22 juil. 2018

Ruth par Goudey

Insérée dans les paquets de cigarettes ou de tabac, la carte de baseball tombe en désuétude pendant la Première Guerre Mondiale. Quelques fabricants de bonbons au caramel ou au chocolat maintiennent à peine cette tradition. Les amateurs d'images préfèrent les cartes postales.

Goudey Gum Company est un leader sur le marché du chewing gum. Le fondateur de la société prend sa retraite en 1932. En 1933 le nouveau management insère dans les paquets de la marque des images imprimées en sérigraphie. Le dessin d'après photographie est simple et les couleurs sont vives. Le dos inclut en plein format un court texte au côté de l'identification de l'éditeur, ce qui était bien plus attractif que sur une carte postale.

La série la plus importante est consacrée entièrement aux joueurs de baseball sous le titre de Big League Chewing Gum. Ses 240 images sont éditées par Goudey à Boston. 94 d'entre elles sont renumérotées et publiées à Montreal par World Wide Gum Company qui était la succursale de Goudey au Canada.

Les éditions de la même année incluent une série multisports de 48 cartes pour le Sport Kings chewing gum, 216 vues d'Indiens pour l'Indian chewing gum et deux autres séries de 48 cartes : Boy Scouts et Sea Raiders.

Babe Ruth, la plus grande vedette du baseball, est représenté par 4 numéros dans la série Big League. Le numéro 181 est un portrait rapproché sur lequel le champion accoudé observe avec attention une action en cours hors champ. Cette image ne figure pas dans les autres séries.

Dans sa prochaine vente, Goldin vend au lot 21 un exemplaire de la Goudey 1933-181 gradé Mint 9 par PSA, très rare dans cet état avec un centrage parfait, des couleurs très fraiches, des bords très propres et les quatre coins intacts. La vente en ligne en cours depuis le New Jersey sera close par une session live le 2 août.

Pour que les jeunes collectionneurs continuent à acheter la gomme, le numéro 106 de la série 1933 n'avait pas été attribué. La supercherie a été découverte. L'année suivante Goudey a créé une 1933-106 pour la fournir aux amateurs irrités. Cette carte à l'effigie du champion Napoleon Lajoie en retraite depuis quinze ans est la plus rare de la série et aucun exemplaire n'a été maculé par la gomme. Une 1933-106 gradée Mint 9 par PSA a été vendue pour $ 230K incluant premium par Goldin le 1er octobre 2016.

Whisky Japonais

Le prix aux enchères des meilleurs whiskys monte considérablement. Leur mise en bouteille en édition limitée fait suite à une maturation de plusieurs décennies pendant laquelle l'évolution est surveillée par les meilleurs goûteurs.

Deux exemplaires d'un Macallan 60 ans 42,8 % d'une édition de 40 bouteilles 75 cl ont été vendues par Bonhams la 18 mai 2018 pour respectivement HK$ 8,6M et 8M incluant premium sur une estimation de HK$ 3,6M chacune.

Le whisky Japonais suit une évolution similaire.

L'ère Meiji avait ouvert le Japon au monde. Shinjiro Torii commence sa carrière comme apprenti chez un pharmacien d'Osaka qui importe les liqueurs Occidentales. Il décide d'adapter le whisky au goût Japonais. La qualité de l'eau est la clé de la perfection. Il installe en 1923 sa chaîne de production à Yamazaki, un confluent de trois rivières entre Osaka et Kyoto où l'eau de source a la réputation d'une pureté exceptionnelle.

Le choix de Torii était excellent. Le single malt whisky produit par cette usine appartenant au groupe Suntory est devenu un des meilleurs du monde, mêlant un goût subtil à un fort taux d'alcool.

Suntory-Yamazaki a produit trois éditions de whiskys mis en bouteilles de 70 cl après 50 ans de maturation dans des fûts du chêne mizunara : 50 bouteilles en 2005, 50 en 2007 et 150 en 2011.

Un exemplaire de la première édition devient le 2 octobre 2016 chez Poly Auctions la toute première bouteille de whisky, toutes origines confondues, à franchir aux enchères le seuil du million de HK$. Le 27 janvier 2018 une bouteille de la troisième édition titrant 57 % a été vendue pour HK$ 2,34M incluant premium par Sotheby's sur une estimation basse de HK$ 700K.

Le 17 août à Hong Kong, Bonhams vend une bouteille Suntory-Yamazaki 50 ans de l'édition de 2005, titrant 54 %. Elle est estimée HK$ 1,8M, lot 203.

21 juil. 2018

Au-delà des Colonnes d'Hercule

Hernan Cortes est tout puissant à Mexico City tout en affirmant sa loyauté au roi d'Espagne Charles I, qui est aussi l'empereur Charles V. L'empereur désire conserver le contrôle de ses nouveaux territoires. Nommé en 1535 comme le premier vice-roi de la Nouvelle-Espagne, Antonio de Mendoza a la mission sensible d'organiser la colonie sans déplaire à Cortes.

Mendoza réussit cette tâche à merveille. La première chaîne de production de monnaies Mexicaines est installée dans la résidence privée de Cortes en 1536. La première dénomination est 3 reales. L'année suivante un décret impérial remplace cette première monnaie par deux dénominations, 8 reales et 4 reales. 8 reales est le standard de la grande pièce d'argent Espagnole créée en 1497, qui deviendra le modèle du dollar US.

En raison d'une suspicion de fraude, l'administration impériale audite la monnaie Mexicaine en 1545. En 1947 un érudit étudie les interrogatoires de cette investigation. Conformément au décret, un essai de production de la pièce de 8 reales a bien été tenté. Elle a été très vite abandonnée parce qu'elle était trop difficile à réaliser avec l'équipement rudimentaire installé à Mexico.

Les historiens sont ravis mais les numismates sont frustrés : en 1947, ils n'ont jamais vu cette pièce de 8 reales. Au début des années 1990, la fouille d'un naufrage remonte un coffre contenant 2000 pièces d'argent dont trois pièces de huit reales.

Le dessin de cette pièce montre les colonnes d'Hercule liées par une bannière avec le mot PLUS, résumé de la devise de Charles V indiquant que le détroit de Gibraltar n'est plus une limite pour les ambitions impériales. Cette figure est à l'origine du signe moderne du dollar ($) selon l'hypothèse la plus probable. L'inscription Hispanie et Indiarum Re qualifiant Charles et sa mère Joanna ne laisse aucun doute sur cette interprétation.

Les pièces ont un contour irrégulier et un double martèlement, confirmant la difficulté de fabrication. Elles ont la marque de l'essayeur R (Rincon), actif de 1536 à 1538, remplacé l'année suivante par l'essayeur P.

Les trois pièces Mexicaines sorties du naufrage deviennent par ce fait les plus anciens précurseurs Américains du dollar US. Elles sont séparées. Les premières enchères sont organisées trop tôt, sans que les collectionneurs soient avertis du progrès de l'inventaire du naufrage. En fait aucune autre pièce de 8 reales n'est apparue.

Les trois pièces ont été gradées par NGC. La meilleure, AU-50, a été vendue pour $ 374K incluant premium par Heritage le 9 janvier 2006. Elle est estimée $ 500K à vendre par Heritage à Philadelphie le 17 août, lot 30386. La pièce gradée EF-40 a été vendue pour $ 310K incluant premium par Goldberg le 26 mai 2008. La pièce gradée XF-45 a été vendue pour $ 590K incluant premium par Sedwick le 6 novembre 2014.

20 juil. 2018

Le Nickel d'Eliasberg

Louis E. Eliasberg Sr avait assemblé une collection complète des monnaies régulières Américaines tout en recherchant le meilleur exemplaire de chaque variété. En 1952 il restitue sans compensation au gouvernement son double aigle de 1933 provenant d'une émission interdite. Le Liberty Head Nickel de 1913, acquis par lui en 1949, devient la plus prestigieuse pièce de sa collection.

Cette variante non documentée par l'usine est la conséquence de l'introduction pour le millésime 1913 du motif Buffalo Head remplaçant le Liberty Head pour la pièce de 5 cents. Il apparaît que lorsque cette décision a été prise en février 1913, une matrice 1913 Liberty Head était déjà disponible pour la chaîne de production.

La population du 1913 Liberty nickel est limitée à un seul groupe de cinq pièces exposées ensemble en 1920 par un ancien employé de l'usine qui en avait connaissance et avait réussi à les avoir en mains. Les cinq pièces avaient été frappées avec un outillage neuf, peut-être simplement pour un premier essai qui deviendra périmé avec le changement de figure.

Eliasberg considérait que ce groupe constituait la population totale. Effectivement aucun autre exemple n'est jamais apparu. Son exemplaire est le meilleur, gradé PR66 par PCGS, et le seul des cinq dont la surface est réfléchissante.

Quand Eliasberg meurt en 1976, sa collection est partagée entre ses deux enfants. Elle fait l'objet de plusieurs ventes aux enchères. Le 1913 Liberty nickel d'Eliasberg devient la première pièce de monnaie à franchir le seuil du million de dollars aux enchères, le 21 mai 1996 par Bowers and Merena. Le marteau de Q. David Bowers tombe à $ 1,35M, $ 1,485M incluant premium.

Son prix a considérablement monté dans les années suivantes. Elle est vendue pour $ 1,84M incluant premium par Superior Galleries en mars 2001. Deux transactions privées ont été révélées, à $ 4,15M en mai 2005 et $ 5M en avril 2007. Elle était restée invendue aux enchères par Stack's en janvier 2007.

L'exemplaire Eliasberg du 1913 Liberty nickel sera vendu par Stack's Bowers à Philadelphie le 15 août, lot 1096. L'image partagée par Wikimedia provient de la vente aux enchères de 2001.

1913 Eliasberg Liberty Head Nickel

15 juil. 2018

Entre Louisiane et Nova Scotia

La Guerre de Succession d'Autriche, terminée en 1748, remet face à face les Britanniques et les Français, chacun avec ses alliés. Un nouveau conflit sera inévitable.

L'Amérique du Nord est partagée entre trois puissances coloniales, l'Angleterre, la France et l'Espagne. Le centre du pays, entre les Grands Lacs au Nord et les Carolines au Sud, entre l'Acadie à l'Est et le territoire des Sioux à l'Ouest, est faiblement peuplé et les frontières ne sont pas réellement définies.

Depuis 1682 les Français contrôlent sous le nom de Louisiane une bande continue qui s'étend de Québec jusqu'à l'embouchure du Mississippi. Depuis 1718 la référence est la carte de Delisle, très précise géographiquement mais anticipant politiquement une extension française. Cette situation ne peut pas convenir à Lord Halifax, en charge des affaires coloniales depuis 1748 avec le titre de President of the Board of Trade.

John Mitchell est un botaniste et médecin colonial, revenu de Virginie à Londres en 1746 pour raisons de santé. Il partage les opinions de Halifax sur la menace française en Amérique du Nord. Halifax lui demande de créer une carte détaillée pour laquelle il lui ouvre toutes les archives disponibles à Londres.

En 1754 la seconde carte manuscrite réalisée par Mitchell répond à la précision demandée par le gouvernement. La guerre avec les français est déjà plus facile que prévu. Halifax ne demande pas un usage exclusivement militaire et un copyright est accordé en 1755. Cette grande carte à usage mural 136 x 195 cm est un encouragement au patriotisme. Des erreurs dans la Nova Scotia, région stratégique spécialement importante pour Lord Halifax, sont rectifiées par Mitchell deux ans plus tard.

La carte de Mitchell peut être aquarellée à la main pour identifier les zones d'influence, objectivement ou pas. Elle servira de référence géographique en 1783 lors des accords de Paris pour établir la frontière entre l'Empire Britannique et les Etats-Unis d'Amérique.

Le 28 juillet à New York, Arader Galleries vend un exemplaire entièrement coloré de la troisième édition, imprimée à Londres vers 1774. L'état est annoncé comme excellent, signifiant que cet exemplaire n'a pas eu d'accrochage mural de longue durée. Cette carte est estimée $ 180K, lot 59 ici lié sur les plates-formes d'enchères LiveAuctioneers et Invaluable.

You are looking at one of the most important maps in American history. 🇺🇸 Lot 59: MITCHELL, John (1711-1768). A Map of the British and French Dominions in North America. LINK IN BIO. • Considered by many to be the most important map in American history, Mitchell’s map was the one upon which the boundaries of the new United States first appeared. The treaty of 1783 was based on Mitchell’s map, as was the border between the United States and Canada🇨🇦 . . . #cartography #cartographic #mitchellmap #mitchellmaps #historicalmaps #history #oldmaps #oldmap #johnmitchell #usa #unitedstates #canada #rare #rareart #art #auction #artgallery #gallery #mitchellmaps #raremap #raremaps #map #maps #mapcollector #mapcollection #worldmaps #artgalleryny #mitchellmap #artcollector #artcollection #artgallerynyc #artauction
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La Revanche de l'Argent

L'Acte du Congrès de 1873 met fin au dollar d'argent et rend périmé le bimétallisme. Auparavant le taux de change entre l'or et l'argent était fixé immuablement par la loi. L'abondance et la popularité de l'or après le Rush de Californie rendait cet équilibre impossible à gérer.

Pour répondre à l'inquiétude et à la réprobation des producteurs et spéculateurs d'argent, un nouvel Acte exige en 1878 que le Trésor achète entre $ 2 millions et 4 millions de bouillon d'argent par mois. Ces achats sont payés par une nouvelle monnaie de papier, le Silver Certificate of Deposit, aussitôt émis en six dénominations de $ 10 à $ 1000 et connu sous le sobriquet descriptif de Black back.

Une nouvelle série est émise en 1880 avec des modifications mineures incluant la couleur du sceau. Au début de la même année la contre-signature par le receveur du dépôt est abandonnée.

Les exemplaires survivants des plus hautes dénominations sont de très grande rareté. Joel R. Anderson a réussi l'exploit de réunir une collection complète des six dénominations de la série de 1880. Ces certificats seront vendus en lots séparés par Stack's Bowers à Philadelphie le 16 août.

La nomenclature Friedberg tient compte des combinaisons des signatures imprimées du Register of the Treasury et du Treasurer of the United States. Le recensement de Friedberg indique pour le certificat $ 500 un contresigné de 1878 et sept de la série 1880 répartis entre les signatures Bruce-Gilfilan en vigueur de 1881 à 1883 et Bruce-Wyman de 1883 à 1885.

Le certificat de $ 500 de la prochaine vente est estimé $ 700K, lot 2039. Ce Bruce-Gilfilan (Friedberg 345c) est gradé Very Fine 20 par PCGS. Il avait été vendu pour $ 480K incluant premium par Lyn Knight en octobre 2005. Il est un des trois restant en mains privées : deux 345c et un 345d Bruce-Wyman.

Friedberg indique pour le certificat $ 1000 cinq exemplaires de la série 1880, tous dans la configuration Bruce-Wyman. Le certificat de $ 1000 de la prochaine vente est estimé $ 800K, lot 2041. Ce Bruce-Wyman (Friedberg 346d) est gradé Very Fine 25 par PCGS. Il avait été vendu pour $ 670K incluant premium par Lyn Knight en octobre 2005. Il est un des deux restant en mains privées. Aucun $ 1000 de la série 1878 n'a survécu.

8 juil. 2018

Numéro 99

Agé de 16 ans en 1977, Wayne Gretzky joue avec les Sault Ste. Marie Greyhounds de l'Ontario Hockey League. Il admire Gordie Howe et veut porter comme lui le numéro 9. Ce n'est pas possible : le 9 est déjà attribué à un autre joueur. Gretzky choisit le 99.

Gretzky porte le 99 pendant toute sa fabuleuse carrière. Le chiffre devient le symbole de sa réussite. Quand il prend sa retraite de joueur en 1999, le 99 est retiré dans tous les clubs de la National Hockey League. Son admission la même année dans le Hockey Hall of Fame est un autre honneur sans précédent. Il détenait à cette date 61 records de la NHL. Aucun n'a été dépassé depuis.

En janvier 1979 Gretzky atteint ses 18 ans. Il signe un contrat pour 10 ans avec les Edmonton Oilers de la World Hockey Association. Quelques mois plus tard la WHA est dissoute et les Oilers sont intégrés dans la NHL. La saison 1979-1980 est ainsi le rookie year de Gretzky en NHL. Une trading card éditée au Canada a été vendue pour $ 465K incluant premium par Goldin le 4 août 2016.

Un maillot des Oilers signé avec un marqueur noir par Gretzky dans le numéro 99 est listé au lot 58 dans la prochaine vente de Goldin Auctions. Les enchères ouvertes en ligne le 9 juillet s'achèvent en vente live dans le New Jersey le 2 août.

Ce maillot est orné aux épaules avec le logo Edmonton 1904-1979 mémorisant le 75ème anniversaire de la City d'Edmonton, qui n'a été utilisé que cette année-là. Le maillot a été comparé avec un autre exemplaire exposé au Gretzky's Restaurant à Toronto. Les caractéristiques sont similaires à l'exception de la plaque de nom qui est ultérieure sur le maillot qui vient en vente.

Le photo-matching des maillots de hockey n'est pas une tâche facile. Les maillots ne peuvent souvent être distingués les uns des autres que par d'infimes traces d'usure. Une photo publiée en décembre 1980 est considérée comme probante par le groupe d'experts MeiGray. Le maillot n'avait pas l'identification du joueur, indiquant que la photo a été prise en 1979 pendant la préparation de la saison.

7 juil. 2018

La Batte Striée de Cap Anson

Cap Anson commence sa carrière à l'âge de 19 ans en 1871, l'année de la création de la toute première ligue professionnelle de base ball (baseball). A cette époque les règles du jeu sont parfaitement définies mais la façon de les appliquer l'est beaucoup moins. Dans la décennie suivante le super champion King Kelly est aussi un comédien qui sait détourner au bon moment l'attention de ses adversaires. Cap Anson augmente ses revenus en pariant sur sa propre équipe et en jouant du vaudeville.

Cap Anson joue son dernier match en 1897. Il donne en souvenir à une de ses filles sa dernière batte et son uniforme.

L'uniforme a été très endommagé et a disparu. La batte est restée dans sa descendance jusqu'en 2005. Elle a été vendue pour $ 287K incluant premium par Heritage le 5 août 2010 et pour $ 430K incluant premium par Christie's le 19 octobre 2016. Elle est maintenant listée au lot 3 par Goldin Auctions. Les enchères ouvrent le 9 juillet et seront closes par une vente live dans le New Jersey le 2 août.

Cette batte est d'une extrême rareté par sa corrélation avec un des meilleurs joueurs du XIXème siècle, son état d'usage évident et son exceptionnelle provenance familiale. Elle a été gradée GU 10 par PSA/DNA.

Elle est aussi un très ancien exemple de Louisville Slugger par J.F. Hillerich and Son. Le nom avait été déposé seulement trois ans auparavant, après quelques années d'expérience de Hillerich fils dans cette nouvelle spécialité. Avant cette initiative industrielle qui allait considérablement faciliter la normalisation, la fabrication des battes était laissée à l'initiative des joueurs.

La marque inscrite dans le bois et sa position sont spécifiques de l'année 1897, corrélant parfaitement la tradition familiale selon laquelle elle était la dernière batte professionnelle du champion.

Cette batte longue de 36 inches a été incisée par Anson sur une longueur de 13,5 inches avec environ 145 entailles parallèles destinées à améliorer la prise en mains. Ce raffinement n'a cependant pas sauvé la fin de carrière d'Anson, chassé de sa propre équipe pour son incompétence après une trop longue carrière.

28 juin 2018

Une BMW pour John Surtees

Lorsqu'elle est introduite à New York pendant l'été 1955, la BMW 507 suscite bien des louanges. Ce roadster concurrencera la Mercedes-Benz 300 SL, elle sera moins chère et les clients Américains aimeront son élégance.

La production ne démarre pas avant novembre 1956. Les coûts de production sont beaucoup plus élevés que prévus et le prix de vente est devenu excessif. BMW continue jusqu'en 1959 ce modèle qui perd de l'argent. Les dirigeants de la marque avaient espéré vendre 5000 exemplaires par an. En tout 252 exemplaires seulement ont été construits.

Marchand de motos à Londres, Jack Surtees est en relation professionnelle avec les importateurs de Porsche et BMW. Son fils John est un prodige de la compétition moto, champion du monde en catégorie 500 cc en 1956 à l'âge de 22 ans avec MV Agusta.

En 1957 à Hockenheim, John est séduit par la 507 apportée au stand BMW par le chef du développement de la marque, qui autorise le jeune champion à la conduire. Quand Agusta annonce à John que ses performances ont dépassé son salaire et méritent un cadeau, il demande une 507. C'est trop cher : ils transigent pour un partage du prix moitié-moitié.

John est déçu : sa 507 est poussive dans les côtes. Le dirigeant lui indique que la voiture d'Hockenheim avait un moteur plus puissant et qu'il accepte de modifier la voiture de John avec une spécification similaire.

Décédé en 2017, John Surtees avait gardé et utilisé pendant toute sa vie cette 507 unique en son genre, résistant même discrètement à une intimidation d'Enzo Ferrari pour qu'il renonce aux voitures allemandes. Elle est estimée £ 2M à vendre par Bonhams à Goodwood le 13 juillet, lot 330. Je vous invite à regarder la video préparée par Goodwood Road and Racing avec Bonhams.

27 juin 2018

L'Echappement de la Marine

L'échappement à ancre sans pendule est conçu par l'horloger anglais Thomas Mudge à partir de 1754. Ses montres-chronomètres de poche de haute précision pourront intéresser la Marine à cette époque où des améliorations sont encore bienvenues pour la mesure des longitudes.

Cette miniaturisation prometteuse est extrêmement difficile à réaliser. Mudge présente son premier exemplaire fonctionnel au roi en 1770. En 1781 Josiah Emery, un Suisse installé à Londres, commence une production de série pour de riches clients. Il meurt en 1797. Sa production totale de montres à échappement est estimée à 38 unités.

Le vice-amiral Nelson était soucieux de la maîtrise du temps. Le matin de la bataille de Trafalgar, 21 octobre 1805, il sort de sa poche sa montre-chronomètre Emery et rassemble ses officiers pour vérifier que leurs montres sont réglées sur sa propre référence de temps.

Il est tué dans la bataille. Son corps est immergé dans un tonneau d'eau-de-vie pour assurer le rapatriement et ses objets personnels sont soigneusement mis de côté.

La montre Emery entrera par héritage en 1835 en possession de la nièce du héros. Elle comprend l'importance historique de l'objet qu'elle fait insérer dans une armature d'horloge de carrosse avec l'inscription 'The Chronometer of Horatio Viscount Nelson. Worn by him at The Battle of Trafalgar, placed in this case by his niece Charlotte Mary, Lady Bridport, to be preserved for any one of her descendents who may enter the Navy'.

Considérant son numéro de série 1104, cette montre a été fabriquée par Emery vers 1787. Nelson n'avait pas cette montre à la bataille du Nil en 1798 et elle était trop chère pour ses moyens. L'hypothèse d'une récompense accordée pour ses victoires est plausible. Elle est estimée £ 250K à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 72.

26 juin 2018

Spectroscopie Röntgen

La liste des travaux récompensés par les Prix Nobel scientifiques donne une excellente vision historique des plus prometteuses ouvertures apportées par les découvertes. Ainsi le Prix Nobel de Physique met en lumière par deux fois les rayons cathodiques, en 1901 et 1905, suivis de la spectroscopie X en 1914 et 1917 et de la cristallographie X en 1915.

Mort au champ d'honneur en 1915 à l'âge de 27 ans, Henry Moseley n'a pas eu le Prix Nobel. Il l'aurait mérité par l'importance et la variété de ses contributions incluant la loi empirique reliant le spectre X d'un élément à son numéro atomique.

A partir de 1914 Manne Siegbahn étudie la spectroscopie X auprès de Rydberg à l'université de Lund. Brillant ingénieur, il améliore considérablement la résolution des mesures, aboutissant à une classification et à une cartographie des spectres de Moseley. Devenu en 1922 professeur à l'université d'Uppsala, il publie ses résultats en 1923 sous le titre Spektroskopie der Röntgenstrahlen.

En 1924 le comité Nobel ne parvient pas à désigner un lauréat en physique. En 1925 ce prix est attribué rétroactivement à Siegbahn.

Kai Siegbahn continue l'oeuvre de son père. Utilisant l'émission photoélectrique, il obtient des mesures de très grande précision des niveaux d'énergie dans les atomes. Il partage le Prix Nobel de Physique en 1981 avec deux spécialistes de la spectroscopie laser.

Les médailles et les diplômes Nobel de Manne et Kai Siegbahn seront vendus ensemble par Sotheby's à Londres le 9 juillet, lot 400 estimé £ 150K.

25 juin 2018

Les Lis des Jardins Royaux

Arrivé à Paris à l'âge de 23 ans en 1782, l'artiste Wallon Pierre-Joseph Redouté choisit comme spécialité l'illustration des fleurs. A cette époque les naturalistes se réunissent au Jardin du Roi qui sera plus tard le Jardin des Plantes. Redouté apprend l'aquarelle auprès de van Spaendonck.

Introduit à Versailles, Redouté entre au service de la reine Marie-Antoinette. Il sera sous l'Empire un artiste officiel de l'impératrice Joséphine et assurera la formation artistique de la princesse Adélaïde d'Orléans.

Redouté peint sur vélin plusieurs centaines d'aquarelles montrant les fleurs des jardins de Malmaison, Saint-Cloud, Versailles et Sèvres. Sa précision botanique est extrême, sans erreur de proportions et sans distorsions.

Redouté prépare les gravures associées à ses aquarelles. Pour obtenir la précision désirée des contrastes les plaques sont ré-encrées après chaque impression. Les images sont terminées à l'aquarelle guidée par de minuscules pointillés gravés dans la feuille.

Cet ensemble de 487 images 51 x 34 cm est imprimé en 280 exemplaires par Didot jeune et fourni en 80 livraisons entre 1802 et 1816. Le titre, Les Liliacées, est réducteur par rapport au contenu qui couvre l'ensemble des monocotylédones.

La jeune duchesse de Berry entrée par alliance dans la branche légitimiste des Bourbons deviendra à son tour une protectrice de Redouté. Avant la chute du régime elle possédait les aquarelles originales des Roses publiées par Redouté après l'achèvement des Liliacées.

Le 11 juillet à Londres, Christie's vend un exemplaire des Liliacées qui avait appartenu à la duchesse de Berry. Relié pour la duchesse en huit volumes, cet ensemble est estimé £ 350K, lot 281.

En 1985, les aquarelles originales des Liliacées reliées en 16 volumes ont été vendues en un seul lot par Sotheby's pour $ 5,5M incluant premium. Ce résultat remarquable était à l'époque le dixième plus haut prix enregistré pour une enchère d'art. Achetées par un libraire pour un consortium créé par lui pour cette opération, elles ont été réparties juste après la vente parmi ses porteurs d'actions, aboutissant pour son profit au démantèlement qui avait été prévu à l'origine par la maison de ventes.

La Trahison des Publicités

Les images et les mots nous trompent en permanence. Leurs associations nous mènent dans un univers factice. Leurs créateurs manipulent notre pensée dans un but qui peut être social, racial, commercial. Nous suivons comme un gigantesque troupeau de moutons.

Les images sont innombrables et galvaudées. Andy Warhol, Gerhard Richter et Richard Prince ont bâti leur univers sur de mauvaises images découpées dans des magazines.

Barbara Kruger travaillait comme graphiste dans un magazine de mode. Au début des années 1980 elle veut partager sa vision du mensonge illimité de la vie sociale post-moderne. Elle photographie ses collages constitués de mauvaises photos des magazines, souvent déchirées et recollées, sur lesquelles elle ajoute un slogan incisif.

Les premiers slogans sont hermétiques. L'utilisation généralisée du You, du We ou du I appliqué à des groupes non définis incite l'observateur à réfléchir sur les rapports de forces dans le monde moderne. Il attend un lien entre l'image et le slogan, et son absence renforce son malaise.

Les slogans deviennent vite plus compréhensibles, basés sur des locutions connues de tout le monde détournées contre la société de consommation : Your fact is stranger than fiction, I shop therefore I am. When I hear the word culture I take out my checkbook, 350 x 170 cm réalisé en 1985, a été vendu pour $ 900K incluant premium par Christie's le 8 novembre 2011 sur une estimation basse de $ 250K.

We have received order not to move est dès 1982 un cri contre l'oppression des femmes. 'We' apparaît comme l'identification des femmes par opposition au monde dont les règles ont été établies par et pour les hommes.

Le 27 juin à Londres, Sotheby's vend une photo 187 x 124 cm réalisée en 1984 incluant le slogan menaçant We are public enemy number one, lot 194 estimé £ 180K. Sur cette image la forme humaine n'est pas identifiable : personnage ou ombre, de face ou de dos, homme ou femme.

24 juin 2018

Charmes Voraces

Peintre typique de l'époque Victorienne dans un style proche d'Alma-Tadema et de Leighton, John William Waterhouse est inspiré par les nombreux mythes de la femme fatale. Seule ou en groupe, elle n'est jamais dominée par l'homme mais ses désirs et sa curiosité peuvent être catastrophiques. Elle est Ophélie mourant d'amour. Attirée par la magie, elle ouvre la boîte de Pandore.

Le 12 juillet à Londres, Sotheby's vend The Siren, huile sur toile 81 x 53 cm peinte en 1901, lot 12 estimé £ 1M.

La belle enchanteuse est juchée sur son rocher. Entièrement nue, elle tient la lyre qui est le symbole de son charme. Elle se penche en avant pour observer un marin qui se noie devant elle et chante doucement. Elle ne conçoit pas qu'elle pourrait tendre la main pour sauver l'homme. Les deux jeunes gens se regardent, attirés l'un vers l'autre par des passions opposées, charme destructeur et impossible appel à l'aide.

Waterhouse ne confond pas Siren et Mermaid, bien que les jambes de sa Siren soient couvertes d'écailles qui viennent se confondre dans les embruns. Il peint la même année une jolie femme nue assise, encerclée dans sa queue de poisson. Il n'y a pas d'homme dans cette scène-là : peut-être a-t-il déjà été dévoré.

Une autre peinture de voracité similaire mettant en scène six nymphes nues attrapant un homme dans un étang a suscité un scandale en janvier 2018. Elle avait été décrochée d'une cimaise de la Manchester Art Gallery à la demande de féministes puritaines qui voulaient déclencher un débat sur l'exposition des corps des femmes.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's. L'image est partagée par Wikimedia.


Une Fille de France

Actif à Paris à partir de 1319, Jean Pucelle qui était peut-être d'origine Italienne est spécialisé dans les livres de prières somptueusement enluminés pour la famille royale. Il introduit des nouveautés dans la mise en page, avec une riche profusion de miniatures et de lettrines, des oiseaux branchés dans les marges et des drôleries burlesques en bas de page. A partir de 1334 et jusque vers 1375 Jean le Noir continue cette activité avec un important atelier.

Le roi d'Angleterre Edouard III relance la guerre en 1355. Le roi de France Jean le Bon est fait prisonnier l'année suivante à la bataille de Poitiers. Il est libéré en 1360 par le traité de Brétigny au prix d'une large amputation de ses territoires et de la promesse de paiement aux anglais d'une gigantesque rançon.

Jean a deux filles à marier. Intéressé par une alliance avec la France, le duc de Milan achète le mariage de son fils et héritier avec la plus jeune fille âgée de douze ans. Marie a seize ans.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend le bréviaire de Marie de France, lot 12 estimé £ 500K. Les illustrations sont de la main d'un collaborateur de Jean le Noir.

Ce livre manuscrit est composé de 602 feuilles 19 x 13 cm sur vélin incluant trois doubles pages enluminées plein format. Il inclut aussi des miniatures et des initiales historiées, ainsi que le blason de Marie. Pour l'usage d'une jeune fille bien sage, les drôleries ne sont pas truculentes. Un portrait de Marie protégée par Ste Catherine indique qu'elle n'est pas encore mariée.

Le mariage de Marie avec le duc de Bar en 1364 donne le terminus ante quem du manuscrit. Onze enfants de ce couple atteindront l'âge adulte. La duchesse est également connue comme bibliophile et protectrice des lettres. Le duc de Berry qui commandera les Très Riches Heures était un de ses frères.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

23 juin 2018

Mace et Candareens

La guerre Sino-Japonaise pour le contrôle de la Corée se termine en avril 1895 en une catastrophe militaire et économique pour la dynastie des Qing, plus menacée que jamais par les intrusions étrangères. Le jeune empereur Guangxu n'était qu'une marionnette de l'impératrice douairière Cixi. Il tente cependant de moderniser la Chine sur le modèle de Meiji.

En 1897 la société Américaine Ferracute reçoit un contrat pour fournir et installer des presses à monnaies dans les provinces Chinoises, à la demande du gouvernement impérial. Le matériel est envoyé sans attendre et le transfert de technologie est effectué avec succès en 1898 dans le Szechuen pour produire des pièces en argent et la petite monnaie de laiton, le tsen appelé familièrement le cash.

Pour l'argent la plus grosse dénomination correspond très exactement à un dollar Américain. Le mot dollar n'apparaît pas, remplacé par les unités de poids du système décimal Chinois, mace et candareen. Le dollar Chinois est marqué en anglais 7 mace and 2 candareens et le demi-dollar 3 mace et 6 candareens. La province émettrice est indiquée sur la même face, centrée sur l'effigie d'un dragon. L'autre face est inscrite en caractères Chinois.

D'autres provinces imitent aussitôt le Szechuen avec la même conception. En 1898 également Guangxu tente de mettre en place un ambitieux programme de réformes qui est stoppé par un coup d'état militaire organisé par Cixi. Ces évènements aboutissent en 1899 à la guerre des Boxers. Curieusement les monnaies provinciales d'origine Américaine survivent à cette phase xénophobe.

La vente organisée par Heritage à Hong Kong le 28 juin inclut trois raretés en état splendide, gradées par NGC.

Le 'dragon dollar' 1898-1899 'Cheh-Kiang Province' gradé MS66 est estimé $ 500K, lot 30074. Le demi-dollar de la même période et de la même province gradé MS67 est estimé $ 100K, lot 30073. Le demi-dollar 1899 'Kiang Nan Province' gradé MS62 Prooflike est estimé $ 250K, lot 30088.



22 juin 2018

Les Bibles Polyglottes

Préparée entre 1502 et 1517 à l'université catholique d'Alcala, la première Bible polyglotte a pour but d'offrir aux théologiens et aux orientalistes les textes sacrés dans leurs langues traditionnelles. La lecture comparative est directe sur trois colonnes par page pour l'Ancien Testament en hébreu, latin et grec. Pour le Pentateuque une traduction commentée en chaldéique est ajoutée. L'hébreu est omis pour le Nouveau Testament.

Christophe Plantin s'installe en 1549 à Anvers comme relieur puis devient imprimeur en 1555 dans cette ville.

La Bible d'Alcala devenait périmée. Il lui était reproché d'être inégale, due à la difficulté de l'équipe d'édition de maîtriser les quatre langues. De plus la plus grande partie des exemplaires avait disparu dans un naufrage et elle n'avait pas été rééditée.

Plantin a l'idée de créer une nouvelle Bible polyglotte basée sur la Bible d'Alcala. Il expose quelques modèles de feuilles à la Foire de Francfort en 1566 pour trouver des sponsors, mettant en concurrence les catholiques et les protestants. Le projet passionne le roi d'Espagne Philippe II qui est aussi souverain des Pays-Bas. Le roi envoie en 1568 son chapelain Benito Arias Montano pour créer une équipe d'experts philologues et superviser l'édition.

Dans les quatre langues ainsi que pour le Syriaque qui a été ajouté, l'imprimeur parvient à choisir les plus beaux types disponibles, incluant les caractères Hébreux utilisés par Bomberg et Grecs par Alde. Dans l'atelier quatre presses sont utilisées pendant cinq ans.

Pour son usage personnel et pour présenter à de grands dignitaires, le roi commande treize exemplaires sur vélin. Ces livres de très grand luxe sont terminés en 1572 en folio 42 x 30 cm. Deux volumes de thesaurus ne sont pas prêts mais leur version sur papier pourra être ajoutée ultérieurement.

Philippe II avait gardé cinq exemplaires pour son usage personnel. Ils resteront groupés dans la collection royale pendant plus de deux siècles, jusqu'à ce que Charles III les partage entre ses fils. L'exemplaire du plus jeune fils, 6 volumes reliés en 11 livres, est estimé £ 400K à vendre par Christie's à Londres le 11 juillet, lot 152. C'est le dernier exemplaire sur vélin restant en mains privées. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


21 juin 2018

La Berlinette Britannique

Après les grands succès de 1959 Aston Martin met fin successivement à ses équipes en Grand Tourisme et en Formule 1. Les efforts de développement concernant la DB4GT incluent cependant des versions de compétition. La domination de Ferrari appelle à des allègements pour lesquels Aston Martin coopère avec Carrozzeria Zagato. Le coupé DB4GT Zagato est dévoilé au Salon de l'Auto de Londres en 1960.

John Ogier, propriétaire de l'équipe privée Essex Racing Stable, veut maintenir une participation entièrement Britannique dans les compétitions internationales. Il achète deux DB4GT Lightweight en 1960 puis deux DB4GT Zagato en 1961. Il obtient pour son équipe le support de l'usine. A la même période l'Américain Cunningham tente une approche comparable avec Jaguar.

En 1962 Aston Martin sent bien que ce ne sera pas suffisant pour gagner. Sous la référence de projet MP209, Zagato va encore plus loin dans l'allègement avec d'importantes modifications de la forme de la carrosserie.

L'une des deux Zagato 1961 de l'équipe Essex est lourdement accidentée en mai 1962 à Spa. Des réparations importantes sont nécessaires et Aston Martin transforme cette voiture selon la configuration DP209. Elle est à nouveau accidentée en août 1962 à Gooodwood, cette fois-ci avec au volant le futur champion du monde Jim Clark.

Dans le haut de gamme ce sont les victoires qui génèrent les ventes. La berlinette Aston Martin a beaucoup de déboires en compétition, incluant la tenue de route et l'usure des pneus. La collaboration entre Aston Martin et Zagato est terminée après la 19ème voiture alors que 25 avaient été prévues à l'origine. Trois voitures seulement ont reçu la configuration DP209. Elles peuvent être considérées comme des prototypes du châssis P214 sorti en 1963.

L'ancienne Zagato DP209 d'Ogier a été rétablie dans sa configuration de 1962 après un accident de la route dans les années 1990. Elle sera vendue au lot 335 par Bonhams à Goodwood le 13 juillet. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes. La vue arrière est partagée par Hipwell sur Wikimedia.

La 14ème Zagato, qui n'était pas une DP209, a été vendue pour $ 14,3M incluant premium par RM Sotheby's le 10 décembre 2015.




19 juin 2018

Têtes Idéales par Canova

Spécialiste du marbre, Antonio Canova sculpte des figures et des monuments d'une extrême qualité. L'oeuvre est précédée de modèles en argile et en plâtre.

Grâce à un processus mis au point par l'artiste, la finition est belle et brillante, atteignant la délicatesse d'une vraie peau. Canova a expliqué sa méthode qui consiste à passer sur la surface un pinceau trempé dans de l'eau sablée puis à nettoyer avec une éponge. Le marbre reste naturel sans adjonction de pigments.

Les bustes de jeunes femmes se prêtent très bien à la perfection atteinte par Canova. A partir de 1811 il propose à ses clients des Têtes Idéales (Teste Ideali) auxquelles il donne généralement des identifications mythologiques, historiques, littéraires ou allégoriques. Certaines sont données à des patrons qu'il souhaite honorer.

En mars 2012 une tête en marbre est vendue aux enchères à Londres sans identification d'auteur et de sujet et sans provenance. L'acheteur l'inspecte après la vente et l'identifie comme étant La Paix sculptée en 1814 par Canova pendant qu'il travaillait à une statue entière sur ce thème pour un ministre Russe.

A cette époque toute l'Europe a hâte d'en finir avec les guerres Napoléoniennes. Le Pape demande l'aide de Canova pour le rapatriement d'oeuvres pillées. Le Buste de la Paix a été promis puis donné par l'artiste à un Lord Britannique impliqué dans ce projet. L'identification de l'oeuvre a été perdue par les descendants.

Ce buste de 53 cm de haut en incluant son socle en marbre blanc sera vendu au lot 25 par Sotheby's à Londres le 4 juillet. La vidéo ci-dessous montre que sa qualité est réelle. Il est surprenant qu'aucune attribution n'ait été tentée en 2012.

La Dérive Finale de Kippenberger

Martin Kippenberger a toujours mis en question la civilisation. Son art décalé centré sur des auto-portraits repoussants montre bien qu'il ne peut pas obtenir de réponse. La société n'empêche pas les catastrophes. Parfois elle les provoque, suscitant des scandales.

En 1996 il expose à Copenhague son installation intitulée The Happy End of Franz Kafka's Amerika. A côté de son installation il voit Le Radeau de la Méduse.

Ce Radeau à la dérive peint par Géricault en 1818-1819 a assuré la transition entre le classicisme et le romantisme, entre l'art officiel obséquieux et la protestation politique. Les dimensions de l'original, 491 x 716 cm, en font l'équivalent d'une installation moderne. Basée sur un fait réel, la peinture entremêle les vivants, les agonisants et les cadavres. Contrairement à la peinture classique il n'y a pas de héros mais la vigie qui domine cette scène terrible est un noir.

Kippenberger est malade. Le cancer attaque son foie et son pancreas et il ne se soigne pas. Il a l'âge auquel Mapplethorpe est mort, 43 ans. Sa femme Elfie le photographie dans les positions des personnages de Géricault. Il réalise une importante série de peintures, dessins et lithographies sur le thème du Radeau, centrée sur un tapis qui montre le plan du radeau.

Le 27 juin à Londres, Phillips vend au lot 8 une huile sur toile 150 x 180 cm peinte en 1996. Cet autoportrait est mis en scène dans la position du cadavre prêt à tomber dans la mer en bas à droite du Radeau de Géricault. La bande bleu foncé à gauche de l'image accentue l'idée que la mort est inéluctable, un peu sur le modèle du sinistre Black Fire abstrait de Barnett Newman.

18 juin 2018

Louis XIV à Cheval

Pendant le règne de Louis XIV l'art doit glorifier ce roi qui veut être l'égal des plus grands souverains de l'histoire. En 1665 Bernin propose un monument équestre qui serait installé entre le Louvre et les Tuileries. Il reçoit deux ans plus tard la commande pour une statue en marbre de Louis XIV basée sur la statue équestre de Constantin.

Les années passent et le monument de Bernin n'est toujours pas livré. Le roi a établi pendant ce temps un régime protectionniste, y compris en matière d'arts. Avant même la réception du monument en 1685, Louvois demandait à Girardon d'y apporter d'importantes modifications. Cette statue de près de 4 m de haut est ensuite installée à Versailles.

Il faut faire mieux. En 1686 un bronze montrant Louis XIV debout en costume de sacre est installé sur la nouvelle Place des Victoires. Haut de 12 m en incluant son haut piédestal, le monument a été réalisé par Desjardins. Il sera détruit pendant la Révolution.

La place qui deviendra Place des Conquêtes avant d'être la Place Louis-le-Grand et plus tard la Place Vendôme est également en cours de construction. Poussé par Louvois, le roi commande en 1685 une statue équestre à Girardon. Conçu sur le modèle de la statue de Marc Aurèle, le monument est réalisé en 1692 en une seule coulée de 60 000 litres de bronze. Inauguré en 1699, il mesure 7 mètres de haut, 17 m en incluant le piédestal, et sera également détruit sous la Révolution.

En 1690 Louvois veut la même chose pour son château à Meudon. Girardon prépare un modèle très similaire, avec un changement dans la position du bras pour tenir un bâton de commandement. Cette version sera illustrée dans le répertoire des oeuvres et collections de Girardon réalisé sous la supervision de l'artiste à la fin de sa vie.

Quatre répliques en réduction de la statue équestre de Louis XIV par Girardon ont été réalisées sous la supervision de l'artiste. Une seule d'entre elles est dans la configuration Louvois-Meudon. Cette statue 104 x 90 x 43 cm pesant 232 Kg est estimée £ 7M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 130.

La date de fonte d'un des trois spécimens en configuration Louis-le-Grand est connue : 1696. Les inspections radiographiques de trois répliques montrent que les bras ont été assemblés sur des corps étayés par des armatures internes similaires.

17 juin 2018

Les Cinq Travaux d'Hercule

Pietro Tacca avait les talents et la position nécessaires pour devenir un des meilleurs sculpteurs de tous les temps. Il n'a pas eu de chance. Elève puis assistant de Giambologna à Florence, il succède au maître en 1608. Dans le même temps le baroque succède au maniérisme.

Tacca conçoit des groupes dans des activités violentes ainsi que des monuments équestres, réalisés en bronze par assemblages d'éléments. Sa statue du roi Philippe IV d'Espagne sur un cheval cabré en équilibre sur les pattes arrière et la queue est un exploit technique sans précédent mais l'artiste meurt en 1640 juste avant l'installation de ce chef d'oeuvre.

En 1612 l'héritier du trône d'Angleterre est le prince Henry, âgé de 18 ans. Il communique au grand-duc de Toscane son intérêt pour les bronzes. Attiré par l'idée d'un support facile pour une nouvelle alliance, le grand-duc commande à Tacca des groupes illustrant les travaux d'Hercule.

Vers 1614 Tacca a réalisé cinq modèles mais le jeune prince est mort et le projet n'intéresse plus personne. Vingt ans plus tard il restait encore des arriérés de paiement.

Ce n'est pas Pietro mais son fils Ferdinando qui porte à la perfection l'art du bronze Florentin, avec une finition de surface qui simule de façon différenciée la peau, le cheveu, le textile, la fourrure, la roche, la plante. Les cinq travaux d'Hercule étaient restés inutilisés. Ferdinando réalise les premiers bronzes de cette série après la mort de son père. La sculpture est passée de mode. Dix ans plus tard Ferdinando devient machiniste de théâtre et architecte.

En 1681 le roi de France Louis XIV désire parachever l'éducation de son fils héritier le Grand Dauphin. Il constitue une collection de neuf bronzes à caractère humaniste incluant quatre des travaux d'Hercule réalisés dans les années 1640 par Ferdinando Tacca.

Sorti des collections royales pendant la Révolution Française, Hercule terrassant le taureau Acheloüs, 58 x 55 x 38 cm avec une belle patine brun-rougeâtre, a été vendu pour $ 1,65M par Sotheby's le 20 mai 1994. Il sera vendu par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 110. Le communiqué de presse du 16 avril annonce une estimation autour de £ 5M.

Amitié entre Florence et Dresde

L'Europe n'est pas une nouveauté. Florence et Dresde dépendent toutes deux du Saint-Empire Romain. L'électeur de Saxe aimerait avoir des ânes Italiens dans ses étables. La coopération qui s'établit entre les deux villes à partir de 1572 est l'équivalent d'un jumelage moderne. Florence est la capitale des arts, incluant des monuments et des sculptures grandioses. Dès 1577 Dresde a l'ambition d'être reconnue comme la Florence de l'Elbe.

L'électeur August de Saxe meurt en 1586. Florence prépare des cadeaux diplomatiques pour son successeur l'électeur Christian. Les présents incluent des chevaux et des bronzes.

Le grand-duc Francesco est un grand amateur du style Maniériste. Depuis 1583 l'Enlèvement des Sabines de Giambologna (Jean de Boulogne) est installé dans la Loggia dei Lanzi qui était et est restée la plus sensationnelle exposition permanente au monde pour des sculptures monumentales.

Le cadeau du grand-duc inclut trois bronzes par Giambologna, probablement choisis dans la collection ducale. Giambologna est au faîte de sa gloire au point que le grand-duc refuse qu'il quitte Florence. Il n'ira pas à Dresde mais ajoute un bronzetto à titre personnel. L'électeur l'en remercie par une chaîne en or. Les quatre bronzes figurent dès 1587 dans l'inventaire du Kunstkammer électoral.

Pour cette opération Giambologna a choisi le Dieu Mars. Le modèle avait été créé par d'autres artistes. Le style est résolument maniériste, opposant les gestes de grande autorité du dieu de la guerre à une nudité musclée. Aucun accessoire symbolique n'est nécessaire pour identifier le dieu. Ce thème n'est pas lié à la personnalité du nouvel électeur qui n'avait pas d'ambitions militaires.

Les opérations nécessaires à la réalisation d'un bronze étaient longues mais Giambologna a probablement créé ce Mars spécifiquement pour cette opération. La supériorité de l'artiste sur ses concurrents réside dans la qualité du ciselage et de la finition. La petite dimension inhabituelle pour l'artiste à cette époque est peut-être une volonté politique de ne pas concurrencer les oeuvres offertes par le grand-duc.

Ce bronze de 40 cm de haut monté sur un petit socle en bois est estimé £ 3M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 5. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

16 juin 2018

L'Erosion des Ancêtres

Les anciens Africains n'écrivaient pas. Les régions sèches ont préservé leur art, donnant une petite idée incomplète de la vie sociale et des croyances des humains dans les conditions primordiales.

Dans la forêt humide le bois pourrit. Pourtant quelques oeuvres du groupe ethnique Mbembe du Nigeria ont été préservées par un mécanisme proche de la fossilisation qui a affecté différemment les parties dures et tendres du bois. Ces figures ont ainsi atteint en trois ou quatre siècles une texture craquelée qui renforce l'impression d'une épave primordiale.

Cet art était inconnu en Europe en 1972 quand Hélène Kamer-Leloup achète une statuette à un marchand Malien. Elle obtient en tout par cette provenance onze pièces de cette culture qu'elle expose dans sa galerie à Paris en 1974.

Par chance l'existence d'une pièce complète conservée au Staatliche Museum à Berlin permet de connaître la configuration globale et l'utilisation de cet art. Il s'agit d'un tambour monumental en bois évidé. Flanqué de deux plates-formes latérales occupées respectivement par la statuette d'un guerrier et d'une mère, il mesure 3,30 m hors tout.

Dans le corpus de cet art Mbembe l'homme est agressif, parfois debout. La femme est assise au sol avec les genoux levés, avec ou sans un enfant sur ses genoux. L'attitude est fière ou peut-être orante, avec le menton légèrement relevé.

Une figure féminine de 75 cm de haut provenant de la collection Kamer-Leloup d'origine est estimée € 2M à vendre par Christie's à Paris le 27 juin, lot 72. Les membres sont manquants au-delà des coudes et des genoux mais la tête a conservé des détails morphologiques précis.

15 juin 2018

Le Partage des Aquarelles

Au retour de son voyage de tourisme en Suisse en 1841, Turner décide de proposer des aquarelles d'assez grand format qui seront des oeuvres uniques en alternative aux huiles sur toile. En quatre ans il réalisera ainsi 25 "finished" landscapes.

Au printemps 1842 son agent commercial Thomas Griffith organise à Londres la vente de dix oeuvres dont quatre seulement sont terminées. L'artiste a réalisé des esquisses pour un total de quinze sujets qui permettront aux clients d'apprécier à l'avance l'effet de l'oeuvre finale.

Griffith sélectionne quatre clients pour cette opération. Trois sont de grands collectionneurs d'art moderne. Le très jeune John Ruskin dont la réputation comme critique d'art est déjà établie est le quatrième. Il reconnaîtra plus tard avec justesse que cette série d'aquarelles est ce que Turner a fait de mieux dans toute sa carrière dans cette technique.

Le plus ancien collectionneur refuse l'invitation. Le plus motivé est Munro of Novar qui avait eu en 1836 l'honneur rare d'être accepté comme compagnon de voyage de Turner. Il part avec trois aquarelles finies et achète deux des futures oeuvres. Ruskin choisit aussi deux futures oeuvres.

L'autre client est l'armateur Bicknell qui avait acheté en 1841 la vue de la Giudecca. Cette huile sur toile 61 x 92 cm est le chef d'oeuvre des vues de Venise par Turner. Elle a été vendue pour $ 36M incluant premium par Christie's le 6 avril 2006.

Dans le partage des vues de Suisse, Bicknell prend le Rigi bleu, une des quatre aquarelles 30 x 45 cm immédiatement disponibles. Cette vue de la montagne en contre-jour à l'aube est un chef d'oeuvre de l'art pré-impressionniste avec la limpidité et la luminosité d'une aquarelle sur papier. Elle a été vendue pour £ 5,8M incluant premium par Christie's le 5 juin 2006.

Pour faire pendant à son Rigi parmi les aquarelles restant à réaliser, Bicknell choisit une vue du lac de Lucerne depuis Brunnen. Elle est estimée £ 1,2M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 209.

Après la livraison de la vue du lac à Bicknell, Turner donne son esquisse préparatoire à Griffith. Les esquisses n'étaient pas destinées au commerce. Turner gardera toutes les autres qui feront partie de son legs à Tate Britain. Cette aquarelle 25 x 31 cm du lac de Lucerne a été vendue pour $ 1,1M incluant premium par Christie's le 30 janvier 2018.

14 juin 2018

Transition Chippendale

Sorti en 1754 et étendu à 160 planches pour sa troisième et dernière édition en 1762, le "Director" de Thomas Chippendale est le recueil des plans conçus par lui pour fabriquer des meubles de luxe. Les clients peuvent s'adresser à l'auteur pour leurs ameublements et la concurrence peut s'en inspirer sans copyright. Chippendale apparaît ainsi comme le leader incontesté du nouveau mobilier de maison anglais. Le choix des styles est vaste, incluant Gothique, Chinois et rococo.

La très récente mode du néoclassicisme est inspirée en architecture par le néo-palladianisme et en mobilier par le style français appelé plus tard Transition Louis XV - Louis XVI. L'harmonie des proportions remplace la complexité des formes et des ornements. Les faces avant des commodes perdent leur galbe tandis qu'une attention nouvelle est portée à la splendeur des bois.

Succédant en 1765 à son père comme Baronet, Rowland Winn hérite d'une vaste demeure de style Palladien dans le Yorkshire. L'année suivante il achète une résidence à St. James's au coeur de Londres pour satisfaire les envies de sa femme pour une vie sociale brillante. Le baronet aime le style moderne pour lequel il fait appel à Robert Adam. Les relations d'Adam avec Chippendale sont excellentes depuis leur collaboration pour le mobilier Dundas.

Une commode néoclassique en acajou 89 x 159 x 59 cm ouvrant par deux portes est estimée £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 10. Elle était apparue dans la succession de Winn. En 1991 pendant la préparation d'une vente à Christie's, une facture datée 1769 de Chippendale à Winn avait fait surface, décrivant les transformations des tiroirs et casiers internes. Une date autour de 1766 est plausible pour la construction d'origine de ce meuble.

Cette pièce non signée est le chef d'oeuvre de Chippendale dans la catégorie des commodes néo-classiques, avec une façade rectilinéaire, des côtés latéraux concaves et une frise de grecques en ébène qui correspond bien à la nouvelle mode française.

Les seuls meubles directement comparables sont une paire de commodes réalisées environ dix ans plus tard, apparue en 1914 avec une histoire liée au duc de Wellington. Il est cependant intéressant de considérer également une commode en divers bois précieux à façade galbée, également non signée, vendue le 7 décembre 2010 par Sotheby's pour £ 3,8M incluant premium sur une estimation basse de £ 600K.

13 juin 2018

La Déesse Bleu Foncé

Artiste en résidence à Santiniketan, Tyeb Mehta y a trouvé ses sources. Ses personnages à la peau diaphane deviennent des réincarnations des déesses Hindoues dont la morphologie et les pouvoirs sont illimités.

La jeune Durga l'inspire. Peinte en 1984, une figure à deux têtes et quatre bras assise paisiblement à côté d'une tête de taureau coupée a été vendue pour INR 17,8 crores incluant premium par AstaGuru le 23 août 2017.

De retour à Mumbai il commence une nouvelle phase de sa carrière, intégrant progressivement par des couleurs vives l'extrême violence déployée pour vaincre le mal par les deux émanations de Parvati, Kali et Durga.

L'image de Kali à la peau bleue est reconnaissable par tout connaisseur de la mythologie Hindoue. Une huile sur toile 170 x 137 cm peinte en 1989 a été vendue pour INR 3,95 crores valant US$ 990K incluant premium par Saffronart le 7 juin 2007, un très haut prix pour cet artiste à cette époque. Elle est estimée US$ 3M valant INR 19,8 crores le 14 juin par la même maison de ventes en ligne depuis Mumbai, lot 33.

La déesse à la peau bleu de Prusse est debout dans une attitude d'extrême force physique, jambes écartées prêtes pour le combat. Un autre corps apparaît comme une victime vaincue tandis qu'une main d'un blanc pur atteint son ventre fertile, symbole de son rôle de renaissance après la destruction. Kali avait une telle force qu'elle piétina un jour le bon dieu Shiva. La langue pendante rouge écarlate exprime sa honte après cette maladresse.

Tyeb Mehta a peint très peu de figures de Kali dans cette attitude. Il préférera la bagarre épique de Durga avec le démon Mahishasura.

Le Grand Salon de Lord Dundas

Lawrence Dundas fait fortune dans la logistique de l'armée Britannique en Flandres pendant la guerre de Sept Ans. Il est nommé Baronet en 1762 sans attendre la fin de la guerre et est surnommé le Nabab du Nord, sans doute par allusion à son origine Ecossaise.

Le nouveau Lord achète et aménage plusieurs résidences somptueuses, donnant ainsi du travail à tous meilleurs architectes et ébénistes britanniques de son temps. Il ne refuse aucun style à condition qu'il soit luxueux et apprécie particulièrement l'architecture Palladienne et l'art décoratif des Gobelins.

Lord Dundas acquiert une résidence à Londres située très stratégiquement dans le quartier des affaires, dans Arlington Street. Pour agrandir cette maison à son goût il fait appel à l'architecte Robert Adam, grand connaisseur de l'architecture antique après un long séjour à Rome. Pour assurer la plus parfaite harmonie entre l'architecture et l'ameublement, il demande à Adam de dessiner les meubles.

Les dessins des sophas (selon l'orthographe du temps) et des chaises faits par Adam pour Dundas en juillet 1764 ont été conservés. La fabrication de ces sièges et de plusieurs autres pièces de mobilier est commandée à Thomas Chippendale. Les dessins de ces sièges sont proches d'une figure préparée en 1759 par Chippendale et incluse dans la troisième édition de son catalogue en 1762.

La suite de sièges réalisés par Chippendale en 1765 pour le grand salon d'Arlington Street est composée de deux paires de canapés et huit fauteuils sculptés dans un style foisonnant inspiré des bas-reliefs des sarcophages Romains avec sphinges et griffons. L'ensemble a été dissocié en 1934.

Les deux paires de sofas sont de largeur différente. Un exemple de 252 cm de large a été vendu pour £ 2,17M incluant premium par Christie's le 18 juin 2008. Il avait conservé des traces de sa dorure d'origine. Dans la même vente une paire de fauteuils a été vendue pour £ 2,3M incluant premium.

La paire de sofas de 218 cm a été dissociée en 1997. Ces deux sièges sont estimés £ 2M chacun à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 15 et lot 16. Ils sont discutés par Christie's dans la vidéo partagée et commentée par Antiques Trade Gazette.

12 juin 2018

La Nouvelle Andromède

Depuis la mort de Francis Bacon, Lucian Freud était le plus important artiste Britannique vivant. Ce rôle semble difficile à jouer. Il utilise avec motivation pendant plusieurs années l'accès permanent à la National Gallery qui lui est offert par la direction pour réexaminer l'art ancien.

En 2002 la Tate Gallery organise une grande rétrospective de son oeuvre, en neuf salles organisées selon la chronologie des oeuvres. La conclusion de ce parcours est la déclaration de Freud sur le nu. Il assimile le vêtement à une façade qui cache les instincts et les désirs. Il veut voir ses modèles aussi physiquement à l'aise que des animaux.

Les liens sont étroits également avec la Wallace Collection qui souhaite organiser une exposition consacrée aux oeuvres récentes de Lucian Freud. Ce musée possède un des plus beaux nus féminins de Titian, le Persée et Andromède. Les nus de Freud devront être à la hauteur. Il cherche son Andromède.

Il trouve Sophie, qui travaille pour Tate Publishing. Elle est grande et mince avec de longues jambes. L'Andromède de Titien est debout avec un des bras levé pour l'ancrage au rocher. Freud sait que ses nus couchés sont typiques dans son art. Il pose Sophie sur le lit avec un bras levé, dans une totale nudité.

Portrait on a white cover, huile sur toile 117 x 143 cm, est peint par Freud en 2002-2003 et sera exposé à la Wallace Collection en mai 2004. Cette oeuvre est estimée £ 17M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 6.

Avec ses amis, le vieil artiste savait encore mettre le nu en confiance, notamment par son célèbre bavardage. Julie et Martin, peint en 2001, est un bon exemple, vendu pour $ 17M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014. Avec Sophie, choisie par Freud pour son corps d'Andromède, cela ne se passe pas aussi bien. Le nu dormant du Portrait on a white cover a les doigts crispés aux deux mains et l'artiste obsédé par le réalisme ne les a pas assouplis.

11 juin 2018

Bouche d'Or des Chrétiens

Jean apprend la rhétorique et la culture grecque à Antioche avec le maître païen Libanius. Une période d'ascèse extrême met fin aux péchés de sa jeunesse qui étaient inacceptables, incluant le théâtre, l'éloquence profane et la gastronomie.

Ordonné prêtre en 386 CE, Jean clame ses homélies à la cathédrale d'Antioche. Il commente la Bible pour fustiger les riches et susciter les charités, et méprise les moines qui s'isolent plutôt que de se confronter aux réalités de la vie. Auteur imaginatif et fécond, orateur convaincant et adversaire permanent de toutes les corruptions, il est surnommé Chrysostome qui signifie Bouche d'Or.

Nommé archevêque de Constantinople en 397 il est désormais à contre-emploi. Par exemple il ne sait pas exploiter avec diplomatie une véritable victoire morale contre l'impératrice et continue à la comparer à Herodiade et Jezabel.

Ses sources préférées pour pourfendre les péchés et les abus et pour convertir les païens sont la Genèse, les Psaumes, les Evangiles de Matthieu et Jean et les Actes des Apôtres. Ses textes exemplaires ont été recueillis par son audience et retranscrits pieusement par les moines du Moyen-Age.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend un recueil manuscrit en grec de 44 homélies de St Jean Chrysostome sur l'Evangile de St Matthieu, lot 8 estimé £ 200K. L'analyse paléographique indique que cette copie a été réalisée à Constantinople à la fin du IXème siècle.

Ce livre 30 x 21 cm démontre le style très spécifique de Jean Chrysostome. Les citations directes de l'Evangile sont écrites en lettres majuscules pour bien séparer ces textes de leurs commentaires par l'orateur contre le matérialisme des riches.

Profil Immatériel

Yves Klein est le premier artiste du vide. Il atteint son but suprême en 1959 avec sa salle vide peinte en blanc dans la galerie d'Iris Clert. Il a créé une oeuvre d'art au-delà du visible. Son utilisation préférentielle de l'IKB (Yves Klein Blue) à partir de 1956 anticipait ce résultat. Le bleu est la couleur des éléments intangibles ou impalpables comme le ciel et la mer.

Yves avait besoin de la présence de jeunes femmes autour de lui pour créer ses monochromes. Le vide ne convient pas à ces demoiselles. De retour à l'atelier, elles enduisent leur corps nu d'IKB pour laisser leurs traces sur des papiers ou des toiles. Cette représentation immatérielle du corps humain plait à Yves qui organise des happenings. Ainsi ont commencé les Anthropométries (ANT).

L'artiste ne s'arrête pas à l'immatériel, il lui reste à simuler l'univers. Les éponges, le feu et les anthropométries sont les éléments qui lui permettront de visualiser sa métaphysique.

Le contact du corps avec le support peut être statique ou mouvant. Un ou plusieurs modèles peuvent participer. Bien que le détail de création ne soit pas connu, le Buffle réalisé en 1960/1961 est probablement le résultat de frottement par au moins deux femmes. Cet opus ANT 93 a été vendu pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2010.

Au début de 1962 Yves Klein tente une expression figurative avec ses modèles réduits de chefs d'oeuvres de la sculpture entièrement peints dans son très reconnaissable IKB. Il continue ses expériences avec les autres techniques.

Réalisée en 1962, ANT 5 est une Anthropométrie réalisée sur un carton préalablement carbonisé. La femme n'est plus un pinceau bleu. Son corps sert d'épargne au moment de la pulvérisation de l'IKB. Le résultat est une vraie image de femme nue vue de profil encadrée dans son ombre bleue. Elle est comme en lévitation. La position des jambes montre qu'elle était couchée sur le carton posé à plat pendant la pulvérisation. Un peu de bleu a glissé sous l'amincissement de la taille.

Cette oeuvre montée sur un panneau de bois 118 x 78 cm a été vendue pour £ 4,1M incluant premium par Christie's le 11 février 2010. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 5.

10 juin 2018

La Demoiselle d'Honneur

Le 31 janvier 2013, Le Metropolitan Museum of Art vend quelques oeuvres aux enchères par Sotheby's, au bénéfice de son fond d'acquisition. Le lot 107 est le portrait par un suiveur de Peter Paul Rubens d'une fillette qui est peut-être la fille de l'artiste, Clara Serena Rubens, morte à l'âge de douze ans en 1623.

Le catalogue est irréprochable, montrant que l'oeuvre avait été considérée comme autographe avant sa donation au Met. La comparaison avec les autres images connues du même enfant est établie. Le rapport de condition indique qu'une inspection sous lumière ultra-violette a été effectuée et que les impastos ont été préservés.

Estimée entre $ 20K et 30K, cette huile sur panneau 36 x 26 cm a été vendue pour $ 630K incluant premium.

Il n'est pas exagéré de considérer que le nouveau propriétaire a sauvé un chef d'oeuvre. La peinture a été débarrassée d'un vernis opaque et d'une couche inutile de peinture verte. Retrouvant toute sa luminosité, elle exhibe à nouveau les détails du sourire qui rend cette petite fille si ressemblante à sa mère, et les yeux légèrement humide d'une pose confiante pour son père. La dendrochronologie confirme l'hypothèse d'une pièce originale.

Dans cette image qui n'était pas commerciale, Rubens a apporté une intimité spontanée et authentique. L'effet psychologique est très réussi mais le teint pâle de la fillette est peut-être un signe de maladie. L'hypothèse d'un portrait post mortem est peu probable mais pas exclue.

Clara Serena était l'aînée et la seule fille des trois enfants de Peter Paul Rubens et Isabella Brant. En ce temps la biographie des enfants n'était pas documentée au-delà du baptême. Un dessin d'une demoiselle d'honneur de l'infante Isabella est certainement un portrait de la même fillette. Rubens était depuis 1621 le peintre officiel de la cour de l'infante. La date exacte et les causes de la mort de Clara Serena à l'automne 1623 ne sont pas connues. Trois ans plus tard à Anvers la peste enlevait la mère.

Cette peinture est estimée £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 7. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.

Peter Paul Rubens (1577-1640) Clara Serena Rubens (1611-1623) Rubenshuis Antwerpen 28-5-2016 10-38-59

Street Art à l'Usage de Modène

Dans le très cosmopolite Lower East Side à Manhattan, SAMO© est le pseudonyme collectif d'un groupe d'écoliers pour tourner en dérision la religion puis la société de consommation. C'est la marque de leur prophétie à laquelle ils s'amusent à imaginer un engouement universel. Jean-Michel Basquiat et ses amis composent sous cette signature des slogans anticonformistes qu'ils taguent sur les murs.

Jean-Michel a été fortement sensibilisé par sa mère aux arts graphiques. Peu à peu mais sans doute inconsciemment, ses graffiti se rapprochent des galeries. En 1980 il cherche à récupérer pour lui seul le pseudonyme SAMO©. Il n'est pas encore identifié mais les télévisions locales aimeraient bien l'interviewer.

Keith Haring réalise ses graffiti de Radiant Babies à la même époque. Il parvient à rencontrer Jean-Michel pendant une action sur les murs d'une école d'art. Jean-Michel devient artiste. Son expérience des rues lui a donné une grande rapidité d'exécution avec le spray.

Emilio Mazzoli est un des tout premiers à comprendre que l'approche artistique de Jean-Michel est esthétiquement nouvelle dans des thèmes inexplorés. Il invite Jean-Michel pour une exposition solo en mai 1981 dans sa galerie à Modène en Italie. 

Le jeune artiste a quelques difficultés à passer la douane avec les oeuvres qu'il a préparées à New York. Il prépare de nouvelles peintures sur place. Inspirée par sa vision toute fraiche de l'Italie bucolique, The field next to the other road a les dimensions d'une fresque, 221 x 401 cm. Elle a été vendue pour $ 37M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015.

Réalisée en acrylique, oilstick, spray et collage sur toile 128 x 226 cm, New York New York a été spécialement préparée pour montrer à Modène l'ambiance du Lower East End et la vie dans les rues. Les maisons et les boutiques en couleurs vives rappellent un peu le Greenwich Village de Beauford Delaney. Les tags et les enseignes entremêlent leurs messages contradictoires. Le skully board symbolise la liberté créative des gamins des quartiers défavorisés de New York. Le nouveau symbole de l'artiste est la couronne à trois pointes qui apparaît deux fois.

Achetée directement à Mazzoli, New York New York n'avait jamais été vue hors de l'Italie. Elle est estimée £ 7M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 19.

9 juin 2018

L'Art de la Pointe Sèche

Les plus grands peintres comme Dürer, Rembrandt, Goya et Munch ont aussi voulu créer des images. En 1653 Rembrandt veut agrandir le format de ses gravures.

Ses solutions sont innovantes. La pointe sèche était utilisée jusque-là en complément de l'eau forte et du burin pour de petites retouches du dessin. Appliquée en oblique comme un crayon, l'aiguille améliore la variété du trait. Rembrandt tente des compositions entièrement en pointe sèche. L'incision de la pointe dans le cuivre est de faible profondeur, permettant une harmonie entre le dessin et les encrages laissés volontairement sur la plaque pour apporter des contrastes et des ombres.

Une belle image mérite un très beau papier. Rembrandt a été séduit par un stock de papier récemment importé à Amsterdam par la Compagnie Hollandaise des Indes Orientales, avec une belle teinte claire entre brun et jaune et une fibre qui n'absorbe pas l'encre et permet une netteté comparable au vélin.

Son premier chef d'oeuvre dans ces techniques améliorées est Les Trois Croix (Christ crucifié entre les larrons), 38 x 45 cm, réalisé en 1653. Il commence peu après à travailler sur une autre scène de la Passion, l'Ecce Homo (Christ présenté au peuple). Le papier oriental est moins haut que son cuivre et il adjoint une petite bande supplémentaire en haut de l'image.

Une impression du premier état de l'Ecce Homo est à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 22. Le communiqué de presse du 30 avril annonce une estimation autour de US$ 3 à 5 millions. C'est le seul exemplaire restant en mains privées d'un des quatre premiers états de cette image.

Les plaques de cuivre s'usent, empêchant les gros tirages. L'artiste brouille volontairement plusieurs zones abimées de l'Ecce Homo à partir du cinquième état. Le huitième et dernier état est daté 1655. Pour le quatrième et avant-dernier état des Trois Croix vers 1661, il travaille différemment, remplaçant les jolis contrastes de fumée par des stries diagonales.

Cette solution ne pouvait pas satisfaire l'artiste à cause du travail considérable de préparation des nuances de l'encrage et de la réparation forcément incomplète et frustrante des plaques usées. Il ne réutilisera pas cette technique, renonçant à réaliser une série en pointe sèche sur la Passion du Christ.