6 juin 2020

La Partie de Tennis par van Rysselberghe

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En 1886 à Paris, Théo van Rysselberghe visite la huitième exposition impressionniste. Il est vivement intéressé par les nouveaux effets démontrés par Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte et rencontre Seurat et Signac.

Van Rysselberghe était également inspiré par des séjours fréquents au Maroc. Il voit comme Signac la possibilité d'utiliser la technique divisionniste pour accentuer l'impression de lumière. Ses points seront larges, avec une prééminence de la lumière par rapport aux détails de la ligne.

Le 4 juin 2020 à Paris, Christie's a vendu pour € 5,2M sur une estimation basse de € 2M une huile sur toile 54 x 67 cm peinte en 1889, lot 344, intitulée A Thuin ou La Partie de Tennis.

Cette scène a pour thème une partie de raquettes dans un parc. Le terrain de jeu est délimité par de grands arbres. Les deux femmes ont des robes longues pour cette occupation qui n'est pas un sport mais un divertissement. Le flou pointilliste laisse d'ailleurs un doute sur la nature de ce jeu, vraisemblablement une partie de volant. Une petite fille regarde, avec un recul prudent par rapport à l'action.

La famille de Marie Monnom, qui devint la même année l'épouse de Théo, louait une maison de campagne à Thuin, près de Charleroi. Marie est probablement une des deux femmes de cette image.

Les couleurs sont irréelles, pour mieux accentuer les contrastes de lumière. Une influence des estampes japonaises est probable. Van Rysselberghe avait réussi en 1887 à capter la confiance de Toulouse-Lautrec qui fut le premier propriétaire de cette peinture.

La progression de l'art pointilliste de van Rysselberghe vers les lumières intenses chères à Signac ne s'arrête pas là. L'Escaut en amont d'Anvers le soir, huile sur toile 67 x 90 cm peinte in 1892, a été vendue pour £ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2017. Peinte la même année, une huile sur toile 60 x 70 cm montrant les Tartanes dans le port de Cette a été vendue pour $ 7,2M incluant premium le 14 novembre 2017, également par Sotheby's.

5 juin 2020

Violon et Guitare par Juan Gris

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Juan Gris est proche des artistes qui développent le cubisme : Braque, Léger, Metzinger. Il gagne d'abord sa vie avec des dessins satiriques pour les magazines. Il commence en 1911 à réaliser des peintures à l'huile. Kahnweiler signe en 1913 un contrat par lequel il achète toute l'oeuvre présente et future de ce jeune artiste, comme il avait fait précédemment avec Braque, Picasso et Léger.

Juan peut désormais se consacrer à son art avec un esprit plus libre. Il séjourne à Céret d'août à novembre 1913, sans franchir la frontière parce qu'il n'a pas fait son service militaire et est considéré comme un déserteur dans son pays d'origine.

Le choix de ce village n'est pas anodin : Picasso y a conçu le cubisme avec Braque en 1911 et y séjourne pour la troisième année consécutive. Juan déclare être un disciple de Pablo et tente de clamer à qui veut l'entendre tous les secrets du cubisme. Très agacé, Picasso évite ce jeune homme trop enthousiaste.

Pourtant Juan est aussi un innovateur. Ses oeuvres peintes à Céret offrent la transition entre le cubisme analytique, défini comme un aplatissement des formes, et le cubisme synthétique, par lequel les objets retrouvent des contours identifiables et des couleurs vives.

Le 3 novembre 2010, Christie's a vendu pour $ 28,6M incluant premium Violon et Guitare, huile sur toile 100 x 65 cm peinte par Juan Gris à Céret en septembre 1913, lot 23.

Kahnweiler est satisfait des progrès de Gris et Picasso ne peut plus ignorer son rival, sans toutefois mettre fin à son animosité unilatérale. Picasso avait voulu être considéré comme le meneur de ce cubisme qui ne pouvait intéresser que les théoriciens. Peu après Picasso, Braque et Gris tentent simultanément mais vainement de sauver le cubisme analytique en insérant sur leurs toiles des extraits de journaux, avatars ultimes de la destruction de la perspective.

4 juin 2020

Porte aux Moineaux par Lalique

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A partir de 1890, René Lalique utilise le verre parmi la grande variété de matériaux qu'il assemble dans ses bijoux de style Art Nouveau. Il maîtrise progressivement toutes les techniques, dans des dimensions de plus en plus grandes.

En matière d'application monumentale du verre, son chef d'oeuvre est la porte d'entrée à double battant qu'il crée pour son hôtel particulier à Paris. La décoration de branches de pin et pommes de pin est répartie sur neuf rangs de huit panneaux de verre, avec même un prolongement sur le mur de l'immeuble. L'Hôtel Lalique et sa porte existent toujours.

Sa compétence dans la décoration de luxe est reconnue. Il réalise en 1925 la fontaine de verre de l'Exposition des Arts Décoratifs et décore le train Côte d'Azur Pullman Express en 1929 et le paquebot Normandie en 1935.

Le 22 novembre 2011, Sotheby's a vendu pour € 2,02M incluant premium sur une estimation basse de € 400K une porte en verre réalisée par Lalique en 1929, lot 131.

Cette porte 270 x 180 x 13 cm est en double battant, chacun composé de quatre compartiments verticaux en verre blanc délimités par des baguettes en verre. La monture de fixation est en acier nickelé. La décoration n'est pas sur les vitres mais sur les baguettes, avec des figures de moineaux en ronde bosse la tête en bas, réparties sur toute la hauteur.

Le moineau de verre a été proposé régulièrement par Lalique, notamment pour des presse-papiers et, à partir de 1933, pour une barre décorative avec six oiseaux grandeur nature. L'application en ronde bosse sur une structure architecturée anticipe de deux décennies les petits animaux perchés dans les meubles de Diego Giacometti.

3 juin 2020

Le Village Zhou par Wu Guanzhong

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Wu Guanzhong est un artiste complet, intégrant tradition et modernisme. Après les tourments de la Révolution Culturelle, il s'attache à faire aimer sa région natale, le Jiangnan, au sud de la rivière Yangtze. Il observe les paysages et les villages en apportant la plus grande importance à leur décomposition géométrique.

Suzhou est une grande ville chargée de 2500 ans d'histoire. Wu prend en 1983 comme un de ses thèmes préférentiels le Lion Grove Garden, avec une texture de roches qui atteint les limites de l'abstraction. Une encre et couleurs sur papier 144 x 297 cm peinte en 1988 a été vendue pour RMB 144M incluant premium par China Guardian le 2 juin 2019.

Le village Zhou est également situé à Suzhou. Le 4 avril 2016, Poly a vendu pour HK$ 236M incluant premium une peinture 148 x 297 cm réalisée en 1997, qui transposait à l'huile une encre et couleurs faite en 1986. Elle est illustrée dans le compte rendu de la vente partagé par Art Market Monitor.

Le village antique est accueillant pour les touristes, avec son réseau de maisons serrées les unes contre les autres. Suzhou est la Venise de l'Est qui émerveillait Marco Polo avec ses canaux traversés par une multitude de petits ponts de pierre.

L'image est vue en perspective légèrement plongeante. Le village est symétrique, avec pour axe central la rue très étroite qui mène au pont. Le bord du canal et l'horizon forment une figure ovale, comme une photo au fish eye. Cette harmonie des courbes est renforcée par la forme arquée du pont.

2 juin 2020

Lettres par Zhao Mengfu

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Zhao Mengfu fut le meilleur artiste et calligraphe de la période de transition entre les Song du Sud et les Yuan. Ce literati appartenait à la famille impériale des Song et son allégeance aux Yuan a été sévèrement critiquée par ses proches.

En terme de calligraphie, son écriture évolue progressivement pour prendre exemple sur les deux très grands maîtres de l'époque Jin, Wang Xizhi et Wang Xianzhi, qui avaient su établir la synthèse parfaite des différents styles 950 ans auparavant. L'écriture de Zhao est considérée comme un des meilleurs modèles de script régulier.

Le 19 novembre 2019, China Guardian a vendu pour RMB 270M incluant premium un lot de deux lettres autographes par Zhao. Cet ensemble est illustré sur le communiqué partagé après la vente par la maison de ventes.

Dans une des deux lettres, Zhao reconnait l'ambivalence de sa position politique et l'embarras qu'elle suscite auprès de ses amis. Bien entendu, il se montre dans son meilleur jour et considère que son attitude est courageuse. Il semble avoir réellement voulu concilier les intérêts des Song déchus et de leurs successeurs Mongols. Cette lettre a pour terminus post quem la conversion politique de Zhao, vers 1290 CE, et pour terminus ante quem sa mort en 1322.

La seconde lettre de ce lot décrit son support et sa sympathie à ses amis en cette époque de difficultés économiques et son sentiment de solitude pendant son séjour dans la capitale.

La copie calligraphiée des écritures Bouddhistes était une des principales occupations de Zhao. Une Sutra du coeur été vendue pour RMB 190M incluant premium par Poly le 17 décembre 2017. Les cinq pages 29 x 12 cm de cet album sont illustrées sur le communiqué d'après vente partagé par The Value.

Paysage Infini par Pan Tianshou

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Pan Tianshou a fait toute sa carrière dans l'enseignement de l'art. Spécialiste de la peinture chinoise ancienne, il a été directeur de l'Académie Nationale de 1945 à 1947 puis de 1957 jusqu'à son humiliation publique par les Gardes Rouges en 1966.

Il a développé depuis les années 1920 une technique innovante de peinture avec les doigts pour réaliser des lavis, qu'il complète au pinceau avec une grande hardiesse dans la répartition des détails. L'artiste pénètre dans son papier posé au sol pour réaliser les oeuvres de très grand format.

Ses dessins ont un trait saccadé extrêmement expressif. Pour les paysages, il est le peintre des sommets, avec des pins secoués par le vent et des aigles et des corbeaux fiers de leur domination.

Le 24 novembre 2018, China Guardian a vendu pour RMB 290M incluant premium un rouleau à pendre de très grande dimension, 360 x 150 cm, réalisé en 1963 à l'encre et couleurs sur papier. Trois titres ont été proposés : Paysage infini, Paysage infini aux dangereuses cimes, Vue prise du sommet.

La composition inclut un premier plan avec un arbuste et une suite de rochers qui mènent au sommet. La vue est dégagée vers une autre montagne dont seule la partie haute a été dessinée, l'impression de  hauteur majestueuse étant accentuée par le centre de l'image qui est laissé en blanc.

Réalisé en 1958 avec la même technique et une composition tout aussi spectaculaire, un rouleau horizontal 140 x 364 cm intitulé Pin après la pluie a été vendu pour RMB 206M incluant premium par la même maison de ventes le 20 novembre 2019.

1 juin 2020

Chevaux par Franz Marc

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Franz Marc rejette la vie moderne, dominée par la machine. Il cherche la vérité dans la Nature. Son oeuvre représente une très grande diversité d'animaux, dont la symbiose avec la nature est un support pour l'harmonie des formes. Il utilise des couleurs Fauvistes, avec un code symboliste de son invention : bleu pour le mâle et jaune pour la femelle quand ils sont paisibles, et rouge pour exprimer une antithèse, par exemple la révolte.

Le cheval occupe la meilleure place dans l'art de Marc. L'attitude naturelle de cet animal est variée mais toujours élégante. Un groupe de chevaux est le prétexte à la construction d'un équilibre parfait. Avec une image apportée par Kandinsky, le cheval devient un puissant symbole de l'art moderne quand les deux artistes créent le mouvement Der Blaue Reiter en 1911.

Grosse Landschaft I (grand paysage I) montre un groupe de juments. Cette huile sur toile 110 x 212 cm peinte en 1909 est passée à Sotheby's le 3 février 2016 avec une estimation basse de £ 4M, lot 6.

Weidende Pferde III (chevaux au pré III) met en scène quatre mâles fougueux, chacun dans une attitude différente. Les robes sont rouges mais les crinières et les queues sont bleues. Cette huile sur toile 61 x 92 cm peinte en 1910 a été vendue pour £ 12,3M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2008 sur une estimation basse de £ 6M, lot 13.

L'art sur papier ou sur carton permet une grande vivacité des couleurs. Drei Pferde (trois chevaux), gouache sur carton 34 x 48 cm exécutée en 1912, a été vendue pour £ 15,4M incluant premium par Christie's le 20 juin 2018 sur une estimation basse de £ 2,5M, lot 14 B. Les chevaux ont une forme réaliste mais sont mis en scène dans un paysage cubiste. Cette oeuvre est illustrée dans le tweet ci-dessous.

Exécutée la même année, Zwei Blaue Esel (deux ânes bleus), gouache sur papier 35 x 28 cm, a été vendue pour £ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 4 février 2020 sur une estimation basse de £ 1M, lot 7.

31 mai 2020

Les Bases de la Peinture

Les bases mêmes de la peinture peuvent devenir une oeuvre picturale à part entière. Roy Lichtenstein est un grand questionneur de la signification profonde, disons plutôt de la signification éventuelle, de l'art.

Sa série des Brushstrokes est constituée de quinze oeuvres à l'huile et acrylique sur toile réalisées en 1965 et 1966. Un ou plusieurs coups de pinceau ont laissé des balafres de peinture blanche, rouge, jaune ou verte grossies démesurément par-dessus un fond bleu construit avec un réseau de points d'imprimerie.

N'importe quel peintre voudrait que son coup de pinceau soit parfait. Roy montre qu'il n'en est rien. Les défauts incluent des sillons, des franges, des transparences, des coulures et des taches.

Les Brushstrokes de Lichtenstein n'incluent aucun élément narratif direct. Cette peinture opaque appliquée avec une grande énergie peut cependant cacher une autre figure. Dans la bande dessinée qui a inspiré Roy, un peintre furieux masque avec une croix rouge le portrait qu'il vient de réaliser.

Avec son humour habituel proche de l'auto-dérision, Roy n'omet pas de préciser que l'exécution minutieuse de sa propre peinture n'a rien à voir avec cette trace violente. Personne n'a été voir une peinture avec un tel grossissement. Le doute vient alors sur la constitution des angles, par une rotation du poignet ou par la reprise d'un nouveau coup de pinceau.

Red and White Brushstrokes forme une sorte de drapeau avec deux coups de pinceaux et leurs coulures à l'emplacement du manche, peut-être un clin d'oeil pour Jasper Johns. Cette oeuvre 122 x 173 cm peinte en 1965 a été vendue pour $ 28M incluant premium par Christie's le 17 mai 2017.

White Brushstroke I montre trois segments en chevauchement qui constituent une sorte de Z ou de N aux coins arrondis. Cette peinture 122 x 142 cm est une des toutes premières de la série. Elle est estimée $ 20M à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin. L'article partagé le 29 mai par la maison de ventes intègre le catalogue complet de ce lot en format livre.

Maternité par Gauguin

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Loin de sa famille Européenne, Paul Gauguin est désespéré par l'annonce de la mort de sa fille Aline, en 1897. Il tente probablement de se suicider et peint à Tahiti son testament existentialiste, D'où venons-nous Que sommes-nous Où allons nous.

Il parvient à reconstruire une famille à Punaauia, un village proche de Papeete, avec une vahiné nommée Pahura, bien trop jeune selon les standards Européens. La naissance d'un garçon en avril 1899 est un moment de grande joie.

Gauguin peint des scènes de maternité, avec des couleurs chaudes. Femmes sur le bord de la mer, identifié plus tard sous le titre Maternité (I), montre une jeune mère assise allaitant son nouveau-né. Elle est entourée par deux femmes debout qui apportent des fruits et des fleurs, symboles d'abondance et de beauté. Des pêcheurs et un chien complètent l'ambiance. Cette huile sur toile 94 x 72 cm est conservée au Musée de l'Hermitage à Saint-Petersbourg.

Maternité (II), limitée au groupe des femmes, est de ce fait une interprétation plus directe du thème de la fertilité. Cette huile sur toile de jute 95 x 61 cm a été vendue pour $ 39M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2004, lot 15. L'image est partagée par Wikimedia.

Avec Gauguin, l'interprétation mystique, à la fois religieuse et anticléricale, est toujours sous-jacente. Par exemple, une Nativité peinte en 1902 montre un groupe Polynésien plus important simulant la Crèche. La tête du nouveau-né est ornée d'une auréole radiante. Cette huile sur toile 44 x 62 cm a été vendue pour $ 5,9M incluant premium par Sotheby's le 5 mai 2015.

Gauguin - Maternite II

30 mai 2020

Bois de Bouleaux par Klimt

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Gustav Klimt est le meneur du Sezessionsstil, ou Sécession Viennoise, qu'il a créée en 1898 pour la promotion d'un art nouveau incluant les arts utilitaires. Il est l'ami d'Emilie Flöge, qui dirige avec ses soeurs une maison de couture avant-gardiste. L'art de Gustav est composé de très riches textures qui peuvent être appliquées aux robes d'Emilie. Helene Flöge est la veuve du frère cadet de Gustav.

Le symbolisme de Gustav est chargé d'un érotisme qui choque les Viennois. Il ne craint pas le scandale mais a besoin de repos. Il passe les étés à Litzlberg sur l'Attersee, où il est l'hôte de la famille Flöge.

Dans cette ambiance tranquille, Gustav crée un art différent. Il peint en plein air des paysages de bois, de clairières et d'étangs sur des formats carrés, comme Monet à la même époque. Il ne perd pas de vue l'application aux vêtements des femmes, pour lesquels la profondeur et l'horizon ne lui servent à rien.

Une huile sur toile 110 x 110 cm peinte en 1903 a été vendue par Christie's le 8 novembre 2006 pour $ 40M incluant premium sur une estimation basse de $ 20M, lot 51 provenant de la restitution aux héritiers de la famille Bloch-Bauer. L'image est partagée par Wikimedia.

Les bouleaux forment un réseau illimité de stries verticales. La largeur variable des troncs ôte toute illusion de distance et de perspective. Les feuilles au sol sont peintes par des taches inspirées du pointillisme qui apportent un scintillement des couleurs. L'attention apportée par Klimt aux arts appliqués l'a mené au-delà du post-impressionnisme jusqu'aux limites de l'art abstrait, qui sera développé par d'autres quelques années plus tard.

Gustav Klimt 006