24 avr. 2019

La Beauté d'Antinous

La pax romana n'est pas facile à maintenir. Hadrien sillonne son immense empire pour consolider les frontières. Philhellène convaincu, il joint à sa mission politique une tentative de régénérescence de la culture Grecque.

Hadrien part de Rome en 128 CE pour un tour de la Méditerranée orientale. En 130 il exhibe à ses côtés un jeune homme d'une beauté exemplaire qui a atteint le rang de favori. Né en Bithynie avec des racines Grecques, Antinous a à peine 20 ans. Il avait probablement été formé depuis plusieurs années pour faire partie de la suite personnelle de l'empereur. Sa biographie est limitée à deux anecdotes.

En Libye vers septembre 130, il participe à une chasse au lion au cours de laquelle il est sauvé par l'empereur lui-même. Pourtant Hadrien était malade depuis plusieurs années. Ce premier épisode héroïque pouvait faire comparer Antinous à Hercule.

Un mois plus tard, Antinous meurt en tombant dans le Nil pour une raison inconnue. Pour les Egyptiens superstitieux, son sort est comparable à celui d'Osiris. Sans attendre que le corps soit momifié, Hadrien élève son ami au rang de déité et fait multiplier les lieux de culte dans tout l'empire. L'hypothèse d'un sacrifice prémédité par l'empereur pour promouvoir ses ambitions philhellènes ne peut pas être écartée.

L'iconographie posthume d'Antinous est abondante avec une grande répétitivité du portrait et de la coiffure, répondant probablement à un modèle approuvé par l'empereur. Après la mort d'Hadrien en 138 CE, le culte perdure mais le renouvellement des images n'est plus utile aux courtisans flagorneurs.

La beauté d'Antinous continue aujourd'hui à susciter l'admiration. Un buste en marbre plus grand que nature avec le nez cassé a été vendu pour $ 24M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010 sur une estimation basse de $ 2M.

Les gemmes gravées ont une bien meilleure conservation que le marbre ou la monnaie. Le 29 avril à New York, Christie's vend une intaille de 3,4 cm de long en chalcédoine noire qui est considérée comme le plus beau portrait existant d'Antinous. La tête est complète mais les bords cassés ont été remplacés depuis un temps immémorial par un disque d'or. Ce bijou qui pouvait être utilisé comme un sceau est estimé $ 300K, lot 37.

Entre Moisson et Neige

La série des Meules peinte par Monet après la moisson 1890 n'a pas été préméditée. Les meules de foin sont installées dans les champs comme des sémaphores provisoires qui rompent la surface monotone dépourvue de ses plantes.

Monet aime ce thème qui est typique de la vie à la campagne sans nécessité d'y adjoindre des humains ou des oiseaux. Il commence par cinq paysages dans lesquels deux meules sont éloignées l'une de l'autre.

Selon la chronologie établie par Wildenstein, la sous-série suivante est composée de deux huiles sur toile 73 x 93 cm peintes pendant l'automne 1890. L'alignement de deux meules mène jusqu'aux grands arbres de l'horizon, à contre-jour dans les derniers rayons du soleil couchant. Pour la première fois le reste de l'image est minimisé. La prédominance de l'expression des couleurs sur le thème et la forme ouvre la voie à l'art moderne.

La seconde de ces images, W1273, va encore plus loin en réussissant à éviter les ombres portées des deux meules. Il ne reste plus que la lumière qui joue avec les contours des meules et des arbres et révèle les couleurs chatoyantes du champ. Elle a été datée 1891 par l'artiste, certainement par référence à l'année de la première exposition publique de la série, dans la galerie de Durand-Ruel.

W1273 sera vendue par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 8. Le communiqué de presse du 15 mars annonce une estimation au-delà de $ 55M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

La nature profonde d'un paysage ne peut plus être exprimée par un simple instantané. Dans cette série qui se termine en janvier 1891 et totalise 25 peintures, Monet a capté 25 moments de lumière d'une grande variété : matin, soir, plein soleil, neige, brume. Dans les dernières images la couleur vient également sublimer la perspective avec la réduction du thème à une seule meule. Prise également au crépuscule, W1290 a été vendu pour $ 81M incluant premium par Christie's le 16 novembre 2016.


23 avr. 2019

Un Masque pour la Réincarnation

Contre les dangers de la forêt humide, plusieurs groupes maintenaient des sociétés secrètes avec un double rôle : terroriser les malveillants et communiquer avec les ancêtres. Citons au Gabon le Ngil des Fang et au Mali l'ethnie Bambara.

Pour les Songye du Congo, cette activité est confiée aux Bifwebe. Ce mot est le pluriel de Kifwebe. L'homme Kifwebe porte un déguisement complet qui le transforme en une créature surpuissante. De son origine humaine, il garde la position debout. Il parle avec une étrange voix de fausset et pousse des rugissements de lion.

Les masques Bifwebe sont ornés d'un réseau de lignes ondulantes, qui n'imite pas le zèbre inconnu dans cette région mais plutôt une antilope. Le nez et la bouche ont des formes intimidantes qui évoquent le museau du crocodile et les épines du  porc-épic.

Des masques de femmes existent également, pour des utilisations différentes. Les Songye croient que c'est la réincarnation d'un ancêtre qui donne la vie au foetus. La femme Kifwebe porte le masque pour faciliter l'accueil de l'ancêtre dans son ventre, et aussi dans certaines applications du rite Lunaire.

Ces rares masques féminins n'ont pas la sévérité de leur contrepartie masculine. L'un d'eux, décrit avant 1930 dans la collection Walschot, est un chef d'oeuvre de l'art Africain par la vitalité des ondes du visage, d'un blanc pur de kaolin contrastant sur la peau sombre. Ce specimen a probablement inspiré directement Calder et les zèbres enlacés de Vasarely. Il sera vendu par Christie's à New York le 14 mai, lot 8.

22 avr. 2019

Bonnard à Grasse

Pierre Bonnard est un inlassable découvreur des campagnes de France, d'Europe et d'Afrique du Nord. Dès qu'il le peut, il s'établit avec Marthe dans une nouvelle villégiature pendant quelques semaines ou quelques mois. Initié en 1909 aux délices et aux couleurs du Midi, probablement par Manguin, il séjourne de janvier à mai 1912 dans une villa à Grasse.

Grasse est une des capitales mondiales de la parfumerie. La période choisie pour ces vacances est propice à la sensation d'une renaissance de la végétation Méditerranéenne.

Le 13 mai à New York, Christie's vend La Terrasse, huile sur toile 125 x 134 cm peinte à Grasse, lot 42A estimé $ 5M.

Cette grande image est typiquement post-Impressionniste. Les couleurs douces et variées sont entremêlées et souvent complémentaires, construisant des formes parfois indistinctes. La composition est divisée en deux parties. Le bas est intimiste : la terrasse ensoleillée est fermée par une balustrade interrompue par une haute arche. En haut, le paysage est à moitié caché derrière un épais bosquet de palmiers et d'orangers.

La Terrasse n'est pas une vue réaliste mais l'interprétation d'un moment ou d'une ambiance, qui immerge l'observateur jusqu'à imaginer qu'il a pris la place du peintre.

La vision des détails est mystérieuse. Le personnage au premier plan à droite est soit l'artiste soit Marthe. Deux petits chats déambulent. Le troisième chat sur un tabouret est raide comme une Bastet. Son énigme est résolue quand une observation plus attentive révèle à côté de son tabouret une tête de chien en plâtre.

La Rolex Stelline

Avec les références 6062 et 8171, Rolex se lance en 1950 dans les montres-bracelets de haute complication. La combinaison inclut un triple calendrier composé de deux guichets et d'une aiguille centrale, ainsi que les phases de la Lune. La principale différence entre les deux références est que la 6062 est une Oyster et que la 8171 n'est pas étanche.

Le 13 mai à Genève, Christie's vend une 6062 faite vers 1952 qui groupe deux caractéristiques désirables : le boîtier en or rose et le cadran stelline. Ce cadran est un des plus élégants avec les chiffres des heures remplacés par huit étoiles, trois flèches et une couronne. En superbe état, elle est estimée CHF 1M, lot 203.

Les 6062 stelline en très bon état obtiennent toujours de très hauts résultats. Les prix ci-dessous incluent le premium.

La Dark Star, ainsi nommée parce que l'oxydation naturelle de son cadran est intacte, a été vendue pour $ 1,57M par Christie's le 6 décembre 2018. Son boîtier est en or jaune.

Phillips a vendu pour CHF 1,26M une montre en or rose le 8 novembre 2015. Une rare et spectaculaire 6062 stelline à cadran laqué noir a été vendue pour CHF 900K par la même maison de ventes le 15 mai 2016.

Le cadran noir de la 6062 spécialement re-dessinée en 1952 pour Bao Dai est peut-être inspiré de la stelline, avec de vrais diamants remplaçant les étoiles. Cette montre a été vendue pour CHF 5,1M par Phillips le 13 mai 2017.

21 avr. 2019

Thérèse grandit

Les frères Klossowski grandissent dans une ambiance intellectuelle. Leur père est historien d'art. Leur mère, élève de Pierre Bonnard, devient après la première guerre mondiale l'amante de Rainer Maria Rilke. Gide encourage les deux garçons. Pierre cherchera à concilier le surréalisme et la pornographie. Balthasar deviendra Balthus.

En 1935 l'autoportrait de Balthus en roi des chats inaugure l'univers étrange de l'artiste. Le jeune homme apparaît comme normal excepté de trop longues jambes auxquelles un chat vient se frotter. Balthus laissera toujours l'observateur identifier la signification de son art. Le chat est venu pour un câlin, ou pour débarrasser sa fourrure de ses puces, ou pour aduler son roi autoproclamé.

L'année suivante l'artiste observe les enfants de ses voisins. Thérèse a 11 ans et Hubert deux ans de plus. La fillette arbore l'expression maussade de la pré-adolescence, cette phase pendant laquelle le corps est encore inachevé. De 1936 à 1939 Balthus réalise dix portraits de ce jeune modèle.

Les groupes d'influence contemporains ont vigoureusement protesté en 2017 contre l'érotisme de ces images d'enfants. Ils ont regardé les cuisses nues et la jupe parfois soulevée jusqu'à laisser entrevoir le sous-vêtement. La fillette effectue des contorsions qui conviennent à son âge. Si l'on met à l'index les portraits de Thérèse par Balthus il faut y joindre les danseuses de Degas. La perversité réside essentiellement dans la perception faite par l'observateur qui doit être protégé contre lui-même. Balthus avait vu juste.

Le 13 mai à New York, Christie's vend Thérèse sur une banquette, huile sur panneau 73 x 92 cm peinte en 1939, lot 8A estimé $ 12M.

Thérèse a encore à 14 ans son corps gracile d'enfant. Insouciante de sa propre attitude, elle est affalée sur la banquette, une main au sol et l'autre main levée pour faire balancer une ficelle. Elle regarde vers le bas. Une fois n'est pas coutume, une autre oeuvre peinte la même année fournit une information supplémentaire : un chaton saute pour attraper la balle qui pend à la ficelle.

Le Superbe Automne

L'arrivée de Vincent van Gogh en Provence marque le début d'une frénésie créative qui n'est interrompue que par ses crises de démence. Il cherche encore et toujours à varier ses thèmes et ses styles pour devenir le meilleur artiste du monde.

La Nuit étoilée, huile sur toile peinte en juin 1889 à l'asile de St-Rémy, est sans précédent dans l'histoire de l'art. Vincent a d'abord voulu peindre les couleurs de la nuit. Pour qu'elles soient bien visibles il a démesurément grossi la Lune et les étoiles qui sont devenus des tourbillons de couleurs.

La Nuit étoilée est aussi un paysage avec le village de St-Rémy et les Alpilles. Il est dominé par un arbre isolé flottant au premier plan, démesuré et asymétrique. Avec sa longévité et ses feuilles persistantes, le cyprès est le symbole de la vie éternelle et l'arbre des cimetières.

En octobre 1889 la nature offre une satisfaction à Vincent : l'automne est superbe. L'artiste peint les couleurs du jardin. Avec une texture constituée de lignes violentes, le coup de pinceau a intégré le style de la Nuit étoilée. Au premier plan deux ou trois troncs minces se tordent. La seule référence verticale dans cet univers qui bascule est le grand cyprès, au loin, avec la même asymétrie que l'arbre de la Nuit étoilée.

Parc de l'hôpital Saint-Paul, huile sur toile 67 x 52 cm, a été vendu pour £ 9M incluant premium par Christie's le 23 juin 2010.

Peinte avec des couleurs éclatantes, Arbres dans le jardin de l'asile, huile sur toile 42 x 34 cm, sera vendue au lot 15A par Christie's à New York le 13 mai. Le communiqué de presse du 27 mars annonce une estimation aux alentours de $ 25M.

20 avr. 2019

Le Temple Inachevé

Modigliani est facilement convaincu par Brancusi que la taille directe de la pierre apporte à l'art sa plus grande pureté. Opposés au réalisme de Rodin, les deux artistes tentent un art conceptuel que leurs détracteurs apparentent au cubisme encore très contesté à cette époque.

De 1909 à 1914 Modigliani est obsédé par un projet unique : construire un temple à la beauté féminine. Pour prévoir un toit à son temple, il dessine inlassablement des figures de caryatides qu'il appelle ses colonnes de tendresse.

Autour de 1911 il exerce enfin ses talents incontestables pour la sculpture avec une série de têtes de femmes en calcaire et en grès. Ces têtes très allongées au long cou sur une base cubique se ressemblent entre elles mais les détails des physionomies sont différents. Les hauteurs variées montrent bien que la conception globale du temple est loin d'être figée.

Tous les critiques d'art ont cherché les modèles et les styles qui ont généré la beauté intemporelle des têtes de femmes de Modigliani. Elles sont en fait une synthèse des conceptions esthétiques de tous les temps et de toutes les cultures.

Modigliani a sculpté environ 25 têtes. En 1911 cinq d'entre elles sont reconnaissables par photographie dans une exposition spécifique organisée avec l'aide de Brancusi dans le vaste atelier d'Amadeo de Souza-Cardoso. En 1912 le Salon d'Automne aligne sept Têtes dans la Salle des Cubistes.

En 1913 Modigliani sent que son projet de temple est prêt. Il choisit d'utiliser le marbre et visite Carrare. Il sculpte alors une unique caryatide. Sa santé fragile ne permettra pas d'en faire plus. Il abandonne son grand projet et redevient un peintre de portraits.

Une Tête haute de 64 cm exposée par Souza-Cardoso et au Salon d'Automne a été vendue pour € 43M incluant premium par Christie's le 14 juin 2010. Une Tête du Salon d'Automne haute de 73 cm a été vendue pour $ 71M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2014. En calcaire comme les deux exemples ci-dessus, une Tête haute de 51 cm sculptée vers 1911-1912 sans historique ancien d'exposition est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 31A.

19 avr. 2019

Les Anges Funéraires de Fugger le Riche

Fugger est une famille de banquiers établis à Augsbourg puis également à Nuremberg. Leur influence culmine avec Jakob Fugger qui parvient à obtenir le monopole du cuivre Européen. Surnommé de façon très appropriée 'le Riche', Jakob est un philanthrope, un amateur d'art et un catholique dévot.

Avec un de ses frères et également au nom d'un autre frère récemment décédé, Jakob le Riche fait construire à Augsbourg de 1509 à 1512 une chapelle dans le goût de l'architecture funéraire Italienne, ce qui est une innovation pour l'époque. Pour la décoration de ce monument grandiose, il fait appel aux meilleurs artistes allemands : Dürer, Burgkmaier, Breu, Hans Daucher. Il meurt en 1525.

L'ameublement de cette chapelle est éparpillé entre 1817 et 1821 sous prétexte de modernisation. Il incluait un alignement de putti en calcaire beige d'environ 30 cm de haut sculptés par Daucher, groupés par paires sur une balustrade de marbre. Le nombre total des putti d'origine n'est pas identifié.

Chaque statuette montre un ange baby-face accoudé sur une sphère qui symbolise la vanité des occupations terrestres. Elle sont toutes différentes pour ce qui concerne l'expression du faciès, la coiffure, la position des jambes, la signification allégorique.

En 1921 la famille Fugger décide de restaurer la chapelle. Les recherches actives permettent de retrouver cinq putti répartis dans plusieurs jardins avoisinants. Ils sont conservés au Maximilian Museum d'Augsbourg.

Deux autres putti viennent d'être retrouvés au château de Beaurepaire à Martinvast près de Cherbourg, où leur présence n'avait jamais été identifiée. La provenance est cependant compréhensible : le château avait été acheté en 1867 par le banquier Arthur de Schickler pour son projet d'une extravagante résidence néo-Gothique avec un parc Mauresque.

Les putti de Martinvast ne forment pas paire entre eux mais séparément avec deux spécimens du Maximilian Museum. Ayant échappé dans leur grenier aux dégradations d'un stockage extérieur, ils ont conservé toute la finesse de la sculpture du maître. Il restent ensemble au lot 35 à vendre par Sotheby's à Paris le 16 mai. Le catalogue propose une date vers 1525-1530.

18 avr. 2019

La Vraie Olga

Le fils de Pablo et Olga Picasso, Paulo, est né en 1921. L'artiste émerveillé peint des maternités. Deux ans plus tard les choses ont déjà changé : la mère et l'enfant font l'objet de peintures séparées. Le couple ne va pas bien. Olga est de plus en plus mélancolique et introvertie, ce qui ne convient pas au tempérament de ce quadragénaire qui transfère ses fantasmes sur ses dessins érotiques.

En 1923 Picasso cherche un style. Après les Demoiselles d'Avignon et le Cubisme, il utilisait ses dons de dessinateur pour un néo-classicisme. Les mains et les pieds des personnages sont exagérés pour exprimer la majesté monumentale des déesses antiques. Picasso admirait un seul de ses prédécesseurs, Paul Cézanne. Dans cette même période ses natures mortes lui permettent de persévérer dans un cubisme où il cache des références érotiques qui pourraient déranger Olga.

En avril 1923 il peint trois grands portraits d'Olga, deux à l'huile et un au pastel. Le coup de pinceau d'une très grande finesse est un hommage à la beauté idéalisée de l'ancienne ballerine des Ballets Russes. Les tons d'une grande douceur montrent le besoin d'empathie que Pablo a encore avec sa femme, mais son désir érotique ne se porte plus sur elle.

Le 13 mai à New York, Christie's vend La lettre (la réponse), huile sur toile 100 x 81 cm, lot 64A estimé $ 20M. La jeune femme est assise pour écrire une lettre mais elle est entrée dans sa rêverie et n'utilise pas sa plume.

Ces trois portraits sont parmi les toutes dernières peintures de la période Ingresque de Picasso. L'année suivante, il ré-interprète radicalement le cubisme en remplaçant les aplats en forme de collages par une application aux figures humaines de la dé-construction de l'espace Cézannien. En 1928 le surréalisme permet à Picasso de cesser de différencier Olga et les autres femmes. Leur difficulté de communication mène inéluctablement à la rupture.