22 mai 2019

La Lune Baoulé

Les nombreuses célébrations festives de l'ethnie Baoulé de Côte d'Ivoire ont donné lieu à la création de masques d'une grande variété, utilisés dans les danses et les processions. Ces masques ont considérablement influencé l'art Européen. En 1926 Man Ray juxtapose un masque noir avec le visage blanc de Kiki. En 1937 un masque de buffle inspire à Picasso le style graphique de Guernica.

Les Baoulé ont ainsi des masques rituels pour les cérémonies mystiques interdites aux femmes, des masques spécifiques pour les cérémonies funéraires et d'autres masques pour les processions de réjouissances.

Les processions sont ouvertes par le Soleil et la Lune, qui n'ont pas de signification mystique dans cette circonstance. Ils sont suivis par les masques d'animaux et d'humains. Les masques astraux sont des cercles parfaits qui peuvent être entourés d'une frise dentelée. Leur qualité artistique est variable.

Le 18 juin à Paris, Sotheby's vend au lot 23 un superbe masque-lune Baoulé, resté brillant après son polissage par une feuille abrasive. Pour conserver un aspect humain sans oblitérer la représentation astrale, le visage est réduit à ses caractéristiques essentielles dominées par un vaste front. Le contour du masque inclut une chevelure tressée ainsi qu'un ornement de trois triangles ajourés.

Ce masque n'a pas de frise dentelée, probablement cassée après usage. Le catalogue suppose que cette absence l'a rendu inutilisable et que la tribu a accepté pour cette raison de le céder à un explorateur.

21 mai 2019

Un Dragon Archaïque

A partir de la 6ème année de son règne correspondant à 1728 CE, l'empereur Yongzheng exerce un contrôle direct sur la production des porcelaines impériales. Sous la supervision du surintendant Tang Ying, la plupart des techniques traditionnelles sont re-démarrées et montées très rapidement à un nouveau niveau de perfection.

Le 5 juin à Beijing, Poly vend au lot 5552 un magnifique vase de 51 cm de haut avec un corps rond et un col épais, qui est un exploit technique sans aucun lien avec les nouvelles peintures à l'émail apportées par les étrangers.

Cette porcelaine associe sans défaut le bleu de cobalt sous glaçure et la glaçure rouge de cuivre qui pourtant requièrent un profil de mise à feu extrêmement dissimilaire. La recette a été perdue très vite et l'empereur Qianlong lui-même n'obtiendra pas de pièces comparables malgré son insistance auprès du même surintendant.

Le dragon rouge vif enveloppe son corps sinueux dans les nuées bleues, dans un contraste d'une superbe brillance. Le bleu est réalisé en plusieurs nuances, égalant la qualité des porcelaines Xuande des Ming. La glaçure devient invisible par-dessus le bleu et le blanc.

La gueule grande ouverte et les yeux exorbités du dragon expriment une grande fureur. Cet animal mythique n'a que trois griffes par patte et ne saurait être confondu avec un dragon impérial Qing.

Il est une copie des dragons dessinés sous la dynastie des Song du Sud par Chen Rong, démontrant ainsi l'attention portée par l'empereur Yongzheng à ce qu'il y avait de meilleur dans l'art graphique Chinois de toutes les époques. Des copies sur soie dans le même style ont été exécutées dans la même période.

Rappelons qu'un dessin 35 x 440 cm déroulant six dragons exécuté par Chen Rong en 1244 CE a été vendu pour $ 49M incluant premium par Christie's le 15 mars 2017.

Le Jardin Zen

Wu Guanzhong est l'artiste le plus complet de la période post-Maoïste. Résolument moderniste et inspiré à la fois par l'Est et l'Ouest, il rattrape le temps perdu pendant la Révolution culturelle en traitant tous les thèmes du réalisme à l'abstraction avec toutes les techniques graphiques.

Wu commence par une esquisse préliminaire qui lui permet de choisir entre l'huile sur toile et l'encre sur papier qu'il peint avec un geste impulsif. Recherchant les formes élémentaires qui constituent son sujet, il retravaille sa figuration et sa couleur jusqu'à un état ultime. Lion Grove Garden, encre et couleurs sur papier 144 x 297 cm peinte en 1988, est un exemple mené par l'artiste jusqu'à une abstraction presque complète.

La ville de Suzhou, à 100 Km de Shanghai, est célèbre pour ses jardins dont plusieurs ont été classés ensemble comme un World Heritage Site par l'UNESCO. Lion Grove a été créé par un moine Zen sous les Yuan et a été ainsi nommé pour la ressemblance d'un de ses rochers avec un lion couché. Le jardin est bordé par un bassin et inclut une grotte.

Wu est intéressé par ce site maintenu sans attributs religieux. Sa méditation apporte un réseau de lignes et des taches de couleurs variées, effaçant la topographie du rocher. Deux pavillons et un pont apparaissent à l'horizon. Des taches minuscules représentent les visiteurs dans les pavillons et les poissons dans le bassin.

Le tout ressemble à une immense falaise en bord de mer avec des bateaux. La forme a prédominé le thème, répondant aux conceptions les plus profondes de l'artiste. Ne cherchez pas le lion.

Lion Grove Garden a été vendu pour RMB 115M incluant premium par Poly le 3 juin 2011 et sera vendu le 2 juin à Beijing par China Guardian, lot 383.

19 mai 2019

Les Compagnons d'Amitabha

Amitabha est le Bouddha de la suprême béatitude, garant d'un monde parfait. Il est inatteignable par les humains. L'intercession est réalisée par des bodhisattvas. Les sculptures Bouddhistes antiques montrent souvent une triade centrée par Amitabha avec Avalokiteshvara à sa gauche et Mahasthamaprapta à sa droite. Ils sont parfois entourés d'anges célestes.

Les deux bodhisattvas apparaissent comme des jumeaux habillés à l'identique. Ils ont cependant des rôles différents. Avalokiteshvara apporte l'infinie compassion et Mahasthamaprapta le pouvoir de sagesse. La principale différence est l'ornement de la couronne frontale, une figure d'Amitabha pour Avalokiteshvara et l'urne de la sagesse pour Mahasthamaprapta. En Chine ils s'appellent respectivement Guanyin et Dashizhi.

Sculptée au début de la dynastie Tang, une paire de bodhisattvas en calcaire de 67 cm de haut a été séparée par Christie's le 13 septembre 2018, rapportant $ 3,25M et $ 2M incluant premium.

Le Bouddhisme est persécuté en Chine à partir du règne de l'empereur Wuzong de la dynastie Tang. L'époque des cinq brèves dynasties qui se succèdent de 907 à 960 CE après la chute des Tang reste pour le Bouddhisme une période de faiblesse avant son renouveau sous les Song. Les figures d'autel sont désormais en bois, moins onéreux que le bronze ou la pierre. La polychromie est encore appliquée.

Le 29 mai à Hong Kong, Christie's vend une paire de bodhisattvas en bois, lot 2713 estimé HK$ 40M. Ils sont debout dans une attitude identique en inversion miroir, pour flanquer un Amitabha qui a disparu. Ils sont hauts de 145 cm sans inclure les socles qui sont modernes. Des traces de pigments ont été conservés. Je vous invite à regarder la vidéo où les séquences alternent avec un Bouddha monumental des Qing.

Certains détails incluant la forme du collier sont typiques du début des Song. Une dérive par rapport au canon pendant la période obscure a allongé les jambes et légèrement rapetissé les têtes et les cous.

18 mai 2019

Meubles de Luxe avec Fabergé

Fabergé savait répondre à l'envie de raffinement extrême à la cour de Russie. Son premier oeuf de Pâques à surprise a été réalisé en 1885 pour un cadeau de l'empereur Alexandre III à son épouse Maria Feodorovna. L'impératrice est si enthousiaste qu'elle demande qu'un tel cadeau devienne une tradition.

Fabergé s'organise pour ce marché prestigieux. L'année suivante il nomme Michael Perchin comme chef d'atelier. Jusqu'à sa mort en 1903, Perchin réalise tous les oeufs impériaux. Il travaille aussi pour d'autres richissimes clients incluant la grande-duchesse Maria Pavlovna, belle-soeur de l'impératrice.

Maître de l'émail, Fabergé avait inventé 145 nouvelles couleurs. Ses meubles miniatures sont en or émaillé savamment incrusté de matières précieuses pour une exquise imitation des textures et des décorations des meubles d'origine.

Les trois exemples ci-dessous ont été réalisés par Perchin pour Fabergé à St Petersbourg entre 1899 et 1903. Ils sont inspirés par les styles français. Chacun d'entre eux est un modèle extrêmement rare sans pour autant être une pièce unique.

Une chaise à porteur de style Louis XVI de 9 cm de haut a été vendue pour £ 790K incluant premium par Christie's le 27 novembre 2017. Les portes sont ouvrantes. Les vitres sont en cristal de roche et la décoration intérieure est rehaussée de nacre.

Les deux autres exemples seront vendus par Sotheby's à Londres le 4 juin. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Haut de 5,7 cm, le fauteuil en gondole de style Empire est équipé d'un tiroir caché sous l'assise pour être utilisé en bonbonnière. Le dossier est ajouré en forme de lyre. Un émail rouge translucide guilloché imite le grain de l'acajou, et l'émail de l'assise imite la soie. Cette pièce qui avait appartenu à la grande-duchesse a été vendue pour $ 2,28M incluant premium par Sotheby's le 16 avril 2007 sur une estimation basse de $ 1M. Elle est maintenant estimée £ 800K, lot 256.

La table à entretoises de style Louis XVI haute de 8,9 cm offre une imitation similaire de l'acajou. Son plateau en néphrite polie imitant le cuir ouvre pour une utilisation en bonbonnière. Elle est estimée £ 800K, lot 257.

13 mai 2019

Poissons Rouges à New York

Louis Comfort Tiffany fonde en 1885 la Tiffany Glass Company pour produire des vitraux décoratifs. Les plaquettes de verre sont tenues en place dans un réseau métallique qui rappelle l'aspect des vitraux des cathédrales. Intéressé par toutes les techniques de création de verres colorés, il dépose en 1894 le Favrile glass, une technique qui lui permet une gamme illimitée de couleurs chatoyantes.

Le patron était également passionné par son jardin d'eau à Long Island et par les arts Asiatiques. Il s'amuse à essayer d'acclimater les poissons rouges en aquarium et dans son bassin.

Tiffany recommande à ses collaborateurs la création d'un art directement inspiré par la nature. Les positions élégantes et variées de ses poissons rouges nageant au milieu des plantes aquatiques sont cependant très similaires aux jarres Jiajing de la dynastie Ming.

L'Exposition Universelle de Paris en 1900 est une consécration pour Tiffany et son favrile. Un vitrail intitulé Fish at play y a été exposé.

Le 23 mai à New York, Sotheby's vend une lampe de table intitulée Fish and waves, lot 214 estimé $ 1M. Elle est décorée de neuf poissons rouges sur l'abat-jour et de trois poissons montant dans la vague sur la base de bronze. Cet abat-jour de 38 cm de diamètre en forme d'aquarium ovoïde est très rare dans la production de Tiffany.

La lampe est marquée du monogramme de la Tiffany Glass and Decorating Company, une appellation rendue périmée en 1902 quand la société est devenue le Tiffany Studios.

La base d'inspiration Japonisante était encore proposée au catalogue en 1906, sans doute associée avec un globe en verre soufflé. La lampe qui vient en ventes peut être considérée comme une pièce unique illustrant parfaitement l'ambition de Louis Comfort Tiffany d'être considéré comme un créateur d'art.

La Guerre est finie

Les jeunes Américains sont partis pour la guerre. Norman Rockwell anticipe la capitulation de l'Allemagne et prépare une illustration de couverture pour le Saturday Evening Post. Le 26 mai 1945, le journal publie The Homecoming. La seconde guerre mondiale s'est terminée en plein milieu du printemps mais peu de lecteurs remarqueront que l'arbre n'a pas de feuilles : l'attente de l'évènement a été trop longue.

Pour cette image, Rockwell exerce son talent pour les scènes de groupes importants, qui étaient notoirement difficiles à intégrer sur une page de couverture. Son chef d'oeuvre dans ce style, une scène de concours de forge avec plus de vingt personnages peinte en 1940, avait été publiée en double page centrale.

The Homecoming montre la joie exubérante et communicative de la famille, des voisins et du chien au retour d'un soldat. Rockwell aime montrer la vie et les émotions au village. Le soldat debout de dos est un prétexte à cette exubérance légitime. Peu importent ses exploits militaires, il est avant tout un homme aimé de tous au moment où son retour reconstruit sa famille. L'artiste n'a pas omis les Service flags qui symbolisent l'attente des familles.

L'huile sur toile 71 x 56 cm préparant The Homecoming est estimée $ 4,5M à vendre par Christie's à New York le 22 mai, lot 60.

Après ce moment d'émotion intense, la fin de la guerre reste un très bon thème pour ce magazine populaire. Le 13 octobre, l'illustration de couverture est une oeuvre de Rockwell avec un effet de groupe similaire, intitulé Homecoming Marine. Le héros raconte ses histoires à une audience de tous âges. L'huile sur toile 117 x 107 cm a été vendue pour $ 9,2M incluant premium par Sotheby's le 24 mai 2006.

12 mai 2019

Euphorie avec les Pastèques

Rufino Tamayo préfère les recherches formelles aux peintures narratives de ses contemporains Mexicains. Il met en pratique une théorie originale selon laquelle les variations autour d'une couleur unique sont plus expressives qu'une large gamme de couleurs.

La tranche de pastèque est pendant toute sa longue carrière le thème favori de ses natures mortes. La chair variant du rose au rouge est bordée de l'arc blanc de la peau. En tant que fruit non coupé et en tant qu'aliment, la pastèque ne l'intéresse pas.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Sandias, huile et poussière de marbre sur toile 124 x 181 cm peinte en 1980, lot 45 estimé $ 4M.

Cette oeuvre a été réalisée par Tamayo pour son usage personnel : elle est restée accrochée dans sa salle à manger jusqu'en 1989. Peinte alors qu'il venait d'avoir 80 ans, elle apparait un peu comme un testament artistique.

Huit tranches de pastèques sont inégalement arrangées sur une surface abstraite aux riches couleurs qui varient du mauve au violet avec plusieurs nuances de roses. Leur plan de pose est peut-être le plateau d'une coupe ou d'un guéridon, dans une perspective basculante qui évoque Cézanne via Matisse.

Une oeuvre intitulée Ofrenda de frutas peinte en 1987 dans la même technique, 140 x 175 cm, fournit sans doute la clé de l'effet euphorisant des tranches de pastèque sur Tamayo. Un personnage jovial porte un assortiment de fruits exotiques dans le fond d'un drap blanc. Le drap ainsi garni prend la forme d'une tranche de pastèque ou du sourire hilarant d'un clown. Cette peinture a été vendue pour $ 4,2M incluant premium par Sotheby's le 25 novembre 2014.

L'Art Universel de Torres-Garcia

Né à Montevideo, Joaquin Torres-Garcia vient dans l'hémisphère nord avec ses parents en 1891, à l'âge de 17 ans. Après avoir fait la plus grande partie de sa carrière à Barcelone, il revient en Uruguay en 1934. Artiste cosmopolite en relation étroite avec les avant-gardes de Paris, il cherche une expression universelle de l'art qui résulterait de toutes les cultures et de toutes les époques.

En 1903 il avait créé pour Gaudi des vitraux pour la cathédrale de Palma. L'art médiéval est bientôt rejoint par le cubisme de Picasso, qui est une autre façon de représenter l'espace sur une surface plane. Dans son engouement pour le rôle de la géométrie dans l'art, il ira même admirer à New York les structures verticales des gratte-ciel.

L'art abstrait de Mondrian ne lui suffit pas. Il se rapproche de l'idéalisme géométrique de van Doesburg et intègre dans ses conceptions le Dadaïsme et le constructivisme. Il trouve son style de peinture universelle en 1931 en insérant des pictogrammes de style naïf dans une construction, avec une palette de couleurs minimaliste.

Par exemple, Composition Nord positionne dans des cartouches les dessins naïfs d'un poisson, une échelle, une pendule, un coeur, un blason héraldique. Cette huile sur isorel 79 x 60 cm a été vendue pour $ 2,1M incluant premium par Christie's le 20 novembre 2015.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Construccion en blanco, également peinte en 1931, où l'illustration symbolique inclut deux poissons, une pendule, une plume, un porche de cathédrale, deux fantômes, deux visages pré-Colombiens, une femme. Cette huile sur lin 175 x 90 cm est estimée $ 3,5M, lot 43.

Ces inclusions symboliques dans un art abstrait apportent une lecture nouvelle de l'art tout en étant un chaînon entre Dada et Dubuffet.

11 mai 2019

Gens du Port

Elève de Robert Henri, George Bellows avait une forte sensibilité sociale. Petit-fils d'un capitaine baleinier, il était attiré par les ports et par les conditions de vie de la classe ouvrière. Egalement spécialiste des oeuvres graphiques sur les sports, il captait à la fois l'instant décisif d'un match de boxe et la foule aux couleurs bariolées des spectateurs du polo ou du tennis.

Peinte en 1912, l'huile sur toile 114 x 161 cm intitulée Men of the Docks montre des travailleurs journaliers attentant l'embauche sur le port de Brooklyn avec un immense bateau en arrière-plan. Ce chef d'oeuvre de l'art socialiste Américain a été acheté en vente privée en 2014 pour $ 25,5M par la National Gallery de Londres.

L'été, l'artiste trouvait une ambiance reposante dans le Maine. La guerre fait redémarrer les chantiers navals à Camden. Bellows est émerveillé par la construction d'un bateau de fret à quatre mats, employant une centaine de travailleurs. Il peint une série de scènes sur ce thème, incluant parfois les foules composites qui vaquent à leur vie de tous les jours. Ces peintures aux couleurs vives et variées apparaissent résolument optimistes, comme une contribution indirecte de Bellows au patriotisme de guerre.

Regardant vers la mer, Dock builders, huile sur toile 77 x 97 cm peinte en 1916, a été vendue pour $ 3,9M incluant premium par Sotheby's le 19 mai 2011.

Regardant au-delà de la foule vers le bateau colossal en construction dans sa cale sèche, Shipyard Society, huile sur panneau de même dimension également peinte en 1916, est estimée $ 4M à vendre par Christie's à New York le 22 mai, lot 34.