30 déc. 2018

Le Poids de la Croix

Apprenant que sa mère est mourante, Rubens rentre précipitamment à Anvers à la fin de 1608. Les négociations de paix en cours à La Haye, accompagnées de cessez-le-feu, apportent un grand espoir à la Flandre, et l'artiste ne reviendra pas en Italie.

La paix d'Anvers, signée en avril 1609, met fin pour douze ans aux hostilités ouvertes mais les tensions religieuses subsistent. L'église Ste Walburge d'Anvers commande à Rubens pour son autel un triptyque monumental sur le thème de l'érection de la croix, propre à différencier les dogmes catholiques de ceux des protestants.

Ce triptyque préparé en 1610 est un chef d'oeuvre de l'art baroque. Les soldats qui érigent la croix sont confrontés à un poids surhumain qui prouve la présence réelle du Christ. La composition diagonale du panneau central et le clair-obscur fulgurant sont inspirés du style de Caravage. Les soldats presque nus ou en armure qui manipulent la croix sont des hommes forts pour lesquels Rubens se souvient du Laocoon et de l'Hercule Farnese, dont il avait pris des dessins à Rome.

La peinture est positionnée en hauteur au-dessus de 19 marches. Il termine en 1611 in situ cette oeuvre de 4,60 x 6,40 m qui sera plus tard transférée à la cathédrale d'Anvers.

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend un grand dessin 49 x 32 cm préparatoire à l'Erection de la Croix, lot 15 estimé $ 2,5M. Les coins droits ont été coupés pour une raison non déterminée, peut-être par l'artiste lui-même.

Ce dessin montre un des soldats qui tentent de pousser la croix. Il est nu alors qu'il aura une armure dans la peinture. Conformément à la pratique de la Renaissance Italienne, l'étude du nu permet d'éviter les erreurs anatomiques dans la peinture des attitudes.

Il a été préparé par l'artiste pour comparer deux versions possibles de la position de la jambe gauche, plus ou moins pliée. La position la plus rapprochée est plus convaincante pour exprimer l'effort. Rubens réalise un trait plus fort sur cette version qu'il utilisera dans l'oeuvre finale.

29 déc. 2018

Les Enfants de Lord Spencer

La famille Spencer est une des plus riches d'Angleterre. En 1757 John Spencer fait un mariage d'amour avec la fille d'un diplomate, âgée de 17 ans. Ils sont d'importants patrons des arts, de la musique et du théâtre, tenant salon à Londres à partir de 1764. En 1765 John est créé 1st Earl Spencer.

Lady Spencer est fière de la beauté de son mari. Gainsborough fait leurs portraits et ceux de leurs enfants. Ils voyagent souvent en Italie pour raison de santé. Ils font la connaissance d'Angelica Kauffmann à Rome.

Angelica avait été une enfant prodige. Elle est adulée par la communauté anglaise de Rome pour son talent de portraitiste et pour son charme. En 1766 elle accompagne à Londres la femme de l'ambassadeur d'Angleterre qui l'introduit au plus haut niveau de la société aristocratique anglaise. Amie de Reynolds, elle est en 1768 un membre fondateur de la Royal Academy.

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend le portrait des trois enfants Spencer par Angelica Kauffmann, lot 52 estimé $ 600K.

Cette huile sur toile 114 x 145 cm n'est pas datée. L'âge des enfants correspond à 1767 ou 1768 mais il est possible que cette peinture soit une ré-interprétation plus tardive. Leur ressemblance est flagrante avec leur triple portrait en jeunes adultes par la même artiste en 1774.

Georgiana est l'ainée, consciente de ce rôle. George, le garçon, tient une branche dont il a fait un arc. La jeune Henrietta, dont la santé était fragile dans son enfance, est triste ou timide. George Spencer est l'ancêtre patrilinéaire de Lady Diana Spencer, princesse de Galles.

28 déc. 2018

Scènes de Rues par JV

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend deux huiles sur panneau 36 x 28 cm chacune, lot 30 estimé $ 1,5M et lot 31 estimé $ 1M. Elles avaient été listées séparément aux enchères de Christie's en mai 1854, attribuées alors à Van der Meer, douze ans avant la célèbre publication par Thoré-Burger révélant Vermeer de Delft sous ce nom. Elles sont restées ensemble et peuvent former pendant.

Ces deux peintures montrent des rues d'apparence médiévale, pavées en leur milieu, animées de rares personnages statiques ou en conversation, en plein jour. Le thème est rare et mérite l'attention mais la technique est plutôt fruste. Elles sont signées du monogramme JV.

Une scène de rue au crépuscule, huile sur panneau 39 x 29 cm signée VREL, a été vendue pour £ 840K incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2018.

Un corpus d'environ 38 oeuvres est actuellement attribué à Jacobus Vrel. Le prénom figure sur une de ces oeuvres. Le nom Vrel est le plus fréquent, apparaissant sur trois oeuvres. Il existe d'autres variantes : Frel, Frell, Wrel, Vrelle, Vreelle. Certaines sont datées, entre 1654 et 1662.

Une étude anthroponymique n'a apporté aucune information. L'artiste n'a pas révélé son vrai nom. Nous ne sommes pas dans le même cas que pour Sharaku : la technique plutôt fruste pourrait être celle d'un dilettante. Le style intimiste des scènes d'intérieur imite peut-être de Hooch. L'apparition de détails similaires dans diverses scènes de rues laisse supposer que toutes ces vues sont imaginaires.

Les initiales JV ont entretenu une confusion avec Johannes Vermeer. Il est plus gratifiant de posséder un Vermeer que de posséder un Vrel. Thoré-Burger avait trouvé une signature de Vrel sous une signature apocryphe de Vermeer.

Cet artiste a pourtant existé. La dendrochronologie confirme les dates. Il existe un et un seul enregistrement d'époque : trois peintures par Vrel dans l'inventaire de la collection de l'archiduc d'Autriche en 1659.

L'exposition monographique actuellement en préparation par la Pinakothek de Munich, la Fondation Custodia et le Mauritshuis rouvrira certainement le débat sur le périmètre authentique du très mystérieux Jacobus Vrel.

27 déc. 2018

L'Ambassadeur de Mysore

Louise-Elisabeth Vigée Le Brun devient en 1778 peintre officiel de la reine Marie-Antoinette. La cour apprécie hautement ses portraits charmants et délicats. Elle donne de la reine, née comme elle en 1755, l'image d'une jeune femme vêtue avec simplicité et audace. Elle aura ce commentaire sur cette période insouciante : "Les femmes régnaient alors, la Révolution les a détrônées."

L'arrivée à Paris en juillet 1788 de trois ambassadeurs de Mysore avec une suite d'une trentaine de personnes est un évènement sensationnel et pittoresque. Grand ennemi des anglais, le sultan de Mysore préparait une nouvelle guerre et espérait être aidé par la France. Les somptueux habits Musulmans de ses diplomates assurent leur crédibilité.

Elisabeth se souvient opportunément qu'une de ses premières ambitions avait été d'être peintre d'histoire. Avec le support indispensable du roi Louis XVI, elle obtient l'autorisation de peindre les portraits de ces grands seigneurs exotiques.

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend le portrait du chef de la délégation, lot 48 estimé $ 4M.

Cette huile sur toile 226 x 136 cm montre l'homme à la barbe blanche tenant un sabre oriental à lame courbe. Cette composition n'est pas sans rappeler le portrait du prince Polynésien Omai par Reynolds en 1776. Le voyageur exotique est montré grandeur nature debout devant un paysage, en une contre-plongée qui augmente la dignité.

L'image partagée par Wikimedia est coupée sur la gauche et en bas.

Mohammed Dervish Khan by Elizabeth Vigee Lebrun

Fruits et Jasmin à Milan

Fede Galizia est la fille d'un peintre miniaturiste. Elle vit à Milan et connaît très certainement l'art de Caravage. Dès son enfance elle est reconnue comme une artiste douée pour les portraits et les scènes religieuses.

Ses contemporains n'ont pas prêté attention à ses natures mortes de fruits. Elle est la pionnière de ce genre pictural qui prendra de l'importance au fil des siècles, culminant avec Cézanne et Gauguin. Ses motivations pour cette innovation n'ont pas été documentées. Pour ses prédécesseurs dont Caravage, ce thème n'était qu'un modello à introduire dans des compositions animées.

En 1998 une huile sur panneau 31 x 45 cm fait surface. Elle est la seule nature morte par Galizia qui soit signée, avec le monogramme FG, et datée, 1607. La date est significative : l'année précédente Jan Brueghel créait ses premières peintures de bouquets de fleurs pour satisfaire le goût naturaliste de l'archevêque de Milan.

Cette peinture datée offre une composition symétrique soignée, uniquement rompue par la disposition de quelques fruits posés directement sur la table, les autres étant surélevés dans une tazza transparente. L'éclairage est frontal, contrairement aux études de lumière qui seront bientôt faites par Claesz et Heda dans leurs déjeuners. Dans cette composition simple, le soin apporté à la texture des fruits est extrême.

Le corpus des natures mortes par Galizia inclut généralement des copies autographes. La version datée est très certainement un prototype, et peut-être même le plus ancien d'entre eux. Cette composition aux pêches et coings avec quelques fleurs de jasmin a été vendue pour £ 1,56M incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2015.

Une peinture presque identique caractérisée par l'apparition d'une sauterelle a été vendue pour $ 1,64M incluant premium par Christie's le 6 avril 2006. Le catalogue de la maison de ventes indiquait un état immaculé apportant un effet cristallin. Cette huile sur panneau 31 x 43 cm est estimée $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 30 janvier, lot 42.

26 déc. 2018

Le Teinturier d'Amsterdam

Jan van de Cappelle est le fils d'un riche teinturier d'Amsterdam. Par rapport à l'offre sur le marché de l'art, ses moyens financiers sont illimités. Il est lui-même un dessinateur prolifique et un peintre doué. De 1645 à 1679, entre sa première peinture datée et sa mort probablement inopinée, il est le spécialiste des marines calmes, sans doute sous l'influence de son ami de Vlieger.

Van de Cappelle observe les reflets des nuages gris dans les eaux clapotantes des rivages et des ports. Le ciel bleu et les tempêtes ainsi que les guerres et les naufrages ne l'intéressent pas. Comme Heda à Haarlem pour les natures mortes, il suit avec le plus grand réalisme le parcours complexe des rayons de lumière.

Il n'appartient à aucune guilde et n'a donc en principe pas le droit de vendre son art. Pourtant très peu de ses peintures sont trouvées dans le fabuleux inventaire de sa succession. Il avait très certainement une pratique d'échange avec les plus grands maîtres. Son art évolue peu, rendant très difficile de dater ses oeuvres.

Il est la seule personne dont le portrait ait été peint à la fois par Rembrandt et par Hals. Il possédait plus de 500 dessins par Rembrandt, acquis grâce aux opportunités des difficultés financières de l'artiste, 1300 par de Vlieger, 900 par Avercamp et 400 par van Goyen. Sa collection de près de 200 peintures incluait les grands maîtres hollandais, flamands et allemands.

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend une huile sur panneau 62 x 83 cm peinte par van de Cappelle probablement dans la décennie 1650. Elle est estimée $ 4M, lot 61. Une huile sur toile 48 x 53 cm datée 1653 a été vendue pour £ 3,6M incluant premium par Christie's le 8 juillet 2005.

Dans la même prochaine vente et provenant de la même collection, d'autres rares peintures par des artistes indépendants ou dilettantes sont offertes : une par Joachim Wtewael, précédemment discutée dans cette chronique, et deux par Jacobus Vrel que je considérerai prochainement.

25 déc. 2018

Le Miracle d'Einsiedeln

En 1466 l'abbaye Bénédictine d'Einsiedeln en Suisse commémore le 500ème anniversaire de sa fondation assortie d'une apparition miraculeuse. Les fêtes durent 14 jours. Elles sont financées au moins en partie par des souvenirs vendus aux pèlerins. La comptabilité a constaté la vente de 130 000 images de piété, sur des supports variés.

Un important atelier de gravure a contribué à la célébration avec trois images sur le thème de la Vierge à l'Enfant, en formats 21 x 12 cm, 13 x 9 cm et 10 x 6,5 cm, certainement proposées dans une large gamme de prix pour satisfaire les riches et les pauvres. La disponibilité de versions colorées ne semble pas impossible à cette époque.

La plus grande de ces images est composée en trois registres. Elle est datée et porte une inscription commémorant la consécration angélique d'Einsiedeln. L'utilisation du burin sur plaque de cuivre est une innovation récente qui facilite les effets de volumes et de textures par des hachures obliques ou des lignes pointillées.

Les trois images font partie du corpus attribué à l'atelier du Maître E. S., en référence aux initiales identifiées sur d'autres gravures. Son activité n'est pas documentée. Il a été un des premiers éditeurs d'images à dater quelques plaques, de 1461 à 1467, précédant ainsi de plusieurs années les gravures par Mantegna et Schongauer.

Le 29 janvier à New York, Christie's vend un exemplaire en très bon état de la grande version de la Madone d'Einsiedeln, non coloré, lot 3 estimé $ 300K. Parmi les treize impressions connues, elle est la dernière en mains privées.

Les Bouquets de Middelburg

A l'époque du développement des jardins botaniques et des jardins d'agrément, le bouquet de fleurs discrètement animé d'insectes et de lézards devient un thème autonome de la peinture. Il a comme précurseurs Dürer et Hoefnagel et comme pionniers Ambrosius Bosschaert et Jan Brueghel.

La tradition de l'image naturaliste de Dürer avait été maintenue à Nuremberg par Hans Hoffmann. Accompagnant l'engouement pour les cabinets de curiosité, Hoefnagel rassemblait des images de plantes et de petits animaux dans des alignements disparates et didactiques qui évoquent un peu les boîtes d'insectes de nos modernes entomologistes.

La ville insulaire de Middelburg en Zélande entretenait une forte activité culturelle et scientifique, avec un important jardin botanique. En 1593 Bosschaert est identifié comme membre de la guilde locale de Saint Luc. Ses plus anciennes oeuvres datées, en 1605, sont des images plein format dans le style de Hoefnagel.

Bosschaert et Brueghel inventent la peinture de bouquets dans un vase en 1606. Travaillant pour le cardinal Borromeo mais résidant à Anvers, Brueghel peint d'opulentes accumulations mêlant les fleurs de toutes les saisons.

Bosschaert peint des arrangements plus simples sur cuivre en petit format. Dans cette première phase il ne faut pas chercher une signification spécifique derrière chaque fleur. Il faut surtout considérer que la culture des fleurs d'ornement, importées d'Orient et modifiées par d'habiles hybrideurs, est considérée comme un des plus grands luxes dans les Pays-Bas de son époque. Ambitieux et conscient de l'importance de son art, Bosschaert signe par un monogramme AB imitant le AD de Dürer.

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend une huile sur cuivre 24 x 18 cm peinte par Bosschaert en 1607, lot 26 estimé $ 2,5M. Avec d'autres fleurs dans une composition similaire, une huile sur cuivre de la même période a été vendue pour CHF 5,8M incluant premium par Koller le 19 septembre 2008. La technique sur cuivre permet une grande précision naturaliste.

24 déc. 2018

Le Mystère du Cerf

Albrecht Dürer était le filleul d'Anton Koberger, imprimeur à Nuremberg. Koberger avait été orfèvre mais utilisait la gravure sur bois pour ses illustrations. Il a certainement enseigné à son élève toutes les subtilités de ces techniques. Bien que les gravures sur bois par Dürer soient très abondantes, on ne sait pas s'il coupait lui-même les blocs ou s'il fournissait seulement le dessin à un artisan spécialisé.

Promoteur de tous les thèmes d'images, Dürer réalise des gravures sur cuivre à partir de 1496. L'action est plus directe : le burin de l'orfèvre dessine le trait sur le métal de la même manière qu'un crayon sur le papier, au contraire du ciseau du sculpteur qui creuse dans le bois les zones qui ne seront pas encrées.

La gravure sur cuivre est préférée pour les éditions les plus prestigieuses. Le dessin est plus fin, permettant une meilleure maîtrise des ombres et des lumières. Malheureusement la pression exercée sur la plaque génère une usure qui limite la quantité du tirage.

Préparé vers 1501, Saint Eustache, 36 x 26 cm, est la plus grande image sur cuivre imprimée par Dürer. Le chasseur voit le Christ crucifié entre les bois du cerf. Cette légende est un excellent support pour la démonstration du savoir faire de l'artiste, incluant personnage et paysage ainsi que divers animaux avec une superbe précision anatomique.

Il ne fait pas de doute que Dürer a créé cette oeuvre pour la promotion de son art. Le chasseur habillé à la mode de son temps ressemble au futur empereur Maximilien. Le paysage est inspiré de Van Eyck et la composition générale est proche d'une illustration publiée par Koberger pour la Légende Dorée.

Un exemplaire du Saint Eustache de Dürer a été vendu pour $ 720K incluant premium par Christie's à New York le 29 janvier 2013. Un autre exemplaire avec le même filigrane est listé dans la même salle de ventes le 29 janvier 2019, lot 30.

23 déc. 2018

Maserati avec Orsi et Frua

Après la guerre, le principal actionnaire de Maserati est Adolfo Orsi. La marque commence la production d'une voiture de sport, la A6 1500. Avec son déplacement moteur de 1,5 litres, elle n'est pas assez puissante. La transition vers la A6G 2000 avec un déplacement de 2 litres est étudiée en 1950. Le G inséré dans la référence indique une modification technologique du bloc moteur.

Les carrosseries des seize premières A6G 2000 sont réparties entre Pinin Farina, Frua et Vignale. Parmi cet ensemble, Frua est le seul à réaliser des spiders.

Le premier groupe de trois spiders est assemblé en 1951 sur des châssis A6 1500 raccourcis. Frua ajoute une innovation spectaculaire qui restera limitée à ces trois voitures : un troisième phare au milieu de la grille frontale. Les voitures suivantes auront un nouveau modèle de châssis.

En 1997 un de ces trois premiers spiders réapparaît en Californie, soigneusement conservé dans un garage individuel par les filles de son ancien propriétaire. En 2001 le neveu d'Adolfo Orsi commence une minutieuse restauration basée sur les archives de la marque. Un précédent propriétaire avait installé un moteur Corvette. Orsi fait installer dans le spider Frua le moteur d'un coupé Pinin Farina de la même série.

Cette voiture apparaît désormais dans les concours d'élégance où la qualité de sa restauration est récompensée. Par son ancienneté elle apparaît comme un précurseur de la mode Italienne pour les voitures de sport à habitacle ouvert. Elle est estimée $ 2,8M à vendre par Bonhams à Scottsdale le 17 janvier, lot 54. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. L'image ci-dessous est partagée par Wikimedia avec attribution 'James Bond' [CC BY 2.0], via Wikimedia Commons.

Un spider Maserati assemblé par Frua en 1955 sur le modèle de compétition A6GCS/53 a été vendu pour $ 5,2M incluant premium par Gooding le 25 août 2018.

1951 Maserati A6G 2000 Frua Spyder (14872846247)

22 déc. 2018

Les Délices de l'Olympe

Les histoires de la mythologie grecque sont des prétextes à un art érotique. On se souvient de la réaction des autres dieux quand Vulcain leur révèle sa femme Venus au lit avec Mars : ils rigolent.

Bartholomäus Spranger peint de tels thèmes pour l'empereur Rodolphe II. A Haarlem, Hendrik Goltzius diffuse largement ces images par ses gravures et ajoute de nouveaux thèmes dans ses propres peintures. Le style maniériste apporte la force dans les corps musclés des hommes et une lascivité charmeuse dans les longs corps des femmes. Cupidon excite tout le monde.

Contemporain de Goltzius, Joachim Wtewael fait toute sa carrière à Utrecht où il est un des fondateurs de la guilde locale de Saint Luc. Il est aussi un riche marchand de fibres de lin et n'a pas besoin de créer un véritable atelier. L'orthographe Uytewael, plus rare, permet mieux de comprendre comment il faut prononcer son nom.

Wtewael peint sur toile, sur bois ou sur cuivre selon les formats. Curieusement, il utilise le cuivre pour les thèmes les plus complexes, avec une foule de personnages dans des positions variées. Ces scènes mythologiques deviennent ainsi une anthologie de ses petites histoires dans lesquelles il montre une vie libre, parfois jusqu'à la relation charnelle. Du point de vue du style, il n'influence cependant pas ses compatriotes les truculents Caravagistes d'Utrecht.

Le 30 janvier à New York, Sotheby's vend un Banquet des Dieux, huile sur cuivre 16 x 20 cm, lot 53 estimé $ 5M. Sur ce très petit format Wtewael a mis en scène environ cinquante personnages en plusieurs registres progressifs de la terre aux nuées, avec la très grande précision de détails permise par le polissage métallique.

Au premier plan Mars et Venus occupent la place d'honneur. Les groupes interagissent avec subtilité : la flèche de Cupidon et la lance de Minerve ne sont pas dirigées à l'intérieur de leurs propres groupes. Certains de ces personnages proposent complaisamment leur nudité à leur partenaire. Les taches bleu vif de vêtements apportent un intéressant équilibre chromatique dans l'avant-scène. Vulcain n'a pas été invité.

Cette oeuvre est similaire à plusieurs opus sur le thème des Noces de Pélée et Thetis. Par la clarté de la composition, elle est ultérieure à la version de 1602. Elle précède une meilleure version peinte en 1612.

Le Banquet des Dieux est directement inspiré d'une gravure par Goltzius basée sur un dessin de Spranger. Egalement après Goltzius, Mars et Venus surpris par Vulcain, huile sur cuivre 18 x 14 cm peinte par Wtewael en 1610, a été vendue pour £ 4,6M incluant premium par Christie's le 3 juillet 2012 sur une estimation basse de £ 2M.

21 déc. 2018

Une Mondial à Santa Barbara

En 1954 la Ferrari 500 Mondial est une nouveauté spectaculaire. Au côté des modèles 750 et 860 à plus gros moteurs, elle est aussi une innovation technique, avec ses quatre cylindres en ligne qui remplacent le traditionnel V-12 de la marque.

La première série de la 500 Mondial inclut 11 ou 12 voitures carrossées en spider par Pinin Farina à l'intention du commerce. L'une d'elles est vendue neuve à Porfirio Rubirosa, playboy célèbre en son temps, passionné de polo et de compétitions automobiles, diplomate de la République Dominicaine au service de Trujillo.

Rubirosa utilise une seule fois sa Mondial, à Santa Barbara en septembre 1954. Il termine cette course très honorablement mais attire surtout l'attention de la presse en paradant avec la très visible Zsa Zsa Gabor.

Le playboy ne garde pas longtemps ses femmes et ses voitures. Juste après Santa Barbara 1954, il vend la Mondial à John Von Neumann, futur distributeur de Ferrari à Hollywood et en Sud Californie. Pendant deux ans Von Neumann l'engage dans les compétitions locales, pilotée par lui-même ou confiée à un ami.

A Santa Barbara en 1955, la même Mondial attire à nouveau l'attention de la presse. James Dean l'admire à tel point qu'il veut absolument être photographié à son volant. L'acteur restera cependant loyal à Porsche.

En 2014 Ferrari Classiche annonce avoir terminé la restauration de la Mondial dans un communiqué illustré d'une courte vidéo. La voiture avait été conservée dans un très bon état original, à l'exception du moteur qui avait été explosé en 1956 par le futur champion Phil Hill. Ferrari a construit et installé un moteur conforme à la spécification d'origine. La carrosserie Pinin Farina qui était encore d'origine a été repeinte dans la configuration de Santa Barbara 1954.

Désormais certifiée au plus haut niveau par Ferrari Classiche, la Mondial sera vendue par Bonhams à Scottsdale le 17 janvier, lot 44. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes.

Enfants au Connecticut

Né dans le Connecticut, Ammi Phillips annonce en 1809 et 1810 ses compétences dans les journaux locaux du Berkshire County, dans le Massachusetts. Il est peintre portraitiste et garantit une ressemblance correcte du modèle, habillé élégamment selon la mode de son temps.

Il exerce cette activité pendant un demi-siècle, déménageant d'un village à l'autre pour renouveler sa clientèle qu'il n'hésite pas à prospecter sur d'assez grandes distances. Dans les années 1830 il est établi à Kent, Connecticut, une town incorporée en 1739 qui avait moins de 2000 habitants en son temps et à peine 3000 aujourd'hui.

C'est à Kent que la qualité de son art est reconnue en 1924, quand plusieurs portraits sont exposés lors d'une foire d'antiquités. Il signait très rarement ses oeuvres et la reconstitution de son long parcours a nécessité un travail méticuleux, achevé à la fin des années 1950.

Ammi Phillips partage avec les peintres itinérants de son temps un dessin stylisé au visage réaliste. Les proportions du corps sont douteuses, heureusement cachées dans d'amples vêtements, et l'âge des enfants n'est pas facile à identifier. La technique est simple, parce que les clients ont plus besoin d'un souvenir que d'une oeuvre d'art. Cet art austère est égayé par de gentils symboles tenus en mains par le modèle.

Dans la période de Kent, Ammi Phillips utilise souvent un rouge ou un vermillon saturé, sans détail, peut-être pour masquer un désintérêt pour les habits. Cette pratique donne une force considérable à ses compositions minimalistes qui anticipent involontairement les recherches de couleurs.du XXème siècle.

Un groupe de quatre huiles sur toiles est considéré comme un sommet du folk art Américain. Une petite fille anonyme apparaît sur trois compositions où elle tient tour à tour un chat blanc, des feuilles de persil et une fleur. La quatrième peinture montre un garçon de deux ans, identifié, localisé à Clermont NY, daté 1834. Les deux enfants ont des robes identiques et sont accompagnés du même chien couché à leur côté.

Le portrait au persil, 83 x 68 cm, est estimé $ 800K à vendre par Christie's à New York le 18 janvier, lot 1205.

Un autre portrait d'une petite fille en robe rouge a été vendu pour $ 810K incluant premium par Sotheby's le 21 janvier 2012 sur une estimation basse de $ 300K. La composition est similaire mais la fille est moins jeune et la robe n'est pas fruste. Un oiseau multicolore est posé sur son doigt. De l'autre main elle tient le persil, comme dans l'exemple ci-dessus.

20 déc. 2018

Ferrari à la Cour de Belgique

Ferrari a su s'appuyer sur ses succès en compétition pour fidéliser une clientèle ultra-riche et ultra-mondaine de monarques et de présidents de qui il considérait tous les caprices. Ses meilleurs clients ont été la famille royale Belge.

Très impopulaire pour son attitude sous l'occupation, Leopold III abdique en 1951. Jusqu'en 1960 il reste à la cour avec sa deuxième femme Lilian, princesse de Réthy. Ils aiment les Ferrari spécialement assemblées pour eux, carrossées par Vignale puis par Pinin Farina.

L'ancien roi préfère les plus puissants cabriolets. Sa 342 America livrée en 1953 et sa 375 Plus livrée en 1955 sont des précurseurs de la 250 GT California Spider. La princesse achète un coupé 250 GT Europa, livré en 1955.

Cette relation est extrêmement utile à Ferrari. Quand Pirelli annonce en pleine saison de course en 1955 qu'il cesse de fournir ses pneus à Ferrari, la princesse trouve la solution en convainquant la société Belge Englebert d'envoyer aussitôt à Maranello le matériel nécessaire.

Elle commande peu après un coupé 250 GT Speciale. Cette voiture carrossée en 1957 est un exemplaire unique pour lequel Pinin Farina réalise un patchwork de ses développements en cours, comme par exemple les phares couverts qui équiperont bientôt la 250 GT TdF.

Dix ans plus tard la princesse acquiert une 330 GTC. Bienfaitrice de la chirurgie cardiaque Américaine, elle donne alors la 250 GT à un chirurgien méritant. Cette 250 Coupé Speciale est estimée $ 11M à vendre par RM Sotheby's à Phoenix le 18 janvier, lot 273.

18 déc. 2018

Motos sur Mesure par Crocker

Al Crocker crée la Crocker Motorcycle Company à Los Angeles en 1932. Equipées à partir de 1936 de moteurs à deux cylindres en V, ses machines sont les plus puissantes motos routières Américaines.

Jusqu'à l'arrêt de la production en 1942 les motos Crocker sont produites sur mesure, manuellement et à l'unité. Devenu ensuite sous-traitant de Douglas Aircraft pour des pièces d'aviation, Crocker cesse toute activité dans les motos. Il avait raison : les temps avaient changé et une telle activité n'était plus viable sans une véritable chaine de production.

A partir de 1938 les deux principales options des Crocker V-Twin étaient le déplacement du moteur, pouvant être augmenté sur demande de 1 litre jusqu'à 1,5 litres, et le volume du réservoir qui était de 2,5 gallons pour le Small Tank de base.

Le 25 janvier à Las Vegas, Mecum vend une Crocker Big Tank faite en 1939, qui a conservé son moteur V-Twin 1 litre d'origine. Elle est estimée $ 400K, lot F 111. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Rappelons deux résultats obtenus par Mecum sur des Crocker V-Twin 1 litre : $ 340K incluant premium le 20 août 2016 pour une Small Tank de 1938 largement reconstruite, et $ 350K hors frais le 21 mars 2015 pour une Big Tank de 1942. Ces deux bécanes étaient vendues 'on a bill of sale'.

16 déc. 2018

Les Richesses de Cimon d'Athènes

Les plus grosses monnaies de circulation de la Grèce antique sont les tetradrachmes et didrachmes d'argent. Les pièces d'Athènes sont illustrées d'un côté avec le portrait d'Athena et de l'autre avec la chouette accompagnée des lettres A-TH-E.

L'émission la plus prestigieuse est un decadrachme de 3 cm de diamètre pesant environ 44 g. La surface accrue permet des figures de grande beauté. Sur cette dénomination uniquement, la chouette n'est pas montrée de profil mais de face avec les ailes déployées en signe de victoire et un regard hypnotiseur dans sa tête fièrement droite. En considérant les dates des trésors, cette pièce a été frappée autour de 465 BCE.

La très grande richesse d'Athènes s'appuyait traditionnellement sur les mines d'argent du Laurion. Un peu plus tard Herodote racontera qu'il est arrivé qu'un excédent d'exploitation soit partagé entre les citoyens.

Les succès militaires de Cimon ajoutent à l'opulence. Le butin pris aux Perses après la bataille navale de l'Eurymedon vers 467 BCE est considérable. La prise de l'île de Thasos en 463 BCE donne à Athènes le contrôle d'autres importantes mines d'argent. Cimon était célèbre par sa richesse, sa magnificence et sa pratique du partage. Les circonstances de la création du decadrachme et son mode d'utilisation ne sont cependant pas connus.

Un exemplaire du decadrachme d'Athènes a été vendu pour $ 500K hors frais par CNG (Classical Numismatic Group) le 9 janvier 2007 sur une estimation basse de $ 300K. Elle revient dans la même maison de ventes avec la même estimation à New York le 8 janvier, lot 211 ici lié sur la plate-forme d'enchères The Saleroom.

Cette pièce est splendide par son état de surface, par son centrage parfait et par la finesse de sa frappe. L'image est partagée par Wikimedia avec une attribution à CNG liée au catalogue de 2007 http://www.cngcoins.com [GFDL, CC-BY-SA-3.0 or CC BY-SA 2.5]

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Prolongation du Trade Dollar

En 1873 le gouvernement cesse la production du dollar d'argent. Une nouvelle monnaie d'argent est créée à la même date dans le but de faciliter le commerce avec la Chine et l'Extrême Orient. Elle porte l'indication Trade Dollar ainsi que son poids en grains et sa pureté.

En 1878 la baisse de prix du bouillon d'argent génère des spéculations et les applications commerciales sont stoppées. Jusqu'en 1883 une activité limitée est maintenue à l'Usine de Philadelphie à l'usage des collectionneurs. Le Trade Dollar est supprimé en 1887.

L'existence de Trade Dollars 1884 et 1885 n'a pas été révélée à l'époque au public. La production de 264 pièces en janvier 1884 est enregistrée dans les archives de l'Usine; En février le gouvernement interdit que ces pièces soient offertes au public et elles sont fondues. Les matrices sont détruites au début de l'année suivante. Pour 1885 il n'existe aucun enregistrement d'une activité similaire.

Dix Trade Dollars 1884 apparaissent sur le marché à partir de 1908 dans l'entourage du marchand John Haseltine spécialisé dans le commerce des pièces provenant des opérations spéciales de l'Usine.

Le Colonel Snowden, Superintendent à Philadelphie de 1877 à 1885, avait acquis légalement des prototypes et des pièces rares pendant sa mission, dans un but de thésaurisation. Il vend en 1909 par l'intermédiaire de Haseltine les deux uniques prototypes en or d'une pièce de $ 50 de 1877, suscitant la réprobation des numismates.

L'Etat obtient le retour de ces deux pièces d'or. Cinq Trade Dollars 1885 sortent alors du trésor de Snowden, sans doute par compensation pour qu'il puisse rembourser le propriétaire des pièces restituées. La seule hypothèse plausible pour ces Trade Dollars jusque-là totalement inconnus est une frappe limitée réalisée en 1885 sur l'initiative du Superintendent. Produit à Philadelphie avant l'annulation des Trade Dollars, le Trade Dollar 1885 est classé comme une monnaie régulière. Elle a la même rareté que le Liberty Nickel de 1913.

Le meilleur Trade Dollar 1885 a été vendu pour $ 910K incluant premium dans la vente de la collection Eliasberg par Bowers et Merena en avril 1997. A cette époque seuls le 1804 dollar et le 1913 nickel de la même collection avaient dépassé $ 1M. Gradée PR66 par NGC, elle sera vendue par Heritage à Orlando le 10 janvier, lot 4553. Avec le même grade le second meilleur Trade Dollar 1884, qui avait également appartenu à Eliasberg, sera vendu au lot 4552.

Je vous invite à regarder les videos partagées par la maison de ventes.


13 déc. 2018

Imitation par Bugatti

En 1924 Bugatti démontre que ses voitures sont des pur sang. La Type 35, nouvel emblème de la marque, dominera les compétitions jusqu'en 1931. Equipée dans sa première variante d'un moteur 2 litres avec 8 cylindres en ligne, elle suit la très prometteuse Type 30. Selon les règlements de l'époque obligeant le conducteur à être accompagné d'un navigateur, c'est une deux-places.

En 1925 la production de la 35 est répartie en deux variantes, la Type 35 Grand Prix et la Course Imitation 35A. La 35A est moins puissante mais aussi plus robuste et beaucoup moins chère que la 35 de course. Impossible à différencier visuellement d'une Grand Prix, la 35A séduit les amateurs de tourisme de grande vitesse.

Le 16 janvier à Scottsdale, Worldwide Auctioneers vend au lot 55 une Bugatti qui a conservé un niveau d'authenticité rare pour un véhicule de cette époque. Elle a été construite en septembre 1925 comme une 35A avec plusieurs améliorations. Son moteur a été reconstruit lors d'une restauration selon le standard  2,25 litres correspondant à la variante 35T de 1928-1930.

Au moment du Grand Prix de Provence 1926, cette voiture appartenait à un industriel installé à Marseille qui encourageait Louis Chiron, jusque-là spécialisé dans les courses de côte. Elle a probablement été conduite par le jeune champion Monégasque dans ce Grand Prix qui fut sa première expérience de compétition sur circuit.

Continuellement maintenue en état de fonctionnement, elle a transporté en 2016-2017 son propriétaire et son épouse dans un tour d'Europe, parcourant près de 7000 Km en 16 mois, témoignant une fois de plus de la robustesse exceptionnelle des voitures construites par Bugatti.

11 déc. 2018

Redémarrage d'un Super Snake

Pour les nouvelles gammes de voitures Ford, la tendance est à l'augmentation de volume. La GT40 qui gagne les 24 heures du Mans en 1966 est une Mk II, la nouvelle variante équipée d'un moteur de poids léger de 7 litres, 427 cubic inches (CI), spécialement conçu pour la compétition.

En 1967 le haut de gamme Ford Mustang reçoit un moteur 6,4 litres (390 CI); Toujours en avance pour les petites séries de haute performance, Shelby sort la GT500 avec un moteur 428 CI. En toute logique, c'est à Shelby que Goodyear s'adresse pour tester l'endurance de ses pneus.

Don McCain, un ancien employé de Shelby, suggère d'équiper une GT500 avec un moteur 427 CI. Carroll Shelby fait préparer une voiture qui entre dans la catégories des spéciales, surnommées Super Snake pour sa marque. Elle parcourt 500 miles sur le circuit d'essais Goodyear, avec une vitesse moyenne de 142 mph et une vitesse de pointe de 170 mph.

Les pneus ont très bien résisté mais cette démonstration spectaculaire n'est pas applicable industriellement : ils avaient été gonflés à l'azote pour limiter l'échauffement.

Le rendement de production du moteur 427 est bas et les modifications par rapport au modèle de base sont trop chères ; McCain et Shelby renoncent sagement à la réalisation d'une série de 50 qui aurait été la voiture homologuée routière la plus rapide de son temps. Le prototype est vendu et n'a pas de suite pendant un demi-siècle.

Tous deux sont maintenant décédés, Ils n'avaient jamais oublié les performances exceptionnelles de l'unique essai de cette voiture et avaient signé ensemble quelques plaques d'identification en prévision d'une petite série de répliques. En mai 2018 Shelby American annonce une édition limitée de dix GT500 Super Snake construites sur des Mustangs de 1967 équipées d'un 427 CI légèrement plus puissant que le modèle d'époque.

La GT500 Super Snake de 1967 a été vendue pour $ 1,3M hors frais par Mecum le 17 mai 2013. La maison de ventes avait partagé une vidéo sur YouTube. Cette voiture est maintenant estimée $ 1M à vendre par Mecum à Kissimmee le 11 janvier, lot F 124.

10 déc. 2018

Une Mustang de Pré-Production

Révélée le 17 avril 1964, la Ford Mustang est un intermédiaire entre la voiture de sport et la voiture de ville qui répond aux besoins du public. Courte et légère, elle est offerte en cabriolet ou en coupé avec de nombreuses options. Elle sera un des plus grands succès de l'histoire de l'automobile. La production atteint les 10 millions en août 2018.

Bob Fria est un historien de la Mustang. En 1997 il trouve et achète une voiture portant le numéro de châssis A15 et le numéro d'identification 00002. Il observe environ 50 différences avec le tout premier modèle Mustang titré 1964-1/2 par anticipation de la production de 1965. Il a reconstitué toute l'histoire de cette voiture et a effectué les restaurations nécessaires en conservant le matching number pour tous les composants majeurs.

Pendant le développement qui avait duré 18 mois, l'usine avait fabriqué et testé des véhicules de pré-production. La voiture trouvée par Fria avait été suffisamment proche du modèle commercial pour être libérée par l'usine avec un numéro d'identification. Cette voiture qui n'avait aucune des alléchantes options offertes par la marque avait été exposée pendant plusieurs mois par un vendeur dans le Yukon avant de trouver son premier propriétaire.

00002 rejoint maintenant dans la légende de la Mustang 00001, une décapotable conservée au Henry Ford Museum à Dearborn. 00002 est le plus ancien coupé numéroté dans la série des Ford Mustang. Elle a été utilisée par la 20th Century Fox lors du tournage d'un long métrage à sortir en 2019 racontant la rivalité entre Ford et Ferrari. Elle sera vendue sans prix de réserve par Barrett-Jackson à Scottsdale le 19 janvier, lot 1365.

9 déc. 2018

Abat-Jour et Plantes Grimpantes

Au tournant du siècle, Louis Comfort Tiffany a le choix entre deux techniques pour développer son haut de gamme de lampes électriques de table : le verre soufflé d'une part, l'exploitation de son propre brevet de 'favrile' glass d'autre part.

En 1901 il confie la réalisation d'abat-jour en favrile glass à son Women's Glass Cutting Department. L'abat-jour sera ensuite monté sur une base en bronze. L'ensemble montrera d'élégants motifs floraux.

La lampe wisteria démontre la faisabilité du projet. Sur un moule en bois en forme de cloche évasée, les Tiffany Girls assemblent environ 2000 plaquettes de toutes couleurs, avec un bord inférieur frangé qui souligne la descente des grappes de fleurs. Des sarments de bronze apportent une rigidité à cette forme fragile.

Le moule en bois de la wisteria lamp est ensuite testé avec d'autres combinaisons de couleurs composées de plaquettes plus grandes. L'offre diversifiée inclut désormais les abat-jour Trumpet Creeper, Grape et Apple Blossom. Trois de ces quatre variantes illustrent des plantes grimpantes, correspondant évidemment à une préférence botanique du patron.

Pour chaque modèle, les exemplaires se distinguent les uns des autres par les petits détails de leurs arrangements de couleurs. La passion des amateurs génère la diversité des prix aux enchères.

Faite vers 1905, une lampe wisteria avec une lumineuse progression de couleurs a été vendue pour $ 1,57M incluant premium par Sotheby's à New York le 18 décembre 2013 sur une estimation basse de $ 600K. Elle vient dans la même salle de vente avec la même estimation le 12 décembre, lot 326.

La même vente offre aussi une rare lampe Trumpet Creeper, faite vers 1903. Elle est estimée $ 800K, lot 327.

8 déc. 2018

Les Prototypes de la Ford GT

Henry Ford II demande le développement d'un modèle GT destiné à concurrencer Ferrari. Il faut faire vite car la saison 1964 va bientôt commencer. Ford n'avait jamais conçu ni développé de voitures de sport.

Les défauts d'aérodynamique des quatre premiers prototypes, GT/101 à GT/104, sont catastrophiques. GT/103 et GT/104 sont envoyés à Shelby pour compléments d'essais et modifications. GT/104 a été vendu pour $ 7M hors frais par Mecum le 12 avril 2014.

Les prototypes suivants sont mis au point par Shelby American après leur construction par Ford Advanced Vehicles. GT/105 est le premier à être équipé d'origine du moteur 289 CI (4,7 litres) remplaçant le 255 CI (4,2 litres). GT/101 à GT/107 sont des coupés et GT/108 à GT/112 sont des roadsters.

La série de production qui commence début 1965 sous la référence GT40 est presque entièrement composée de coupés. La première variante, GT40 Mk I, est équipée du moteur 4,7 litres.

Les prototypes roadsters GT/108 et GT/109 sont livrés en mars 1965 par Ford Advanced Vehicles à Shelby. GT/108 est utilisé pour tester les performances routières. Maintenu sans interruption en roadster, il a été vendu pour $ 7M incluant premium par RM Auctions le 15 août 2014.

GT/109 est testé par Shelby pour la compétition. Il participe sans succès aux 24 heures du Mans en 1965 et est ensuite utilisé par Kar Kraft comme modèle de développement pour le J-Car. Il est le seul roadster de la famille GT40 à avoir été engagé au Mans. Ce Ford GT Competition Prototype Roadster sera vendu par Mecum à Kissimmee le 12 janvier, lot S 138.

6 déc. 2018

Plutarque en Français

Après le développement des livres imprimés, les manuscrits enluminés sont encore utilisés pour des pièces littéraires uniques. La duchesse de Lorraine veut parfaire l'éducation de son fils aîné Antoine qui vit à la cour de Louis XII de 1501 à 1508. Cette belle initiative n'est pas sans arrière-pensée car l'ambition de la duchesse est de devenir régente du duché à la mort de son vieux mari.

Les biographies écrites par Plutarque apportent des modèles de vies vertueuses des grands hommes d'Etat de l'Antiquité. Avant la traduction publiée par Amyot à partir de 1559, on ne s'intéresse pas aux parallèles effectués par l'auteur entre les grands hommes Grecs et Romains, qui forment pourtant la base de ses prescriptions de morale. Plutarque est alors connu en France par des traductions latines. La plupart sont douteuses ou apocryphes, ayant été modifiées ou inventées pour flatter leurs commanditaires.

Cinq volumes réalisés à Paris au début du XVIème siècle regroupent des Vies par Plutarque commandités en traduction française par la duchesse de Lorraine. Deux d'entre eux sont en plus grand format. Celui regroupant les vies de Démosthène, Cicéron et Caton l'Ancien est conservé à la Nationalbibliothek d'Autriche.

L'autre grand volume, 218 feuilles en vélin in folio 35 x 22 cm, est consacré aux très illustres vies de Romulus et de Caton le Jeune. Il inclut 54 peintures pleine page montrant des transpositions de l'histoire ancienne dans des environnements médiévaux, joliment contenues dans des cadres architecturés. Le terminus ante quem est la mort du vieux duc en 1508,

Ces images sont un très rare exemple d'interprétations imaginées par les enlumineurs pour illustrer le texte en direct plutôt que selon des modèles artistiques pré-établis : plusieurs instructions du calligraphe à l'artiste ont été incomplètement effacées après la réalisation de la miniature.

Ce livre a été vendu pour £ 510K incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010. Il est estimé € 400K à vendre par Pierre Bergé et Associés le 14 décembre à Paris (Drouot) en association avec Sotheby's, lot 836.

5 déc. 2018

Le Jardin d'Eau de L.C. Tiffany

Louis Comfort Tiffany a breveté en 1894 un verre décoratif iridescent dans la masse. Un nouveau type de lampes de table est créé dans ses ateliers à partir de 1901. Sur une base le plus souvent en bronze, l'abat-jour est assemblé avec des centaines de ces petites plaques artistiquement disposées.

Artiste de formation, Tiffany est un grand amateur de jardins. La première réalisation dans sa nouvelle ligne de produits est la lampe glycine, avec un bord bas irrégulièrement frangé qui imite la forme de la plante.

La lampe aux nénuphars (pond lily lamp) conçue en 1902 répond à une autre préférence de Tiffany qui entretenait des jardins d'eau dans ses maisons de campagne. L'abat-jour en forme de clochette de muguet est un exploit technique parce que la partie supérieure montrant les tiges radiantes sur fond bleu est un assemblage entièrement en verre non renforcé par du bronze. Bien qu'elle figure au tarif jusqu'en 1906, il semble que la production ait cessé rapidement.

14 lampes de ce modèle ont survécu. L'une d'elles, avec 46 cm de diamètre d'abat-jour et 67 cm de hauteur hors tout, est particulièrement réussie dans sa composition colorée. Elle est estimée $ 1,8M à vendre par Christie's à New York le 13 décembre, lot 9. Je vous invite à regarder la très courte vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette pièce est datée 1903 avec une quasi certitude par la rare coïncidence de la nouvelle marque de fabrique Tiffany Studios New York avec l'ancien système de nomenclature des éléments.

4 déc. 2018

Les Coulisses d'Oz

Sorti en août 1939, Le Magicien d'Oz, quatrième adaptation cinématographique d'un livre pour enfants, est le film le plus important de toute l'histoire du cinéma en termes d'audience internationale. Le projet avait été conçu par la Metro Goldwyn Mayer pour concurrencer le succès croissant de Disney.

Plusieurs scénaristes travaillent sans se concerter. La version qui sera retenue par le producteur est celle qui a été préparée par Noel Langley. Elle a fait l'objet de cinq versions successives. L'avant-dernière, par Ryerson et Woolf, a vérifié la faisabilité du tournage. Le dernier script est terminé par Langley.

Le 11 décembre à Calabasas CA, Profiles in History vend une archive des plus importants documents de travail du Magicien d'Oz, lot 471 estimé $ 800K, ici lié sur la plate-forme d'enchères iCollector.

Cet ensemble inclut une copie carbone du document guide préliminaire préparé par la MGM en février 1938, les cinq versions manuscrites du scénario d'avril à août 1938, le logbook des effets spéciaux accompagné de 16 photos, le logbook du tournage à partir de mars 1939, et plusieurs documents relatifs à la préparation des contrats concernant notamment Victor Fleming et Judy Garland.

3 déc. 2018

La Tête de Mort dans l'Art Kota

Les migrations tribales modifient les pratiques culturelles. Il y a environ 300 ans des groupes Bantous sont poussés par leurs ennemis jusque dans la forêt tropicale. Les Kota s'installent ainsi dans la vallée de l'Ogooué, dans l'actuel Gabon. Pour honorer leurs morts, ils ont besoin de localiser les reliques enfouies. Leurs artistes conçoivent des piquets surmontés d'une figure.

Pendant près de 200 ans, ces figures de reliquaire répondent au même schéma général : le visage ovale centré dans un cadre à peu près circulaire est surmonté d'une large coiffe transverse en forme de croissant. Le piètement est un losange évidé symbolisant la fécondité. Un cou sépare ces deux parties.

Une dizaine de pièces d'exécution très soignée ont été réalisées par la même main, identifiée sous le nom de Maître de la Rivière Sébé, un affluent de l'Ogooué. Elles ont la caractéristique très innovante d'allier la convexité du front avec la concavité de la cavité oculaire et du menton d'une tête de mort. L'ornementation est embellie par des lamelles métalliques.

De Grunne considère que ce maître était actif vers 1750 à 1800 CE. Cette date apparaît si ancienne qu'il pourrait bien s'agir des prototypes de ce nouvel objet. Au fil des ans le dessin a varié, atteignant une simplification géométrique qui a considérablement influencé l'art moderne Européen. Le specimen Rubin a été vendu pour € 5,5M incluant premium par Christie's le 23 juin 2015.

Une figure de reliquaire de 54 cm de haut faisant partie du corpus du Maître de Sébé a été vendue pour $ 1,22M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2017. Une autre de dimension similaire est estimée € 700K à vendre par Sotheby's à Paris le 12 décembre, lot 162.

2 déc. 2018

Liberté et Lois

Adam Smith a enseigné jusqu'en 1764 la logique et la philosophie morale à l'Université de Glasgow. Il construit ses propres théories politiques à partir d'un postulat de croissance continue des nations, désormais dans la phase du commerce après la chasse, l'élevage et l'agriculture. Il anticipe la révolution industrielle Britannique.

En relation avec Hume, Voltaire, Franklin, et inspiré par la méthode scientifique de Newton, Smith étudie une logique basée sur la reconnaissance économique de la force de travail qui limitera le pouvoir des gouvernements. L'Etat centralisé et ses lois restent nécessaires pour s'opposer aux abus des individus.

Pour proposer un système de lois naturelles, il s'appuie sur les théories de la richesse agricole par Quesnay. L'application à la justice enrichit sa vision d'un libre-échange à la fois moral et pragmatique qui minimiserait encore plus l'intervention des gouvernements.

Son livre fondateur de l'économie politique est publié à Londres en 1776 sous le titre An Inquiry into the Nature and Causes of the Wealth of Nations. L'auteur possédait deux exemplaires de l'édition originale. L'un d'eux n'est pas localisé actuellement. L'autre est estimé £ 500K à vendre par Christie's à Londres le 12 décembre, lot 220.

La Truelle du Trappeur

A Paris depuis 1947, Jean-Paul Riopelle exprime ses sensations de la nature Canadienne : la forêt impénétrable, les saisons, le vent. Avec sa truelle de maçon, il sculpte littéralement la toile avec de la peinture à l'huile. Les couches sont si épaisses qu'elles atteignent la limite du déséquilibre.

Il alterne ainsi sur la toile les couleurs brillantes et les couleurs saturées, créant des taches, des balafres et des reflets qui apparaissent différemment quand l'observateur change de position, comme quand le vent agite les feuilles des arbres. Comme Pollock, il se voit comme un interprète de la nature et refuse que son art soit considéré comme abstrait.

Une symphonie de couleurs superbes intitulée Vent du Nord peinte en 1952-1953, 130 x 195 cm, a été vendue le 24 mai 2017 pour $ 7,1M CAD incluant premium par Heffel sur une estimation basse de $ 1M CAD.

La forêt reste l'objectif ultime de cet artiste que Breton surnommait le Trappeur Supérieur. Avec des taches de lumières émergeant parmi les couleurs sourdes, La Forêt, 130 x 195 cm peinte en 1953, a été vendue pour € 2,04M incluant premium par Sotheby's le 9 décembre 2015 sur une estimation de € 900K.

Comme Rothko, Riopelle sait que le grand format favorise l'immersion. Une huile sur toile 200 x 300 cm sans titre peinte en 1953 a été vendue pour € 4,9M incluant premium par Christie's le 5 décembre 2017 sur une estimation basse de € 1,5M. Dans la même dimension, Forestine, peinte en 1954 dans le même style que La Forêt, est estimée € 2,5M à vendre par Sotheby's à Paris le 5 décembre, lot 9.

1 déc. 2018

Harmonie Bucolique par Jan Brueghel

Jan Brueghel devient en 1606 peintre officiel à la cour des gouverneurs des Pays-Bas, Albrecht et Isabella de Habsburg. Il partage désormais son temps entre Bruxelles et Anvers. En 1609 la Trève de Douze Ans met fin provisoirement aux conflits ouverts bien que les tensions religieuses subsistent. Jan offre alors à ses clients des peintures sereines en ligne avec le retour de la prospérité rurale.

Il continue ainsi la tradition du Weltlandschaft par laquelle ses prédécesseurs avaient composé des paysages imaginaires qui servaient de modèles pour les fonds des scènes narratives. Tous les éléments y sont soigneusement structurés : la route animée, la large rivière, la vaste campagne où se blottissent les villages et les chapelles, et la montagne à l'horizon.

Il est un des meilleurs artistes de son temps, avec une palette de couleurs vives et variées. Sur la route l'animation répond à un catalogue de motifs incluant voyageurs, chevaux, bétail, chiens et chariots. Par rapport au Weltlandschaft classique, il adopte un point de vue plus bas qui met en valeur la scène pittoresque du premier plan

Beaucoup de ces vues sont peintes sur cuivre de petite dimension avec un lumineux impasto. L'un des plus grands, 53 x 72 cm, signé Brueghel et daté 1610, a été vendu pour $ 2,03M incluant premium par Sotheby's le 1er juin 1990. Il est estimé £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 6 décembre, lot 23.

30 nov. 2018

L'Amiral de la Mer Océane

Le projet de traversée de l'Atlantique par Cristobal Colon (Christophe Colomb) était crédible mais ses prétentions étaient extravagantes. Les Reyes Catolicos étaient trop occupés par la Reconquista, achevée en janvier 1492. Le 17 avril 1492 les deux parties signent enfin près de Grenade le contrat connu sous le nom de Capitulaciones de Santa Fe, avec promesse de privilèges en cas de réussite de l'expédition. Le document original est perdu mais des copies authentiques ont été conservées.

Le succès du premier voyage a dépassé toutes les espérances. Le 15 mars 1493 les Reyes convoquent Colon à Barcelone pour tenir leurs promesses et fournir de nouvelles instructions. La charte du 28 mai 1493 confirme les accords de l'année précédente. Colon est Amiral del mar Oceano, avec transmission héréditaire. Son monopole sur les découvertes espagnoles sera résilié en 1499.

Le 20 mai 1493 à Barcelone, Colon reçoit son blason sous la forme légale d'une provision royale. Le document original 28 x 44 cm sur parchemin de vélin est établi quelques jours plus tard, juste avant que l'amiral quitte Barcelone pour préparer le second voyage.

Les ducs de Veragua sont les descendants en ligne directe de Cristobal Colon. Ils ont jusqu'à ce jour conservé ce parchemin considéré comme faisant partie de leur patrimoine familial. Il est estimé € 1,25M à vendre par Ansorena à Madrid le 17 décembre, lot 90.

Le document inclut le texte établissant les privilèges, enregistré par le secrétaire royal Fernando Alvarez de Toledo. Il est centré de l'illustration du nouveau blason coloré avec cinq encres : or, blanc, rouge, bleu et brun. Les deux quartiers du haut sont les armes des royaumes de Castille et Leon et une des divisions du bas simule une carte des îles entourées par les ondes. Le sceau en plomb est perdu mais les rubans qui le tenaient sont restés attachés au papier.

Une Volupté Américaine

Le Pop Art est né de plusieurs sources. Il traduit l'ambiance de la meilleure époque du rêve Américain. En 1961 Lichtenstein et Wesselmann, indépendamment l'un de l'autre, acquièrent la notoriété avec des images de grands formats montrant cette société qui croit être libérée.

Tom Wesselmann est inspiré par les couleurs pures et les thèmes de Matisse. Ses séries séminales, Great American Nudes, Bedroom Paintings et Still Life, sont conçues pour se mêler entre elles. Il ajoute des références typiquement Américaines comme les portraits d'hommes d'Etat accrochés sur le mur de la chambre. Peint en 1961, un Great American Nude 152 x 122 cm avec le drapeau Américain et le portrait de Kennedy a été vendu pour $ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2008.

Wesselmann exprime un érotisme intense en limitant les formes féminines aux zones érogènes et en utilisant des aplats de couleurs chaudes. Il conçoit en 1967 une composition audacieuse. La femme nue est couchée dans sa chambre. Sa tête au premier plan est renversée vers l'arrière. La bouche ouverte entre les lèvres écarlates exprime une extase. Le nez et les yeux sont inutiles et ont été supprimés. Plus loin le portrait encadré d'une femme joue le rôle de la voyeuse.

La réalisation est minutieuse, avec pas moins de 25 dessins préparatoires. Avec un humour d'auto-dérision, l'artiste intitule cette oeuvre Long Delayed Nude. Datée 1967-1975, Big Study for Long Delayed Nude, huile sur toile 92 x 127 cm, a été vendue pour £ 540K incluant premium par Christie's le 7 octobre 2017.

Le 5 décembre à Paris, Sotheby's vend Long Delayed Nude, huile sur toile détourée 172 x 258 cm également datée 1967-1975, lot 7 estimé € 1M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

29 nov. 2018

Le Vieux Poète

Un marbre funéraire Romain montrant un homme en grandeur nature a été vendu pour $ 2,06M incluant premium par Sotheby's le 7 juin 2007. Il est estimé £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 décembre, lot 39.

Le vieil homme est vêtu d'un pallium, une draperie plus légère qu'une toge et qui découvre complètement le torse nu. Il est assis sur un coussin. Haute de 115 cm, cette statue a perdu un bras et les deux pieds et le nez est cassé. L'épaule droite a été restaurée.

Son attitude est raide et l'expression du visage est austère. Les jambes sont écartées dans une position orgueilleuse qui rappelle les figures de Jupiter sur son trône et les premiers portraits impériaux. Il a ainsi probablement été créé au tout début du règne d'Auguste dans les dernières années BCE. A cette époque le pallium était le manteau habituel des Romains.

Le drapé du pallium est simple, sans les emblèmes sociaux que l'on attendrait de la statue funéraire d'un aristocrate. Il exhibe un rouleau dans sa main, signifiant qu'il est un poète.

La statue a été créée en deux parties jointes aux hanches, réservant une cavité pour les cendres.

Les Doux Rêves de la Femme Luba

Avant 1930 au Congo, les femmes de l'aristocratie Luba-Shankadi arboraient un chignon d'une grande complexité, constitué de plusieurs ailes de dimensions progressives. Sa réalisation était longue et difficile et la femme devait le conserver pendant plusieurs mois. Les artistes du village leur ont sculpté des appui-nuque avec des figures en caryatide qui portent cette coiffure.

Cet objet en bois de 17 cm de haut est constitué d'un coussin et d'une base réunis par la statuette figurative. Pour qu'il reste léger et facile à manipuler, il est avec les tabourets un rare exemple de composition incorporant du vide.

Les artistes sont identifiés sous le nom générique de Maître de la Coiffure en Cascade. L'un d'eux, le plus prolifique et le plus talentueux, est connu par 12 appui-tête à caryatide simple et 4 appui-tête à caryatide double. Le premier exemplaire a été recueilli en 1901.

Le 12 décembre à Paris, Sotheby's vend au lot 141 une pièce prestigieuse, utilisée comme modèle en 1964 dans la première publication décrivant cette série. La patine démontre un usage prolongé.

Cet exemple à caryatide unique présente une superbe asymétrie du personnage assis avec un genou levé et l'autre jambe pliée vers l'arrière. Elle inclut aussi une des plus rares caractéristiques parmi ce corpus : les mains tiennent une grande pipe, faisant allusion au narcotique qui offre de doux rêves à la femme endormie.

Par le même artiste, un appui-tête à deux caryatides dans une position de conversation conviviale a été vendu pour € 2,3M incluant premium par Millon en association avec Christie's le 15 décembre 2016.

28 nov. 2018

Harcèlement d'une Nymphe

Ferdinando Tacca est un des meilleurs sculpteurs de Florence. Il dirige à partir de 1640 le vaste atelier de son père Pietro, mort prématurément, et termine les travaux inachevés. Ferdinando devient ainsi le second successeur de Giambologna.

Ferdinando préfère le bronze au marbre. Ses bronzes offrent une variété de textures sans précédent, de la peau lisse au sol rugueux. Dans les thèmes, il a une préférence pour les groupes qu'il réalise par assemblages d'éléments.

Il édite pour la première fois les différentes figures du cycle d'Hercule préparées par son père autour de 1614 pour une commande qui n'est jamais venue. Un groupe 58 x 55 x 38 cm avec une patine superbe a été vendu pour £ 6,8M incluant premium par Christie's le 5 juillet 2018.

La période d'activité de Ferdinando tombe dans une phase de désintérêt pour la sculpture maniériste et baroque. Il change d'activité vers 1650. Malgré l'importance de son atelier dans les années 1640 et son incontestable talent, son apport personnel est oublié jusqu'en 1976. Ses bronzes certainement très difficiles à réaliser ont été produits en très petites quantités et chaque thème peut inclure plusieurs variantes légèrement différentes l'une de l'autre.

Ferdinando a conçu une série de scènes inspirés d'Ovide ou d'Arioste montrant un homme et une femme dans la pleine excitation d'un drame érotique, par exemple Venus et Adonis ou Medor et Angelique.

Son interprétation d'Apollon et Daphné est chaude. La scène est montrée au moment précis où le dieu nu met la main avec un sourire de satyre sur la nymphe affolée. Contrairement au grand marbre terminé par le Bernin en 1625, la nymphe n'est pas nue mais dans un instant le dieu va arracher sa tunique. La légèreté de ces corps en mouvement est dans le goût de Giambologna. La version de référence, 49 x 42 cm, est conservée au Louvre.

Une seconde version, 44 x 44 cm, vient de faire surface. Elle est moins complète : Apollo n'a pas son carquois et Daphné ne tient pas les feuilles de laurier qui symbolisent son salut. Ces éléments n'ont peut-être jamais été assemblés sur cet exemplaire. La base en marbre est ultérieure. Dans cet état, ce bronze est estimé £ 200K à vendre par Sotheby's à Londres le 4 décembre, lot 67. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

27 nov. 2018

Ethnologie Pittoresque par Bruegel

En 1559 Pieter Bruegel peint ses premiers chefs d'oeuvre, le Combat de Carnaval et Carême et les Proverbes, deux huiles sur panneau de mêmes dimensions, 118 x 164 cm. Il réutilisera ce format jusqu'à la fin de sa vie pour la plupart de ses peintures importantes. Malgré l'abondance des personnages et la diversité des situations, l'ensemble est cohérent sans erreur d'échelle.

Ces deux oeuvres ont une valeur ethnologique sensationnelle et sans précédent, montrant la variété des occupations dans un village Flamand ainsi que les attitudes et les vêtements.

Inspirés d'une gravure réalisée peu avant par Hogenberg, les Proverbes de Bruegel sont une juxtaposition de près de cent dictons laïcs joués au village. Dieu et le Diable n'apparaissent que trois fois en tout, uniquement dans des situations ridicules, et les prêtres et les saints sont absents. Citons parmi les scènes les plus amusantes le paysan qui tond un cochon, le grelot attaché au chat et le cocu vêtu d'une cape voyante par la femme infidèle.

Du point de vue littéraire, Erasme et Rabelais avaient exploré ce thème : chacun moque ses voisins en ignorant ses propres défauts, constituant le syndrome de la folie ordinaire. Une interprétation moralisante est inévitable, spécialement en ces temps de tension religieuse.

La spécialité de Pieter Brueghel le jeune est de copier pour ses clients les compositions de son père. Les oeuvres avaient été dispersées. Les copies sont préparées en conformité avec les dessins originaux de Pieter l'Ancien, reconstitués de notre temps par une inspection non destructive de ses peintures. Cela démontre qu'un modèle de travail conservé par le père a été utilisé près de quarante ans après sa mort par le fils.

Pendant la décennie 1600 Pieter le jeune réalise des copies sur bois et sur toile au format d'origine. Le 6 décembre 2011, Christie's a vendu pour £ 6,9M incluant premium le seul exemplaire survivant sur toile de grand format du Combat de Carnaval et Carême, 119 x 171 cm.

Le 6 décembre à Londres, Christie's vend Les Proverbes, huile sur toile 121 x 167 cm peinte autour de 1607, lot 7 estimé £ 3,5M.

26 nov. 2018

Le Buffle Fatigué

Pan Tianshou mêle les techniques traditionnelles et les thèmes modernes. Ses peintures à l'encre et couleur sur papier laissent de grands espaces vides qui mettent encore plus en valeur la beauté du dessin.

Depuis 1957 il est pour la deuxième fois le chef de l'Académie Nationale. Soupçonné d'être un espion du Kuomintang, il est persécuté ignoblement par la Révolution Culturelle à partir de 1966 jusqu'à sa mort en 1971. Un paysage 358 x 150 cm peint en 1963 a été vendu pour RMB 290M incluant premium par China Guardian le 20 novembre 2018.

Les animaux sont des allégories. Perché tout en haut du rocher, l'aigle ou le corbeau est un vigile agressif. Le buffle épuisé par son travail aux labours reçoit comme seule récompense des hommes le droit de se baigner dans la mare.

Avec un titre en Chinois signifiant Après le Labour, un buffle peint en 1958, 227 x 121 cm, a été vendu pour RMB 160M incluant premium par China Guardian le 19 juin 2017. L'animal avec la corde d'esclavage dans les naseaux a la tête basse et le regard triste.

Avec un titre moins politiquement risqué signifiant Buffle au Printemps, l'oeuvre 248 x 101 cm peinte en 1961 est presque identique, avec des variantes dans le feuillage et une position différente du poème. Elle sera vendue le 7 décembre par Poly à Beijing, lot 2524. Elle est illustrée dans l'article de China Daily annonçant la vente.

25 nov. 2018

Jan Brueghel d'Italie

Pieter Bruegel meurt en 1569. Ses deux fils Pieter et Jan sont très jeunes. Leur éducation artistique est soignée et leur grand-mère assure très certainement leur connaissance de l'art de Pieter l'Ancien. Quand ils commencent leur carrière, ils signent Brueghel pour différencier les générations.

Pieter le Jeune copie et ré-interprète les oeuvres de Pieter l'Ancien. Jan préfère des thèmes originaux et séjourne en Italie de 1590 à 1596, à Naples et ensuite à Rome et Milan.

Une huile sur cuivre 26 x 35 cm peinte par Jan en Italie et faisant partie du cycle de Jonas a été vendue pour £ 1,07M incluant premium par Sotheby's à Londres le 3 décembre 2008. Elle vient dans la même salle de ventes le 5 décembre, lot 11 estimé £ 1,8M. Elle est signée Brueghel et datée 1595.

Cette oeuvre de jeunesse de Jan juxtapose volontairement deux lumières contradictoires, peut-être pour exercer son savoir-faire.

A gauche, brillamment éclairés par le soleil, les villages côtiers sont inspirés par le sud de l'Italie. Au premier plan les pêcheurs vendent leurs prises. Cette scène ainsi que la grève animée un peu plus loin anticipent un des thèmes de prédilection de l'artiste.

Le reste de l'image est une marine dans la pénombre sous un terrible ciel d'orage. Dans cet espace Jonas est jeté par-dessus bord d'un petit bateau.

Montaigne par Lui-Même

En 1572 Montaigne est retiré depuis deux ans de sa charge de conseiller au Parlement de Bordeaux tout en restant au service actif du roi, notamment pour des opérations militaires. Il est sociable sans être courtisan. Agé de 39 ans, il sait déjà qu'il a réussi sa vie. Il devient moraliste en s'appuyant d'abord sur les auteurs antiques.

Quand ses engagements publics lui laissent un peu de temps libre, il s'isole dans sa bibliothèque et il écrit. Comprenant progressivement que sa manière d'être peut servir de modèle, il va donner visibilité sur son psychisme et ses émotions, sans cacher ses défauts.

Il ne sait pas si son livre peut être utile. Effectivement aucune introspection similaire n'existait dans la littérature sauf peut-être les Confessions de saint Augustin dont l'objectif était très différent.

Les Essais de Messire Michel seigneur de Montaigne sont publiés en 1580 à Bordeaux en deux livres qui sont souvent reliés ensemble. Cette édition inclut aussi plusieurs sonnets par feu le poète stoïcien La Boétie, avec qui il avait ressenti la forte empathie qui lui a donné envie d'expliciter ses propres sentiments. Cette section sera supprimée dans les éditions posthumes des Essais.

Le meilleur exemplaire de l'édition originale des Essais a fait surface dans une vente aux enchères par Christie's le 25 juin 2009, où elle a été vendue pour € 715K incluant premium. Elle a conservé sa reliure d'origine en vélin souple et est complète, incluant les rares feuilles d'errata.

Provenant maintenant de la bibliothèque de Pierre Bergé, ce livre est estimé € 400K à vendre le 14 décembre à Paris - Drouot par la maison de ventes Pierre Bergé et Associés en association avec Sotheby's, lot 855.

Après ces deux premiers livres, Montaigne explore son Moi avec une acuité croissante, faisant l'objet du troisième livre publié en 1588.

24 nov. 2018

Lumière Divine sur l'Alpe

Caspar David Friedrich confronte le contemplateur solitaire avec l'immensité de la nature dans une approche mystique qui n'est pas loin d'être panthéiste. Le thème était connu depuis longtemps des literati Chinois. En Allemagne il est une caractéristique du romantisme, anticipant John Martin en Angleterre et Thomas Cole en Amérique.

Ce maître de la peinture de paysage a très peu voyagé. La réalité topographique ne l'intéresse pas. Il peint cependant avec le plus grand soin les textures des prairies, des arbres et des montagnes de ses vues imaginaires.

Ses oeuvres sont très rares sur le marché de l'art. Les deux huiles sur toile à vendre par Sotheby's à Londres le 12 décembre proviennent cependant de sources différentes. Toutes deux offrent une illumination du paysage par une source divine. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Au lot 8, Landschaft mit Gebirgssee am Morgen, 72 x 93 cm, est estimé £ 2M. La scène est divisée en trois parties distinctes. L'avant-plan est l'alpage avec la végétation et la vie. L'arrière-plan est la montagne inaccessible et immuable, anticipant Hodler. Le lac les sépare comme un purgatoire entre la terre et le paradis.

L'homme solitaire est de très haute taille mais sa silhouette paraît minuscule face au lac. La rive opposée est éclairée dans toute sa longueur par la lumière sublime.

Au lot 12, Sonnenblick im Riesengebirge, 26 x 32 cm, est estimé £ 500K. Le premier plan est une pente rocheuse sur laquelle sapins et arbres morts alternent dans la pénombre. La lumière mystique du soleil commence à frapper la montagne de l'autre côté.

Ces peintures ne sont pas datées. Landschaft peut être comparé aux oeuvres réalisées autour de 1823 à partir des vues des Alpes par J.C.C. Dahl. Le terminus post quem de Riesengebirge est 1810 quand l'artiste a fait une randonnée dans cette chaîne de montagnes entre Silésie et Bohème. Elle peut avoir été créée à la même période que le Landschaft.


23 nov. 2018

Enfants Royaux par van Dyck

Grand amateur d'art, le roi Charles I voulait prendre à son service un des meilleurs portraitistes. Il choisit Antoon (Anthony) van Dyck. Egalant ses illustres contemporains Rubens, Hals, Velazquez et Rembrandt pour la qualité des visages, van Dyck apporte en plus un soin attentif aux attitudes des modèles, toujours naturels, jamais guindés. Il est sans doute le meilleur portraitiste d'enfants.

Quand van Dyck commence cette nouvelle mission en 1632, le couple royal a deux enfants, Charles et Mary. James, Elizabeth et Anne naîtront plus tard. L'artiste les regarde grandir.

La mère, Henriette, a apporté à la cour des Stuarts son élégance française avec des textiles luxueux. Un portrait conservé au musée de Boston montre Mary en 1637. La princesse âgée de 6 ans porte une longue robe de soie à laquelle le talent de l'artiste apporte un aspect brillant.

Le 2 mai 1641 Mary épouse le prince d'Orange. Dans les jours qui suivent, van Dyck peint un nouveau portrait similaire au précédent, sur lequel la petite fille porte maintenant sa bague de mariée et la broche offerte par son mari.

La réalisation de copies autographes est fréquente chez van Dyck. Par la qualité de l'habit et des bijoux et la transparence de la broderie, l'huile sur toile autographe 158 x 109 cm à vendre par Christie's à Londres le 6 décembre est peut-être la peinture originale de 1641. Elle est estimée £ 5M, lot 15. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

Le 5 décembre à Londres, Sotheby's vend un autre exemple, lot 30 estimé £ 600K. Le dessin de l'enfant est identique mais le fond d'ambiance a presque disparu, et la spectaculaire robe rose corail portée au mariage est devenue orange saturée, sans doute pour plaire à la nouvelle belle-famille de la princesse. Une participation de l'atelier est possible

Un portrait de même format et de même année montre le prince de Galles, futur roi Charles II, âgé de 11 ans, en armure. Il formait probablement pendant depuis l'origine avec Mary en robe orange et est estimé £ 2M à vendre par Sotheby's dans la même vente, lot 29.


Composition Géante par de Staël

Nicolas de Staël exprime dans son art son psychisme en perpétuelle vibration. Il change plusieurs fois de style, mais toujours autour d'une géométrie structurée. Il aura des supports à Londres, habitué aux compositions abstraites de Ben Nicholson.

Après la guerre, un nouveau courant artistique se développe en France, inspiré par la juxtaposition de rectangles remplis de couleurs précédemment pratiquée par Bissière. Avec Poliakoff et plus tard Atlan ces zones élémentaires grandissent, deviennent des polygones souples et très colorés. Ce mouvement proche de CoBrA sera nommé le Tachisme. Mark Rothko n'est pas convaincu de la spiritualité de cette tendance.

Inspiré par la vision cubiste de Braque, de Staël abandonne progressivement à partir de 1947 son style composé de réseaux de barres enchevêtrées. Il travaille sur une toile 204 x 405 cm sur laquelle il positionne des aplats de couleurs sourdes. Après plus de deux ans de préparation, cette composition géante est datée 1950.

Composition 1950 a été vendue pour € 4,2M incluant premium par Sotheby's à Paris le 3 juin 2014. Elle vient dans la même salle de ventes le 5 décembre, lot 12 estimé € 4,5M.

Cette phase de son style est éphémère. Le 26 mars 1952, cet artiste hypersensible est ébloui par les couleurs artificielles du Parc des Princes lors d'un des premiers matchs de football joués en nocturne. Pendant trois ans il noie sa mémoire dans les couleurs les plus vives de la Côte d'Azur et de la Sicile, dans une frénésie de création qui se termine par la rupture familiale et le suicide.

22 nov. 2018

Folle Jeunesse à Haarlem

Toujours attentif à identifier toutes les particularités de Haarlem et à promouvoir les arts, Samuel Ampzing reconnaît en 1628 le bon esprit de Judith Leyster. Artiste précoce, elle a alors 19 ans.

Cette citation montre que le protestant rigoriste avait aussi un esprit large : Leyster était spécialisée dans les scènes de genre avec des adolescents fêtards qui dansent au son du violon. Ils ont encore l'âge de rire et de s'amuser.

Au début de la même décennie, les Caravagistes d'Utrecht étaient revenus de Rome et célébraient les scènes de basse vie, souvent avec des musiciens. En promouvant Leyster, Ampzing mettait aussi en avant ses gentils personnages plus proches du carnaval et de la Commedia dell'Arte.

Le 6 décembre à Londres, Christie's vend une huile sur toile 75 x 63 cm peinte vers 1629, lot 12 estimé £ 1,5M. L'image est partagée par Wikimedia.

Trois garçons en habits très colorés, dont un violoniste et un buveur portant un toast, rient aux éclats. Dans le coin de la fenêtre, deux très jeunes enfants et un adulte rient avec eux. L'art de Leyster est spontané, sans dessin préalable, comme faisaient Frans Hals et Rembrandt.

Le jeune violoniste est un de ses personnages favoris. En 1633, probablement pour sa réception à la guilde locale, elle peint un autoportrait avec une image de ce musicien sur son chevalet.

Obtenant alors le droit d'ouvrir un atelier avec des apprentis, elle apparaît comme une rivale de Hals. L'attribution traditionnelle à Hals de beaucoup d'oeuvres peintes par Leyster a brouillé l'appréciation de ces deux artistes très différents l'un de l'autre. L'activité créatrice de Leyster cesse presque complètement quand elle épouse Molenaer en 1636.

Judith Leyster Merry Trio