23 févr. 2019

L'Oeil de l'Architecte

Après la première guerre mondiale et la révolution Soviétique, l'art et le rôle de l'artiste sont remis en question de toutes parts. Pendant que Malevitch et Mondrian trouvent une esthétique nouvelle dans une simplification extrême, Dada et Merz s'attachent à démontrer l'absurdité de l'art.

Les Soviétiques sont attirés par le développement d'un art utile. Ancien collaborateur de Malevitch et architecte de formation, El Lissitzky obtient en 1921 une mission d'ambassadeur culturel auprès de la République de Weimar. Il est proche de Moholy-Nagy à Weimar où Gropius vient de créer le Bauhaus, ainsi que du groupe Dada de Hanovre animé par Kurt Schwitters et Käte Steinitz.

La technique photographique plait à la fois aux Soviétiques et aux anarchistes par sa rapidité d'exécution. Elle devient un outil spécifique pour lequel la caméra est parfois inutile. De nouvelles oeuvres d'art sont créées en posant des objets, des textes ou les mains directement sur la surface photosensible. Les photomontages utilisent les expositions multiples pour capter le regard par l'effet du non-sens.

En 1924 Lissitzky montre son auto-portrait dans un collage incluant des photomontages, intitulé Le Constructeur comme pour appuyer un futur programme d'architecture. L'oeil vient en plein centre de la paume de la main qui tient le compas et cet ensemble transparent a pour fond une feuille de papier millimétré. Les lettres XYZ apparaissent en positif et le nom de l'artiste en négatif, démontrant l'utilité de cette technique pour créer des affiches promotionnelles.

La même année il réalise plusieurs photographies de cette maquette. Le plus grand tirage connu, 25 x 28 cm, a été offert par l'artiste à Steinitz. Il est estimé £ 800K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 114. Un tirage 7,7 x 8,8 cm a été vendu pour $ 510K incluant premium par Sotheby's le 12 décembre 2012.

Réalisé la même année par Lissitzky, un photomontage 10,7 x 9,4 cm montrant un double portrait de Schwitters avec l'inscription MERZ a été vendu pour $ 250K incluant premium par Christie's le 14 février 2007 sur une estimation basse de $ 6K.

22 févr. 2019

Bien-Etre dans une Chaise Longue

Spécialisé dans la planche de surf, le designer Australien Marc Newson conçoit de nouvelles lignes de meubles et de pièces d'ameublement. La forme en sablier donne une illusion biomorphique à ses chaises, chaises longues et chiffonniers.

Réalisé en 1988, le prototype de la Lockheed Lounge a été vendu pour $ 2,1M incluant premium par Phillips de Pury le 13 mai 2010. Elle est construite en résine renforcée par de la fibre de verre et couverte par des feuilles d'aluminium rivetées. Un des dix exemplaires de l'édition de 1990 a été vendu pour £ 2,43M incluant premium par Phillips le 28 avril 2015.

L'amélioration suivante consiste à faire disparaître toute séparation dans la couche d'aluminium. S'inspirant des techniques de moulage utilisées pour les planches de surf, Newson crée à partir de 1989 la gamme de produits Orgone. Dans les théories contestées du psychanalyste Wilhelm Reich "orgone" désigne la force qui apporte le bien-être.

En 1993 l'Orgone Chair est équipée d'un dossier. Elle est suivie la même année de sa version basse, l'Orgone Stretch Lounge, qui ressemble un peu à une voiture de Formule 1. Après le prototype, cette chaise longue est éditée en six exemplaires plus deux épreuves d'artiste.

La seconde épreuve d'artiste de l'Orgone Stretch Lounge a été discutée dans cette chronique avant d'être vendue pour £ 420K incluant premium par Sotheby's le 18 octobre 2008. Elle est estimée £ 300K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 124. Entre temps l'autre épreuve d'artiste était restée invendue à Phillips le 15 décembre 2010 avec une estimation basse de $ 350K.

Seize Cylindres à Detroit

La Cadillac Sixteen est dévoilée en janvier 1930 au New York Auto Show. Son développement réalisé dans le plus grand secret avait duré près de quatre ans. General Motors offrait une voiture inspirée des meilleures Européennes dont Rolls-Royce concernant la performance dans la douceur et le silence. Le moteur à seize cylindres est sans précédent.

La Sixteen apparait aussitôt comme la concurrente de la Duesenberg Model J. Contrairement à Cord qui sous-traite ses carrosseries avec un label de préférence, la quasi totalité des carrosseries de la V-16 est confiée à Fleetwood. Cette filiale d'une division de General Motors offrait dès la première année une large gamme avec dix styles de base. GM achève en 1931 le contrôle direct de Fleetwood.

Le premier modèle Sixteen est la Cadillac 452 V-16 avec un moteur de 7,4 litres (452 cubic inches). La plus désirable, qui est aussi la plus chère, est le roadster par Fleetwood.

Le 7 mars à Amelia Island, Bonhams vend un roadster 452 V-16 par Fleetwood, lot 240 estimé $ 1,25M.  Elle a été produite en 1930, anticipant les modifications introduites par Cadillac à la fin de cette année.

Vendue neuve directement par l'usine d'assemblage de Detroit à un client local, elle n'a eu que deux propriétaires dans ses 50 premières années, tous deux résidant à Detroit. Utilisée avec parcimonie, elle est dans un très bel état d'authenticité pour tous ses équipements. Elle a conservé dans un excellent état sa carrosserie Fleetwood d'origine en bois.

La Cadillac Sixteen a traversé la Grande Dépression grâce à la puissance financière de General Motors. En tout plus de 4000 unités ont été produites de 1930 à 1940.

21 févr. 2019

Poissons dans l'Eau

Pour les Taoïstes, le poisson est un symbole de bonheur, passant toute sa vie dans l'eau où il est né en un parfait exemple d'harmonie entre un animal et son environnement. Le couple de poissons appairés en haut relief dans l'intérieur d'un bol en bronze est un ornement apprécié sous les Han.

Le 20 mars à New York, Christie's vend un bol aux poissons réalisé en jade ciselé dans le style archaïque pour l'empereur Qianlong, lot 806 estimé $ 1M.

La base du bol offre un poème incisé en 40 caractères disposés en trois cercles concentriques autour de la marque impériale. Il est signé de deux sceaux de Qianlong comme Fils du Ciel et comme Quotidiennement Assidu, et daté de l'automne de son année bingwu correspondant à 1786 CE. Le plus érudit des empereurs détaille dans son poème l'intérêt culturel de telles répliques.

Le jade utilisé est céladon pâle légèrement tacheté de blanc, approchant la couleur de l'eau conservée pour l'empereur. Avec ou sans eau dans le bol, cette teinte apporte sur les figures de jade l'illusion de l'élément naturel de vrais poissons.

L'empereur indique que ces poissons en haut relief sont dans le style des Han, différent des récipients des Zhou. La modernité n'est pas indispensable mais elle est toutefois utile parce que le jade n'a pas le mauvais goût du bronze.

Mesurant 25 cm de diamètre, ce bol monté sur cinq petits pieds est le plus grand de seulement trois exemples connus. L'un d'eux, 18 cm de diamètre, est inscrit du même poème et de la même date. Le plus petit, 13 cm, n'est pas inscrit.

Bouddhisme au Yunnan

Le contrôle politique de l'ensemble du territoire Chinois était une gageure. Pragmatiques, les Tang fédèrent des ethnies de l'actuel Yunnan dans le royaume du sud, Nanzhao en langue Chinoise. Nanzhao ne tarde cependant pas à se rebeller et sa dynastie dure en tout 200 ans. Après une courte période d'anarchie, le royaume de Dali prend la suite, avec une autonomie similaire.

Le bouddhisme est introduit il y a 1200 ans à Nanzhao par un moine de l'Inde et devient la religion officielle moins d'un siècle plus tard, juste avant la chute du royaume. Dans cette région Chinoise proche de l'Asie du Sud, la dévotion est plus proche de l'Indonésie et de la Birmanie que du Bouddhisme Chinois. En particulier la préférence des Song pour la représentation féminine Guanyin du bodhisattva Avalokiteshvara n'atteint pas Dali.

Ce canon spécifique inclut dès l'époque de Nanzhao une figure d'Avalokiteshvara, ou plus précisément Guanshiyin Pusa, en prédicateur debout avec un corps grand et mince. Un bronze doré de 46 cm de haut fait il y a environ 900 ans à Dali est estimé $ 2M à vendre par Christie's à New York le 20 mars, lot 813.

Guanshiyin Pusa est une émanation d'Amitabha. Parfois à Dali le dieu ou le bodhisattva est montré dans une position assise avec les jambes parallèles et non dans la position classique du lotus.

Dans la même vente que ci-dessus, le lot 814 estimé $ 4M est un très rare Avalokiteshvara assis, bronze doré de 38 cm de haut fait à Dali il y a environ 1000 à 900 ans. Les deux bras principaux avec les mains jointes et deux autres bras réalistement symétriques le long du corps avec les mains sur les genoux ont survécu. Cette pièce inclut des tenons pour attacher d'autres paires de bras, symboles de l'omnipotence du bodhisattva. La rare position verticale du troisième oeil confirme l'origine Dali.

20 févr. 2019

Renaissance après Dada

En 1924 Dada laisse la place au surréalisme. Les artistes les plus iconoclastes continuent à explorer de nouvelles voies. Avec sa série intitulée Peintures, Miro introduit en 1927 des dessins au trait dans ses peintures. L'année suivante il change de style et pastiche avec une grande liberté les intérieurs Hollandais. En 1930 il traduit l'évolution de son art en déclarant qu'il veut assassiner la peinture.

Francis Picabia a rompu avec Dada en 1921 et avec Breton en 1924. Il apparaîtra cependant à Gertrude Stein comme l'archétype de l'artiste surréaliste. Il commence en 1928 sa série des Transparences.

Choisissant dans ses livres d'art des images de statues antiques et de peintures de la Renaissance, il les copie en dessin au trait en les entremêlant. Cette approche plait à Duchamp qui y voit une création non stéréoscopique de la troisième dimension. Le titre dévoile parfois l'origine du modèle principal, par exemple Hera, ou Adam et Eve.

Le 26 février à Londres, Sotheby's vend Atrata, huile et crayon sur panneau 150 x 95 cm peinte vers 1929, lot 38 estimé £ 1,5M. La composition est centrée sur le portrait d'un homme par Botticelli. La vision est très brouillée par les images subsidiaires, sauf l'alignement presque horizontal de quatre yeux qui ont certainement excité Duchamp. Elle est décodée dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

Mélibée, huile sur toile 195 x 130 cm peinte vers 1931, est une exception dans cette série par la relation sans ambiguïté des éléments transparents avec un thème unique, cohérent avec les difficultés personnelles de Picabia lâché successivement par sa femme et par sa maîtresse.

Dans La Célestine, Mélibée est l'amoureuse poussée au suicide par la mort de son amant tombé de l'échelle en passant le haut mur du jardin après leur activité sexuelle. Publiée en 1499 à Burgos sous forme d'un dialogue, cette oeuvre avait bien des atouts pour plaire aux surréalistes : elle n'est ni un roman, ni un poème, ni une pièce de théâtre, l'histoire est torride, et le nom de l'auteur présumé est caché dans la suite des lettres initiales des strophes du prologue.

Dans la peinture de Picabia, le visage copiant une Madone par Piero della Francesca reste très lisible et la surimpression de branches, de feuilles et d'aiguilles de pin est une référence au jardin. L'amant tout nu est recroquevillé dans un coin.

Annoncée par les galeristes Marianne et Pierre Nahon comme leur oeuvre favorite, Mélibée est estimée € 2,5M à vendre par Sotheby's à Paris le 19 mars, lot 10.

Les Transparences ne peuvent pas servir pour l'illustration d'un livre et l'origine de l'inspiration est trop difficile à transmettre au public. Mélibée apparaît comme un achèvement ultime de ce style éphémère abandonné par Picabia en 1933.

19 févr. 2019

Femmes vues par l'Une d'Elles

Pendant ses études, Jenny Saville a naïvement cherché le rôle de la femme dans l'art. Elle a vu de jolies formes créées pour faire plaisir aux Messieurs et déploré l'absence de la femme créatrice. Elle n'a vu nulle part l'aversion réelle des femmes face au risque d'obésité. Sportives à l'excès ou anorexiques, elles cherchent encore à être caractérisées par les hommes.

Les tabous tombent devant cette très jeune femme. Elle greffe sa propre tête sur un corps obèse qui n'est pas le sien. Elle ajoute des mots ridicules qui ne sont que le langage des hommes pour parler des femmes. L'huile sur toile Propped, préparée pour la soutenance de son diplôme en 1992, inclut dans une superposition hermétique une écriture miroir citant une psychanalyste féministe. Propped a été vendu pour £ 9,5M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2018.

Jenny Saville prend désormais pour thème l'intimité du nu féminin réinterprété à une échelle monumentale, avec un humour à la fois sordide et cinglant. Elle enveloppe l'observateur dans un déluge de chairs flasques, consciemment, en s'inspirant des mises en scène abstraites de Rothko.

La tête reste un élément secondaire, comme intrus et incongru. Dans un autoportrait 270 x 210 cm peint en 1993, la tête est penchée, mais pas suffisamment pour éviter d'être tronquée en haut de l'image. Ce corps nu frontal intitulé Plan n'est pas trop exagéré mais inclut les incisions préparant la chirurgie esthétique, une action inutile et psychologiquement dégradante selon les conceptions féministes de l'artiste.

Les détails intimes appellent des formats de plus en plus grands. Dans une huile sur toile intitulée Juncture peinte en 1994, le nu assis à la chair flasque est vu de dos. La tête est coincée en haut à gauche de l'image et le nez vient s'écraser douloureusement sur le bord gauche comme si le format 305 x 168 cm était trop étriqué pour contenir la monumentalité désirée par l'artiste.

Juncture est estimée £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 5.

Fierté Noire

Les arts graphiques Américains sont l'apanage des hommes blancs. Beauford Delaney s'est exilé. Les rares femmes de couleur qui ont osé une carrière d'artiste ont été ignorées ou persécutées, à l'exemple d'Elizabeth Catlett qui a perdu sa nationalité Américaine pendant 40 ans.

Le vent tourne dans le cercle littéraire du Dr Maya Angelou. En 1990 Faith Ringgold et Clarissa Sligh réunissent dans une exposition l'art de 100 femmes noires. Aujourd'hui encore la déségrégation n'est pas terminée malgré les succès incontestables de Julie Mehretu et Kara Walker.

Le thème de la femme peintre ne pouvait pas laisser indifférent Kerry James Marshall. Cet artiste basé à Chicago montre une Amérique réservée aux Noirs dans leur conquête progressive d'un statut social décomplexé dans la vie quotidienne, l'éducation, les loisirs et les émotions.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend le portrait imaginaire d'une jeune femme noire, acrylique sur PVC 73 x 63 cm peint par Marshall en 2008, lot 209 estimé $ 1,8M.

Cette femme est une artiste peintre reconnaissable aux attributs de son travail, la palette bariolée de couleurs et la blouse maculée. Elle est debout, la main énergiquement posée sur la hanche, le regard droit fièrement dirigé vers l'observateur. Les réseaux de lignes sur le mur du fond laissent penser que son art est abstrait.

18 févr. 2019

Les Triangles Verts de Carmen Herrera

Carmen Herrera est passionnée par l'architecture, dans la suite des travaux des Constructivistes et du Bauhaus. Ses peintures rejettent l'illusion d'optique et l'émotion.

Le triangle aigu devient la base de ses figures géométriques. Il est monochrome, sur un fond qui peut être noir ou blanc. Tous les triangles sont d'une seule couleur. La pointe d'un triangle vient toucher la pointe ou le côté d'un autre. Ces figures atteignent le bord de l'image sans se modifier, ouvrant l'accès à l'infini comme les compositions de Mondrian.

Commencée en 1959, la série la plus minimaliste de l'art de Carmen Herrera porte le titre générique de Blanco y Verde. L'utilisation de la langue espagnole est une réminiscence de ses origines Cubaines. La composition est structurée par les horizontales et les verticales, qui correspondent à un bord ou à l'axe de chaque triangle vert. Les angles sont invariants.

Les approches minimalistes de Carmen Herrera ont été comparées à l'art d'Ellsworth Kelly ou Frank Stella. Malgré ses efforts pour exposer ses oeuvres, elle est résolument ignorée par la société artistique New Yorkaise jusqu'en 2008. En 2015, année de son centième anniversaire, un film documentaire lui rend sa place légitime dans l'art abstrait Américain.

Un Blanco y verde peint en 1966, acrylique sur toile 102 x 115 cm mettant en scène deux triangles horizontaux, a été vendu pour $ 2,65M incluant premium par Phillips le 15 novembre 2018 sur une estimation basse de $ 1M.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend une peinture 102 x 178 cm de la même série et de la même technique datée 1966-1967, lot 12 estimé $ 1,5M. Le triangle horizontal est complet. Il assure la jonction sur sa gauche avec un triangle ascendant et sur sa droite avec un triangle descendant.

17 févr. 2019

L'Enseignement du Cercle

Wassily Kandinsky réside comme Meister au Bauhaus de 1922 à 1933. Il enseigne à la fois les bases du design pour les débutants et les théories avancées. Créé en 1919 par Gropius, le Bauhaus s'est d'abord attaché à une synthèse entre l'art et l'artisanat pour une application à l'architecture. En accord avec les progrès de ce temps, la technique prend progressivement la place de l'artisanat.

Kandinsky est pendant toute sa carrière un théoricien à la recherche de l'art absolu. A l'époque du Blaue Reiter, la prédominance des couleurs et des lignes de force l'a mené à l'abstraction. Au Bauhaus il consolide ses théories par une analyse détaillée des formes élémentaires : le plan, la ligne droite, l'angle, le cercle, le demi-cercle.

Le cercle est la projection de la boule sur le plan. Ses multiples interprétations mystiques conviennent évidemment à la sensibilité ésotérique de l'artiste. Il est aussi l'élément de base de toute figuration astronomique. Il est vide ou rempli de n'importe quelle couleur, et peut chevaucher d'autres cercles pour simuler par exemple le chaos de la création du monde.

Avec le titre révélateur Vertiefte Regung signifiant impulsion approfondie, une huile sur toile 100 x 76 cm peinte en 1928 démontre l'effet dynamique des cercles. De diamètres variés, ils se juxtaposent et s'entrechoquent sur une surface noire aux bords complètement irréguliers soulignés d'un halo bleu.
Cette oeuvre a été utilisée comme ornement mural d'un salon des maîtres dans les nouveaux bâtiments du Bauhaus transféré à Dessau.

Vertiefte Regung a été vendue pour $ 6,4M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 13.