19 févr. 2019

Femmes vues par l'Une d'Elles

Pendant ses études, Jenny Saville a naïvement cherché le rôle de la femme dans l'art. Elle a vu de jolies formes créées pour faire plaisir aux Messieurs et déploré l'absence de la femme créatrice. Elle n'a vu nulle part l'aversion réelle des femmes face au risque d'obésité. Sportives à l'excès ou anorexiques, elles cherchent encore à être caractérisées par les hommes.

Les tabous tombent devant cette très jeune femme. Elle greffe sa propre tête sur un corps obèse qui n'est pas le sien. Elle ajoute des mots ridicules qui ne sont que le langage des hommes pour parler des femmes. L'huile sur toile Propped, préparée pour la soutenance de son diplôme en 1992, inclut dans une superposition hermétique une écriture miroir citant une psychanalyste féministe. Propped a été vendu pour £ 9,5M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2018.

Jenny Saville prend désormais pour thème l'intimité du nu féminin réinterprété à une échelle monumentale, avec un humour à la fois sordide et cinglant. Elle enveloppe l'observateur dans un déluge de chairs flasques, consciemment, en s'inspirant des mises en scène abstraites de Rothko.

La tête reste un élément secondaire, comme intrus et incongru. Dans un autoportrait 270 x 210 cm peint en 1993, la tête est penchée, mais pas suffisamment pour éviter d'être tronquée en haut de l'image. Ce corps nu frontal intitulé Plan n'est pas trop exagéré mais inclut les incisions préparant la chirurgie esthétique, une action inutile et psychologiquement dégradante selon les conceptions féministes de l'artiste.

Les détails intimes appellent des formats de plus en plus grands. Dans une huile sur toile intitulée Juncture peinte en 1994, le nu assis à la chair flasque est vu de dos. La tête est coincée en haut à gauche de l'image et le nez vient s'écraser douloureusement sur le bord gauche comme si le format 305 x 168 cm était trop étriqué pour contenir la monumentalité désirée par l'artiste.

Juncture est estimée £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 5.

Fierté Noire

Les arts graphiques Américains sont l'apanage des hommes blancs. Beauford Delaney s'est exilé. Les rares femmes de couleur qui ont osé une carrière d'artiste ont été ignorées ou persécutées, à l'exemple d'Elizabeth Catlett qui a perdu sa nationalité Américaine pendant 40 ans.

Le vent tourne dans le cercle littéraire du Dr Maya Angelou. En 1990 Faith Ringgold et Clarissa Sligh réunissent dans une exposition l'art de 100 femmes noires. Aujourd'hui encore la déségrégation n'est pas terminée malgré les succès incontestables de Julie Mehretu et Kara Walker.

Le thème de la femme peintre ne pouvait pas laisser indifférent Kerry James Marshall. Cet artiste basé à Chicago montre une Amérique réservée aux Noirs dans leur conquête progressive d'un statut social décomplexé dans la vie quotidienne, l'éducation, les loisirs et les émotions.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend le portrait imaginaire d'une jeune femme noire, acrylique sur PVC 73 x 63 cm peint par Marshall en 2008, lot 209 estimé $ 1,8M.

Cette femme est une artiste peintre reconnaissable aux attributs de son travail, la palette bariolée de couleurs et la blouse maculée. Elle est debout, la main énergiquement posée sur la hanche, le regard droit fièrement dirigé vers l'observateur. Les réseaux de lignes sur le mur du fond laissent penser que son art est abstrait.

18 févr. 2019

Les Triangles Verts de Carmen Herrera

Carmen Herrera est passionnée par l'architecture, dans la suite des travaux des Constructivistes et du Bauhaus. Ses peintures rejettent l'illusion d'optique et l'émotion.

Le triangle aigu devient la base de ses figures géométriques. Il est monochrome, sur un fond qui peut être noir ou blanc. Tous les triangles sont d'une seule couleur. La pointe d'un triangle vient toucher la pointe ou le côté d'un autre. Ces figures atteignent le bord de l'image sans se modifier, ouvrant l'accès à l'infini comme les compositions de Mondrian.

Commencée en 1959, la série la plus minimaliste de l'art de Carmen Herrera porte le titre générique de Blanco y Verde. L'utilisation de la langue espagnole est une réminiscence de ses origines Cubaines. La composition est structurée par les horizontales et les verticales, qui correspondent à un bord ou à l'axe de chaque triangle vert. Les angles sont invariants.

Les approches minimalistes de Carmen Herrera ont été comparées à l'art d'Ellsworth Kelly ou Frank Stella. Malgré ses efforts pour exposer ses oeuvres, elle est résolument ignorée par la société artistique New Yorkaise jusqu'en 2008. En 2015, année de son centième anniversaire, un film documentaire lui rend sa place légitime dans l'art abstrait Américain.

Un Blanco y verde peint en 1966, acrylique sur toile 102 x 115 cm mettant en scène deux triangles horizontaux, a été vendu pour $ 2,65M incluant premium par Phillips le 15 novembre 2018 sur une estimation basse de $ 1M.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend une peinture 102 x 178 cm de la même série et de la même technique datée 1966-1967, lot 12 estimé $ 1,5M. Le triangle horizontal est complet. Il assure la jonction sur sa gauche avec un triangle ascendant et sur sa droite avec un triangle descendant.

17 févr. 2019

L'Enseignement du Cercle

Wassily Kandinsky réside comme Meister au Bauhaus de 1922 à 1933. Il enseigne à la fois les bases du design pour les débutants et les théories avancées. Créé en 1919 par Gropius, le Bauhaus s'est d'abord attaché à une synthèse entre l'art et l'artisanat pour une application à l'architecture. En accord avec les progrès de ce temps, la technique prend progressivement la place de l'artisanat.

Kandinsky est pendant toute sa carrière un théoricien à la recherche de l'art absolu. A l'époque du Blaue Reiter, la prédominance des couleurs et des lignes de force l'a mené à l'abstraction. Au Bauhaus il consolide ses théories par une analyse détaillée des formes élémentaires : le plan, la ligne droite, l'angle, le cercle, le demi-cercle.

Le cercle est la projection de la boule sur le plan. Ses multiples interprétations mystiques conviennent évidemment à la sensibilité ésotérique de l'artiste. Il est aussi l'élément de base de toute figuration astronomique. Il est vide ou rempli de n'importe quelle couleur, et peut chevaucher d'autres cercles pour simuler par exemple le chaos de la création du monde.

Avec le titre révélateur Vertiefte Regung signifiant impulsion approfondie, une huile sur toile 100 x 76 cm peinte en 1928 démontre l'effet dynamique des cercles. De diamètres variés, ils se juxtaposent et s'entrechoquent sur une surface noire aux bords complètement irréguliers soulignés d'un halo bleu.
Cette oeuvre a été utilisée comme ornement mural d'un salon des maîtres dans les nouveaux bâtiments du Bauhaus transféré à Dessau.

Vertiefte Regung a été vendue pour $ 6,4M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 13.

16 févr. 2019

Conservateur et Partenaire

Cherchant la liberté sexuelle, David Hockney arrive en Californie en 1964. La vie de débauche ne répond cependant pas à ses questions sur la communication à l'intérieur d'un couple.

Il réalise entre 1968 et 1977 des doubles portraits de très grand format, 214 x 305 cm. Il alterne les couples homosexuels et hétérosexuels et termine la série par ses propres parents, ce qui démontre bien que sa préoccupation n'est plus le sexe mais le dialogue. Les personnages sont le plus souvent identifiés dans le titre et sont très reconnaissables.

Invariablement les deux personnages sont éloignés l'un de l'autre avec des regards délibérément orthogonaux. Dans cette étrange intimité, le peintre est un invisible voyeur social.

Installé à nouveau à Londres en 1968, il ne néglige pas l'Amérique. Le Metropolitan Museum of Art de New York prépare une grande exposition qui dévoilera l'art Américain d'après-guerre au grand public. Le conservateur de cette importante opération culturelle est le très influent Henry Geldzahler.

Hockney arrive dans le salon de Geldzahler à Manhattan avec son carnet de croquis, son polaroid et sa grippe. De retour dans son atelier à Londres, il peint en 1969 'Henry Geldzahler and Christopher Scott'. Cet acrylique sur toile sera vendu par Christie's à Londres le 6 mars, lot 8. Le communiqué de presse du 17 décembre annonce une estimation au-delà de £ 30M.

Les deux hommes ne pourraient pas être plus dissemblables et pourtant leur vie en couple est durable. Robuste et sûr de lui-même, Geldzahler est confortablement assis au milieu d'un très beau canapé digne des plus grandes collections Art Déco. A droite, son jeune partenaire est debout, habillé d'un imperméable trop grand pour lui et aussi raide que le lampadaire. La scène est localisée par les gratte-ciel au-delà de la petite fenêtre.

15 févr. 2019

Guinness est bon pour Freud

La famille Guinness a construit une immense fortune avec laquelle plusieurs de ses membres ont joué et jouent encore un rôle important dans la société et la culture Irlandaise.

Oonagh Guinness est la plus jeune de trois soeurs, blondes aux yeux bleus surnommées les Golden Guinness Girls dans la société Britannique des années 1920. Elle est l'hôtesse de Luggala, une résidence de campagne de Wicklow dont elle fait un espace enchanteur pour les poètes, les musiciens et les artistes.

Lucian Freud visite Luggala avec sa première femme et tombe amoureux d'une cousine de l'hôtesse. ll épouse cette cousine, une très jolie femme-enfant.

Garech Browne est le fils aîné d'Oonagh. Freud entreprend son éducation culturelle, avec un grand succès. Browne continuera la tradition culturelle de sa mère. Ami de toutes les personnalités importantes du show business, il sera aussi une figure majeure de la renaissance et de la préservation de la musique traditionnelle Irlandaise.

Lucian est en dehors de toutes les tendances de la peinture moderne. Prétendant renouer avec une tradition de l'Egypte antique, il pratique déjà une interminable observation de ses modèles, à la recherche du réalisme au détriment de la beauté. L'utilisation de pinceaux très fins en poils de vison donne une précision sans précédent et une vérité psychologique à ses vues rapprochées de visages en très petits formats.

Le portrait de Garech par Lucian, huile sur toile 18 x 18 cm, a été peint en 1956 quand le garçon avait seize ans. Le visage est en introspection. Reconnaissant le rôle important de Lucian dans sa formation culturelle, Garech a conservé cette peinture à Luggala pendant toute sa vie. Elle est estimée £ 4,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 14. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.


Rêve sur un Tub

Pierre Bonnard est un rêveur. Très peu intéressé par les activités sociales, il exhibe dans son art les petits moments de sa vie intime. Il observe son environnement par des esquisses ou des photographies avant de réaliser ses peintures dans l'isolement de son atelier. Il confronte ensuite son imagination avec le sujet réel.

Son art n'est pas influencé par les tendances. Il n'est pas impressionniste dans sa technique et son univers n'est ni réaliste ni surréaliste. Le thème est dominé par une illusion traduite par des formes inattendues et une très large palette de couleurs dans une dominante pastel.

Marthe est son principal modèle depuis 1893. Elle construit son propre univers au côté du peintre sans dévoiler son vrai nom et son âge. Ils n'ont pas besoin des conventions sociales. En 1925 Pierre craint à juste titre qu'elle devienne jalouse et malade. Pour stabiliser leur relation, il l'épouse.

Vers 1910 Pierre photographie Marthe accroupie nue sur le tub, une éponge à la main. La tête penchée est dans l'ombre. La toilette est un bon prétexte pour la peinture du nu féminin. Il commence vers 1916 sa série de nus au tub.

Le 27 février à Londres, Christie's vend un Nu au tub, huile sur toile 130 x 81 cm peinte en 1924, lot 17 estimé £ 4M.

Considérée comme l'aboutissement ultime de ce thème, cette peinture montre une femme de rêve, debout de face sur le bassin. Par ses très longues jambes, elle est Marthe. Par son corps jeune et sculptural, elle n'est pas Marthe.

Elle est montrée dans un geste fugitif et intime, comme un instantané créé par l'imagination de l'artiste. Les deux mains un peu floues sont levées comme si elle mimait l'utilisation de l'éponge. Intime sans être érotique, elle est une vision de beauté. La tête est restée dans l'ombre.

14 févr. 2019

La Forêt Tachetée

Au début des années 1860, Monet, Bazille, Sisley et Renoir sont étudiants à l'Ecole des Beaux-Arts dans l'atelier de Gleyre. Pour échapper à l'académisme ils prennent leurs chevalets pour peindre en plein-air en forêt de Fontainebleau.

Loin du réalisme des peintres paysagistes de Barbizon, ils explorent des expressions nouvelles, et surtout de nouvelles utilisations des couleurs. L'ombre peut ne pas être noire, la neige peut ne pas être blanche. Le travail sur la texture apporte un effet de luminosité.

Après la guerre Franco-Prussienne dans laquelle ils perdent Bazille, les jeunes gens reprennent leurs expériences. Le dessin dans le style de Manet reste prépondérant pour le figuratif, tandis que les détails de la verdure se perdent dans une fragmentation brillamment colorée.

Le Salon est de plus en plus réticent face à cette tendance qui échappe au bon goût officiel. En décembre 1873 les trois amis rejoints par Pissarro, Degas et Prins créent une société coopérative pour trouver une clientèle. Pour leur première exposition l'année suivante, ils louent pour un mois l'atelier de Nadar. Avec entre autres Berthe Morisot, Cézanne, Guillaumin et Rouart, ils seront forcés d'accepter le sobriquet péjoratif d'Impressionnistes.

Le 27 février à Londres, Christie's vend une huile sur toile 65 x 54 cm peinte par Renoir, lot 8 estimé £ 7,5M.

Ce sous-bois est composé d'une texture multicolore tachetée d'ombres et de lumières et parsemée de quelques détails réalistes. L'effet de perspective est assuré par le chemin qui part tout droit vers l'infini, ponctué au loin par un minuscule personnage qui symbolise la place humaine dans l'immensité de la nature.

Dans le style typique des trois premières expositions Impressionnistes, cette oeuvre non datée a certainement été peinte entre 1874 et 1877. Elle a été localisée par Dauberville dans la forêt de Fontainebleau.

La Danseuse Fatiguée

De 1883 à 1885 Vincent van Gogh a son atelier dans la maison familiale à Nuenen. Ses portraits et scènes de paysans du Brabant n'intéressent personne. Ses relations sont délétères. Il comprend soudain que son génie auto-proclamé a besoin de prendre modèle sur les grands maîtres. Il découvre au Rijksmuseum d'Amsterdam l'utilisation de la couleur par Rembrandt et l'art du portrait par Hals.

Une fois n'est pas coutume : Vincent prend une bonne décision. A la fin novembre 1885 il vient s'établir à Anvers. ll visite avec frénésie le port, les cafés et les musées où il découvre les talents de Rubens.

Comme toujours les filles sont réticentes à poser pour lui. Avec un peu d'argent envoyé par Theo, il parvient à payer pour une séance de pose une danseuse d'un des principaux cafés-concerts d'Anvers.

Le visage expressif de la fille plait à l'artiste. Elle parle un peu : son métier de danseuse et d'accompagnatrice est fatigant et le champagne la rend triste. Vincent a maintenant tous les éléments pour apporter une profondeur psychologique à un portrait. Avec ce thème hautement apprécié, sa carrière va pouvoir démarrer.

Peint en décembre 1885 à Anvers, Portrait de femme au ruban rouge, profil gauche, huile sur toile 60 x 50 cm, est estimé £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 15. La bouche légèrement ouverte révèle la sensualité d'un chant mélancolique. La séance de pose a été brève et la technique est rapide et spontanée. L'image est partagée par Wikimedia.

Beaucoup d'oeuvres peintes par Vincent à Anvers et attestées par ses lettres à Theo ont disparu, probablement rapidement détruites. Vincent est à juste titre satisfait de son portrait de fille de cabaret qu'il offrira deux ans plus tard au très jeune Emile Bernard, sans doute par échange avec des scènes de bordel.

Le patron de la danseuse n'a pas aimé cette escapade et elle ne reverra pas l'artiste. Vincent n'a pas identifié son nom dans ses lettres à Theo : comme les paysans de Nuenen, elle était pour lui un type pictural, pas une personne. Comprenant qu'il vient de faire son entrée dans l'art moderne, Vincent arrive à Paris fin février 1886 avec l'envie de découvrir la peinture impressionniste.

Van Gogh - Bildnis einer Frau mit rotem Haarband

13 févr. 2019

Le Chemin des Vacances

Martial Caillebotte était un marchand de drap qui avait amassé une fortune considérable comme fournisseur des armées de Napoléon III. Ses fils n'avaient pas besoin de travailler pour gagner leur vie.

Gustave Caillebotte aimait l'aviron, la voile, la peinture, le jardin. En 1875 une peinture montrant des ouvriers est refusée par le Salon : le sujet ne peut pas plaire aux bourgeois. En réaction le jeune artiste entreprend de soutenir les Impressionnistes. Il sera même un garant indéfectible d'une certaine authenticité du premier style Impressionniste.

Gustave a du talent. Le dessin net de ses débuts fait place à un vrai coup de pinceau impressionniste. Dans des compositions hardies, il étudie les effets de plongée et de contre-plongée.

Il passe plusieurs étés près de Trouville, le village balnéaire qui offre ses plaisirs nautiques et son animation sociale estivale aux riches Parisiens hébergés dans des grands hôtels et d'opulentes villas.

Chemin montant, huile sur toile 100 x 125 cm peinte en 1881, a été vendue pour $ 6,7M incluant premium par Christie's le 4 novembre 2003. Elle est maintenant à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 28. L'image est partagée par Wikimedia.

Un homme et une femme sont vus de dos, à la limite entre l'ombre et un éclatant soleil d'été. Ils avancent lentement, au même niveau, sans se préoccuper l'un de l'autre. Ils ne sont pas reconnaissables, probablement pour protéger l'anonymat de la très jeune femme qui va partager dorénavant la vie de l'artiste. Les connaisseurs de l'ancien Trouville ont reconnu sur le côté gauche la Villa Italienne qui était longée par une sente en forte pente.

L'oeuvre est peinte dans la pleine maturité Impressionniste de Caillebotte, sans doute en atelier d'après des esquisses. Le chemin est aplani pour mieux s'ouvrir sur l'horizon boisé. L'équilibre des couleurs est soigneusement construit, avec le jaune du chapeau et le bleu de la robe et du ciel qui font écho au vert de la végétation tout en étant agrémentés des taches rouge-orangé des volets et de l'ombrelle.

G. Caillebotte - Chemin montant