7 avr. 2020

Le Pont à Argenteuil par Monet

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Claude Monet s'installe avec sa famille à Argenteuil en décembre 1871. La Seine est large à cet endroit, et la petite ville est réputée pour ses activités de loisirs. Les deux ponts, l'un routier et l'autre ferroviaire, ont été détruits pendant la guerre Franco-Prussienne et seront bientôt reconstruits.

Monet est un des tout premiers artistes à s'intéresser au chemin de fer comme symbole de la vie moderne. Le train achemine confortablement les plaisanciers, et sa fumée anime le paysage. Jusqu'à sa série de vues de la Gare Saint-Lazare en 1877, l'artiste exprime son enthousiasme pour cette nouvelle industrie.

Le Pont du chemin de fer à Argenteuil est une huile sur toile 60 x 98 cm peinte en 1873. Le pont monté sur quatre paires de piliers traverse l'image sur toute sa longueur. Deux trains se croisent, l'un d'entre eux étant surtout perceptible par la fumée de sa locomotive dans le ciel bleu de l'été. Deux petits bateaux à voiles passent sous le pont, et deux hommes sur le quai regardent paisiblement la rivière.

Le pont est le thème principal de l'image grâce à l'absence de détails sur les deux rives. Elle est la seule vue dans laquelle Monet utilise ce pont comme un symbole du modernisme. L'année suivante ses images de ce site sont des études de la variation de la lumière.

Le Pont du chemin de fer à Argenteuil a été vendu pour $ 41,5M incluant premium par Christie's le 6 mai 2008, lot 21. L'image est partagée par Wikimedia.

Renoir a posé son chevalet au même endroit, probablement côte à côte avec son ami. Comparée à la netteté du dessin de Monet, cette esquisse par Renoir est trop tourmentée et pas assez spacieuse. Un an avant la première exposition impressionniste, Monet apparaît ici comme un maître de l'expression de la vie moderne dans un style classique.

Claude Monet - Le pont de chemin der fer à Argenteuil

Four Marlons par Warhol

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Andy Warhol est l'interprète de la société de son temps. Il est cinéphile et l'image picturale, qui le rend célèbre en 1962, est un pis-aller. Il multiplie les expériences cinématographiques comme producteur et réalisateur et annonce en 1965 qu'il va se consacrer entièrement au cinéma, avec une nette tendance pour l'underground.

L'acteur vedette de la génération de Warhol est Marlon Brando. En 1953 dans L'Equipée sauvage (The Wild One), Brando et son groupe de motards incarnent la rébellion contre l'ordre établi. Le regard implacable du jeune homme symbolise la force nouvelle qui peut faire basculer la civilisation.

Le cinéma occupe une grande place dans l'art pictural de Warhol. Même Elvis, le roi du music hall, est montré par une image extraite d'un film. Dès 1963 Warhol choisit une image publicitaire pour The Wild One, montrant Marlon de face, sur sa moto. Avec son blouson de cuir et sa casquette, il est l'archétype du nouveau voyou sans loi. Andy réalise alors une seule peinture, sur fond argent.

Warhol reprend en 1966 le thème de Marlon, avec la même image. Contrairement à ses habitudes, il semble qu'il ait choisi lui-même de revisiter ce thème, sans commande d'un marchand et sans incitation d'un ami.

Il prépare huit opus de ce Marlon par sérigraphie sur des toiles de lin brutes, apportant une couleur étrange ainsi qu'une grande brillance, avec ou sans la grande marge vide conçue pour déséquilibrer la lecture de l'image. Trois seulement sont des images répétées.

Un Marlon margé à gauche, 104 x 117 cm, a été vendu pour $ 23,7M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012. Un double Marlon 213 x 243 cm très largement margé à gauche a été vendu pour $ 32,5M incluant premium le 13 mai 2008, également par Christie's.

Le quad 206 x 165 cm deux par deux sans marges est sans équivalent sur ce thème. Il a été vendu pour $ 70M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014, lot 10.

6 avr. 2020

Le Sabre de Bonaparte à Marengo

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La bataille de Marengo a lieu le 14 juin 1800, 25 prairial an VIII du calendrier révolutionnaire. Le Premier Consul, Napoléon Bonaparte, mène la campagne d'Italie. La bataille commence par une attaque surprise des Autrichiens. Bonaparte comprend la gravité de la situation et apporte le secours nécessaire à son armée malmenée. Son action est spectaculaire et décisive, assurant à la France la victoire finale de cette guerre.

Bonaparte comprend tout de suite l'utilité de ce haut fait d'armes pour son prestige personnel et pour son avenir politique. Le 5 mai 1805 Bonaparte, devenu entre temps l'empereur Napoléon I, fait installer un trône pour une parade militaire sur le champ de bataille. Il préside cette cérémonie en s'habillant de la même façon que le jour de la bataille.

En 1805 également, Napoléon donne à son plus jeune frère Jérôme le sabre glorieux qu'il avait brandi à Marengo. Jérôme, âgé de 20 ans, venait tout juste de rentrer des Etats-Unis où il s'était marié, contrecarrant l'ambition que l'empereur pouvait avoir pour lui. Napoléon a cassé ce mariage par un décret impérial le 11 mars 1805. Ayant dorénavant consolidé son image de guerrier magnifique, il a peut-être utilisé cette arme pour encourager la nouvelle carrière militaire de Jérôme à son service.

Le sabre est resté jusqu'en 2007 dans la descendance de Jérôme. Classé monument historique en 1978, il a été vendu pour € 4,8M incluant premium par Osenat le 10 juin 2007. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Interencheres.

Cette arme avait été réalisée par Nicolas-Noël Boutet, qui dirigeait la manufacture d'armes de Versailles. La lame a une forme à l'orientale et est décorée à l'eau-forte. Les garnitures principales du sabre et du fourreau sont en or massif. Le pommeau est une tête de Jupiter en or.

Le sabre de Napoléon porté à la bataille de Marengo from Interencheres Archives on Vimeo.

5 avr. 2020

Un Eagle de Collection

Les toutes premières pièces d'une nouvelle production sont les plus belles. Les matrices intactes permettent une frappe de la plus grande finesse. Tout naturellement les officiels de l'usine ont commencé à les mettre de côté pour les proposer à leurs amis.

Lorsque la production de l'eagle d'or redémarre en 1838, une distinction est faite entre ces premières pièces, désignées comme proof strikes, et les circulation strikes. Pour cette dénomination, toutes les proof strikes sont réalisées à Philadelphie alors que la circulation strike est partagée entre Philadelphie et New Orleans. Jusqu'en 1858 inclus, le nombre de proof eagles est évalué à moins de 5 par an.

Les premiers collectionneurs préféraient déjà les jolis spécimens, bien sûr. Des proof sets sont réalisés à leur attention avec un exemplaire de chaque dénomination de pièces en argent et en cuivre, du half cent au dollar. Un proof set complet de 1856 a été vendu pour $ 200K incluant premium par Heritage en février 2016. En 1858 le directeur de l'usine annonce pour la première fois la vente au public de tels ensembles.

En 1858 un collectionneur pionnier nommé George Seavey parvient à faire étendre son proof set pour inclure les six dénominations de pièces d'or, du dollar au double eagle. Maintenu intact par le propriétaire suivant, ce proof set est dispersé en 1890.

Le proof eagle du set de Seavey est dans un état de conservation sensationnel, gradé PR64 Ultra Cameo par NGC. Il sera vendu par Heritage à Dallas le 23 avril, lot 3823.

Cette pièce est la meilleure parmi les quatre proof eagles de 1858 qui ont survécu, et il est le seul en mains privées. Ces pièces étaient faites pour être collectionnées. Ce chiffre de 4 constitue peut-être la quantité totale de la production.

Cette année 1858 marquait l'aube de la collection moderne, avec la fondation de la Philadelphia Numismatic and Antiquarian Society et de l'American Numismatic Society et l'établissement de la première affaire professionnelle américaine de ventes de monnaies par Edward Cogan.

Portrait du Docteur Gachet par Van Gogh

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Vincent Van Gogh avait perdu son autonomie mais son internement à Saint-Rémy n'était pas une solution pérenne. Le 20 mai 1890 son frère Theo l'installe à l'Auberge Ravoux à Auvers-sur-Oise, à proximité de la propriété du Docteur Gachet qui pourra l'aider. Vincent y passe les 70 derniers jours de sa vie. Dans sa frénésie de créativité, il peint environ 80 oeuvres pendant cette courte période.

Gachet, âgé de 62 ans, est à la fois médecin, psychiatre et mécène. Le sujet de sa thèse de doctorat avait été une étude sur la mélancolie. Il conseillait plusieurs membres du groupe impressionniste sur leurs problèmes de santé et avait tenté d'assister le graveur Charles Méryon dans la phase finale de son internement.

Vincent est surpris par leur première rencontre, au cours de laquelle il considère que Gachet est plus fou que lui. Cependant le docteur est habile : il gagne en deux jours la confiance de cet artiste hypersensible.

Pour son art, Vincent cherche à exprimer les aspects humains les plus profonds. Il est encore et toujours passionné par les exemples de ses prédécesseurs, pour mieux les dépasser. Il admire l'expression de la folie dans le portrait imaginaire par Delacroix du poète Torquato Tasso dans la maison de fous de Ferrare.

Le Portrait du Docteur Gachet est une huile sur toile 67 x 56 cm peinte en juin 1890. Vincent a commenté cette oeuvre dans une lettre à sa soeur. Il a voulu montrer la mélancolie de son nouvel ami tout en reconnaissant que son expression peut être considérée comme une grimace. Il résume ses qualités en quatre mots : Triste mais gentil et cependant clair et intelligent.

Gachet a la tête appuyée sur sa main droite, permettant une composition diagonale d'une grande force expressive. Le visage est dessiné avec le trait dur des meilleures oeuvres de Vincent. Sur la table, deux livres jaunes vifs équilibrent la composition. Un branche de digitales, plante médicinale, symbolise l'activité principale de Gachet.

Le Portrait du Docteur Gachet a été vendu pour $ 82,5M incluant premium par Christie's le 15 mai 1990. L'image est partagée par Wikimedia.

Portrait of Dr. Gachet

4 avr. 2020

Men in her Life par Warhol

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Le langage artistique exploré par Andy Warhol en 1962 est absolument nouveau. Les objets de grande consommation ont leur place dans l'art sous forme de séries parce qu'ils constituent un imaginaire compréhensible par tout un chacun, et tant pis s'il est trivial. Quand il comprend l'utilité de la sérigraphie pour inonder le monde de l'art avec ses images, il multiplie les dollars, plus précisément les images de billets de banque.

Le monde est factice et les célébrités sont éphémères. Warhol multiplie les Marilyns après la mort de l'actrice comme si elle était une nouvelle madone. Cela ne lui suffit pas. Il va attaquer à la fois la vie artificielle des stars et les mensonges des photographies et des journaux.

Justement, un article publié par Life le 13 avril 1962 récapitule la trajectoire navrante de la plus grande vedette de cinéma du moment, Liz Taylor. Après deux divorces, elle a été la veuve de Mike Todd et on sait que son quatrième mariage, avec Eddie Fisher, ne va pas durer. Une des photos découpées dans Life a été prise au Derby d'Epsom en 1957. Elle montre deux couples mariés dont les destins vont bientôt basculer, Todd avec Taylor et Fisher avec Debbie Reynolds.

Réalisée à l'automne de 1962, Men in her Life est une sérigraphie noir et blanc sur toile 215 x 212 cm basée sur cette image heureuse, qui est copiée 38 fois sur sept rangées. L'artiste a varié les contrastes, de l'image trop saturée à l'image trop claire. Une lecture classique de gauche à droite et de haut en bas transforme ce thème unique en une narration angoissante, avec une dégradation progressive de la qualité de l'image et de son rognage et l'aspect déchiqueté du bord droit.

La variété des contrastes et des recadrages ouvre la voie aux Elvis type Ferus de l'année suivante. Le titre fait apparaître l'actrice comme une mangeuse d'hommes, anticipant l'ambiance morbide des Death et Disaster et tout particulièrement les mosaïques d'images des Car Crash, également de 1963. Encore en 1963 la Liz gravement malade succédera à Marilyn dans l'iconographie de Warhol.

Men in her Life a été vendu pour $ 63M incluant premium par Phillips de Pury le 8 novembre 2010, lot 15. L'image de faible définition est partagée par Wikipedia pour 'fair use'.


Dora Maar au Chat par Picasso

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Dora Maar au Chat est une huile sur toile 130 x 97 cm peinte par Picasso en 1941. Parmi les nombreux portraits que Picasso a fait de sa maîtresse, c'est un des plus minutieux, avec des couleurs vibrantes.

Contrairement aux habitudes de l'artiste, il est daté par l'année sans indication du jour, apparaissant ainsi comme en marge du reste de l'oeuvre. Picasso a rassemblé ici son admiration et son émotion face à Dora. Il s'est séparé affectivement de Dora en 1943 et de cette peinture avant 1947.

Tout au long de la carrière de Picasso, l'oeuvre trop abondante est parsemée de quelques illuminations fulgurantes dans lesquelles il exprime ses sentiments profonds. Dora Maar au Chat est un de ces chefs d'oeuvres, au côté par exemple du Garçon à la pipe, des Demoiselles d'Avignon, de la Minotauromachie et de la Femme qui pleure.

C'est la guerre. Le fauteuil est un espace qui pourrait sembler ouvert mais est en fait une entrave à la liberté, comme le trône de l'Innocent X de Velazquez. Dora semble vouloir réagir, avec ses vêtements élégants et son grand chapeau. Elle sourit.

Et puis il y a le chat. Il est tout petit. Perché sur le dossier du fauteuil, il marche vers la femme qui ne se préoccupe pas du tout de lui. Noir dans la zone la moins contrastée de l'image, il est sournois. Pablo et Dora n'aimaient pas les chats, ces animaux familiers qui griffent pour un simple changement d'humeur. Ils préféraient les chiens. Pour ces raisons ce minuscule chat ne peut pas être une personnification de l'artiste. Il est au mieux un visiteur non sollicité, au pire tout le danger du monde extérieur.

L'amalgame entre l'humain et l'animal intéresse Picasso. Dans la même phase, il peint des portraits de Dora avec le museau de leur lévrier afghan. Ici les ongles très longs de Dora sont en quelque sorte les griffes du chat.

Dora Maar au Chat a été vendu pour $ 95M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2006. L'image est partagée pour "fair use" par Wikipedia.


3 avr. 2020

Le Massacre des Innocents par Rubens

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Quand Rubens revient à Anvers en novembre 1608, il apporte avec lui les nouvelles tendances baroques de l'art Italien. Il exerce son art pour les très importantes commandes des églises d'Anvers enfin libérées des guerres de religion, et aussi pour des clients privés.

Très influencé par l'art du Caravage à cette époque, Rubens montre des scènes dramatiques lourdement émotionnelles, avec des compositions dynamiques et complexes, des lumières violentes, des corps tordus par la haine ou le désespoir. Il utilise des écorchés comme modèles de ses effrayants nus de soudards.

Deux peintures réalisées pour un usage privé au début de cette nouvelle phase entrent ensemble en 1702 dans la collection des princes de Liechtenstein. Par suite d'une perte de traçabilité dans les inventaires de la collection Liechtenstein, les deux oeuvres sont plus tard attribuées à un assistant de la fin de carrière de Rubens nommé Jan van den Hoecke.

Samson et Dalila est une huile sur bois 185 x 205 cm peinte à l'origine pour la collection du lord maire d'Anvers. Le thème du colosse neutralisé par l'ingéniosité des femmes, montré à l'instant fatal, peut être comparé avec la Judith du Caravage. La version originale a été authentifiée en 1929 et vendue par Christie's le 11 juillet 1980 pour £ 2,53M incluant premium.

Le Massacre des Innocents (De kindermoord te Bethlehem) était connue par une copie conservée à Bruxelles. La version attribuée à van den Hoecke est apportée pour vente à Sotheby's. Comparant cette huile sur bois 142 x 182 cm avec le Samson et Dalila, l'expert de la maison de ventes reconnaît qu'il a en mains le véritable original de Rubens.

Cette réattribution est convaincante. Le Massacre des Innocents est vendu pour £ 50M incluant premium par Sotheby's le 10 juillet 2002 sur une estimation basse de £ 4M. Voici le lien vers le communiqué de presse  publié avant la vente. L'image est partagée par Wikimedia.

La date de 1610 est considérée comme la plus probable pour la création de cette oeuvre. Le fond de l'image ne montre pas Bethléem mais le temple de Castor et Pollux, prouvant que Rubens restait ébloui par les beautés de Rome. Elle a été aussi considérée comme une réminiscence des atrocités des guerres de religion. C'est incontestablement un chef d'oeuvre de Rubens, dans un état proche de la perfection.

Peter Paul Rubens (1577-1640) De kindermoord te Bethlehem - Rubenshuis Antwerpen 27-09-2018

Sue le Tyrannosaure

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Le 12 août 1990, une équipe de paléontologues termine une campagne de fouilles dans la Cheyenne River Indian Reservation dans le Sud Dakota. Au moment de partir, on s'aperçoit qu'un pneu du camion est à plat. Sue Hendrickson profite de ce contre-temps pour aller voir une falaise inexplorée par le groupe. Elle trouve les restes fossiles d'un tyrannosaure qui sera identifié par son prénom, Sue.

Les os n'avaient pas été éparpillés. L'animal avait vécu il y a environ 67 millions d'années et était probablement mort dans un courant d'eau qui l'avait poussé contre un obstacle.

Le tyrannosaure est le plus spectaculaire des dinosaures, et Sue est à la date de son excavation le spécimen le plus grand et le plus complet. Le squelette est complet à 90 % en masse et à 73 % en nombre d'éléments. Le fossile crânien pèse 270 kg pour 1,40 m de long et la dentition est presque intacte.

Le propriétaire du terrain, un membre de la tribu Sioux, affirme que l'équipe lui avait payé le droit de prélever et nettoyer le fossile mais pas le transfert de propriété. La justice lui donne raison et il devient le seul propriétaire de Sue. Il demande à Sotheby's d'effectuer la vente. Du fait de l'intérêt scientifique exceptionnel de Sue, les paléontologues sont inquiets du risque d'achat par une collection privée.

Rien d'équivalent n'était passé sur le marché. Le 4 octobre 1997 les enchères sont lancées à $ 500K. Sue est vendu pour $ 8,4M incluant premium au Field Museum of Natural History de Chicago.

Au moment de la vente, ce dinosaure avait été identifié comme exceptionnel mais n'avait jamais été monté. Son exposition au Field Museum est inaugurée en mai 2000. Les investigations scientifiques n'ont pas été interrompues. L'âge de l'animal est estimé à 28 ans, faisant de lui jusqu'en 2013 le doyen des tyrannosaures. Il était long de 12,30 m et haut de 4 m aux hanches et son poids a été estimé autour de 10 tonnes.

L'image est partagée par Wikimedia avec attribution à l'utilisateur Zissoudisctrucker. Elle montre Sue dans sa plus récente configuration d'exposition au Field Museum.


2 avr. 2020

Le Codex Leicester de Léonard de Vinci

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A partir de 1475, Léonard de Vinci enregistre quotidiennement toutes ses idées sur la nature du monde dans toute sa variété, sous forme de notes en langue italienne ancienne illustrées de croquis. Dans cette boulimie polygraphique, il produit environ 13 000 pages, sur des feuilles recto-verso pliées en deux.

Léonard n'est ni un savant ni un ingénieur au sens moderne du terme. Il ne perd pas son temps à analyser les conséquences de ses théories ni à concevoir la réalisation de ses inventions. Dans son fourmillement d'idées, il pouvait avoir merveilleusement raison et naïvement tort, et il était certainement incapable de faire la part des choses entre ces deux extrêmes.

Pour ce gaucher, l'écriture en miroir est le moyen qu'il a trouvé pour que sa pensée ne soit pas ralentie par sa main. L'utilisation de très nombreuses abréviations, qui rend ces textes d'une extrême difficulté à déchiffrer, est cohérente avec cette hypothèse. On ne saura jamais comment il pensait exploiter cette masse d'informations unique en son genre.

Ces écrits ont été assemblés en carnets, identifiés sous le terme plus technique de codex. Le Codex Leicester est le seul restant en mains privées. Il a été vendu deux fois par Christie's, pour $ 5,1M le 12 décembre 1980 et pour $ 31M incluant premium le 11 novembre 1994. Entre ces deux ventes il a été appelé le Codex Hammer. Il a été acheté par Bill Gates à cette dernière vente. L'image est partagée par Wikimedia.

Le Codex Leicester est constitué de 18 doubles feuillets en parchemin pour un total de 72 pages 22 x 30 cm. Il réunit des notes écrites autour de 1510 sur le thème des mouvements de l'eau. L'auteur imagine que ses idées pourront être utilisées pour la conception des ponts.

Son observation sur la présence de fossiles dans les montagnes amène une explication très en avance sur son temps : ils étaient à l'origine dans un fond marin qui a été soulevé par un phénomène géophysique. Cette hypothèse est d'autant plus remarquable que les religions monothéistes de son temps ne remettent pas en question le créationnisme.

Dans le même carnet, il explique la luminosité de la Lune par la réflexion de la lumière solaire sur sa surface entièrement couverte d'eau.

Vinci - Hammer 2A