30 nov. 2017

Krusenstern autour du Monde

En 1802 le nouveau Tsar Alexandre I accepte le projet d'une expédition dans le Pacifique Nord. Sa mission est d'établir des relations diplomatiques avec le Japon et des relations commerciales avec Canton et d'identifier comment faciliter la communication avec les lointains territoires Russes au Kamchatka et en Alaska.

La Russie achète deux bateaux Britanniques rebaptisés Nadejda (qui signifie Espoir) et Neva. Krusenstern est le responsable de l'expédition et le capitaine du trois mâts Nadejda.

Les bateaux se sont souvent séparés. Pendant les longs mois d'emprisonnement de l'équipage de la Nadejda au Japon qui refuse encore toutes relations avec des étrangers, la Neva visite les colonies Russes de l'Alaska. Cette toute première circumnavigation Russe a duré trois ans, de 1803 à 1806.

Krusenstern prépare le compte-rendu du voyage des deux bateaux dans ces régions souvent inexplorées avant lui. L'édition Allemande est publiée à St. Petersbourg en trois volumes de textes 25 x 21 cm de 1810 à 1812 et un atlas de 110 planches en format folio 60 x 45 cm en 1814. Un exemplaire complet incluant la très rare édition de l'atlas avec les légendes des cartes en Cyrillique est estimé $ 350K à vendre par Christie's à New York le 7 décembre, lot 94.

29 nov. 2017

La Tête de l'Ancêtre

Dans la culture Fang du Gabon deux types de statuettes co-existaient : les corps complets et les têtes. Toutes deux étaient utilisées pour le culte des ancêtres ou byeri mais avec des fonctions différentes.

Les corps complets se rapportaient à des ancêtres familiaux bien que leur apparence naturaliste ne constitue pas des portraits reconnaissables. Ils étaient utilisés dans les cérémonies. Les têtes sont plus rares et avaient un rôle rituel plus intime. Enduites d'huile et de poudre, elles servaient plus probablement à communiquer avec l'ancêtre primordial.

La tête Fang à vendre par Sotheby's à Paris le 12 décembre a un superbe historique de provenance et d'exposition à l'époque où ce type d'oeuvre était considéré à juste titre comme la meilleure démonstration de la virtuosité des artistes Africains. Louis Carré l'a exposée à Paris en 1933. Il l'a envoyée et commentée en 1935 pour l'exposition séminale d'art Africain au MoMA en indiquant aussi le nom du collectionneur qui l'avait rapportée du Gabon.

Elle a conservé une patine d'usage ainsi que des traces d'érosion créées par les prélèvements rituels. Les courbes sont parfaites sans erreur de ciselage. Cette pièce est estimée € 1,5M, lot 24.

Malgré la beauté naturaliste il est impossible de savoir si ce visage est celui d'un homme imberbe ou une femme. La coiffure en tresses ne permet pas de résoudre cette question dans la culture Fang. Il est probable que cette ambiguïté soit volontaire et puisse être liée à la très ancienne tradition Africaine d'interprétation hermaphrodite de l'ancêtre primordial.

Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par Sotheby's.

La Microscopie des Transparents

L'amélioration des instruments pousse le progrès de toute la science. Par exemple le microscope à contraste de phase permet de visualiser les objets transparents. Cette technique qui a rendu périmé l'usage des colorants permet d'inspecter les micro-organismes vivants sans les altérer.

L'inventeur, Frits Zernike, étudiait depuis 1930 à l'Université de Groningen les modifications des lignes spectrales par les réseaux de diffraction. Il observe que les erreurs d'images dans les réseaux concaves sont dues à un déphasage des rayons diffractés.

Zernike a l'idée de révéler visuellement cette perte de cohérence en produisant des interférences avec un faisceau de référence et publie en 1933 dans un congrès l'application à la microscopie. Personne n'est convaincu.

Pendant la guerre les scientifiques Nazis cherchent à exploiter toutes les inventions qui peuvent leur apporter un avantage technologique. Ils comprennent enfin l'intérêt du concept proposé par le physicien Hollandais. Mandaté par le pouvoir, la société Zeiss fabrique en 1941 ce microscope à contraste de phase qui deviendra après la guerre un instrument indispensable pour les microbiologistes du monde entier.

Le prix Nobel de Physique est décerné à Zernike en 1953. Sa médaille est estimée $ 100K à vendre par Bonhams à New York le 6 décembre, lot 98.


28 nov. 2017

La Clairvoyance de Darwin

De 1831 à 1836 Charles Darwin est naturaliste à bord du HMS Beagle dans son tour du monde. Il conçoit l'idée que les races s'adaptent à l'environnement de vie et qu'un mécanisme de transmission héréditaire de ces modifications génère la différenciation des espèces. Avec une grande clairvoyance il sait qu'il devra apporter des preuves irréfutables et éviter toutes les polémiques religieuses et dogmatiques. Pendant vingt ans il accumule les observations et les monographies.

Les convictions scientifiques d'Alfred Russel Wallace concernant l'évolution des espèces sont très proches de celles de Darwin. Ils font une présentation cohérente en 1858 dans la même session de la Linnaean Society of London. Les amis de Darwin le poussent à publier enfin ses résultats. Ils ont raison : d'autres concurrents n'auront peut-être pas le fair play de Wallace.

Darwin ne peut toujours pas préparer un simple résumé. Il n'a pas non plus confiance dans les comités de lecture des éditeurs scientifiques. Pour ces raisons c'est un gros volume destiné au grand public qui est enfin publié en 1859 à Londres par John Murray sous le titre On the Origin of Species by Means of Natural Selection. Un exemplaire non coupé dans sa reliure d'origine a été vendu pour £ 270K incluant premium par Christie's le 12 juillet 2017.

Suivant sa propre pratique Darwin ne peut pas s'arrêter à cette première édition, pour deux raisons. D'abord il doit y insérer au fur et à mesure le résultat de ses nouveaux travaux. Le premier d'entre eux sur les orchidées démontre la difficulté pour un biologiste à démêler le polymorphisme au sein d'une même espèce.

Ensuite il sait qu'il doit encourager les traductions pour mieux contrôler leur contenu. Il a raison : son premier traducteur allemand, Heinrich Georg Bronn, a introduit quelques convictions religieuses.

En 1862 Darwin prépare les modifications à prendre en compte par Bronn en annotant un exemplaire de la troisième édition anglaise. Les 200 pages envoyées à Bronn ont été ultérieurement reliées ensemble dans un volume qui vient de faire surface. Il ne contient pas quelques modifications plus longues préparées sur papier libre. Cet important document est estimé £ 300K à vendre par Christie's à Londres le 13 décembre, lot 211.

La plupart des modifications demandées à Bronn sont aussi incorporées dans la quatrième édition anglaise publiée en 1866. Il y manque encore l'achèvement ultime des théories de l'évolution qui est son application à l'espèce humaine. En 1871 Darwin se sent désormais assez fort pour résister à toutes les idées préconçues depuis plus de 2000 ans sur ce thème et publie enfin The Descent of Man.

27 nov. 2017

L'Esquisse de la Démocratie

Eugène Delacroix est ambitieux. Il veut que sa peinture soit un emblème du modernisme. Il utilise comme thèmes d'histoire certains évènements contemporains dont la guerre d'indépendance de la Grèce. Contre le classicisme d'Ingres, il offre le renforcement de l'émotion par des couleurs vives. La mort brutale de Géricault le porte prématurément au rang de chef de file de l'art romantique en France.

La voie qu'il choisit est difficile : sans aucun personnage reconnaissable contrairement à la tradition de David et Gros, Delacroix devra démontrer son propre génie pour trouver des patrons. Les contemporains lui reprochent la saleté de ses personnages de guerre. Son réalisme anticipe Courbet.

En 1830 les évènements violents surviennent aussi à Paris. Les barricades des Trois Glorieuses transfèrent la monarchie française des Bourbons aux Orléans. Delacroix n'avait aucune raison de participer à cette nouvelle révolution : les deux branches de la famille royale étaient ses clients.

Battu dans les concours habituels de cette époque sur des thèmes historiques prédéterminés, Delacroix sent bien qu'il peut être le premier à exprimer l'ambiance héroïque des Trois Glorieuses pour plaire au nouveau régime.

Déjà à propos de la guerre Grecque, Delacroix avait montré le peuple combattant et meurtri, et aussi une Victoire féminine inspirée de l'art antique dans une oeuvre séparée. Pour son travail sur les Trois Glorieuses il a l'idée très innovante de mêler les deux thèmes dans une seule peinture héroïque de très grande dimension. Il commence aussitôt à préparer des dessins.

Le succès est mitigé. Présentée en 1831 au Salon de Paris sous le titre un peu fade de Scènes de Barricades, la peinture à l'huile 260 x 325 cm également intitulée 28 juillet est achetée par le roi puis escamotée par un ministre au bout de quelques mois avec le prétexte très compréhensible d'être une incitation à l'émeute. Acceptée par le Louvre au début de la Troisième République, cette Liberté guidant le peuple devient le symbole de la démocratie.

Le 14 décembre à Londres, Christie's vend une toile 64 x 85 cm qui est certainement la première esquisse à l'huile faite par Delacroix pour cette Liberté. Elle est estimée £ 700K, lot 8. Des traces restantes d'un changement d'orientation de la toile permettent de statuer que cette peinture est autographe. Elle est un précieux témoignage du processus créatif d'un des chefs d'oeuvre les plus universellement admirés de la peinture française.

26 nov. 2017

Le Rouleau d'Alchimie

L'alchimie est basée sur un axiome selon lequel tout ce qui semble indépendant est cependant connecté. Un habile opérateur pourra ainsi transmuter les éléments et les métaux, établir et utiliser les relations entre le mental et le physique, créer dans son laboratoire de nouvelles formes de vie, simuler les phénomènes mystiques.

Les alchimistes se donnent à cette fin deux objectifs principaux : créer l'or à partir du soufre et du mercure et fabriquer l'elixir de vie. Dans l'état des connaissances au Moyen-Age ces recherches n'étaient pas aberrantes. On savait dorer les métaux et prescrire des potions guérissantes, et il s'agissait d'obtenir la perfection par une transmission initiatique des observations empiriques et par de nouvelles expériences au laboratoire.

Les premiers chimistes ont été des alchimistes particulièrement habiles ou chanceux mais aucun d'entre eux n'a pu trouver la pierre philosophale ni l'elixir. L'alchimie est tombée en désuétude et devenue un objet de réprobation quand les mécanismes de l'univers ont été expliqués par des principes démontrables. Contrairement à l'astrologie qui n'est que spéculative, l'alchimie est un précurseur périmé de la science moderne.

Le rouleau de Ripley est une synthèse manuscrite de l'alchimie. Il est connu en 23 exemplaires très similaires entre eux. Les textes sont partiellement en Middle English du XVème siècle et sa désignation est un hommage au plus connu des alchimistes anglais de cette époque, George Ripley. Les dates de ces copies s'étendent du milieu du XVIème siècle jusqu'au XVIIIème siècle. L'histoire antérieure de cette oeuvre n'est pas connue.

L'illustration du rouleau de Ripley est une parodie des enluminures chrétiennes, depuis la création en alambic de l'homme et de la femme par l'alchimiste et ses assistants jusqu'à la libération des monstres de l'Apocalypse. La transition ininterrompue d'une action à l'autre en déroulement vertical se lit comme une bande dessinée fabuleuse. La comparaison avec le christianisme s'arrête là, et le mode d'emploi du rouleau de Ripley dans le cabinet secret des alchimistes reste un mystère.

Un seul rouleau de Ripley reste en mains privées. C'est un assemblage de sept membranes de vélin de largeur variable pour une longueur totale de 3,70 m. Il est daté 1624 au colophon et signé par un artisan actif à Manchester comme illustrateur héraldique. Ce manuscrit fantastique est estimé £ 200K à vendre par Christie's à Londres le 13 décembre, lot 22. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'Ecole de Derby

Les Midlands sont au coeur de la toute première révolution industrielle. Les progressistes se regroupent à Birmingham autour d'Erasmus Darwin, énergique et flamboyant animateur du Lunar Circle. Les inventions techniques et les découvertes scientifiques sont nombreuses et fondamentales.

Joseph Wright est connu sous son pseudonyme Wright of Derby. Il vit dans cette ville des East Midlands mais connaît bien Darwin. Ce jeune artiste enthousiaste du nouvel Enlightenment peint les scènes d'expériences scientifiques dans un style de chiaroscuro.

A la même période les artistes se réunissent en clubs plus ou moins formels pour mieux vendre leur art au moyen des expositions. Wright of Derby est membre de la Society of Artists of Great Britain. Pour préserver sa liberté de style et de thème, il refuse de se joindre aux sécessionnistes qui créent la Royal Academy of Arts en 1768.

Le 6 décembre à Londres, Sotheby's vend An Academy by Lamplight, huile sur toile 127 x 102 cm peinte en 1769 par Wright of Derby, lot 11 estimé £ 2,5M.

Un groupe de garçons est occupé à dessiner l'image d'un marbre antique posé sur un meuble ou un piédestal. Selon leur âge ils sont plus ou moins captivés par cette figure de la célèbre Nymphe Borghese, dans une liberté d'action qu'ils n'auraient décidément pas avec l'enseignement dogmatique des amis de Reynolds.

Cette scène nocturne est éclairée par la lumière chaude d'une bougie hors champ qui donne au marbre une nuance de chair. La statue grandeur nature participe à l'ambiance et la fascination qu'elle exerce sur un des garçons les plus âgés démontre le lien entre l'art et la vie.

25 nov. 2017

Le Monde en Douze Fuseaux

Christophe Colomb est de retour de son premier voyage en mars 1493. A qui vont appartenir les terres qui restent à découvrir ? Le nouveau pape Alexandre VI qui est d'origine Espagnole se précipite : à l'ouest d'un méridien à cent lieues au large des Açores, tout doit appartenir à la Castille. Les Portugais bénéficiaient d'un privilège antérieur sur les terres à évangéliser au large de l'Afrique.

Les navigateurs des deux pays intensifient leurs explorations. Cette compétition se complique quand on s'aperçoit que la ligne de partage traverse le Nouveau Monde. Amerigo Vespucci est un agent double qui acquiert ainsi la meilleure connaissance globale. Dans sa lettre publiée en 1504 sous le titre Mundus Novus, il démontre que le Nouveau Monde s'étend si loin vers le sud qu'il ne peut pas être l'Asie. Il a identifié l'existence d'un nouveau continent.

La publication de Vespucci démontre l'insuffisance des cartes régulièrement remises à jour dans la suite de Ptolémée pour décrire le monde. Le duc René II de Lorraine crée à Saint-Dié-des-Vosges une équipe composée du cosmographe Ringmann et de l'imprimeur Waldseemüller avec pour mission de créer de nouvelles cartes accompagnées d'un traité de géographie et d'amender Ptolémée.

Waldseemüller réalise cette cartographie en 1507 en deux représentations : un planisphère en quatre colonnes de trois lignes et un ensemble de douze fuseaux adjacents à détourer pour être collés sur une boule en bois. La brochure est intitulée Cosmographiae Introductio.

Le globe en forme de boule avait été inventé par Behaim en 1492. Les fuseaux de Waldseemüller sont la première utilisation de l'imprimerie pour ce type d'objet. En terme de géographie les avancées sont très significatives. Basées sur des informations restées confidentielles du fait de la rivalité entre la Castille et le Portugal, elle inclut pour la première fois un océan entre le Nouveau Monde et l'Asie et quelques détails très précis comme la protubérance de la Floride.

Il fallait donner un nom à ce nouveau continent. Colomb était mort l'année précédente. La nouvelle cartographie n'aurait pas pu être réalisée sans les apports fournis par Vespucci. L'équipe de Saint-Dié construit le nouveau nom : America.

Cinq exemplaires des fuseaux de Waldseemüller contemporains des éditions de 1507 à 1509 sont connus. Parmi eux un ensemble détouré 18 x 34 cm hors tout a été vendu pour £ 550K incluant premium par Christie's le 8 juin 2005.

Une feuille de papier vergé non découpée 31 x 43 cm de même surface imprimée que l'exemplaire ci-dessus est estimée £ 600K à vendre par Christie's à Londres le 13 décembre, lot 97. Elle avait été utilisée comme rebut pour le bourrage d'une reliure et vient de faire surface dans les archives d'un artisan mort en 1986.

24 nov. 2017

La Vallée de Constable

On peut légitimement attribuer le surnom de Constable Country à cette région de la Stour Valley où John Constable a passé tant d'heures à exprimer l'harmonie bucolique du paysage.

En 1814 les amis de l'artiste sont désolés. Il travaille en atelier à partir d'esquisses à l'huile réalisées en extérieur et le résultat n'a pas la finition d'un chef d'oeuvre. Qu'il prenne donc exemple sur Claude Lorrain ! Constable adopte alors un nouveau processus par lequel il commence le travail en plein air dans le format final.

Cette phase intermédiaire qui dure jusqu'à son déménagement à Londres en 1816 a excité son ambition. De 1819 à 1825 il peint ses six footers dans son atelier en s'appuyant sur ses oeuvres antérieures, sur sa mémoire et sur sa sensibilité.

Une scène montrant la vallée inondée vient d'être ré-attribuée à Constable en raison de l'extrême qualité de sa réalisation qui correspond avec sa technique des années 1814 à 1816. Cette huile sur toile 51 x 91 cm est atypique dans l'art de Constable par ce thème d'inondation et par son avant-plan avec un troupeau dans le goût Hollandais.

L'attribution à R.R. Reinagle avait paru plausible. Cet artiste était connu comme copiste des maîtres Hollandais et avait travaillé dans la vallée de la Stour pendant l'inondation de 1799. Ce n'était cependant pas suffisant pour rejeter l'attribution à Constable.

Jusqu'à son succès avec les six footers Constable avait essentiellement une clientèle locale. L'hypothèse selon laquelle un patron lui aurait demandé une composition spécifique est plausible. Cette oeuvre semble être le cadeau de mariage commandé en 1814 à Constable pour la fille du propriétaire de ces prés par son riche mari.

Cette peinture est estimée £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 6 décembre, lot 40. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


Squelettes de Mammouth

Les très grosses espèces de mammifères terrestres n'ont pas survécu aux changements climatiques. Leur champion était le baluchitherium, un rhinocéros pouvant atteindre 4,80 m au garrot. Il s'est éteint il y a 23 millions d'années.

Le mammouth laineux (Mammuthus primigenius) occupe une place à part dans notre imaginaire. Nos ancêtres ont peint son image sur les parois des grottes. Sa morphologie est très proche de l'éléphant d'Asie dont il se distingue par l'extension des défenses, indispensables pour attraper la nourriture en fouissant la neige.

Parmi les espèces disparues, le mammouth laineux intéresse au plus haut point la biologie contemporaine. La découverte de corps gelés avec un ADN bien préservé permet d'espérer la régénération de l'espèce.

Le 16 décembre à Lyon, Aguttes vend le squelette d'un gros spécimen de Mammuthus primigenius, lot 55 estimé € 450K. Il est haut de 3,40 m avec la tête droite, long de 5,40 m et conservé à 80 %. Ses très belles défenses conservées à 90 % sont recourbées sans être symétriques, pesant respectivement 62 Kg pour une longueur linéaire de 3,32 m et 76 Kg pour 3 m. Il a été prélevé en Sibérie.

L'inspection détaillée donne des informations sur l'histoire médicale de ce vieux mâle, probablement mort d'une nécrose de la mandibule inférieure qui ne lui permettait plus de s'alimenter.

Le squelette vendu le 26 novembre 2014 pour £ 190K incluant premium par Summers Place était un mâle de dimension similaire sauf que les défenses étaient plus petites. Il était complet à 90 %. Parmi les spécimens dont le taux de préservation et les dimensions des défenses n'étaient pas spécifiées au catalogue, citons Le Président vendu pour € 310K incluant premium par Christie's le 16 avril 2007 et un autre squelette vendu pour € 240K incluant premium par Sotheby's le 2 octobre 2012.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Aguttes.


23 nov. 2017

Nadejda en Costume Russe

Nikolai Fechine est élève de Repine à l'Académie Impériale des Arts à Saint-Petersbourg. En 1908 le départ du maître libère la créativité de l'élève qui revient dans sa ville natale de Kazan.

Le 28 novembre à Londres, Sotheby's vend un portrait de Nadejda Sapojnikova peint par Nikolai en 1908, huile sur toile 142 x 90 cm, lot 39 estimé £ 1,2M. Conformément à l'intérêt montré par Nikolai pour le monde rural, la jeune femme porte un ample costume Russe typique des années 1840. Un peu plus âgée que Nikolai, Nadejda est son élève à Kazan et sans doute aussi une inspiratrice de son nouveau style.

Elle est assise et penchée dans une attitude dynamique accentuée par une composition diagonale. La vigoureuse peinture au couteau en impasto estompe les traits. Ce portrait présente déjà l'énergie vibrante et l'intensité psychologique qui caractérisent l'art de Fechine pendant toute sa carrière, d'abord en Russie puis aux Etats-Unis à partir de 1923. Cette peinture exposée en 1910 à Pittsburgh va pouvoir rivaliser avec Manet et Sargent.

Par sa qualité et son originalité l'art de Fechine a des adeptes. Peinte la même année que le portrait de Nadejda, une scène de mariage rural de dimensions ambitieuses, 186 x 282 cm, a été vendue pour $ 3,3M incluant premium par Sotheby's le 1er novembre 2011. Un sympathique portrait d'enfant en tenue de cowboy peint en 1940, 76 x 51 cm, a été vendu par Macdougall's en décembre 2010 pour £ 7M sur une estimation basse de £ 500K.

Le lot est vendu au bénéfice du fonds d'acquisition du San Diego Museum of Art. L'image est partagée par Wikimedia.


Les Pagaies de Danse de l'Ile de Pâques

Près de 900 colossales statues anthropomorphes de pierre délimitaient et surveillaient les espaces des cérémonies festives de l'île de Pâques. Les participants utilisaient une grande variété d'accessoires en bois dont le style va de la très fine expression des figures d'ancêtres à la sublime simplification des pagaies plates de danse incluant les ao et les rapa.

Les ao, de grande dimension, étaient réservés aux dignitaires. Plus courts et très minces, les rapa étaient utilisés par paires par les danseurs virtuoses qui les faisaient tournoyer, un dans chaque main. Ils n'ont pas d'équivalent dans les autres cultures tribales. Les plus grands rapa atteignent 1,20 m.

Le rapa a la forme d'un mince cylindre servant de poignée avec une pale plate à chaque extrémité. La partie haute a le contour d'une tête avec des excroissances pour les ornements d'oreilles. Les traits du visage dessinés à l'identique sur les deux faces sont seulement constitués de la double arche géométriquement parfaite du nez et des sourcils. La partie basse en forme de poire est l'abdomen. Elle est prolongée par un phallus. Les membres sont absents.

Un rapa de 82 cm de haut a été vendu pour € 1,9M incluant premium par Sotheby's à Paris le 10 décembre 2014 sur une estimation basse de € 300K.

Dans la même salle de ventes le 12 décembre au lot 7, un lot de deux rapa qui constituaient probablement une paire lors de leur collection est estimé € 1M. Seul l'un d'eux a le phallus. Ils mesurent respectivement 78 et 71 cm.

22 nov. 2017

Le Clivage de l'ADN

L'auto-défense de l'organisme contre les virus dépend de mécanismes de biochimie moléculaire. Les enzymes de restriction qui attaquent l'ADN du bactériophage ont été découverts par Werner Arber. En 1970 Hamilton Smith identifie un nouveau type d'enzymes de restriction dont l'action chimique bien plus ciblée vient toujours casser l'ADN au même endroit de la séquence de nucleotides.

Dès l'année suivante Daniel Nathans, collègue de Smith au Johns Hopkins Medical School à Baltimore MD, utilise ces enzymes pour sectionner de façon contrôlée des molécules d'ADN et établir pour la première fois la carte complète d'un virus.

Cette expérience réalisée avec son étudiante doctorante Kathleen Danna est une des plus importantes inventions de la microbiologie : en divisant la molécule en courts segments, elle facilite considérablement les analyses et ouvre la voie à l'utilisation de fragments d'ADN comme médicaments.

Le Prix Nobel en physiologie ou médecine est attribué à Arber, Nathans et Smith en 1978. Le 5 décembre à New York, Christie's vend au lot 199 estimé $ 400K un ensemble constitué de la médaille Nobel de Daniel Nathans dans son écrin, de son diplôme Nobel et de trois publications dont sa conférence Nobel.

Cet ensemble est vendu par la famille du lauréat pour doter le Hamilton Smith Award for Innovative Research décerné par la Johns Hopkins Medical School.

21 nov. 2017

Bouquets à Montparnasse

Pendant ses études à la Grande Chaumière, Sanyu dessine inlassablement les corps nus des femmes. Malgré sa très bonne compréhension des arts Asiatiques et Occidentaux, son approche est très originale : l'émotion peut provenir de l'équilibre entre les surfaces délimitées par les traits. Les détails figuratifs, les proportions et les perspectives sont sans importance. Cézanne avait raison : l'art ne peut pas copier la nature.

La rencontre avec le flamboyant collectionneur Henri-Pierre Roché en 1929 est décisive pour Sanyu. Ami de Leo et Gertrude Stein, Roché joue un rôle de découvreur de talents dans les communautés d'avant-garde de Montparnasse. Il promet à Sanyu de lui acheter toutes ses futures oeuvres.

Dégagé des contraintes matérielles, le jeune Chinois donne désormais libre cours à sa créativité. Il ajoute la couleur en suivant la recommandation de Roché de pratiquer la peinture à l'huile. Avec cette technique nouvelle pour lui, Sanyu explore les possibilités artistiques d'un thème trois fois centenaire : le bouquet de fleurs dans un vase.

Un fois de plus Sanyu va à l'encontre de toutes les conventions artistiques. Ses couleurs sont très peu contrastées soit en tons pastels soit dans le sombre. Sa couleur préférée est le rose dans une similitude entre la nature morte et le nu qui aurait pu le mener à l'expressionnisme abstrait. Le vase est réduit à son contour sans couleur et sans texture.

Le 22 novembre 2014 à Hong Kong, Christie's a vendu pour HK $ 47M incluant premium un Bouquet de roses dans un vase blanc, huile sur toile 81 x 50 cm datée 10 avril 1931. Le vase attire l'attention uniquement par un léger déséquilibre angulaire. La meilleure visibilité sur les feuilles que sur les fleurs est en opposition avec tous les académismes.

Le 25 novembre dans la même maison de ventes, un Bouquet de marguerites daté janvier 1931 est estimé HK $ 50M, lot 21.

Cette huile sur toile 81 x 45 cm apparaît comme une étude audacieuse d'asymétrie. Les bords blancs en bas et à droite simulent une fenêtre qui décentre le vase par illusion d'optique. Les fleurs sont en deux groupes séparés par des tiges nues. Le groupe du haut qui penche vers la gauche est contre-balancé par la composition des fleurs du bas. Dans cette composition sans perspective le vase stylisé est soit posé soit flottant.

Aluminium pour Chinetti

Conçue sur le châssis 250 GT avec une carrosserie cabriolet pour plaire aux clients Américains, le California Spider (ou Spyder) n'était pas prévu par Ferrari pour concurrencer en compétition la berlinette surnommée TdF construite sur le même châssis.

Il était cependant bien tentant de pousser la California dans la compétition. Luigi Chinetti fait l'intermédiaire entre Ferrari et les clients Américains. Après avoir été à l'origine du projet California, il obtient de Ferrari la livraison de Spiders carrossés en alliage d'aluminium.

En 1959 le châssis 250 GT est encore dans sa version longue qui sera plus tard désignée comme LWB. Pour les 24 heures du Mans de cette année-là, Chinetti et son équipe NART engagent trois Ferraris : une 250 Testa Rossa, une 250 TdF et un California Spider.

Sorti d'usine sous la pression de Chinetti cinq jours avant la compétition avec un simple flash de peinture et un aménagement intérieur loin d'être achevé, ce 250 GT LWB California Spider est le second de ce type dans la version Competizione. Conduite par son premier propriétaire et un co-pilote, cette voiture neuve termine la course avec un très bon résultat : 5ème toutes catégories et 3ème de sa classe. Elle figure ensuite honorablement dans diverses compétitions Américaines en 1959 et 1960.

Cette voiture de très haut de gamme avec un historique de compétition est d'autant plus désirable qu'elle a été restaurée en 2011 par Motion Products, la société de Wayne Obry. Elle est à vendre par RM Sotheby's à New York le 6 décembre, lot 141 estimé $ 14M.

L'un des sept (ou huit) autres Spiders LWB en carrosserie aluminium a été vendu pour $ 18M incluant premium par Gooding le 20 août 2016. Ferrari et NART n'ont pas poussé bien plus loin cette solution : trois Spiders SWB seulement ont été construits pour la compétition.

20 nov. 2017

Convulsions Surréalistes

Par ses origines cosmopolites, Wifredo Lam a toute légitimité pour être un militant du Tiers Monde contre la culture dominante de l'homme blanc, bien longtemps avant Basquiat.

Ses créatures fantastiques sont à la fois des humains et des dieux, même quand elles ressemblent à des sauterelles au visage impassible. Les attitudes de transes et danses frénétiques appartiennent au vaudou Cubain importé d'Afrique. Lam est trop lucide pour croire à de telles fables : ses personnages sont les symboles de la possibilité d'une contre-culture, astucieusement appuyés par le titre des oeuvres.

Progressivement l'artiste montre des scènes illuminées devant une nuit noire. En 1961 Tropique du Capricorne, 146 x 218 cm, admet encore quelques couleurs dans cette scène qui regroupe un mâle et une femelle au repos avec un cheval de Guernica.

Le 6 décembre à Paris, Sotheby's vend une huile sur toile de même dimension peinte en 1962, l'année de la crise des missiles de Cuba, lot 11 estimé € 2,5M.

Dans cette composition dans le style d'un collage monochrome sur fond noir, quatre créatures déshumanisées sont à la fois en lévitation et en convulsions. Elles sont menacées par l'épée de Damocles tandis qu'une flèche perdue part vers l'extérieur.

Le titre surréaliste, A trois centimètres de la Terre, est un message politique compréhensible par les initiés Vaudous. Il évoque l'oppression de l'esprit Oshoumaré à qui un dieu despotique Yorouba avait interdit de poser ses pieds sur terre.

Abstraction et Calligraphie

Zao Wou-Ki est passionné par l'art dès son enfance. Son grand-père lui enseigne la calligraphie. Plus tard en Europe, il utilise assez souvent dans son art abstrait cette philosophie spécifiquement Chinoise.

La calligraphie est un art visuel avec ses cinq nuances d'encre. Comme la graphologie occidentale, elle révèle le caractère et l'énergie de l'écrivain. Les empereurs utilisaient des caractères autographes immenses pour transmettre à la cour leurs préceptes moraux de Fils du Ciel.

Le message de Zao est tout d'abord essentiellement visuel. Quand il intègre des traits dans ses abstractions sur le thème des forces naturelles, ils ne sont pas lisibles. La synthèse viendra plus tard : en 1957 il intègre dans ses oeuvres les éléments de paléo-écriture des oracle bones.

Zao est attentif à tout ce qui peut exacerber son exceptionnelle énergie. Ses visites à New York lui apprennent à laisser la liberté au mouvement de la main, ce qui n'exclut pas une répétition du geste pour aboutir à un enchevêtrement illimité des couleurs. Il perd aussi toute réticence envers la monumentalité malgré les difficultés matérielles pour la mise en oeuvre, comme avait fait Rothko dix ans plus tôt.

Ses paysages abstraits deviennent superbes. 09.01.63 a été vendu pour HK$ 76M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2017. 29.09.64 a été vendu pour HK$ 153M incluant premium par Christie's le 27 mai 2017.

Peint entre ces deux oeuvres, 29.01.64, huile sur toile 260 x 200 cm, retrouve à la fois le format vertical et l'influence de la calligraphie impériale. Un paysage kaléidoscopique est masqué par un gigantesque signe aux lignes complexes dans lequel les Sinologues reconnaissent globalement le caractère signifiant amour ou longévité. Les occidentaux peuvent y voir un gros arbre dans la tempête.

29.01.64 est estimé HK$ 85M à vendre par Christie's à Hong Kong le 25 novembre, lot 24. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Méditation Franciscaine

Le Greco s'établit à Tolède en 1577. La ville a sept couvents Franciscains ainsi que trois confréries. La vie de St François est un appel à la fois mystique et commercial pour l'artiste qui en produit dix compositions différentes. En 1606 il diffuse des gravures pour inciter ses clients à lui commander des répliques.

François n'est pas un saint comme les autres. Sa conversion à la pauvreté est une révolution dans le monachisme médiéval. St François et St Dominique sont indépendamment l'un de l'autre les plus grands réformateurs de la vie catholique.

François pratique une prière mystique démarquée des interprétations des Evangiles qui facilite son interprétation par Le Greco. Le 7 décembre à Londres, Christie's vend une scène montrant St François et Frère Leo en méditation, huile sur toile autographe 110 x 65 cm, lot 14 estimé £ 5M.

Cette oeuvre est typique de la maturité Tolédane de l'artiste. L'expressivité des visages est contre-balancée par le corps très allongé du saint qui renforce l'impression de présence. La lueur mystique du jour pénètre dans la grotte. Le saint tient en main un crâne humain, symbole promu en 1548 par Ignace de Loyola comme la meilleure incitation à la contemplation.

La peinture 168 x 103 cm conservée à la National Gallery of Canada à Ottawa est considérée comme la version originale. Réalisée vers 1600 elle est comparable au St Dominique en prière dont une copie autographe 75 x 58 cm a été vendue pour £ 9,2M incluant premium par Sotheby's le 3 juillet 2013.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's concernant le St François de la prochaine vente.


19 nov. 2017

Des Corsets dans le Défilé de Mode

Le vêtement a le rôle social d'attirer l'attention sur la personne qui le porte. L'imagination d'Alexander McQueen est sans limite. Peu importe que ses pièces soient inutilisables en dehors des mises en scènes théâtrales des défilés de mode. En 1995 le couturier attire l'attention et la controverse en exhibant les pantalons bumsters qui sont portés très bas pour dénuder le haut des fesses.

Pour la joaillerie qui accompagne les robes, McQueen travaille avec Shaun Leane. Le 4 décembre à New York, Sotheby's en association avec Kerry Taylor vend une collection de pièces réalisées par Leane pour McQueen et provenant de ses archives personnelles. Elles sont présentées par Shaun Leane lui-même dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

En 1997 McQueen habille Björk pour la préparation de son album Homogenic. Elle porte sur la couverture un collier réalisé par Leane en cercles de laiton argenté imitant les ornements des femmes-girafes de Birmanie. Ce bijou est estimé $ 40K, lot 33.

Au risque d'effacer la féminité, McQueen demande à Leane de réaliser dans le même style un corset réalisé sur un moulage en béton du corps de la modèle Laura Morgan depuis le haut du cou jusqu'aux hanches. Cette pièce composée de 97 enroulements en aluminium est signée par McQueen et Leane et datée 1999. Elle est estimée $ 250K, lot 24.

Dans une inspiration similaire, le lot 12 également estimé $ 250K transforme la femme en pièce surréaliste. Ce corset en aluminium créé par Leane pour McQueen en 1998 est composé de la colonne vertébrale dans toute sa longueur avec une cage thoracique complète. La vidéo démontre très brièvement à 1:14 comment on peut le porter élégamment par-dessus un vêtement noir pailleté.



La Chanson des Années Perdues

Le long poème de Bai Juyi est un chef d'oeuvre de chanson réaliste, admirée pour son émotion intense, récitée et illustrée par les Chinois depuis qu'elle a été composée il y a 1200 ans sous la dynastie des Tang. Un politicien déchu part à la dérive dans une froide nuit d'automne jusqu'à ce qu'il entende le luth et le chant merveilleux d'une femme vieillissante qui a perdu ses attraits et a été chassée de la cour.

Ce poème inspire Fu Baoshi, très certainement dès ses années de formation au Japon. Dans sa conception innovante qui mêle tradition et modernisme, Fu considère que l'artiste doit être complètement imprégné du modèle littéraire pour en recréer l'ambiance.

En 1944 et 1945 par des essais de complication croissante, Fu compose son interprétation visuelle du poème de Bai, apportant tous les éléments significatifs : l'homme et la femme, les couleurs de l'automne au clair de lune. Il travaille à la même époque à l'expression des poèmes politiques de Qu Yuan qui l'imprègnent du rôle symbolique des fantômes dans le Taoïsme.

Le 28 novembre à Hong Kong, Christie's vend au lot 8801 un rouleau à accrocher 113 x 66 cm réalisé en 1945 du Song of the Pipa Player. Cette oeuvre avait été vendue dans la même salle le 30 novembre 2010 pour HK$ 70M incluant premium.

La composition est une des plus complexes réalisées par Fu sur ce thème. Elle montre aux extrémités de la diagonale deux groupes bien séparés de trois personnes chacun. Le groupe du premier plan est constitué de trois valets avec un cheval sellé. Le groupe principal composé du politicien-poète, d'un ami et de la femme musicienne apparaît au travers du grand arbre, rappelant la localisation dans le ciel des dieux du Taoïsme.

Fu exprime sa propre rencontre émotionnelle avec le poème de Bai. Les figures sont finement dessinées dans la tradition de la figuration Japonaise, permettant de montrer la tristesse dans le visage de la femme et les larmes dans les yeux du poète.

18 nov. 2017

Le Thesaurus d'Amsterdam

Le port d'Amsterdam est une plaque tournante du commerce international. Expert en affaires maritimes et treize fois bourgmestre, Nicolaes Witsen organise les relations avec l'Asie et la Sibérie. Grâce à lui Amsterdam contrôle le commerce du café depuis les Indes Néerlandaises jusqu'à l'Amérique du Sud. Il soutient également le travail scientifique de l'exploratrice et naturaliste Maria Sybilla Merian au Surinam.

Dans ce contexte hautement favorable aux sciences naturelles, Albertus Seba s'établit vers 1700 comme pharmacien près du port d'Amsterdam. Il demande aux marins de lui rapporter les plantes exotiques qui serviront à ses préparations d'apothicaire et les animaux, coquillages et minéraux qui constitueront son cabinet de curiosités.

En 1717 le Tsar Pierre le Grand effectue sa seconde visite à Amsterdam. Vingt ans plus tôt il avait été introduit par Witsen auprès de Ruysch qui lui avait enseigné comment attraper les papillons. A l'occasion de sa nouvelle visite le Tsar achète dans leur totalité les collections d'histoire naturelle de Ruysch et de Seba.

Le processus d'approvisionnement de Seba était intarissable. Il constitue après cette vente une nouvelle collection encore plus importante que la précédente et décide d'en établir et publier un catalogue avec l'aide des meilleurs savants et graveurs. Sa classification par caractéristiques physiques influencera directement Linné qui lui rend visite deux fois en 1735.

Seba meurt en 1736 alors que seuls les deux premiers volumes de son Thesaurus avaient été publiés, en 1734 et 1735. L'édition sera achevée avec les troisième et quatrième volumes en 1758 et 1765. Cette histoire naturelle par Seba est un travail splendide en format grand in-folio 50 x 34 cm, et en quelque sorte la contre-partie pour les animaux du chef d'oeuvre de la botanique, l'Hortus Eystettensis publié par Besler en 1613.

Le 28 novembre à Paris, Christie's vend un exemplaire complet du Thesaurus de Seba, lot 547 estimé € 350K. Sa reliure à la mosaïque est exceptionnelle : les deux premiers volumes ont été reliés par le maître Hollandais Mandelgreen. Les deux volumes tardifs ont été reliés dans un style identique sans perte de qualité du travail.

Sous le Ciel du Greco

Pendant son premier séjour en Europe, Diego Rivera avait été ébloui par l'art de Cézanne considéré comme une ouverture vers une créativité sans restriction. Il revient en 1912 après un aller et retour au Mexique où le gouvernement a renouvelé sa bourse d'études.

Séjournant en Espagne, Diego observe le caractère intemporel de l'art du Greco. Hostile à la mystique chrétienne, il tente une application moderne des solutions trouvées par le Greco. Le grand peintre hagiographe de la fin du XVIème siècle n'avait jamais dévoilé s'il avait des convictions religieuses. Cela convient certainement à Diego, ardent militant socialiste descendant d'une famille juive convertie de force au catholicisme.

Diego peint en 1912 une vue de Tolède dans l'imitation directe du Greco. La même année il trouve dans le relieur espagnol Hermenegildo Alsina âgé de 23 ans le jeune homme élégant et longiligne de très haute taille qui pourra être l'incarnation moderne des personnages mystiques du Greco. Le parapluie remplace la sainte croix.

Le 21 novembre à New York, Sotheby's vend Retrato de un español, huile sur toile 199 x 165 cm peinte par Diego Rivera en 1912, lot 7 estimé $ 3M. L'homme est debout en grandeur nature devant un ciel tourmenté à la manière du Greco au-dessus de l'horizon bas d'un aride paysage Espagnol.

Après cette très brève période inspirée du Greco, Diego participe à partir de l'année suivante aux recherches modernistes des Cubistes.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

17 nov. 2017

La Décadence des Infirmières

Jusqu'en 2003, les Nurses de Richard Prince cachent gentiment leurs chagrins d'amour derrière leurs masques d'hôpital, conformément aux couvertures des romans de quatre sous d'après-guerre qui leur ont servi de modèles. L'artiste a-t-il voulu honorer ou avilir la condition de la femme ? Elle est en blouse pour faire son difficile travail et pourtant elle est préoccupée par sa propre sexualité et attire les aventures.

Sans changer de technique, le ton change à partir de 2004 pour devenir franchement trash. Des coulures de peinture apportent des souillures. Le rouge évoque le crime de sang dont elles sont coupables ou victimes. Prince prend aussi quelques libertés en récupérant d'autres pseudo-titres qui ne correspondent plus aux couvertures d'origine.

S'il restait encore un doute sur la moralité de ces filles, il est levé par une Intimate Nurse presque entièrement nue, réalisée en 2004, vendue pour $ 910K incluant premium par Christie's le 8 novembre 2005. La Runaway Nurse 280 x 168 cm datée 2005-2006 a troqué sa blouse blanche contre une robe de luxe aux épaules nues. Elle a été vendue pour $ 9,7M incluant premium par Christie's le 10 mai 2016.

Le 26 novembre à Hong Kong, Phillips vend Nurse Kathy, lot 15 estimé HK $ 31M. Juste au-dessus du masque les yeux et le haut du nez sont ensanglantés mais l'ambiguïté attire difficilement la pitié. Cet acrylique et jet d'encre 214 x 137 cm est daté 2006-2008 au dos. La double date est confirmée sur le site web de l'artiste. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Unmasking Richard Prince's 'Nurse Kathy', 2006- 2008 from Phillips on Vimeo.

Les Traceurs Radioactifs

Les jeunes chercheurs physiciens et chimistes se réunissent à Manchester dans le prestigieux laboratoire de Rutherford. Après avoir constaté en 1911 l'impossibilité de séparer chimiquement le radium-D du plomb dans le pechblende, George de Hevesy envisage d'utiliser les isotopes radioactifs comme marqueurs chimiques.

L'année suivante de Hevesy fait la connaissance de Niels Bohr à Manchester. Les conceptions nouvelles de Bohr sur le modèle atomique aboutissent à la séparation en 1923 par Coster et de Hevesy du hafnium et du zirconium. Le hafnium a été le tout dernier élément non radioactif à être découvert, comblant une lacune dans le tableau de Mendeleïev.

A la même époque de Hevesy commence à utiliser les marqueurs radioactifs pour l'étude des réactions chimiques. Son analyse des proportions des éléments stables dans les fèves ouvre la voie à la radio-chimie médicale. Le prix Nobel de chimie lui est réservé en 1943 pour ces travaux puis attribué formellement l'année suivante.

Le 23 novembre à London, Morton and Eden vend au lot 77 quatre médailles reçues par de Hevesy, incluant la médaille Nobel datée 1944 et les rares et prestigieuses médaille Copley décernée en 1949 par la Royal Society et Atoms for Peace décernée en 1958. Cet ensemble est estimé £ 120K. Voici les liens vers le site de la maison de ventes et le communiqué de presse partagé par Artdaily.

De Hevesy a fait la plus grande partie de sa carrière au Niels Bohr Institute à Copenhague. En 1940 les Allemands envahissent le Danemark et la possession d'or devient interdite. De Hevesy dissout dans l'eau régale les médailles Nobel de von Laue et Franck qui étaient entreposées dans cet établissement. Une fois la paix revenue, il régénère l'or et l'envoie au comité Nobel qui re-frappe les deux médailles et les renvoie en 1952 à leurs lauréats d'origine.

15 nov. 2017

Les Vierges Pensives par Botticelli

Influencé par les humanistes, Sandro Botticelli est revenu à Florence après un court séjour à Rome où ses talents n'avaient pas été suffisamment reconnus. Dans les années 1480 il mène en parallèle les thèmes mythologiques et religieux, à la recherche de l'expression suprême de la beauté.

Depuis la vision de Béatrice par Dante, une jolie femme qui meurt prématurément est un symbole de perfection parce que sa beauté est inaccessible et inaltérable. A la cour des Medicis, Simonetta joue ce rôle posthume : elle est morte en 1476 à l'âge de 22 ans et son souvenir continue à enchanter les artistes.

Le visage parfait de la jeune femme aux longs cheveux blonds est pensif ou triste. Quand Botticelli l'utilise sur un nu comme La Naissance de Venus vers 1485, il n'y a aucune vulgarité : elle est pudique et son attitude est inspirée par la sculpture antique et sa ré-interprétation Florentine.

Le même visage personnalise aussi Marie, comme dans La Vierge à la grenade, un tondo de 143 cm à la tempera sur panneau peint vers 1487. La Vierge et l'Enfant sont entourés d'anges mais les symboles mystiques sont quasiment inexistants dans cette oeuvre où les personnages sont habillés à la mode de la cour de Florence.

Appréciées à Florence jusqu'à la révolution culturelle de Savonarole, les oeuvres religieuses de Sandro sont copiées pour des usages de dévotion privée sur des panneaux rectangulaires par le maître assisté de son atelier. Une Vierge à la Grenade rehaussée d'or sur panneau 90 x 59 cm est estimée € 500K à vendre le 29 novembre par Audap et Mirabaud à Paris, Hôtel Drouot, lot 31.

L'attitude de la Vierge et de l'Enfant est très similaire au modèle du tondo. L'enfant nu regarde vers le haut, communiant avec les pensées tristes de sa mère préoccupée par le pressentiment de la Passion symbolisée par le fruit rouge. Les autres personnages ont disparu, remplacés par un agréable paysage au travers d'une fenêtre.

13 nov. 2017

La Suite Petiet

Ambroise Vollard savait travailler sur le long terme. Quand il se met d'accord avec Picasso pour l'édition de cent gravures originales, il définit déjà le tirage final : 50 exemplaires de luxe à grandes marges 51 x 39 cm et 260 exemplaires à petites marges 44 x 34 cm. Picasso commence en 1930, trouve un regain d'intérêt avec un changement d'imprimeur autour de 1933 mais ne fournit les dernières plaques qu'en 1937.

Vollard meurt en 1939 dans l'exercice de sa profession un peu comme Eschyle, soi disant parce qu'un cahot a déséquilibré une statue qui lui est tombée sur la nuque sur le siège arrière d'une voiture dans laquelle il dormait. La collection des cent images n'avait pas de titre et n'en aura jamais. Elle sera connue sous le nom de La Suite Vollard.

Vollard venait de commencer à diffuser la Suite. Picasso avait numéroté et signé 15 ensembles. Vers 1941 le marchand Henri M. Petiet récupère tout le stock qu'il fait signer à Picasso au fur et à mesure des ventes depuis sa première commercialisation en 1950 jusqu'à sa dispute avec l'artiste en 1969.

Les séries complètes en format de luxe sont rares. L'une d'elles incluant dix feuilles numérotées par Picasso a été vendue pour CHF 2,65M incluant premium par Kornfeld le 15 juin 2012. L'exemplaire assemblé par l'imprimeur Lacourière pour sa collection personnelle a été vendu pour $ 2,53M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2016.

Le stock Petiet était réparti entre les deux formats. Une série de luxe signée par Picasso a été vendue pour £ 2,65M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2013.

Petiet était un grand marchand mais aussi un collectionneur exigeant. Curieusement la Suite Vollard qu'il avait conservée pour sa collection est au format en petites marges. Elle a été entièrement signée par Picasso.

Il a fallu 50 sessions de ventes depuis 1991 pour disperser en 12 000 lots la collection d'estampes de Petiet. Sa Suite Vollard avait été gardée pour la toute dernière vente. Elle est estimée € 1,2M à vendre par Ader-Nordmann à Paris le 25 novembre, lot 317.

Première Visite aux Rocheuses

Les peintres du Groupe des Sept aiment trouver l'abstraction dans les paysages. La première visite de Lawren Harris dans les Montagnes Rocheuses en août et septembre 1924 en compagnie de A.Y. Jackson est décisive pour son art.

La méthode de prise de vues est classique : Harris réalise des croquis au crayon pendant ses excursions. De retour dans son atelier il observe les principes géométriques de ses propres panoramas et les met en valeur avec des couleurs vives.

Le 22 novembre à Toronto, Heffel vend une vue des montagnes partiellement enneigées au-dessus du lac Maligne dans la province d'Alberta. La neige immaculée attire le regard vers la partie haute et révèle les plis tectoniques difficile à observer dans le reste de l'image.

Datée 1925 cette huile sur toile 103 x 133 cm a été exposée en 1926 dans une galerie de Toronto. Les détracteurs ne savent plus si l'artiste veut leur montrer un paysage déshumanisé ou une ombrelle.

Encouragé par ces protestations, Harris va encore plus loin. Il peint la même année son chef d'oeuvre intitulé audacieusement Mountain Form. Le format 152 x 178 cm est encore plus grand et la beauté géométrique de la montagne est mise en valeur par la suppression des reliefs secondaires. Cette huile sur toile a été vendue pour $ 11,2M CAD incluant premium par Heffel le 23 novembre 2016.

Revenons aux montagnes du lac Maligne de la prochaine vente. L'huile sur toile est estimée $ 2,5M CAD, lot 118. Elle est illustrée sur le communiqué de presse annonçant la vente. Le lot suivant de la même vente, 119, est son esquisse au graphite 11,4 x 19,7 cm estimée $ 8K CAD.

L'Aube des Conscrits

Le début du XXème siècle était marqué par un espoir vers le modernisme et rien ne semblait pouvoir arrêter l'imagination des avant-gardes artistiques. La Première Guerre Mondiale est une catastrophe humaine et culturelle, tuant en masse les jeunes hommes et traumatisant pour toujours les survivants.

C.R.W. 'Richard' Nevinson était un jeune artiste anglais proche du mouvement Futuriste. Il s'engage comme ambulancier et participe en novembre 1914 à la bataille d'Ypres.

Sa santé se dégrade rapidement. Pendant ses convalescences, il peint la guerre dans sa vie de tous les jours, une corvée sans liberté et sans honneurs. En France la conscription était obligatoire : les soldats n'avaient pas choisi l'héroïsme. Nevinson utilise alternativement plusieurs techniques modernistes mais ses images racontent en fait la même histoire anonyme que les photos rapportées par les poilus.

Le 21 novembre à Londres, Sotheby's vend A Dawn (1914), huile sur toile 57 x 48 cm peinte en 1916, lot 5 estimé £ 700K. Cette peinture avait figuré à la Leicester Gallery à l'automne 1916 dans une exposition solo applaudie par Winston Churchill et George Bernard Shaw.

La foule des soldats français occupe toute la largeur de la rue. Aucun spectateur n'acclame leur passage, il n'y a aucun signe de reconnaissance aux fenêtres. La scène est rythmée par les positions des baïonnettes. Les visages des premiers rangs sont différenciés. A partir du cinquième rang cette foule anonyme forme la mosaïque cubiste de la multitude des soldats inconnus.

12 nov. 2017

Les Créatures d'Amsterdam

En 1985 à Amsterdam la Galerie Paul Andriesse consacre une exposition solo à Marlene Dumas sous le titre Les Yeux des Créatures de la Nuit.

Née en Afrique du Sud, Dumas est alors établie depuis dix ans en Hollande où elle a effectué des études d'art et aussi de psychologie. Ses amis des communautés artistiques d'Amsterdam l'intéressent par leur vie nocturne, leurs vices et leurs désarrois.

Sous les mauvais éclairages les visages sont blafards et maladifs. Les gens de la nuit contre-balancent leur banalité par leur envie de plaisir. Leurs portraits peints par Dumas bien au-delà de la grandeur nature anticipent de quelques années l'expression de la vraie laideur par les Young British Artists dont Jenny Saville. Elle travaille d'après des photographies comme avait fait Francis Bacon.

Le 16 novembre à New York, Phillips vend une huile sur lin 125 x 211 cm intitulée Les doigts jaunes de l'artiste peinte par Marlene Dumas en 1985, lot 13 estimé $ 2,2M, ayant fait partie du groupe des Yeux des créatures de la nuit.

Cette oeuvre est un diptyque constitué de deux portraits sur fond noir. Les deux personnages regardent devant eux et s'ignorent l'un l'autre comme les solitaires de Munch. A gauche l'homme hébété par la nuit a les doigts jaunis par la peinture fraîche mais aussi par l'abus du tabac. A droite la jeune femme qui est une assistante d'Andriesse a les yeux trop grand ouverts et cache sa bouche derrière un verre de vin rouge.

Le Regard de Dracula

Acteur de théâtre à Broadway avec une petite expérience du cinéma, Bela Lugosi trouve en 1927 le rôle qui convient à sa personnalité atypique et à ses origines dans l'ouest de l'actuelle Roumanie : Dracula. Il présente un jeu de scène terrifiant avec son regard hypnotisant, ses grands bras et ses longs doigts qu'il est facile de rendre crochus. Il n'a même pas besoin d'être maquillé.

Sa réussite au théâtre lui permet d'obtenir en 1931 le rôle-titre du film Dracula présenté par Carl Laemmle pour Universal Pictures. Le cinéma parlant est encore à ses débuts. La voix forte aux intonations terribles de Lugosi est sans doute pour beaucoup pour l'attribution de ce rôle.

Les affiches ont un rôle croissant dans le marketing des films. Quatre types en single sheet identifiées rétroactivement comme Styles A, B, C et F sont imprimés pour la sortie de Dracula. Les images sont très différentes entre elles. Une affiche de la scène de terreur Style F a été vendue pour $ 310K incluant premium par Heritage en mars 2009. Ce type est connu en trois exemplaires.

Le Style A est un portrait en gros plan de Lugosi. Toute la fascination est dans le regard. Cette superbe image 68 x 104 cm sans élément fantastique n'avait peut-être pas tous les atouts pour attirer le public. Elle est connue en seulement deux exemplaires. L'un d'eux récemment découvert est estimé $ 150K à ventre par Heritage à Dallas le 18 novembre, lot 86267. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Les films d'horreur d'Universal ont un succès phénoménal en 1931. Une affiche en trois feuilles pour Frankenstein a été vendue pour $ 360K incluant premium par Heritage le 28 mars 2015.


11 nov. 2017

Prestige en Or Blanc

Dans le haut de gamme des montres Patek Philippe des années 1950 la référence 2497 s'inscrit au côté du chronographe 2499 dont le boîtier et le cadran sont très similaires dans leurs versions de base.

La marque met bien des espoirs dans la 2497. Rompant avec sa pratique de numérotation séquentielle des éléments, elle réserve pour ce modèle et sa version étanche 2438/1 deux centaines de numéros de mouvements, de 888,000 à 888,199. 115 seulement de ces numéros sont utilisés pour la 2497 qui est une des plus rares productions de série.

La rareté n'empêche pas l'existence de variantes. Réalisée par commande spéciale pour un client qui voulait honorer l'empereur Haile Selassie, une 2497 assemblée en 1954 avec un cadran militaire a été vendue pour CHF 2,9M incluant premium par Christie's le 15 mai 2017.

Pendant très longtemps les riches clients réclamaient uniquement des boîtiers en or jaune ou rose. Trois 2497 seulement ont été faites en or blanc. Sans grand succès ! L'une d'elles assemblée également en 1954 a attendu un client pendant neuf ans dans les stocks disponibles de Patek Philippe.

Cette montre a le cadran classique du milieu des années 1950 avec chiffres arabes pour les heures. Curieusement une loupe est intégrée dans le verre pour mieux voir le jour et la date, une caractéristique qui n'était plus proposée régulièrement par Patek Philippe à son époque. Encore plus rare, une rainure dans le boîtier facilite l'accès de l'utilisateur au bouton correcteur sans défaire le bracelet. Bien que le catalogue n'envisage pas cette hypothèse, une production spéciale est possible pour un client âgé qui n'a pas pu prendre possession de sa commande.

Cette 2497 en or blanc est à vendre par Phillips à Genève le 12 novembre, lot 231 estimé CHF 1,5M. Le blog de la maison de ventes indique qu'elle avait été vendue aux enchères pour un prix similaire en 2005 (je n'ai pas trouvé d'autre information sur ce résultat ancien). Elle est restée dans un excellent état d'origine.

Un Tourbillon au Poignet

L'histoire de l'horlogerie est une suite continue d'inventions associées aux talents des meilleurs artisans et fabricants. Abraham-Louis Breguet est notamment l'inventeur du tourbillon : l'échappement et le balancier sont montés dans une cage tournante pour contrer les variations de la gravité.

Le XXème siècle voit les progrès de la miniaturisation, soutenus par les évènements organisés par les observatoires qui octroient des certificats officiels. Après la seconde guerre mondiale, la catégorie montres-bracelets de ces compétitions est applicable aux mouvements de moins de 30 mm de diamètre sans exigence d'assemblage.

En 1947 Omega présente aux tests des observatoires la miniaturisation du tourbillon avec douze mécanismes sous la référence de calibre 30 I. La caractéristique originale du tourbillon Omega est un mouvement très lent de la cage. Sept d'entre eux seront retrouvés quarante ans plus tard et montés dans des boîtiers. Ces mécanismes sont également compensés en température par le balancier de Guillaume.

Inconnue jusqu'à ce jour, une montre-bracelet a fait surface au lot 182 dans la vente de Phillips à Genève le 12 novembre. L'investigation effectuée par la maison de ventes auprès d'Omega et confirmée par le site spécialisé Hodinkee confirme que cette montre a été assemblée en 1947 comme un prototype dont elle a d'ailleurs toutes les qualités : elle n'est pas enjolivée et est restée en excellent état.

Le succès d'Omega aux tests d'observatoires à Genève, Neuchâtel et Kew de 1947 à 1952 démontre la faisabilité de leur tourbillon miniaturisé avec la précision requise. Le projet de commercialisation a été abandonné et n'a jamais été divulgué. Depuis trente ans le tourbillon est devenu après de nouvelles améliorations un des mécanismes les plus appréciés des montres à complications.

10 nov. 2017

Les Carpes du Bassin Céleste

Les bols de palais de l'empereur Chenghua étaient fabuleux par la qualité de la porcelaine et la première apparition de polychromie mais les pièces étaient petites et les dessins étaient naïfs. Une période d'inactivité commence à cause des protestations de la cour contre le goût onéreux de la principale concubine pour un tel luxe.

Le progrès de la porcelaine de Jingdezhen redémarre avec l'empereur Jiajing, amateur d'art et adepte du Taoïsme. Devenu empereur à l'âge de 14 ans en 1522, Jiajing a régné pendant 45 ans. Des pièces de grande dimension sont réalisées sous son règne, avec la palette de couleurs vives identifiée sous le nom de wucai. Wucai signifie littéralement cinq émaux, cinq ayant ici un sens de pluralité ajustée aux cinq éléments

Cet empereur aimait dire qu'il était le pêcheur du bassin céleste. Le motif de poissons nageant au milieu de plantes aquatiques permet une très bonnes imbrication des dessins sur les flancs des jarres et Jiajing lui-même promeut ce thème par des commandes massives. Les détails des thèmes sont liés aux rébus homophones, apportant à l'empereur ces auspices qu'il appréciait tant.

Une jarre de 46 cm de haut avec son couvercle est une des plus volumineuses pièces de ce type. Elle est animée de carpes de deux dimensions différentes. La suspension du poisson dans l'eau permet des attitudes variées. La porcelaine a été d'abord peinte avec le classique bleu sous glaçure. Les autres couleurs ont été apposées par-dessus la glaçure. Les experts estiment que trois cuissons ont été nécessaires.

Les pièces qui ont conservé leur couvercle d'origine sont très rares en mains privées. Celle-ci a été vendue pour HK$ 44M incluant premium par Sotheby's le 29 octobre 2000, un prix très élevé pour une porcelaine de Chine à cette époque. Elle sera vendue par Christie's à Hong Kong le 27 novembre, lot 8006. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.



Le Gardien des Tabous

La destruction des idoles d'Hawaii résulte des luttes pour le pouvoir tribal, sans intervention des voyageurs Européens.

Quand James Cook visite Hawaii en 1778, le territoire est divisé. Il rencontre notamment Kalani'opu'u, le roi du district de Kona. L'année suivante une violente dispute avec ce roi a pour conséquence le meurtre du capitaine. Kalani'opu'u meurt en 1782, laissant le pouvoir politique à un fils et le pouvoir religieux à son neveu Kamehameha qui devient ainsi le grand prêtre du dieu de la guerre, Ku (ou Ku Ka'ili Moku).

Avec ce support terrifiant, Kamehameha parvient à conquérir la totalité du territoire d'Hawaii et crée une dynastie qui durera jusqu'en 1872. Il crée pour Ku des grands temples peuplés par des statues avec des rôles rituels variés.

Un système social complexe nommé Kapu basé sur des tabous protégeait les élites contre les intermédiaires et les esclaves. Quand Kamehameha meurt octogénaire en 1819 sa femme favorite devient reine et régente. Les femmes avaient dans le Kapu un rôle subsidiaire qui ne convenait pas à la nouvelle régente. Elle force le jeune Kamehameha II à abolir le Kapu et à détruire les temples et les idoles. Les voyageurs anglais parviendront dans les années 1820 à collecter certaines pièces échappées aux iconoclastes, ultimes symboles d'une mythologie païenne effrayante.

Le 21 novembre à Paris, Christie's vend au lot 153 une statuette de Ku de 53 cm de haut réalisée pendant le règne de Kamehameha I. Elle avait été détachée d'une colonne sur laquelle elle avait sans doute servi de gardien dans un temple ou une nécropole.

La tête est surdimensionnée au-dessus du corps musclé dont l'attitude est puissante. La très large bouche ouverte en forme de huit horizontal est couverte de dents dans tout son périmètre dans une expression d'une férocité totale qui convenait bien aux ambitions de Kamehameha I.

9 nov. 2017

Les Lauriers du Sacre

En 1804 Bonaparte devient l'empereur Napoléon I. Sa légitimité étant issue de la Révolution française, le nouveau souverain veut déployer un luxe égal à celui de l'Ancien Régime dans des styles opposés. Inspiré par les héros de l'antiquité, il désire porter une couronne de lauriers d'or lors de la cérémonie du sacre.

La couronne est commandée à Martin-Guillaume Biennais, orfèvre à l'enseigne Au Singe Violet, qui est depuis deux ans fournisseur exclusif de l'argenterie pour la table de Napoléon.

Biennais réalise et assemble les feuilles de laurier dans une dimension et selon un motif naturaliste très finement ciselé et probablement unique. Chaque feuille mesurait 9,2 cm de long et 2,5 cm de largeur maximale et pesait 10 g.

Napoléon essaye la couronne avant la cérémonie. Selon la version racontée par la famille Biennais, Napoléon trouve que la couronne est trop lourde et demande à l'orfèvre d'enlever six feuilles. Il peut paraître surprenant que l'empereur ait trouvé qu'une différence de 60 g soit significative. Peut-être a-t-il simplement voulu récompenser Biennais pour la qualité de son travail.

Toujours selon la tradition familiale, Biennais donne une feuille d'or à chacune de ses six filles. Une feuille restée dans la descendance est estimée au-delà de € 100K à vendre par Osenat à Fontainebleau le 19 novembre, lot 164. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. Etrangement aucune information n'est connue sur ce qui est advenu des cinq autres feuilles.

Une autre feuille a survécu. Elle s'était détachée avant la réutilisation de la couronne par l'empereur en 1805 pour être sacré roi d'Italie. L'empereur n'avait pas voulu que la couronne soit réparée et avait offert la feuille à Isabey, auteur de la maladresse, qui l'assembla dans une tabatière.

Trompeusement Simple

René Magritte joue avec le jour et la nuit et leurs transitions, l'aube et le crépuscule. Acclamé comme un chef d'oeuvre du surréalisme, l'Empire des Lumières conçu en 1949 n'a pas d'éléments fantastiques. La carrière de Magritte est lancée depuis l'année précédente par son contrat avec Iolas et cette subtilité suprême échappe aux critiques d'art.

Magritte joue aussi avec le Soleil et la Lune. En faisant abstraction de la troisième dimension, le croissant de Lune apparaît comme posé sur le chapeau du personnage. Une des variantes les plus simples est intitulée Le Maître d'Ecole. Une petite gouache 33 x 25 cm réalisée en 1955 a été vendue pour $ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015 sur une estimation basse de $ 3M.

En 1956 l'artiste a une nouvelle idée, une "trouvaille" selon ses propres mots. Pourquoi la Lune et le Soleil sont-ils toujours en arrière-plan au risque d'être cachés par le paysage ?

Le Banquet montre une orée de bois ordinaire devant les rougeurs du couchant. Le Soleil rouge vif, d'une grande netteté, est à l'exact centre de l'image, devant le grand arbre. La même année la Lune réalise un exploit similaire dans Le Seize Septembre.

L'un des plus anciens exemples du Banquet, peint en 1956 ou peut-être en 1957, huile sur toile 75 x 121 cm, a été vendu pour $ 6,8M incluant premium par Christie's le 9 mai 2007 et est estimé $ 12M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 36.

Le Profil Blond

Roy Lichtenstein crée une nouvelle conception de l'image avec ses thèmes narratifs inspirés des comics, ses bulles de texte, ses aplats aux contours nets et ses points d'imprimerie. Il s'interroge sur la nature profonde de l'imagerie en élevant au rang d'art majeur l'image démesurément agrandie d'un coup de pinceau ou en observant la métamorphose abstraite d'une vache.

Très tôt dans sa carrière Roy observe la liberté de composition apportée par Picasso, avec ses juxtapositions de perspectives et ses effets de miroirs. Imitant un portrait de Dora Maar, Woman with Flowered Hat peint en 1963 a été vendu pour $ 56M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013.

Le 16 novembre à New York, Sotheby's vend Female Head, huile et acrylique sur toile 152 x 127 cm peinte en 1977, lot 29 estimé $ 10M.

Roy interprète ici avec son style graphique naturaliste la double perspective de Picasso sans inverser la vision binoculaire : la joue droite apparaît sur la gauche. Le visage est tronqué dans un encadrement proche d'un ovale comme dans un miroir impossible qui n'apparaît pas. Roy n'oublie pas le profil mais le traite de façon surréaliste par le contour des cheveux blonds, sur la gauche. Cette oeuvre devient ainsi une triple tête amalgamée dans une figure unique.

8 nov. 2017

Le Kota Pleurant

Les figures de reliquaires Kota du Gabon et du Congo étaient fichées au-dessus des paniers contenant les restes des ancêtres pour repérer l'emplacement enfoui.

Elles répondent toutes à un seul modèle géométrique global.  La tête surmonte au travers d'un cou cylindrique le corps limité à un périmètre de losange. Ces figures polychromes sont en bois entièrement couvert sur la face avant de plaques repoussées et ciselées en cuivre, laiton et fer maintenues par des épingles.

Malgré la similitude globale, il existe des différences esthétiques considérables dues aux traditions des villages et à l'inspiration des artistes. Les spécimens les mieux ciselés sont des chefs d'oeuvre de la sculpture Africaine.

Le spécimen De Miré-Rubin, 66 cm de haut, vendu pour € 5,5M incluant premium par Christie's le 23 juin 2015, montre un visage concave dont l'extrême stylisation est célèbre pour son influence sur l'art moderne Occidental. Son origine tribale est probablement Kota-Ndumu au Gabon.

Trois figures provenant du groupe Kota-Ndassa, dans l'actuel Congo très proche de la frontière du Gabon, ont probablement été réalisées par le même artiste vers le XIXème siècle de notre calendrier.

A l'opposé de la figure Ndumu, le visage est convexe dans une tentative de naturalisme. De larges scarifications radiantes donnent une illusion de pleurs qui est fausse du fait même de l'usage de l'objet. Si ces figures montraient des pleureurs, un tel ornement serait fréquent.

Le Kota-Ndassa provenant des collections Pinto et Arman, 69,5 cm de haut, a été vendu pour $ 1,08M incluant premium par Sotheby's le 11 mai 2012. Son plus proche jumeau, 69 cm de haut, est estimé $ 1M à vendre par Sotheby's à New York le 13 novembre, lot 24.

La Peinture Assassinée

Dès sa période surréaliste Joan Miro sait que la peinture n'est rien d'autre que des couleurs sur un support. Il commence à intituler ses peintures par cette description élémentaire : "Peinture", avec parfois un sous-titre. Son désir est poétique. En 1927 il est très proche de l'abstraction avec des images d'ambiance nocturne où cohabitent des taches et des lignes à peine perceptibles.

Pour les surréalistes cette tendance est une dérive inadmissible. Miro n'est pas d'accord avec les affiliations communistes du groupe. La rupture est hargneuse. Quand Miro annonce en 1930 à Tériade qu'il veut assassiner la peinture, cela veut dire qu'il veut définir un art nouveau, seul, sans influence d'aucune école passée ou présente.

Pendant les deux années suivantes, il essaye des collages abstraits qui ne le satisfont pas. Au début de 1933 chez sa mère à Barcelone, il définit un processus en deux étapes pour une série homogène de 18 oeuvres. Il réalise 18 maquettes en collant des papiers pliés ou froissés. Chaque huile sur toile s'inspirera d'une de ces maquettes sans en être une copie. Le titre "Peinture" est réutilisé pour cette série.

Ce processus post-Dadaïste peut sembler complexe comparé à une peinture directe. Miro sait que son imagination est illimitée. Il a sans doute voulu apporter un guide pour éviter toute figuration. Il exprime son subconscient par une composition similaire aux Peintures de 1927 sauf que les taches inspirées par les collages sont de couleurs vives, apparaissant comme des objets abstraits flottant en avant de la nuit.

Une Peinture 146 x 115 cm faite en 1933 a été vendue pour $ 11M incluant premium par Christie's le 8 mai 2013. Une huile sur toile 130 x 162 cm de cette série de Peintures est estimée $ 18M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 31 A.

Les Constellations peintes en réaction au déclenchement de la Seconde Guerre Mondiale sont de conception similaire aux Peintures de 1933. Le rêve de la nuit étoilée est désormais avoué par l'artiste et le thème mythique de la constellation apporte un retour à une certaine figuration.

Des Araignées sur le Mur

En réalisant ses araignées en bronze à partir de 1995, Louise Bourgeois concrétise avec un métal indestructible les fantasmes de toute sa vie concernant les relations intra-utérines. La cohorte de ces araignées protectrices forme un univers surréaliste profondément féministe. Les bronzes sont édités en six exemplaires plus une épreuve d'artiste.

Spider I (127 x 117 x 31 cm) et II (185 x 185 x 57 cm) conçus en 1995 et Spider IV (203 x 180 x 53 cm) conçu l'année suivante ont un corps bas qui invite à les appliquer sur un mur. La patte arrière droite de Spider IV est pliée, simulant une marche ascendante.

Spider III (48 x 84 x 83 cm) conçu en 1995 est soulevé et anticipe les bronzes gigantesques de 1996 et 1997 qui peuvent être utilisés comme abris de jardin. Le point culminant de cette évolution est l'araignée Maman de 9,20 m de haut réalisée en 1999 qui peut être utilisée comme un monument de ville.

Deux de ces bronzes sont estimés $ 10M chacun dans les prochaines ventes de New York. Le 15 novembre, Christie's vend un Spider II édité en 1995, lot 7 B. Le 16 novembre, Sotheby's vend un Spider IV de l'édition originale de 1997, lot 34.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.