21 mai 2018

Le Bouddha de la Fin des Temps

Selon des prophéties énoncées il y a environ 1800 ans, l'enseignement de Bouddha Sakyamuni sera un jour oublié, créant une période d'anarchie et de misère. La paix, le bonheur et l'abondance seront rétablis par le Bouddha Maitreya, qui signifie "bienveillant" en Sanskrit. En attendant son règne glorieux Maitreya est un bodhisattva.

Le culte de Maitreya prend de l'ampleur avec les superstitions millénaristes, mille ans après la prédication historique de Gautama Bouddha. Le premier empereur de la dynastie des Sui s'appuie astucieusement sur le Bouddhisme pour unifier la Chine. Les images de Sakyamuni et de Maitreya sont souvent indifférenciées.

Le régime des Sui est une théocratie militaire. L'empereur utilise les armes pour éliminer ceux qui ne suivent pas sa propre conception de l'orthodoxie Bouddhiste. On est déjà bien loin des principes moraux de cette religion.

Son fils et successeur est un mégalomane qui veut conquérir le Viet-Nam et la Corée avec d'immenses armées de conscrits. Il échoue lamentablement et les soldats rescapés reviennent avec le paludisme. Les révoltes paysannes qui éclatent partout dans le pays mettent fin à l'unité de l'empire des Sui. L'ambiance apocalyptique est propice à un regain de faveur du culte de Maitreya. Plus concrètement l'ordre et l'unification ne sont pas rétablis par la divinité mais par un habile général qui fonde la dynastie des Tang.

Le 30 mai à Hong Kong, Christie's vend au lot 2801 une figure en bronze doré de Bouddha Maitreya réalisée pendant la transition Sui-Tang il y a environ 1400 ans. Le futur rédempteur fait le geste de la prédication dans une attitude de pacification souriante. Il est assis, chaque pied posé sur un lotus.

Entre les Han et les Tang la sculpture est dominée par la pierre. Le bronze doré est plus rare, choisi pour simuler par ses reflets la lumière émanant de la divinité. Sa hauteur de 32 cm apparaît comme une limite de faisabilité de cette technique à cette époque.

Je vous invite à regarder la video partagée par Christie's.

Les Huit Vertus du Brésil

Partisan du Kuomintang, Zhang Daqian s'exile en 1949. Dans les années suivantes il voyage énormément tout en cherchant aussi un pied-à-terre durable. Il n'est cependant pas un artiste cosmopolite : jamais il n'oubliera que sa sensibilité et ses thèmes sont Chinois.

Il achète en 1953 un terrain près de Sao Paulo pour y installer son Jardin des Huit Vertus. Il est épuisé par cette tâche et sa vue baisse. Dans ses peintures de paysages les contours des montagnes deviennent épais et durs.

Zhang n'est pas seulement le meilleur connaisseur de deux mille ans d'art graphique Chinois. Il est aussi un chercheur de nouveaux styles. Le 29 mai à Hong Kong, Christie's vend Viewing the waterfall, rouleau 134 x 68 cm à l'encre et couleurs, lot 1379 estimé HK$ 60M.

La montagne très escarpée ressemble à un Pain de Sucre de Rio mais c'est peut-être seulement un hasard. Par un autre hasard elle est aussi proche des montagnes Maoïstes de Li Keran. Elle est en fait profondément ancrée dans la tradition Chinoise.

Elle est datée par l'artiste en Chinois, douzième mois de l'année guimao correspondant à 1963 CE. Ce paysage pourrait être universel mais le sommet abrite un ancien temple typique. Tout en bas deux voyageurs sont confrontés à l'immensité de la nature, un des thèmes les plus traditionnels du paysage Chinois.

Cette oeuvre est un des plus anciens exemples du mélange de deux techniques que Zhang pratiquera avec une grande réussite pendant vingt ans. La cascade, les personnages, les temples sont dessinés avec finesse. Les surfaces qui ne servent pas à la narration sont diluées dans de larges éclaboussures de bleu et de vert.

Il ne fait pas de doute que cette technique sans précédent dans l'art moderne est une référence aux lavis Mogu aimés par les Tang. Elle est peut-être aussi utile pour ménager la vision affaiblie de l'artiste.

20 mai 2018

Tianqiuping pour l'Empereur Qianlong

La forme d'un vase est importante pour accompagner son message. Pour présenter des voeux de longévité à l'empereur de Chine, il est recommandé d'offrir un récipient symbolisant la sphère céleste avec laquelle le Fils du Ciel est le seul intercesseur sur Terre. La forme tianqiuping est un corps rond surmonté d'un col très légèrement concave. Les plus grosses pièces sont les plus appréciées mais elles représentent un exploit technique à cause du risque de basculement du col pendant la cuisson.

L'artiste Qing a le choix entre plusieurs techniques de décoration : doucai, wucai, fencai. Le doucai apporte une difficulté supplémentaire. Le bleu est réalisé dans son contour final avant la réalisation de la glaçure sur laquelle les émaux des autres couleurs seront ensuite appliqués. La porosité de la matière de base doit être compatible avec la finesse désirée pour le dessin. Une asymétrie créée par la première cuisson endommage une figure doucai de façon irréparable.

Le 30 mai à Hong Kong, Christie's vend un tianqiuping en doucai de 54 cm de haut qui est proche des limites technologiques au-delà desquelles les imperfections de forme sont inévitables. Il est estimé HK$ 70M, lot 8888. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Ce vase qui porte la marque impériale de Qianlong est décoré des emblèmes des huit immortels du Taoïsme. Ce thème est rare pour cet empereur qui préférait le Bouddhisme. L'enregistrement dans les archives impériales pendant la troisième année du règne (1738 CE) d'un tiangqiuping en wucai d'illustration similaire est peut-être un terminus post quem.

Considérés séparément tous ces éléments sont dans le goût de Yongzheng. La mort de cet empereur n'a pas stoppé l'incitation impériale aux potiers de Jingdezhen à réaliser les exploits techniques de la plus haute virtuosité. Le script de la marque impériale de Qianlong est un modèle en usage selon certains experts entre la 7ème et la 35ème année du règne. Une date autour de la décennie 1740 CE apparaît comme plausible.

Pour des auspices similaires, la pêche, autre symbole d'immortalité, est un thème favori pour un tianqiuping tout au long des règnes de Yongzheng et Qianlong. Deux vases Qianlong en yangcai de 51 et 55 cm de haut sans estimation de date dans ce règne de 60 ans ont été vendus par Sotheby's : HK$ 90M incluant premium le 5 octobre 2011 et HK$ 63M incluant premium le 7 octobre 2015.

Les Nouvelles Beautés Chinoises

Chen Yifei aimait les belles femmes et les beaux vêtements. Formé à la peinture à l'huile par un artiste Soviétique, il abandonne sans regret la peinture politique après la Révolution Culturelle mais maintient un trait entièrement réaliste avec des couleurs chatoyantes.

Revenu à Shanghai en 1990 après dix ans aux Etats-Unis, Chen observe que les femmes s'habillent mal. Il va consacrer une énergie considérable à y remédier en ravivant les traditions anciennes.

Il peint des groupes de beautés qui auraient leur place dans un défilé de mode. Il devient également cinéaste, crée la marque Layefe d'abord pour des vêtements élégants et abordables puis pour la décoration d'intérieur, pilote une agence de modèles et meurt de surmenage en 2005.

Dans ses peintures les femmes gracieuses se laissent admirer tranquillement à la manière des geishas Japonaises. Un important groupe occupé à prendre le thé, 170 x 244 cm peint en 1996, a été vendu pour RMB 150M incluant premium par China Guardian le 19 décembre 2017.

Le 26 mai à Hong Kong, Christie's vend au lot 30 une huile sur toile 190 x 208 cm peinte en 1997, montrant quatre femmes debout avec de longues robes sophistiquées et colorées. L'oeuvre est intitulée Beautés en Promenade par référence à un poème de Du Fu de la dynastie Tang qui glorifiait la mode de son temps.

19 mai 2018

Les Bars de François-Xavier Lalanne

François-Xavier et Claude Lalanne sont proches des Nouveaux Réalistes. Avec une machine à souder achetée conjointement avec Tinguely, ils vont créer des formes nouvelles.

En 1964 l'exposition intitulée Zoophites montre le savoir-faire des Lalanne dans des meubles fonctionnels et dans des figures zoomorphes, avec humour et rejet de toutes les traditions dans les deux cas. Le rhinocrétaire est déjà un hybride entre ces deux types d'objets. Avant eux Fornasetti avait changé la décoration des meubles mais pas leur forme.

Yves Saint-Laurent ne s'y trompe pas. Il commande un bar à François-Xavier. Les éléments d'un bar ordinaire y sont : le casier à bouteilles, le seau à glace et même un shaker. Ils sont assemblés avec une structure tubulaire qui n'est pas zoomorphe. Livré en 1965 à Saint-Laurent et Bergé, ce meuble sans précédent a été vendu par Christie's en février 2009 pour € 2,75M incluant premium sur une estimation basse de € 200K.

Malgré ce premier succès ce produit reste confidentiel. En 1966 François-Xavier livre un bar similaire quoique moins compact à un  couple de collectionneurs Belges. Le bar Mayersdorff a été vendu par Christie's le 17 mai 2018 pour $ 4,6M incluant premium sur une estimation basse de $ 2,2M.

Avec Lalanne les animaux ne pouvaient pas rester longtemps à l'écart. Le Bar à autruches est édité en six exemplaires en 1970. Le plateau est tenu de part et d'autre par des autruches réalisées en 1967 dans une nouvelle porcelaine blanche de Sèvres et supporte en son centre un seau à glace en forme d'oeuf. L'un d'eux a été vendu pour € 6,2M incluant premium par Sotheby's le 21 novembre 2017 sur une estimation basse de € 700K.

Le bar à autruches est original et prestigieux mais sa fonctionnalité est rudimentaire. Un bar entièrement fermé répondra mieux aux besoins habituels d'un utilisateur. François-Xavier crée en 1970 le Bar Sauterelle. Le corps est en porcelaine et les montants sont en laiton et acier. Cette sauterelle offre enfin tout le confort d'un bar moderne, incluant un compartiment pour les bouteilles et un autre pour les verres.

Deux exemplaires seulement ont été réalisés en porcelaine blanche de Sèvres. L'un d'eux a été offert en 1972 par le Président Pompidou au couple royal anglais. Il est toujours en leur possession. L'autre est estimé $ 800K à vendre par Sotheby's à New York le 24 mai, lot 449. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

17 mai 2018

Le Divin Garçon

En 2017 les commissaires-priseurs Rouillac père et fils inspectent une huile sur toile 72 x 59 cm au domicile d'un particulier. L'expertise sera formelle après confrontation de la toile avec les oeuvres du Musée du Louvre. C'est une peinture authentique par les frères Le Nain.

Elle montre le jeune Christ à l'âge des prises de conscience, agenouillé devant les symboles de la Passion. Il est vêtu d'une ample tunique blanche, symbole de pureté. La lumière vespérale est mystique.

Cette image inédite ajoute un nouveau thème à l'iconographie Chrétienne. On connaissait le Christ nouveau-né dormant sur la croix. Le graveur Wierix, mort en 1619, avait édité l'image d'un jeune saint adulte dans une position similaire. Aucune image du Christ dans le même rôle n'était connue jusqu'à ce jour. Un peu plus tard Murillo sera un des très rares artistes à considérer la pré-adolescence du Christ, dans des attitudes moins mystiques.

Le rôle du Christ est joué sur cette peinture des Le Nain par un jeune garçon d'environ douze ou treize ans avec un beau visage encore poupin, la peau claire et les cheveux blonds. Cet enfant très reconnaissable apparaît à plusieurs âges dans des oeuvres des Le Nain, comme un ange et ensuite un jeune paysan.

La petite dimension de cette toile indique qu'elle a été réalisée pour un usage de dévotion privée. Il est difficile de comprendre pourquoi aucun exemplaire similaire n'est connu, d'autant plus qu'elle correspond bien aux nouvelles tendances de la Contre-Réforme considérant que la vie du Christ doit être analysée dans sa globalité. Sur ce point le pressentiment des Vierges tristes par Botticelli constitue un précédent.

Le Nain a traité ici l'âge de sagesse où le Christ comprend et accepte pour la première fois son destin. Le même passage est important pour les rois de France qui sont assistés par une régence jusqu'à l'âge de 13 ans. De 1643 à 1651 le roi Louis XIV est mineur. Une fois que le roi a commencé son règne personnel, il est possible que le Christ enfant ait eu un bien moindre intérêt pour les clients du seul survivant des frères Le Nain.

Cette peinture de l'Enfant Jésus méditant sur les instruments de la Passion est estimée € 1M à vendre par Rouillac à la vente annuelle Garden Party au Château d'Artigny le 10 juin, lot 60. Des attentes plus élevées avaient été annoncées avant que cette oeuvre soit classée Trésor National Français.

Je vous invite à lire l'essai partagé par Rouillac qui contient de nombreuses illustrations convaincantes pour démontrer l'importance de l'oeuvre. La vidéo est partagée par la maison de ventes.

Présentation d’un tableau inédit des frères Le Nain from ROUILLAC on Vimeo.

16 mai 2018

Les Paysannes de la Mer

En janvier 1882 Vincent van Gogh quitte la maison familiale pour s'installer à La Haye. Une fois de plus il s'était querellé avec ses parents. Il est rejeté par les femmes, sauf par les prostituées. Il aurait voulu être un missionnaire pour servir la classe ouvrière rurale mais il est trop indiscipliné. Il a peut-être déjà fait une crise de démence.

A presque 29 ans il est bien temps que Vincent trouve un métier. Il imagine qu'en étant artiste il pourra réaliser son rêve d'intervention sociale. Heureusement pour lui son jeune frère Theo le soutient. Theo qui est marchand d'art en tant qu'employé de la société Goupil fournira à Vincent le matériel nécessaire à sa nouvelle vocation. Vincent commence à informer Theo de ses progrès par une correspondance détaillée et passionnée.

Vincent admire les peintres de scènes rurales. Il travaille un peu avec son lointain cousin Anton Mauve mais se fâche très vite avec lui. A La Haye et au bord de mer à Scheveningen, Vincent n'a plus d'autre influences que la nature et sa grande admiration pour Millet.

Vincent deviendra cependant un grand artiste parce qu'il est très sensible aux couleurs. A Scheveningen il prend l'habitude de peindre en plein-air avant, pendant et après les bourrasques. Les attitudes des femmes qui réparent les filets de pêche ressemblent aux paysans de Millet dans les champs, et ces grands filets étendus créent un sol multicolore. Le ciel tumultueux anticipe les chefs d'oeuvre de la fin de sa vie.

Le 4 juin à Paris, Artcurial vend Raccommodeuses de filets dans les dunes, huile sur papier 42 x 63 cm peinte en août 1882 et montée sur panneau, lot 14 estimé au-delà de € 3M. Voici le lien vers le communiqué de presse. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.



Women Mending Nets in the Dunes

15 mai 2018

Les Home Runs de Babe Ruth

En prenant seulement en compte les matches officiels de la MLB, Babe Ruth a réussi 714 home runs. Le home run est l'exploit le plus spectaculaire du baseball et la puissance de Ruth excitait les foules.

En 1927 les New York Yankees sont imbattables. Les six hitters Yankees reçoivent le surnom collectif de Murderers Row. Les amateurs suivent avec passion les home runs de Ruth et Gehrig.

Fin août Gehrig est en tête avec 45 home runs, un de plus que Ruth. Pendant tout le mois de septembre Ruth est déchaîné. Il veut faire mieux que son coéquipier et battre son propre record MLB de 59 home runs dans une seule saison établi l'année précédente. Ruth réussit son pari. Il enregistre son 60ème et dernier home run de la saison 1927 le 30 septembre.

Les collectionneurs de sport apprécient les équipements liés à un grand exploit. Le photo matching permet généralement de distinguer les maillots. Pour les battes c'est plus difficiles. La provenance permet d'identifier la meilleure hypothèse.

En 1927 Babe Ruth a acheté deux battes identiques à Hillerich and Bradsby, 35 3/8 inches et 38,8 oz. L'une d'elles est gradée Game Used 10 par PSA/DNA avec de nombreux impacts de jeu et une inscription à Joe E. Brown, un autre joueur des Yankees qui a arrêté après un accident pour devenir comédien à plein temps, incluant le cinéma à partir de 1928.

L'autre batte a été offerte au Baseball Hall of Fame par un écrivain du baseball qui l'aurait reçu de Miller Huggins, le manager des Yankees. Cette provenance est tout à fait plausible mais cette batte n'est pas inscrite.

Considérant l'exultation de Babe Ruth après son nouveau record, il apparait comme peu probable qu'il ait donné la batte de ce 60ème home run sans l'inscrire. Le spécimen Brown est ainsi le meilleur candidat pour la contribution à cet exploit. Elle sera vendue en ligne depuis Dallas par Heritage le 17 mai, lot 50316. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

14 mai 2018

Soixante Ans dans un Tonneau

En 1986 Macallan met en bouteilles un whisky single malt qui macérait depuis 60 ans dans son tonneau. L'opération produit environ 40 bouteilles de 75 centilitres, titrant 42,8 %.

Les whiskys de 60 ans ou légèrement plus constituent le plus grand prestige de la marque et la mise en bouteilles de 1986 est essentiellement réservée à des clients sélectionnés par Macallan. Peter Blake et Valerio Adami réalisent chacun le dessin d'une étiquette pour constituer deux séries de douze. Le reste des bouteilles n'est pas illustré.

Ce whisky de 1926 est particulièrement recherché parce qu'il apparaît comme le plus ancien Macallan restant disponible. J'ai retrouvé son goût dans un ancien article sur le web : un peu de fruit sec, un peu épicé, un peu de son tonneau de cherry espagnol en bois de chêne et une douceur caramélisée. L'expert de la société indiquait que ce goût était un des plus puissants qu'il lui ait été donné de tester.

Le 25 avril la presse spécialisée annonçait qu'une bouteille Blake et une bouteille Adami ont été vendues pour $ 600K chacune au même client dans une transaction privée par un détaillant à l'aéroport de Dubai.

Le 18 mai à Hong Kong, Bonhams vend deux autres bouteilles, chacune dans leur conditionnement protecteur 'tantalus' en laiton et verre. Chacune est estimée HK$ 3,6M. Le lot 381 a une étiquette par Blake et le lot 608 a une étiquette par Adami. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.


13 mai 2018

L'Electric Tour de Bob Dylan

L'influence réciproque de Bob Dylan et des Beatles porte ses fruits. Le rock and roll succède au folk et au blues et la guitare électrique à la guitare acoustique.

Dylan progresse à toute vitesse. A Newport le 25 juillet 1965 les spectateurs étaient venus pour entendre de la musique douce. Ils sont scandalisés par la musique électrique de Dylan qui à seulement 24 ans était une des vedettes les plus attendues de ce festival folk.

Cette provocation était préméditée. Cinq jours plus tôt Like a rolling stone était sorti en single. La performance est cependant improvisée avec un groupe de musiciens d'accompagnement constitué à la toute dernière minute avec quelques amis. La technique ne suit pas et la qualité sonore est lamentable.

Rien n'arrête Dylan, désormais le grand traitre du folk, mais il faut qu'il s'organise plus professionnellement pour préparer son Electric Tour qui assurera le succès de son nouveau style dans le monde entier. Il sélectionne pour l'accompagner le groupe The Hawks.

Robbie Robertson, guitariste des Hawks, persuade facilement Dylan que la Fender Stratocaster qu'il a jouée à Newport ne convient pas à un projet de cette envergure. Ce modèle est trop lourd et trop enclin à se dérégler. Pendant toute sa tournée de septembre 1965 à juillet 1966, Dylan joue avec une Fender Telecaster toute neuve appartenant à Robertson.

Ceci explique pourquoi sa Stratocaster de Newport ne l'intéressait plus. Oubliée dans un avion quelques mois après Newport elle a réapparu en 2011 et a été vendue pour $ 965K incluant premium par Christie's le 6 décembre 2013.

La carrière de Dylan est interrompue par un accident de moto et The Hawks devient The Band. Robertson utilise la Telecaster de l'Electric Tour dans les concerts live de The Band incluant le Festival de Woodstock en 1969. Sa guitare est estimée $ 400K à vendre par Julien's à New York le 19 mai, lot 491. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Robertson raconte dans la video partagée par Darren Julien que cette guitare est restée jusqu'à nos jours un de ses instruments favoris.


Les Champions de la Forge

Norman Rockwell quitte New Rochelle NY en 1939 et installe son atelier à Arlington dans le Vermont. Il prend plaisir à observer et photographier les visages des garçons et les trognes pittoresques des vieux.

Son travail pour le Saturday Evening Post reste tout aussi régulier. Juste à ce moment les couvertures du magazine commencent à devenir plus modernes, renonçant progressivement au traditionnel fond blanc. Les personnages sont mieux mis en valeur dans une ambiance colorée et Rockwell propose plus régulièrement des groupes pour les couvertures avec la série de guerre des Willie Gillis en 1941.

Les couvertures réalisées par Rockwell constituent bien entendu les éléments les plus visibles de son art mais il travaille aussi pour illustrer les pages intérieures.

L'image de Blacksmith's Boy - Heel and Toe est publiée sur une double page dans le Saturday Evening Post du 2 novembre 1940. La nouvelle raconte un concours dans une forge entre le vieux maréchal-ferrant local et un jeune champion itinérant. Les villageois très excités font des paris sur le résultat.

L'artiste peut mieux exprimer sa verve que sur une couverture parce que l'image est imprimée en double page sans inscriptions. Il montre les deux champions en plein effort encouragés par 21 personnages souvent excessifs, incluant dans cette foule un auto-portrait gentiment tourné vers le spectateur.

Sous les deux enclumes l'accumulation des fers à cheval indique une égalité dans la compétition. La nouvelle exalte ce moment précis où l'endurance du vieil artisan lui permet de rattraper et dépasser son rival.

L'huile sur toile 89 x 178 cm est de très grande dimension pour cet artiste. Elle fait partie d'un important groupe d'oeuvres dé-accessionnées du Berkshire Museum. Initialement prévue par Sotheby's pour le 13 novembre 2017 la vente avait été suspendue. Un compromis a été trouvé. La pièce majeure de cette opération, le Shuffleton's Barbershop également par Rockwell, a été acheté en vente privée pour le musée en cours de constitution par George Lucas à Los Angeles.

Blacksmith's Boy est estimée $ 7M à vendre par Sotheby's à New York le 23 mai, lot 43. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

12 mai 2018

Capitalisme Idyllique

Venus tous deux d'Allemagne de l'Est, Sigmar Polke et Gerhard Richter se rencontrent pendant leurs études d'art à la Kunstakademie Düsseldorf. Richter a voulu échapper à l'art officiel Socialiste et la famille de Polke à la pauvreté.

Ils trouvent des solutions artistiques sans précédent pour exprimer que le capitalisme est un leurre habilement entretenu par l'abondance des images. Quand Richter agrandit les photos les plus navrantes des journaux et quand Polke imite les affiches publicitaires murales, tous deux prennent soin de construire leurs oeuvres sans occulter l'origine de leur inspiration.

La collection Dürckheim incluait deux oeuvres par Sigmar Polke, significatives de la fin de cette phase : Dschungel, 160 x 247 cm, réalisé en 1967, et Stadtbild II, 150 x 125 cm, réalisé en 1968. Ces thèmes qui peuvent sembler opposés se rejoignent : Polke n'a pas passé de vacances dans la jungle et n'a pas encore vu New York. Il nous met en garde contre les fausses promesses apportées par la société de consommation. Seuls les riches bénéficient du capitalisme.

Dschungel est entièrement réalisé avec la technique de la dispersion consistant à projeter les couleurs sur la toile au travers d'un écran percé. Stadtbild est une vue de New York de nuit utilisant partiellement cette technique pour introduire des feux d'artifice en fond d'image. Les silhouettes des gratte-ciel sont des lignes sinueuses jaune vif directement pressées du tube de peinture.

Dans la vente de la collection Dürckheim par Sotheby's le 29 juin 2011, Dschungel a été vendu pour £ 5,75M incluant premium et Stadtbild II pour £ 4,6M incluant premium. Le 12 mai 2015 Dschungel a été vendu pour $ 27M incluant premium par Sotheby's.

Stadtbild II est estimé $ 12M à vendre par Phillips à New York le 17 mai, lot 18. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

The Utopian Threshold in Sigmar Polke 'Stadtbild II (City Painting II)', 1968 from Phillips on Vimeo.

11 mai 2018

L'Infini des Boîtes à Oeufs

Depuis l'âge de 10 ans Yayoi Kusama souffre d'hallucinations. L'observation du comportement de ses parents y ajoute une horreur obsessionnelle du sexe. La poésie ne suffit pas. Pour se calmer elle peint des réseaux de minuscules pois identiques sur des surfaces infinies.

Quand elle arrive à New York en 1958 l'originalité de son art est reconnu par les avant-gardes. En 1959 et 1960 elle peint beaucoup d'Infinity Nets. L'année suivante elle installe son atelier dans le même immeuble que Donald Judd et Eva Hesse.

Le travail acharné ne suffit pas à la soigner. Comme Dali trente ans auparavant elle veut utiliser la création artistique pour se confronter à sa propre aversion sexuelle. Elle devient pornographe et exhibitionniste et provoque des happenings indécents. Elle peint des pois sur ses vêtements ou sur sa peau nue et procédera plus tard de même avec ses assistants.

La surface plane de ses peintures ne lui suffit plus. En 1962 elle remplit des chaussettes avec du coton ou du bourrage de matelas pour simuler des phallus dont elle tapisse complètement des meubles et des objets divers. Pour évoquer la fertilité féminine, elle récupère des boîtes à oeufs en carton qu'elle dispose côté convexe sur des toiles de grandes dimensions avec la même répétition que pour ses Infinity Nets. Les interstices sont colmatés avec un bourrage et l'ensemble est peint.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend un Untitled 126 x 147 x 6,4 cm réalisé en 1962 avec des boîtes à oeufs fixées sur une toile de lin recyclée d'une peinture antérieure. Cette oeuvre est estimée $ 7M, lot 31.

Femmes sur Socles

La population humaine n'est pas limitée à un seul homme qui marche et une seule femme debout. En 1948 Alberto Giacometti les multiplie et assemble des groupes. La communication des personnages entre eux prend la dimension d'un mystère existentialiste. Il crée ainsi Place I et II et Trois hommes qui marchent I et II.

En 1950 Pierre Matisse demande une nouvelle exposition qui devra confirmer le très grand succès de celle de 1947. Il faut des nouveautés mais Alberto n'a pas trouvé de réponse satisfaisante concernant la communication. Il n'en trouvera d'ailleurs jamais. Que faire ?

Dans son atelier Alberto a multiplié les figures individuelles avec surtout des Femmes debout d'une élongation de plus en plus importante. Tout d'un coup il regarde dans son ensemble le fouillis de son atelier. Les sculptures s'étaient réparties en petits groupes sans intervention volontaire de sa part. Il en fait trois oeuvres sans modifier cet assemblage de hasard.

Par rapport aux groupes calculés par lui deux ans plus tôt, deux différences apparaissent : les figures restent sur leur socle et l'unicité d'échelle est supprimée. Les bronzes reviennent de la fonderie. Alberto a une nouvelle vision : ses femmes sont tellement étirées qu'elles ont des formes d'arbres. Il a créé La Forêt et La Clairière. Le troisième groupe est intitulé La Place par un jeu de mot entre la place publique de son oeuvre de 1948 et la place immuable de chaque femme debout sur son socle.

La Clairière, haute de 59 cm sur une surface de 65 x 52 cm, est la plus complexe avec neuf femmes debout et la moins illogique parce qu'elle n'inclut pas de buste. Un exemplaire fondu par la société Alexis Rudier entre 1950 et 1952 est estimé $ 10M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 17 A.

10 mai 2018

Les Nouvelles Odalisques

Théoricien de la forme et de la couleur, Matisse était trop austère. Renoir lui conseille de développer sa sensualité.

Matisse collectionne les tentures et vêtements exotiques qu'il achète pendant ses voyages de vacances et aussi chez un marchand Parisien. Quand il s'installe de façon permanente à Nice une nouvelle vie commence pour lui : il commence avec Antoinette ses scènes Mauresques.

La rencontre d'Henriette est décisive pour cette phase de sa carrière. Elle aime l'art, la musique, le théâtre et la danse. Son corps est sain et sculptural et elle sourit rarement. Elle a plaisir à jouer le jeu de Matisse et sa nudité franche et quelque peu autoritaire n'est pas une figure de harem. La famille de l'artiste ne s'y trompe pas et l'accueille chaleureusement.

Antoinette apparaissait souvent comme nerveuse. Henriette est détendue, dans des attitudes de la vie de tous les jours quelque soit son accoutrement. Odalisque couchée aux magnolias, huile sur toile 61 x 81 cm peinte en 1923, a été vendue pour $ 81M incluant premium par Christie's le 8 mai 2018.

Le nu debout de face convient bien à cette Venus moderne. Un nu intégral peint en 1922 dans un environnement Mauresque, huile sur toile 56 x 34 cm, a été vendu pour £ 4,4M incluant premium par Christie's le 27 juin 2017.

Le 15 mai à New York, Christie's vend Odalisque mains dans le dos, huile sur toile 60 x 50 cm peinte en 1923, lot 9 A estimé $ 15M. Nue jusqu'en dessous du nombril, Henriette debout porte une longue jupe exotique transparente avec une ceinture dorée. Derrière elle le paravent en toile de Jouy confirme que pour l'artiste l'exotisme n'était en fait rien d'autre qu'un prétexte pour révéler la beauté.

8 mai 2018

Retour de la Beauté Egyptienne

Max Beckmann est en exil à Amsterdam après avoir fui l'Allemagne Nazie. Après une phase sarcastique, il s'inquiète et s'ennuie. Une nuit cet esthète voit en rêve une tête de femme. Le 27 juillet 1942 il écrit dans son journal :  "Beaucoup de pluie mais c'est très bon pour mon auto-portrait et pour la tête de femme éclairée par en-dessous, terminée. Bonne humeur, poulet au dîner, et pluie, pluie, pluie".

Il a réalisé le portrait d'une femme primordiale dans un étrange cadrage décentré. Ses yeux sont trop grands et lourdement maquillés comme dans les portraits funéraires du Fayoum. L'attitude est solennelle. L'angle d'éclairage laisse le visage à moitié dans la pénombre et renforce la caractère mystique : il faut élever cette petite image au-dessus d'une chandelle.

L'entourage de Beckmann ne s'y trompe pas. Le titre est trouvé : Die Ägypterin, l'Egyptienne. L'artiste a rencontré sa Nefertiti. Ce nom célèbre signifiait "la beauté est venue".

Cette huile sur toile 60 x 30 cm est aussitôt achetée par un ami qui commencera plus tard le catalogue raisonné de Beckmann. Le travail est terminé par sa veuve et cette peinture provient maintenant de sa succession, 76 ans après l'acquisition d'origine. Elle est estimée € 1,5M à vendre par Grisebach à Berlin le 31 mai, lot 20. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Ce thème né d'une hallucination a plu à l'artiste. Italienerin est très similaire, sauf la lumière qui est plate. Cette huile sur toile 55 x 22 cm peinte en 1946 a été vendue pour £ 1,15M incluant premium par Christie's le 23 juin 2010 sur une estimation basse de £ 400K.

Musique Populaire à Liverpool

Les nouveaux styles de musique passionnent les adolescents anglais. Le skiffle est un moyen facile pour tenter sa chance : on chante un mélange de folk et de blues en s'accompagnant de guitares et d'instruments farfelus que l'on bricole soi-même. John Lennon crée en 1956 un groupe de skiffle nommé The Quarrymen.

Il fait vite la connaissance de deux autres adolescents de Liverpool, Paul McCartney et George Harrison. Pendant l'été 1957 Paul et George font de l'auto-stop ensemble. Avec leurs guitares, bien entendu.

Pour faire mieux que le skiffle, deux styles sont possibles, le jazz et le rock and roll. Mona Best décide d'aider les jeunes musiciens en ouvrant un club de rock and roll live. Elle achète un distributeur d'espresso et ouvre le Casbah Coffee Club dans sa cave le 29 août 1959.

Admirateur de Bill Haley et Elvis Presley, John est intéressé. Il vient chez Mona avec ses trois amis guitaristes, Paul, George et Ken Brown. Il faut un nom à leur groupe : ils reprennent The Quarrymen. Pete, le fils aîné de Mona, deviendra peu après le batteur des Beatles, prédécesseur de Ringo.

Pendant qu'ils aident les Best à préparer l'inauguration, John achète sa première guitare électrique, une Höfner Club 40, grâce à l'aide de £ 17 accordée par la Tante Mimi, véritable point de départ de leur carrière légendaire.

Le choix de la Club 40 avait été fait avec George qui commençait déjà à 16 ans à être un grand connaisseur en guitares. George utilisait jusque-là une Höfner acoustique de jazz qu'il échange pour acquérir une Club 40 et ses pickups. George et John utilisent désormais le même type de guitare. Paul suivra.

George utilise sa première guitare électrique jusqu'en 1966 quand il accepte qu'elle devienne le prix d'un concours de groupes pop en Allemagne. Elle porte les signatures des quatre Beatles, mais elles avaient été confiées à leur road manager et ne sont donc ni apocryphes ni autographes. Cette guitare qui a accompagné l'aube de leur gloire est estimée $ 200K à vendre par Julien's à New York le 19 mai, lot 550.

7 mai 2018

Koons sur le Tas

L'artiste d'origine est un bambin nommé Ludwig Koons. Il joue à triturer de la pâte à modeler multicolore Play-Doh, une marque de la société Hasbro. La postérité a retenu pour toujours ce dialogue avec son père. Ludwig : "Daddy !". Jeff : "What ?". Ludwig : "Voilà !".

L'histoire se passe en 1994 quand Jeff Koons conçoit dans son ensemble sa série des Celebrations. L'oeuvre de Ludwig est une tas sans forme mais composé de couleurs vives et variées. Jeff n'est pas un artiste abstrait. Cela importe peu. Il justifiera l'inclusion de Play-Doh dans son catalogue de Celebrations par le fait que c'est un jouet qui va évoquer pour le visiteur le bonheur de l'enfance.

Le suspense dure jusqu'en 2014. Play-Doh a été réalisé en cinq exemplaires avec des configurations de couleurs différentes selon le processus immuable pour cette série. Composée de 27 plaques d'aluminium peintes, elle mesure 315 x 387 x 348 cm, un peu plus haute que le Balloon Dog.

Le délai a été bien long mais Jeff Koons le tourne à son avantage : il fallait que la jointure des plaques et la finition de surface atteignent la perfection. Il est vrai que cette surface simulant l'impact du toucher par les doigts du bambin est la plus complexe de la série des Celebrations. Un essai avec du polyéthylène ne lui avait pas donné satisfaction.

Un des cinq Play-Doh sera vendu par Christie's à New York le 17 mai au lot 12 B. Le communiqué de presse du 9 avril annonce une estimation autour de $ 20M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Avec Wagner sur le Highway

David Hockney a son atelier à Santa Monica. En milieu d'après-midi il rentre à la maison à Hollywood Hills par le Pacific Coast Highway. Le trajet est long et répétitif. En 1990 il prépare une bande magnétique de 90 minutes de musique de Wagner sur un rythme adapté à la séquence immuable du paysage qu'il traverse.

Il installe un panneau de contrôle et douze hauts-parleurs dans son antique Mercedes décapotable rouge. Il nomme My Wagner Drive cette oeuvre sans précédent qui n'a pas de signification en dehors de son transit habituel sur le highway.

A cette époque Hockney n'est pas actif dans son occupation principale d'artiste graphique. Il voudrait que son art soit joyeux mais beaucoup de ses amis meurent du SIDA. La route de Wagner va aider à le sortir de ses doutes.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend Pacific Coast Highway and Santa Monica, huile sur toile 198 x 305 cm peinte en 1990, lot 21 estimé $ 20M.

Cette peinture est une accumulation de couleurs rares dans des surfaces compartimentées. Sa composition géométrique naïve répond au goût du paysage classique Chinois qui regroupe plusieurs points d'observation pour un effet plus spectaculaire, en opposition avec les oeuvres inspirées par la photographie. La route sinueuse est la seule évidence d'une intervention humaine.

Plus tard dans une tendance renforcée vers la peinture monumentale, Hockney divisera le paysage en une grille de toiles autonomes, confirmant que même quand son sujet est unique son point d'observation ne l'est pas. Peinte en 1998 la vue 169 x 167 cm du Grand Canyon est un exemple de cette nouvelle phase encore une fois anticonformiste. Cette étude en quinze parties a été vendue pour £ 6M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2017.

La Banlieue d'Arcadie

Kerry James Marshall vit à Chicago. Militant pour les droits civiques, il observe les Africains-Américains qui ne savent pas créer une communauté révélant leur propre culture. Ils ont les mêmes loisirs que les blancs mais leur peau est immanquablement peinte avec un noir profond qui est une caractéristique de son art.

Les projets immobiliers des banlieues nomment parfois Garden leurs ghettos qui ne veulent surtout pas être identifiés comme tels. En 1994 Marshall réalise une série de cinq peintures monumentales intitulée Garden Project. Il renforce son message politique par trois oeuvres supplémentaires.

Peinte en 1997, la dernière de ces trois oeuvres est un acrylique et collage sur toile 275 x 400 cm, estimé $ 8M à vendre par Sotheby's à New York le 16 mai, lot 5 A. Son titre est Past Times, subtil jeu de mot avec Pastime pour montrer que ces personnages ne profitent pas réellement du monde contemporain, même quand ils imitent les blancs.

Cette scène est jouée dans un parc idyllique offrant golf et sports nautiques. Les gratte-ciel très loin à l'horizon montrent que nous sommes quelque part en banlieue. Au premier plan sur et autour d'une couverture à carreaux une famille profite d'un moment de repos.

L'homme tape dans une balle de golf. La petite fille avec des couettes essaye de l'imiter, avec gaucherie. La femme est en habits traditionnels Africains et le garçon adolescent ne veut pas qu'on le dérange quand il écoute sa musique. Le chien dort.

Il n'y a pas de blancs dans l'univers de Marshall, non pas qu'il les rejette mais plutôt parce que son observation sociale ne les concerne pas. C'est un peu comme s'il donnait une suite à la Grande Jatte de Seurat après en avoir expulsé les bourgeois. Il ne fait pas de doute que cette peinture révolutionnaire conservée à l'Art Institute of Chicago a eu une influence décisive dans le style narratif de Marshall.

6 mai 2018

Otto Vu avec Vignale

La Fiat 8V surnommée phonétiquement Otto Vu est un modèle GT lancé en 1952 pour utiliser le moteur Tipo 104 V8 et le châssis Tipo 106 développés pour un projet de limousine refusé par la direction. Il apparaît vite que Fiat n'est pas compétitif pour réaliser des carrosseries en séries limitées et les meilleurs spécialistes Italiens se précipitent pour proposer des concept cars et des prototypes.

En allégeant le châssis et la carrosserie et en supprimant les accessoires inutiles pour la compétition, la berlinette 8V peut devenir un leader dans la classe 2 litres. Cette option tente Vignale qui réalise un seul coupé corsa 8V en 1954 et Zagato qui fabrique en 1955-1956 cinq 8V Elaborata avec le toit rigidifié par la doppia bolla.

Le coupé corsa de Vignale aurait pu être le premier exemplaire d'une série prestigieuse mais elle n'est pas prête à temps pour le Salon de l'Automobile de Paris en 1954. A peu près au même moment Fiat craignant les surcoûts de ce modèle qui n'entre pas dans son core business arrête la 8V et cède les équipements restants à SIATA. Le coupé corsa 8V par Vignale n'aura pas de suite.

Ce coupé corsa Vignale est utilisé intensément en compétition de 1955 à 1960, incluant une performance spectaculaire mais stoppée par un accident aux Mille Miglia 1955. La carrosserie trop sollicitée est remplacée en 1957. Après une révision mécanique par Maglioli en 1987 elle apparaît dans de nombreux concours de vétérans et est restée éligible aux plus prestigieux évènements.

Cette voiture unique en son genre sera vendue par Finarte le 14 mai à Brescia. La vente se tient au Museo Mille Miglia. Elle est estimée € 2M, lot 134. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Front de Mer à Santa Monica

Richard Diebenkorn a fait ses études et sa carrière en Californie. Elève de Still et Rothko, il ne suit pas leurs confrontations de couleurs et préfère l'harmonie. Il admire l'habileté de Matisse à transformer un espace tridimensionnel en plans juxtaposés sur la toile.

En 1967 sa situation est stabilisée. Il devient professeur à l'University of California Los Angeles et installe son atelier dans le quartier d'Ocean Park à Santa Monica. Il occupe désormais un local qui avait servi autrefois à son ami Sam Francis. Inspiré par cette circonstance il décide de renoncer à la figuration.

La série Ocean Park inclut environ 135 peintures abstraites réalisées de 1967 à 1985, structurées par des lignes horizontales et obliques qui délimitent les zones des couleurs de la Californie, sans chevauchement. Les bleus du ciel et de la mer sont souvent en opposition.

Ocean Park # 48, huile sur toile 274 x 208 cm peinte en 1971, a été vendue pour $ 13,5M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012.

Le 17 mai à New York, Christie's vend Ocean Park # 126, huile sur toile 236 x 206 cm peinte en 1984, lot 26 B estimé $ 16M, montrant les couleurs chatoyantes d'un ensoleillement Californien sans ombre.

Bien que la bande du bas reflète le bleu saturé de la mer, # 126 n'est pas un paysage. Les lignes obliques ont différents points de fuite. Une subtile référence à la réalité est cependant apportée par un petit triangle transparent rempli par le ciel bleu et par des petits nuages blancs en haut de l'image. Le soleil est un rectangle très allongé proche du bord supérieur.

Le Son de la Victoire

La guerre en Europe et la situation politique de l'Espagne troublaient beaucoup Joan Miro. Réfugié dans la contemplation des étoiles, il avait réalisé sa série des Constellations et l'avait cachée. Il consacre ensuite sa créativité à l'enchevêtrement de trois thèmes : la femme, l'étoile, l'oiseau.

En juillet 1944 Miro parvient à envoyer les Constellations aux Etats-Unis. Pierre Matisse achète la série qu'il expose dans sa galerie à New York en janvier 1945. Dans son atelier de Barcelone, Miro est encouragé par ce succès et redémarre ses peintures sur toile de grand format.

Le 1er février 1945 Miro peint une huile sur toile 146 x 114 cm au titre révélateur, Femme rêvant de l'évasion. Les formes qui apparaissent en haut de l'image et à l'intérieur du visage ressemblent à des notes de musique. Cette oeuvre a été vendue pour £ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2013.

Le 11 mai 1945, trois jours après la capitulation de l'Allemagne, Miro peint une huile sur toile 130 x 162 cm intitulée Femme entendant de la musique. Cinq réserves sur un fond noir sont habitées chacune par une calligraphie hybride qui est à la fois un musicien et une note de musique. Le fond sombre, exceptionnel cette année-là dans son art, est une évocation dynamique d'une ambiance de cabaret.

Femme entendant de la musique est estimée $ 10M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 5 A. Elle avait été vendue pour $ 3,5M par Christie's le 14 novembre 1990.

5 mai 2018

Occupations Post-Cubistes

Après la guerre Fernand Léger retrouve sa créativité avant-gardiste. Le cubisme commence à devenir périmé en raison de la difficulté d'interprétation des images par le public. Sa phase mécaniste est une réponse encore imprégnée de cubisme à l'engouement des Futuristes pour les machines.

La figure humaine revient dans l'art de Léger. Il conçoit à partir de 1920 une peinture qui devra être monumentale sur le thème intimiste du petit déjeuner de trois femmes nues. Le trait devra être nouveau, la couleur viendra ensuite. Une huile sur toile 73 x 92 cm peinte en grisaille en 1920-1921 a été vendue pour $ 4,8M incluant premium par Christie's le 1er novembre 2005.

L'artiste réalise aussi des études des personnages individuels. Une huile sur toile 65 x 50 cm intitulée La Tasse de Thé a été vendue pour $ 8,1M incluant premium par Christie's le 3 novembre 2010. La version finale 92 x 65 cm de ce sous-thème a été vendue pour € 11,5M incluant premium par Christie's et Pierre Bergé le 23 février 2009.

Tout est prêt maintenant pour une nouvelle version avec les trois femmes. Intitulée Le Grand Déjeuner, une ultime huile sur toile préparatoire peinte en couleurs vives en 1921 en format 65 x 92 cm est estimée $ 15M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 11 A.

Sur le thème simple de la vie oisive ou tranquille des femmes modernes, Léger a modifié toutes les conventions iconographiques, à la recherche d'un équilibre entre les couleurs vives et les formes stylisées par des traits épais. L'anonymat des figures réduit la narration, c'est l'émotion intime qui prévaut. La version finale terminée en 1922 mesure 184 x 252 cm. Elle est conservée au MoMA.

Cette oeuvre anticipe de deux générations et sept décennies la série de Roy Lichtenstein montrant la femme contemporaine nue dans ses occupations quotidiennes.

Une Epingle à Cravate

Inconnue des amateurs de bijoux anciens, une épingle à cravate vient de faire surface dans une famille princière. Elle est dans son écrin, accompagnée d'une plaque en argent du XIXème siècle qui explique en français l'origine royale de son diamant. Elle est estimée CHF 3,5M à vendre par Sotheby's à Genève le 15 mai, lot 377.

Cette épingle a été créée pour utiliser un diamant bleu de forme poire qui en est aisément détachable. Il pèse 6,16 carats, sa nuance est fancy dark grey-blue et sa clarté SI1.

La plaque indique l'origine et la provenance du diamant. Il a été donné par les Iles Philippines à Elisabeth Farnese, reine d'Espagne, femme de Philippe V dont l'auteur de l'inscription était un arrière-petit-fils, le comte de Villafranca.

Cette provenance coloniale apparaît comme étant certainement un cadeau de mariage. En 1714 Elisabeth de la famille régnante de Parme épouse le roi récemment veuf. Il faut des cadeaux et les colonies sont sollicitées. La cargaison Américaine est perdue dans l'Atlantique en août 1715 avec de fabuleuses émeraudes.

A cette date Golconde est encore la seule source de diamants. Le Farnese Blue a en commun avec le Wittelsbacher Blue de ne pas entrer dans les catégories les plus usuelles de diamants bleus comme le fancy vivid ou fancy intense.

Comte de Villafranca est le titre porté par le duc Charles II de Parme après son abdication. Il semble être le premier de sa lignée à s'intéresser à ce diamant et c'est certainement lui qui a fait créer l'épingle. Son petit-fils Robert a intégré le Farnese Blue dans un diadème composé de diamants provenant selon la tradition familiale de la reine de France Marie-Antoinette. Cette utilisation dans le diadème est attestée plus tard dans un inventaire des bijoux possédés par sa belle-fille l'archiduchesse d'Autriche Maria Anna. Il a ensuite rejoint son épingle.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's :


4 mai 2018

La Troisième Série de la TdF

La Ferrari 250 GT Berlinetta est mieux connue sous sa désignation non officielle 250 GT LWB TdF qui permet de la distinguer des modèles ultérieurs que son formidable succès a inspirés. Elle est lancée en 1956 pour la compétition Gran Turismo avec une carrosserie légère en aluminium conçue par Pininfarina et fabriquée par Scaglietti.

Quelques mois plus tard la carrosserie devient plus anguleuse et quatorze fentes d'aération ou louvers sont introduites de chaque côté sur la paroi latérale arrière de l'habitacle.

Le modèle 1957 est la troisième variante avec la quantité de louvers réduite à trois et l'introduction des phares couverts. 17 voitures sont construites.

La 15ème TdF de cette troisième série sort d'usine début 1958. Elle a participé à 22 compétitions aux mains d'un propriétaire soigneux. Elle reste une des plus authentiques TdF, entièrement matching numbers et authentifiée par Ferrari Classiche. Bien connue des amateurs de Ferrari anciennes elle n'a pas manqué de participer aux célébrations des 50ème, 60ème et 70ème anniversaires de la marque.

Cette TdF de troisième série est estimée € 7M à vendre par RM Sotheby's à Monaco le 12 mai, lot 167.

J'ai précédemment discuté dans cette chronique une très rare TdF de première série qui avait gagné le Tour de France 1956 avec de Portago, vendue pour $ 13,2M incluant premium par RM Sotheby's le 15 août 2015, et une TdF à quatorze louvers vendue pour $ 9,5M incluant premium par Gooding le 17 août 2013.

Le Culte de la Jeunesse Eternelle

La vie de Francis Bacon est dominée et gâchée par ses questions existentielles, mais c'est bien cela qui a aussi fait de lui un des artistes les plus déroutants de son temps.

Dans sa jeunesse Francis peint d'horribles vieux papes, idoles en déchéance. Quand George devient son symbole de la jeunesse, il le confronte avec lui-même et le pape. La mort de George révèle a posteriori à Francis que ce jeune homme de qui il s'amusait avait eu une existence. Il n'y a pas de doute que le deuil de Francis ait été terrible, profond et long.

Malgré son ego Francis ne peut pas arrêter le temps. A partir de 1976 il fait la démarche de se ré-intéresser à d'anciens amis dont Henrietta mais il ne sait pas comment faire pour admettre et supporter le vieillissement de son propre corps.

Le 17 mai à New York, Christie's vend au lot 7 B Study for Portrait, huile sur toile 198 x 148 cm peinte en 1977.

Francis a terminé son deuil : George n'est plus un fantôme mais l'idole de la jeunesse éternelle, assis en sous-vêtements selon le modèle d'une photo prise par John Deakin dans la première phase de leur relation. Son visage est reconnaissable.

Sur une surface lilas devant l'idole, une forme apparaît, noire et terminée par une accumulation de sang. Ce ne peut pas être l'ombre de George parce qu'elle n'est cohérente avec aucune lumière. C'est un auto-portrait de Francis dans son corps qui devient dégoûtant. Cette hypothèse est confirmée par les déchets qui l'entourent, marqués par des lettres en dry transfer, qui symbolisent le fabuleux désordre de l'atelier de l'artiste.

3 mai 2018

L'Enchanteur Hermétique

A la fin 1982 Jean-Michel Basquiat n'est probablement pas satisfait de son art des deux années qui lui ont apporté la gloire. Avec sa maîtrise totale des couleurs par l'oilstick il a aligné des personnages et des squelettes amusants qui militent avec virulence pour la cause Africaine-Américaine. Les tags humoristiques qui révélaient sa formation des rues ont fini par disparaître.

Les visiteurs de ses expositions pourraient croire qu'il est un artiste visuel plutôt qu'un penseur. Il commence une composition monumentale relative à la signification prophétique de la vie. Identifiée sous le titre Flesh and Spirit, elle est divisée en deux toiles 184 x 368 cm adjacentes l'une au-dessus de l'autre. L'ensemble 368 x 368 cm est décomposé en quatre images carrées à lire de gauche à droite et de haut en bas comme une page de bande dessinée.

Les trois premières images montrent une alchimie entremêlant le crâne et les os, le cerveau et les membres charnus, avec des répétitions de mots parfois biffés qui guident le cheminement de la pensée. Pour la première fois dans l'art de Jean-Michel le mot est omniprésent et la couleur est discrète.

Le dernier quadrant est terminé par un rectangle noir dans lequel l'interaction entre Flesh et Spirit est exprimée par un schéma de la plus grande simplicité et clarté. Juste en-dessous l'artiste a figuré un derrick avec le mot Petrol pour annoncer que la maîtrise du mystère anatomique permet d'accéder à la phase suivante qui est le combat contre la société de consommation.

Flesh and Spirit est terminée juste à temps pour une exposition à New York en janvier 1983. Elle est immédiatement achetée par Dolores Ormandy Neumann qui trouve dans cette oeuvre un aboutissement du street art et déclare avec sagacité qu'on peut la considérer comme la pierre de Rosette de Basquiat.

Flesh and Spirit sera vendu par Sotheby's à New York le 16 mai au lot 24. Le communiqué de presse du 28 mars annonce une estimation autour de $ 30M.

Basquiat continue en 1983 avec ce nouveau style de figuration narrative. Undiscovered Genius of the Mississippi Delta a été vendu pour $ 23,7M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014. Brother's Sausage a été vendu pour $ 18,6M incluant premium le 17 novembre 2016, également par Sotheby's.

Dispute pour des Pommes

Amateurs d'art, Leo Stein et sa soeur Gertrude arrivent à Paris en 1903. Ils partagent leur appartement où ils font croitre leur collection d'art moderne. En difficultés financières pendant sa Période Bleue, Picasso parvient à intéresser ces riches Américains qui tiennent un salon hebdomadaire.

Les années passent. Leo et Gertrude sont jaloux l'un de l'autre et leurs sensibilités divergent. Pendant que Leo admire la figuration naturaliste de Matisse et Renoir, Gertrude soutient le cubisme de Picasso et Gris. La présence permanente d'Alice auprès de Gertrude devient le prétexte de leur rupture définitive. Leo part pour l'Italie au début de 1914.

La séparation de leur très importante collection s'est passée presque facilement tant leurs goûts sont devenus différents. Une huile sur toile 13 x 26 cm par Cézanne focalise cependant leur antipathie. Leo la prend et Gertrude laisse une place vide sur le mur de son appartement.

Cette année-là Picasso est très occupé par le cubisme. Neuf ans plus tôt Leo et Gertrude admiraient la finesse de son dessin. Il ne rate pas cette nouvelle occasion pour montrer à Gertrude qu'il est comparable à Cézanne. La peinture perdue par Gertrude montrait cinq pommes. Pour Noël, Picasso offre et dédicace à Gertrude et Alice une pomme dans le style de Cézanne.

Alice avait conservé la collection de Gertrude. Après sa mort un consortium de six acheteurs privés créé par David Rockefeller achète les 47 oeuvres restantes incluant 38 par Picasso et quelques Gris. L'anecdote de la création de la Pomme lui fait attribuer une place de choix dans la vente de la collection Rockefeller par Christie's à New York. Cette gouache et aquarelle sur papier 14 x 18 cm estimée $ 1M est le lot 1 de la première vente de soirée, le 8 mai.

2 mai 2018

L'Homme-Enfant de la Vallée du Ntem

En 2001 De Grunne et Perrois ont décrit l'extrême similitude de six figures Fang réalisées il y a environ 200 ans dans la haute vallée du Ntem au nord du Gabon dans un atelier unique, probablement par le même artiste du groupe ethnique Mvai. La belle patine polie brun foncé est typique de ce groupe.

Pour exercer leur fonction principale de gardien dissuasif d'un coffre reliquaire du byeri, ces personnages sont masculins, fortement sexualisés avec de puissants muscles très arrondis. La coiffe à trois pointes est un attribut guerrier. Pourtant la grosse tête, le nombril proéminent et les membres courts ont les proportions d'un enfant nouveau-né.

Au début du XXème siècle les artistes Européens ont été séduits par ce modèle dont tous les exemples connus sont d'une exécution parfaite. La figure Fang-Mvai évoque tout le cycle de la vie en un seul personnage sans rien perdre de son équilibre esthétique. L'expression dans l'art n'a pas besoin de réalisme pour susciter l'émotion.

Le 15 juin 2011 Sotheby's a vendu pour € 2,6M incluant premium une de ces statuettes, haute de 53 cm.

Un autre exemple haut de 46 cm est estimé $ 3M à vendre par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 16. Avec sa patine qui suinte encore l'huile de palme rituelle, elle est une des pièces les plus désirables de l'art tropical Africain.

Rothko dissout dans sa Lumière

Pour Mark Rothko 1969 est une année de création frénétique. Sa femme vient de le quitter et sa maladie s'aggrave. Il n'a plus d'autre occupation que son art. Surveillé par les médecins il ne peut plus travailler en grands formats, au moins temporairement.

Les plus importants artistes abstraits Américains, Pollock et Rothko, ont tous deux remarqué que le papier pouvait offrir une meilleure luminosité finale que la toile. Certainement pour des raisons de fragilité et de conservation du papier, leur carrière a cependant été surtout effectuée avec des toiles.

Pendant cette phase critique qui connaîtra une rémission vers la fin de l'année, Rothko se concentre sur les propriétés lumineuses de ses couleurs sur papier, généralement sans dépasser 40 inches. La plupart de ces papiers sont montés sur toile.

Rothko apporte à cette nouvelle phase son expérience de deux décennies dans le choix des pigments. Beaucoup de ses oeuvres de cette série pathétique ont une texture sombre qui n'exclut pas une radiance élevée. Les compositions claires sont plus rares et reflètent peut-être d'éphémères phases d'optimisme. Les rouges vibrants ont alors un rôle dominant, même quand leur surface est restreinte au bord et aux interstices. Une grande huile sur papier 134 x 103 cm rouge et jaune a été vendue pour $ 11M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2017.

Un exemple en blanc perlé et orange de cette ultime recherche de la luminosité extrême est à vendre par Sotheby's à New York le 16 mai. Le rouge écarlate est fin mais contribue à l'équilibre puissant. Cette huile sur papier 99 x 65 cm montée sur toile est estimée $ 7M, lot 5 de la vente de la collection Mandel. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Gros Plan sur la Dormeuse Blonde

En mars 1932 Pablo Picasso peint sa muse Marie-Thérèse dans diverses situations et positions. Dans cette série qui culmine avec Le Rêve, il continue à pratiquer la déformation des visages et des corps qui caractérisait son style depuis les années 1920.

En juin et juillet une grande exposition rétrospective à la Galerie Georges Petit marque un tournant important dans la vie de Picasso. Olga n'a plus de doute : Picasso a une maîtresse. La conséquence est inattendue : désormais il n'a plus de raison de cacher le vrai visage de Marie-Thérèse.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Le Repos, huile sur toile 46 x 46 cm datée 1932, lot 8 estimé $ 25M.

Une fois de plus Marie-Thérèse dort. Ce n'est pas un hasard. Selon l'artiste un sommeil paisible exhale l'innocence et exacerbe la beauté physique. Le visage de la muse est stylisé mais réaliste, et les cheveux sont blonds. Bien que le jour exact n'ait pas été inscrit par Picasso, cette oeuvre a probablement été créée pendant la seconde moitié de l'année.

Le portrait est limité à la tête en gros plan, posée derrière les mains entrecroisées. La bouche est entr'ouverte pour une douce respiration. Picasso offre sur cette image une harmonie de couleurs centrée sur la peau lilas. La passion de l'artiste lui permet en 1932 de créer des portraits presque vivants.

Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.

1 mai 2018

Danse autour de l'Image

Pendant une exposition au MoMA en 1941, Pollock assiste à une démonstration d'images de sable par les Navajos, qui lui rappelle son enfance dans le Wyoming. La création est un rituel où l'image d'origine disparait sous l'accumulation des couches.

Cette expérience lui donnera l'idée de placer sa toile ou son papier à plat sur le sol de son atelier pour une meilleure précision de la dissémination les couleurs. Réalisant sa danse gestuelle autour de l'oeuvre au fur et à mesure de l'exécution, il réalise le vieux rêve de Malevitch d'une image ré-orientable dans toutes les directions et donnant l'illusion de se propager au-delà de ses propres limites.

Tout en annulant le figuratif Malevitch voulait aussi mettre en valeur la matière. Pollock suit une démarche similaire. Après les très grandes toiles du début de 1948, il essaye plusieurs techniques sur des petits formats.

Les oeuvres sur papier préparé avec un primaire blanc sont prometteuses et les petites surfaces permettent d'obtenir plus rapidement une couverture totale du format avec des lignes enchevêtrées d'une grande densité. Peint avec des égouttements et des coulures de peintures à l'huile et à l'émail, Number 19 1948, papier 78 x 57 cm monté sur toile, a été vendu pour $ 58M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013.

L'utilisation de peinture aluminium pour les traits blancs apporte une luminosité extrême. Dans le même format que Number 19, Number 32 1949 a été monté sur isorel. Dans une très belle fraîcheur grâce à une utilisation parcimonieuse dans les expositions, cette peinture sur papier est estimée $ 30M à vendre par Sotheby's à New York le 16 mai, lot 14. Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par la maison de ventes.


Le King en Mouvement

Après la multiplication des Marilyns en 1962, Andy cherche à simuler encore mieux le cinéma. Il utilise une peinture argent qui imite le grand écran. Sa technique basée sur la sérigraphie permet d'obtenir très facilement des images multiples qui évoquent la succession des cadres sur la pellicule ou même le mouvement.

Il n'y pas de meilleur candidat que le Roi du rock and roll pour simuler une trépidation. Andy choisit une photo d'Elvis Presley extraite d'un Western de 1960. L'acteur dans la position classique d'un cowboy de cinéma est debout de face, jambes écartées et prêt à tirer.

A partir de cette image unique, Andy crée des multiples avec lesquelles il couvre dans un arrangement serré les murs de la Ferus Gallery à Los Angeles en septembre et octobre 1963. 22 oeuvres de cette série ont été conservées.

Certains Elvis de Warhol créent plus spécifiquement une illusion du mouvement. Bien que l'image d'origine soit unique, la disposition du multiple remémore Marey, Muybridge et le Nu descendant l'escalier par Duchamp. Un Triple Elvis 208 x 173 cm avec intervalle inégal entre les figures a été vendu pour $ 82M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014.

Le double Elvis 208 x 122 cm vendu pour $ 37M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2012 est audacieux. La différence de contraste entre deux impressions chevauchantes crée une illusion de tremblement. En discutant cette oeuvre avant la vente, j'avais observé que l'agitation frénétique du rock and roll est encore parfaitement personnifiée par le Double Elvis de Warhol un demi-siècle plus tard.

Ce Double Elvis sera vendu au lot 9 B par Christie's à New York le 17 mai. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.





30 avr. 2018

Le Maître de Monaco

Après la saison 1992 la suprématie de McLaren est menacée : ils ont perdu leur moteur gagnant du fait du retrait de Honda de la Formule 1. Ils trouvent un compromis avec Ford Cosworth pour 1993 mais cela ne satisfait personne. Ford est en contrat avec Benetton à qui ils réservent leurs meilleurs développements technologiques, et le V8 Ford est nettement moins puissant que le moteur Renault des Williams.

La nouvelle McLaren à moteur Ford est désignée sous la référence MP4/8(A). Ayrton Senna a des doutes mais finit par accepter de rester avec McLaren. Il gagne deux des cinq premiers Grands Prix, incluant une victoire restée pour toujours exemplaire à Donington Park.

Pour le sixième Grand Prix de la saison à Monaco, la MP4/8 numéro 6 est attribuée à Senna. Il connaît bien ce circuit difficile sur lequel il a déjà gagné cinq fois, égalant le prestigieux record de Graham Hill.

McLaren n'a plus la meilleure voiture mais la compétence de ses équipes de développement à exploiter à l'extrême les tolérances des règlements, associée à la motivation légendaire de Senna, permet de concurrencer la Williams.

Pendant les essais libres la McLaren fait un tête à queue à 160 Km/h. Senna en sort sain et sauf grâce à la conception sécurisée du cockpit McLaren. L'accident avait été généré par une erreur d'instruction  automatique de la nouvelle suspension active. A ce niveau la conduite est un ré-apprentissage permanent même pour un pilote aussi expérimenté que Senna.

Senna savait commenter ses états psychiques. Il a eu très peur. L'accident a eu lieu le jeudi. Senna continue avec la même voiture qui n'a pas été endommagée. Le dimanche il a intégré mentalement les conséquences de l'accident et gagne pour la sixième fois de sa carrière le Grand Prix de Monaco.

Il conduit la même voiture dans six autres Grands Prix, mais sans victoire. Alain Prost est champion du monde 1993 avec la Williams-Renault.

La MP4/8A/6 est restée authentique, incluant le moteur et la boîte de vitesse de sa victoire à Monaco. Elle revient dans la Principauté pour être vendue le 11 mai par Bonhams, lot 119.

L'image de cette voiture pilotée par Senna à Hockenheim est partagée par Wikimedia avec attribution : By Runmatze~commonswiki / Landmensch [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) or CC-BY-SA-3.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/)], from Wikimedia Commons

AyrtonSennaAtHockheimGP1993


Génie Inconnu à Los Angeles

En mars 1983 Larry Gagosian expose des oeuvres de Jean-Michel Basquiat dans sa galerie à West Hollywood. Quelques mois plus tard l'artiste tente l'aventure Californienne et installe son atelier à Venice. Il échappe ainsi temporairement à New York où il ressentait la difficulté de transformer son talent en une gloire durable. Basquiat se mêle peu à la vie mondaine : il est venu à Los Angeles pour travailler.

Une nuit dans la cour de son atelier, Jean-Michel rencontre un clochard. La palissade n'avait donc servi à rien. Elle serait plus utile comme support de ses peintures. Il la démonte et réutilise les lattes jusqu'à épuisement de cette source. C'est un moyen simple et astucieux de donner à son travail une caractéristique supplémentaire du street art. Plus tard à New York il achètera des planches pour continuer cette nouvelle pratique en incluant des tags.

Le 17 mai à New York, Phillips vend au lot 5 Flexible, acrylique et oilstick 259 x 191 cm peint à Venice en 1984 sur bois horizontalement parqueté.

Le personnage Africain-Américain plus grand que nature à la peau transparente est un alter ego de Jean-Michel. L'avant-bras gauche est démesurément allongé pour rejoindre la main droite en formant un cadre au-dessus de la tête. La tête très droite est fière, exprimant l'envie de gloire de l'artiste.

Flexible est le chef d'oeuvre de cette phase de transition. Une photo de 1986 montre l'artiste assis sur un cube décoré avec en fond d'atelier l'imposant Flexible. Cette peinture a été conservée jusqu'à maintenant dans sa succession par ses soeurs. Le communiqué de presse du 28 mars annonce une estimation au-delà de $ 20M. L'image est partagée par WikiArt "for fair fuse" sous copyright de Jean-Michel Basquiat.




29 avr. 2018

Les Précieuses Secondes de Walter Lange

La société A. Lange u. Söhne fondée en 1845 fabriquait des montres de luxe à Glashütte près de Dresde. Le jeune Walter Lange, arrière-petit-fils du fondateur, était fier du travail de ses ancêtres et plus particulièrement d'une complication brevetée consistant à ajouter à la trotteuse une deuxième aiguille pour les secondes avec un mécanisme de démarrage et d'arrêt, en quelque sorte un précurseur du chronographe moderne.

Le bombardement de Dresde a mis fin au rêve de Walter Lange. La société a continué sans lui, avec des produits médiocres. En 1990, juste après la réunification de l'Allemagne, il l'a recréée avec un autre ingénieur sans changer le nom, avec une première collection en 1994. A. Lange u. Söhne a rapidement trouvé sa place parmi les meilleurs fabricants de montres à grande complication, incluant les tourbillons.

Walter Lange est mort en janvier 2017. Ses ingénieurs se sont mis immédiatement au travail pour lui rendre hommage avec un nouveau calibre intégrant sa complication favorite et nommé L1924 par référence à l'année de sa naissance. Le nouveau modèle 1815 - Homage to Walter Lange a été révélé en janvier 2018 avec un plan de production de 262 pièces en intégrant les trois qualités d'or, blanc, rose et jaune.

Un exemplaire unique a également été construit en acier inoxydable, une matière que la marque utilise très rarement. Son cadran en émail noir est également unique. Cette montre sera vendue le 13 mai par Phillips à Genève au lot 233, entièrement au bénéfice de la charité Children Action.

Entrée vers la Lumière

Avec son schéma immuable de blocs, Mark Rothko va encore plus loin que Malevitch dans l'élimination du figuratif et du narratif. Ses couleurs cherchent à se repousser l'une l'autre dans une confrontation dramatique qui est à chaque fois différente. Les exceptions méritent une explication.

Le No. 7 de 1954, huile sur toile 229 x 149 cm, a été vendu pour $ 21M incluant premium par Christie's à New York le 13 novembre 2007. Il revient dans la même salle de vente au lot 34 B le 17 mai. Le communiqué de presse du 20 avril annonce une estimation autour de $ 30M.

No. 7 est bien décrit par son sous-titre habituel qui n'annonce pas de couleur : Dark over Light. Un autre sous-titre parfois utilisé est White and Black on Red. Les deux blocs sont centrés mais le bloc supérieur noir est plus large que le bloc inférieur blanc. Cette partie sombre est très homogène en densité, ce qui est également inhabituel.

Un arrangement d'exposition justifie ces caractéristiques spécifiques.

Rothko composait très soigneusement ses oeuvres mais il prévoyait aussi leurs rôles respectifs. Il fallait que le visiteur soit capté dès son entrée dans la salle, sans que son attention soit attirée par des décorations ambiantes. En 1957 à Houston, Rothko accroche ce No. 7 dans la première salle. Le visiteur est attiré par la lumière intense émanant de cette fausse fenêtre blanche. Le noir a peu d'importance et sert essentiellement de faire valoir.

No. 7 n'était pas le meilleur Rothko dans la vente de novembre 2007. Une oeuvre plus petite mais plus orthodoxe datant de l'année suivante avait été vendue pour $ 34M incluant premium. Elle a été ensuite vendue pour $ 56M incluant premium par Phillips le 15 mai 2014.

La Bande des Treize

En 1964 la World's Fair de New York est dédiée aux progrès, comme toutes les autres. Plusieurs artistes sont invités à décorer le mur extérieur du pavillon de l'Etat de New York. Ce sera la première et dernière commission publique attribuée à Andy Warhol, la suite de l'histoire montre bien pourquoi.

Les préoccupations de Warhol vont à l'opposé de l'optimisme requis. Il a commencé l'année précédente ses Death and Disaster exhibant le mauvais côté de l'Amérique. Il ne peut tout de même pas installer ses chaises électriques ou ses accidents de voitures sur ce mur qui sera vu du grand public. Il ne choisit donc pas la chaise vide mais le portrait de celui qui pourrait y monter.

Un ami lui a procuré un livret de police avec les photos des treize bandits les plus recherchés et une brève catégorisation de leur crime. Chaque malfaiteur a ses deux photos de police, de face et de profil, tramées pour une impression en grande quantité. Andy réalise des sérigraphies géantes 125 x 97 cm de ces petites images.

Il assemble son mur en cinq rangées de cinq colonnes qui forment un ensemble déroutant. Les couples de photos sont soit ensemble soit éparpillées pour un total de 22 images. Le spectateur pourra jouer à chercher quelles figures sont montrées une seule fois. Les trois positions en bas à droite sont vides selon le style qu'il avait précédemment utilisé dans les Car crash.

Après concertation avec les organisateurs, Andy recouvre tout cela par une couche opaque de peinture argent. L'image murale disparaît juste avant l'ouverture de l'exposition. Plusieurs hypothèses ont été émises. Je dirais que le FBI ne pouvait pas laisser un artiste faire un travail de police.

Un peu plus tard dans la même année Warhol édite les portraits des treize bandits, en image simple ou en diptyque, en reprenant la numérotation du carnet de police. Le 17 mai à New York, Christie's vend au lot 15 B un diptyque du Most Wanted Men No. 11, John Joseph H., Jr.

Dans ce sinistre trombinoscope, le voleur John Joseph est un des plus déroutants car il apparaît comme un homme ordinaire, jeune et beau. Auteur d'une attaque en bande à mains armées dans un débit de boisson, il a indisposé la police en s'évadant avant son procès. Il reste un homme : s'il est attrapé, faut-il l'exécuter ?

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.