17 juin 2018

Les Cinq Travaux d'Hercule

Pietro Tacca avait les talents et la position nécessaires pour devenir un des meilleurs sculpteurs de tous les temps. Il n'a pas eu de chance. Elève puis assistant de Giambologna à Florence, il succède au maître en 1608. Dans le même temps le baroque succède au maniérisme.

Tacca conçoit des groupes dans des activités violentes ainsi que des monuments équestres, réalisés en bronze par assemblages d'éléments. Sa statue du roi Philippe IV d'Espagne sur un cheval cabré en équilibre sur les pattes arrière et la queue est un exploit technique sans précédent mais l'artiste meurt en 1640 juste avant l'installation de ce chef d'oeuvre.

En 1612 l'héritier du trône d'Angleterre est le prince Henry, âgé de 18 ans. Il communique au grand-duc de Toscane son intérêt pour les bronzes. Attiré par l'idée d'un support facile pour une nouvelle alliance, le grand-duc commande à Tacca des groupes illustrant les travaux d'Hercule.

Vers 1614 Tacca a réalisé cinq modèles mais le jeune prince est mort et le projet n'intéresse plus personne. Vingt ans plus tard il restait encore des arriérés de paiement.

Ce n'est pas Pietro mais son fils Ferdinando qui porte à la perfection l'art du bronze Florentin, avec une finition de surface qui simule de façon différenciée la peau, le cheveu, le textile, la fourrure, la roche, la plante. Les cinq travaux d'Hercule étaient restés inutilisés. Ferdinando réalise les premiers bronzes de cette série après la mort de son père. La sculpture est passée de mode. Dix ans plus tard Ferdinando devient machiniste de théâtre et architecte.

En 1681 le roi de France Louis XIV désire parachever l'éducation de son fils héritier le Grand Dauphin. Il constitue une collection de neuf bronzes à caractère humaniste incluant quatre des travaux d'Hercule réalisés dans les années 1640 par Ferdinando Tacca.

Sorti des collections royales pendant la Révolution Française, Hercule terrassant le taureau Acheloüs, 58 x 55 x 38 cm avec une belle patine brun-rougeâtre, a été vendu pour $ 1,65M par Sotheby's le 20 mai 1994. Il sera vendu par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 110. Le communiqué de presse du 16 avril annonce une estimation autour de £ 5M.

Amitié entre Florence et Dresde

L'Europe n'est pas une nouveauté. Florence et Dresde dépendent toutes deux du Saint-Empire Romain. L'électeur de Saxe aimerait avoir des ânes Italiens dans ses étables. La coopération qui s'établit entre les deux villes à partir de 1572 est l'équivalent d'un jumelage moderne. Florence est la capitale des arts, incluant des monuments et des sculptures grandioses. Dès 1577 Dresde a l'ambition d'être reconnue comme la Florence de l'Elbe.

L'électeur August de Saxe meurt en 1586. Florence prépare des cadeaux diplomatiques pour son successeur l'électeur Christian. Les présents incluent des chevaux et des bronzes.

Le grand-duc Francesco est un grand amateur du style Maniériste. Depuis 1583 l'Enlèvement des Sabines de Giambologna (Jean de Boulogne) est installé dans la Loggia dei Lanzi qui était et est restée la plus sensationnelle exposition permanente au monde pour des sculptures monumentales.

Le cadeau du grand-duc inclut trois bronzes par Giambologna, probablement choisis dans la collection ducale. Giambologna est au faîte de sa gloire au point que le grand-duc refuse qu'il quitte Florence. Il n'ira pas à Dresde mais ajoute un bronzetto à titre personnel. L'électeur l'en remercie par une chaîne en or. Les quatre bronzes figurent dès 1587 dans l'inventaire du Kunstkammer électoral.

Pour cette opération Giambologna a choisi le Dieu Mars. Le modèle avait été créé par d'autres artistes. Le style est résolument maniériste, opposant les gestes de grande autorité du dieu de la guerre à une nudité musclée. Aucun accessoire symbolique n'est nécessaire pour identifier le dieu. Ce thème n'est pas lié à la personnalité du nouvel électeur qui n'avait pas d'ambitions militaires.

Les opérations nécessaires à la réalisation d'un bronze étaient longues mais Giambologna a probablement créé ce Mars spécifiquement pour cette opération. La supériorité de l'artiste sur ses concurrents réside dans la qualité du ciselage et de la finition. La petite dimension inhabituelle pour l'artiste à cette époque est peut-être une volonté politique de ne pas concurrencer les oeuvres offertes par le grand-duc.

Ce bronze de 40 cm de haut monté sur un petit socle en bois est estimé £ 3M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 5. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

16 juin 2018

L'Erosion des Ancêtres

Les anciens Africains n'écrivaient pas. Les régions sèches ont préservé leur art, donnant une petite idée incomplète de la vie sociale et des croyances des humains dans les conditions primordiales.

Dans la forêt humide le bois pourrit. Pourtant quelques oeuvres du groupe ethnique Mbembe du Nigeria ont été préservées par un mécanisme proche de la fossilisation qui a affecté différemment les parties dures et tendres du bois. Ces figures ont ainsi atteint en trois ou quatre siècles une texture craquelée qui renforce l'impression d'une épave primordiale.

Cet art était inconnu en Europe en 1972 quand Hélène Kamer-Leloup achète une statuette à un marchand Malien. Elle obtient en tout par cette provenance onze pièces de cette culture qu'elle expose dans sa galerie à Paris en 1974.

Par chance l'existence d'une pièce complète conservée au Staatliche Museum à Berlin permet de connaître la configuration globale et l'utilisation de cet art. Il s'agit d'un tambour monumental en bois évidé. Flanqué de deux plates-formes latérales occupées respectivement par la statuette d'un guerrier et d'une mère, il mesure 3,30 m hors tout.

Dans le corpus de cet art Mbembe l'homme est agressif, parfois debout. La femme est assise au sol avec les genoux levés, avec ou sans un enfant sur ses genoux. L'attitude est fière ou peut-être orante, avec le menton légèrement relevé.

Une figure féminine de 75 cm de haut provenant de la collection Kamer-Leloup d'origine est estimée € 2M à vendre par Christie's à Paris le 27 juin, lot 72. Les membres sont manquants au-delà des coudes et des genoux mais la tête a conservé des détails morphologiques précis.

15 juin 2018

Le Partage des Aquarelles

Au retour de son voyage de tourisme en Suisse en 1841, Turner décide de proposer des aquarelles d'assez grand format qui seront des oeuvres uniques en alternative aux huiles sur toile. En quatre ans il réalisera ainsi 25 "finished" landscapes.

Au printemps 1842 son agent commercial Thomas Griffith organise à Londres la vente de dix oeuvres dont quatre seulement sont terminées. L'artiste a réalisé des esquisses pour un total de quinze sujets qui permettront aux clients d'apprécier à l'avance l'effet de l'oeuvre finale.

Griffith sélectionne quatre clients pour cette opération. Trois sont de grands collectionneurs d'art moderne. Le très jeune John Ruskin dont la réputation comme critique d'art est déjà établie est le quatrième. Il reconnaîtra plus tard avec justesse que cette série d'aquarelles est ce que Turner a fait de mieux dans toute sa carrière dans cette technique.

Le plus ancien collectionneur refuse l'invitation. Le plus motivé est Munro of Novar qui avait eu en 1836 l'honneur rare d'être accepté comme compagnon de voyage de Turner. Il part avec trois aquarelles finies et achète deux des futures oeuvres. Ruskin choisit aussi deux futures oeuvres.

L'autre client est l'armateur Bicknell qui avait acheté en 1841 la vue de la Giudecca. Cette huile sur toile 61 x 92 cm est le chef d'oeuvre des vues de Venise par Turner. Elle a été vendue pour $ 36M incluant premium par Christie's le 6 avril 2006.

Dans le partage des vues de Suisse, Bicknell prend le Rigi bleu, une des quatre aquarelles 30 x 45 cm immédiatement disponibles. Cette vue de la montagne en contre-jour à l'aube est un chef d'oeuvre de l'art pré-impressionniste avec la limpidité et la luminosité d'une aquarelle sur papier. Elle a été vendue pour £ 5,8M incluant premium par Christie's le 5 juin 2006.

Pour faire pendant à son Rigi parmi les aquarelles restant à réaliser, Bicknell choisit une vue du lac de Lucerne depuis Brunnen. Elle est estimée £ 1,2M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 209.

Après la livraison de la vue du lac à Bicknell, Turner donne son esquisse préparatoire à Griffith. Les esquisses n'étaient pas destinées au commerce. Turner gardera toutes les autres qui feront partie de son legs à Tate Britain. Cette aquarelle 25 x 31 cm du lac de Lucerne a été vendue pour $ 1,1M incluant premium par Christie's le 30 janvier 2018.

14 juin 2018

Transition Chippendale

Sorti en 1754 et étendu à 160 planches pour sa troisième et dernière édition en 1762, le "Director" de Thomas Chippendale est le recueil des plans conçus par lui pour fabriquer des meubles de luxe. Les clients peuvent s'adresser à l'auteur pour leurs ameublements et la concurrence peut s'en inspirer sans copyright. Chippendale apparaît ainsi comme le leader incontesté du nouveau mobilier de maison anglais. Le choix des styles est vaste, incluant Gothique, Chinois et rococo.

La très récente mode du néoclassicisme est inspirée en architecture par le néo-palladianisme et en mobilier par le style français appelé plus tard Transition Louis XV - Louis XVI. L'harmonie des proportions remplace la complexité des formes et des ornements. Les faces avant des commodes perdent leur galbe tandis qu'une attention nouvelle est portée à la splendeur des bois.

Succédant en 1765 à son père comme Baronet, Rowland Winn hérite d'une vaste demeure de style Palladien dans le Yorkshire. L'année suivante il achète une résidence à St. James's au coeur de Londres pour satisfaire les envies de sa femme pour une vie sociale brillante. Le baronet aime le style moderne pour lequel il fait appel à Robert Adam. Les relations d'Adam avec Chippendale sont excellentes depuis leur collaboration pour le mobilier Dundas.

Une commode néoclassique en acajou 89 x 159 x 59 cm ouvrant par deux portes est estimée £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 10. Elle était apparue dans la succession de Winn. En 1991 pendant la préparation d'une vente à Christie's, une facture datée 1769 de Chippendale à Winn avait fait surface, décrivant les transformations des tiroirs et casiers internes. Une date autour de 1766 est plausible pour la construction d'origine de ce meuble.

Cette pièce non signée est le chef d'oeuvre de Chippendale dans la catégorie des commodes néo-classiques, avec une façade rectilinéaire, des côtés latéraux concaves et une frise de grecques en ébène qui correspond bien à la nouvelle mode française.

Les seuls meubles directement comparables sont une paire de commodes réalisées environ dix ans plus tard, apparue en 1914 avec une histoire liée au duc de Wellington. Il est cependant intéressant de considérer également une commode en divers bois précieux à façade galbée, également non signée, vendue le 7 décembre 2010 par Sotheby's pour £ 3,8M incluant premium sur une estimation basse de £ 600K.

13 juin 2018

La Déesse Bleu Foncé

Artiste en résidence à Santiniketan, Tyeb Mehta y a trouvé ses sources. Ses personnages à la peau diaphane deviennent des réincarnations des déesses Hindoues dont la morphologie et les pouvoirs sont illimités.

La jeune Durga l'inspire. Peinte en 1984, une figure à deux têtes et quatre bras assise paisiblement à côté d'une tête de taureau coupée a été vendue pour INR 17,8 crores incluant premium par AstaGuru le 23 août 2017.

De retour à Mumbai il commence une nouvelle phase de sa carrière, intégrant progressivement par des couleurs vives l'extrême violence déployée pour vaincre le mal par les deux émanations de Parvati, Kali et Durga.

L'image de Kali à la peau bleue est reconnaissable par tout connaisseur de la mythologie Hindoue. Une huile sur toile 170 x 137 cm peinte en 1989 a été vendue pour INR 3,95 crores valant US$ 990K incluant premium par Saffronart le 7 juin 2007, un très haut prix pour cet artiste à cette époque. Elle est estimée US$ 3M valant INR 19,8 crores le 14 juin par la même maison de ventes en ligne depuis Mumbai, lot 33.

La déesse à la peau bleu de Prusse est debout dans une attitude d'extrême force physique, jambes écartées prêtes pour le combat. Un autre corps apparaît comme une victime vaincue tandis qu'une main d'un blanc pur atteint son ventre fertile, symbole de son rôle de renaissance après la destruction. Kali avait une telle force qu'elle piétina un jour le bon dieu Shiva. La langue pendante rouge écarlate exprime sa honte après cette maladresse.

Tyeb Mehta a peint très peu de figures de Kali dans cette attitude. Il préférera la bagarre épique de Durga avec le démon Mahishasura.

Le Grand Salon de Lord Dundas

Lawrence Dundas fait fortune dans la logistique de l'armée Britannique en Flandres pendant la guerre de Sept Ans. Il est nommé Baronet en 1762 sans attendre la fin de la guerre et est surnommé le Nabab du Nord, sans doute par allusion à son origine Ecossaise.

Le nouveau Lord achète et aménage plusieurs résidences somptueuses, donnant ainsi du travail à tous meilleurs architectes et ébénistes britanniques de son temps. Il ne refuse aucun style à condition qu'il soit luxueux et apprécie particulièrement l'architecture Palladienne et l'art décoratif des Gobelins.

Lord Dundas acquiert une résidence à Londres située très stratégiquement dans le quartier des affaires, dans Arlington Street. Pour agrandir cette maison à son goût il fait appel à l'architecte Robert Adam, grand connaisseur de l'architecture antique après un long séjour à Rome. Pour assurer la plus parfaite harmonie entre l'architecture et l'ameublement, il demande à Adam de dessiner les meubles.

Les dessins des sophas (selon l'orthographe du temps) et des chaises faits par Adam pour Dundas en juillet 1764 ont été conservés. La fabrication de ces sièges et de plusieurs autres pièces de mobilier est commandée à Thomas Chippendale. Les dessins de ces sièges sont proches d'une figure préparée en 1759 par Chippendale et incluse dans la troisième édition de son catalogue en 1762.

La suite de sièges réalisés par Chippendale en 1765 pour le grand salon d'Arlington Street est composée de deux paires de canapés et huit fauteuils sculptés dans un style foisonnant inspiré des bas-reliefs des sarcophages Romains avec sphinges et griffons. L'ensemble a été dissocié en 1934.

Les deux paires de sofas sont de largeur différente. Un exemple de 252 cm de large a été vendu pour £ 2,17M incluant premium par Christie's le 18 juin 2008. Il avait conservé des traces de sa dorure d'origine. Dans la même vente une paire de fauteuils a été vendue pour £ 2,3M incluant premium.

La paire de sofas de 218 cm a été dissociée en 1997. Ces deux sièges sont estimés £ 2M chacun à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 15 et lot 16. Ils sont discutés par Christie's dans la vidéo partagée et commentée par Antiques Trade Gazette.

12 juin 2018

La Nouvelle Andromède

Depuis la mort de Francis Bacon, Lucian Freud était le plus important artiste Britannique vivant. Ce rôle semble difficile à jouer. Il utilise avec motivation pendant plusieurs années l'accès permanent à la National Gallery qui lui est offert par la direction pour réexaminer l'art ancien.

En 2002 la Tate Gallery organise une grande rétrospective de son oeuvre, en neuf salles organisées selon la chronologie des oeuvres. La conclusion de ce parcours est la déclaration de Freud sur le nu. Il assimile le vêtement à une façade qui cache les instincts et les désirs. Il veut voir ses modèles aussi physiquement à l'aise que des animaux.

Les liens sont étroits également avec la Wallace Collection qui souhaite organiser une exposition consacrée aux oeuvres récentes de Lucian Freud. Ce musée possède un des plus beaux nus féminins de Titian, le Persée et Andromède. Les nus de Freud devront être à la hauteur. Il cherche son Andromède.

Il trouve Sophie, qui travaille pour Tate Publishing. Elle est grande et mince avec de longues jambes. L'Andromède de Titien est debout avec un des bras levé pour l'ancrage au rocher. Freud sait que ses nus couchés sont typiques dans son art. Il pose Sophie sur le lit avec un bras levé, dans une totale nudité.

Portrait on a white cover, huile sur toile 117 x 143 cm, est peint par Freud en 2002-2003 et sera exposé à la Wallace Collection en mai 2004. Cette oeuvre est estimée £ 17M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 6.

Avec ses amis, le vieil artiste savait encore mettre le nu en confiance, notamment par son célèbre bavardage. Julie et Martin, peint en 2001, est un bon exemple, vendu pour $ 17M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014. Avec Sophie, choisie par Freud pour son corps d'Andromède, cela ne se passe pas aussi bien. Le nu dormant du Portrait on a white cover a les doigts crispés aux deux mains et l'artiste obsédé par le réalisme ne les a pas assouplis.

11 juin 2018

Bouche d'Or des Chrétiens

Jean apprend la rhétorique et la culture grecque à Antioche avec le maître païen Libanius. Une période d'ascèse extrême met fin aux péchés de sa jeunesse qui étaient inacceptables, incluant le théâtre, l'éloquence profane et la gastronomie.

Ordonné prêtre en 386 CE, Jean clame ses homélies à la cathédrale d'Antioche. Il commente la Bible pour fustiger les riches et susciter les charités, et méprise les moines qui s'isolent plutôt que de se confronter aux réalités de la vie. Auteur imaginatif et fécond, orateur convaincant et adversaire permanent de toutes les corruptions, il est surnommé Chrysostome qui signifie Bouche d'Or.

Nommé archevêque de Constantinople en 397 il est désormais à contre-emploi. Par exemple il ne sait pas exploiter avec diplomatie une véritable victoire morale contre l'impératrice et continue à la comparer à Herodiade et Jezabel.

Ses sources préférées pour pourfendre les péchés et les abus et pour convertir les païens sont la Genèse, les Psaumes, les Evangiles de Matthieu et Jean et les Actes des Apôtres. Ses textes exemplaires ont été recueillis par son audience et retranscrits pieusement par les moines du Moyen-Age.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend un recueil manuscrit en grec de 44 homélies de St Jean Chrysostome sur l'Evangile de St Matthieu, lot 8 estimé £ 200K. L'analyse paléographique indique que cette copie a été réalisée à Constantinople à la fin du IXème siècle.

Ce livre 30 x 21 cm démontre le style très spécifique de Jean Chrysostome. Les citations directes de l'Evangile sont écrites en lettres majuscules pour bien séparer ces textes de leurs commentaires par l'orateur contre le matérialisme des riches.

Profil Immatériel

Yves Klein est le premier artiste du vide. Il atteint son but suprême en 1959 avec sa salle vide peinte en blanc dans la galerie d'Iris Clert. Il a créé une oeuvre d'art au-delà du visible. Son utilisation préférentielle de l'IKB (Yves Klein Blue) à partir de 1956 anticipait ce résultat. Le bleu est la couleur des éléments intangibles ou impalpables comme le ciel et la mer.

Yves avait besoin de la présence de jeunes femmes autour de lui pour créer ses monochromes. Le vide ne convient pas à ces demoiselles. De retour à l'atelier, elles enduisent leur corps nu d'IKB pour laisser leurs traces sur des papiers ou des toiles. Cette représentation immatérielle du corps humain plait à Yves qui organise des happenings. Ainsi ont commencé les Anthropométries (ANT).

L'artiste ne s'arrête pas à l'immatériel, il lui reste à simuler l'univers. Les éponges, le feu et les anthropométries sont les éléments qui lui permettront de visualiser sa métaphysique.

Le contact du corps avec le support peut être statique ou mouvant. Un ou plusieurs modèles peuvent participer. Bien que le détail de création ne soit pas connu, le Buffle réalisé en 1960/1961 est probablement le résultat de frottement par au moins deux femmes. Cet opus ANT 93 a été vendu pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2010.

Au début de 1962 Yves Klein tente une expression figurative avec ses modèles réduits de chefs d'oeuvres de la sculpture entièrement peints dans son très reconnaissable IKB. Il continue ses expériences avec les autres techniques.

Réalisée en 1962, ANT 5 est une Anthropométrie réalisée sur un carton préalablement carbonisé. La femme n'est plus un pinceau bleu. Son corps sert d'épargne au moment de la pulvérisation de l'IKB. Le résultat est une vraie image de femme nue vue de profil encadrée dans son ombre bleue. Elle est comme en lévitation. La position des jambes montre qu'elle était couchée sur le carton posé à plat pendant la pulvérisation. Un peu de bleu a glissé sous l'amincissement de la taille.

Cette oeuvre montée sur un panneau de bois 118 x 78 cm a été vendue pour £ 4,1M incluant premium par Christie's le 11 février 2010. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 5.