26 avr. 2019

Le Président des Salons

La peinture académique était la reine incontestée des Salons où les avant-gardes étaient exclues et vilipendées. Tous les peintres ont besoin d'expositions publiques pour se faire connaître et pour vendre leur art. Ils créent des évènements parallèles : le Salon des Impressionnistes en 1874, le Salon des Indépendants en 1884. Le Salon officiel subit aussi une mutation. En 1881 Jules Ferry, ministre de l'Instruction publique et des Beaux arts, privatise son organisation.

William Bouguereau symbolise l'académisme français. Son dessin et ses couleurs sont impeccables. Les thèmes sont secondaires, simple prétextes pour montrer la beauté de jeunes adultes nus ou presque nus. Il devient en 1876 membre de l'Académie des Beaux-Arts, en 1881 président de la Section Peinture du nouveau Salon et en 1883 Président de la Société des Peintres, Sculpteurs, Architectes et Graveurs.

Monsieur le Président doit montrer l'exemple pour promouvoir sa conception artistique. Pour ses contributions personnelles au Salon, il peint désormais ses personnages en grandeur nature sur des toiles de 3 mètres de haut.

Le point culminant de cette tendance est La Jeunesse de Bacchus, huile sur toile 330 x 610 cm terminée en décembre 1883, datée 1884 et exposée au Salon de 1884. Cette frise met en scène trois groupes dansant au soleil tandis que Silène d'un côté et deux centaures jouant de la flute de l'autre côté restent dans l'ombre du bois. Bacchus est un enfant de quatre ans aux cheveux bouclés comme le petit-fils de l'artiste. Juché sur les épaules d'un homme, il domine la joyeuse bacchanale en brandissant une cymbale.

Après l'Exposition Universelle de 1889, Bouguereau refuse de vendre cette oeuvre. Elle attend dans son atelier Parisien une autre opportunité de soutenir son style de plus en plus périmé. Elle est estimée $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 38.

Je vous invite à regarder les deux vidéos partagées par Sotheby's. L'une d'elles montre la difficulté de sortir cette toile monumentale de l'atelier de l'artiste avec son cadre estimé à 600 Kg. L'image a été trouvée sur Wikimedia.





25 avr. 2019

Un Mangeur de Carotte

Jeff Koons a commencé sa carrière d'artiste en regroupant des moulages et des ready-mades dans des expositions en solo ou en groupe. En 1979 Inflatables assemble des fleurs en vinyle avec des miroirs. Il expose Equilibrium en 1983 et Luxury and Degradation incluant le train Jim Beam en 1986.

Avec Statuary en 1986 et Banality en 1988, Koons pousse le kitsch au rang d'un art majeur : son exploitation sans limite de la société de consommation est ultra-moderniste, dans la suite des objets ordinaires démesurément grandis par Oldenburg.

Statuary regroupe dix sculptures en acier inoxydable. La terrible banalité de cet ensemble est rompue par les deux plus hautes pièces en opposition totale de style : un buste de Louis XIV de 117 cm de haut et un lapin de 104 cm de haut. Avec ce Rabbit, Koons réalise une superbe promotion pour son propre art. L'antécédent le plus proche est son unique Bunny qui s'était glissé dans sa série précédente des fleurs gonflables.

Le nouveau lapin a des formes épurées, sans visage. Il apporte à l'emplacement de sa bouche une carotte dans laquelle certains visiteurs voient un symbole sexuel, une impression renforcée par l'information selon laquelle l'acier a été moulé sur une poupée gonflable. Les spectateurs satisfont leur propre ego en se contemplant dans la surface miroir du lapin. Les déclarations de l'artiste entretiennent complaisamment toutes ces ambiguïtés.

Après ce grand succès de son lapin, Koons comprend que d'autres figures ou jouets très stylisés et démesurément agrandis auront un impact considérable sur le public. Ses Celebrations, conçues à partir de 1994 avec des couleurs variées, offriront un effet de miroir similaire.

Rabbit a été édité en trois exemplaires plus une épreuve d'artiste. Le numéro 2/3 est estimé $ 50M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 15 B. L'épreuve d'artiste de Louis XIV a été vendue pour $ 10,8M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015.

Un Baby Breveté

En 1837 Samuel Colt fonde avec plusieurs actionnaires la Patent Arms Manufacturing Company pour exploiter son brevet de pistolet à cylindre tournant. L'usine est située à Paterson NJ.

La production commence avec des fusils et avec le modèle No. 1 de revolver. Le No. 1 utilisant le calibre 0.28 inches est le modèle de poche conçu pour l'auto-défense. Il est surnommé le Baby Paterson. Des modèles de plus gros calibres suivent peu après : No. 2 et No. 3 pour la ceinture et No. 5 pour l'étui.

Agé de seulement 23 ans, Colt est très en avance sur son temps pour ce qui concerne la production de chaîne avec des éléments interchangeables. Cela ne suffit pas. Les utilisateurs sont déroutés par le cinq coups. Ils n'apprécient pas qu'il faille démonter partiellement le canon pour recharger, ce qui empêche de faire cette opération à cheval. L'armée n'est pas intéressée.

La production est bien en place mais les ventes sont catastrophiques. Un bilan effectué en juillet 1839 établit que 490 No. 1 ont été assemblés mais seulement 128 ont été vendus. La faillite est inévitable malgré deux améliorations de dernière minute, le très attendu levier de chargement automatique et les épaulements arrondis. En décembre 1842 John Ehlers qui avait été l'actionnaire principal rachète le stock dans une vente aux enchères judiciaire et continue l'assemblage et la vente jusqu'à épuisement du stock.

Le 4 mai à Rock Island IL, RIAC vend un Colt No. 1 en état quasiment neuf avec sa boîte et ses accessoires, lot 1007 estimé $ 450K. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Ce Baby a gardé 98 % de son polissage bleu d'origine. Il a les épaulements arrondis mais n'a pas le levier de rechargement, ce qui permet de dater son assemblage en 1839 ou 1840. Le levier était si indispensable que beaucoup d'exemplaires assemblés ont été modifiés en usine. Les Colt Paterson restant dans leur configuration d'origine sont rares.

Un Baby de présentation ou d'exposition avec une crosse en nacre, une gravure d'usine et un canon extrêmement court a été vendu pour $ 410K incluant premium par RIAC le 25 avril 2015. Un Colt-Ehlers Improved No. 1 a été vendu pour $ 470K incluant premium par la même maison de ventes le 30 novembre 2018. Ces deux revolvers ont conservé leur bleu d'origine à 95 %.

24 avr. 2019

La Beauté d'Antinous

La pax romana n'est pas facile à maintenir. Hadrien sillonne son immense empire pour consolider les frontières. Philhellène convaincu, il joint à sa mission politique une tentative de régénérescence de la culture Grecque.

Hadrien part de Rome en 128 CE pour un tour de la Méditerranée orientale. En 130 il exhibe à ses côtés un jeune homme d'une beauté exemplaire qui a atteint le rang de favori. Né en Bithynie avec des racines Grecques, Antinous a à peine 20 ans. Il avait probablement été formé depuis plusieurs années pour faire partie de la suite personnelle de l'empereur. Sa biographie est limitée à deux anecdotes.

En Libye vers septembre 130, il participe à une chasse au lion au cours de laquelle il est sauvé par l'empereur lui-même. Pourtant Hadrien était malade depuis plusieurs années. Ce premier épisode héroïque pouvait faire comparer Antinous à Hercule.

Un mois plus tard, Antinous meurt en tombant dans le Nil pour une raison inconnue. Pour les Egyptiens superstitieux, son sort est comparable à celui d'Osiris. Sans attendre que le corps soit momifié, Hadrien élève son ami au rang de déité et fait multiplier les lieux de culte dans tout l'empire. L'hypothèse d'un sacrifice prémédité par l'empereur pour promouvoir ses ambitions philhellènes ne peut pas être écartée.

L'iconographie posthume d'Antinous est abondante avec une grande répétitivité du portrait et de la coiffure, répondant probablement à un modèle approuvé par l'empereur. Après la mort d'Hadrien en 138 CE, le culte perdure mais le renouvellement des images n'est plus utile aux courtisans flagorneurs.

La beauté d'Antinous continue aujourd'hui à susciter l'admiration. Un buste en marbre plus grand que nature avec le nez cassé a été vendu pour $ 24M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010 sur une estimation basse de $ 2M.

Les gemmes gravées ont une bien meilleure conservation que le marbre ou la monnaie. Le 29 avril à New York, Christie's vend une intaille de 3,4 cm de long en chalcédoine noire qui est considérée comme le plus beau portrait existant d'Antinous. La tête est complète mais les bords cassés ont été remplacés depuis un temps immémorial par un disque d'or. Ce bijou qui pouvait être utilisé comme un sceau est estimé $ 300K, lot 37.

Entre Moisson et Neige

La série des Meules peinte par Monet après la moisson 1890 n'a pas été préméditée. Les meules de foin sont installées dans les champs comme des sémaphores provisoires qui rompent la surface monotone dépourvue de ses plantes.

Monet aime ce thème qui est typique de la vie à la campagne sans nécessité d'y adjoindre des humains ou des oiseaux. Il commence par cinq paysages dans lesquels deux meules sont éloignées l'une de l'autre.

Selon la chronologie établie par Wildenstein, la sous-série suivante est composée de deux huiles sur toile 73 x 93 cm peintes pendant l'automne 1890. L'alignement de deux meules mène jusqu'aux grands arbres de l'horizon, à contre-jour dans les derniers rayons du soleil couchant. Pour la première fois le reste de l'image est minimisé. La prédominance de l'expression des couleurs sur le thème et la forme ouvre la voie à l'art moderne.

La seconde de ces images, W1273, va encore plus loin en réussissant à éviter les ombres portées des deux meules. Il ne reste plus que la lumière qui joue avec les contours des meules et des arbres et révèle les couleurs chatoyantes du champ. Elle a été datée 1891 par l'artiste, certainement par référence à l'année de la première exposition publique de la série, dans la galerie de Durand-Ruel.

W1273 sera vendue par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 8. Le communiqué de presse du 15 mars annonce une estimation au-delà de $ 55M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

La nature profonde d'un paysage ne peut plus être exprimée par un simple instantané. Dans cette série qui se termine en janvier 1891 et totalise 25 peintures, Monet a capté 25 moments de lumière d'une grande variété : matin, soir, plein soleil, neige, brume. Dans les dernières images la couleur vient également sublimer la perspective avec la réduction du thème à une seule meule. Prise également au crépuscule, W1290 a été vendu pour $ 81M incluant premium par Christie's le 16 novembre 2016.


23 avr. 2019

Un Masque pour la Réincarnation

Contre les dangers de la forêt humide, plusieurs groupes maintenaient des sociétés secrètes avec un double rôle : terroriser les malveillants et communiquer avec les ancêtres. Citons au Gabon le Ngil des Fang et au Mali l'ethnie Bambara.

Pour les Songye du Congo, cette activité est confiée aux Bifwebe. Ce mot est le pluriel de Kifwebe. L'homme Kifwebe porte un déguisement complet qui le transforme en une créature surpuissante. De son origine humaine, il garde la position debout. Il parle avec une étrange voix de fausset et pousse des rugissements de lion.

Les masques Bifwebe sont ornés d'un réseau de lignes ondulantes, qui n'imite pas le zèbre inconnu dans cette région mais plutôt une antilope. Le nez et la bouche ont des formes intimidantes qui évoquent le museau du crocodile et les épines du  porc-épic.

Des masques de femmes existent également, pour des utilisations différentes. Les Songye croient que c'est la réincarnation d'un ancêtre qui donne la vie au foetus. La femme Kifwebe porte le masque pour faciliter l'accueil de l'ancêtre dans son ventre, et aussi dans certaines applications du rite Lunaire.

Ces rares masques féminins n'ont pas la sévérité de leur contrepartie masculine. L'un d'eux, décrit avant 1930 dans la collection Walschot, est un chef d'oeuvre de l'art Africain par la vitalité des ondes du visage, d'un blanc pur de kaolin contrastant sur la peau sombre. Ce specimen a probablement inspiré directement Calder et les zèbres enlacés de Vasarely. Il sera vendu par Christie's à New York le 14 mai, lot 8.

22 avr. 2019

Bonnard à Grasse

Pierre Bonnard est un inlassable découvreur des campagnes de France, d'Europe et d'Afrique du Nord. Dès qu'il le peut, il s'établit avec Marthe dans une nouvelle villégiature pendant quelques semaines ou quelques mois. Initié en 1909 aux délices et aux couleurs du Midi, probablement par Manguin, il séjourne de janvier à mai 1912 dans une villa à Grasse.

Grasse est une des capitales mondiales de la parfumerie. La période choisie pour ces vacances est propice à la sensation d'une renaissance de la végétation Méditerranéenne.

Le 13 mai à New York, Christie's vend La Terrasse, huile sur toile 125 x 134 cm peinte à Grasse, lot 42A estimé $ 5M.

Cette grande image est typiquement post-Impressionniste. Les couleurs douces et variées sont entremêlées et souvent complémentaires, construisant des formes parfois indistinctes. La composition est divisée en deux parties. Le bas est intimiste : la terrasse ensoleillée est fermée par une balustrade interrompue par une haute arche. En haut, le paysage est à moitié caché derrière un épais bosquet de palmiers et d'orangers.

La Terrasse n'est pas une vue réaliste mais l'interprétation d'un moment ou d'une ambiance, qui immerge l'observateur jusqu'à imaginer qu'il a pris la place du peintre.

La vision des détails est mystérieuse. Le personnage au premier plan à droite est soit l'artiste soit Marthe. Deux petits chats déambulent. Le troisième chat sur un tabouret est raide comme une Bastet. Son énigme est résolue quand une observation plus attentive révèle à côté de son tabouret une tête de chien en plâtre.

La Rolex Stelline

Avec les références 6062 et 8171, Rolex se lance en 1950 dans les montres-bracelets de haute complication. La combinaison inclut un triple calendrier composé de deux guichets et d'une aiguille centrale, ainsi que les phases de la Lune. La principale différence entre les deux références est que la 6062 est une Oyster et que la 8171 n'est pas étanche.

Le 13 mai à Genève, Christie's vend une 6062 faite vers 1952 qui groupe deux caractéristiques désirables : le boîtier en or rose et le cadran stelline. Ce cadran est un des plus élégants avec les chiffres des heures remplacés par huit étoiles, trois flèches et une couronne. En superbe état, elle est estimée CHF 1M, lot 203.

Les 6062 stelline en très bon état obtiennent toujours de très hauts résultats. Les prix ci-dessous incluent le premium.

La Dark Star, ainsi nommée parce que l'oxydation naturelle de son cadran est intacte, a été vendue pour $ 1,57M par Christie's le 6 décembre 2018. Son boîtier est en or jaune.

Phillips a vendu pour CHF 1,26M une montre en or rose le 8 novembre 2015. Une rare et spectaculaire 6062 stelline à cadran laqué noir a été vendue pour CHF 900K par la même maison de ventes le 15 mai 2016.

Le cadran noir de la 6062 spécialement re-dessinée en 1952 pour Bao Dai est peut-être inspiré de la stelline, avec de vrais diamants remplaçant les étoiles. Cette montre a été vendue pour CHF 5,1M par Phillips le 13 mai 2017.

21 avr. 2019

Thérèse grandit

Les frères Klossowski grandissent dans une ambiance intellectuelle. Leur père est historien d'art. Leur mère, élève de Pierre Bonnard, devient après la première guerre mondiale l'amante de Rainer Maria Rilke. Gide encourage les deux garçons. Pierre cherchera à concilier le surréalisme et la pornographie. Balthasar deviendra Balthus.

En 1935 l'autoportrait de Balthus en roi des chats inaugure l'univers étrange de l'artiste. Le jeune homme apparaît comme normal excepté de trop longues jambes auxquelles un chat vient se frotter. Balthus laissera toujours l'observateur identifier la signification de son art. Le chat est venu pour un câlin, ou pour débarrasser sa fourrure de ses puces, ou pour aduler son roi autoproclamé.

L'année suivante l'artiste observe les enfants de ses voisins. Thérèse a 11 ans et Hubert deux ans de plus. La fillette arbore l'expression maussade de la pré-adolescence, cette phase pendant laquelle le corps est encore inachevé. De 1936 à 1939 Balthus réalise dix portraits de ce jeune modèle.

Les groupes d'influence contemporains ont vigoureusement protesté en 2017 contre l'érotisme de ces images d'enfants. Ils ont regardé les cuisses nues et la jupe parfois soulevée jusqu'à laisser entrevoir le sous-vêtement. La fillette effectue des contorsions qui conviennent à son âge. Si l'on met à l'index les portraits de Thérèse par Balthus il faut y joindre les danseuses de Degas. La perversité réside essentiellement dans la perception faite par l'observateur qui doit être protégé contre lui-même. Balthus avait vu juste.

Le 13 mai à New York, Christie's vend Thérèse sur une banquette, huile sur panneau 73 x 92 cm peinte en 1939, lot 8A estimé $ 12M.

Thérèse a encore à 14 ans son corps gracile d'enfant. Insouciante de sa propre attitude, elle est affalée sur la banquette, une main au sol et l'autre main levée pour faire balancer une ficelle. Elle regarde vers le bas. Une fois n'est pas coutume, une autre oeuvre peinte la même année fournit une information supplémentaire : un chaton saute pour attraper la balle qui pend à la ficelle.

Le Superbe Automne

L'arrivée de Vincent van Gogh en Provence marque le début d'une frénésie créative qui n'est interrompue que par ses crises de démence. Il cherche encore et toujours à varier ses thèmes et ses styles pour devenir le meilleur artiste du monde.

La Nuit étoilée, huile sur toile peinte en juin 1889 à l'asile de St-Rémy, est sans précédent dans l'histoire de l'art. Vincent a d'abord voulu peindre les couleurs de la nuit. Pour qu'elles soient bien visibles il a démesurément grossi la Lune et les étoiles qui sont devenus des tourbillons de couleurs.

La Nuit étoilée est aussi un paysage avec le village de St-Rémy et les Alpilles. Il est dominé par un arbre isolé flottant au premier plan, démesuré et asymétrique. Avec sa longévité et ses feuilles persistantes, le cyprès est le symbole de la vie éternelle et l'arbre des cimetières.

En octobre 1889 la nature offre une satisfaction à Vincent : l'automne est superbe. L'artiste peint les couleurs du jardin. Avec une texture constituée de lignes violentes, le coup de pinceau a intégré le style de la Nuit étoilée. Au premier plan deux ou trois troncs minces se tordent. La seule référence verticale dans cet univers qui bascule est le grand cyprès, au loin, avec la même asymétrie que l'arbre de la Nuit étoilée.

Parc de l'hôpital Saint-Paul, huile sur toile 67 x 52 cm, a été vendu pour £ 9M incluant premium par Christie's le 23 juin 2010.

Peinte avec des couleurs éclatantes, Arbres dans le jardin de l'asile, huile sur toile 42 x 34 cm, sera vendue au lot 15A par Christie's à New York le 13 mai. Le communiqué de presse du 27 mars annonce une estimation aux alentours de $ 25M.