20 mars 2019

Alice d'En-Bas

Au début des années 1950, Charles Blackman cherche un thème surréaliste. Il peint des scènes souvent morbides de Schoolgirls et Schoolboys dans les tristes occupations de leur enfance.

Sa femme Barbara est une grande lectrice malgré une cécité presque complète. En 1956 elle emprunte un exemplaire d'Alice in Wonderland. Charles est séduit par cette histoire extravagante. De plus, dans sa chute, Alice pense qu'elle est en route pour down under.

Charles commence aussitôt à peindre une série de scènes inspirées des péripéties d'Alice in Wonderland, comme son ami Sidney Nolan faisait avec le bushranger Ned Kelly. L'année suivante, Arthur Boyd prendra comme thème le mariage interdit des half castes.

L'Alice de Blackman est une petite fille au regard hagard et aux yeux cernés, même pas intéressée par les variations d'échelle des meubles et des objets. Le lapin morose est un témoin de l'action, à laquelle il daigne parfois participer.

Les trois exemples ci-dessous ont été peints à la tempera et huile sur panneau en 1956.

The Game of Chess, 107 x 122 cm, a été vendu pour AUD 1,8M incluant premium par Sotheby's Australia le 23 novembre 2016. Mad Hatter's tea party, 105 x 121 cm, a été vendu pour AUD 1,9M incluant premium par la même maison de ventes le 21 novembre 2017. Alice on the table, 121 x 112 cm, est estimé AUD 1,5M à vendre le 10 avril à Sydney par Deutscher and Hackett, lot 9.

19 mars 2019

Femmes Dévoilées

Helmut Newton est un photographe de mode, proche d'Yves Saint-Laurent et de Karl Lagerfeld. Travaillant pour Vogue, Playboy, Spiegel et Stern, il cherche l'érotisme au-delà du charme. Il publie ses deux premiers livres à New York. White Women, en 1976, confronte le nu et l'habillé. Sleepless nights, en 1978, en partie photographié dans les rues de Paris, ajoute le mystère du mannequin de cire et la couleur.

Une étape supplémentaire est atteinte à partir de 1980 avec la découverte par l'artiste de la force expressive des très grands formats appliqués en noir et blanc à des nus féminins sculpturaux. Les chaussures à haut talon portées par les femmes nues apportent un effet de puissance et de domination démontrant l'achèvement de la révolution sexuelle. Le troisième livre de l'artiste, Big Nudes, publié à Paris en 1981, est un recueil de ces images.

Big Nudes inclut un diptyque intitulé Sie kommen. Dans le studio sans décoration, quatre femmes avancent comme dans un défilé de mode. Elles ont la même position frontale et la même attitude sur les deux photos. A gauche elles sont élégamment habillées. A droite elles sont nues sur leurs hauts talons.

Dans le plus grand format sur lequel les quatre femmes sont en grandeur nature, chaque photo du diptyque est séparée en deux éléments. Un ensemble de quatre panneaux d'exposition 193 x 99 cm chacun numéroté II/III et annoté en 1995 pour la Biennale de Venise a été vendu pour $ 660K incluant premium par Christie's le 16 décembre 2008.

Dans un format similaire, un groupe de quatre tirages non montés numérotés 1/3 est estimé $ 600K à vendre par Phillips à New York le 4 avril, lot 85.

Un diptyque Sie kommen en deux éléments 106 x 106 cm, sans la séparation centrale de chaque image, a été vendu pour $ 670K incluant premium par Sotheby's le 3 avril 2016.

18 mars 2019

Vapeur pour l'Oeuf

Au tournant du XXème siècle, les mécaniciens sont bien excités : l'automobile permet les transports à volonté, contrairement au rail. Trois technologies s'affrontent : le moteur à allumage qui utilise un carburant, le moteur électrique et le moteur à vapeur.

Le moteur électrique prend tout de suite l'avantage : les records de vitesse sont alternativement améliorés par Jenatzy sur des voitures de sa conception et par Chasseloup-Laubat sur Jeantaud.

Les frères Serpollet sont spécialistes du moteur à vapeur avec lesquels ils fabriquent et vendent des tricycles automobiles dès 1888. Brevetée par Léon Serpollet en 1888 et en 1896, la vaporisation instantanée permet à cette technologie de devenir opérationnelle pour les automobiles. En 1898 il intéresse un riche Américain avec qui il fonde la société Gardner-Serpollet et commence la production de la marque en 1900.

En 1902 une Gardner-Serpollet conduite par Léon Serpollet est la première automobile à vapeur à battre le record de vitesse, atteignant 120 km/h au kilomètre lancé, 15 km/h de mieux que le précédent record par Jenatzy. Tout comme la Jamais Contente en forme d'obus de Jenatzy, l'Oeuf de Pâques de Serpollet a une carrosserie minimaliste.

La même année Gardner-Serpollet pousse ses avantages sur sa production industrielle en promouvant l'absence de bruit, d'odeur et de vibrations.

Le 23 mars à Fontainebleau, Osenat vend une Gardner-Serpollet Type F de 1902, lot 112 estimé € 200K. La vidéo présentant ce lot est intégrée dans le tweet ci-dessous. Dans la même vente, le lot 113 estimé € 60K est une réplique récente de L'Oeuf de Pâques.

16 mars 2019

Simple Trahison

En 1921 le jeune René Magritte est embauché comme dessinateur dans une usine de papiers peints à Bruxelles. Il fréquente les milieux littéraires surréalistes et dadaïstes et voudrait prendre son indépendance comme illustrateur publicitaire.

Attentif aux avant-gardes artistiques, Magritte est subjugué en 1923 par une image du Chant d'amour, oeuvre surréaliste peinte en 1914 par De Chirico. Les objets ordinaires constituent un univers poétique si leur positionnement est absurde.

Le 29 mars à Paris, Sotheby's vend La salle d'armes, huile et peinture industrielle sur toile de jute 78 x 63 cm peinte par Magritte en 1925 ou 1926, lot 411 estimé € 700K.

La salle proprement dite est l'intérieur d'un cube allongé, parfaitement symétrique, avec des lignes de perspective parfaites. La seule décoration est la grande cible en quatre cercles concentriques sur le mur du fond. Le seul ameublement est une table basse. L'inspection aux rayons X révèle que La salle d'armes a été peinte par-dessus une abstraction géométrique, un style qui désormais ne convient plus à sa fantaisie.

Aucune arme n'est visible mais une assiette de figues a été posée sur la table. L'absurdité est très simplement assurée par un buste de femme qui est suspendu au plafond tête en bas et dont le socle déborde sur la bande haute du faux cadre. Dans l'univers surréaliste de De Chirico, le buste en marbre symbolisait l'actualité de l'antiquité.

Dès 1926 Magritte observe qu'une image d'un objet reste une image et n'est pas l'objet. Il commence à confronter le dessin de sa pipe avec le mot 'pipe' ou avec une abstraction. En 1929 La trahison des images est un manifeste artistique d'une sublime simplicité, en seulement six mots : "Ceci n'est pas une pipe."

Dans la même période Miro aussi comprenait que la nouvelle dimension poétique de l'art moderne était un travail personnel qui ne pouvait pas s'attacher à un mouvement et encore moins à une affiliation politique.

L'image du tweet ci-dessous est tronquée, apportant à l'oeuvre une banalité qui aurait amusé Magritte.

15 mars 2019

La Bête de Jade

La plaque de jade est utilisé en Chine depuis l'époque néolithique. Elle est perforée pour être utilisée en pendentif, en collier ou en ornement de ceinture. Des figurations zoomorphes reconnaissables apparaissent il y a plus de 5000 ans : poisson, tortue, oiseau.

Sous les Shang et les Zhou, les plaques de plus en plus élégantes en jade poli peuvent prendre la forme de bêtes indomptables : tigre, rhinocéros, dragon. Utilisées comme ornements pectoraux, elles sont un signe de la puissance du porteur et l'accompagnent dans la tombe. Cette pratique perdure sous les Han.

Parmi les pièces zoomorphes, la forme allongée 'tiger plaque' est assez courante. Le détail du détourage est une adaptation de l'artiste à la forme du galet, tout comme les peintres pariétaux utilisaient les aspérités des parois des grottes pour concevoir leur figuration.

Le 3 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une plaque en jade jaune ciselée en faible relief sur ses deux côtés, lot 3620 estimé HK$ 25M. Elle mesure 22 cm de long, ce qui est une dimension extrême pour une utilisation pectorale. Elle a été réalisée dans la période finale des Zhou de l'Est chevauchant la période des Royaumes Combattants, il y a environ 2300 ans.

La bête couchée n'est pas identifiable : l'artiste a volontairement créé un hybride aux formes musclées, avec la silhouette massive d'un rhinocéros, la peau à pustules d'un dragon, le large museau d'un ruminant et une longue corne sur le front. Les parties lisses des épaules et des hanches sont illustrées respectivement d'un oiseau et d'un dragon aux élégantes ondulations. Le bord de la plaque porte une inscription en deux caractères qui n'a pas été déchiffrée.

Bonjour Monsieur Pissarro

Installé dans la vallée de l'Oise, Camille Pissarro est un meneur du mouvement impressionniste, attentif à déceler et développer de nouveaux talents. Il aime peindre côte à côte avec ses amis, ce qui devrait être une bonne pratique pour renforcer les relations mais aboutira à la catastrophe entre Van Gogh et Gauguin. C'est Pissarro qui enseigne à Cézanne la peinture en plein air.

Paul Gauguin est un agent de change. Il collectionne l'art impressionniste et commence à peindre. Il est très bien accueilli par Pissarro chez qui il fait à partir de 1879 des séjours prolongés qui le captivent beaucoup plus que son métier. Il expose ses oeuvres à partir de la même année avec le groupe impressionniste.

Le 29 mars à Paris, Sotheby's vend une huile sur toile 66 x 54 cm peinte par Gauguin en 1881 dans le style impressionniste, lot 404 estimé € 600K. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le thème de cette oeuvre est la petite maison où Pissarro vient d'emménager à Pontoise, vue du jardin. Au premier plan un grand parasol rappelle comment Pissarro aimait s'installer pour peindre en plein air.

Le dos de la toile est peint de deux autoportraits dans des attitudes différentes, dans le style de ressemblance sans complaisance précédemment pratiqué par Pissarro, Cézanne et Guillaumin. Ils sont les plus anciens autoportraits connus de Paul Gauguin, certainement exécutés à la même époque que le recto.

Cette conjonction voulue par Gauguin du parasol symbolique et de son propre visage est un témoignage de son amitié à cette époque pour son maître.



14 mars 2019

Le Sous-Sol du Botswana

Le Botswana fournit des diamants parfaits capables d'égaler les meilleurs diamants de l'histoire. De tels diamants sont chimiquement purs de type IIa et leur absence de couleur est identifiée comme couleur D. Les autres critères sont leur poids en carats, leur clarté sans défaut et la qualité de la coupe, du polissage et de la symétrie. Quand les autres caractéristiques sont similaires, les plus gros diamants atteignent un plus haut prix au carat.

Le plus resplendissant est le brillant rond. Cette coupe est rarement pratiquée sur les grosses gemmes parce que la forme parfaite est obtenue aux dépens d'une perte de matière. Un ovale à facettes parfaites permet d'approcher la qualité d'un diamant rond. D'autres formes allongées, poire ou émeraude, offrent des résultats très satisfaisants.

En 2018 Sotheby's Diamonds a vendu en vente privée un merveilleux diamant rond pesant 102,34 carats, extrait d'une pierre brute de 425 carats minée par De Beers au Botswana. Le prix de la transaction n'a pas été dévoilé.

Le 15 mai 2013, Christie's a vendu pour CHF 26M incluant premium un diamant poire de 101,73 carats obtenu sur une gemme de 236 carats extraite à Jwaneng au Botswana, une mine possédée en partenariat par De Beers et par le gouvernement du Botswana..

Le 2 avril à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1801 un diamant ovale de 88,22 carats. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Le rapport accompagnant sa certification par le GIA inclut un rare commentaire très élogieux : 'Though its GIA Grading Report reveals a thorough description of its characteristics, it cannot quite capture its splendor - one must see the gem to comprehend its magnificence."

Ce diamant provient d'une pierre brute de 242 carats également extraite à Jwaneng. Son estimation basse, HK$ 88M, imite son poids en carats en utilisant le double 8 qui est en Chine une homophonie avec un augure de joie et de richesse. Ce montant hors frais correspond à US$ 127K au carat.

Un diamant ovale pesant 118,28 carats provenant d'une pierre brute de 299 carats découverte en 2011 en Afrique du Sud a été vendu pour HK$ 240M incluant premium par Sotheby's le 7 octobre 2013, correspondant à US$ 260K incluant premium par carat.

13 mars 2019

Blanc sans Fin par Yayoi Kusama

Yayoi Kusama arrive à New York City en juin 1958, apportant avec elles ses obsessions et ses délires hallucinogènes. Elle n'est rien d'autre qu'un petit point insignifiant dans l'infini de l'humanité mais elle aimerait bien que ce point devienne très visible.

En 1959 elle couvre ses toiles avec un réseau de points de peinture blanche régulièrement espacés, dans un geste minimaliste qu'elle reproduit sans autre modification que des variations d'épaisseur.

Ce travail n'est jamais terminé. Elle est capable de l'effectuer sans s'arrêter pendant quarante ou cinquante heures, assouvissant son corps et son subconscient dans cette tâche répétitive. Chacun de ces points identiques a été à un moment donné le résultat de sa création. Quand une toile est entièrement couverte de sa prolifération blanche, elle en commence une autre qui pourra être vue dans son prolongement.

Elle atteint son but d'étonner le milieu artistique New Yorkais. Son art est l'opposé de toutes les tendances : il n'offre pas l'effet global de l'expressionnisme abstrait, ni l'amplitude gestuelle de l'action painting, ni la nouvelle figuration du pop art. Son blanc monochrome n'est pas un signe de pureté mais une provocation. Donald Judd est émerveillé.

No. 2, 183 x 274 cm, qui a appartenu à Judd, a été vendu pour $ 5,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2008. Interminable net # 3, 133 x 125 cm, a été vendu pour $ 5,9M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015. Interminable net # 4, 144 x 109 cm, est estimé HK$ 50M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 1er avril, lot 1144.

L'acte créatif est une thérapie temporaire qui ne résout pas sa hantise du sexe. Voulant y faire face comme avait fait Dali trente ans auparavant, elle terminera sa période New Yorkaise dans l'exhibitionnisme et la pornographie.

12 mars 2019

Le Temps des Oracles

Né dans une très ancienne famille Chinoise, le père de Zao Wou-Ki était un grand connaisseur d'art et de calligraphie. Possédant une peinture par Mi Fu, il avait également été un des tout premiers collectionneurs des Oracle bones juste après leur caractérisation comme une forme primordiale d'écriture.

En France dans les années 1950, Zao renonce rapidement à l'art figuratif pour exprimer les sentiments, la nature et les saisons par des harmonies de couleurs. L'originalité de son art par comparaison avec les expressionnistes est d'appliquer à l'huile sur toile les techniques et les mouvements du poignet de la calligraphie Chinoise.

Autour de 1956 Zao surcharge régulièrement ses couleurs avec une pseudo-écriture, le plus souvent sans lien avec les pictogrammes antiques ou modernes, adjoignant ainsi une dimension de mystère à ses expressions des forces de la nature et de la création de l'univers. Ces peintures sont identifiées comme la série des Oracle Bones.

Sa visite aux Etats-Unis en 1957 après sa rupture avec sa femme n'interrompt pas cette tendance mais accroit considérablement sa notoriété internationale. Après sa rencontre avec les peintres abstraits Américains, il comprend qu'une oeuvre d'art n'a pas besoin de titre pour transmettre un sentiment.

Les Oracle Bones peints en 1958 offrent une grande diversité d'expression. Une peinture 130 x 162 cm montre une violente explosion de couleurs intenses ainsi qu'une transformation de la proto-écriture en un jet de cendres. Elle a été vendue pour RMB 90M incluant premium par Sotheby's le 1er décembre 2013.

L'huile sur toile 114 x 163 cm peinte la même année, à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 31 mars, apparaît comme une antithèse de l'exemple ci-dessus. La douceur du fond peint en blanc crème rehaussé de brun clair et de vert de jade apporte une ambiance paisible accentuée par la finesse calligraphique de la large pseudo-écriture centrale.

Cette oeuvre est estimée HK$ 60M, lot 1026. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


11 mars 2019

La Montagne des Maréchaux

Zhang Daqian a fui la Chine communiste. Dans son jardin des Huit Vertus près de Sao Paulo, il développe un art inspiré à la fois par l'expressionnisme et par l'art graphique traditionnel Chinois. Il voyage et expose beaucoup pendant toute cette période. En 1968 il est nommé docteur honoraire par un collège de Taiwan.

En 1968 également, Zhang quitte le Brésil pour s'installer en Californie où il rencontre d'autres exilés, dont la fille de Zhang Xueliang avec son mari.

Succédant en 1928 à son père Zhang Zuolin assassiné par les Japonais, Zhang Xueliang avait été un des plus puissants seigneurs de la guerre, opérant depuis la Mandchourie et surnommé le Jeune Maréchal. Assigné à résidence depuis 1936 pour avoir temporairement amené Chiang Kai-shek à négocier avec les communistes contre les Japonais, il avait été forcé de suivre en 1949 l'exil du Kuomintang à Taiwan.

Zhang Zuolin, le Vieux Maréchal, était un paysan d'origine pauvre. Les deux "Maréchaux", père et fils, aimaient situer leurs origines dans les monts Yiwulu, l'un des plus beaux paysages de Mandchourie. Toujours bloqué à Taiwan, Zhang Xueliang devint un poète, érudit et collectionneur raffiné. Pour inspirer son ami Zhang Daqian, il avait composé un essai poétique sur la beauté éternellement verte de sa montagne.

Le 2 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une vue imaginaire des monts Yiwulu, encre éclaboussée et couleurs sur papier 101 x 196 cm peinte en 1969 par Zhang Daqian et dédicacée par lui à la fille et au gendre de Zhang Xueliang, lot 1415 estimé HK$ 50M.

Dans un style où une illusion réaliste prime sur l'abstraction qui avait dominé les paysages dans les années précédentes, cette oeuvre peut être comparée avec une vue de collines anonymes sous les neiges de printemps, 68 x 138 cm, peinte la même année, vendue pour HK$ 42M incluant premium par Christie's le 28 novembre 2017.