24 juin 2019

Olimpia au Vatican

Quand Velazquez arrive à Rome en mai 1649, il a la réputation d'être le meilleur portraitiste et devient de facto le peintre officiel au Vatican. Son portrait d'Innocent X est un chef d'oeuvre. Le pape gêné par sa propre image commente : "Troppo vero". Le maître réalise aussi les portraits des principaux notables de l'entourage du pape, prolongeant sa mission jusqu'en novembre 1650 pour consolider ses relations Romaines.

Pendant tout le pontificat d'Innocent X, de 1644 à 1655, le Vatican est géré par une femme avide et corrompue. Donna Olimpia est la veuve du frère aîné du pape. Elle prend toutes les décisions, cherchant en permanence à augmenter ses gains financiers et pratiquant un népotisme éhonté. Son pouvoir est illimité : Innocent X ne l'a jamais désavouée.

Elle est surnommée la Papessa ou plus vulgairement la Pimpaccia, un jeu de mots sur Olim Pia (autrefois pieuse) suggérant que la religion n'avait plus d'importance pour elle. Cette femme hyperactive a aussi oeuvré en faveur des femmes prostituées de Rome et a commandé au Bernin les fontaines de la Piazza Navona.

La Papessa pose pour Velazquez en juillet 1650. Cette image a été gravée dès 1653. La peinture originale vient d'être authentifiée après près de trois siècles dans l'anonymat. Cette huile sur toile 77 x 61 cm restée sur sa toile d'origine n'est pas en parfait état. Elle est estimée £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 28.

Cette femme âgée de 59 ans apparaît austère et sans contrainte tout comme son beau-frère est faible et sournois, complétant l'image des maîtres du monde sur lesquels Velazquez appliquait sans pitié sa vision objective. Cette peinture est un exemple typique de la maîtrise de la couleur noire par Velazquez.

Sultans Ottomans

Mehmed Fatih appelé par les Européens Mehmet II le Conquérant, est un des plus glorieux Sultans Ottomans, célèbre pour la prise de Constantinople en 1453. Pendant tout le reste de son règne il mena en parallèle les campagnes militaires et la diplomatie, menaçant en permanence l'hégémonie commerciale de Venise.

Ce Sultan avait une personnalité atypique. Il suivait de très près les progrès artistiques et scientifiques de la Renaissance Italienne, connaissait plusieurs langues et acceptait que son effigie soit utilisée. Une médaille montrant Mehmed âgé d'environ 30 ans est passée à Baldwin's le 25 avril 2012.

La paix avec Venise est signée en 1479. Mehmed demande qu'un bon artiste lui soit envoyé. Le Doge confie cette mission à son portraitiste officiel, Gentile Bellini.

Le séjour de Bellini à Constantinople, qui dure plusieurs mois, est un grand succès. Le Sultan est ravi de la qualité de ses portraits sur lesquels son nez en bec d'aigle est parfaitement reconnaissable. L'atelier de Bellini fera plus tard des copies de ces images. Une huile sur panneau a été vendue pour £ 470K incluant premium par Sotheby's le 24 octobre 2007.

Un seul double portrait est connu. Le Sultan Mehmed fait face à un jeune homme imberbe dont l'identité n'a pas été identifiée. La similitude des turbans montre que les deux personnages sont de même rang. La pratique d'un double portrait était encore très rare à l'époque de la visite de Bellini à Constantinople et cette oeuvre ne peut être qu'une interprétation d'atelier. L'attention portée aux vêtements est Vénitienne.

Mehmed est mort en 1481, peut-être empoisonné. Son fils Bajazet le Pieux qui lui a succédé était un iconophobe selon la tradition musulmane. Une hypothèse possible est que le portrait du jeune homme provient d'un croquis réalisée par un autre artiste quelques années avant la mission de Bellini et que les deux images d'origine ne sont pas contemporaines l'une de l'autre. Le jeune homme pourrait ainsi être Bajazet vers l'âge de 20 ans, mis en face de son défunt père pour un patron Vénitien qui n'avait pas d'image plus récente pour honorer le nouveau Sultan.

Cette huile sur panneau 33 x 45 cm a été vendue pour £ 970K incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2015 sur une estimation basse de £ 300K. Elle est estimée £ 600K à vendre par Christie's à Londres le 4 juillet, lot 39.

Quand il monte sur le même trône en 1520, Soliman est iconophile. Son portrait dans le goût du portrait de Mehmed par Bellini, huile sur panneau 33 x 28 cm, a été vendu pour £ 5,3M incluant premium par Sotheby's le 1er mai 2019 sur une estimation basse de £ 250K.

23 juin 2019

L'Equation des Astronautes

Pendant toute sa carrière, George Daniels a imité et amélioré les complications les plus audacieuses des montres de poche, prenant très souvent exemple sur Breguet. Pour l'heure sidérale, son modèle était George Margetts, un contemporain de Breguet qui travaillait à Londres. Daniels n'a cependant pas imité une autre remarquable spécialité de Margetts, l'indicateur de l'heure des marées.

L'équation du temps est la différence entre l'heure apparente, qui peut aussi être lue sur un cadran solaire, et l'heure sidérale qui prend sa référence sur la position des étoiles fixes. Cette différence est un cycle annuel dû à l'obliquité de la Terre et à l'ellipticité de son orbite.

La première montre de poche dans laquelle Daniels a inclus l'équation du temps est son neuvième opus, Elsom II, en 1975.

George Daniels était connu pour son humour. En 1979 il déclare que la précision de mesure obtenue par Margetts, 1,8 secondes par an, n'est pas suffisante pour le contrôle du temps par un astronaute en route pour Mars. Un astronome de Cambridge University calcule pour lui un ratio entre les deux roues d'échappement qui réduira la variance à 0,4 seconde par an.

La première montre de poche intégrant ces nouvelles données est le quinzième opus de George Daniels, le Space Traveller, qui offre également le calendrier annuel et les phases de la Lune. En 1982, peu après avoir terminé son Space Traveller, Daniels le vend à un collectionneur, sans doute pour respecter un engagement préalable.

Frustré d'avoir laissé partir le Space Traveller I, Daniels réalise en 1983 le Space Traveller II, sur lequel il a ajouté un chronographe et un thermomètre. Il ne lâche pas ce specimen qui lui permet de se comporter comme un astronaute de salon. Sa quatrième et dernière montre de poche qui inclut l'équation du temps est la Grand Complication, en 1987.

Le Space Traveller I est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 2 juillet, lot 143. Space Traveller II a été vendu pour £ 3,2M incluant premium par Sotheby's le 19 septembre 2017. Grand Complication a été vendu pour CHF 2,4M incluant premium par Phillips le 11 mai 2019.

Panorama en Haute Engadine

Giovanni Giacometti et son jeune cousin Augusto sont les peintres locaux des Grisons. Giovanni a essayé en vain de trouver l'inspiration en dehors de ses montagnes. Revenu dans son canton, il est convaincu par Segantini de la beauté picturale des montagnes suisses.

St. Moritz dans la haute vallée de l'Inn est depuis trois décennies la pionnière des stations de sports d'hiver, attirant la haute société. En 1897 Giovanni et Segantini attendent la commande d'un grand panorama circulaire pour promouvoir le tourisme Suisse à la future Exposition de 1900 à Paris. Giovanni prépare des croquis pour une vue de montagne au-dessus de St. Moritz.

Le projet est abandonné. Giovanni trouve un autre client. Il peint en 1898 un polyptyque pour la salle à manger d'un chalet de St. Moritz-Bad appartenant à une très ancienne famille de la noblesse locale.

Cette oeuvre monumentale est une huile sur toile composée de quatre parties sans interruption de la vue topographique, pour une dimension totale de 67 x 510 cm. Devant la chaîne de montagnes de la Haute Engadine, un berger garde ses moutons éparpillés sur les quatre panneaux. Un lac très bleu sépare l'alpage et les sommets rocheux.

Intitulée Panorama de Muottas Muragl, cette peinture est estimée CHF 2,8M à vendre par Koller à Zürich le 28 juin, lot 3050. Je vous invite à lire l'article partagé par Barnebys. Le tweet ci-dessous est un détail du troisième panneau.

22 juin 2019

Maternité

L'observation de la chair est l'unique but des peintures de Jenny Saville. Ses oeuvres de jeunesse marquent une réprobation contre la représentation artificielle que les femmes construisent de leur propre corps. Elle tourne à une vision d'horreur les transformations volontaires mais néanmoins mutilantes de la chirurgie esthétique.

Les relations entre plusieurs corps l'intéressent aussi. Son chef d'oeuvre de cette seconde phase, Shift, est aussi une référence aux Demoiselles d'Avignon. Cette huile sur toile 330 x 330 cm terminée en 1997 a été vendue pour £ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 28 juin 2016.

Dans son observation des corps, Jenny Saville finit par réduire la différence entre l'homme et la femme, entre le normal et le pathologique, entre le naturel et l'artificiel, entre l'immobilité et le mouvement. Elle admet le trans-genre comme un troisième état dont la population augmente dans le monde contemporain.

L'être humain n'existe pas sans corps mais l'individualité est mise en question par une relation intime indispensable à la continuation de l'espèce humaine, la grossesse. Jenny Saville est bouleversée psychologiquement par ses deux maternités, en 2007 et 2008 : elle a créé de la chair à l'intérieur de son propre corps.

A partir de cette étape son art change. La tête, souvent un auto-portrait, était renvoyée à l'arrière-plan dans ses oeuvres précédentes. Elle devient le thème majeur. Les yeux et la bouche sont le principal support de la communication d'un être humain avec le monde. Le reste du visage n'est qu'une sorte de cadre pour lequel toutes les couleurs peuvent être utilisées en un lourd impasto comme faisait souvent Francis Bacon.

Comprenant cette tendance, Gagosian a organisé à Londres en avril 2019 une exposition sur le thème de l'influence d'un autoportrait de Rembrandt sur la création artistique contemporaine. Le self portrait (after Rembrandt) peint en 2019 par Jenny Saville explique magistralement l'évolution de sa vision.

Le 26 juin à Londres, Sotheby's vend Shadow Head, lot 8 estimé £ 3M. Cette huile sur toile 270 x 220 cm est monumentale quand on considère que l'image est limitée à un visage. Terminée en 2013, cette oeuvre a été datée 2007-2013 par l'artiste pour montrer qu'elle doit être attachée à la phase de sensibilité maternelle de son art.

L'Invention du Surréalisme

André Breton considère qu'avant lui la littérature n'exprime pas la pensée subconsciente. Il tente en vain de fédérer les avant-gardes littéraires autour de ses propres conceptions. Les écueils sont nombreux, incluant le risque pour la santé mentale des auteurs. Il ne suffit pas de transcrire une part de subconscient pour attirer des lecteurs.

En 1924 Breton réunit 32 historiettes qu'il a composées en écriture automatique, écartant à la fois la volonté, la cohérence et même la beauté du style. Il a choisi le titre de ce recueil : Poisson soluble.

Malgré sa confiance dans le progrès littéraire et même social qui découlera de son propre génie, Breton sait que ses détracteurs sont nombreux. Il ressent le besoin d'expliquer son système sous forme d'une Préface pour Poisson Soluble. Il définit le surréalisme comme un automatisme psychique pur. La Préface est intitulée Manifeste du Surréalisme.

Les principaux manuscrits autographes de cet ensemble avaient été conservés par sa première femme. Ils ont été vendus le 21 mai 2008 par Sotheby's, incluant entre autres documents le Manifeste pour € 1,9M incluant premium et la version finale de Poisson Soluble pour € 900K incluant premium. Cet ensemble acheté par Aristophil a été classé Trésor National en décembre 2017 avec un délai de trente mois pour que l'Etat Français confirme son acquisition.

Le 3 juillet à Paris, Christie's vend un document provenant d'une autre source, lot 140 estimé € 200K. Il s'agit du jeu d'épreuves complet du Manifeste et de Poisson Soluble, incluant de la main de l'auteur les corrections d'erreurs typographiques ainsi que les instructions pour la maquette.

Un poème-collage mettant bout à bout des phrases extraites de journaux a été inséré par Breton dans ce dossier, pour servir d'exemple de la nouvelle technique littéraire dans la Préface-Manifeste. Il sera inclus dans l'édition originale après avoir été légèrement écourté par Breton.

21 juin 2019

La Synthèse Baroque de Johann Liss

Johann Liss est né à Oldenburg près de Lübeck. La tradition artistique est presque inexistante en Holstein. Prêt à capter toutes les nouvelles tendances, le jeune homme commence son voyage vers 1615. A Haarlem il est attiré par l'érotisme de Goltzius. Plus tard il sera surnommé Pan. Vers 1618, âgé d'à peine plus de 20 ans, il intègre le style et certains thèmes de Rubens et Jordaens.

Comme tant d'autres incluant les Caravagesques d'Utrecht, il arrive en Italie. Il partage son temps entre Rome et Venise. Il ne terminera pas cette classique tournée d'apprentissage : il meurt à Vérone dans l'épidémie de peste qui s'est déclenchée à Venise en 1629.

Sandrart, qui l'a bien connu à Venise en 1629, indique sa prédilection pour cette ville où il apprécie les couleurs expressives de Titien et Véronèse. Il a aussi raconté la créativité impulsive de Liss, capable de chercher l'inspiration pendant plusieurs jours avant de se précipiter pour faire une nouvelle oeuvre sans manger ni dormir. Ce cycle immuable se termine par une errance pendant laquelle il vide sa bourse on ne sait pas où.

Ste Marie Madeleine entre le Vice et la Vertu est un thème emprunté à Jordaens. La jeune femme en extase a choisi le gentil jeune Ange qui lui apporte la palme des repentis. Elle tient un crâne, symbole habituel de la vanité, et ignore la vieille femme qui lui apporte les trésors de l'Orient.

Cette oeuvre a été composée au début des années 1620. L'éclairage contrasté, lumineux sur le Bien et inexistant sur le Mal, est Caravagesque. L'influence Vénitienne, par laquelle on attend le luxe des vêtements et le choc des couleurs, est évidente mais pas encore dominante.

Deux huiles sur toile identiques existent. Elles peuvent être toutes deux autographes. L'une d'elles, 114 x 135 cm, est conservée au musée de Dresde. L'autre, 99 x 126 cm, a fait surface plus récemment. Elle a été vendue pour £ 1M incluant premium par Christie's le 9 décembre 1994 et est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 8. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Photos Sales par Gilbert and George

Gilbert et George réalisent leurs premiers assemblages de photographies en 1971. A partir de 1974 ces compositions deviennent géométriquement structurées, dans des formats rectangulaires.

A leurs débuts Gilbert et George s'exhibaient eux-même sur scène comme des sculptures vivantes, avec une fantaisie délibérément choquante. Résidant dans le East End, ils prennent progressivement en horreur la société punk et la saleté qui envahit Londres.

Ils réalisent en 1977 deux grandes séries de photographies dont le message est ouvertement politique. Ils veulent attirer l'attention du grand public et des politiciens par ces illustrations sordides et décadentes de la vraie vie moderne. Ils insèrent presque toujours dans ces assemblages leurs selfies habillés en hommes d'affaires de la City.

La première de ces séries, intitulée Red Morning pour fustiger le communisme, est une prophétie de désastres sociaux. Elle est composée de 17 pièces de 4 x 4 ou 5 x 5 images élémentaires, avec pour titres les mots les plus dérangeants. Hate, 240 x 200 cm, a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

La série suivante est intitulée Dirty Words Pictures. Pour les titres individuels de ces 26 oeuvres, les artistes mêlent les insultes argotiques et le vocabulaire sexuel. Bummed, 355 x 255 cm en 25 parties, a été vendu pour £ 960K incluant premium par Sotheby's le 30 juin 2014.

Bugger, 300 x 250 cm également en 25 parties, signé George et Gilbert, est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 13. Les deux colonnes extérieures sont des photos de journaux froissés et souillés.

Le tweet ci-dessous montre un détail.

19 juin 2019

Ecritures à Trianon

Le domaine de Trianon a été créé par Louis XIV à proximité immédiate du palais de Versailles pour offrir à la famille royale un lieu d'intimité avec des jardins. Attiré par la vie de plaisirs, Louis XV amplifie cette tendance en faisant construire le château de Trianon, désigné plus tard comme Petit Trianon tandis que le Trianon de Marbre de son prédécesseur deviendra le Grand Trianon.

Quand Marie-Antoinette devient reine de France en 1774, ses ressources financières sont grandioses. Elle utilise beaucoup le château de Trianon. Le Hameau, incluant une Maison de la Reine, est construit à proximité à partir de 1783 dans un style champêtre.

Lorsque Riesener est évincé en 1784 du Garde-Meuble de la Couronne parce que ses prix sont trop élevés, il continue à fournir des commodes et des bureaux pour la Reine et son entourage, aux Tuileries, à La Muette, à Versailles, Compiègne et Marly. Pour Marie-Antoinette, rien n'est trop cher. Elle fait créer à ce moment-là le label de Garde-Meuble de la Reine. Les archives concernant ces dépenses exorbitantes seront détruites pour éviter qu'elles tombent entre les mains des Révolutionnaires.

Les tables à écrire réalisées par Riesener répondent à un modèle standardisé. Les formes sont simples, dans le goût néo-classique qui s'oppose désormais au rococo. Les bronzes dorés sont luxueux.

Livré en 1783, la table à écrire personnelle de Marie-Antoinette au Hameau, 111 x 63 x 76 cm, est revenue à Versailles en 2011 après avoir été acquise pour € 6,75M par l'Etat Français avec le soutien de mécènes.

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend une table à écrire 81 x 48 x 76 cm, lot 20 estimé £ 400K. Elle porte à la fois les marques du Garde-Meuble de la Reine et du château de Trianon signifiant qu'elle a été livrée au Petit Trianon pour l'usage personnel de la reine. L'absence de la marque du garde-meuble officiel indique qu'elle a été réalisée après 1784. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

18 juin 2019

Le Son des Pink Floyd

Le 20 juin à New York, Christie's vend la collection de guitares de David Gilmour, constituée de plus de 120 instruments. Passionné de guitares depuis son enfance à Cambridge, David rêvait de jouer une Fender Stratocaster. Il explique aujourd'hui qu'une Strat met en valeur la personnalité de son joueur.

A la fin des années 1960 la musique psychédélique prend la suite du rock and roll. Pour atteindre la gloire, les groupes doivent désormais proposer au public des sons à la fois dynamiques et différents. David devient le guitariste des Pink Floyd en 1968 pour pallier à l'incapacité de Syd Barrett victime de troubles mentaux.

Le lot 27 est la Black Strat de David Gilmour. Fabriquée en 1969, elle est achetée neuve par David en 1970 chez Manny's à New York. Jusqu'en 1983 elle est son instrument favori, sans cesse modifié par lui pour extraire de nouveaux sons sensationnels. Cet instrument est un élément basique du laboratoire de son des Pink Floyd à leur meilleure période. Elle est notamment jouée par David en 1973 dans l'album qui restera le plus grand succès du groupe, The Dark Side of the Moon.

Cette guitare de travail qui était à l'origine une Strat ordinaire est devenue un instrument culte de la musique populaire dans sa phase post-Beatles. Prêtée pendant dix ans pour exposition au Hard Rock Café à Dallas, elle a ensuite été restaurée. Des répliques ont été créées par Fender à partir de 2006 en deux modèles dont l'un nommé The Relic copiait son état d'usure avant restauration..

En 2005 quand les membres historiques du groupe se réunissent en concert à Londres après une très longue interruption, David Gilmour joue à nouveau sa Black Strat. Fréquemment modifiée pendant un demi-siècle par son prestigieux propriétaire, elle est offerte avec une estimation raisonnable de $ 100K à 150K. Je vous invite à lire l'article par Christie's racontant sa longue histoire.