. Par la netteté du dessin cette oeuvre peut être datée d'avant 1650. Elle est signée, et les doutes soulevés au siècle dernier sur son authenticité ont été levés par une restauration récente qui a révélé l'impasto d'origine.

La Mère est assise et tient l'Enfant sur les genoux. L'auréole à peine visible sur le fond sombre est le seul symbole mystique et le rosaire est le seul attribut liturgique. La jeune femme est attentive et l'enfant sourit avec confiance.

Cette huile sur toile 168 x 112 cm est très comparable à un autre exemple de dimensions similaires possédé par le Louvre et exposé depuis 1949 au Musée d'Art Hispanique de Castres. La position du chapelet dans les mains de l'Enfant est différente.

La Cabane Onirique

Les paysages peints par Peter Doig sont d'une grande précision, bénéficiant de sa maitrise du détail, de la perspective, de la couleur et renforçant le réalisme de l'oeuvre par une habile variation d'épaisseur de la matière picturale.

Pourtant ses paysages ne sont pas réels. Doig transfère sur la toile les scènes de son imagination. Il admet qu'il ne sait pas peindre un paysage en plein air. Il cherche avidement les images qui se rapportent le mieux aux souvenirs visuels de son enfance au Canada, bien au-delà des possibilités d'une expression verbale.

Dans les années 1990 certains thèmes reviennent régulièrement, comme la réflexion de la scène dans l'eau calme d'un étang, dans un effet onirique qui est en quelque sorte doublé. Son univers parallèle n'est pas complètement sauvage. Il faut qu'il y ait une habitation même si elle est proche de la ruine. Une figure humaine à peine esquissée apparaît parfois.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend une huile sur toile 170 x 170 cm peinte en 1996 qui offre toutes ces caractéristiques. Elle est intitulée Camp Forestia par référence au clubhouse sur un lac de Seattle dont une photo ancienne avait été acceptée dans son paradis mental.

Camp Forestia est estimé £ 14M, lot 19. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'image sous copyright de l'artiste est partagée "for fair use" par Wikiart.

23 sept. 2017

Premier Essaimage du Livre Imprimé

L'échec commercial de la Bible à 42 lignes terminée par Gutenberg en 1455 n'a pas empêché la propagation de l'imprimerie à caractères mobiles par ses anciens collaborateurs. Pendant trois ans une petite activité est maintenue uniquement à Mayence par Fust et Schoeffer.

Le premier essaimage délocalisé est constitué de deux Bibles, toutes deux basées sur la Bible latine à 42 lignes, réalisées entre 1458 et 1460 mais non datées dans l'impression. Leurs plus anciennes dates de rubrication donnent un terminus ante quem à 1460 pour le premier des deux volumes de la Bible à 49 lignes et à 1461 pour l'autre volume et pour la Bible à 36 lignes. La rubrication est l'ajout de couleur rouge à la main pour identifier les parties importantes du texte et les changements de paragraphes.

L'origine de la Bible à 36 lignes n'est pas documentée. Elle est appelée Bible de Bamberg parce que la plupart des exemplaires dont l'origine est connue ont eu un ancien propriétaire à proximité de cette ville où Gutenberg avait tenté en vain de recréer son atelier. La Bible à 49 lignes a été imprimée à Strasbourg par Johannes Mentelin, précédemment établi comme calligraphe.

Ces trois Bibles ont d'autres points communs. Elles ont été imprimées sur deux colonnes par page avec des papiers et des encres similaires. La Bible de Mentelin a été imprimée avec une élégante et éphémère typographie pseudo-gothique. Grâce à son nombre plus important de lignes par page, cette Bible in-folio 41 x 30 cm est la plus compacte.

Le 17 octobre à Paris, Alde vend un exemplaire complet en très bon état du premier volume de la Bible de Mentelin incluant la Genèse et les Psaumes, lot 76 estimé € 450K. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. Rubriqué mais non daté, il est équipé d'une reliure réalisée au XIXème siècle pour un érudit dans le style spectaculaire d'Augsbourg au XVème siècle.

La Bible à 49 lignes a lancé l'activité commerciale de Mentelin, plus célèbre par la première impression d'une Bible en langue allemande en 1466.

21 sept. 2017

Caché dans le Parc

Cecily Brown s'engage dans la peinture dans les années 1990 avec un objectif inédit mais somme toute très logique : le spectateur devra être fasciné par l'oeuvre au point de ne pas pouvoir en détacher son regard. Elle construit sa recette avec des éléments simples : le grand format, l'impasto, le sexe sans honte.

Ses peintures sont un mélange de couleurs en couches épaisses. La chair est repérable par sa couleur mais souvent cachée dans les plis de l'impasto. Le spectateur ne peut pas percevoir dans un seul angle toutes les subtilités cachées de la composition et reste devant la toile jusqu'à ce qu'il croie avoir élucidé tout son mystère. Dans sa technique elle associe les chairs de Lucian Freud avec les tourments de Francis Bacon dans une frontière entre l'expressionnisme et l'abstraction qui rappelle de Kooning.

Peinte vers la fin de cette première période en 1998 avec un titre aguichant et des fesses nues au premier plan, The girl who had everything, huile sur toile 253 x 280 cm, a été vendue pour £ 1,87M incluant premium par Sotheby's le 28 juin 2017.

L'artiste manipule avec un humour malicieux les envies des voyeurs. Au tournant des années 2000 elle sait que son art a acquis une telle réputation pornographique qu'elle n'a même plus besoin de cacher du sexe dans ses compositions. Sans changer de technique elle tourne alors tranquillement sa peinture vers d'autres sujets comme l'illustration de poèmes, de comédies musicales ou de films mentionnés en clair dans ses titres.

Peinte en 2004, Park est une huile sur lin de cette seconde période. Les deux éléments 196 x 140 cm chacun de ce diptyque ont une densité opposée : à gauche un jardin clairsemé, à droite une végétation luxuriante, le tout sans imagerie érotique.

Park a été discuté dans cette chronique avant d'être vendu pour £ 420K incluant premium par Phillips de Pury le 12 octobre 2011. Cette oeuvre revient le 6 octobre à Londres dans la même maison de vente devenue entre temps Phillips, lot 7 estimé £ 400K.

L'Horizon de Los Angeles

L'art d'Andreas Gursky est unique en son genre par sa technique et ses résultats. Ses photos montrant une scène illimitée sont formées d'un réseau de centaines d'éléments tous différents les uns des autres même quand il utilise les techniques digitales. L'observateur qui s'approche ou s'éloigne de l'image a une vision sans cesse changeante comme un lien entre le monde cosmique et la vie de tous les jours.

Elève de Bernd et Hilla Becher de 1980 à 1987 à la Kunstakademie Düsseldorf où il enseigne à son tour depuis 2010, Gursky utilise un grand format à la prise de vues et construit ses images avec une impeccable rigueur géométrique. Comme ses mentors il traite des sujets différents sous des angles de prise de vue similaires qui permettent les comparaisons.

Il est le meneur dans l'impression photographique de très grands formats. Dans l'ordre chronologique Los Angeles, tirage Cibachrome 158 x 316 cm préparé en 1998 et exposé en 1999, est une étape entre le Rhein I 146 x 181 cm de 1996 et le Rhein II 185 x 364 cm de 1999. Le numéro 1/6 de Rhein II a été vendu pour $ 4,3M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2011.

Los Angeles est une vue panoramique à vol d'oiseau englobant toute la conurbation la nuit en une forme galactique éclairée par l'activité humaine et cernée d'un halo de pollution orange qui simule la rotondité de la Terre. Trois grandes avenues linéaires se joignent en un unique point de fuite dans une symétrie parfaite. Cette bande lumineuse sépare le premier plan et le ciel d'un même noir profond.

Los Angeles a été édité en six exemplaires. Le numéro 3/6 a été vendu pour £ 1,48M incluant premium par Sotheby's le 27 février 2008. Monté dans un cadre d'auteur et protégé par un Plexiglas, 4/6 est estimé £ 1,4M à vendre par Phillips à Londres le 6 octobre, lot 24.

Le Crâne Ecarlate

Le 18 mai 2017, Sotheby's vendait pour $ 110M incluant premium un Untitled 183 x 173 cm peint par Basquiat en janvier 1982 sur le thème du crâne. Un Red Skull 152 x 152 cm de la même année est à vendre par Christie's à Londres le 6 octobre, lot 8. Au-delà du fait qu'elles sont centrées sur un crâne unique, les deux oeuvres ont des différences significatives.

Le crâne peint en janvier est flottant devant un environnement incertain pouvant être un passage au travers d'une palissade. Large et noir et occupant les deux tiers de la hauteur et de la largeur de l'image, il dégage une extrême puissance. Avec plusieurs trous ouverts sur le ciel bleu et la langue rouge, il est tout autant un masque dément qu'un simple crâne humain.

Le Red Skull met en scène un crâne rouge écarlate aux joues creuses, plus petit en proportions par rapport à l'image. Moins obsédant que l'autre crâne, il laisse par conséquent une meilleure place à son environnement qui est un chef d'oeuvre de synthèse de l'art moderne auquel l'artiste ajoute sa maîtrise innovante des couleurs pures par la technique de l'oilstick.

Grand amateur de jazz, Basquiat admirait l'art de Franz Kline. King Oliver, peinture abstraite 250 x 197 cm peinte par Kline en 1958 et vendue pour $ 26,5M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014, était déjà un équilibre de couleurs pures apportées sur la toile par une gestuelle musicaliste.

Red Skull est un très bon exemple de l'équilibre expressionniste apporté par Basquiat avec pas moins de sept couleurs, rouge, bleu, lilas, rose, vert, jaune et or, couvrant l'ensemble de la toile contrairement aux explosions de Kline ou de Joan Mitchell. L'oeuvre est également agrémentée de structures urbaines tendant à l'abstraction qui auraient enchanté Kandinsky ou de Kooning.

20 sept. 2017

Un Austère Président

Elu en 1824 sixième président des Etats-Unis, John Quincy Adams avait une intelligence exceptionnelle et beaucoup d'idées pour réformer la société Américaine. Sa présidence fut terne et impopulaire et ne le satisfit pas. Refusant d'abandonner la politique, il resta très actif à la Chambre des Représentants jusqu'à sa mort en 1848 des suites d'un malaise durant un vote.

Adams avait compris l'importance de l'image et fit faire de nombreux portraits. Dans les années 1840 les imprimeurs utilisaient le procédé du daguerréotype révélé en France en 1839 pour créer les images originales avec lesquelles ils produisaient les lithographies en séries.

Le journal personnel d'Adams est détaillé. Les 8 et 16 mars 1843 il visite l'atelier de Philip Haas à Washington DC. Chaque prise de vue dure une demi-minute pendant laquelle l'ancien président conserve cette attitude austère qui convient si bien à son engagement politique.

Les trois photos en format demi plaque 5 x 4 inches faites par Haas dans la deuxième séance sont très réussies : le vieil homme est assis confortablement dans un fauteuil devant le décor mural de l'atelier, le regard est droit et la netteté est excellente. Haas réalisera une édition lithographique d'une de ces images.

L'ancien président avait eu la priorité contre un représentant du Vermont qui visitait Haas le même jour. Peut-être pour s'excuser, il lui donne une de ses photos. Réapparue très récemment dans la famille, elle est authentifiée comme un original par une note manuscrite d'Adams au verso. Elle a été très peu manipulée et est en excellent état. Ce daguerréotype est estimé $ 150K à vendre par Sotheby's à New York le 5 octobre, lot 147.

Cette pièce est la plus ancienne photographie originale connue d'un président Américain. L'original du superbe portrait de WH Harrison pendant sa très courte présidence en 1841 n'est pas localisé et a sans doute été détruit après la réalisation de copies.

Venise par Fontana

Début 1961 Lucio Fontana prépare onze acryliques sur toile en un seul format 150 x 150 cm pour l'exposition Arte e Contemplazione en juillet au Palazzo Grassi. Cet ensemble utilisant son titre habituel Concetto Spaziale exprime les impressions abstraites de l'artiste à Venise à toutes les heures du jour et de la nuit. Suite à ce succès Fontana complète sa vision par onze autres peintures avant la fin de la même année.

Fontana connaît bien Venise qu'il revisite souvent avec sa femme Teresita. Son format carré invite aussi à une expression de l'équilibre urbaniste de la Piazza San Marco, thème de pas moins de quatre opus parmi les 22 oeuvres de la série.

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend au lot 106 une des onze premières oeuvres. Localisée In piazza San Marco di notte con Teresita, c'est certainement la meilleure synthèse des techniques utilisées dans cette série : petits trous et incrustation de verroteries colorées sur un lourd impasto de teinte homogène, un noir lumineux pour cet opus spécifique.

Les trous forment un carré extérieur presque régulier. Le milieu de l'image est parsemé de taches de couleurs qui expriment la quête de l'artiste d'une séparation entre l'espace tangible et le cosmos, comme les vitraux d'une église, anticipant la série de toiles ovales percées La Fine de Dio de 1963-1964. Cette vision non-conventionnelle de Venise répond aussi à l'intention de l'artiste de promouvoir un art anti-bourgeois.

Rotation et Miroir du Bien et du Mal

Le 6 octobre à Londres, Christie's vend au lot 16A une huile sur toile 198 x 148 cm peinte par Francis Bacon en avril 1971 et intitulée Study of Red Pope 1962 2nd version. Ce titre inhabituel indique que pour l'artiste cette oeuvre inspirée du portrait d'Innocent X de Velazquez est un point culminant de ce thème.

Conçu comme une sorte de triptyque concentré sur une seule toile, 2nd version pose des questions existentielles et réserve de nombreuses surprises.

Le pape dans la position recroquevillée d'Innocent X est installé dans un environnement circulaire comme s'il était assis sur un tourne-disque. La pièce est fermée avec deux miroirs curvilignes latéraux, offrant un mystère de la réflexion apparenté aux Ménines de Velazquez. Le miroir de droite apporte la figure très reconnaissable de l'amant de Francis, George Dyer.

La scène est une rencontre impossible entre les deux personnages. Chacun incarne à la fois le bien et le mal. Le vieux pape veule ne maîtrise pas les responsabilités de sa fonction dont il est le représentant unique. L'homme ordinaire au trouble passé est devenu l'idole suprême dans la vie de Francis.

Le pape tournant a atteint une position où il ne peut pas voir George. Au contraire George cherche à établir la communication et tend la main vers le reflet de la ficelle d'une sonnette ou d'une lumière hors champ.

George se suicide six mois plus tard à Paris pendant que Francis prépare dans cette ville la grande exposition qui le consacre comme un artiste majeur de son temps. Francis traumatisé n'aura plus besoin des papes. Le fantôme de George assurera désormais à lui seul le mystère de l'esprit et de la chair.

17 sept. 2017

Thomas Struth entre Passé et Présent

L'approche de Bernd et Hilla Becher est nouvelle dans la photographie moderne. Dans un monde industriel qui n'a aucune raison d'être préservé ils photographient les usines éphémères.

Voulant une reproduction sans déformation de ce qu'ils voient, ils utilisent des objectifs de très longue distance focale avec une chambre Linhof de grand format. Les monuments parfaitement centrés en vision rigoureusement frontale forment un ensemble dans lequel les formes géométriques deviennent remarquablement répétitives, démontrant une normalisation involontaire liée à la fonctionnalité.

L'oeuvre en noir et blanc des Becher est reconnue comme un des plus importants enregistrements photographiques du monde d'aujourd'hui. Bernd est nommé en 1976 professeur de la Kunstakademie Düsseldorf.

Thomas Struth a retenu de l'enseignement des Becher l'architecture centrée, frontale et sans déformation. Il ajoute la couleur, le très grand format, les vues d'intérieur des musées ou des églises. Son but n'est pas documentaire. Il confronte l'attitude stéréotypée des passants anonymes par rapport à des monuments et objets d'art relevant d'une culture révolue. Son choc entre le passé et le présent est tout autant nostalgique que sociologique.

En 1991 il édite en 10 tirages chromogéniques 184 x 238 cm une photo montrant l'intérieur majestueux du Panthéon de Rome occupé en son centre par un groupe de touristes agglomérés. Un de ces tirages a été vendu pour $ 1,8M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015.

En 1998 sa vue du dôme de Milan est éditée dans la même quantité et la même technique dans un format similaire, 183 x 230 cm. La façade est droite et centrée, sans horizon. Sur les marches et le parvis des personnages ordinaires passent ou flânent, intéressés ou indifférents devant cet imposant monument religieux de l'ancien temps.

L'exemplaire 1/10 de la vue de Milan a été vendu pour £ 410K incluant premium par Christie's le 14 octobre 2007. L'exemplaire 7/10 est à vendre par Sotheby's à New York le 28 septembre, lot 23 estimé $ 300K.

Bouddhisme à Jingdezhen

Les empereurs Hongwu et Yongle avaient établi la dynastie Ming en surmontant de multiples difficultés. Avec l'empereur Xuande, petit-fils de Yongle, la paix et la prospérité sont revenues de façon durable.

La porcelaine de Jingdezhen était souvent utilisée sous Yongle comme cadeau diplomatique. Xuande y voit une source de raffinement extrême pour son propre usage et le nombre de pièces portant sa marque est important. La maîtrise des préparations au cobalt permet des nuances subtiles du bleu sur blanc qui ne seront jamais égalées.

Les potiers Xuande essayent des formes complexes inspirées de modèles en or ou en argent. Un bol en forme de cloche dix fois lobée pour améliorer l'effet visuel d'une scène de poissons a été vendu pour HK$ 230M incluant premium par Sotheby's le 5 avril 2017.

Les empereurs gouvernent selon les principes de Confucius mais protègent aussi le Bouddhisme Tibétain dont ils reconnaissent la vision mystique. L'utilisation de thèmes Bouddhistes dans les bleus et blancs de Jingdezhen est essentiellement limitée au règne de Xuande. Deux porcelaines Bouddhistes de très haute qualité portant sa marque impériale seront vendues par Sotheby's le 3 octobre à Hong Kong.

Le lot 3301 estimé HK$ 35M est un bol de 18 cm de diamètre dont la forme évasée est très élégante. Il a conservé son couvercle, ce qui est une rareté parce que les récipients n'étaient ainsi équipés que s'ils étaient conçus pour certaines utilisations rituelles. Le couvercle reprend en un face à face exact le décor du bol, un cercle de huit fleurs de lotus chacune surmontée d'un des huit symboles constituant le bajixiang Bouddhiste. La marque impériale à l'intérieur du couvercle est une surprise exquise quand l'eunuque ouvre le bol. La glaçure transparente est onctueuse.

Le lot 101 estimé HK$ 30M est une jarre ovoïde de 19 cm de haut décorée de deux dragons inspirés du type Indien makara qui assure ordinairement la protection d'un temple. Cette illustration est extrêmement rare dans la porcelaine Ming.

16 sept. 2017

Le Tourbillon de l'Univers

Face à la toile Zao Wou-Ki libère ses pulsions. Sa violence n'empêche pas sa lucidité : il sait que la maîtrise totale et complexe de son pinceau et de ses couches lui permet d'aller encore plus loin dans la création de son univers en perpétuel mouvement. Il est d'une certaine manière un surréaliste abstrait.

Depuis 1957 il se rend régulièrement à New York où il est représenté par la Kootz Gallery. Il intègre dans son style la spontanéité gestuelle de l'Action Painting vécue par lui comme une lutte contre la toile et l'utilisation plus fréquente des grandes toiles standardisées à 130 x 195 cm aux Etats-Unis.

Le format paysage avec ses horizons infinis vient remplacer le format vertical. Le magma de lave en mouvement remplace l'éruption volcanique dans son univers sensoriel.

Le 30 septembre à Hong Kong, Sotheby's vend 09.01.63, huile sur toile 130 x 195 cm, lot 1016 estimé HK$ 50M. Dans une ambiance nocturne le sol bouillonnant apporte une illumination fulgurante.

La créativité de l'artiste continue de façon irrépressible. 14.11.63, une scène similaire de mêmes dimensions dans une lumière du jour incandescente, a été vendue pour HK$ 39M incluant premium par Christie's le 28 mai 2011. Sur un plus grand format 255 x 345 cm plus tard réduit à 230 cm en hauteur, 29.09.64, une vue encore plus proche du tourbillon central du subconscient de l'artiste, a été vendue pour HK$ 153M incluant premium par Christie's le 27 mai 2017.

Le Sceau des Autographes

Poète et calligraphe, Qianlong était aussi un arbitre des bons goûts littéraires. Quand il consultait un document, il y apposait un de ses sceaux inscrits d'un court texte qui témoignait de sa propre appréciation, le plus souvent philosophique.

Certainement passionné par cette activité qui l'aidait à définir et maintenir son rôle de Fils du Ciel, Qianlong posséda pas moins de 1800 sceaux que l'on peut séparer en deux catégories : les sceaux en jade, souvent ornés de dragons en ronde bosse, offerts à l'empereur pour les anniversaires et les grands évènements, et les sceaux pour son usage courant.

Le 23 septembre à Toulouse, Primardeco vend au lot 1 ici lié sur la plate-forme Ivoire-France un sceau de 9,2 cm de haut et de base carrée 4,2 x 4,2 cm, exceptionnel par son inscription en quatre caractères Qianlong Chen Han signifiant "écrit du pinceau de Qianlong" pour authentifier les écrits faits de sa propre main. Cette pièce en stéatite beige a la forme d'une montagne escarpée incisée en très faible relief de scènes de bons augures incluant le yin et le yang.

Un seul autre exemple de sceau Qianlong Chen Han est connu. De forme similaire, il est conservé à la Cité Interdite de Beijing.

Un sceau de matériau, forme, dimensions et décor similaires au lot qui vient en vente a été vendu pour € 600K incluant premium par Armor-Enchères le 24 novembre 2013. Il inscrit une phrase de l'empereur inspirée par un poème antique.

Perfection et Diversité de la Porcelaine Ru

Les pièces Ru fabriquées dans l'actuelle province du Henan il y a 900 ans sont les plus prestigieuses de toute la porcelaine de Chine pour diverses raisons dues à la mise au point technologique, au goût de leur époque et au hasard.

En posant la pièce sans la retourner sur des plots minuscules pendant la cuisson, l'épargne de glaçure qui déplaisait tant à la cour des Song du Nord est évitée. La couleur céladon dont plusieurs nuances sont possibles égale le raffinement du jade. Dans la mode du temps les proportions parfaites et le minimalisme sont préférés à la complexité des formes.

Situés sur ce qui allait devenir une zone frontière entre le nord et le sud, les fours Ru n'ont pas survécu à la chute des Song du Nord. Leur activité non documentée qui n'était peut-être pas au service de la cour avait duré deux décennies.

Un quart de siècle après la chute des Song du Nord un courtisan offre à l'empereur Gaozong des Song du Sud une importante quantité de pièces Ru. L'empereur qui justement cherchait à rétablir le raffinement légendaire de sa dynastie admire la qualité exceptionnelle de ces porcelaines et tout particulièrement certaines pièces dont la surface a la texture de la glace pilée. Cet effet imitant la création des minéraux dans la nature est jugé sensationnel. Il était lié aux aléas des conditions de refroidissement dans les fours Ru mais les potiers Song du Sud découvrent les conditions à appliquer pour créer cette texture à volonté.

Le 4 avril 2012 Sotheby's a vendu pour HK$ 208M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 50M un rince-pinceaux Ru de 13,5 cm de diamètre légèrement lobé à texture lisse dont la couleur pâle était comparable au jade.

Le 3 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 5 un rince-pinceaux rond de 13 cm de diamètre qui est une des 87 pièces répertoriées de porcelaine Ru et une des quatre en mains privées. Cette pièce d'un bleu-vert intense a une surface glace pilée exceptionnellement brillante. Le communiqué de presse du 22 août annonce qu'elle est attendue au-delà de HK$ 100M. Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par la maison de ventes.

13 sept. 2017

Le Confiant Léopard

Né dans une famille de riches industriels de la soie, Sanyu a des talents précoces pour l'encre de Chine et la calligraphie. Il développe son art personnel à Paris en dessinant les corps nus des femmes avec un trait ondulant minimaliste qui accentue l'invitation érotique.

Soutenu par Henri-Pierre Roché de 1929 à 1932, Sanyu perfectionne sa peinture à l'huile, expérimente la gravure à la pointe sèche et trouve de nouveaux thèmes.

Le 30 septembre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1018 Léopard, huile sur toile 93 x 116 cm peinte en 1931 qui avait appartenu à l'origine à Roché. Le léopard grandeur nature est esquissé par les traits blancs des contours du corps et les cercles des taches en une figure qui se détache à peine sur un fond noir entrecoupé de bandes blanches irrégulières.

Les quatre pattes et la queue en l'air, l'animal sauvage offre son ventre douillet dans l'attitude d'un chat confiant qui provoque une caresse. A cette période de crise où les difficultés financières apparaissent pour Sanyu, cette oeuvre transpose son envie d'un bien-être confortable.

Accumulant l'originalité du trait camouflé, le grand format, l'attitude de jouissance, l'inspiration cumulée de la Chine classique et de l'Art Déco moderne, ce gros chat a peu d'équivalents dans l'art de Sanyu. La maison de ventes ne révèle pas l'estimation.

Art Moderne sous les Gratte Ciel

Au tournant des années 1930 le grand évènement à Manhattan est la construction du Chrysler Building et de l'Empire State Building qui modifient pour toujours l'aspect et l'ambiance de New York City et invitent au développement d'un art nouveau.

Créé en 1929 par Mme Rockefeller et deux de ses amies, le Museum Of Modern Art a un démarrage difficile en raison de réticences locales pour les changements. Déménageant pour des locaux plus spacieux, le MoMA prévoit une nouvelle inauguration en mai 1932 avec une exposition intitulée Murals promouvant les peintres et photographes Américains.

Six semaines avant l'exposition chaque artiste sélectionné est invité à créer une peinture de grandes dimensions et un triptyque. L'Américain d'origine Chinoise Yun Gee âgé de 26 ans est le plus jeune de ces artistes.

C'était un bon choix : artiste, musicien et danseur, Yun Gee avait été en relation avec les avant-gardes, d'abord dans le Chinatown de San Francisco puis à Paris et s'était établi à New York en 1930. Tirant bénéfice de cette multiple culture il cherchait à développer un art total mêlant les couleurs expressives et le mouvement et englobant le passé et le futur pour définir la vie nouvelle.

Le triptyque réalisé pour le MoMA a été vendu pour HK$ 10,8M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2014.

Le chef d'oeuvre de Yun Gee est l'autre oeuvre du MoMA, huile sur toile 214 x 122 cm intitulée Wheels : Industrial New York. Wheels signifie les cercles des activités humaines tournant jusqu'au vertige sous les gratte-ciel.

La synthèse surréaliste des avant-gardes autour de la croyance de Yun Gee pour le progrès fait de Wheels un tour de force. Le foisonnement des activités est évoqué dans un style expressionniste, le choc des perspectives est cubiste, le manège circulaire de l'équipe de polo au premier plan est futuriste, les couleurs sont chaudes sous un soleil éclatant et le thème est par lui-même constructiviste.

Restée jusqu'à maintenant dans la famille de l'artiste, Wheels : Industrial New York est estimée HK$ 80M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 30 septembre, lot 1017. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes dans laquelle la nouvelle technologie CG d'effet visuel promue par Sotheby's révèle l'expression du mouvement dans la composition.

10 sept. 2017

Rolls-Royce pour tous Usages

Henry Royce est passionné par l'amélioration des mécaniques. Charles Rolls est un pionnier du sport automobile. Leur association en 1904 est un évènement clé de l'histoire de l'automobile. Pendant les deux premières années Royce augmente la puissance des premiers modèles de voitures Rolls-Royce : 10 hp, 15 hp, 30 hp. Une 10 hp de la première année a été vendue pour £ 3,5M incluant premium par Bonhams le 3 décembre 2007.

Conçue en 1906 et lancée en 1907, la 40/50 hp répond à tous les objectifs de l'ingénieur. Elle est puissante et rapide, sans vibrations. Elle ne tombe jamais en panne. La première 40/50, encore en possession de Rolls-Royce, a accumulé 920 000 Km dans ses 110 premières années.

La 40/50 hp peut tout faire. Sa variante London to Edinburgh gagne les courses d'endurance sur route à partir de 1911 et sa variante Alpine Eagle gagne les courses de côte à partir de 1913. Les carrosseries sont sous-traitées. Certaines deviendront les symboles de leur époque : une double pullman limousine de 1912 carrossée par Barker a été vendue pour £ 4,7M incluant premium par Bonhams le 29 juin 2012.

7 874 exemplaires ont été fabriqués sur ce modèle de haut de gamme de 1907 à 1926, assurant de façon durable sa réputation de meilleure voiture du monde. Cette quantité inclut 188 London to Edinburgh en 1912 et 1913, caractérisées par un carburateur plus grand et une compression et un engrenage plus élevés.

Le 2 octobre à Philadelphie, Bonhams vend un sports tourer London to Edinburgh amélioré dès son origine en 1913 en 'style colonial' pour une utilisation en longues distances sur des routes difficiles. La capacité du réservoir est augmentée et le dégagement est amélioré. Elle est estimée $ 1,1M, lot 335.

L'appellation 40/50 hp est périmée depuis que le surnom d'un des tout premiers exemplaires, la Silver Ghost, a été ré-attribué en 1925 à l'ensemble de sa production.

9 sept. 2017

Illumination Himalayenne

L'art du métal doré est millénaire dans les montagnes de l'Himalaya. Dans l'isolement de leurs monastères les artistes ont développé et maintenu quelques caractéristiques originales avec un grand raffinement dans la ciselure.

Le 13 septembre à New York, Christie's vend un Bouddha en bronze doré de 51 cm de haut réalisé au Népal il y a 800 à 600 ans, lot 620 estimé $ 600K. Cette figure creuse servait de reliquaire et a conservé un mélange d'écritures, textiles et herbes.

Le Sage est figuré au moment précis où il atteint l'extase après avoir définitivement repoussé les démons. Il est assis dans la position du bhumisparsha mudra : la paume de la main gauche est ouverte vers le haut pour une offrande et la main droite touche le sol pour signifier que le corps du Bouddha assure désormais le lien mystique entre la Terre et le Ciel. Le regard est intériorisé, le troisième oeil est proéminent et les doigts de pied sont en éventail.

Le 3 octobre à Hong Kong, Bonhams vend un Bouddha de 34 cm de haut dans la même attitude, sauf que la foudre apparaît sous la main droite. Il a été réalisé au Tibet il y a 600 à 500 ans en alliage de cuivre doré à l'exception des cheveux teints en lapis et du bol à offrandes qui ici a subsisté. Cette figure est estimée HK$ 15M, lot 22.

Sur cette pièce plus récente que la statuette discutée plus haut, l'éloignement du canon Bouddhique est plus visible, avec un visage triangulaire mettant en valeur le large front aux dépens du menton et un nez à l'arête vive. Le buste et les bras sont trop longs, sans doute volontairement pour accentuer la posture autoritaire. La robe patchwork incrustée de turquoises, grenats et lapis est inspirée de la soie impériale Chinoise.


Trois Jours en Normandie

Le débarquement en Normandie est un succès. Les mouvements de troupes deviennent une question de vie ou de mort pour les deux parties. Deux armées Allemandes doivent passer un goulot d'étranglement sur la rivière Dives. Le 19 août 1944 le Major D.V. Currie reçoit l'ordre de prendre le village de Saint-Lambert.

Pour cette bataille de tanks Currie a avec lui 75 soldats de son escadron de reconnaissance de l'armée Canadienne et 55 soldats d'infanterie Canadiens. Après trois jours de combat intense le village est pris et les Allemands se rendent.

Par son intelligence de l'action et son implication personnelle, Currie est le Leonidas de cette importante bataille. Sa timidité s'est transformée en un héroïsme sans faille pendant ces trois jours sans aucun repos. Il dira qu'il n'avait eu qu'une crainte : ne pas être à la hauteur de sa mission. Il reçoit la Victoria Cross des mains du roi le 30 novembre 1944.

Le groupe de 9 médailles du Major (plus tard Lieutenant-Colonel) Currie incluant sa Victoria Cross sera vendu le 27 septembre par DNW (Dix Noonan Webb). Le lot nécessite un permis d'export pour quitter le Canada et la vente sera effectuée à Londres en dollars Canadiens. Il est estimé $ CAD 500K, lot 495. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Le 28 juillet 2011, le groupe de médailles incluant également une Victoria Cross attribuées à un soldat Australien a été vendu pour A $ 1,16M incluant premium par Noble Numismatics. Egalement pour la seconde guerre mondiale le groupe de médailles incluant la George Cross attribuées à titre posthume à Violette Szabo a été vendu pour £ 310K incluant premium par DNW le 22 juillet 2015.

6 sept. 2017

Visage en Gros Plan

Encouragé par Stieglitz et influencé par Steichen, Paul Strand transforme avec eux l'art de la photographie. Il réalise des tirages par contact des photos qu'il prend avec sa chambre 8 x 10 " (20 x 25 cm). Comme tous les grands photographes de son temps, il expérimente les métaux, les solvants et les conditions thermiques qui optimisent le contraste, le détail et la brillance de ses images.

Egalement cameraman de cinéma, Strand est pendant toute sa longue carrière un interprète spontané de ce qu'il voit. Influencé par sa formation initiale avec Lewis Hine, son principal sujet d'intérêt est le témoignage social.

Par son amélioration des tirages au platine, Strand est devenu un virtuose du noir. Ce papier luxueux coûtait trop cher au jeune artiste et ses tirages anciens sont rares. De 1920 à 1923 à New York les portraits de sa muse Rebecca qu'il épouse en 1922 forment une exception intimiste dans son art.

Le visage en très gros plan est une difficulté pour les photographes parce que l'observateur sera gêné par les déformations optiques de la réfraction par l'objectif. La solution trouvée par Strand est de mettre le visage dans une obscurité presque totale.  Le voile mis par Steichen en 1924 sur le visage de Gloria Swanson a certainement une cause similaire.

J'ai discuté dans cette chronique un portrait de Rebecca réalisé en 1921 par Paul Strand. La tête vue en oblique est rehaussée par un coussin et l'éclairage fait briller les yeux. Ce tirage platine est passé à Sotheby's le 1er avril 2015.

La meilleure image de cette série est réalisée en 1923. Le visage en gros plan occupe toute la surface de l'image et le regard à peine plus éclairé que la peau est droit et franc. Le bout du nez légèrement luisant donne le repère complémentaire pour une vision confortable par l'observateur.

Le tirage au platine provenant de la collection Quillan a été vendu pour $ 650K incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2008. Dans la même technique le tirage provenant de la collection Spiegel est estimé $ 500K à vendre par Christie's à New York le 10 octobre, lot 11.

Le Double Langage des Rayographes

A New York puis à Paris où il s'installe en juillet 1921, Man Ray est un des meneurs du mouvement Dada auquel il associe une tendance grivoise avec ses oeuvres Priapiques de 1920 et sa série de photographies en 1921 du double féminin de Duchamp, Rrose Sélavy (Eros c'est la vie). La remise en question de l'art bat son plein dans les avant-gardes Parisiennes où Tzara confond 'artistique' et 'arthritique'. Toutes les provocations sont bienvenues.

Dans sa nouvelle spécialité de photographe Man Ray imagine de poser les objets opaques ou ajourés directement sur la surface photosensible. 80 ans auparavant Talbot utilisait un procédé similaire pour photographier les fougères. Dans ce procédé chaque image est unique.

Man Ray divulgue son innovation sous le nom de Rayographes. Les surréalistes et les dadaïstes sont ravis. L'installation d'objets usuels proche du ready made intéresse les réalistes et la composition souvent équivoque excite les poètes.

Un Rayographe 24 x 18 cm a été vendu le 4 avril 2013 pour $ 1,2M incluant premium par Christie's sur une estimation basse de $ 250K. Paru dans une revue au printemps 1922 avec un éloge par Cocteau, cette image avait certainement été le tout premier Rayographe à avoir été publié.

Le 10 octobre à New York, Christie's vend deux Rayographes dé-accessionnés du Museum of Modern Art.

Le lot 103 est estimé $ 200K. Ce Rayographe 30 x 24 cm réalisé en 1923 est un exemple à interprétation érotique avec deux oeufs flanquant une tige qui pointe dans un napperon de dentelle. Il avait appartenu à Tzara.

Le lot 102 estimé $ 150K est une composition symétrique pouvant former une tête, un tabouret ou le ciel nuageux. Il a été réalisé en 1928 dans un plus grand format que les exemples ci-dessus, 39 x 30 cm.

Interlude sous la Lucarne

Las d'une vie familiale traditionnelle, Edward Weston est entraîné dans la vie de bohême de Los Angeles par Margrethe Mather. Il a du charme et aime les femmes. Ses aventures sont brèves mais créent des amitiés durables.

Edward et Margrethe sont influencés par le cercle de Stieglitz mais New York est trop loin pour eux. Ils cherchent une conception originale de l'art photographique basée sur l'observation de la géométrie dans des scènes de la vie ordinaire. Le torse nu des femmes est un thème préféré d'Edward.

Depuis quelques années Edward a remplacé l'argent par le palladium qui offre grande subtilité des nuances de gris et une surface lustrée. Pour ses meilleures images il cherche déjà la perfection. La subtile complexité de son travail en chambre noire exige une minutieuse préparation et ces tirages sont très rares.

A la fin 1920 Edward passe deux semaines de passion amoureuse avec Betty, rencontrée dans un nightclub. Il la photographie dans plusieurs pièces de sa maison. Le 10 octobre à New York, Christie's vend Betty in her attic, tirage palladium 23 x 19 cm monté sur papier 46 x 35 cm, titré, signé et daté 1920 sur le montage. Cette photo est estimée $ 600K, lot 323.

Cette composition entre surréalisme et constructivisme est très originale dans l'art de Weston. Son thème principal est la lumière transmise par la lucarne hors champ dans les angles des murs blancs du grenier dans un décor oblique qui rappelle le Cabinet du Dr Caligari, sorti quelques mois plus tôt.

La femme dans sa longue robe est debout dans la pénombre, lovée dans un angle. Sa silhouette est soulignée par une ombre géométriquement illogique qui a dû être ajoutée au laboratoire. Un pied atteint une tache de lumière au sol, comme une invitation à la danse.

Cinq ans plus tard les détails du corps nu de Miriam feront d'Edward Weston le meilleur photographe de son temps.

2 sept. 2017

De l'Autre Côté de l'Océan

Les richesses de Cathay et Cipango sont bien tentantes et les ambitions de Cristoforo Colombo sont démesurées malgré ses origines modestes. En traversant en pleine mer d'est en ouest, il court-circuitera les dangereuses voies commerciales traversant l'Asie, personne ne contestera sa prise de possession des territoires visités et il sera riche, noble et puissant.

Devenu Cristobal Colon, il cherche des protecteurs au Portugal et en Espagne sans rien céder de ses exigences extravagantes. En 1492 le trésorier de la maison de Castille observe que le gain espéré est bien plus grand que l'investissement et la reine Isabelle accepte le projet.

L'aller et retour réussi de deux des trois navires de la flotte de Colomb au travers de l'océan Atlantique, du 3 août 1492 au 4 mars 1493, est un exploit sans précédent au cours duquel les officiers ont dû calmer les marins affolés d'avoir perdu la terre de vue. Six terres habitées ont été découvertes et Colomb a su reconnaître leur caractère insulaire.

Colomb écrit une lettre qui n'est pas du tout un récit des nombreuses péripéties du voyage mais bien un rapport résolument optimiste destiné à encourager le financement d'une seconde expédition encore plus ambitieuse. Les indigènes appelés Indiens sont timides et faciles à satisfaire bien qu'il faille se méfier de quelques anthropophages. Il n'y aura pas d'obstacle à l'exploitation de l'or et des épices.

Probablement écrite en espagnol par Colomb lui-même, la lettre est publiée à Barcelone en mars ou avril 1493. Traduite en latin, elle est éditée à Rome vers le mois de mai de la même année. La première édition illustrée, non localisée et non datée, est appelée première édition de Bâle parce qu'elle anticipe l'édition plus ambitieuse réalisée dans cette ville avec les mêmes gravures sur bois en 1494.

Les éditions de Bâle confirment l'intention politique de la lettre. Quatre images naïves illustrent la vie dans les îles et leur carte, au côté d'un portrait glorieux du roi Ferdinand et du blason de l'Espagne, renforçant l'information de l'allégeance de Colon aux Reyes Catolicos contre les prétentions de récupération par le Portugal.

Relié au XIXème siècle en compagnie d'un autre texte à la gloire de Ferdinand, un très rare exemplaire complet de la seconde édition de Bâle est estimé $ 700K à vendre par Bonhams à New York le 26 septembre, lot 2. Ce livre était resté invendu par Nate D. Sanders Auctions le 26 janvier 2017.

Près de dix ans plus tard Amerigo Vespucci aura enfin l'intuition que les îles et côtes découvertes de l'autre côté de l'Atlantique n'étaient pas les Indes mais un Nouveau Monde.