29 sept. 2020

Le Roi des Badlands

Les découvertes successives de squelettes fossiles de tyrannosaures permettent de mieux comprendre les caractéristiques de cette bête qui vivait à la fin du Crétacé juste avant la catastrophe finale de cette ère il y a 66 millions d'années. Stan est un des spécimens qui ont apporté le plus d'éléments à ces analyses.

Il faut se rendre à l'évidence : le tyrannosaure, lointain successeur de l'allosaure, avait des caractéristiques bien plus efficaces que l'être humain, en termes de vue et odorat, de vitesse de course, de force et d'appétit. Je n'ai pas d'informations sur son intelligence. 

Les gisements sont surtout concentrés sur la Hell Creek Formation, un continent insulaire aux limites du Montana, des Dakotas et du Wyoming. La répartition de l'espèce était certainement plus vaste, mais les marécages de ces Badlands ont limité à l'origine la dispersion des squelettes et offert de bonnes conditions de fossilisation. Plus de 50 spécimens ont été trouvés.

Hell Creek est connue depuis le début du XXème siècle comme un réservoir de tyrannosaures. C'est un prospecteur amateur qui découvre en 1987 les os de hanche d'un spécimen à qui on donnera son propre prénom, Stan. Une erreur d'interprétation paléontologique retarde les analyses. L'excavation a nécessité 30 000 heures de travail entre 1992 et 1995. Ce tyrannosaure mâle environ 70 % complet en masse est un des plus grands spécimens, mesurant 11,3 m entre le museau et le bout de la queue.

Les traces sur les os donnent de précieux renseignements sur la vie des animaux préhistoriques. Stan porte des lésions créée par les dents d'autres tyrannosaures. Une fracture du cou avait été guérie par fusion des deux vertèbres blessées. Il a mangé juste avant sa mort un edmontosaure et un triceratops. A notre époque il joue les vedettes avec plus de 60 moulages complets utilisés dans les musées et les expositions.

Le fossile comprend 188 pièces originales sur les 350 os d'un animal complet. Le crâne est presque parfait. Les éléments manquants sont représentés par des moulages. Il sera vendu sans prix de réserve par Christie's à New York le 6 octobre, lot 59 estimé $ 6M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Stan mérite une notoriété similaire à Sue, le tyrannosaure mâle de 12,30 m de long trouvé par une lady nommée Sue en 1990, qui a été vendu pour $ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 4 octobre 1997.



28 sept. 2020

Neige avec Mao

En 1949, au moment de la création de la République Populaire de Chine, Wu Guanzhong est à Paris où il étudie l'art moderne et se familiarise avec la peinture à l'huile. Son retour est enthousiaste : il pourra apporter ses nouvelles compétences en Chine.

En 1966 la Révolution Culturelle interdit à Wu de peindre. Un peu plus tard une rééducation lui est imposée. Il ne résiste pas, parce que son ambition n'était pas politique. Quand on a à nouveau besoin de son art, en 1972, il reprend ses pinceaux sans exprimer de rancune.

Le Président Mao vieillit et son régime devient moins restrictif. Wu peut désormais devenir un artiste résolument moderne, par la diversité de ses thèmes, l'équilibre subtil entre le réalisme et la géométrie et entre le goût traditionnel chinois et les techniques picturales occidentales.

Une huile sur panneau 72 x 160 cm peinte en 1973, une grande dimension pour cette période, est peut-être un démonstrateur de son savoir-faire. Par prudence, le thème est résolument Maoïste. Li Keran, qui avait été également persécuté par la Révolution Culturelle, suivra bientôt une trajectoire similaire.

La peinture de Wu, intitulée Paysage de la Chine du Nord, est basée sur Neige, le plus célèbre poème de Mao, qui commence par glorifier la puissance de la nature avant de déclarer que son régime fera mieux que les plus grands empereurs. L'image de Wu est chargée de symboles : la neige immaculée qui couvre les montagnes, la vivacité protectrice du pin, la ligne sans fin de la Grande Muraille. Une locomotive à vapeur, qui n'était pas prévue par le poème, illustre le progrès technique.

Cette peinture a été vendue pour HK$ 32M incluant premium par Christie's le 27 mai 2007. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 1013.

En 1979 Wu est un des artistes commissionnés pour peindre les décorations murales de l'aéroport de Beijing. Il réalise une version de 6 m de large de ce paysage qui restait politiquement correct trois ans après la mort du Grand Timonier.


La Peinture Automatique

Jackson Pollock passe sa jeunesse dans l'Ouest Américain. Sa créativité exacerbée ne retient rien de la peinture conventionnelle. Bien au contraire, il trouve ses influences avec les figures de sable des Navajos, les peintures murales mexicaines et l'écriture automatique des poètes surréalistes français.

Arrivé à New York en 1930 à l'âge de 18 ans, il est attentif à toutes les originalités. Il assiste à une démonstration d'utilisation de peinture liquide par Siqueiros et voit les réseaux de Janet Sobel couvrant toute la surface de l'image sans interruption au cadre.

Peggy Guggenheim ouvre en 1942 à New York sa galerie judicieusement nommée Art of this Century. Elle est vivement intéressée par la synthèse d'influences disparates pratiquée par Pollock. Dans la grande ville, l'artiste ne peut pas résoudre ses problèmes sociaux. Son installation avec sa femme Lee Krasner dans une grange au fin fond de Long Island à la fin de 1945 lui permet enfin de développer son propre langage artistique.

Il améliore sa technique tout au long de 1946, et abandonne sa figuration stylisée. Voulant travailler sur une surface dure, il utilise l'isorel. Il commence à poser le pigment en impasto directement en sortie du tube et renonce progressivement au pinceau. Par commodité, il pose la surface à peindre directement sur le sol. 

L'utilisation de peinture liquide aspergée ou coulante est rendue possible par cette position du support. Sa main acquiert une liberté sans précédent. L'art de Pollock traduit son énergie subconsciente, tout comme la calligraphie chinoise est une transcription directe des émotions de l'artiste. Masson est cité avec Miro parmi les influences surréalistes de Pollock, mais on notera que les dessins automatiques de Michaux étaient influencés par la calligraphie chinoise.

La toute première oeuvre utilisant le dripping est peinte à la fin de 1946. La surface est rouge vif et les apports sont noir et blanc. Intitulée Free form, cette huile sur toile 49 x 36 cm est conservée au MoMA.

L'étape suivante est la diversification des couleurs. Une huile sur isorel 48 x 60 cm datée 1946 est peinte en jaune vif, bleu vif et noir par dripping et éclaboussures sur un fond du même rouge. Elle est estimée entre $ 12M et 18M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 5. Son premier propriétaire avait été Peggy Guggenheim. Elle est dé-accessionnée par l'Everson Art Museum à Syracuse NY pour recentrer sa collection sur la lutte contre les inégalités raciales et sexuelles.

Les danses musicalistes de Pollock autour d'oeuvres de grande dimension viendront peu après.

27 sept. 2020

Une Souriante Abstraction

La femme idéale est une obsession pour Willem de Kooning. Diverses solutions artistiques existent depuis la préhistoire, avec les Vénus paléolithiques et les idoles Cycladiques. Picasso a démontré l'inutilité du réalisme dans la configuration des corps.

De Kooning est un peintre abstrait, sous l'influence d'Arshile Gorky. Pour revenir à la femme et à la chair, il conçoit l'inverse de la déconstruction cubiste : les formes apparaissent en bousculant l'abstraction par des coups de pinceau d'une grande violence.

Woman I est exposée en 1953 après deux ans de travail. Elle suscite le scandale, sans même offrir l'humour dérangeant des Corps de Dames par Dubuffet. La nouvelle idole est debout avec un corps moche, horriblement proche de la réalité, en opposition totale avec les pin-ups de l'après-guerre.

Les réactions négatives confirment a contrario l'impact émotionnel de l'oeuvre. De Kooning continue la série dans la même année jusqu'à Woman VI, ainsi que de nombreux essais réalisés en parallèle. Woman (blue eyes), huile, émail et fusain 71 x 51 cm, a été vendu pour $ 19M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013 sur une estimation basse de $ 12M.

De Kooning est désormais reconnu comme le maître d'une nouvelle tendance figurative liée à l'expressionnisme abstrait. Il réalise de nouvelles expériences en 1955. La dérive de l'abstraction génère aussi le paysage, qui peut venir s'entremêler avec le corps de la femme. 

Woman as Landscape, huile et fusain sur toile 166 x 125 cm, a été vendu pour $ 69M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2018. Dans Interchange, qui contribua en 2016 à une des plus importantes transactions privées du marché de l'art, l'abstraction a généré le paysage qui a dérivé pour évoquer le corps d'une femme. Police Gazette est un paysage abstrait en perspective verticale.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend Woman (green), lot 7 estimé $ 20M. Cette huile et fusain sur toile 77 x 60 cm, sans doute commencée en 1953, a les principales caractéristiques des Woman I-VI. Terminée en 1955, elle humanise le personnage par un gentil sourire tout aussi dérangeant que les rictus grotesques des versions précédentes.

Un Rothko Abyssal

Les collectionneurs millionnaires Texans John et Dominique de Menil ont permis à Rothko d'atteindre l'aboutissement de sa démarche artistique. La Rothko Chapel, commencée en 1964, est conçue comme un lieu de méditation.

Rothko a toujours voulu que le visiteur soit mesmérisé par son oeuvre. Quand on tourne le dos au soleil, on ne l'oublie pas pour autant. Inspiré par les scènes de nuit de Rembrandt, il comprend que les couleurs sombres sont le meilleur vecteur de la méditation transcendantale.

Ce projet nécessite de porter une attention particulière à la lumière. Rothko aménage un nouvel atelier à New York, un peu inquiet toutefois quant à la différence de luminosité entre New York et Houston. Ses exigences concernant la lumière intérieure de la chapelle sont telles que l'architecte Philip Johnson doit renoncer.

Pour ses nuances sombres, Rothko invente des pigments dont personne n'avait eu besoin avant lui. Ses traditionnels mélanges de couches encore humides augmentent la subtilité de ses blocs, qui peuvent apparaître de loin comme monochromes mais ne le sont absolument pas. De Menil décrira cet ensemble comme une impénétrable forteresse abstraite au seuil du divin.

Rothko vieillit. Bientôt il ne peut plus peindre lui-même sur ses grandes toiles et doit superviser des assistants. Contrairement aux Seagram Murals, il va jusqu'au bout de ce projet. La quatorzième et dernière toile pour la Rothko Chapel est prête en 1967. Sa carrière est interrompue au début de l'année suivante par une ruture d'anévrisme dont il guérira partiellement. Les peintures seront installées dans la chapelle en 1971, un an après sa mort.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend une huile sur toile 173 x 153 cm peinte en 1967 dans le style de la Rothko Chapel, lot 11 estimé $ 30M. L'image est composée de deux registres avec diverses nuances de rouge foncé. Le bloc du haut est irradiant. Le bloc du bas, plus petit et plus sombre, absorbe la lumière à une place que l'artiste avait parfois aimé réserver à un blanc aveuglant.


26 sept. 2020

Petit Déjeuner aux Lauves

Paul Cézanne, comme les vieux maîtres hollandais, utilise la nature morte pour exprimer la lumière. Son atelier des Lauves, aménagé en 1902, est bien éclairé par la lumière du matin. Les objets hétéroclites attendent sur une étagère le rôle que le maître voudra bien leur donner. Il ne peut pas travailler par imagination ou par construction spontanée : il choisit à l'avance les éléments de son prochain assemblage et détermine la distance et la perspective.

Il est un perfectionniste de la projection géométrique. Le papier est plat mais les fruits sont des volumes que la lumière atteint par leur milieu. Les ustensiles du petit déjeuner, comme la théière ou le sucrier, sont également convexes.

L'oeuvre commence par un dessin des contours sur une feuille de papier. Chaque surface est remplie par les couleurs qui traduisent les zones d'éclairement sans se chevaucher. Cette phase devrait être intermédiaire mais Cézanne n'est jamais satisfait : le produit fini, qui est l'huile sur toile, devient très rare. Ses rares visiteurs, comme Emile Bernard, sont décontenancés par la complexité et la lenteur de son processus créatif. Sa réinterprétation de la nature est tellement novatrice qu'il a créé l'art moderne.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend au lot 13 une nature morte à l'aquarelle et gouache réalisée dans le plus grand format de papier utilisé par l'artiste, 48 x 62 cm. Le point focal est le melon vert, par sa couleur vive et sa position centrale sur l'image. Il est pourtant posé de l'autre côté de la table, partiellement caché par le pot à lait et le sucrier. Le communiqué de presse du 26 août annonce une estimation autour de $ 25M.

Une aquarelle 32 x 48 cm de la même période a été vendue pour $ 25,5M incluant premium par Sotheby's le 8 mai 2007 sur une estimation basse de $ 14M. Cette nature morte en gros plan est focalisée dans des conditions similaires sur un melon vert derrière un gobelet.

Apesanteur à Bolsena

Cy Twombly aime trouver l'inspiration en Italie. En 1969 il passe l'été dans un palais Renaissance au-dessus du lac de Bolsena, où il s'isole pour approfondir sa recherche sur la génération primordiale de l'énergie humaine par le mouvement. Il travaille à la peinture industrielle, mine de plomb ou graphite, crayon à cire et parfois crayon feutre sur des toiles 200 x 240 cm.

A son arrivée à Bolsena en mai, il tente de réinterpréter ses tableaux noirs sans la pseudo-écriture en boucles. Le résultat est plutôt austère. Un opus a été vendu pour $ 6,2M incluant premium par Phillips de Pury le 10 mai 2012.

Il trouve soudain, comme tout le monde pendant cet été, un intérêt intense pour la mission lunaire Apollo 11. Renonçant temporairement au fond noir, il répartit ses formes flottantes sur un fond crème ou faux blanc. Des rectangles et des chiffres remplacent dans cette cascade ses habituels graffitis des passions antiques.

Quatorze Untitled (Bolsena) répondent à cette nouvelle tendance. L'un d'eux est daté très précisément du 10 juillet 1969, pendant la phase de préparation de la fusée. Il a été vendu pour $ 43M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015. Un autre a été vendu pour $ 15,4M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Un autre opus de la même série est estimé $ 35M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 16.

25 sept. 2020

La Grande Vague par Hokusai

VENTES PASSEES

Hokusai divisait sa propre carrière par périodes. Il considérait que son art devait s'améliorer de façon continue jusqu'à atteindre un niveau divin à l'âge de 110 ans, qu'il n'atteignit évidemment pas. En 1820 CE, quand l'illustration devient sa principale préoccupation, il est Iitsu. Le nom de la phase suivante, qui commence en 1834, montre son enthousiasme : il est Gakyo Rojin Manji, le vieillard fou de dessin.

Commencée en 1831 à l'âge de 71 ans, la série d'estampes 26 x 38 cm intitulée 36 vues du Mont Fuji est son oeuvre la plus ambitieuse, qui inclura non pas 36 planches mais 46. La montagne sacrée est montrée sur toutes ses faces, à toute heure, par tous les temps, en toutes saisons, avec une interprétation de la perspective qui est nouvelle dans l'art japonais. Elle occupe une section plus ou moins grande sur l'horizon et est presque toujours confrontée à une occupation humaine. Cette série ne doit pas être confondue avec la suite, les 100 vues du Mont Fuji, préparées de 1834 à 1840.

La gravure sur bois était effectuée par un artisan spécialisé qui ciselait le bois au travers du dessin. Le dessin d'origine était perdu et les épreuves s'affaiblissaient de façon irrémédiable au fur et à mesure de la production. Les catalogueurs des maisons de vente ne parviennent manifestement pas à détecter les plus fines impressions.

Les trois premiers opus de la première série sont des chefs d'oeuvre, par l'équilibre de la composition basée sur une géométrie stricte, la beauté du bleu de Prusse récemment importé au Japon, et la dimension émotionnelle.

Le tout premier est la Grande Vague au large de Kanagawa. Une vague gigantesque enserre des barques de pêcheurs tout en rejetant l'écume et l'embrun sur toute la surface de l'image. Elle a la forme d'une double virgule simulant le yin et le yang, dans le fond de laquelle le mont Fuji est posé comme une divinité impassible à la perdition des hommes. Cette vague est un monstre naturel qui inspira probablement la Nuit étoilée de van Gogh.

Un exemplaire de la Grande Vague a été vendu pour $ 1,1M incluant premium par Christie's le 22 septembre 2020 sur une estimation basse de $ 150K, lot 117.

Un exemplaire du second opus, le Fuji Rouge, a été vendu pour $ 510K incluant premium par Christie's le 19 mars 2019 sur une estimation basse de $ 90K, lot 235. Sa géométrie simple et efficace anticipe la Montagne Sainte-Victoire par Cézanne.

24 sept. 2020

Bleu Roi de Birmanie

Les pierres les plus exceptionnelles se trouvent souvent dans une seule région. Mogok, en Birmanie (Myanmar), cumule deux merveilles : le rubis sang de pigeon et le saphir bleu roi.

Le saphir birman fait le délice des monarques asiatiques depuis environ un millénaire. La forme classique est le coussin. La couleur bleu roi, intense et très saturée, est parfaitement mise en valeur dans un entourage de diamants. Il n'a pas la texture veloutée des saphirs bleus du Cachemire mais des inclusions d'apparence soyeuse avivent aussi sa luminosité.

Le 7 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1755 un pendant composé d'un saphir birman de forme coussin pesant 118,88 carats entouré de 16 carats de diamants de forme poire. Cette dimension est considérée comme exceptionnelle par les experts. Sa pureté et son homogénéité sont excellentes. Il n'a pas eu de traitement thermique.

Un collier par Boucheron composé d'un saphir birman bleu roi de forme rectangulaire à pans coupés pesant 91,95 carats dans une guirlande de 48 carats de diamants a été vendu pour HK$ 29,5M incluant premium par Poly le 7 avril 2015.

Un anneau composé d'un saphir coussin birman pesant 49,06 carats, sans traitement thermique, entouré de 10 carats de diamants baguette, a été vendu pour HK$ 16,2M incluant premium par China Guardian le 31 mars 2019. Sa couleur est bleu fleur-de-maïs mais il peut devenir bleu roi dans certaines conditions d'éclairage.

23 sept. 2020

La Tourmaline Ovale

Une nouvelle variante de tourmaline est découverte en 1989 dans l'Etat de Paraiba au Brésil. Des inclusions de cuivre lui donnent des couleurs inédites : bleu vert, bleu électrique, vert. Le premier filon, concentré dans une surface de 400 x 200 m, est rapidement épuisé mais d'autres sources apparaissent au Brésil, au Nigeria et au Mozambique. La variante est désignée sous le nom de tourmaline Paraiba.

Miné en 2001 au Mozambique, un cristal brut est aussitôt écarté de la production courante pour ses propriétés exceptionnelles, échappant ainsi au traitement thermique : il pèse 262 carats, sa couleur bleu-verdâtre est rare et plaisante et sa clarté est excellente. Elle est taillée au Mozambique en un ovale facetté joliment équilibré pesant 100,59 carats, pour 33,2 x 23,6 x 16,4 mm. Cette forme met spécialement en valeur la couleur et la brillance.

Elle est acquise par un collectionneur de gemmes complètement naturelles qui prospecte directement auprès des mines tout autour du monde. Nommée le Flawless Jena Blue, elle est estimée $ 700K à vendre par Heritage à Dallas le 5 octobre, lot 72111. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. Les caractéristiques exceptionnelles de ce spécimen ont été confirmées par le GIA et par le Smithsonian.

La tourmaline Paraiba est de plus en plus aimée en joaillerie. Voici deux résultats sur des bijoux basés sur des pierres brésiliennes.

Une paire de pendants d'oreilles avec des tourmalines en forme de poire, respectivement 7,46 et 6,81 carats, dans des entourages de diamants, a été vendue pour HK$ 21,7M incluant premium par Christie's le  29 mai 2018 sur une estimation basse de HK$ 12,8M. Leur couleur bleue avait été avivée par un traitement thermique.

Un anneau Tiffany composé d'une tourmaline de 9,70 carats dans un entourage de diamants a été vendu pour $ 720K incluant premium par Christie's le 26 avril 2017 sur une estimation basse de $ 200K. La couleur résulte certainement d'une amélioration thermique.