Le Parfait Diamant Blanc en Taille Emeraude

Le sous-sol Sud Africain regorge de pierres merveilleuses. Le diamant blanc parfait à vendre par Sotheby's à New York le 21 avril est encore un exemple d'extraction récente. Il pèse 100,20 carats après avoir été travaillé dans une gemme d'environ 200 carats, ce qui constitue un excellent rapport de poids facilité par les technologies modernes.

Du point de vue minéralogique, il est parfait, Type IIa, couleur D, et internally flawless malgré sa grande dimension.

Par rapport aux autres diamants de même qualité et de poids similaire, il a l'exceptionnelle qualité d'être taillé en émeraude, offrant une des meilleures brillances possibles. Il est estimé $ 19M, lot 357, et a fait l'objet d'un communiqué de presse détaillé.

Citons deux autres diamants blancs d'origine Africaine précédemment discutés dans cette chronique.

Le 15 mai 2013, Christie's vendait pour CHF 26M incluant premium un diamant taillé en poire pesant 101,73 carats. Le 7 octobre 2013, Sotheby's vendait pour HK$ 240M incluant premium un diamant ovale pesant 118,28 carats.

Sotheby's Unveils Rare 'Perfect' 100-Carat Diamond http://t.co/l7k5xBQikU pic.twitter.com/XrxhYPaWZh
— ARTFIX daily (@ARTFIXdaily) February 17, 2015

#BeMine This 100-carat perfect diamond in a classic Emerald-cut will lead our 21 April jewelry sale in NYC 💘💎 pic.twitter.com/0iI4fzIHfo
— Sotheby's (@Sothebys) February 13, 2015

Carabin et l'Envol des Allégories

Rupert Carabin était un artisan qui avait reçu initialement une formation de graveur de camées. A l'aube du XXème siècle, ce contemporain de Linke mais aussi de Rodin offre une transition entre la décoration symboliste du siècle précédent et un art nouveau plus expressif.

Ce fabricant de meubles intègre dans ses pièces des nus féminins qui expriment les passions, avec un réalisme morphologique qui exclut l'érotisme. Mal compris en son temps, sa recherche de création de meubles fonctionnels flanqués de thèmes figuratifs anticipe cependant Rateau et même Le Corbusier.

Le 8 avril à Paris, Millon vend une pendule de table signée par Carabin en 1910, dans la brève période où son importance artistique est reconnue. Elle est estimée € 150K, lot 23.

La pendule est insérée dans un bloc d'améthyste qui supporte un bronze patiné d'1m de haut. Cette oeuvre unique réalisée sur commande est intitulée L'Envolée des heures.

Le bronze montre six femmes nues. Trois d'entre elles forment une chaîne similaire à une fumée tourbillonnante, la dernière femme exprimant l'effroi d'être arrivée aussi haut. Les trois autres femmes ne parviendront pas à stopper ce mouvement ascendant ni l'inexorable dérive du temps.

Je vous invite à jouer la vidéo partagée sur YouTube par la maison de ventes :

Bébé Colt

Les brevets déposés par Colt en 1836 sont parmi les plus importants de l'industrie Américaine. S'appuyant sur revolver précédemment développé par Elisha Collier, Samuel Colt conçoit un pistolet revolver à percussion avec gachette pliante et chargement par une culasse tournante.

Il fonde immédiatement une usine à Paterson NJ et crée une société en charge d'exploiter ses inventions, la Patent Arms Manufacturing Co. Sa gamme de revolvers à cinq coups prend le nom de Colt Paterson. Les modèles diffèrent par le calibre et la longueur du canon.

Le plus petit est un modèle de poche, No 1 du catalogue, en calibre .28. Il a été produit de 1837 à 1840, et est également connu sous le surnom de Baby Paterson.

Le 25 avril à Rock Island IL, RIAC vend un des tout premiers specimens de Baby Paterson, lot 1093. Ce numéro de série 98 était probablement un exemplaire de démonstration, caractérisé par un canon extrêmement court de 1 3/4 inch. Il est le plus ancien revolver Colt qui ait été équipé d'une crosse en nacre et ait été gravé à l'usine comme un exemplaire de présentation ou d'exposition.

En excellent état de conservation, ce numéro 98 est vendu avec sa boîte en acajou d'origine et de nombreux accessoires d'époque. Il est estimé $ 400K.

Il est illustré sur le tweet ci-dessous, émis pendant la préparation du catalogue. L'estimation de cette pièce historique a été ensuite revue à la hausse.

Earliest known engraved Colt revolver (Baby Paterson), to sell in April Premiere Auction. Est: $250,000 - $350,000 pic.twitter.com/5QporJbXuK
— Rock Island Auction (@RIAuction) February 24, 2015

Souvenir Exotique du Brésil

Un renversement d'alliances en Europe a amené les Hollandais à s'installer sur la côte Nord-Est du Brésil pour tenter de préserver leurs intérêts commerciaux en Amérique du Sud. Recife devient Mauritsstad, capitale de cette éphémère Nieuw Holland d'Amérique.

Frans Post, jeune frère du peintre Pieter Post, séjourne en Nieuw Holland de 1637 à 1644. Il réalise de nombreux dessins et quelques peintures de paysages, avec un ciel gris qui atteste du caractère peu plaisant du climat équatorial.

En 1646, Frans est inscrit à la guilde de St Luc de sa ville natale, Haarlem. Il y retrouve Pieter de Molijn qui mêlait la scène de genre au paysage. Pendant un quart de siècle, Frans Post réalisera des vues du Brésil.

Ses images perdent rapidement leur réalisme pour afficher une colonisation réussie, avec les esclaves occupés dans les champs autour de petites maisons. Il réutilise ses esquisses pour introduire une flore et une faune exotique. Avec le temps, les premiers plans se vident, peut-être parce que l'artiste préférait être moins précis pour éviter d'être contredit. Sa mémoire était certainement affaiblie par l'alcool.

Le 22 avril à New York, Sotheby's vend une agréable vue du Brésil, lot 41 estimé $ 1,5M. Cette huile sur panneau 35 x 41 cm peinte vers 1670 inclut deux groupes de travailleurs, un ciel bleu parsemé de nuages, et les inévitables symboles exotiques : un grand palmier, et un tatou qui côtoie paisiblement un fourmilier.

Couleurs Etrangères sur Fond Jaune

Promoteur de toutes les techniques artistiques, l'empereur Qianlong avait toutefois ses préférences, à la fois par goût personnel et par obligation de respecter les traditions et l'étiquette.

Le yangcai signifie couleurs étrangères. Cette technique permet d'utiliser sur les porcelaines toute la gamme de couleurs des émaux Européens. Nommée famille rose en Occident, elle était considérée par l'empereur comme le moyen de créer les meilleures porcelaines de tous les temps, au-delà des Ru et Guan des Song.

La cour impériale Chinoise favorise les symboles de toutes sortes et le jaune brillant est attribué à a personne de l'empereur, peut-être par allusion au soleil. Dès le début de son règne, Qianlong réclame des porcelaines yangcai à fond jaune.

Limitées à un espace réservé à l'empereur dans le palais impérial, ces céramiques prestigieuses ne seront jamais exportées. Leurs formes sont variées selon la pratique habituelle des ateliers de Jingdezhen.

Selon les meilleures traditions de la cour, elles sont décorées de nombreux symboles utilisant toutes les couleurs de la palette yangcai, difficiles à comprendre par l'observateur étranger parce que faisant appel à l'homophonie. Ces auspices sont réunis sur une même pièce pour faire un cadeau d'anniversaire à l'empereur, malheureusement non daté.

Le 9 octobre 2012, Sotheby's vendait pour HK$ 107M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 40M une somptueuse paire de vases de forme double gourde de 18 cm de haut aux couleurs saturées.

Le vase yangcai à fond jaune à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 7 avril est également un exploit technique. Il est estimé HK$ 40M, lot 3608. Par sa taille monumentale, 75 cm de haut, il est considéré comme une pièce unique en son genre.

Sa décoration dense aux couleurs harmonieuses est essentiellement florale, avec des arabesques végétales entrecoupées de nombreux autres motifs figuratifs.

Les Sceaux en Jade Blanc de l'Empereur Yongzheng

L'empereur Yongzheng avait un goût artistique original et sûr. Un eunuque jouant le rôle de majordome transmettait aux ateliers les édits par lesquels l'empereur exprimait ses désirs. Les enregistrements ont été conservés. Pour ce qui concerne les sceaux l'extrême précision des descriptions et des dimensions permet de reconnaître les pièces.

Le 15ème jour du 7ème mois de la 3ème année du règne, 22 août 1725 de notre calendrier, l'eunuque commande deux sceaux en jade blanc pour une même inscription, avec leurs boîtes. 5 jours plus tard l'inscription est soumise au contrôle sous forme d'un prototype en bronze.

Les deux sceaux sont terminés le mois suivant à neuf jours d'intervalle. Cette grande rapidité d'exécution s'explique par le fait que les ateliers ont re-ciselé deux anciens sceaux que l'empereur avait probablement choisis lui-même dans la collection impériale avant d'émettre son ordre.

Le plus petit des deux sceaux, 5,5 x 5,6 cm, sculpté d'un dragon de style Yuan, a été vendu pour HK$ 35,4M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2011.

L'autre sceau, basé sur une figure Kangxi, est plus grand et plus ambitieux. Haut de 7,4 cm sur une base carrée 6,1 x 6,1 cm, il a la forme d'un rocher sur lequel est couché un dragon sans corne ou chilong avec la gueule ouverte dans une attitude feulante. Le rocher est flanqué de huit autres chi évoluant au milieu de nuées.

Ce sceau est offert avec sa luxueuse boîte d'origine incrustée d'ivoire. Il est estimé HK$ 30M, à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 7 avril, lot 102.

Les deux sceaux décrits ci-dessus sont exceptionnels. Bien que Yongzheng ait commandé plus de deux cents sceaux pendant son court règne, cinq seulement ont été réalisés en jade.

Un Jade Archaïque de la Collection Qianlong

Le jade est la bonne pierre, appréciée en Chine depuis 8000 ans pour sa beauté et sa dureté et aussi pour la possibilité de le sculpter. Très tôt des disques de jade centrés d'un trou rond ont été portés en amulette. Ce sont les Bi. Leur décoration symbolique attire les meilleurs auspices sur le porteur. Leur rareté en fait un discriminant social et leurs propriétaires de haut rang les conservent jusque dans la tombe.

L'empereur Qianlong était un très grand connaisseur des jades antiques. Son expertise personnelle des pièces a fait l'objet de pas moins de 800 poèmes. Le 7 avril à Hong Kong, Sotheby's vend un des jades les plus exceptionnels de cette ancienne collection impériale, lot 3202 estimé HK$ 30M.

Ce bi a une forme complexe pour une hauteur totale de 24 cm. La large couronne intérieure est ciselée sur les deux faces d'un réseau serré de clous. La couronne extérieure et la protubérance sont ajourées et ciselées avec des dragons, des chi, un phénix et deux grandes lettres. La couleur varie entre le céladon foncé et le brun miel.

L'empereur a pris un soin tout particulier à mettre en valeur cette pièce. En l'an Gengyin, 1770 de notre calendrier, il l'a fait monter dans un écran de table démontable en zitan de 31 cm de haut. Son appréciation a été inscrite sur le bord du bi et au revers de la monture. La fin du poème impérial porte la question "à qui as-tu appartenu ?" montrant que pour l'empereur il était un symbole du passé impérial oublié.

L'empereur savait que cette pièce avait été créée un millénaire et demi auparavant, symbolisant la longévité à la fois par sa décoration et son âge. Elle a été réalisée pendant la seconde dynastie Han, il y a 1800 à 1900 ans.

Alan Turing, Théoricien de la Logique

Les grands mathématiciens ont voulu définir si la logique était suffisante pour expliquer le monde. En analysant les problèmes les plus abstraits et les plus difficiles avec un mode de pensée innovant, Alan Turing a poussé la recherche si loin que des applications concrètes sont apparues.

Il fut un visionnaire de l'intelligence artificielle, à l'époque où les premiers calculateurs modernes étaient développés autour de John von Neumann. Pendant la guerre, en travaillant sur la logique des algorithmes, il cassa le cryptage des machines allemandes Enigma supposées inviolables.

Le 13 avril à New York, Bonhams vend un très rare carnet, lot 1. Les pensées de Turing écrites après 1942 occupent le début et la fin du carnet, tandis que le milieu a été utilisé pour des notes personnelles de son éminent élève Robin Gandy insérées après la mort ignoble de Turing (qui fut gracié à titre posthume en 2013 par la reine Elisabeth II).

Ces deux développements autographes de Turing sont inédits. Ils apportent une vision nouvelle sur le mode de pensée d'un des plus profonds savants de notre temps, qui trouvait en forçant la simplification les solutions de problèmes que ses illustres prédécesseurs avaient tout juste réussi à définir.

Le premier de ces textes est une revue du problème de Peano concernant la complétude et la cohérence des mathématiques. Après Hilbert, Turing traite aussi le troisième problème de Peano sur la décidabilité, c'est-à-dire sur la possibilité d'établir un algorithme pour décider si une proposition mathématique est vraie ou fausse. Ce texte est antérieur au travail sur Enigma mais aidera certainement à comprendre le processus qui a permis le déchiffrage.

Le second texte du carnet est une étude des notations mathématiques. Turing a compris qu'une formulation trop compliquée rend plus difficile la recherche de la solution. Il s'appuie notamment sur la recherche d'un langage mathématique universel par Leibniz. Son approche fait de lui un précurseur de la programmation informatique.

Une Anthologie de Techniques sur un Vase Qianlong

Toutes les techniques étaient utilisées pour réaliser les plus beaux vases pouvant plaire à l'empereur Qianlong. Lorsqu'elles étaient mixées, l'artiste gardait toujours l'objectif d'offrir un vase parfait pour la vue et le toucher.

Le 7 avril à Hong Kong, Sotheby's vend un vase aux garçons, lot 3616 estimé HK$ 50M. Cette pièce de 44 cm de haut est à elle seule une anthologie de la céramique Qing, avec la seule exception qu'elle n'est pas réticulée.

La forme est complexe mais de parfait équilibre, avec un corps ovoïde entre un col et une base en quatre panneaux cintrés séparés par des angles vifs.

Le col et la base sont finis par une glaçure céladon vert de mer qui est une des couleurs les plus raffinées de la porcelaine Chinoise et une des glaçures les plus difficiles à réaliser. Les pièces céladon étaient appréciées comme support à des ciselures en haut ou bas relief qui rappellent à l'observateur moderne que le plaisir du toucher est une caractéristique des meilleures porcelaines de Chine.

Le corps ovoïde est traité au bleu de cobalt sous glaçure, par-dessus lequel ont été insérées quatre grandes images en émaux de la famille rose, la meilleure palette de la porcelaine Chinoise. La dorure est largement utilisée également, pour la marque impériale sous la base, pour l'encadrement des images et pour les anses dragons.

L'illustration est sur le thème des jeunes garçons jouant. Bien que le vase ne puisse pas être daté, on notera que l'empereur Qianlong avait promu pendant la 8ème année de son règne, 1743 de notre calendrier, une variété de thèmes narratifs destinés à être utilisés à l'occasion des fêtes, rompant ainsi avec une tradition qui après les Yuan était devenue essentiellement décorative.

Le Gouvernement Eternel de l'Empereur Yongzheng

La porcelaine Chinoise connaît un nouveau développement important pendant le règne de Kangxi avec l'utilisation de l'émail. Les pièces multicolores étaient déjà spectaculaires sous les Ming mais la nouvelle technique appelée falangcai permet de remplacer les couleurs pures par des nuances exquises qui plaisent au goût Chinois.

La nomination par Yongzheng à la sixième année de son règne de Tang Ying comme surintendant des ateliers de Jingdezhen est un des évènements les plus importants de l'histoire de l'art, ouvrant la voie à une diversification totale de la porcelaine Chinoise en termes de formes, thèmes, couleurs, dimensions, imitant les pièces antiques ou apportant une innovation sensationnelle.

La maîtrise des couleurs devient complète avec le rose, à cette période. Cet aboutissement suprême du falangcai est le yangcai souvent dénommé famille-rose. Le yangcai permet aux artistes d'exprimer toutes les nuances délicates des fleurs de pêchers, symbole de longévité heureuse, et d'améliorer l'aspect velouté des fruits mûrs.

Le 7 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une paire de bols aux pêches, lot 112 estimé HK$ 40M. Chaque pièce de 13 cm de diamètre est décorée de symboles de bons auspices, et cette paire portant la marque de Yongzheng a sans doute été réalisée pour la célébration d'un anniversaire de l'empereur lui-même. Les six pêches et les cinq chauves-souris de chaque bol apportent tous les voeux les plus plaisants à l'empereur.

La branche avec ses fruits, ses feuilles et ses deux nuances de fleurs commence à la base et se prolonge sur toute la surface intérieure sans interruption en passant par-dessus le bord de la pièce, offrant un spectacle complet quelque soit l'angle sous lequel le bol est tenu.

Cette caractéristique sensationnelle est une demande spécifique exprimée par l'empereur, enregistrée sur les registres des ateliers impériaux le 19ème jour du 4ème mois de la 9ème année de son règne, 1731 de notre calendrier. La longue branche est prononcée changzhi, qui exprime aussi Gouvernement éternel par homophonie.

Yongzheng mourut quatre ans plus tard. La paire de bols yangcai changzhi Yongzheng à vendre par Sotheby's est d'une extrême rareté, avec seulement cinq autres paires et un bol isolé. Deux des cinq paires ont été séparées.

Le Collectionneur de Locomotives

Après avoir travaillé pendant une courte période pour les British Railways, Pete Waterman est devenu disc jockey. Il mène en parallèle depuis un demi-siècle ces deux spécialités. Compositeur de chansons, producteur de disques et impresario de la pop, il est devenu un des hommes les plus riches d'Angleterre.

Waterman collectionne les vraies locomotives et aussi les modèles réduits. Il a employé les meilleurs modélistes d'Angleterre à construire pour son usage personnel des machines reproduisant les locomotives anciennes. Le respect absolu de l'échelle de tous les équipements rend le plus souvent impossible la mise en vapeur du fait de l'étroitesse des tuyaux.

Agé de 68 ans, il pense au futur financement de l'entretien de ses vraies locomotives gérées par son Waterman Railway Heritage Trust et a décidé de vendre sa collection de modèles miniatures à vapeur. La vente aux enchères est organisée en 56 lots par Dreweatts à Londres le 16 avril. Voici le lien vers le catalogue classé par ordre d'estimations décroissantes.

Les trois pièces les plus spectaculaires sont estimées chacune £ 100K, lots 52, 53 et 54. Elle reproduisent chacune une locomotive et son tender de la Great Western Railway, dont les originaux circulaient en Angleterre autour de 1900. Ces modèles ont été réalisés en gauge 7 1/4 inch par le modéliste David Aitken. La plus grande mesure 2,55 m de long en incluant le tender.

La Marque Swatch

Swatch est une grande aventure industrielle suisse qui a permis la reconquête du marché de la montre à bon marché face à la domination écrasante des montres Japonaises. Cette marque est disponible depuis 1983, après trois ans de développement.

L'idée des fondateurs était de diminuer le plus possible le nombre de composants pour réduire le plus possible les frais de production. Le défi technique consistait à conserver dans ces conditions la précision de l'instrument tout en assurant une durée de fonctionnement acceptable.

Le marketing a été très innovant, promouvant des illustrations amusantes et des utilisations imprévues voire loufoques. L'utilisateur peut épingler sa montre Swatch sur sa veste ou l'utiliser pour nouer sa queue de cheval. A partir de 1985, des séries en tirage limité sont illustrées par des artistes. Swatch a ainsi collaboré avec Kiki Picasso et Keith Haring, sans négliger les thèmes populaires comme le cinéma ou les compétitions sportives.

Le 24 novembre 2011, Phillips vendait la collection Blum en un seul lot pour HK$ 51M incluant premium. Composé au total de 4370 pièces, cet ensemble incluait 795 prototypes dont certains étaient antérieurs au lancement de 1983.

Le 7 avril à Hong Kong, Sotheby's vend la collection Dunkel, lot 2189. Ce superlot est composé de 5800 pièces dont 45 prototypes, essentiellement de 1983 à 2008. Voici le lien vers le communiqué de presse.

Le Jour où la Musique est Morte

Le rêve Américain était fragile. James Dean est mort à 24 ans dans un accident de voiture en 1955 et Buddy Holly à 22 ans dans un accident d'avion en 1959.

Pendant sa très brève carrière, Buddy Holly avait incarné le développement du rock and roll. Quand il meurt, Don McLean sort à peine de l'enfance. Avant d'entrer dans la vie adulte, il comprend le caractère éphémère de la musique, de la vie et des relations entre les garçons et les filles. Il décide de devenir musicien et poète.

American Pie est un long poème en quatre strophes, un refrain, une introduction et une conclusion, écrit en 1970 et 1971 par Don McLean et enregistré par lui en mai 1971. L'expression The Day the music died entre dans la culture populaire Américaine. Madonna chante en 2000 une version écourtée (dé-Satanisée) du poème.

Le succès considérable de cet hymne moderne est lié à son texte énigmatique, mêlant les événements tragiques du rock and roll avec des allusions apocalyptiques, avec aussi une maîtrise exceptionnelle de la sonorité de la langue anglaise. McLean n'a jamais expliqué comment le texte et même le titre devaient être compris.

Le poète avait réuni ses manuscrits de travail incluant la version finale. Cet ensemble inclut des sections inutilisées et de nombreuses révisions inconnues jusqu'à ce jour dont on ne sait pas encore si elles clarifieront ou obscurciront le message prophétique du troubadour. Ce lot est estimé $ 1M, à vendre par Christie's à New York le 7 avril, lot 1.

Printemps en Fleurs à Beijing

Wu Guanzhong est un intellectuel directement visé par la Révolution Culturelle de 1966. Condamné aux travaux forcés à la campagne, il n'a plus le droit de peindre ni d'enseigner l'art.

Son régime s'assouplit à partir de 1972. Wu reprend partiellement son activité, prenant pour modèle la nature avec un surprenant optimisme. Il aime son pays, mais son inspiration est globale.

Les Pruniers en fleurs, huile sur toile 90 x 70 cm montée sur panneau, peinte en 1973 lors d'un bref séjour à Beijing, est un chef d'oeuvre de cette période de redémarrage. Cette peinture est estimée HK$ 35M à vendre par Sotheby's le 4 avril, à Hong Kong, lot 1006.

L'huile sur toile est une technique occidentale, et la domination de la couleur est influencée à la fois par l'impressionnisme français et l'expressionnisme abstrait Américain mais la délicatesse des couleurs évitant toute saturation est Asiatique. L'arbre en fleurs est un thème préférentiel de l'art de vivre Chinois et le détail du dessin méticuleusement répété est inspiré des anciens maîtres.

Dans cette peinture, Wu capte la joie totale offerte par la nature printanière. Par la qualité et la diversité de son oeuvre ultérieure, il est un des plus importants artistes du dernier quart du vingtième siècle.

Ruiz Picasso entre Deux Deuils

Le nouveau siècle est propice aux rêves et aux ambitions. Pablo Ruiz Picasso, âgé de 19 ans, est hyperactif en 1900 à Barcelone. Le cabaret des Quatre Gats, qu'il fréquence assidument, lui offre sa première exposition et il ouvre son premier atelier avec Casagemas. A la fin de l'année, el rey Pablo ira chercher la gloire à Paris

Sa première spécialité cette année-là est le portrait des personnages de la bohême Barcelonaise, inspiré par les caricatures de Casas. Intéressé par l'extension de ses thèmes, il essaye aussi la scène de genre et la tauromachie.

Il accepte de réaliser l'illustration d'une nouvelle macabre pour un magazine local. La Boija est un petit dessin montrant à mi-corps le portrait d'une femme. Elle a la détresse psychologique des folles de Géricault dans une mise en scène de solitude digne de Munch.

Picasso n'avait pas besoin de connaître ces deux maîtres pour élaborer cette composition forte : son jeune talent était déjà suffisant. Sans aucun doute, ce thème de commande a ravivé en lui le traumatisme de la mort de sa jeune soeur Conchita en 1895.

Ce dessin 14 x 10 cm à l'encre, lavis, gouache et pastel signé P Ruiz Picasso est estimé € 300K, à vendre par Christie's à Paris le 25 mars, lot 10.

En 1901, le suicide de Casagemas éconduit par une danseuse du Moulin Rouge est un nouveau traumatisme qui plonge Pablo dans sa période bleue, dans un style d'une très haute originalité et force expressive pour laquelle La Boija avait joué le rôle de précurseur. Ruiz est un nom trop répandu en Espagne : il signe désormais Picasso, tout simplement.

La Monnaie Confédérée

Pour ce qui concerne la monnaie, l'année 1861 commençait normalement. Les matrices du nouveau millésime avaient été envoyées à l'usine de la Nouvelle Orléans et la production avait commencé. La sécession des états du sud pose immédiatement le délicat problème de la production avec du matériel et des stocks appartenant à l'état fédéral.

Le secrétaire au trésor du nouveau gouvernement confédéré, Christopher G. Memminger, craint le coût de production d'une monnaie autonome et n'en fait pas une priorité. Le projet de demi-dollar, en avril 1861, sera le seul exemple d'essai d'une monnaie d'argent confédérée.

Ce demi-dollar est conçu par substitution d'une nouvelle matrice sur la face avant, montrant le blason au sept étoiles des états sécessionnistes. Le reste est inchangé, y compris les étoiles du revers rappelant les treize états d'origine de l'Union.

Le mois suivant, le gouvernement confédéré ferme l'usine de la Nouvelle Orléans en prétextant une pénurie de bouillon qui était un faux argument, peut-être simplement pour masquer le fait que le stock fédéral restant pouvait servir de trésor de guerre. La nouvelle matrice du demi-dollar était en haut relief, peut-être plus facile à créer au niveau de l'outillage mais bien plus difficile pour la production. Le projet tombe dans l'oubli, sans regret pour personne.

Une première pièce fait surface en 1879. Un ancien officiel de l'usine de la Nouvelle Orléans est consulté et raconte que quatre unités seulement avaient été produites. Les trois autres réapparaîtront également.

Deux d'entre elles sont en mains privées. L'une d'elles, gradée PR30 par NGC, a été vendue pour 880K incluant premium par Heritage le 8 janvier 2015. Il s'agissait probablement de l'exemplaire qui avait été offert au Président Jefferson Davis. L'autre, gradé PR40 par NGC, est à vendre le 26 mars par Stack's Bowers à Baltimore, lot 2583.

Le Cent Fédéral avant la Panique de Cuivre

Le développement des pièces fédérales de 5 cents (le half disme) et de 1 cent a été commencé en parallèle entre le Coinage Act du 2 avril 1792 et l'installation des équipements de production dans l'usine officielle de Philadelphie le 7 septembre 1792.

Le half disme, qui est la plus petite dénomination en argent autorisée par le Coinage Act, n'a pas posé de problème majeur. Le dépôt de $ 100 de bouillon par le Président Washington le 9 juillet 1792 est un évènement politique majeur.

Plusieurs essais expérimentaux sont réalisés pour le cent fédéral, probablement par le même graveur que le half disme. Le half disme n'est pas signé mais ces premiers cents sont marqués Birch à la base de l'effigie de Miss Liberty.

Onze Birch cents en cuivre ont survécu, en trois variantes. L'un d'eux, gradé MS65 par NGC, a été vendu pour $ 2,6M incluant premium par Heritage le 8 janvier 2015. Le second meilleur exemplaire de la même sous-variante (Judd-4), gradé AU58 par PCGS, est à vendre par Stack's Bowers à Baltimore le 26 mars, lot 2577.

L'augmentation soudaine du prix du cuivre met fin à ce premier cent fédéral avant la phase de production. Les essais bimétalliques cuivre-argent de 1792, qui ne pouvaient pas être viables industriellement, ont probablement été réalisés en décembre. Le premier cent disponible pour circulation sera le chain cent, en mars 1793.

Les Réserves du New Deal

Les plus hautes dénominations de papier monnaie Américain sont devenues d'une très grande rareté. Emises à l'usage des banques et des échanges avec le gouvernement, elles n'ont pas circulé et la plupart d'entre elles ont été détruites après avoir été restituées ou annulées.

Cet état de fait s'applique aux émissions du XIXème siècle et se prolonge jusqu'au XXème siècle. Le 26 mars à Baltimore, Stack's Bowers liste un très beau groupe de Federal Reserve Notes de 1934, avec pas moins de six exemplaires en $ 5000 et trois exemplaires en $ 10000.

La première émission de ces Notes et de Gold Certificates de mêmes valeurs avait eu lieu en 1928, juste avant la crise financière, en quatre dénominations, $ 500, $ 1000, $ 5000 et $ 10000 respectivement aux effigies des Présidents William McKinley, Grover Cleveland, James Madison et de Salmon P. Chase ainsi honoré pour avoir créé le papier monnaie fédéral comme Secrétaire au Trésor de Lincoln.

La première et unique réédition de ces quatre billets eut lieu en 1934. Elle fut massive, sans doute en raison du récent abandon de l'étalon or par les Etats-Unis. Plusieurs sous-variantes sont listées pour tenir compte de la banque émettrice  et des signatures.

Le meilleur $ 5000 de la prochaine vente est le lot 4448, estimé $ 150K. Imprimé à St. Louis, il est gradé PMG Choice Uncirculated 64. Le meilleur $ 10000 de la prochaine vente est le lot 4450, avec le même grade et la même estimation, imprimé à Boston.

Le 9 janvier 2015, Heritage a vendu deux Federal Reserve Notes de 1934 en grade 64. Le $ 5000 émis à Dallas a été vendu pour $ 223K incluant premium. Le $ 10000 émis à New York a été vendu pour $ 188K incluant premium.

Nymphe et Satyre à Anvers

Depuis le temps des miniaturistes, les artistes Flamands étaient des imagiers qui aimaient pratiquer des collaborations entre leurs ateliers. Jan Brueghel l'ancien est solidement établi à Anvers et ses coopérations sont nombreuses, entre autres avec Joos de Momper et Hendrick van Balen.

Au plus haut de sa gloire, Peter Paul Rubens n'hésite pas à pratiquer cet art à quatre mains. Passionné par le corps humain, il n'a peut-être plus le temps de réaliser lui-même l'image du paysage où ses personnages vont apparaître.

Rubens et Brueghel ont réalisé ensemble des peintures mythologiques, bibliques et allégoriques. Quand Jan meurt du choléra en 1625, son fils Jan le jeune âgé de 24 ans assure la direction de son atelier et termine les commandes en cours. Il change l'orthographe de son nom en Breughel, sans doute pour différencier sa signature de celle de son père.

Le 22 avril à New York, Sotheby's vend une huile sur panneau 58 x 95 cm par Rubens et Breughel, lot 30 estimé $ 3M. Cette oeuvre sur le thème de Pan et Syrinx dans un paysage n'est pas signée mais le processus de sa création a été reconstitué.

Le panneau est monogrammé par la guilde des charpentiers d'Anvers et par Michiel Vriendt, qui fut un fournisseur de Rubens. Le maître a peint à une date non identifiée le dieu truculent qui agrippe la nymphe à demi-nue. Le panneau a alors été transféré à Brueghel commissionné pour ajouter le paysage marécageux où Syrinx va bientôt se métamorphoser en roseau pour échapper au satyre, selon Ovide.

La date de 1626 est plausible. Le thème avait précédemment fait l'objet d'une scène plus rapprochée par Rubens et Jan Brueghel l'ancien. Le registre de comptes de Breughel le jeune indique effectivement pour cette année-là une peinture sur laquelle les figures de Pan et Syrinx avaient été réalisées par Rubens.

La Porcelaine Impériale des Song du Sud

L'acceptation de la porcelaine par les Song pour les usages courants du palais a ouvert un défi pour les artisans spécialisés : ces ustensiles devaient être aussi plaisants que le jade à la vue et au toucher. Le développement est rapide, avec des formes nouvelles, des figurations incisées et des glaçures blanches ou céladon. La peinture sous glaçure n'a pas encore été inventée.

L'empereur lui-même promeut ce nouvel art qui atteint un raffinement sans précédent avec la très brève opération des fours Ru (Ru yao) juste avant l'invasion des Jin. Les Song ne contrôlent désormais plus que le sud de la Chine avec une capitale temporaire dans l'actuelle ville de Hangzhou.

Choqués par ces évènements, les Song du Sud cherchent à retrouver leurs valeurs par un compromis entre la tradition et le progrès. Au-delà des Tang dont le luxe était voluptueux, les Song redécouvrent les formes variées des bronzes rituels antiques, des Shang aux Han. Ils inaugurent pour la porcelaine une tradition d'imitation des pièces anciennes qui sera continuée jusqu'aux Qing.

Deux fours impériaux (Guan yao) sont installés à Hangzhou. Leur localisation est connue, et l'un d'eux était probablement à l'intérieur de la cité impériale. Cette porcelaine officielle privilégie l'équilibre des formes géométriques et la qualité de la matière par rapport à la décoration. Le Guan des Song du Sud atteint un raffinement comparable à la porcelaine Ding blanche du début des Song et aux merveilleuses pièces Ru.

Le 7 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une bouteille Guan de 22 cm de haut, lot 1. Le communiqué de presse du 2 mars révèle l'attente : au-delà de HK$ 60M.

La forme générale de ce vase fabriqué il y a 800 ans est un hu, avec un long col au-dessus d'un corps renflé. Cette pièce est pourtant octogonale du col à la base, à l'exception de son orifice circulaire. Quatre filets horizontaux en légère protubérance offrent un cloisonnement plaisant.

Par dessus la céramique brun foncé qui reste visible sous la base, la glaçure vert-bleuâtre a été construite par des chauffages successifs en un processus complexe qui permettait d'adoucir les angles sans intervention mécanique sur la céramique. Le refroidissement final crée le réseau craquelé, selon la pratique déjà connue des Song du Nord qui symbolise le hasard des figures de la nature.

Le Vis-à-Vis Ideal par Karl Benz

Karl Benz dépose en 1886 son brevet de Motorwagen. Sa société sera la première à mettre au point une fabrication industrielle de voitures automobiles. Les premiers modèles de série seront la Victoria à 3 cv et la Velo à 1,5 cv bientôt augmentée à 3,5 cv, introduites en 1892 et 1894, capables d'atteindre 18 Km/h.

La concurrence est déjà rude et la demande est forte pour ce nouveau moyen de locomotion qui évite à la fois le cheval et le rail. Benz apporte de nombreuses améliorations avec l'Ideal créée en 1898.

Le moteur de l'Ideal est encore à un seul cylindre mais développe 4,5 cv, permettant d'atteindre 32 Km/h. Le châssis plat est une nouveauté facilitant l'industrialisation. Elle est élégamment carrossée en vis-à-vis. Surtout, la nouvelle boîte à trois vitesses facilite la conduite en offrant une position intermédiaire entre le plat et la côte.

Une Ideal fabriquée en 1900 a été découverte par un collectioneur dans les années 1950 dans la campagne Galloise. Elle était conservée dans la même famille depuis avant la première guerre mondiale. Elle nécessitait des restaurations qui furent effectuées mais avait gardé une remarquable configuration d'origine.

Cette Benz Ideal est estimée € 230K, à vendre par Bonhams à Stuttgart le 28 mars, lot 121.

Find out more about the 115-Year-Old Mercedes to be sold at the 28 March Mercedes-Benz Sale: http://t.co/zYLr0wDzXk pic.twitter.com/eK8irVASDN
— BONHAMS (@bonhams1793) March 3, 2015

La Ligne Claire d'Edgar P. Jacobs

L'artiste Bruxellois Edgar P. Jacobs avait été un très proche collaborateur de Hergé. Lorsqu'il commence en 1946 la série Blake et Mortimer, il adopte le style de ligne claire et son histoire est tout naturellement accueillie dans le nouvel hebdomadaire Tintin.

Jacobs cherche à introduire un aspect familier dans la science-fiction, donnant une illusion de réalisme très plaisante aux scénarios fantastiques. La Marque Jaune, située dans l'ambiance et le brouillard de Londres, est son chef d'oeuvre.

Les histoires de Jacobs ont les mêmes ingrédients de base que les films d'horreur d'avant-guerre : le monstre aux pouvoirs illimités, les victimes innocentes, le savant fou, la menace pesant sur l'humanité. Le signe maléfique μ laissé par le criminel de la Marque Jaune est inspiré de M le Maudit (ou plus directement des Cigares du Pharaon). Il est difficile de ne pas voir une influence d'Agatha Christie dans les disparitions successives au sein d'un petit groupe au début de la même histoire.

Le 14 mars à Paris, Christie's vend le dessin original de la planche 8 de La Marque Jaune, lot 69 estimé € 100K. Ce dessin 34 x 45 cm à l'encre de chine et graphite rehaussé de gouache inclut les codes chiffrés pour le remplissage ultérieur des phylactères. Il a été publié en novembre 1953 dans Le Journal de Tintin puis en 1956 dans l'album.

L'action est intense tout au long de l'histoire et cette planche ne fait pas exception. Elle inclut l'ambiance d'une rue de Londres, les deux bons héros, des officiers de police, la marque maléfique et même l'oeil scrutateur d'un personnage encore secondaire à cette étape de l'histoire qui sera plus tard identifié comme le savant manipulant à distance le cerveau de la créature.

Tintin chez les Libraires

Dès 1928, la préparation du Petit Vingtième occupe toute l'énergie d'Hergé. Son principal héros, Tintin, devient immensément populaire.

En 1934, bien avant la cessation de parution du Petit Vingtième qui sera une conséquence du déclenchement de la seconde guerre mondiale, Hergé collabore avec l'éditeur Casterman qui publie désormais les albums.

Cette collaboration est intelligente. Casterman aide Hergé à standardiser son oeuvre, avec des histoires sur 62 pages et la réédition des premiers albums avec une meilleure lisibilité du dessin et l'utilisation progressive de la couleur.

Malgré la guerre, Casterman est maintenant prêt pour une diffusion accrue et internationale des albums Tintin. Vers 1943, l'éditeur demande à l'artiste de préparer un dessin pour un dépliant promotionnel.

Hergé a peu de temps disponible pour ce projet. Il répond à la sollicitation de Casterman en 1945 par un dessin 35 x 50 cm qui sera utilisé pour une affiche destinée aux libraires avec le texte Les Albums Tintin et Milou sont en vente ici. Ce dessin est estimé € 650K à vendre par Christie's à Paris le 14 mars, lot 1.

Ce dessin à l'encre de chine est important dans l'art d'Hergé pour plusieurs raisons.

Tintin occupe presque toute la hauteur de l'image. Il s'agit probablement de la plus grande figure réalisée par Hergé pour son héros. Sa silhouette et ses habits ont été modernisés,et prennent déjà l'apparence classique en "ligne claire" de toutes ses images d'après-guerre.

Enfin et surtout, l'image est à la fois dynamique et hautement publicitaire. Tintin trébuche en apportant au libraire une impressionnante pile de ses propres albums. Les livres qui tombent au grand effroi de Milou exhibent les dessins de couvertures de tous les onze albums Tintin alors disponibles chez Casterman.

Big Nudes sur Talons Aiguilles

Helmut Newton travaillait pour les magazines érotiques. Il voulait tout à la fois charmer et choquer. En 1981, avec sa série des Big Nudes, il réalise des tirages de très grandes dimensions d'une netteté impeccable, avec une lumière cinglante sur la peau des modèles.

Sie kommen est un diptyque qui donne la clé pour lire la série. Sur l'élément de gauche, quatre femmes sont élégamment vêtues comme pour un défilé de mode. Elles marchent en direction de l'opérateur. Sur la photo de droite, elles sont dans la même attitude sauf qu'elles ont tout ôté à l'exception des chaussures à talons aiguilles qui favorisent leur cambrure sculpturale.

Un tirage de ce diptyque en quatre panneaux 193 x 98 cm très proche de la grandeur nature a été vendu pour $ 660K incluant premium par Christie's le 16 décembre 2008.

Le même groupe est montré sur un triptyque intitulé Walking Women, Paris. Elles sont debout dans des positions variant légèrement et à nouveau totalement nues sur leurs chaussures. Newton leur avait laissé la liberté de mouvement et a probablement choisi parmi de nombreux négatifs trois photos qui exprimaient au mieux le charme et la bizarrerie de la scène.

Un triptyque en format d'images 135 x 113 cm en montages séparés 172 x 150 cm est estimé $ 700K, lot 8 à vendre par Phillips à New York le 1er avril.

Petrus à la Vieille Ferme

Le 21 mars à Hong Kong, Christie's vend une verticale de 57 bouteilles de Petrus de 1950 à 2009, lot 206 estimé HK$ 1,1M.

L'appellation Petrus semble remonter à l'implantation de la vigne par les Romains dans la région de Libourne. C'est faux. Petrus est un lieu-dit, et apparaît seulement en 1837 dans l'histoire du vin.

Les propriétaires ont vu avec justesse que la position de ce petit coin de terre au-dessus de Pomerol et la qualité du sol argileux était favorable à la création d'un très grand vin capable de rivaliser avec les meilleurs Saint-Emilion à condition de le planter en merlot. Tant pis si la propriété n'était pas un château mais seulement une vieille ferme !

Ils avaient raison. Après la seconde guerre mondiale, Petrus est devenu un des tout premiers vins rouges français. La marque a totalement misé sur la qualité en soignant la vigne tout au long de l'année, en n'utilisant que des tonneaux neufs et en rejetant les lots inférieurs sans les présenter dans une appellation secondaire.

Depuis 1950, trois années ont été totalement supprimées en raison de la grêle ou d'autres dommages, expliquant le fait qu'une verticale de Petrus aura toujours ces manques. Ce fait déroute peut-être les collectionneurs, et les verticales de ce ce très grand vin sont rares aux enchères.

Monir au Centre du Diamant

Monir Shahroudy Farmanfarmaian, née à Qazvin dans le nord-ouest de l'Iran, s'intéresse très tôt à l'art moderne occidental dont elle rencontre les avant-gardes lors d'un très long séjour à New York. Revenue en Iran en 1957 avec son mari le Dr Farmanfarmaian, elle étudie et collectionne les arts traditionnels.

En 1966, Monir est éblouie par le dôme du sanctuaire Shah Cheragh à Shiraz. Ce monument vieux de six siècles lui donne l'impression d'être placée au centre d'un diamant à multiples facettes pour regarder le soleil, selon ses propres termes.

Dès lors, elle s'approprie une technique ancienne de décoration en mosaïque de miroirs et peinture sous verre. L'exceptionnelle brillance exploite à la fois la réflection et la réfraction de la lumière. Elle assemble les éléments dans des structures tridimensionnelles dont la géométrie s'inspire des architectures aristocratiques traditionnelles de la Perse.

L'effet obtenu est un enveloppement du spectateur qui rejoint les objectifs de l'expressionnisme abstrait avec une influence plus spécifique des jeunes minimalistes comme Frank Stella et Robert Morris et une conception proche de l'Op art.

Le 18 mars à Dubai, Christie's vend Zarah's Image, lot 140 estimé US$ 350K. Cette oeuvre 185 x 135 x 19 cm est une étude réalisée en 2009 pour une oeuvre plus monumentale en hommage à un héros contemporain Iranien. L'artiste était alors âgée de 85 ans.

Eveil avec le Sage

Les bronzes Bouddhistes d'Asie montrent des figures de divinités qui expriment toute la gamme des attitudes utiles à la communication avec les fidèles : sérénité, méditation, intimidation. Les portraits de personnages réels sont beaucoup plus rares.

Le collectionneur Robert Hatfield Ellsworth aimait s'entourer de ses pièces préférées dispersées dans son immense appartement à Manhattan. Sur la tête de lit de sa chambre à coucher, son bronze préféré accueillait son éveil chaque matin. Il l'appelait son Yogi.

Cette statuette de 32 cm de haut est le portrait d'un sage assis dans la position du lotus. Les yeux grands ouverts marquent la volonté de communiquer avec son visiteur et le classe dans la catégorie des enseignants. Le front lisse, sans le troisième oeil, confirme que le modèle était humain.

Plusieurs éléments dont le corps grassouillet et les cheveux denses et crépus font penser à Padampa Sangye. Cet important mahasiddha (grand adepte Bouddhiste) originaire de l'Inde du Sud, mort il y a 900 ans, avait longtemps enseigné la perfection au Tibet.

Ce bronze est estimé $ 1M, à vendre sans prix de réserve par Christie's à New York le 17 mars, lot 8. Le sous-titre de ce lot dans le catalogue place son origine au Tibet entre le 11ème et le 12ème siècle de notre calendrier, considérant ainsi que cette figure est contemporaine ou très peu ultérieure à la vie du sage.

Five Himalayan masterpieces from the Ellsworth Collection http://t.co/AhFhM0yAb5 #ArtDigest pic.twitter.com/28TWFu2r8l
— Christie's (@ChristiesInc) March 5, 2015

La Passion d'Alfred Stieglitz

Alfred Stieglitz était une personnalité centrale de la vie artistique de New York, élevant la photographie au niveau des arts majeurs et promouvant les jeunes artistes. En 1917, sa vie change. Il ne peut plus maintenir son magazine Camera Work et ferme sa Galerie 291.

Georgia O'Keeffe avait été une des dernières artistes honorées d'une exposition en solo à la Galerie 291. Elle vient vivre chez lui en juin 1918. Agée de 31 ans, elle a 23 ans de moins qu'Alfred. Ainsi commence une des plus remarquables collaborations artistiques de l'art moderne.

Alfred commence aussitôt un portrait photographique extensif de Georgia. Il fera plus de 300 photos sur une durée de 20 ans. Les deux premières années sont particulièrement prolifiques comme si Alfred découvrait soudain la passion de sa vie.

Le 31 mars à New York, Christie's vend un portrait de Georgia devant un de ses dessins, lot 233 estimé $ 400K, tirage platine 25 x 20 cm d'après un négatif réalisé en 1918. Le regard légèrement levé est indifférent sous le chapeau bas qui masque le front, mais toute l'expression est centrée sur la souplesse des doigts.

L'année suivante, les mains sont devenues un thème à part entière au même titre que le torse nu. Un tirage palladium 25 x 20 cm a été vendu pour $ 1,47M incluant premium par Sotheby's le 14 février 2006.

Rebecca dans la Pénombre

Après la première guerre mondiale, un nouvel art photographique démarre à New York. Autour de Stieglitz et Steichen, la réussite d'une image est une chaîne continue d'exploits techniques depuis le choix du thème jusqu'au tirage de l'épreuve positive dans la chambre noire.

Les photographes cherchent l'expression émotionnelle dans les lumières les plus extrêmes et les plus difficiles. Chacun teste les dosages chimiques qui créeront une qualité d'image exceptionnelle.

Certains artistes ont leur muse qui devient le thème privilégié de leur art, comme Georgia O'Keeffe avec Stieglitz. Paul Strand travaille avec Rebecca Salsbury à partir de 1920. Il photographie son visage dans la pénombre, en gros plan, avec des éclats de lumière dans le blanc des yeux qui invitent à l'exploit du futur tirage positif. Il travaille par contact avec les meilleurs papiers au platine ou au palladium et expérimente l'effet des traitements thermiques sur le lustre de l'image.

Le 1er avril à New York, Sotheby's vend un beau portrait en diagonale du visage de Rebecca par Paul, daté 1921 à partir d'un négatif de la même année, un an avant leur mariage. Ce tirage platine 20 x 25 cm est estimé $ 300K, lot 38.

Dans la même technique et le même format, le visage de Rebecca photographié de face avec un regard direct en 1923 a été vendu pour $ 650K incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2008 dans la vente de la collection Quillan.

Frankenstein Usé par son Succès

Depuis 1923, Universal Pictures produit les meilleurs films d'horreur du cinéma classique. Le principal producteur, Carl Laemmle Jr, assimile progressivement les attentes du public de ce nouvel art.

Le chef d'oeuvre du genre est Frankenstein, sorti en 1931, qui offre toutes les caractéristiques de ce thème : un monstre puissant et stupide mais sentimental, une charmante actrice entrée en sa possession, un savant fou dans un laboratoire étrange.

Universal est aussi le distributeur de ses films. Le succès de la fréquentation des salles dépend de la force attractive du message proposé devant l'entrée. L'affiche de cinéma devient elle-même un art avec ses images chocs qui sont plus ou moins liées à l'intrigue du film. Lorsque la salle change son programme, l'affiche est détruite ou conservée sans soin en attente d'une rediffusion du film.

Il a fallu bien longtemps avant que les qualités artistiques de ces affiches soient reconnues. Les affiches survivantes des meilleurs films d'horreur sont devenues extrêmement rares.

Le 28 mars à Dallas, Heritage vend une affiche éditée pour la sortie de Frankenstein. C'est l'une des deux versions connues du format à trois feuilles, 104 x 200 cm, et le seul exemplaire survivant de son type. Elle est en état d'usage, incluant des bords rognés. Cette pièce est estimée au-delà de $ 100K, lot 86187.

Aujourd'hui toute la gloire de ce film se concentre sur le monstre joué par Boris Karloff. Il est intéressant de noter qu'au moment du lancement les acteurs annoncés en plus grosses lettres n'étaient pas Karloff mais Colin Clive qui jouait le rôle de Frankenstein et la très jeune Mae Clarke, joliment tombée en pâmoison sur l'affiche.

Flying Merkel au Motordrome

La carrière de Joseph Merkel est un bon exemple de la filiation entre le chemin de fer et la motocyclette dans le Wisconsin. Fabricant d'équipements, il installa dès 1899 un moteur sur un tricycle. Il aida ou tout du moins inspira les premiers essais de Harley et Davidson.

Son modèle de motocyclettes Merkel-Light était populaire, mais la plus grande gloire de sa marque commence en 1911 quand son affaire est rachetée par une société de l'Ohio et produit le Flying Merkel pour la compétition. Ce nouveau projet était certainement antérieur car l'appellation Flying Merkel était apparue deux ans auparavant.

La compétition de motocyclettes se développe à la même époque. Le premier board track racing, également appelé motordrome, est ouvert près de Los Angeles en 1910. Inspirée des vélodromes des courses de bicyclettes, c'est une piste circulaire de 1,6 Km de circonférence. En 1911, une Flying Merkel réalise une belle performance d'endurance en parcourant 80 Km à la vitesse moyenne de 120 Km/h.

Le 21 mars à Las Vegas, Mecum vend une Flying Merkel également de 1911, restée dans sa configuration d'origine. Cette moto remarquablement authentique a même conservé la peinture orange vif de son réservoir. Elle est estimée $ 350K, lot S79.

La compétition était bien tentante mais les intervenants n'avaient pas compris les difficultés de financement de cette activité. La fragile piste de bois de Los Angeles a fermé en 1913 et la production Merkel a cessé en 1915.

1911 Flying Merkel Twin Racer. Part of the Cole Collection. http://t.co/sE4xLCC5Eh @mecum pic.twitter.com/xBPxYLVlUf
— Jeffrey Wolfe (@JeffreyWolfeMBF) February 12, 2015