2 déc. 2020

Metal Jordan

Les collectionneurs de trading cards contemporaines aiment les rookie cards du baseball et du basketball, Michael Jordan et les plus grandes raretés.

Pour ce qui concerne l'illusion de luxe, l'élan a été donné en 1997 par la très éphémère marque Metal Universe, éditeur des séries Basketball Precious Metal Gems pour les saisons 1997-98 et 1998-99 et Championship Basketball en 1997-98. Dix ans plus tard Upper Deck a tenté de ré-établir la marque.

Les deux premières éditions Precious Metal Gems illustraient 123 joueurs chacune, avec une photo en action sur le recto et un portrait au verso. Le recto était imprimé sur une feuille de métal. L'édition était sérialisée de 1 à 10 avec une image sur fond vert "émeraude" et de 11 à 100 avec un fond rouge.

Cette construction a posé un problème de fragilité, avec une usure sur les bords du métal affectant une grande proportion des cartes. PSA ne donne pas de grade à ces cartes endommagées, même si l'image reste intacte. Cet organisme vérifie toutefois l'authenticité.

La population de dix cartes Michael Jordan 1997 Precious Metal Gem Green attire toutes les convoitises. Deux d'entre elles ont été gradées EX-MT+ 6.5 par PSA et une EX-MT 6.

Deux cartes gradées Authentic par PSA ont été vendues sur eBay, la # 1 en 2015 et la # 6 en 2019. Leurs prix, exceptionnels pour l'époque, peuvent être oubliés suite à l'engouement de 2020 pour tous les artefacts relatifs à Jordan.

Le 10 décembre dans une vente en ligne, Heritage vend au lot 58088 la carte # 9, garantie Authentic (mais pas identifiée comme Altered) par PSA. L'estimation, $ 500K, est déjà dépassée.

1 déc. 2020

Abstraction à Manhattan

En mai et juin 1951, la Ninth Street Exhibition est un évènement marquant de la vie artistique à Manhattan. Organisée par Leo Castelli avec le support de Franz Kline, elle rassemble les oeuvres de 74 artistes. Au côté de Hans Hofmann, Willem de Kooning et Jackson Pollock, les plus jeunes forment déjà la seconde génération de l'expressionnisme abstrait.

Cette exposition révèle Joan Mitchell, âgée de 26 ans. Arrivée de Chicago l'année précédente, elle a vite intégré les cercles artistiques de New York. Dans cette première phase, l'énergie est dominante par rapport à la couleur. Ses surfaces sont parsemées de petites figures abstraites qui apportent des points d'ancrage et un rythme, assez similaires aux compositions de de Kooning à cette époque, inspirées par les plus anciennes abstractions de Mondrian, et anticipant Twombly et Ryman.

Joan a besoin d'être seule dans son atelier pour transférer ses impressions sur la toile. Elle a une très bonne forme physique et n'a pas peur de travailler sur des grands formats. Son art exprime son interprétation de son environnement sans recours à la figuration, modernisant le précepte de Cézanne selon lequel la nature ne peut pas être copiée.

Le 7 décembre à New York, Phillips vend une huile sur toile 205 x 176 cm peinte par Joan Mitchell vers 1953, exprimant sa vision de Manhattan dans un style qui est déjà prémonitoire des grandes phases de sa carrière. Elle est estimée $ 10M, lot 24.

En 1955 et 1956 Joan passe l'été en France. Elle y découvre que les vives couleurs de la campagne constitueront la meilleure source pour son inspiration, avec des variations illimitées. Plus tard à Paris, elle exprimera une violence centrifuge, avant son grand retour à la nature à Vétheuil en 1968.


30 nov. 2020

Les Nativités de Bernardino Luini

La vie de Bernardino Luini est peu documentée. Spécialiste des fresques et de la peinture de dévotion privée, il a presque uniquement travaillé en Italie du Nord. Il a incontestablement été influencé par Léonard de Vinci dans sa technique et par Raphael dans ses compositions. 

En 1550 Vasari reconnait son honnêteté et sa courtoisie mais ne réussit pas à transcrire correctement son nom, ce qui a contribué à le plonger dans l'oubli. Bernardino est cependant un artiste doué, qui atteint sa plus grande maturité dans les années 1520 et meurt en 1532.

Les Nativités sont un de ses thèmes préférés. Le 15 décembre à Londres, Christie's vend une tempera et huile sur panneau 120 x 90 cm, lot 22 estimé £ 3M.

L'oeuvre est composée en deux plans. L'Enfant est adoré par sa mère et par Joseph, en présence du boeuf et de l'âne. L'arrière-plan est une scène de la fuite en Egypte. L'environnement sombre de la crèche met en valeur le corps nu de l'Enfant et les visages des adultes, dans une iconographie plaisante. Une date autour de 1525 est plausible.

Avec un Enfant à peine plus âgé, une présentation par St Georges du dragon massacré est également racontée en deux plans. Cette huile sur panneau 104 x 80 cm a été vendue pour € 2,3M incluant premium par Aguttes le 14 novembre 2019.



La Lumière de Halloween

Co-fondateur en 1932 au côté d'Edward Weston du Group F:64, Ansel Adams se spécialise dans la photographie de paysages américains. L'utilisation conjointe de grands formats et de très petites ouvertures apporte une définition sans précédent à ses négatifs. La préparation des épreuves est un travail d'une grande minutie pour apporter l'effet de lumière voulu par l'artiste.

La possibilité d'appliquer ces techniques pour une photographie décorative murale intéresse le National Park Service, qui est une agence fédérale. En 1941, pendant six mois, Ansel Adams sillonne les Etats-Unis avec son fils et un collaborateur.

Un soir d'automne, après une journée morose, Adams revient vers Santa Fe. La lumière du soleil couchant éclaire les croix d'un cimetière en laissant dans l'ombre le reste du paysage. La pleine lune est visible au-dessus du village.

Interpelé par la beauté de ce spectacle, Adams manque de peu d'envoyer la voiture dans le fossé. Il sort sa caméra 8 x 10 inches, ne retrouve pas son pose-mètre et évalue au mieux le temps de pose. Il fait sa photo. La lumière change dans les secondes qui suivent et ce négatif restera unique. Il reste à identifier le lieu et la date. Le village est Hernandez, New Mexico. Les astronomes définiront d'après la position de la Lune que la photo a été prise le soir de Halloween à 16:05.

Le résultat ne répond pas à la perfection exigée par Adams. Les ombres sont bouchées et le travail de cette image sous l'agrandisseur est long et fastidieux. Les très rares positifs de cette première époque traduisent la vision réaliste de ce crépuscule, avec un contraste romantique sur les croix et des détails dans le ciel. Un tirage 24 x 30 cm, probablement effectué fin novembre 1941, est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 14 décembre, lot 29.

Un tirage 35 x 50 cm rééquilibrant les densités, effectué vers 1946, a été vendu pour $ 360K incluant premium par Sotheby's le 14 octobre 2008. Entre temps l'image a été publiée et la demande est forte. En 1948, Adams retravaille le négatif pour faciliter les futures impressions. Ce nouvel état donne l'illusion fantastique d'un clair de lune. Un tirage 35 x 50 cm a été vendu pour $ 610K incluant premium par Sotheby's le 17 octobre 2006.


29 nov. 2020

Une Ferme dans le Maryland

En voulant exprimer la force, Clyfford Still est l'inventeur de l'expressionnisme abstrait dans les années 1940. Il s'installe à New York en 1950 mais l'agitation de la grande ville nuit à sa créativité. Sa priorité est de construire son oeuvre avec cohérence. Il rompt avec les galeristes et ses expositions se font très rares.

En 1961 il s'installe avec sa femme dans une ferme du Maryland. Face à la nature dans sa grange-atelier comme Pollock à Long Island, il peut enfin créer un vide autour de lui pour régénérer son inspiration. Jusqu'à sa mort en 1980, il peint beaucoup, pour son propre usage. Quand un besoin d'argent l'oblige à vendre des peintures, il choisit en priorité les oeuvres plus anciennes, dont il avait peint des doubles par prudence, pour préserver sa vision globale.

Pour ces raisons, ses oeuvres du Maryland ont été peu étudiées en leur temps, et très peu d'entre elles ont atteint le marché de l'art. Elles montrent pourtant la plus grande maturité de l'artiste. Les couleurs sont en nombre réduit, mais chaque zone est un mélange complexe de nuances proches, comme faisaient aussi Rothko et Soulages. De nouveaux rapports de forces remplacent les éclairs fulgurants des périodes antérieures.

PH-21, huile sur toile 195 x 175 cm peinte en 1962 avec des couleurs brillantes, a été vendue pour $ 21M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Le 7 décembre à New York, Phillips vend PH-407, huile sur toile 290 x 190 cm peinte en 1964, lot 14.  Le communiqué de presse du 23 novembre annonce une estimation autour de $ 17M.

La conception de PH-407 remonte à la période de New York. Le fond rouge sombre est illuminé par un rouge feu plus clair qui descend en flammes du bord supérieur. Dans la moitié inférieure, une force montante apporte une vibration par sa symétrie dans un cinglant contraste noir et blanc. Une petite tache bleue encerclée de blanc peut être imaginée comme étant en avant ou en arrière de la toile, déjouant toute tentative d'interprétation tridimensionnelle.


28 nov. 2020

La Période Rose de Sanyu

Sanyu comprend en 1929 que la peinture à l'huile est la technique la mieux adaptée à sa créativité. Avec ses dessins, il avait appliqué la simplification des formes à des thèmes variés, y compris le nu féminin qu'il avait découvert à Paris. Il peindra directement sur la toile sans esquisse, comme les calligraphes chinois sur le papier.

Sa vision artistique est d'une grande originalité. La précision du trait permet d'augmenter la simplification. Les couleurs sont réduites à l'extrême. L'application aux couleurs du principe chinois des cinq encres permet de réduire aussi les contrastes : avec un seul pigment, la variation des couleurs est obtenue par des différences d'épaisseur.

Dans un premier temps, la couleur rose apporte la meilleure démonstration de ces nouvelles théories. Elle est commune aux plus belles fleurs et à la peau des femmes, et son contraste avec le blanc peut atteindre une grande subtilité. Le bleu marine très foncé ou le noir apporte une tri-dimensionnalité. La plupart des oeuvres de cette période ont appartenu à Roché.

Le 2 décembre à Hong Kong, Christie's vend Chrysanthèmes blanches, huile sur toile 46 x 27 cm peinte en 1929, lot 122 estimé HK$ 10M. Les grosses fleurs et leur pot sont peints en blanc pur sur un fond rose pâle. Les géométries sont simples.

Peinte également en 1929, une étude de roses dans un pichet blanc sur fond blanc, huile sur toile 73 x 50 cm, a été vendue pour HK$ 59M incluant premium par Poly le 5 octobre 2015. Voici trois résultats incluant premium pour des huiles sur toile peintes en 1931 dans un style similaire :

Deux gros hortensias roses dans un vase blanc, 73 x 50 cm, a été vendue pour € 4,1M par Aguttes le 1er juin 2015. Chrysanthèmes roses dans un vase blanc, 100 x 70 cm, a été vendue pour HK$ 55M par Poly le 3 avril 2017 et Bouquet de roses dans un vase blanc, 81 x 50 cm, pour HK$ 47M par Christie's le 22 novembre 2014.

Ces études sont encourageantes. Sanyu introduit désormais de nouvelles couleurs dans ses images de fleurs, mais toujours en nombre limité sur une même toile. Les parties non essentielles de l'image sont réalisées en traits épais très simplifiés.

Bouquet de marguerites, 81 x 45 cm peint en janvier 1931, a été vendu pour HK$ 51M incluant premium par Christie's le 25 novembre 2017. Chrysanthèmes roses dans une corbeille, huile sur toile 92 x 60 cm peinte en 1931 qui n'a pas appartenu à Roché, est estimée HK$ 68M par Christie's dans la même vente que ci-dessus, lot 123.


L'Oiseau à Bascule

François-Xavier Lalanne donne une utilité à l'objet d'art zoomorphe. Parfois il ajoute le mouvement. Il crée en 1974 un Oiseau de jardin à bascule (bird see-saw). 

Cette pièce est un rocking chair 120 x 130 x 190 cm en feuilles d'acier polies et cuivrées. Il a la forme du "piaf", le sympathique moineau qui était un symbole des rues de Paris. L'utilisateur est invité à s'asseoir dans la cavité entre les ailes, posant le dos derrière la tête de l'oiseau, les coudes sur les ailes et étendant les jambes par-dessus la queue.

Ce meuble-animal, annoncé comme une pièce unique, a été vendu le 17 juin 2009 à Bruxelles pour € 550K hors frais par Pierre Bergé et Associés, lot 338, sur une estimation de € 600K. Il était vendu par un collectionneur belge qui l'avait acquis en 1974. Je l'avais discuté avant cette vente.

Un lot identique, annoncé comme provenant d'une édition en deux exemplaires, a été vendu par Sotheby's pour € 360K incluant premium le 7 décembre 2010, lot 18. La provenance est cohérente avec les informations de la vente de 2009, mais sans référence à la Belgique. Il pourrait s'agir du même exemplaire qui serait resté dans la famille du propriétaire d'origine après avoir été invendu ou impayé en 2009.

L'oiseau vendu à Sotheby's est maintenant estimé $ 1,3M à vendre par Christie's à New York le 4 décembre, lot 605. Le premier propriétaire, de 1974 jusqu'à 2010 par descendance, est identifié. Il résidait à Bruxelles, ce qui est cohérent avec la provenance annoncée en 2009. Entre temps la cote des Lalanne s'est envolée, comme un vrai piaf.


27 nov. 2020

L'Incubateur de Poupée

Yoshitomo Nara a passé douze ans en Allemagne, de 1988 à 1994 pour faire ses études d'art à Düsseldorf et jusqu'à 2000 dans son atelier à Cologne. Le trait net plait aux Japonais, habitués des estampes et des mangas.

Pour exprimer sa relation au monde, l'artiste peint des portraits de très petites filles, avec des expressions faciales changeantes. Elles ne jouent pas. Elles sont malicieuses ou perfides. La couleur du vêtement confirme l'expression : bleu clair pour être gentille, rouge vif pour être désagréable ou méchante. La robe de Knife behind back, inspirée par la visite de l'artiste à Auschwitz, est rouge. Cette acrylique sur toile 234 x 208 cm peinte en 2000 a été vendue pour HK$ 196M incluant premium par Sotheby's le 6 octobre 2019.

Le 3 décembre à Hong Kong, Phillips en collaboration avec Poly vend Hothouse Doll - in the White Room III, lot 5 estimé HK$ 50M, illustré par Phillips dans une très courte vidéo.

Peinte en 1995, cette acrylique sur toile 120 x 110 cm est une oeuvre séminale de cette série. Le titre décrit la scène. L'enfant est assise, jambes serrées et bras ballants, comme une poupée qu'on a assise sur le sol. Hothouse a un sens d'incubateur : elle veut exprimer une maturité supérieure à son âge apparent pour donner à penser aux adultes. L'espace qui l'entoure est uniformément blanc. La robe est bleue.

L'artiste a renoncé aux distorsions du visage. Le strabisme divergent des larges yeux en amandes apporte une personnalité à la fois énigmatique et distante que l'artiste réutilisera tout au long de sa carrière.



L'Eneide de Limoges

L'Enéide en émaux de Limoges est une série narrative basée sur les illustrations imprimées en 1502 pour l'humaniste Sebastian Brant. Promoteur de la culture profane, Brant voulait que le chef d'oeuvre de Virgile puisse être aussi apprécié par les illettrés.

Cette série a probablement occupé un peintre émailleur à temps plein pendant plusieurs années dans l'atelier familial de Nouailher ou Pénicaud. Elle n'a pas été documentée en son temps.

L'édition pour Brant était composée de 215 illustrations couvrant les douze chants du poème. 82 plaques de l'Enéide de Limoges ont été retrouvés. L'absence d'images des trois derniers chants montre que l'artiste travaillait dans l'ordre du poème et que le travail a été stoppé. L'absence de double montre qu'il travaillait pour un projet unique.

Les scènes en Limoges suivent de très près l'illustration de Brant. La compréhension de l'action est facilitée par des bulles identifiant les personnages. Enée et ses compagnons, qui sont partis de Troie, ont des costumes orientalistes. Le style est médiéval avec toutefois des traits plus souples que l'image d'origine.

Chaque image est peinte sur une plaque de cuivre 22 x 20 cm. Les blancs épais et les rehauts d'or apportent volume et contraste.

Le terminus post quem est 1520, quand les rectos des plaques de Limoges commencent à être préparées avec une couche d'argent qui avive les couleurs. La face arrière est également protégée par une feuille d'argent. Le terminus ante quem pourrait être 1530 quand le style gothique passe de mode.

Quatre plaques réunies de plusieurs sources par un collectionneur seront vendues par Sotheby's à Londres le 5 décembre, lot 31, lot 32, lot 33, lot 34. Elles illustrent respectivement des épisodes des chants II, III, IV et VIII. Chaque lot est estimé £ 240K.

Le 9 juillet 2014, Sotheby's a vendu pour £ 1,54M incluant premium un groupe de six plaques du chant VIII assemblées en deux rangées dans un cadre unique 65 x 82 cm, lot 2.


25 nov. 2020

Camarade Roi

Après sa première année de gloire, Jean-Michel Basquiat reste très attentif à ses camarades du street art. Le 7 décembre à New York, Phillips vend Portrait of A ONE A.K.A. Kings, acrylique, oilstick et marqueur sur toile 183 x 184 cm peint en septembre 1982, lot 16 estimé $ 10M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Dans le jargon des rues de New York, le King est un tagueur qui a établi sa renommée dans son quartier. Un King acquiert ainsi le droit de signer ses oeuvres avec une couronne. SAMO était un King. Le talent d'A ONE, de quatre ans plus jeune, est tout aussi prometteur. Ce gamin de Manhattan n'a pas eu d'autre formation que son expérience des rues et son style de peinture est authentique et complexe, avec des surfaces très remplies.

Pour faire ce portrait, Basquiat a retrouvé son style de l'année précédente. Devant un fond de graffitis marqués KINGS, le garçon afro-américain a l'attitude des guerriers et des champions caricaturés par Jean-Michel. La tête est un masque rouge surmonté d'une épaisse couronne à trois pointes. Je ne sais pas si A ONE s'est reconnu dans cette image mais ils se sont certainement bien amusés. Basquiat n'a pas oublié d'intégrer sa propre couronne de signature, plus simple.

L'innovation de Basquiat est sans limite. La peinture n'est pas montée dans un cadre mais sur un tréteau de quatre poutres dont les extrémités débordent aux quatre coins de la toile. Il aimait construire ces supports avec des morceaux de bois récupérés on ne sait où.

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