27 févr. 2018

Bouddhisme Féodal au Tibet

Le 19 mars à New York, Bonhams vend une figure d'Avalokiteshvara en alliage de cuivre doré, lot 3033 estimé $ 1M. Cette pièce inclut sur la circonférence de sa base de double lotus une très rare inscription qui permet de la situer avec précision dans l'histoire du Tibet et identifie l'artiste.

Sous les Yuan, le Tibet était vassal de l'empire de Chine. Les premiers Ming cherchent une légitimité religieuse auprès des lamas Tibétains sans interférer dans sa politique, et le Tibet devient une féodalité où la guerre civile dynastique ou sectaire est endémique.

Le très long règne du gongma Drakpa Gyaltsen fut cependant relativement tranquille. Sous sa protection la nouvelle secte Bouddhiste Gelug crée plusieurs monastères. A la fin de cette période un jeune chef de fief du Tibet Central nommé Norzang crée vers 1427 CE avec son maître spirituel de la secte traditionnelle Sakya le monastère de Jamchen.

L'inscription nomme comme patrons le maître Sakya assimilé à un bodhisattva ainsi que les "frères régnants" Norzang et Palzang, désireux de créer un lieu de culte où les fidèles pourront atteindre l'étape de l'omniscience. Le nom de l'artiste est Sonam Gyaltsen.

En 1435 Norzang tire profit de la guerre civile de succession du gongma pour prendre de façon durable le pouvoir politique avec une fonction de régent. A cette date son frère a disparu de l'histoire. En supposant que le lieu de culte soit Jamchen, cela définit les terminus post quem et ante quem à 1427 et 1435 CE, une précision remarquable pour une pièce d'art Bouddhiste.

Cette statuette d'une exécution raffinée fait 68 cm de haut, une grande dimension comparée aux pièces de sa période. Elle était ainsi très probablement la pièce centrale d'un autel. Elle montre Avalokiteshvara dans son rôle de seigneur omnipotent aux onze têtes et mille bras, ici réduits pour les commodités de la figuration à huit bras principaux et trente-quatre bras formant un beau cercle radiant. Ce thème rare témoigne certainement de l'ambition personnelle de Norzang.

26 févr. 2018

Pas de You pour Fu Hao

Le 21 mars à New York, Sotheby's vend un bronze archaïque Chinois de 29 cm de haut, lot 583 estimé $ 1,5M. Comme souvent dans cette catégorie, ce pot couvert en excellent état atteste de la parfaite maîtrise des artisans du milieu de la période Shang. Cette pièce a conservé intacte son anse, ses anneaux et son couvercle. Elle est par endroits incrustée de malachite.

La surface est ciselée en faible relief à l'exception des masques d'animaux et des yeux globulaires des taotie, avec une densité de motifs qui représente la complexité de son rituel d'utilisation. Ce récipient ovoïde sur une base pleine et surmonté d'un col cylindrique est identifié comme un 'you'.

En matière d'objets rituels Shang, la référence chronologique est la tombe de Fu Hao, fermée il y a environ 3250 ans et découverte intacte en 1976 avec 1800 objets en matériaux divers qui constituent un fabuleux catalogue. Fu Hao était la femme d'un empereur Shang qui résidait dans la nouvelle capitale de cette dynastie à Yinxu dans l'actuelle Anyang.

Le 'you' ovoïde n'a pas d'équivalent exact dans la collection de Fu Hao et est probablement ultérieur. Comme beaucoup de bronzes archaïques c'est cependant une copie de récipients en terre cuite antérieurs à Yinxu. Sa maniabilité est évidente.

La forme du pot est cependant comparable au 'pou' sans anse de l'ancienne collection du Musée Fujita, de plus grande dimension, qui a été vendu pour $ 27M incluant premium par Christie's le 15 mars 2017. Par la qualité de sa ciselure cette pièce est considérée comme contemporaine de Fu Hao.

25 févr. 2018

Bons Tuyaux en Californie

David Hockney termine ses études d'art à Londres en 1962. Il admire la fausse puérilité du graphisme de Dubuffet.

Avide de sensations exotiques et romantiques, il obtient du magazine Sunday Times un voyage en Egypte en 1963. Subjugué par les solutions locales au problème de l'eau, il peint à son retour Great Pyramid at Giza with Broken Head from Thebes où le premier plan est envahi par un tuyau à eau. Cette huile sur toile 183 x 183 cm a été vendue pour £ 3,5M incluant premium par Christie's le 13 février 2013.

Jusqu'en 1967 l'acte homosexuel restera un crime au Royaume Uni. Pour devenir un meneur de l'art gay, Hockney préfère partir. En 1964 il arrive à New York où il s'imprègne du pop art. A Los Angeles il est enchanté par l'ambiance de liberté, par l'apparente facilité de la vie, et par les corps bronzés des jeunes hommes presque nus à la piscine et sur la plage.

Le 7 mars à Londres, Sotheby's vend un acrylique sur toile 183 x 152 cm peint en 1965 dont le titre est tout un programme didactique : Different kinds of water pouring into a swimming pool, Santa Monica. Comme aux Pyramides le tuyau a le rôle principal de cette composition naïve sans personnage. Son eau coule jusqu'au fond du bassin. Au loin une rangée d'arbres profite de l'irrigation. Cette oeuvre est estimée £ 6M, lot 26.

Peu après les piscines idylliques sous le soleil Californien deviennent le thème principal de son art, avec maintenant le réalisme requis pour la contemplation des hommes.

Le Smash Social de Mark Bradford

Mark Bradford n'est pas un peintre. Il récupère les rebuts de la civilisation comme par exemple affiches et pages de magazines qu'il déchiquète avant de les coller sur ses toiles avec une minutieuse préparation de l'équilibre des formes et des couleurs. Parfois dans l'immensité d'une oeuvre un détail d'image ou un mot subsiste d'un document original par une ironie volontaire de l'artiste.

Bradford est un Africain-Américain. Les titres de ses oeuvres appellent à une lecture sociale plutôt que raciale, contre les abus de la civilisation envers les classes pauvres. Il capte dans son art abstrait l'espace illimité des quartiers de Los Angeles comme Pollock avait capté le sol organique de Long Island.

Le 8 mars à Londres, Phillips vend Helter Skelter I, l'une des deux oeuvres de ce titre réalisées en 2007, lot 14 estimé £ 6M.

Le titre a une double signification dans l'histoire sociale récente. Il est d'abord la chanson qui a poussé les Beatles et plus particulièrement Paul McCartney dans le style du hard rock en 1968. Malheureusement à Los Angeles cette avancée des Beatles a été récupérée comme emblème par Charles Manson dans sa croisade répugnante pour l'extermination des blancs. Ce chef de secte blanc voulait à ce moment être le roi des noirs.

Helter Skelter I, 366 x 1036 cm, est vendu par John McEnroe après avoir couvert un mur de son appartement. L'enfant terrible du tennis est devenu galeriste en 1993 et a également tenté de devenir une star du rock. Sur les courts il était connu pour son agressivité gagnante, avec la caractéristique très rare à son niveau de n'avoir jamais eu d'entraîneur. Cet intérêt de McEnroe pour l'art de Bradford est un hommage à l'énergie du jeune artiste.


24 févr. 2018

Vingt-Quatre Coups dans la Toile

Sous le nom de Spazialismo, Lucio Fontana explore dès 1947 un art abstrait résolument minimaliste, ni réellement peinture ni réellement sculpture, qui lui permettra de déclarer qu'il a découvert la dimension cosmique, représentation artistique de l'infini. Les perforations plus ou moins grosses du support permettent à l'observateur d'imaginer l'au-delà.

En 1960 il lacère au cutter des toiles enduites d'une peinture à l'eau monochrome. Ce n'est pas de la perforation parce que la netteté du geste tranchant n'ôte pas de matière. C'est une porte qui va s'ouvrir vers la connaissance mystique. Il intitule Concetto spaziale - Attese (Concept spatial - attente) cette importante série qu'il exécutera en centaines d'exemplaires avec diverses couleurs jusqu'à sa mort en 1968.

Le geste du couteau devient un réflexe qui permet des cisaillements plus longs, plus droits et plus serrés, toujours verticaux ou légèrement obliques. Son habileté atteint son paroxysme en 1965. La suite de cette discussion décrit des Attese réalisés cette année-là.

Un Attese rouge 116 x 90 cm avec 14 coups de couteau sur deux rangs a été vendu pour $ 16.4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015. Un autre rouge 65 x 200 cm avec 24 coups en un seul rang a été vendu pour $ 16M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2015. Ces configurations n'ont pas été dépassées par l'artiste et sont sans doute des limites de technologie avant de risquer d'endommager la toile.

Le blanc est le symbole de la pureté. Un Attese blanc 80 x 100 cm avec 23 coups a été vendu pour £ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015.

Le 6 mars à Londres, Christie's vend un Attese de la dimension maximum avec 24 coups en un seul rang, lot 17 estimé £ 8M.

Cette oeuvre a des caractéristiques uniques. La toile peinte en blanc mat est inséré dans un cadre en bois laqué noir 68 x 202 x 5,5 cm qui inclut également une barre oblique. La laque luisante ajoute à l'illusion multidimensionnelle par la réflexion de la salle ambiante dans l'esprit des peintures miroirs de Pistoletto.

Fontana commentait ses meilleures oeuvres par une inscription autographe au dos. Il a écrit sur celle-ci "Hier Tro-tro Klein m'a rendu visite". Tro-tro est la veuve de Klein et la soeur d'Uecker. Fontana a réalisé une synthèse unique entre son spatialisme et les recherches du Groupe Zero sur la puissance expressive des monochromes blancs.

Tempête dans l'Espace

En 1990 Peter Doig termine ses études à la Chelsea School of Art. Il commence une peinture sur un thème audacieux qui réunira ses deux fascinations, pour sa propre mémoire et pour les émotions les plus fortes du cinéma. Il associe ainsi la boule de neige et l'énigme Rosebud de Citizen Kane à son enfance au Canada.

Il construit cette oeuvre comme une confrontation de mondes dominés par l'ovale central d'une tempête de neige qui repousse vers les bords de sa mémoire la cabane et la forêt. Les flocons sont dispersés sur ce fond à la fois sombre et légèrement transparent. Le flou renforce l'impression onirique.

Un agent de sécurité de l'école nommé Charley regarde et dit "Huh, Space". Il a vu un ciel étoilé et pas une tempête de neige. Loin de décourager le jeune artiste, cette interprétation erronée mais plausible l'enthousiasme. L'art pictural ne reflète pas une réalité mais une émotion préparée par l'artiste et qui peut être perçue différemment par l'observateur.

Terminée en 1991 cette huile sur toile 183 x 127 cm est intitulée Charley's Space. Elle fournira en 2003-2004 le titre d'une exposition solo à Maastricht : Peter Doig n'a pas oublié la leçon involontairement profonde de son visiteur. Elle est estimée £ 6M à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 27.

Monet savait montrer la surface transparente de son bassin. Doig devient le virtuose de la neige qui tombe, plus ou moins dense, avec plus ou moins de brouillard, mais désormais dans un univers plus homogène. Peint également en 1991 en réutilisant la cabane et la forêt, Pink Snow, 244 x 198 cm, est conservé au MoMA.

Peinte en 1994, une scène située à Cobourg est un aboutissement de cet effet d'ambiance. Cette huile sur toile 200 x 250 cm a été vendue pour £ 12,7M incluant premium par Christie's le 7 mars 2017.

Charley's Space est introduite avec une autre oeuvre dans la vidéo partagée par Christie's.

23 févr. 2018

Quinze Petits Panneaux d'Isorel

En 1949 par un article dans le magazine Life, Jackson Pollock devient un sujet de curiosité pour les Américains avides de construction d'un art nouveau. Sa méthode de dripping sur d'immenses toiles posées à plat sur le sol est unique en son genre. Physiquement et psychologiquement l'artiste devient partie intégrante de l'oeuvre en cours de conception.

Du fond de son atelier à Long Island, Pollock se fiche bien de sa nouvelle réputation. Soutenu par Lee Krasner qui contrôle sa sobriété, il a entière confiance dans sa propre créativité. Son art n'est pas limité à une gesticulation autour de grands formats.

Son frère Sanford "Sande" McCoy Pollock est imprimeur. Il lui reste d'une opération précédente quinze panneaux d'isorel 56 x 56 cm imprimés d'un côté avec un jeu de baseball. Il les donne à "Jack" au début de l'année 1950.

La texture du panneau est plus propice qu'une toile à l'enchevêtrement des couleurs vives de sa peinture à l'émail et aluminium. Pollock n'a plus besoin de travail préparatoire. Quand il crée au verso du jeu de baseball les textures éclatantes de son monde organique, il est en contact direct avec son oeuvre.

Le résultat lui convient à tel point qu'il renonce dans cette série à l'idée d'infini supportée par les grands formats : sur les bords l'isorel brut est conservé avec une netteté tranchante, probablement obtenue avec une épargne.

Number 12, 1950 a été vendu pour $ 18,3M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015. Number 21, 1950 est estimé £ 10M à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 28.

Trois Heures avec Beyoncé

Il y une place pour les groupes de petites filles dans la musique hip hop mais beaucoup sont intéressées et la concurrence est sévère. Girl's Tyme est fondé à Houston en 1990. Beyoncé, LaTavia et leurs deux copines ont 9 ans. Elles dansent et chantent, et imaginent des chorégraphies.

Des séquences sont filmées en 1992 en Californie pour un projet d'album. 19 bandes pour une durée totale de près de 3 heures ont fait surface en 2016. La qualité d'enregistrement est professionnelle. Le groupe est alors composé de six filles. Beyoncé a déjà le tempérament d'une meneuse avec une excellente présence sur scène et la capacité de jouer solo. Il est intéressant de la voir ainsi à l'aube de sa fabuleuse carrière.

Cet ensemble vidéo sera vendu en un seul lot incluant des copyrights. Cette collection inclut les deux montages vidéo qui ont été réalisés pour préparer une édition. Le lot est estimé £ 1,5M à vendre par Ted Owen à Londres le 13 mars en timed auction sur la plate-forme d'enchères Invaluable, lot 12.

Les filles sont bien jeunes et malgré leur enthousiasme le succès ne vient pas. Elles surmontent leurs déceptions et créent en 1995 le groupe Destiny's Child dont le premier album, sorti en 1998, est vendu à 500 000 exemplaires. Beyoncé a alors 17 ans.

Je vous invite à regarder les deux clips réalisés par la maison de ventes en novembre 2016 et février 2018.


22 févr. 2018

Un Bout de Papier pour une Grosse Dette

L'éphémère Demand Note était seulement échangeable contre des pièces du trésor fédéral. Ce fonctionnement n'était pas satisfaisant pour le gouvernement alors en pleine Guerre de Sécession. Cette première expérience amène à élargir l'application à presque toutes les opérations financières en 1862 avec la Legal Tender Note.

L'obligation inscrite sur le billet stipule cet usage libéralisé : This note is a legal tender for all debts public and private except duties on imports and interest on the public debt. Une variante dans une clause additionnelle est rapidement modifiée, permettant d'identifier les tout premiers exemplaires

La plus haute dénomination de la Demand Note était $ 20. Celle de la Legal Tender Note était $ 1000, un montant très élevé surtout destiné à des opérations de banque à banque.

Ce Legal Tender $ 1000 est identifié sous la référence Fr-186* dans la nomenclature de Friedberg. Aucun exemplaire n'a survécu avec la première obligation de février 1862 (Fr-186 et Fr-186a). Le plus ancien exemplaire connu est un unique Fr-186c portant la date imprimée du 10 mars 1862. Gradé Fine 15 par PCGS, il a été vendu pour $ 880K incluant premium par Stack's Bowers le 15 août 2013.

Trois billets Fr-186d, première variante avec la date d'impression modifiée au 10 mars 1863 et l'acte du 3 mars 1863, ont survécu. Le seul en mains privées n'a certainement jamais été utilisé et a conservé son embossage d'origine. Gradé Choice About New 58 par PCGS, il est estimé $ 800K dans la première vente de la collection Joel R. Anderson par Stack's Bowers à Baltimore le 22 mars, lot 1018.

Chartes de Couleurs Abstraites

En 1966 Gerhard Richter est occupé par l'anti-art. Pour le figuratif il copie ses photos floues. Cela ne suffit pas pour sa révolution picturale : il s'attaque aussi désormais à l'art abstrait.

Pour libérer l'abstraction de toute émotion, il imite les chartes de couleurs des marques de peinture industrielle, sans aucune fantaisie dans la composition géométrique. Les rectangles soigneusement alignés sont séparés par des bandes blanches.

Il commence l'année 1973 avec des monochromes gris puis tente de vrais dialogues abstraits entre le rouge, le jaune et le bleu. Au tournant de 1974 il se consacre à nouveau à ses Farbtafeln en laque sur toile dans lesquelles il supprime souvent les bandes blanches pour une stricte juxtaposition.

L'opus 359 peint en 1974 est le plus complexe et le dernier de cette série avec 254 x 254 cm et 4096 couleurs. Il a été vendu pour $ 3,7M incluant premium par Christie's le 11 mai 2004. L'autre extrême est le 353-1 20 x 20 cm avec 4 couleurs qui est aussi le premier sans bandes séparatrices

L'opus 357-2 peint en 1974, 121 x 124 cm avec 1025 couleurs séparées l'une de l'autre par les bandes blanches. Il a été vendu pour $ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008 et est estimé £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 7 mars, lot 8.

Le sommet est atteint en 2007 avec l'opus 901, 196 panneaux d'aluminium laqués de 25 carrés chacun formant quand ils sont tous assemblés ensemble un carré de 680 x 680 cm et 4900 couleurs en un intéressant exemple d'art ajustable par l'utilisateur.

21 févr. 2018

La Montagne Froissée

Rudolf Stingel sait que tout art est autobiographique. Il réutilise quatre photographies de lui-même par Sam Samore pour réaliser des auto-portraits géants à l'huile sur toile, dans une attitude sans complaisance. Untitled (after Sam) peint en 2006, 335 x 457 cm, a été vendu pour $ 10,6M incluant premium par Christie's le 17 mai 2017.

L'art pictorial avait réussi à se dégager du réalisme photographique. En 1963 Gerhard Richter a pris le contre-pied en utilisant comme modèles de ses peintures des photos ratées en mauvais état qui assurent un pont à forte signification sociale entre la banalité et l'art. Après ses auto-portraits Stingel retrouve aussi la banalité photographique mais dans un sens moins impersonnel.

Il est né à Merano dans les Alpes Tyroliennes du côté Italien et partage sa vie entre cette ville et New York City. Il peut bien sûr observer le panorama mais l'impression de son enfance a disparu. Il la ré-interprète en récupérant des photos anciennes qu'il agrandit démesurément pour révéler tous les défauts d'origine et de conservation. Il les copie ensuite sur toiles en respectant scrupuleusement les taches, les froissements, les rayures et les pertes de densité.

Avec ces photos banales dont l'auteur d'origine ne peut pas être connu, Stingel dévoile au visiteur un faux recoin de son univers, sans personnage et sans premier plan, et qui n'est même pas lié directement à sa mémoire. Dans la suite de sa carrière il brouillera encore plus sa relation avec le collectif et l'anonyme avec ses plaques de graffiti.

Le 7 mars à Londres, Sotheby's vend une huile sur toile peinte en 2009 sur le thème des montagnes du Tyrol re-photographiées. Avec son format 335 x 460 cm, cette vue désuète pourrait être confrontée aux photographies hyper-modernes d'Andreas Gursky. Elle est estimée £ 4M, lot 19.

Les Dollars Métriques

Un brevet est accordé en mai 1877 à William Wheeler Hubbell pour un alliage d'or, argent et cuivre nommé goloid destiné à remplacer l'alliage 90 % argent de la pièce de 1 dollar. Les officiels sont convaincus et les premiers dollars en goloid sont frappés en 1878. La masse de la pièce est gravée en système métrique (14,25 grammes) au côté des proportions : 1 G, 16.1 S, 1.9 C.

Pour accompagner le nouveau dollar de nouveaux multiples sont conçus en 1879. Le quart d'aigle de cinq dollars devrait être remplacé par une pièce de quatre dollars 6 G, .3 S, .7 C (7 grammes) surnommée la stella pour l'étoile qui orne son revers. L'avantage de la dénomination de quatre dollars est d'être directement échangeable pour huit florins.

Tout en haut de la gamme monétaire une matrice est créée pour la pièce de 20 dollars 30 G, 1.5 S, 3.5 C (35 grammes) connue sous le nom de quintuple stella. On notera que l'alliage des stellas et quintuples stellas est à trop forte proportion d'or pour être désigné comme un goloid.

Le brevet du goloid indiquait une difficulté accrue de contrefaçon. C'était naïf : il suffisait de supprimer l'or et d'augmenter le cuivre pour obtenir une pièce moins chère impossible à distinguer d'une vraie pièce de 1 dollar. Le gouvernement s'en rend compte en 1880 et stoppe le projet : le goloid, le dollar métrique et ses multiples sont morts et enterrés.

La stella n'a jamais été mise en circulation. Utilisée comme cadeau pour promouvoir le projet, elle n'est pas très rare et de nombreux exemples ont été manipulés. Ce n'est pas le cas des cinq exemplaires connus de la quintuple stella de l'unique frappe de 1879 qui sont toutes restées à l'état neuf, gradées PR 62 à PR 64+ par PCGS ou NGC.

Une pièce a été donnée au Smithsonian par Stack's. Un collectionneur possédait encore récemment les deux spécimens en condition deep cameo. Il conserve la meilleure. L'autre, gradée PR 64 par PCGS, a été vendue pour $ 1,88M incluant premium par Legend Rare Coin Auctions le 19 mai 2016.

L'une des cinq pièces avait été offerte par la US Mint à Hubbell. Gradée PR 62 par PCGS, elle a été vendue pour $ 860K incluant premium par Heritage en janvier 2007. Upgradée PR 63 Cameo également par PCGS elle sera vendue par Stack's Bowers à Baltimore le 22 mars, lot 2272.

20 févr. 2018

Vitesse et Luxe en Amérique

Les voitures de sports créées par Ferrari sont d'abord des conceptions recyclées des modèles de compétition. Les riches Américains sont friands de voitures luxueuses et puissantes et Ferrari crée à leur usage de 1951 à 1953 les petites séries 340 America, 342 America et 375 America.

Pour la compétition la 375 Plus avec son moteur V12 de 4,9 litres aurait dû être une 410 selon la nomenclature usuelle de la marque identifiant le volume métrique par cylindre. En 1955 la gamme 410 démarre formellement avec la 410 S pour la compétition et le prototype de châssis d'une 410 routière pour laquelle le moteur Lampredi de la 375 Plus a été adouci.

Pour cette voiture surpuissante le qualificatif America ne suffit plus pour attirer l'attention des clients. La 410 routière est ainsi la première Superamerica, la voiture commerciale la plus rapide de son temps. La production de ce modèle de haut de gamme est limitée à environ un châssis par mois. Pinin Farina est le carrossier préférentiel sans toutefois avoir l'exclusivité.

La sortie dans la même année 1956 du coupé 410 Superamerica et de la berlinette 250 GT crédibilise considérablement le haut de gamme de l'offre commerciale de Ferrari.

Le 9 mars à Amelia Island, Gooding vend la dernière des douze 410 Superamerica Série I, carrossée par Pinin Farina. Très parcimonieusement utilisée, elle n'a que 12 000 Km au compteur et a conservé sa carrosserie, son moteur, sa boîte de vitesses et son différentiel d'origine. Elle est estimée $ 5M, lot 36. Voici le lien vers le communiqué de presse.

La troisième et dernière petite série de 410 Superamerica en 1958 et 1959 est l'apogée du luxe des Ferrari à carrosserie fermée des années 1950. Sa concurrente en carrosserie ouverte est le cabriolet 250 GT Série I suivi de l'industrialisation en Série II.

La Muse de Boisgeloup

Picasso est ébloui par la blonde beauté de Marie-Thérèse Walter quand il la rencontre par hasard le 8 janvier d'une année qui n'a pas été identifiée avec certitude. Douce et docile, elle accepte de devenir sa muse. Picasso est marié avec Olga et ses relations avec Marie-Thérèse sont illégales. Prudemment Pablo attend avant de représenter sa petite amie dans des positions érotiques.

Marie-Thérèse atteint sa majorité légale le 13 juillet 1930, mettant ainsi fin au supplice de Tantale de son bouillonnant amant. Olga n'a pas encore découvert cette infidélité. Restant prudent, Picasso achète le château de Boisgeloup en juillet 1930 pour installer loin de Paris sa maîtresse et son second atelier. En 1931 il exécute de nombreux bustes où il exalte les rondeurs de la tête de Marie-Thérèse.

En janvier 1932 l'artiste ne peut plus restreindre ses pulsions érotiques. Le rôle de Marie-Thérèse est facile à tenir : Pablo l'adore quand elle dort. Le Rêve, célèbre par sa double lecture innocente et sexuelle, est peint le 24 janvier. Cette huile sur toile 130 x 97 cm a été vendue pour $ 44M par Christie's le 10 novembre 1997.

Début mars Picasso réalise une série de nus dormants, de mémoire à Paris ou devant le modèle à Boisgeloup. Le Nu, Feuilles vertes et Buste peint le 8 mars, 162 x 130 cm, est emblématique de cette série par son fini, avec des lignes simples et des couleurs pures qui veulent une fois de plus concurrencer Matisse. Il a été vendu pour $ 106M incluant premium par Christie's le 4 mai 2010.

Le 12 mars Le Miroir, 130 x 97 cm, introduit une nouvelle audace, la réflexion permettant de voir la femme en buste par devant et par derrière.

Le 13 mars La Dormeuse, 130 x 162 cm, est la dernière peinture de cette série. Synthèse des images du 8 et 12 mars, elle dégage la femme des accessoires inutiles remplacés par un simple coin de ciel bleu. Le format paysage permet la grandeur nature de ce nu couché. La torsion visuelle du corps assure la plénitude du désir de l'artiste qui exhibe à la fois le sexe et les fesses.

La Dormeuse a été réalisée à l'huile et au charbon, offrant la spontanéité d'un dessin. Elle conserve bien visibles les repentirs du trait, comme si l'artiste avait longuement observé les mouvements de sa muse dans son sommeil. Si c'est le cas, elle a été peinte à Boisgeloup. Cette oeuvre d'une intimité exceptionnelle a été conservée amoureusement par Picasso jusqu'à sa mort.

Elle est estimée £ 12M à vendre par Phillips à Londres le 8 mars, lot 10. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

'La Dormeuse': Picasso's Sleeping Nude from Phillips on Vimeo.

19 févr. 2018

Le Mystère de la Chambre Rose

En 1926 à Bruxelles la Galerie Le Centaure invite René Magritte à préparer des peintures pour sa première exposition solo qui se tiendra en avril et mai de l'année suivante. Le jeune artiste construit son univers personnel surréaliste où les personnages principaux sont des bilboquets.

Dans cet ensemble d'une grande variété, Magritte questionne la nature de l'être humain souvent limité à plusieurs organes coupés. Il simplifie son dessin pour que les objets soient immédiatement reconnaissables, rendant leurs interactions encore plus bizarres. Il transpose dans un environnement ordinaire les mises en scènes irrationnelles et antiquisantes de De Chirico.

Le 27 février à Londres, Christie's vend Le Groupe silencieux, huile sur toile 120 x 80 cm peinte en 1926 et exposée en 1927, lot 107 estimé £ 6,5M.

Les murs de la pièce sont roses, couleur du nu féminin qui préoccupe aussi Magritte à cette époque. Le seul personnage humanoïde presque entier est une épaisse planche détourée. Trois yeux sont pliés sur les bords d'un cube couleur chair en une iconographie qui anticipe les montres molles de Dali.

L'art n'est pas épargné dans cet ensemble grotesque avec l'image d'un château qui se dissout dans le rideau et une grande peinture d'arbres posée négligemment en biais contre le mur de gauche.

Les visiteurs ne sont pas intéressés par sa vision volontairement illogique du monde. En août 1927 Magritte rejoint le groupe surréaliste à Paris où l'accueil n'est pas plus favorable. Revenu à Bruxelles en 1930 il exploite pendant quatre décennies son idée d'origine sur les relations incongrues entre des objets disparates.

La Femme Reconstruite

Après les années 1920, Picasso a besoin d'aller de l'avant, artistiquement et sentimentalement. Comme le plus souvent dans sa carrière il cherche des influences.

Les sculptures en fer forgé de son ami d'enfance Julio Gonzalez l'incitent à construire des formes avec des figures d'organes. L'observation sous des angles variés crée la composition de ses peintures comme avait fait Matisse à ses débuts. Quand une architecture rocheuse posée sur une plage évoque la femme dont les claires-voies sont l'érotisme, il est difficile de statuer entre Picasso et Dali lequel a influencé l'autre.

Picasso définissait cette éphémère période surréaliste comme la série des Bones supportée par une attirance par les squelettes. Il ne faut pas croire ce que racontent les artistes.

Pablo est frustré. Il a choisi Marie-Thérèse comme muse mais elle est encore mineure et il la cache dans un appartement proche du sien. Olga a certainement des doutes sur la fidélité de Pablo et l'acrimonie commence à s'installer dans le couple.

Les Bones de Picasso sont des femmes. Le peintre dira plus tard qu'ils montrent Olga, peut-être parce qu'il ne supporte plus sa frustration de ne pas pouvoir exhiber Marie-Thérèse.

Le 18 janvier 1930 il peint l'Acrobate, une faible imitation de La Musique de Matisse, 162 x 130 cm. Fin janvier dans le même format la Baigneuse au bord de la mer est Olga. Dans une construction surréaliste elle a la morphologie d'une femme nue.

Le 1er février 'Femme' est un buste qui a conservé le bec triangulaire et les mâchoires verticales de la Baigneuse précédente. Cette huile sur bois 64 x 47 cm a été vendue pour $ 8M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2011 sur une estimation basse de $ 3M.

Le 2 février 1930 dans la même technique et le même format, 'Figure' déjoue les tentatives d'interprétation des organes, même par comparaison avec la Femme de la veille, comme si Picasso avait voulu assurer une transition abstraite de ses fantasmes entre Olga et Marie-Thérèse. Cette peinture à l'huile et mine de carbone est estimée £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 106.

18 févr. 2018

Francis Bacon après le Deuil

Francis Bacon était homosexuel mais ne rejetait pas la compagnie des femmes dans la vie débauchée de Soho. Il a trois muses parmi elles avec des rôles sociaux différents. Muriel lui sert à boire et Isabel à rencontrer des artistes. Henrietta Moraes est beaucoup plus jeune. Il aime sa liberté sans contraintes et son fou rire.

Les années passent trop vite et les corps vieillissent. La figure d'Henrietta avec sa seringue hypodermique peinte en 1968, 198 x 148 cm, a été vendue pour £ 20,2M incluant premium par Christie's le 30 juin 2016.

Le suicide de George en 1971 marque un tournant dans le comportement et l'art de Bacon. Il lui faut cinq ans pour se dégager de son sentiment de culpabilité. Ses peintures de ce deuil ont souvent un fond noir rendu intense et homogène par la préparation du primaire au travers du dos de la toile. Eloigné volontairement de Londres depuis 1974, Bacon a son atelier à Paris.

Il revient à une vie moins tourmentée en 1976 et s'intéresse à ses anciens amis. Il a 67 ans. Henrietta à 45 ans a passé avec succès sa période difficile. Francis rend hommage à ce phenix par un triptyque d'huiles sur toiles dans son format habituel, 35 x 30 cm chaque. Il est estimé £ 10M à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 25.

John Deakin est mort en 1972. Pour composer ce triptyque, Francis ne s'inspire pas d'une image d'Henrietta mais transpose sur sa personnalité une photo de plateau d'Emmanuelle Riva avec une mèche mouillée descendant le long du nez dans Hiroshima mon Amour. La contribution d'Henrietta dans cette création est l'application de couleurs vives autour de la bouche qui mémorisent la vivacité de son attitude à Soho dix ans auparavant.

Ty Cobb et le Tabac

De 1909 à 1911 l'American Tobacco Company édite la plus importante série de cartes de baseball de son temps, annonçant successivement au dos 150, 350 et 460 "sujets". Les joueurs les plus populaires sont  Ty Cobb, John McGraw et Joe Tinker, chacun avec quatre sujets différents. Pour la compréhension des collectionneurs cette série est identifiée sous la référence T206.

Les dos sont publicitaires pour les différentes marques de la société : 14 pour des cigarettes et une pour du tabac en vrac. 80 % des cartes T206 ont des dos Piedmont ou Sweet Caporal.

Sur le terrain Honus Wagner et Ty Cobb sont archi-rivaux. Leurs attitudes vis-à-vis de l'American Tobacco apparaissent comme opposées bien que les détails de ce business ne soient pas connus. Wagner retire très tôt son autorisation de publier son unique portrait qui devient l'image la plus rare de la série.

Si l'on considère les combinaisons du recto et du verso, une carte est bien plus rare : la Ty Cobb à dos Ty Cobb. Le recto est une des quatre images courantes de Cobb, avec son portrait sur fond rouge. Le dos n'adresse pas une des 15 marques. Il indique en grosses lettres capitales "Ty Cobb" King of the Smoking Tobacco World et en petits caractères l'adresse de l'usine en Caroline du Nord. Aucun autre joueur n'a été l'objet d'une édition spécifique.

Cette édition est considérée comme régulière mais elle est mystérieuse. Comparée aux autres T206 le carton est plus dur et l'image au recto est restée en couleurs vives comme si elle avait été protégée par un vernis. Exemptes de taches de tabac, elles n'ont pas été empaquetées contrairement aux autres combinaisons de la série.

Environ 22 exemplaires sont connus. Les conditions groupées des principales découvertes dans le sud des Etats-Unis, 5 ensemble en 1997 et 7 ensemble en 2016, peuvent laisser croire que la Ty Cobb à dos Ty Cobb n'a jamais été disponible pour le public.

La découverte de 2016 est nommée le Lucky 7 Find. Elles ont été gradées par PSA FR 1.5 (une carte), Good+ 2.5 (quatre cartes), VG+ 3.5 (une carte) et VG-EX+ 4.5 (une carte). Les deux meilleures ont le plus haut grade attribué pour cette variété. Les grades souvent faibles attribués par PSA sont liés à l'usure et pas à des faiblesses d'impression.

Une des 2.5 avec une couleur parfaite a été vendue pour $ 240K incluant premium par Heritage le 25 février 2017. La carte VG+ est estimée $ 500K à vendre par Heritage à Dallas en ligne le 24 février avec extended bidding, lot 80006.

17 févr. 2018

La Porsche Turbo

Le modèle 908 est un prototype de compétition engagé par Porsche dans la catégorie 3 litres. Sa production s'arrête en 1971. Pour appuyer ses successeurs sur des modèles de série, Porsche retravaille le haut de gamme du modèle 911 et crée en 1973 les Porsche 911 Carrera RS et RSR à moteur 2,8 litres. En 1974 Porsche pousse la capacité de la RSR à 3 litres.

La Porsche Turbo est également développée en 1974 avec un moteur de 2,1 litres et un taux de compression de 1,4 qui restent compatibles avec les règlements de la classe 3 litres. Quatre Porsche 911 Carrera RSR 2.1 Turbo sont construites et deux d'entre elles sont engagées aux 24 heures du Mans.

A la surprise générale l'une de ces deux Porsche Turbo expérimentales conduite par Müller et Van Lennep se révèle être la seule voiture capable de concurrencer la Matra de Pescarolo et Larrousse et termine la course à la seconde place toutes catégories confondues. La meilleure Carrera RSR 3.0 non turbo est septième.

La même Porsche Turbo conduite par la même équipe réalise un exploit similaire le mois suivant aux 6 heures de Watkins Glen. Revendue par Porsche après la fin de la saison, elle est ensuite peu utilisée. Bien conservée dans un excellent état d'origine, elle est estimée $ 6M à vendre par Gooding à Amelia Island le 9 mars, lot 22. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Le succès de cette 911 2.1 Turbo incite Porsche à développer sa gamme turbocompressée. A partir de 1975 la Porsche 911 Turbo à moteur 3 litres également nommée Porsche 930 devient un des plus grands succès commerciaux de la gamme 911. En 1976 leurs évolutions 934 et 935 sont homologuées pour les Groupes 4 et 5 de la FIA.

16 févr. 2018

Le Festival des Masses

Le Festival d'Arirang est organisé régulièrement à Pyongyang pour exalter le patriotisme Nord-Coréen. Il est à la fois collectiviste et populaire : les acteurs sont aussi les spectateurs et chaque participant a répété pendant des mois les gestes à exécuter pour se confondre totalement dans la masse. Il ne peut rien exister de semblable, nulle part.

Au sol les dizaines de milliers de gymnastes coordonnent leurs gestes rapides pour construire des figures globales d'une grande simplicité géométrique et d'une grande beauté. Dans les gradins des dizaines de milliers de spectateurs ou d'enfants brandissent des pancartes de couleurs, constituant tour à tour les différents symboles visuels du régime Nord-Coréen.

Ces personnes n'ont pas d'existence individuelle. En termes de chimie, ils sont les atomes d'un unique matériau. En termes de typographie, ils sont les points de l'image. Dans les vidéos d'Arirang il est impossible de discerner une caractéristique spécifique d'un gymnaste, ni dans le geste ni dans le costume. Il n'y a aucun chef visible dans leur chorégraphie parfaite.

En 2007 Andreas Gursky assiste à la cérémonie d'ouverture d'Arirang. Sa technique de reconstruction d'une image globale à partir de photos successivement focalisées sur les différentes distances offre une netteté totale et sans distorsion depuis le premier plan jusqu'à l'arrière-plan.

Gursky a édité cinq opus sur Arirang. Parmi eux Pyongyang II est un diptyque montrant un mouvement militaire avec en arrière plan le symbole des oiseaux sur une vue et de l'arme à feu sur l'autre. L'un de ces diptyques a été vendu pour £ 830K incluant premium par Christie's le 14 février 2012.

Pyongyang I, III, IV et V sont des vues uniques montrant des figures de gymnastique ou des effets de masses. Un Pyongyang IV 304 x 205 cm a été vendu pour £ 1,33M incluant premium par Sotheby's le 15 octobre 2010. Un Pyongyang V 307 x 219 cm a été vendu pour £ 1,08M incluant premium le 30 juin 2014 également par Sotheby's.

Pyongyang III est la seule vue unique panoramique, 206 x 422 cm. Dans une phase où l'arrière-plan est inactif, il offre une composition en bandes horizontales qui ressemble vu de loin au chef d'oeuvre de l'artiste, le Rhein II de 1999. Un exemplaire est estimé $ 600K à vendre par Christie's à New York le 1er mars, lot 271.

Sculptures de Table par Matisse

Henri Matisse est un des premiers artistes qui dégagent l'art figuratif des proportions réalistes de la photographie. Il pétrit l'argile à partir de 1899. Ses sculptures de table lui permettront d'observer les angles de vues hardis qui apporteront une harmonie expressive aux disproportions. La Danse, en 1909, est l'aboutissement le plus spectaculaire de ce processus créatif. Les nus d'argile de Matisse sont à comparer aux chevaux de cire de Meissonier.

Matisse explore plusieurs chemins en parallèle dont le pointillisme inspiré par Signac, et c'est le Fauvisme qui assure sa notoriété en 1905. Peu après les premières rencontres des artistes Européens avec l'art tribal Africain le convainquent de la possibilité de déroger aux formes de la nature.

Pendant ses séjours à Collioure Matisse rencontre fréquemment Maillol à Banyuls. Maillol cherche à simplifier le nu pour atteindre la pureté dans des proportions parfaites. Ils ont ainsi des approches complémentaires qui toutes deux libèrent le nu de l'érotisme musclé de Rodin.

En 1907 à Collioure, Matisse conçoit Nu allongé I, 34 x 50 x 29 cm. La torsion du corps pourrait évoquer Rodin mais le coude levé hypertrophié annonce un art nouveau. Cette oeuvre sera surnommée l'Aurore par comparaison de l'attitude robuste avec le célèbre marbre funéraire par Michelangelo. La même année son Nu bleu est une projection picturale du Nu allongé I. Cette oeuvre qui sera très abondamment imitée par Picasso inaugure la concurrence sévère entre les deux artistes.

La priorité de Matisse est la peinture mais il fait aussi des bronzes, avec parcimonie. De son vivant onze bronzes du Nu allongé I sont effectués, le dernier étant une épreuve d'artiste. Ils sont échelonnés de 1908 à 1951 en pas moins de cinq fontes différentes.

Les trois premiers bronzes sont édités à Paris vers 1908 par Bingen et Costenoble qui travaillaient aussi pour Maillol. L'un d'eux est estimé £ 5M à vendre par Phillips à Londres le 8 mars, lot 9. Deux copies ultérieures ont obtenu aux enchères des prix très importants pour leur temps : $ 8,4M par Christie's le 9 novembre 1999 pour un des deux bronzes de 1912, et $ 9,6M par Phillips le 7 mai 2001 pour un des trois bronzes de 1930.

15 févr. 2018

Le Grand Secret d'Isaac Newton

Depuis toujours les alchimistes professaient que tous les phénomènes naturels étaient liés. Ils voulaient tout comprendre, englobant même la théologie. Isaac Newton est le plus important utilisateur de l'alchimie. La loi de la gravitation est une audacieuse synthèse universelle entre la matière et la force.

Par chance pour la science moderne il comprend que toute démonstration physico-chimique doit s'appuyer sur les résultats d'une expérience reproductible. Personnalité difficile, Newton n'accepte pas que ses travaux soient contestés. Même si les principes alchimiques sont la base de ses découvertes, ils ne sont que des conjectures : cet écrivain scientifique d'une grande fécondité n'a jamais rien publié sur l'alchimie.

Avec Newton la rigueur scientifique fait un bond en avant. En acceptant l'hypothèse de la composition de la matière en particules liées par une force d'interaction, il ouvre la voie à la chimie des éléments tout en considérant encore qu'il est possible de transmuter les matériaux en or.

La bibliothèque alchimique de Newton était secrète mais considérable. Ce qui en restait dans sa famille a fait surface en 1872. Cette information inattendue concernant le fondateur de la science moderne était inconcevable et honteuse selon les théories de la science exacte. Jusqu'en 1936, date à laquelle les documents ont été dispersés aux enchères par Sotheby's, Isaac Newton a continué à garder son grand secret.

Un des manuscrits de la vente de 1936 revient aux enchères par Bonhams à New York le 9 mars, lot 6 estimé $ 200K. Il n'est pas daté mais la décennie 1690 est plausible. Ce texte n'a jamais été publié.

Dans son écriture difficile et serrée, Newton déroule en latin un processus physico-chimique pour obtenir la pierre philosophale, incluant des phases d'échauffement et de refroidissement qui peuvent durer plusieurs mois. Une mauvaise qualité des matériaux d'origine ou du feu peut mener à l'échec.

L'origine de cette recette reste un mystère. Le dossier est intitulé par Newton "Opus Galli Anonymi" (travail d'un français anonyme). Le texte fait l'objet de très nombreuses ratures et additions, démontrant que si Newton a fait une traduction autographe d'un auteur antérieur, il a aussi réfléchi en détails à la façon d'appliquer cette instruction au laboratoire. Aucun antécédent de ce texte n'a été identifié et il peut aussi être un maquillage par Newton d'un développement personnel dans la grande tradition du secret alchimique.

14 févr. 2018

Die Brücke dans les Tourbières

Le groupe Die Brücke est fondé en 1905 par Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleyl et Erich Heckel. Ces jeunes gens veulent changer la vie en s'inspirant de la nature originelle et pratiquent le nudisme qui devient un thème majeur de leur art.

Schmidt-Rottluff et Heckel passent leurs vacances d'été à Dangast, une petite station thermale de la mer du Nord. La région avait conservé des tourbières qui donnaient aux jeunes artistes l'idée de ce qu'était la Terre nourricière aux temps préhistoriques de l'apparition de la vie.

Les mouvements artistiques évoluent vite. Le Fauvisme se développe en parallèle de l'expressionnisme de Die Brücke qui laissera la place aux couleurs symboliques du groupe Der Blaue Reiter avec lequel Schmidt-Rottluff expose en 1912.

L'huile sur toile 77 x 84 cm intitulée Watt bei Ebbe (tourbières à marée basse) peinte par Schmidt-Rottluff en 1912 est à la confluence de toutes ces tendances. Les couleurs saturées sont dominées par le rouge et l'orange du ciel et de l'eau. Le paysage est animé par quelques voiles et leurs reflets. La simplicité du dessin évoque la période Bretonne de Gauguin.

Cette oeuvre a été vendue pour € 2,7M incluant premium par Villa Grisebach le 28 novembre 2013. Elle est estimée £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 février, lot 12.

Le mouvement Die Brücke est déjà périmé. Il est dissout en 1913. L'art de Schmidt-Rottluff est devenu rare suite aux persécutions par les Nazis.

Les Signatures de Jackie Robinson

Les excès de l'application d'une discrimination stricte dans les bus et le baseball ont fini par détruire pour toujours la ségrégation raciale aux Etats-Unis. Jesse Owens n'avait pas le charisme social pour réaliser un tel exploit. Jackie Robinson l'a fait.

Engagé dans l'armée Américaine pendant la guerre, Jackie Robinson rencontre Joe Louis. Il force son admission dans une école de sous-officiers interdite aux Noirs. En 1944, suivant la voie ouverte par les champions de boxe Joe Louis et Ray Sugar Robinson, il refuse la ségrégation dans un bus de l'armée.

Une fois libéré de l'armée Jackie Robinson choisit le baseball. Il attire l'attention des managers de clubs : la Major League est interdite aux Noirs mais ce garçon a trop de talents pour jouer dans les ligues mineures. C'est un blanc, Branch Rickey, qui force le destin.

Rickey est manager des Brooklyn Dodgers en Major League et des Montreal Royals en ligue mineure. Il convoque Robinson et lui explique qu'il sera l'objet de la haine vociférante des Blancs. Robinson se remémore la gloire méritée de son ami Joe Louis. Il accepte.

Le plan se déroule en deux étapes. La signature de Robinson avec les Royals le 23 octobre 1945 passe inaperçue. Sa signature avec les Dodgers le 11 avril 1947 fait l'effet d'une bombe. Les copies remises à Jackie de ces deux documents signés seront vendus en un seul lot par Goldin à New York le 27 février. 10 % du prix de vente sera donné à la Jackie Robinson Foundation. Seth Kaller, expert en documents historiques, a défini pour cet ensemble le prix qui a été retenu par les compagnies d'assurances : 36 millions de dollars.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée le 1er mai 2017 par Darren Rovell sur ESPN, incluant d'intéressantes interviews du propriétaire et des experts.

Un seul autre contrat signé par Jackie Robinson avec les Dodgers est disponible sur le marché. Etabli  en 1949, il a été vendu pour $ 276K par Robert Edward le 24 avril 2017. Il est estimé $ 200K à vendre par Heritage à Dallas le 24 février, lot 80070.

En 1955 Rosa Parks entre dans la légende des relations raciales en refusant de céder sa place à un Blanc dans un bus de l'Alabama.

13 févr. 2018

L'Espace Continu d'Umberto Boccioni

En publiant en 1909 en français puis en italien son Manifeste du Futurisme, Marinetti veut changer la vie dans son ensemble. Pas moins ! Les progrès techniques spectaculaires de son temps devront permettre d'oublier le passé. La violence sera nécessaire. La vitesse est la principale caractéristique de la vie nouvelle.

Il groupe autour de lui les artistes intéressés par son projet. Umberto Boccioni devient le théoricien de l'art Futuriste. L'art ne sera plus réaliste. Englobant désormais le dynamisme et la simultanéité, la peinture est une expression globale du monde.

Contrairement à Balla qui exprime la vitesse des machines, Boccioni reste concentré sur la figure humaine. Il découvre à Paris le cubisme de Braque et Picasso dont il réutilise le divisionnisme en multiples facettes.

Peint par Boccioni en 1912, Testa + luce + ambiante est un exemple de ce nouvel art global. L'image est structurée en zones qui peuvent être des miroirs obliques dans lesquels les reflets de la tête et de la lumière sont partout et nulle part. Cette huile sur toile 60 x 60 cm est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 février, lot 14.

En termes d'art graphique d'autres avant-gardes autour de Duchamp, Léger ou Kandinsky font des avancées similaires. Un peu plus tard Mondrian captera tout l'univers sur des toiles de petites dimensions.

La vision de Boccioni pour la sculpture est encore plus séminale. En se basant sur des portraits sculptés par Picasso, il promeut l'effet d'ensemble aux dépens du réalisme des proportions et des surfaces. En 1913 son homme qui court intitulé Forme uniche della continuità nello spazio précède de 34 ans l'homme qui marche de Giacometti avec en plus une vision abstraite du corps humain qui annonce Henry Moore.

L'Inaccessible Désir

En 1929 Dali vient d'adhérer au surréalisme. Paul et Gala Eluard lui rendent visite à Figueras. Gala qui est aussi la maîtresse de Max Ernst est connue pour sa liberté sexuelle. Dali clame son impuissance liée à une phobie physique des organes génitaux féminins. Ils partent ensemble et ne se quitteront plus.

Gala est pour Dali la personnification du désir inaccessible. Il la surnomme Gradiva du nom d'une statue Pompéienne passionnément aimée d'un archéologue dans un roman de Jensen. Pendant ce temps la famille de Dali est furieuse. Le père prend sous le nom de Guillaume Tell le rôle du castrateur dans le complexe d'Oedipe exacerbé de Dali. Sigmund Freud se délectera de ce cas de psychiatrie obsessionnelle. L'engouement soudain et durable de Gala pour Dali mériterait aussi une explication psychanalytique.

En 1930 Dali et Gala s'installent à Paris. Il peint Guillaume Tell, huile et collage sur toile 113 x 87 cm acquise en 2002 par le Centre Pompidou. Le castrateur a un genou posé sur une stèle ornée de la Gradiva Dalinienne à côté d'un phallus aussi haut qu'elle.

En 1931 deux huiles sur cuivre construisent l'histoire de Gradiva illustrée par Dali comme une résurgence d'Andromède enchaînée au rocher. Gradiva est Gala, l'unique objet de l'adoration de Dali, sans référence à Jensen.

Le premier opus intitulé Gradiva, 21 x 16 cm, est estimé £ 1,2M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 février, lot 33. Le corps de la femme est tordu dans les souffrances d'un St Sébastien qui ont ici une dimension orgasmique. La tunique déchiquetée révèle les seins et surtout le sexe centré des lèvres aguicheuses d'une bouche. Une goutte de sang coule sur la cuisse.

La suite 30 x 24 cm dans le même décor rocheux est intitulée Guillaume Tell et Gradiva. Elle a été acquise en 1996 par le Musée Dali à Figueras. La femme est restée dans une position similaire mais est maintenant complètement nue. Auprès d'elle un humanoïde ithyphallique empêche une nouvelle fois l'amoureux d'accéder à son désir.

12 févr. 2018

Le Dernier Matador

Agé de 89 ans Pablo Picasso assiste à une corrida à Fréjus. Comment avait-il pu délaisser le thème de la tauromachie ? Le matador est un symbole de virilité et de bravoure tout autant que le mousquetaire, et moins désuet. Il est aussi un symbole de l'Espagne. En septembre et octobre 1970 Picasso réalise des portraits imaginaires de matadors à mi-corps. C'est l'être humain et pas le taureau ou la faena qui intéresse l'artiste dans ce qui sera sa dernière série thématique.

Picasso revisite les styles de sa longue carrière comme il avait fait quinze ans auparavant pour Les Femmes d'Alger. Comme pour cet exemple l'opus final est le plus complexe et le mieux achevé. Le 28 février à Londres, Sotheby's vend cette huile sur toile 146 x 114 cm datée 23 octobre 1970, lot 16 estimé £ 14M.

Cet homme robuste est bien plus grand que nature. Il tient l'épée, instrument essentiel de sa fonction. Si l'on excepte son fantaisiste chapeau de mousquetaire, son habit imite un portrait de matador peint par Goya vers 1797. Le fond n'est pas uni contrairement aux peintures précédentes de la série : le torero pose au milieu de l'arène couleur de sable et des hachures évoquent les spectateurs qui attendent l'action dans les gradins.

Avec ses yeux grand ouverts et la bouche crispée, l'attitude de l'homme est sévère. Son métier est dangereux. Malgré la mauvaise santé de l'artiste, cette oeuvre avec une bonne expression psychologique est une évocation pittoresque de la culture Espagnole et pas une évocation de son prochain rendez-vous avec la mort.

La Tamise sans Brouillard

André Derain désire que ses couleurs explosent. Sous le brûlant soleil de Collioure au côté de Matisse pendant l'été 1905, il y parvient tout en maintenant le réalisme. Les peintures des deux amis lancent le Fauvisme au Salon d'Automne de la même année.

Vollard, toujours désireux d'exploiter les avant-gardes, fait alors un surprenant contre-sens. Le jeune peintre pourra apporter un contre-poids à l'énorme succès populaire de l'exposition des vues de Londres par Monet chez Durand-Ruel en 1904. En 1906 et 1907 Derain passe plusieurs mois à Londres en trois séjours entrecoupés de retours à Paris.

Le jeune peintre est seul pour exécuter cette nouvelle mission, sans l'émulation de Matisse. Il avait été ébloui par l'exposition de Durand-Ruel et doit trouver un style opposé à Monet. Pour transposer sur Londres la réussite des couleurs de Collioure, il ignore délibérément le brouillard.

Sa figuration cloisonnée se rapproche de Gauguin. Il abandonne progressivement le pointillisme, à juste titre : l'expérience de Signac et de Van Rysselberghe avait montré que cette technique difficile n'atteignait ses meilleurs effets que pour les fortes lumières.

Les trente vues de Londres peintes par Derain sont de bons exemples de l'expression des couleurs exacerbées et font partie de ce progrès continu des mouvements artistiques qui mène au Blaue Reiter et à l'abstraction. Elles ne se démarquent tout de même pas des expériences contemporaines des autres Fauvistes dont Dufy, Marquet et Braque mais aussi Vlaminck, Manguin, Camoin et Chabaud. Vollard a récupéré les vues de Londres de Derain mais ne les a pas exposées.

Le séjour de Derain à Londres a eu une autre influence sur l'art moderne. Inspiré par les collections ethnographiques du British Museum, il comprend que l'art tribal va permettre d'écarter la peinture du réalisme photographique, ouvrant ainsi involontairement la voie aux Demoiselles d'Avignon de Picasso.

Londres: le Quai Victoria, huile sur toile 66 x 99 cm, a été vendue pour £ 7M incluant premium par Sotheby's le 24 juin 2015. Dans la même gamme de couleurs, Londres; la Tamise au Pont de Westminster, 66 x 75 cm, est estimée £ 6M à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 30.

11 févr. 2018

Jacqueline offerte à Rembrandt

Après une longue convalescence Pablo Picasso reprend ses pinceaux à la fin de 1966. Il ne peut plus fumer et a perdu sa capacité sexuelle. Il compense ce handicap par le thème du couple incluant sa femme Jacqueline nue dans différentes positions. Les distorsions cubistes sont désormais minimisées.

Pablo admire Rembrandt et Velazquez ainsi que la vitalité avec laquelle les hommes de leur époque ont été montrés. Il copie plusieurs fois dans son propre style une de ses images favorites, l'autoportrait gravé en 1636 de Rembrandt avec son épouse Saskia.

Le 27 février à Londres, Christie's vend Mousquetaire et nu assis, huile et peinture industrielle sur toile 130 x 97 cm peinte en avril 1967, lot 18 estimé £ 12M. Cette oeuvre avait été vendue pour £ 6,7M incluant premium le 18 juin 2007 dans la même salle de ventes. Il y a dix ans les oeuvres tardives de Picasso étaient moins recherchées.

Sur le côté droit l'homme dominateur à l'habit de mousquetaire est conforme au Rembrandt âgé de 30 ans, sans ressemblance avec Picasso. Il ne regarde pas son épouse.

Saskia avait 24 ans en 1636. Dans une attitude de femme soumise, elle était habillée comme les épouses de son temps. Picasso offre sa place à Jacqueline âgée de 41 ans. Picasso n'accepte plus de censure contre sa liberté créatrice : Jacqueline est outrageusement nue avec le sexe déplacé vers la cuisse pour être mieux exhibé au premier plan de l'image. Son regard de biais atteste qu'elle est offerte aux fantasmes de son vieux mari.

Pendant toute cette année Picasso développe aussi les portraits de mousquetaires non accompagnés, comme un symbole de virilité tout en restant conscient de l'illusion de sa fanfaronnade.

Le Lustre Primordial

En 1947 et 1948 Alberto Giacometti définit son panthéon existentialiste avec sa trinité primordiale et quelques accessoires incluant la cage.

Pour leurs amis les frères Giacometti restent aussi les décorateurs d'avant-guerre qui créaient des pièces d'ameublement pour Frank. Diego continue dans cette spécialité et Alberto accepte certaines commandes privées de leurs amis. Un lustre en plâtre à figures géométriques fait par Alberto en 1954 pour l'appartement de Tériade a été vendu pour £ 2,05M incluant premium par Phillips le 26 avril 2017.

Louis Broder est un éditeur Suisse. Pour son appartement de Paris il commande en 1948 à Alberto un lustre orné de ses nouvelles figures. Le plâtre original, 60 cm de haut et 136 cm de diamètre, est fourni en 1949 ou 1950 à Broder et donné en 1983 par Berggruen au Centre Pompidou.

Cette oeuvre privée est une intéressante synthèse de la métaphysique de Giacometti. La position centrale est une gloriette dans laquelle la femme debout ouvre les bras jusqu'à deux colonnes latérales comme si elle était prête à sortir pour découvrir le monde. Elle a le rôle principal, remplaçant l'éphémère Homme au doigt.

L'Homme qui marche s'éloigne de la cage centrale par une force centrifuge qui ignore l'existence de la femme. Plus petit que la femme, il n'a pas l'importance qu'il désirerait avoir. La trinité est complétée de l'autre côté par un oiseau. Les quatre lumières sont installées dans des fleurs de crocus.

En 1952 Alberto réalise trois bronzes de ce lustre, également pour Broder. L'un d'eux est estimé £ 6M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 février, lot 4.

10 févr. 2018

Le Style de Collioure

Les expériences de plus en plus audacieuses de Cézanne sur la prééminence de la structure par rapport à la ligne excitent la créativité des jeunes artistes. Le Fauvisme sera une synthèse de la vision ultime de Cézanne avec le pointillisme de Seurat et Signac, enrichie de l'implacable lumière du Midi qui avait autrefois ébloui Van Gogh.

Vlaminck et Derain partagent un petit atelier en banlieue Parisienne. Pendant l'été 1905 Matisse invite Derain à passer deux mois avec lui à Collioure. Ils confrontent leurs jeunes expériences et travaillent ensemble sur les mêmes thèmes. Cette saison est très prolifique : Derain peint environ 30 toiles pendant cette courte période.

Au début de cette phase Matisse apparaît comme un continuateur de Seurat tout en utilisant des couleurs pures comme avait fait Gauguin. Derain veut interpréter la lumière aveuglante et sans ombre du milieu de journée comme avait fait Signac à Saint-Tropez. Derain grossit démesurément les points de Seurat jusqu'à leur ré-attribuer des formes figuratives comme par exemple les petits bateaux dans le port.

Cette synthèse d'une hardiesse artistique sans précédent déroute les visiteurs du Salon d'Automne. Le critique d'art qui pousse un cri d'horreur en entrant dans la "Salle des Fauves" était probablement de connivence avec les artistes. Le Fauvisme est né. Il sera éphémère mais son rôle dans l'évolution de l'art moderne est extrêmement important. Perdant la référence à l'impressionnisme, il assure une transition entre Cézanne et Kandinsky.

Arbres à Collioure 65 x 81 cm peint par Derain avec des couleurs splendides a été vendu pour £ 16,3M incluant premium par Sotheby's le 22 juin 2010. Par le même artiste mais plus proche de Matisse et Seurat, Barques au Port de Collioure 60 x 73 cm a été vendu pour $ 14M incluant premium le 4 novembre 2009, également par Sotheby's.

De la même série par Derain, Bateaux à Collioure, huile sur toile 39 x 46 cm, a été vendue pour £ 5,9M incluant premium par Christie's le 9 février 2011 et est maintenant estimée £ 7,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 février, lot 11.

Marie-Thérèse et Dora

En 1937 Picasso est profondément attristé par la guerre d'Espagne. Il n'est plus le matamore déguisé en Minotaure. La rencontre impromptue de ses deux maîtresses dans son atelier pendant la préparation de Guernica ouvre en plus un dilemme sentimental majeur.

Pablo décide de rester fidèle aux deux femmes. Il tente par leurs portraits de comparer leurs tempéraments opposés. Deux peintures datées du même jour, le 4 décembre 1937, les montrent  séparément. Les contours des visages sont identiques, dans son style offrant à la fois la face et le profil. Les yeux, le nez, la bouche et même la grande larme en forme de coeur qui couvre toute la joue sont similaires.

Au travers de cette similitude les différences sont d'autant plus significatives, comme par exemple entre la peau blanche de Marie-Thérèse et le jaune vif de Dora. La jeune mère de Maya est gentiment vêtue d'une robe à carreaux et coiffée d'un béret. La nouvelle maîtresse a un chapeau de cirque et un col de fourrure.

Pablo a caché son double amour dans ces portraits individuels. L'ombre ovale qui apparaît entre le visage et les cheveux noirs de Dora est la joue de Marie-Thérèse. Sur le fond sombre du portrait de Marie-Thérèse une ombre noire est à peine discernable. Celle-ci suit le profil droit du visage en une ligne anguleuse qui évoque Dora.

Cette interprétation n'est pas exagérée. L'utilisation symbolique de l'ombre avait déjà été pratiquée par Pablo comme un autoportrait derrière Olga en 1931 quand il tentait encore de cacher sa relation avec Marie-Thérèse mais avait déjà décidé de rejeter son épouse.

Le 12 janvier 1938 Picasso donne une suite au double portrait du mois précédent en amalgamant les traits de Dora et Marie-Thérèse dans une figure unique. Buste de femme (femme à la résille) a été vendu pour $ 67M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015. Ces trois oeuvres de 1937 et 1938 étaient importantes pour Picasso cherchant à contrôler sa propre crise sentimentale : il les a gardées jusqu'à sa mort 35 ans plus tard.

Le 28 février à Londres, Sotheby's vend au lot 7 la Femme au béret et à la robe quadrillée (Marie-Thérèse Walter), huile sur toile 55 x 46 cm peinte le 4 décembre 1937. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



9 févr. 2018

La Chanteuse et l'Abonné

Edgar Degas avait obtenu avec l'aide de son ami d'enfance le dramaturge Ludovic Halévy un accès illimité à l'Opéra de Paris. Au début des années 1880 il y passa un temps considérable, cherchant l'ambiance dans les salles de répétitions et de repos des artistes et dans les coulisses.

Le 27 février à Londres, Christie's vend une scène intimiste et spontanée intitulée Dans les Coulisses, lot 20 estimé £ 8M. Typique de la période 1882-1885, cette oeuvre 67 x 38 cm est un pastel sur toile de lin, une technique rare même pour cet artiste qui cherchait des combinaisons inédites.

Une femme et un homme sont debout côte à côte dans les coulisses. La jeune femme tient une feuille de musique : cette simple information suffit pour identifier qu'elle est une chanteuse attendant pour jouer son rôle. Elle est concentrée dans son observation de la scène hors champ de l'image. Elle ne s'occupe aucunement de l'homme pourtant très proche d'elle. Il est un abonné qui a payé pour son privilège de circuler partout à l'intérieur du théâtre.

La composition est hardie comme Degas les aimait. L'homme qui est quelque peu un intrus est à moitié hors champ. Le très exigeant artiste était satisfait de son effet d'ambiance. En 1889 elle a fait partie de la sélection des quinze images les plus significatives de son art réalisée par Degas lui-même pour une édition lithographique par Thornley.

La Princesse d'Ife

La guerre du Biafra se termine en 1970 après trois ans d'horreurs. Le Nigeria est réunifié mais profondément meurtri.

Peintre et sculpteur, Ben Enwonwu devient en 1971 le premier professeur d'art de l'Université d'Ife, une ville Yoruba avec une tradition culturelle de très haute antiquité. Lui-même est un Ibo, l'ethnie sécessionniste du Biafra. Il cherche un thème qui pourra symboliser la réconciliation.

En 1973 Enwonwu voit une jolie jeune femme Yoruba et demande à faire son portrait. D'abord réticents face à cette demande d'un artiste Ibo, les parents acceptent. L'artiste s'aperçoit de l'excellence de son choix quand il apprend que son nouveau modèle est la petite-fille d'un ancien roi d'Ife.

Le premier portrait de la princesse Tutu par Enwonwu est le message de paix et d'espoir dont la société Nigériane avait besoin et son image imprimée est très largement diffusée dans le pays. La peinture originale a été conservée par l'artiste jusqu'à sa mort. Elle n'est pas actuellement localisée.

Enwonwu revoit Tutu en 1974. Sur ce second portrait, la composition est similaire mais l'attitude a changé : la jeune princesse a désormais confiance dans l'artiste et son regard est devenu serein. Cette huile sur toile 97 x 67 cm qui n'avait pas été vue depuis 1975 vient de refaire surface dans la banlieue de Londres. Elle est estimée £ 200K à vendre par Bonhams à Londres en duplex avec Lagos le 28 février, lot 47.

Un troisième et dernier portrait de Tutu a été peint par Enwonwu en 1974. On ne sait pas ce qu'il est devenu.

7 févr. 2018

La Dernière Etape de Guadagnini

Giovanni Battista Guadagnini est le meilleur luthier pendant les quatre décennies qui suivent la mort de Stradivari et de Guarneri del Gesu. Son apprentissage n'est pas documenté et il était encore récemment considéré comme un autodidacte. Il était né dans un village près de Crémone où son père Lorenzo n'était pas un fermier mais un artisan sous-traitant de Stradivari.

Cette nouvelle hypothèse est cohérente avec le fait que la structure des instruments faits par Giovanni Battista est très proche des Stradivarius. Sans doute conseillé par les meilleurs utilisateurs, Guadagnini pratique une amélioration continue comme avait fait Stradivari. De légers changements de forme apportent un son intense qui plait aux mélomanes de son époque et d'aujourd'hui et son vernis brun rougeâtre est un des meilleurs de tous les temps.

La carrière de Guadagnini se déroule successivement dans quatre villes, tout simplement parce qu'il fait en sorte de garder le contact direct ou indirect avec les meilleurs violonistes. Il suit Ferrari de Piacenza à Milan puis à Parme où il est protégé par le principal ministre du duc Philippe. Des changements politiques le poussent vers 1771 à Turin où il veut sans doute se rapprocher de Pugnani.

Il trouve à Turin le très jeune comte Cozio qui cherche à construire une exclusivité sur les instruments du quatuor. Dans un premier temps Cozio promeut Guadagnini comme l'ultime successeur de Stradivari. Ce qualificatif est cohérent avec l'hypothèse selon laquelle Guadagnini aurait appris son métier avec le vieux maître. Les instruments faits à Turin sont identifiés par l'étiquette "Joannes Baptista Guadagnini Cremonensis fecit Taurini. alumnus Antoni Stradivari", à considérer toutefois avec prudence parce qu'elle figure aussi sur des instruments posthumes.

Guadagnini produit beaucoup pendant sa période Turinoise. Un violon daté 1778 ayant appartenu à la pédagogue Dorothy DeLay a été vendu pour $ 1,39M incluant premium par Tarisio le 17 octobre 2013 sur une estimation de $ 800K. Le 22 février en ligne depuis New York, la même maison de ventes vend avec la même estimation au lot 157 un violon daté 1779, également en excellent état.

6 févr. 2018

Terre de Provence

Sayed Haider Raza arrive à Paris en 1950 pour terminer ses études d'art et s'imprégner de la peinture moderne occidentale. Il est très vite attiré par le charme de la Provence. Comme Van Gogh, il exprime la relation entre l'homme et la terre.

Petit à petit la juxtaposition des couleurs efface la ligne et l'ambiance remplace la topographie. L'artiste aime ces paysages à moitié dans l'ombre qui révèlent les variétés de couleurs des parcelles agraires en contraste avec les premiers ou derniers rayons du soleil sur les clochers et les toits. Dans cette première phase la structure spécifique des villages et des collines de Provence est aisément identifiable.

Le 19 mars à New York, Sotheby's vend au lot 33 une vue d'un village de Provence devant un ciel incandescent.

Cette huile sur toile de grande dimension 105 x 200 cm a été peinte en 1956 dans un lourd impasto et exposée la même année à la Biennale Internazionale d'Arte di Venezia où elle a largement contribué à démontrer la qualité de la vision artistique de Raza.

Dans une seconde phase Raza pousse jusqu'à l'abstraction son illustration de La Terre de Provence. Une huile sur toile 189 x 189 cm peinte en 1973 a été vendue pour $ 3,1M incluant premium par Christie's le 18 mars 2014.

3 févr. 2018

Délires Artificiels avec George Condo

A ses débuts George Condo est un musicien punk. Il rencontre Basquiat en 1979, bien avant que le jeune tagger devienne célèbre. Attiré par les contestataires, Condo est ami avec les derniers poètes Beats et avec Haring et travaille occasionnellement à la factory de Warhol.

A Paris, Condo réside par hasard dans le même immeuble que le psychothérapeute Félix Guattari. Guattari observe avec enthousiasme que Condo ne respecte pas les limites psychologiques conventionnelles du portrait. Ses personnages ne montrent pas ce minimum de stabilité mentale dont l'observateur a besoin pour développer une relation émotionnelle.

Condo admire la déstructuration des têtes et des corps par Picasso. Sa galerie de portraits imaginaires avec un graphisme inspiré des cartoons devient une tératologie de déments dont l'hystérie n'est même plus incongrue dans la société contemporaine. Il définit ces oeuvres comme du réalisme artificiel, groupé sous des thèmes comme la Société maniaque ou les Catastrophes humaines sans précédent.

Le 28 février à New York, Phillips vend Nude homeless drinker, huile sur toile 165 x 183 cm peinte en 1999, lot 43 estimé $ 500K.

Cette femelle exhibitionniste brandit sa bouteille dans un mouvement rageur en arc de cercle décomposé en cinq positions progressives. A l'avant-dernière position le bouchon a sauté, libérant le liquide dans une grosse bulle. Cet acte de cirque est facile à suivre mais sa motivation ne peut s'expliquer que par un délire. Déchargé de tout risque d'empathie le spectateur questionne les monstruosités de la vie moderne.