18 nov. 2018

Lotus avec ou sans Canards

Après avoir passé deux ans et demi de 1941 à 1943 à copier l'art figuratif ancien dans les grottes de Dunhuang, Zhang Daqian est capable de réaliser des oeuvres dans la plus grande variété de styles.

Le 27 novembre à Hong Kong, Christie's vend un rouleau à l'encre et couleur sur papier 165 x 82 cm peint en 1943, lot 1376 estimé HK$ 30M, sur le thème du lotus.

Avec ses fleurs rouge vif bordées de traits dorés, cette oeuvre est avant tout une étude de couleurs. Dans une composition hardie mais équilibrée, un autre thème apparaît sans recherche de cohérence d'échelles : un petit couple de canards mandarins couchés en second plan donne aux plantes un aspect arborescent. Ces oiseaux sont le symbole de la fidélité conjugale.

Ce double thème du lotus et des canards est très rare dans l'oeuvre de Zhang. Un rouleau 185 x 95 cm peint en 1947 provenant de la collection Mei Yun Tang a été vendu pour HK$ 190M incluant premium par Sotheby's le 31 mai 2011 sur une estimation basse de HK$ 15M. Sa composition est moins lisible : les canards partiellement cachés derrière les tiges ne constituent plus un point focal de l'image.

Avec un équilibre chromatique comparable mais incluant aussi des fleurs blanches, un lot de quatre rouleaux peints en 1947, 154 x 78 cm chacun, a été vendu pour HK$ 80M incluant premium par Christie's le 27 mai 2013. Dans ce groupe d'oeuvres les canards ne sont pas venus.

Un Vrai Guadagnini pour Rostropovitch

Comme Stradivari avant lui, Guadagnini n'a jamais cessé d'améliorer ses instruments, cherchant la force du violon et la voix du violoncelle. Carlo Ferrari, qui fut son plus important patron dans ses trois premières résidences, était un violoncelliste virtuose.

Arrivé en 1771 à Turin qui sera sa dernière résidence, Guadagnini accepte de 1773 à 1777 de travailler en exclusivité pour Cozio qui était un grand admirateur de Stradivari. A cette période Guadagnini ajoute l'information "Cremonensis alumnus Antonii Stradivari" sur ses étiquettes. Ses violoncelles de cette période sont courts, sans perte de sonorité grâce à une modification de la forme qui augmente la surface du bois dans la cavité.

Mstislav Rostropovitch a été un des plus grands interprètes du violoncelle. Pour son premier grand succès, la médaille d'or au concours de jeunes musiciens Soviétiques en 1945, il avait joué un Guadagnini.

En exil à partir de 1974, Rostropovitch fait expertiser le violoncelle de sa première gloire et apprend que son étiquette était apocryphe et que l'instrument n'avait rien à voir avec un Guadagnini. Il est dès lors aux aguets pour acquérir un excellent Guadagnini. Il attendra un quart de siècle.

Le violoncelle de Guadagnini acheté par Rostropovitch en 2000 est de la meilleure période : fait à Turin en 1783 trois ans avant la mort du luthier, il est un des tout derniers instruments du maître et a conservé intact son vernis brun rouge sombre et intense typique de cette période. Il est estimé £ 1M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 novembre, lot 42.

17 nov. 2018

Réminiscence des Montagnes

Nés tous deux en 1920, Zao Wou-Ki et Chu Teh-Chun commencent tous deux leurs études d'art à Hangzhou en 1935. Le directeur de l'Ecole, Lin Fengmian, qui avait passé huit ans en France, promeut une synthèse de l'art traditionnel Chinois et de l'art moderne occidental.

Ses deux élèves s'installent à Paris, Zao en 1948 et Chu en 1955. Tous deux découvrent peu après leurs arrivées respectives que l'abstraction est plus prometteuse que l'art figuratif de Lin pour la construction de leur art global. Ce n'est pourtant pas Zao qui influence Chu mais sa visite à une exposition posthume de peintures par Nicolas de Staël.

L'influence de leur formation Chinoise est similaire. Ils maîtrisent les subtils mélanges de lavis des dessins Song et la communion avec les observateurs par le geste calligraphique. Tous deux acquièrent une gamme de couleurs illimitée inspirée par l'expressionnisme abstrait.

Après une période complètement abstraite, Chu est inspiré par les réminiscences des montagnes de sa province natale. Un diptyque de dimension totale 195 x 243 cm peint en 1963 a été vendu pour HK$ 71M incluant premium par Christie's à Hong Kong le 23 novembre 2013. Cette huile sur toile est listée dans la même salle de ventes le 24 novembre, lot 21.

Cette oeuvre est abstraite, mais elle évoque la réflection parfaite d'un paysage de montagnes dans un lac. Les teintes ternes de la roche sont parsemées de taches de couleurs vives qui rappellent les explosions de lumières dans les villages de S.H. Raza, installé en France depuis 1950.

L'art de Chu offre son impression poétique de la nature. Dans cette phase elle se différencie des paysages abstraits en éruption peints par Zao. A partir de 1965 Zao réalisera aussi des vues abstraites imitant les couleurs et les formes des montagnes enneigées.

15 nov. 2018

Bleu Ciel sur Orange Saturé

Après les grands panoramas volcaniques du début des années 1960, Zao Wou-Ki tente de nouvelles confrontations de couleurs. L'abstraction devient totale. Les signes noirs illisibles continuent à parsemer ces compositions, invitant à une empathie avec l'artiste par l'appréciation du mouvement du poignet, comme pour la calligraphie.

Voici trois exemples extraits de l'historique des enchères dans lesquels l'harmonie des teintes est positionnée devant un fond d'une couleur saturée très vive.

Sur fond rouge, 16.5.66, 195 x 130 cm, a été vendue pour HK$ 80M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013. Sur fond jaune, 17.7.67, 130 x 96 cm, a été vendu pour HK$ 40M incluant premium par Sotheby's le 2 avril 2017.

10.1.68, huile sur toile 82 x 117 cm, a déjà été discutée dans cette chronique. Elle a été vendue pour HK$ 69M incluant premium par Sotheby's à Hong Kong le 3 octobre 2011. Elle est listée dans la même salle de vente le 24 novembre, lot 133.

Une cohorte de nuages bleu ciel passe par-dessus le fond orange vif, laissant quelques trouées et donnant naissance par endroit à de petites zones vertes. Cette oeuvre sans horizon est totalement abstraite, avec une illusion de mouvement qui rappelle que l'artiste, grand ami de feu Edgar Varèse, avait à cette époque une forte inspiration musicale.

12 nov. 2018

Le Professeur de Physique Atomique

La pensée de Richard Feynman était originale et efficace. En lisant un commentaire par Dirac concernant les lacunes de compréhension dans la théorie de l'électromagnétisme quantique, il décide de toujours chercher par lui-même les solutions des problèmes tout en y apportant une dimension ludique. Le titre d'un de ses livres de souvenirs, Surely you're joking Mr Feynman!, est significatif.

La méthode de Feynman consistait à utiliser la géométrie et les diagrammes plutôt que les développements de formules mathématiques. Très motivé à partager son savoir, il fut le meilleur professeur et conférencier de la physique atomique, veillant à ce que ses explications soient toujours claires.

Ses apports en physique théorique sont nombreux. Il résolut le problème de Dirac en imaginant le mécanisme quantique de la rotation des particules chargées et partagea en 1965 pour ces travaux le prix Nobel de Physique avec Tomonaga et Schwinger. Il réalisa aussi des avancées fondamentales dans la modélisation de la superfluidité de l'helium et dans la théorie des quarks. Il fut aussi un visionnaire, encourageant dès 1959 le développement des nanotechnologies.

Le 30 novembre à New York, Sotheby's disperse la bibliothèque scientifique de Richard Feynman, incluant les brouillons autographes de plusieurs conférences. Le lot 67 estimé $ 800K est constitué de sa médaille et de son diplôme Nobel avec deux documents utilisés pendant la cérémonie.

11 nov. 2018

Trois Particules de Lune

Face à la concurrence des Américains, les Soviétiques ont trouvé un très brillant ingénieur pour concevoir et diriger leur programme spatial. Pour assurer sa protection, son identité ne sera pas révélée jusqu'à sa mort prématurée en 1966 : Serguei Pavlovitch Korolev.

Korolev fut le patron de tous les programmes importants : missiles balistiques, le satellite artificiel Spoutnik qui devança les Américains, l'approche de la Lune par les sondes inhabitées Luna, Vostok qui emmena le premier astronaute, et le véhicule spatial Soyouz.

Luna eut plusieurs réussites notoires : premier impact sur la Lune d'un instrument créé par l'homme avec Luna 2 en 1959, première photographie de la face cachée de la Lune la même année par Luna 3, premier alunissage en douceur par Luna 9 en 1966.

Luna 16 en 1970, Luna 20 en 1972 et Luna 24 en 1976 ont gratté la surface de la Lune et rapporté des particules de poussière lunaire pour un total cumulé de 326 g. Les missions humaines Apollo de la NASA ont rapporté sur terre 380 Kg de roches et poussière lunaires.

En hommage à Korolev, trois minuscules particules collectées par Luna 16 sont offertes à sa veuve. Elles sont insérées ensemble dans un verre assemblé sous une loupe. Cet ensemble est le seul cas de sol lunaire provenant des programmes spatiaux qui ait jamais été en mains privées : les échantillons conservés par les gouvernements et leurs cadeaux diplomatiques ne peuvent pas être commercialisés.

Ce lot a été vendu pour $ 440K incluant premium par Sotheby's le 11 décembre 1993. Il est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 29 novembre, lot 63.

Humilité du Christ

La fin des années 1640 est très difficile pour Rembrandt. Il est veuf et sa vie avec la nourrice de son fils crée un scandale. Les commandes cessent et sa situation financière est très mauvaise. Il est pourtant un des meilleurs portraitistes de son temps.

Les scènes tirées des Evangiles font partie de son offre. En 1648 il peint Les Pèlerins d'Emmaüs, huile sur bois 68 x 65 cm conservée au Musée du Louvre. Le Christ qui est bien sûr le personnage central répond à sa figuration traditionnelle, avec les cheveux ondulants couvrant les épaules et une courte barbe.

Rembrandt est plus intéressé par le réalisme et la psychologie des visages que par le mysticisme. Le modèle qui a posé pour la scène d'Emmaüs est reconnaissable sur un groupe d'études de portraits avec des positions variées de la tête qui expriment la concentration de la prière et l'humilité, sans auréole.

Deux de ces portraits ont été considérés comme autographes par le Rembrandt Research Project. Les quatre ou cinq autres peintures de ce groupe sont des copies d'originaux perdus ou des imitations.

Un des deux portraits authentiques, huile sur bois 25 x 21 cm, est conservé à la Gemäldegalerie à Berlin. L'autre, de même technique et dimensions, est estimé £ 6M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 décembre, lot 18. Je vous invite à regarder la très courte video préparée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.



Rembrandt Oil Study of Christ

10 nov. 2018

L'Arbre du Calligraphe

Sous les Song, les literati sont des philosophes et des humanistes qui ont parfois l'audace de s'opposer à la politique impériale. Leur suprême mode d'expression est la calligraphie qui transmet à leurs lecteurs la fermeté et le rythme de leur pensée.

En 1071 CE, Su Shi avait été expulsé de la capitale, commençant à l'âge de 34 ans une seconde partie de carrière comme fonctionnaire provincial avec des missions de plus en plus médiocres malgré son immense talent. Il meurt en 1101. Son jeune ami Mi Fu échappe aux persécutions politiques par sa réputation d'excentricité. Ils ont été les deux meilleurs calligraphes de leur temps.

Un message autographe en neuf caractères sur une feuille 28 x 9,5 cm envoyé par Su Shi au gouverneur d'une localité qu'il quittait a été vendu pour $ 8,2M incluant premium par Sotheby's le 19 septembre 2013.

L'art graphique est exceptionnel dans leurs oeuvres. Le mouvement de la main de l'artiste est le même que pour la calligraphie. Les très rares dessins par Su Shi traduisent des émotions trop profondes pour être exprimées par des mots. Mi Fu peindra seulement dans les dernières années de sa vie, surtout après la mort de Su Shi.

Le 26 novembre à Hong Kong, Christie's vend au lot 8008 une encre sur papier 26 x 50 cm peinte par Su Shi. Cette pièce est allongée par de nombreux colophons incluant une appréciation calligraphiée par Mi Fu, et porte de nombreux sceaux. Je vous invite à regarder deux vidéos partagées par la maison de ventes.

L'image est constituée de deux éléments qui se rejoignent : un arbre sans feuilles tordu en plusieurs ondulations et un rocher de forme massive. La sécheresse de l'arbre exprime le pessimisme de l'artiste dans son exil tandis qu'à l'autre extrémité sur le flanc gauche du rocher les bambous clairsemés apportent l'espoir d'une nouvelle vitalité.





9 nov. 2018

La Source d'Eau Claire

Nommé par Yongzheng, le surintendant Tang Ying utilisait ses immenses talents artistiques et techniques pour plaire à l'empereur Qianlong. Sous sa direction les céramiques émaillées yangcai fabriquées à Jingdezhen atteignent une qualité similaire à leurs équivalents falangcai du palais impérial et coûtent moins cher.

Le 28 novembre à Hong Kong, Christie's vend au lot 2802 un vase yangcai de 19 cm incisé de sgraffiato sur son col orné de pétales moulés, et décoré sur son corps globulaire par un paysage encerclant incluant un poème de Qianlong. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le paysage très détaillé est parfaitement identifié : il montre la colline de la Source de Jade entourée de ses lacs d'irrigation, à proximité immédiate du Palais d'Eté, avec quelques pavillons. Cette source était connue depuis six siècles pour fournir l'eau la plus claire de la Chine, qui était transportée tous les jours jusqu'au palais par des convois de mules. Le site est encore prestigieux de nos jours.

Les premiers empereurs Qing avaient apporté toute leur attention au maintien de la salubrité de cette eau indispensable à la survie de la ville et avaient effectué de grands travaux d'irrigation. Qianlong était conscient de son importance stratégique. Avant même de monter sur le trône, il écrivait de nombreux poèmes consacrés à ce lieu et à la beauté paisible du paysage environnant.

Cette pièce offre la totale variété de la large gamme de couleurs du yangcai. Ce paysage est typique de l'attention portée par Tang Ying pour offrir à l'empereur les thèmes sur lesquels il était le plus sensible.

Son terminus post quem est la septième année de Qianlong, 1742 CE, quand l'empereur satisfait de la beauté d'un albarello commande à Tang Ying des porcelaines de formes variées à décor de paysages, fleurs et poèmes. Ce thème était encore appliqué quatre ans plus tard. Des vases avec des paysages en panneaux aux quatre saisons sont créés à la même époque.

Les Archives Scientifiques de Cirey

Aidée par Maupertuis et Clairaut, la marquise du Châtelet est capable de comprendre et commenter Newton et Leibniz. Dans leur château de Cirey, le marquis admire l'intelligence exceptionnelle de sa femme et ferme les yeux sur ses adultères.

En 1734 Voltaire est en disgrâce. La marquise l'héberge à Cirey. Elle a 27 ans. Le philosophe apprend par sa maîtresse les mathématiques et la physique qu'il avait largement délaissées jusque-là.

La marquise est une travailleuse infatigable. Ses manuscrits, souvent écrits par des secrétaires et abondamment retravaillés par elle, ont fait surface il y a quelques années dans un grenier. Les pièces importantes ont été vendues par Christie's le 29 octobre 2012. Un appel à dons avait été lancé pour une acquisition par l'Etat français et 1400 chercheurs du monde entier avaient signé une pétition pour demander une préemption. Ces démarches n'avaient pas abouti en raison des prix élevés qui étaient attendus.

Le lot le plus important était un ensemble de 35 cahiers de travail préparés de 1745 à 1749 par Madame du Châtelet pour les abrégés didactiques accompagnant sa traduction des Principes Mathématiques de Newton. Estimé € 400K, il avait été acquis dans cette vente pour € 960K incluant premium par le Musée des Lettres et Manuscrits de Paris qui avait immédiatement communiqué son engagement de l'exposer au public.

Le Musée était géré par Aristophil. Dans la même vente, Aristophil avait acquis anonymement 7 lots de manuscrits par la marquise, 2 lots de manuscrits de commentaires de Newton par Voltaire et un portrait de la marquise attribué à Marie-Anne Loir.

Ces 11 lots seront vendus à Paris - Drouot le 19 novembre par OVA, la société chargée de traiter la liquidation judiciaire d'Aristophil. La vente est dirigée par Artcurial. Les pièces provenant de la vente de 2012 forment les lots 679 à 690 sauf 683. Les abrégés des Principes constituent le lot 689.

8 nov. 2018

Vie d'Artiste à Hollywood

Subjugué par Los Angeles, David Hockney habitait depuis 1979 une luxueuse maison à Montcalm Avenue dans les collines de Hollywood. Toujours prêt à exhiber sa vie privée, il peint en 1988 deux vues de son salon éclairé par une verrière. Large Interior offre la perspective d'une photo au fish eye, tandis que Montcalm Interior with Two Dogs reconstitue la perspective naturelle.

Ces deux oeuvres sont inspirées directement des intérieurs de Matisse par l'utilisation de couleurs pures, la présence de larges surfaces striées et la visibilité sur l'ambiance extérieure par une veranda.

La disposition géométrique des meubles est élégante, confirmant que cette pièce confortable est habitée normalement. Deux éléments rappellent la personnalité de David Hockney. Le mur du fond est couvert de ses propres oeuvres pour l'aider à maintenir son auto-satisfaction. Dans la vue avec les chiens, le piano réduit à une carcasse volante est rendu inutile par la surdité croissante de l'artiste.

Montcalm Interior with Two Dogs, huile sur toile 183 x 152 cm, est estimée $ 9M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 17. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



La Comédie de l'Art

Edward Hopper était passionné par le théâtre et le cinéma. Les rôles joués par les acteurs lui apportaient les relations humaines qu'il peinait à exprimer dans la vraie vie. Jo, épousée en 1924, fut son unique muse et la gestionnaire de son oeuvre. Il leur était difficile de vivre ensemble tant leurs tempéraments étaient différents, mais ils ont réussi.

En 1966 Edward revisite ces deux thèmes dans un auto-portrait avec Jo. Sur une grande scène vide, ils font leur dernière révérence en se tenant la main. La mort était proche : Edward est parti en 1967 et Jo en 1968.

Ils ont des vêtements blancs comme Pierrot et Pierrette, le clown mélancolique et sa muse de la Commedia dell'Arte. Le long habit blanc convient parfaitement à la très haute taille d'Edward. Les visages sont ridés et maquillés. Il porte le chapeau du Pierrot de Watteau.

Cette huile sur toile 74 x 102 cm est un poignant hommage au théâtre et la dernière fantaisie de cet austère illustrateur de la vie. Elle a longtemps appartenu à Sinatra. Elle est estimée $ 12M à vendre par Sotheby's à New York le 16 novembre, lot 15.

7 nov. 2018

Projet pour un Impôt Equitable

Vauban fut un grand patriote. Sa carrière militaire s'étend sur cinq décennies. Ingénieur et stratège hors pair, il a organisé les fortifications de la France en s'appuyant sur une idée simple : si la forteresse est bien conçue, l'ennemi qui l'assiège y concentre tous ses efforts aux dépens d'autres manoeuvres plus utiles.

Vauban est un homme du peuple, issu d'une famille de petite noblesse rurale. Mathématicien et économiste, il a continuellement à l'esprit la protection de ses soldats et la prévention des disettes. Pour donner un exemple d'une bonne utilisation d'une richesse, il calcule qu'une truie peut donner six millions de descendants en douze générations même si l'on enlève la part du loup.

Il est excédé par les fermiers, les financiers, les hommes d'affaire qui ne produisent rien d'autre que leurs propres richesses en profitant d'un système d'impôts compliqué et fragmenté. En 1694, influencé par Boisguilbert, Vauban propose de remplacer tous ces impôts par une 'capitation' basée sur les richesses visibles avec un taux progressif jusqu'au dixième (dixme), et versée directement à l'Etat.

La proposition de Vauban ruinerait tous les intermédiaires. Astucieusement le ministère met en place la capitation, mais comme un prélèvement qui s'ajoute à tous les autres. Vauban est encore un serviteur zélé du roi Louis XIV qui le nomme maréchal de France à sa demande en 1703.

Vauban est vieux et malade. Il ne reçoit plus que des commandements mineurs et devient aigri. Il sent qu'il perd son influence et veut faire vite. Il demande à publier son Projet d'une Dixme Royale et passe outre un premier refus. Au début de 1707 il le fait imprimer anonymement en environ 300 exemplaires qui seront distribués sans être commercialisés.

Cette fois-ci Louis XIV est furieux. Les idées de Vauban ne sont pas contestées mais il apparaît comme un traitre qui fait de l'ingérence dans les rouages de l'Etat. Le 14 février, le Conseil du Roi ordonne que les exemplaires soit saisis et pilonnés. Vauban meurt le 30 mars.

Quelques exemplaires de cette édition originale ont survécu. L'un d'eux a été enrichi de quatre pages autographes par Vauban proposant des développements de plus en plus hardis. Ce livre est estimé € 180K à vendre le 14 novembre à Paris - Drouot par OVA Aristophil dirigé pour cette vente par Aguttes, lot 13.

Art sous Cire par Jasper Johns

Le monde change, il faudra que l'art change aussi. L'oeuvre d'art n'a pas besoin d'être figurative, ni d'exprimer une histoire, ni de confronter les couleurs, et ne doit pas non plus être seulement une décoration. Les jeunes artistes redécouvrent leurs prophètes : le ready made par Duchamp, l'assassinat de la peinture par Miro, le carré noir sur fond blanc par Malevitch, la voie vers le monochrome par Barnett Newman.

En 1957, plus ou moins indépendamment les uns des autres, de nouvelles équipes détruisent la différenciation entre la peinture et la sculpture, remplacent la toile et le papier par des matériaux ordinaires, intègrent des objets dans leurs oeuvres, tentent une interprétation abstraite de la poésie. Les créateurs s'appellent Burri, Fontana, Klein, Rauschenberg, Johns, Twombly, Cornell.

Jasper Johns dissimule des signes sous un encaustique gris. Des pigments apportent une variété de texture à ce monochrome neutre. Gray numbers, 71 x 59 cm, a été vendu pour $ 8,7M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2009.

Le 13 novembre à New York, Christie's vend Gray Rectangles, 152 x 152 cm réalisé en 1957, lot 19 B estimé $ 18M. Trois rectangles alignés ont été peints dans le bas de l'image respectivement en rouge, jaune et bleu. Cachées sous la cire, ces trois couleurs ont laissé une trace rémanente, transformant ce monochrome gris en une image mystérieuse.

Cette oeuvre de grandes dimensions apparait comme séminale de cet art nouveau et sa provenance est prestigieuse. Elle a été achetée en 1964 par Ganz à Castelli et en 1988 par Ebsworth dans la vente à Sotheby's de la collection Ganz.

6 nov. 2018

Le Roman Epistolaire de Rousseau

Jean-Jacques Rousseau étudie comment les lois de la société peuvent rendre impossibles les amours les plus sincères. Il porte lui-même un intérêt brûlant à Madame d'Houdetot, belle-soeur de son amie Madame d'Epinay.

Rousseau conçoit en 1756 un roman épistolaire en six parties. L'amour de Julie et Saint-Preux ne peut pas aboutir à cause de leur différence sociale. Les parents de la jeune femme forcent un mariage socialement convenable auquel elle se résigne. Les anciens amants évitent de tomber dans l'adultère.

Toute cette histoire est contée par des lettres échangées entre les divers personnages. Le jeune homme se confie à un Milord anglais et la jeune femme à une cousine. Le premier titre est un peu long : Lettres de deux amans, habitans d'une petite ville aux pieds des Alpes. Le roman deviendra célèbre par son sous-titre, Julie ou La Nouvelle Héloïse, par référence aux amours contrariés d'Héloïse et Abélard.

Les six parties du manuscrit autographe personnel de l'auteur ont été séparées en plusieurs ensembles pendant la Révolution française. La Troisième Partie a été vendue pour € 384K incluant premium par Sotheby's le 27 juin 2007. Elle est estimée € 400K à vendre le 14 novembre à Paris - Hôtel Drouot par OVA Aristophil dirigé pour cette vente par Aguttes, lot 207.

Cette partie est complète de ses 26 lettres. Elle est constituée de 110 pages recto en in quarto 24 x 18 cm. Elle avait été prêtée, sans doute au début de 1758, à Madame d'Houdetot qui se méfiait de l'impact des élucubrations de son encombrant amoureux qu'elle appellera bientôt "un fou intéressant". Rousseau dira plus tard avec une étonnante lucidité : "Nous étions ivres d'amour l'un et l'autre, elle pour son amant, moi pour elle".

Le manuscrit a été enrichi ensuite par Rousseau dans le texte et sur les pages en vis-à-vis avec les 900 corrections manuscrites qui mènent à l'édition originale publiée à Amsterdam en 1761. L'auteur avait commencé en 1758 pour son éditeur un autre manuscrit complet et conforme, sans ratures, qui est le terminus ante quem de la préparation du brouillon.

Le roman a enthousiasmé ses lecteurs parce que le style épistolaire offrait un langage vrai. Son analyse sociale dérangeait l'Eglise qui l'a interdit en 1806. Le romancier philosophe avait atteint ses deux objectifs.

Espoir dans la Nuit

De 1934 à 1945 Miro apparait comme un témoin hypersensible des tragédies de son temps : la crise sociale suivie par la guerre d'Espagne et le Franquisme, et la Seconde Guerre Mondiale.

En janvier 1945 il devient légitime d'imaginer que la fin des horreurs est proche. Miro accompagne cet espoir par une série d'huiles sur toile, une technique qu'il n'avait pas utilisée pendant les heures les plus noires.

Le premier opus de cette série est daté du 26 janvier et intitulé Femme et Oiseau dans la Nuit. Les contours de la femme sont peints en très fines lignes noires, beaucoup plus faciles à lire sur le fond blanc brillant que les figures extraterrestres des Constellations de 1940. Les yeux et le sexe forment des figures colorées à l'intérieur de ce corps.

Cette image onirique n'est ni réaliste ni cubiste. La position des yeux dans le cercle de la tête répond seulement à un équilibre géométrique. La composition est complétée par des notes de musique et des étoiles.

Comme prévu, la situation s'améliore. Le 1er février avec une Femme rêvant de l'Evasion, les méchants oiseaux ont déjà disparu. Cette huile sur toile 146 x 114 cm a été vendue pour £ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2013.

Le 15 novembre à New York, Phillips vend une Femme dans la Nuit peinte le 22 mars, huile sur toile 130 x 163 cm, lot 4 estimé $ 12M. Je vous invite à regarder la video préparée par la maison de ventes.

Le 14ème et dernier opus de cette série de guerre est daté du 7 mai 1945, le jour de la reddition inconditionnelle de l'Allemagne. La vraie vie reprend désormais tous ses droits. Miro réalise deux peintures optimistes sur fond noir, Femme entendant de la musique le 11 mai et Danseuse entendant jouer de l'orgue dans une cathédrale gothique le 26 mai.

5 nov. 2018

Un Enfant Prodige à Leyde

La ville de Leyde est devenue riche grâce à l'industrie du tissage. L'artisanat s'est développé : presse à imprimer dès 1483, gravure sur verre, orfèvrerie. Le premier peintre important, Cornelis Engebrechtsz ou Engelbrechtsz, spécialisé dans les scènes Bibliques, forme ses fils et ses apprentis.

Elève de Cornelis, Lucas Hugensz est doué pour les arts graphiques. Dès son adolescence, il démontre une grande maturité. Commençant en 1508, son oeuvre gravée est importante, avec une abondance et une finesse des détails et une beauté des contrastes qui ont enthousiasmé Dürer. Les couleurs de sa peinture sont les plus brillantes de son temps. Il est connu sous le nom de Lucas van Leyden.

Lucas est né à Leyde. On croit que son père était peintre. Sa date de naissance n'est pas connue. On ne sait pas comment il a appris la gravure ni sous quelle influence il s'est spécialisé dans les scènes de genre animées de foules de personnages. Il se marie à Leyde en 1515 et meurt en 1533, âgé d'environ 40 ans.

Sa biographie est brouillée par l'éloge fait par van Mander, né quinze ans après la mort de Lucas, qui a cependant pu recueillir les souvenirs de témoins directs. Lucas apparaît comme passionné par son art dès son enfance, travaillant jour et nuit jusqu'à l'épuisement qui écourtera sa vie.

Les oeuvres autographes de Lucas van Leyden sont d'une extrême rareté aux enchères. Le 4 décembre à Londres, Christie's vend au lot 60 un dessin 28 x 13 cm à la craie noire montrant un jeune homme debout richement vêtu, probablement une étude pour un détail d'une composition qui n'a pas été identifiée. Le filigrane est connu aux Pays-Bas et en Allemagne dans les décennies 1520 et 1530.

Ce dessin appartenait à la Rugby School et est vendu au bénéfice de son programme d'éducation. Le communiqué de presse du 10 septembre annonce une estimation aux alentours de £ 1,5M.

Meubles Laqués par Eileen Gray

Eileen Gray termine ses études d'art à Paris. Elle se spécialise dans l'ameublement de luxe. Sensible et autonome avec un goût prononcé pour l'exotisme, elle innove sans se préoccuper des modes pré-existantes. Cherchant la qualité plutôt que la production de série, elle préfère concevoir des oeuvres uniques.

Elle ouvre un atelier de boiserie laquée à Paris en 1910 avec un artisan spécialisé, le Japonais Seijo Sugawara. Ils développent ensemble de nouvelles couleurs. En 1913 le raffinement et l'originalité de leurs panneaux Japonisants sont appréciés par le couturier Jacques Doucet, faisant immédiatement d'Eileen Gray une pionnière de l'Art Déco Parisien.

Pendant la guerre Gray et Sugawara travaillent à Londres. Dans la vente Saint-Laurent Bergé en février 2009, Christie's a vendu pour € 4M incluant premium une très rare enfilade laquée de cette période de transition. A la fin de la guerre ils redémarrent l'atelier Parisien.

Le 27 novembre à Paris, Artcurial vend une console laquée réalisée avant 1920 avec un plateau de 124 x 39 cm et une longueur totale de 169 cm en incluant les tablettes latérales amovibles. Elle est entièrement laquée avec des couleurs variées et la laque du plateau est incrustée de poudre d'argent. Elle est estimée € 1M, lot 77.

Le seul meuble similaire connu, avec des dimensions légèrement différentes, figurait aussi dans la collection Saint-Laurent Bergé. Dans la vente déjà évoquée ci-dessus, elle a été vendue pour € 2,3M incluant premium sur une estimation basse de € 1M.


4 nov. 2018

Le Dernier Peintre de Lascaux

Les deux peintres du noir, Franz Kline et Pierre Soulages, se sont influencés l'un l'autre mais leurs motivations étaient différentes. Kline voulait simuler le geste tandis que Soulages obtenait toutes les nuances de la brillance du noir en variant l'épaisseur des couches et en pratiquant des arrachements et des incisions.

Leur confrontation entre le noir et les autres couleurs est quasiment simultanée, autour de 1958. Soulages développe ses propres outils pour révéler la couleur au travers du noir. Comme Pollock, il travaille avec sa toile posée à plat sur le plancher de son atelier.

Cette attirance pour le noir est venue très tôt à Soulages, par l'observation de certaines peintures des grottes de Lascaux. Il était émerveillé par l'utilisation du noir par les artistes préhistoriques dans cet environnement obscur. Certaines figures montrent du noir qui a été partiellement gratté pour révéler la couleur du fond tout en préservant le trait.

La Peinture datée 21 Novembre 1959 révèle la couche bleue par les grattages du noir. Cette huile sur toile 195 x 130 cm a été vendue pour £ 4,3M incluant premium par Sotheby's le 26 juin 2013. Comme son ami Zao Wou-Ki, Soulages utilise comme titre la date de l'oeuvre.

Le dernier jour précédant son quarantième anniversaire, Pierre Soulages réalise une synthèse de son inspiration en révélant une sous-couche rouge sang qui est une des couleurs typiques de Lascaux. Intitulée Peinture 186 x 143 cm 23 Décembre 1959, elle est estimée $ 10M à vendre par Christie's à New York le 15 décembre, lot 22 C.

Combustions d'Après-Guerre

Choqué par les horreurs de la guerre, Alberto Burri voit bien qu'aucun art pré-existant ne correspond à sa nouvelle vision. Avant de développer un art personnel, il rend visite à Miro et Dubuffet à Paris en 1948. Il comprend l'assassinat de la peinture promulgué par Miro en 1930 : l'art doit sortir de ses pratiques conventionnelles.

Comme Dubuffet, Burri utilise la toile de jute. Il va plus loin que Dubuffet en utilisant cette matière ordinaire non pas comme un support mais bien comme l'élément essentiel de son art auquel il ajoute de grandes zones monochromes dans les couleurs les plus choquantes, le rouge très vif et le noir et plus rarement l'ocre.

Au milieu des années 1950, Burri ajoute le feu à son processus. Il expérimente en parallèle la combustion rapide des plastiques et la combustion lente de marqueterie de bois, plus facile à contrôler par l'intervention de l'artiste.

Par leur évolution automatique après le déclenchement, ses combustions de plastiques ouvriront la voie aux coulées de kaolin par Manzoni et aux combustions épiques par Yves Klein. L'effet cosmique de son utilisation de la peinture est ultérieure à Barnett Newman mais relance Fontana.

Le 15 novembre à New York, Phillips vend Grande Legno e Rosso qui est sa plus grande réalisation incluant une combustion de bois, 150 x 250 cm. Exposée dès 1957, elle est cependant datée 57-59. Ce bois, acrylique et combustion sur toile est estimé $ 10M, lot 6. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

3 nov. 2018

Education à Chicago

Formé à Los Angeles, Kerry James Marshall travaille à Chicago depuis 1993. Il y a trouvé une ambiance favorable à la propagation de son message social et a enseigné jusqu'en 2006 à la School of Art and Design à l'University of Illinois.

Marshall encourage les jeunes Afro-Américains à se libérer de leurs complexes d'infériorité. La société Américaine a été construite par des Blancs pour des Blancs mais il faut que les Noirs en bénéficient aussi. Ses scènes sont peuplées exclusivement par des Noirs. Pour créer et maintenir un art spécifique à cette communauté, il est tout à fait possible d'ignorer l'existence des Blancs.

Le 15 novembre à New York, Christie's vend au lot 27 C un acrylique et collage 295 x 700 cm réalisée par Marshall en 1995 à l'usage des bibliothèques publiques de Chicago sur le thème de l'éducation.

Intitulée Knowledge and Wonder, cette peinture murale montre des enfants accompagnés par trois adultes. Vus de dos, ils accèdent au savoir en regardant et commentant une grande fresque qui réunit les symboles de l'univers, de l'infiniment grand de l'astronomie jusqu'à l'infiniment petit de la microbiologie.

Un examen détaillé offre d'intéressantes surprises. Un garçon noir passe au-dessus de leurs têtes sur une planche de surf. Un dragon symbolise le merveilleux. Perché sur un arbre dans une trouée, un cardinal rouge, l'oiseau d'état de l'Illinois, leur apporte sa protection. Une échelle est prête à être utilisée pour leur ascension sociale.

Moulin à Vin à Augsbourg

A sa cour de Prague l'empereur Rodolphe II, mort en 1612, avait mis à la mode les cabinets de curiosités ou Kunstkammer. A Augsbourg les orfèvres inventent des pièces pour l'amusement de leurs riches clients. Un jeu complet de 52 cartes en argent gravé en vermeil fait à Augsbourg en 1616 a été vendu pour $ 555K incluant premium par Christie's le 19 octobre 2010 sur une estimation basse de $ 150K.

Le 13 novembre à Paris, Sotheby's vend un Trinkspiel en vermeil cloisonné fait en 1614-1616 à Augsbourg par Hans Maulbrunner. Cet équipement est conçu pour montrer la transformation instantanée de l'eau en vin à des spectateurs ébahis. Le mécanisme est composé de deux coupes superposées.

Le magicien a préalablement versé le vin dans le réservoir supérieur à l'insu de son public. Quand il verse l'eau pour sa démonstration, le vin est repoussé par de minuscules canaux dans un cylindre vertical, formant un trop plein qui s'écoule par quatre jets dans la coupe inférieure. Le vin est ensuite acheminé jusqu'à l'embouchure du système au travers d'une roue à eau et d'un étroit canal déversoir.

Cette pièce est joliment décorée de figures variées en argent incluant une petite grenouille dans le chemin d'écoulement. Ses dimensions hors tout sont 27 x 31 cm et elle pèse 700 g. Elle est estimée € 150K, lot 5. La vidéo ci-dessous partagée par Sotheby's inclut une démonstration complète se terminant par la dégustation du vin.

La guerre de Trente Ans commence en 1618, mettant fin aux velléités de s'amuser. Un Trinkspiel en forme de moulin à eau fait par le même orfèvre est cependant daté 1626-1628. Il est conservé au Victoria and Albert Museum.

2 nov. 2018

Mitchell avec ou sans Oiseaux

Joan Mitchell s'installe de façon permanente à Paris en 1959, l'année où commence sa liaison avec Riopelle. Son atelier de la rue Frémicourt est loin des communautés intellectuelles, peut-être pour mieux préserver l'authenticité et l'originalité de sa créativité abstraite inspirée par les couleurs de la nature.

Malgré l'illusion de spontanéité qui la rapproche de l'Action Painting, son oeuvre est le résultat d'une préparation minutieuse. Son style change quand elle arrive à Paris. Elle apporte sa solution à la grande ambition des expressionnistes abstraits d'offrir au visiteur une vision infinie sans cadre : elle rassemble l'énergie multicolore centrifuge au centre de très grandes toiles dont les bords ne sont atteints que par d'apparentes éclaboussures.

Le 13 novembre à New York, Christie's vend une huile sur toile 296 x 200 cm peinte en 1960, lot 14 B estimé $ 12M. Un Untitled 240 x 204 cm peint la même année dans le même style a été vendu pour $ 12M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014.

Joan donnait des titres aux oeuvres qu'elle jugeait les plus évocatrices. La peinture qui vient en vente est nommée 12 Hawks at 3 O'Clock. Le titre en anglais ne peut pas être lié à la poésie surréaliste Parisienne. L'oeuvre n'a par ailleurs aucune particularité à cette position horaire d'un cadran d'horlogerie.

Dans son attention accordée à la nature, Joan incluait les oiseaux. 12 faucons et 3 heures sont certainement des allusions aux réserves pour la protection des rapaces dans lesquelles les ornithologues enregistraient les vols d'oiseaux avec ce niveau de détails.

Joan avait toujours eu une grande admiration pour le Champ de blé aux corbeaux, considéré comme l'oeuvre ultime et prémonitoire de Vincent van Gogh. Dans la phase finale de sa vie, elle peindra une composition colorée inspirée de cette oeuvre, intitulée No Birds dans un poignant effort pour forcer l'optimisme.

Adieu à l'Océan

De 1967 à 1985 la série de peintures intitulée Ocean Park est l'interprétation par Richard Diebenkorn de l'ambiance et des couleurs de Santa Monica. Cherchant la lumière comme de Staël l'avait fait, il va plus loin en sublimant le paysage par des compositions totalement abstraites.

Pendant ces deux décennies, les émotions de l'artiste évoluent. Il interrompt Ocean Park en 1980 après l'opus 125. Il ressent le besoin d'une réalisation triomphale de sa vision sur des toiles de grandes dimensions et compose les opus 126 à 140 en 1984 et 1985.

Le 15 novembre à New York, Christie's vend Ocean Park 137, huile sur toile 254 x 206 cm peinte en 1985, lot 31 C estimé $ 18M.

Parmi les oeuvres de l'ultime sous-série, 137 est la seule qui apparaisse comme presque entièrement consacrée au bleu de la mer. Loin d'être monochrome, elle offre de gauche à droite des nuances qui aboutissent à la zone dominante en bleu profond de la pleine mer.

Les autres opus laissent une place significative aux couleurs du rivage. Le premier d'entre eux, 126, est un paysage abstrait avec une géométrie structurée. Cette huile sur toile 236 x 206 cm a été vendue pour $ 24M incluant premium par Christie's le 17 mai 2018.

Tout en admirant encore les couleurs de ce qui avait constitué son cadre de vie depuis 1967, Diebenkorn s'était lassé de Los Angeles. En 1986 il prospecte pour s'installer à la campagne et réalise son chef d'oeuvre de gravure, Green, 114 x 90 cm, dont un exemplaire a été vendu pour $ 530K incluant premium par Sotheby's le 2 mai 2014. Il achète en 1987 une maison ancienne dans un vignoble en Californie du Nord.

1 nov. 2018

Jenny dans un Coffre de Banque

L'existence de la feuille d'Inverted Jenny, qui restera unique, est révélée par le New York Times le 21 mai 1918, quelques jours après l'émission de ce timbre bicolore de 24 cents pour l'US Air Post. Depuis cette date le sort de ses cent positions est suivi avec passion par tous les amateurs d'erreurs philatéliques. Avant de diviser la feuille, le marchand qui l'avait acheté au découvreur avait pris soin de numéroter chaque timbre au verso.

Jusqu'à une date récente, il restait deux timbres qui n'avaient jamais été localisés après la séparation. La position 79, retrouvée dans une collection avec quelques petits défauts dont la marque d'un trombone, a été vendue pour $ 300K incluant premium par Leslie Hindman le 15 février 2017.

La cartographie de la séparation d'origine est maintenant complète. La dernière position manquante, 49, a fait surface dans un coffre de banque. Provenant de la région de la feuille offrant le meilleur centrage, ce timbre avait été thésaurisé dès son achat.

Trouvé par un descendant de l'investisseur d'origine, 49 n'avait jamais été manipulé pendant ses cent ans de stockage à l'abri de la lumière. Il a des couleurs très fraiches et n'a jamais eu de charnière. Il est le meilleur exemplaire à gomme intacte, gradé Mint Not Hinged Extremely Fine 90 par la Philatelic Foundation. Il est estimé $ 850K à vendre par Robert A. Siegel à New York le 15 novembre, lot 644.

Avant la découverte de cette time capsule, les meilleurs Never Hinged étaient la position 77 gradée VF-XF 85, vendue pour $ 575K incluant premium par Spink le 21 mai 2014 et la position 68 gradée VF 80 vendue au même prix, $ 575K incluant premium, par Siegel le 9 octobre 2013.

La découverte du 49 n'a pas détrôné le meilleur specimen de la feuille, le 58, gradé 95 entre Extremely Fine et Mint - Previously Hinged, qui a été vendu pour $ 1,35M incluant premium par Siegel le 31 mai 2016.

On notera que tous ces meilleurs spécimens ainsi que le bloc 87-88-97-98 qui a été vendu pour $ 2,97M incluant premium par Siegel le 19 octobre 2005 proviennent des six rangées du bas et des quatre colonnes de droite de la feuille d'origine.

Une Fleur Sauvage à New York

Née dans une ferme laitière du Wisconsin, Georgia O'Keeffe observe la nature. Quand elle devient autour de 1915 une pionnière de l'art abstrait, elle explique qu'elle exprime ses sensations ou son imagination, sans trop dire que les humbles fleurs sauvages contribuent notablement à son inspiration.

A partir de 1923 le calla des marais devient son thème favori, à tel point qu'avant la fin de la décennie ses amis s'amusent à assimiler la femme et la plante. Elles sont sauvages, vigoureuses, sensuelles, autoritaires, indépendantes.

A New York Georgia est entourée par le groupe de photographes animé par Stieglitz. Il est intéressant de noter qu'à la même époque en Californie, Imogen Cunningham entre dans le coeur des fleurs avec son appareil photo après avoir choisi le magnolia et le calla.

Georgia tourne autour de sa fleur pour obtenir des perspectives de la plus grande variété. Les amis trouvent des symboles sexuels que Georgia ne cherchera ni à nier ni à confirmer. Une huile sur toile 81 x 43 cm peinte en 1927 a été vendue pour $ 9M incluant premium par Sotheby's le 20 mai 2015.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend Calla lilies on red, huile sur toile de même dimension peinte en 1928, lot 15 estimé $ 8M.

Cette oeuvre est un arrangement floral constitué de deux plantes. Le petit bouquet qui a servi de modèle apparait comme posé sur une draperie rouge, mais la vision verticale de la peinture apporte une grande force à cette composition symétrique.

Les fleurs sont blotties l'une contre l'autre et à moitié enveloppées dans une large feuille. La similitude est flagrante avec un dessin réalisé en 1915, numéroté XIII, considéré comme l'expression abstraite d'un paysage. Dans l'art de Georgia tous les thèmes sont liés.

Calla lilies on red est vendu par le Georgia O'Keeffe Museum de Santa Fe NM au bénéfice de son fond d'acquisition. Elle a ainsi la même provenance que le Jimson Weed, la grande huile sur toile 122 x 102 cm peinte en 1932 qui a été vendue pour $ 44,4M incluant premium par Sotheby's le 20 novembre 2014 sur une estimation basse de $ 10M.

31 oct. 2018

Couleurs contre Tension Sociale

A la fin de 1933 le gouvernement républicain Espagnol perd les élections législatives, gagnées par une coalition de petits partis de droite. La même année Hitler arrive au pouvoir légalement en Allemagne. Contre la menace d'une dictature fasciste en Espagne, la gauche et les syndicats préparent la révolution.

Miro observera plus tard qu'à cette époque le malaise créé par les évènements sociaux était plus physique que conscient. L'antidote pour l'artiste est le recours aux couleurs.

Effectivement son style et sa technique changent en 1934. Il  travaille beaucoup sur papier, pour mieux valoriser que sur toile les plus brillantes couleurs, pour lesquelles il utilise la gouache ou le pastel. Il met de côté sa vision poétique éthérée pour recréer un univers surréaliste adapté à l'angoisse des tensions sociales. Pour les pastels, le papier velours apporte aussi un effet tactile.

Miro aimait s'exprimer par des séries, comme par exemple les 18 Peintures d'après collages réalisées l'année précédente. A la fin de l'été 1934 il conçoit une série de 15 pastels sur papier velours de grande dimension, qu'il datera d'octobre 1934. Ces pastels montrent des humains difformes devant des fonds glauques. Les bras sont souvent atrophiés pour bien marquer l'impuissance inconsciente des gens du peuple face à la crise sociale.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend Figure, pastel 108 x 73 cm estimé $ 7M, lot 33. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, dans laquelle cette série est discutée à juste titre comme une prémonition de la guerre civile Espagnole.

30 oct. 2018

Portraits sans Pitié par Kokoschka

Dès le début de sa carrière de dramaturge et d'artiste en 1909, Oskar Kokoschka se positionne comme un non-conformiste et comme un gêneur. Il a 23 ans et est appelé le chef des sauvages par la presse Viennoise. Son influence est décisive pour Egon Schiele, de quatre ans plus jeune que lui.

L'architecte moderniste Adolf Loos est un autre pourfendeur des idées préconçues. Son amie est tuberculeuse. Il l'a placée en Suisse dans un des sanatoriums les plus luxueux, utilisés par l'aristocratie Européenne. En janvier 1910 Loos effectue un long séjour auprès de son amie. Il emmène Kokoschka.

Ce microcosme de personnages affaiblis par la maladie et de leurs visiteurs qui ne sont guère plus beaux inspire Kokoschka qui peint une série de portraits spontanés, sans dessin préparatoire. Les modèles ne sont pas des clients : le jeune artiste est sans complaisance et sans pitié.

La psychologie domine sur la technique, et tant pis si les impastos côtoient les zones à peine peintes sur les toiles. Le résultat est un trait sec, haché, donnant l'impression d'une grande nervosité, qui caractérisera l'art de Kokoschka dans tous ses thèmes tout au long de sa carrière. En 1937 il est classé parmi les artistes dégénérés.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend le portrait de Joseph de Montesquiou-Fezensac, huile sur toile 80 x 63 cm, lot 21 estimé $ 15M. L'aristocrate tranquille et triste âgé de 35 ans était venu au sanatorium pour aider sa femme Victoire dont Kokoschka a également réalisé le portrait. La peinture à vendre vient d'être restituée aux héritiers d'un marchand juif à qui elle avait été confisquée en 1934.

Portrait d'un Jeune Mécène

Edward James est le fils d'un industriel des chemins de fer Américains et d'une supposée fille naturelle du roi Edouard VII. Il vit en Angleterre. Il est richissime et poète, et son intérêt pour la psychanalyse se transforme en une passion pour l'art surréaliste.

En 1937 James a 30 ans. Dali l'introduit auprès de Magritte. Leur connivence est immédiate et parfaite. Magritte propose de réaliser deux portraits surréalistes de son nouveau mécène.

Magritte envoie un dessin préparatoire à son modèle. Il a choisi le thème du portrait dont la tête est entièrement remplacée par une lumière éblouissante. Pour s'assurer de l'enthousiasme de James, Magritte lui demande de s'occuper de la préparation photographique dans la pose correspondant au dessin. James fait faire la photo par Man Ray.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend ce portrait de James par Magritte, huile sur toile 73 x 55 cm peinte en 1937, lot 35 estimé $ 15M. Magritte a gentiment choisi un titre Freudien, Le Principe du Plaisir. Le contour de la tête est noyé dans un halo qui rend l'image encore plus laudative.

La provenance atteste du succès durable de ce portrait. Il a appartenu à James puis à sa fondation jusqu'en 1978 et est resté dans une autre collection depuis 1979.

Le second portrait, également peint en 1937, est intitulé La Reproduction Interdite. C'est un autre développement du thème du visible et du caché. James se regarde dans un grand miroir dans lequel on le voit de dos.

Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.


29 oct. 2018

Le Prophète du Feu

Ludwig Meidner avait eu une bonne formation artistique mais sa première activité d'illustrateur de mode ne parvenait pas à lui assurer des conditions de vie décentes. Installé à Berlin, il est subjugué en 1911 par une exposition des Futuristes Italiens. Il se rapproche désormais des avant-gardes et obtient l'aide de Beckmann.

Assimilant sa vocation à celle d'un prophète Juif halluciné, Meidner peint une série de paysages Apocalyptiques qui offrent un style hautement original et plaisent aux Expressionnistes.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 94 x 109 cm peinte par Meidner en 1912, lot 25 estimé $ 12M. Elle est peinte recto-verso, une pratique assez courante dans les groupes Allemands, particulièrement compréhensible ici en considérant le grand format de la toile et les faibles ressources de l'artiste. Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.

Le recto est un Apokalyptische Landschaft, avec une expression d'horreur comparable au Cri de Munch. Deux fleuves de lave incandescente viennent se déverser sur une ville déjà ébranlée, où les maisons prêtes à s'écrouler penchent dans tous les sens, anticipant les paysages disloqués par Soutine. Au premier plan, deux personnages courent éperdument. Des colonnes de soldats parcourent la place de cette ville d'architecture allemande, faisant de cette oeuvre une prémonition de la Première Guerre Mondiale.

Le verso de la toile semble en contraste total avec le recto. Un jeune homme sérieux lit un livre. Avec ses joues anormalement creuses, s'il n'est pas un autoportrait, il est au moins une projection de l'artiste sur sa propre misère.

La guerre casse l'élan créatif de Ludwig Meidner, qui continuera son oeuvre avec des auto-portraits et des portraits imaginaires de prophètes et sera catalogué comme artiste dégénéré en 1937. Il n'atteindra jamais la célébrité mais Baselitz se souviendra de ses Apocalypses pour hurler contre le mur de Berlin.


Réflexion dans la Ville

Laissant libre cours à sa sensibilité tout en restant liée aux avant-gardes par le cercle de Stieglitz, Georgia O'Keeffe est une artiste authentique et une pionnière. Elle avait été une des toutes premières à pratiquer l'art abstrait en Amérique.

Son intérêt pour la géométrie lui donne une vision sans précédent de la construction d'un paysage. Le reflet des montagnes dans le lac George, peint en 1922, peut être basculé orthogonalement pour devenir une oeuvre abstraite centrée sur une totale symétrie. Cette peinture a été vendue pour $ 13M incluant premium par Christie's le 19 mai 2016.

En 1925 Stieglitz et O'Keeffe emménagent au 30ème étage d'un gratte-ciel tout neuf à Manhattan. Après quelques réticences par rapport à ce mode de vie sans précédent, Georgia est captivée et commence à peindre des vues de ville.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend une vue intitulée A Street, huile sur toile 127 x 76 cm peinte en 1926, lot 34 estimé $ 12M.

Montrant en enfilade les gratte-ciel des deux côtés de la rue, cette composition est presque symétrique, comme la vue du lac George. Les murs sont géométriques, lisses, sans fenêtres, avec une agréable variation de tons pastels,

La chaussée n'est pas visible mais le haut recourbé d'un éclairage de rue montre qu'on n'en est pas loin. Ce minuscule élément judicieusement centré sur le bord bas devient un point d'ancrage à partir duquel le regard peut faire d'incessants allers et retours par la brèche centrale du ciel.

La même année, les gros plans de fleurs par Georgia font sensation dans les milieux artistiques de New York par leur possible interprétation comme des organes féminins. Georgia, prudemment, commentera peu. Stieglitz qui habituellement soutenait les nouvelles tendances est réticent par la masculinité des paysages de villes de sa femme. Effectivement, s'il a renversé A Street de bas en haut, il a peut-être vu une paire de jambes écartées.

Le tweet ci-dessous ne montre que le haut de l'image.

28 oct. 2018

Le Portrait Interdit

En 1930 Picasso achète Boisgeloup pour y installer un atelier de sculpture où il ne dérangera pas les voisins et un nid d'amour pour sa jeune muse Marie-Thérèse, à l'abri des regards indiscrets. Leur liaison est secrète et Pablo ne prend pas le risque qu'Olga identifie la jeune fille par ses portraits peints. Avec la sculpture cubiste basée sur les proportions des volumes, le réalisme est moins grand.

Dans l'attente de pouvoir stabiliser sa situation, on imagine bien la fébrilité de l'artiste. La Lampe, huile sur toile 162 x 130 cm, est datée 21 janvier 1931 et 8 juin 1931. Elle est estimée $ 25M à vendre par Christie's à New York le 11 novembre, lot 22 A.

L'objet de l'oeuvre n'est pas la jeune femme mais son buste en plâtre blanc, vu de profil. Les tiges et les feuilles du philodendron créent un réseau de traits comme un vitrail d'église qui rend encore moins facile l'identification du modèle. La lampe à pétrole pendue à un plafond invisible fournit une lumière d'or en forme de croissant de lune qui peut être interprétée comme la queue de cheval du modèle.

Dans les mois qui suivent Picasso s'enhardit. Le 8 mars 1932 Marie-Thérèse s'introduit en dormeuse nue auprès des mêmes artefacts, la statue et la plante. Le profil du visage devient reconnaissable. Cette peinture a été vendue pour $ 106M incluant premium par Christie's le 4 mai 2010.

Le lendemain, 9 mars 1932, Picasso peint la même dormeuse dans le Nu au Fauteuil Noir. Le philodendron, symbole de vitalité, est encore là. Le buste a été enlevé : il n'est plus utile aux côtés du vrai modèle. Cette peinture a été vendue pour $ 45M incluant premium par Christie's le 9 novembre 1999.

Poulet à l'Amiante

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend au lot 21 un diptyque de dimension totale 153 x 306 cm peint en 1982 par Basquiat. Le communiqué de presse du 28 septembre annonce une estimation au-delà de $ 25M.

Cette peinture à l'acrylique, oil stick, émail et incisions est dominée par des couleurs incendiaires : jaune, orange, rouge, et la tête d'un cuisinier hagard. Les nombreux tags sont dans le style de texte adoré par les gamins des rues, incompréhensible par les bourgeois (et non décodé dans le catalogue de la vente).

Les mots Pollo Frito sur une sorte de pancarte ne sont pas des tags mais l'offre du cuisinier. Les inscriptions tout autour sont menaçantes : danger, peligroso, broke glass. Le coin en bas à gauche est plus sombre, symbolisant un réchaud sur lequel Asbestos est écrit trois fois. La couronne à trois pointes est une signature de l'artiste.

Le cuisinier de poulets est furieux contre ces jeunes taggers qui ne s'attaquent pas qu'aux bourgeois mais son Pollo Frito était autrefois la nourriture typique des esclaves du sud. Les dangers de l'amiante sont une menace moderne que les bourgeois feignent encore d'ignorer à cette époque.

Ce diptyque apparaît ainsi comme un précurseur immédiat de la fresque politique 125 x 471 cm en cinq panneaux intitulée Undiscovered Genius of the Mississippi Delta, peinte l'année suivante, vendue pour $ 23,7M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014.

27 oct. 2018

Hommage au Paysagiste Inconnu

Gerhard Richter maîtrise de plus en plus sa technique à partir du moment où il applique la peinture à l'huile en couches translucides avec une raclette de grande largeur. Le mélange entre les couches humides apporte une gamme chromatique détaillée et complète. Les grands gestes avec le râteau génèrent les lignes de tension verticales et obliques. L'habileté de l'artiste l'amène à créer de très grands formats.

En 1986 le pinceau sert encore, notamment pour obtenir des saupoudrages de sur-brillance qui renforcent ou contredisent les lignes de forces. Abstraktes Bild 599, 300 x 250 cm, a été vendu pour £ 30,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015. AB Still 612-4, 225 x 200 cm, a été vendu pour $ 34M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2016.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend au lot 8 Abstraktes Bild 636, diptyque de dimension totale 260 x 400 cm peint en 1987. L'image est dominée par des lignes verticales irrégulières en nuances claires. Un réseau oblique montant et descendant assure la texture. Partiellement masquée par ce réseau, une zone incandescente reste plus visible tout en bas de la partie gauche.

A la fin de 1987 et au début de 1988 pour une exposition à Londres, Richter peint des expressions colorées destinées à évoquer les couleurs de la ville telles qu'elles avaient été vues par Monet. Brick Tower 643-1, 200 x 140 cm, a été vendu pour £ 14,1M incluant premium par Christie's le 1er juillet 2015. St James 653-1, 200 x 260 cm, a été vendu pour $ 22,7M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2016.

AB 636 est une oeuvre abstraite sans identification d'une inspiration naturaliste. Avec la domination des verticales, il est cependant tentant d'y voir la lisière d'une forêt éclairée par le soleil, après Cézanne ou Chichkine.

Mystères et Méditations

Pendant les vingt dernières années de sa vie, Mark Rothko a construit une extraordinaire compilation de la représentation des émotions par les dialogues entre les couleurs.

Les couleurs les plus sombres ne sont pas lugubres. Elles peuvent même constituer la totalité d'une peinture à condition d'être chatoyantes. Pour tester ce style très particulier, l'artiste est encouragé par les murs sombres de la Villa des Mystères à Pompéi.

Rothko veut partager ses émotions en immergeant le visiteur dans son art. La plupart des spectateurs n'ont pas son hypersensibilité ni sa culture et les dialogues sont difficiles, d'autant plus que les opus n'ont pas de titre et ne sont pas expliqués. Le couple de mécènes John et Dominique de Menil parviennent à intégrer ce très difficile enseignement.

Le 15 novembre à New York, Christie's vend Untitled (rouille et deux noirs sur prune), huile sur toile peinte en 1962, lot 18 C estimé $ 35M.

La disposition des rectangles est classique dans le style de l'artiste et le format presque carré 152 x 145 cm est courant dans la phase qui suit le projet abandonné des Seagram Murals. Les tonalités à la fois subtiles et extrêmes plaisent à l'artiste qui accroche l'oeuvre dans son atelier. Dominique de Menil est convaincue.

En 1964 les De Menil concrétisent leurs relations avec l'artiste en lui offrant de financer un espace de méditation à Houston. Pour ce projet qui deviendra la Rothko Chapel, Rothko réalise le meilleur de son art sombre. L'installation inspirée par les Grandes Décorations de Monet est posthume.

Dominique a inclus l'oeuvre séminale peinte en 1962 dans une exposition temporaire du vivant de l'artiste mais elle ne l'a pas achetée. Continuant jusqu'à maintenant à susciter l'enthousiasme des De Menil, elle a été acquise en 1979 par leur fils François.

26 oct. 2018

Un Nid pour Deux Garçons

David Hockney atteint son paradis terrestre en 1964. A Los Angeles le ciel et l'eau des piscines sont bleus dans des nuances différentes auxquelles le soleil de midi apporte la pureté parfaite. Cette ambiance exacerbe sa sensibilité homosexuelle. Peter Schlesinger devient son amant et sa muse en 1966.

David aperçoit par hasard sur le plancher de son atelier la conjonction de deux photographies qui peuvent constituer une scène : un nageur sous l'eau et un jeune homme debout qui observe quelque chose au loin. La relation entre deux hommes a toujours été un de ses thèmes favoris. Il vient de trouver le moyen de symboliser son affaire avec Peter.

Ce n'est pas si facile pour cet artiste hypersensible. Il détruit une première version. La rupture soudaine entre les amants survient à cette période. Au printemps 1972 David part avec deux assistants pour faire des photographies dans la résidence du réalisateur Tony Richardson nommée Le Nid du Duc dans la campagne au-dessus de Saint-Tropez. Pendant l'été 1969 David et Peter y avaient passé quelques jours heureux.

Une photographie du nageur lui convient. Il ne sera donc pas un auto-portrait. Pour l'observateur qui sera positionné debout et correctement habillé au bord de la piscine, il retrouve dans ses archives quelques photographies du vrai Peter, comme si David acceptait maintenant de confier Peter à un nageur non identifiable.

L'acrylique sur toile 213 x 305 cm peint en 1972 est intitulé Portrait of an Artist et sous-titré Pool with Two Figures. Le nageur est sous l'eau et Peter est au bord de la piscine. Bien que le regard de Peter soit dirigé vers le nageur, la communication entre eux est impossible.

En 1974 un biopic intitulé A Bigger Splash raconte la rupture entre David et Peter. David joue son propre rôle. Le film incorpore des séquences de la réalisation du Portrait of an Artist. Le mélange d'émotion et d'intimité fait d'A Bigger Splash un film culte des communautés gay, au point d'indisposer David lui-même. Il changera plus tard d'opinion.

Cette peinture sera vendue par Christie's à New York le 15 novembre au lot 9 C. Le communiqué de presse du 13 septembre annonce une estimation aux alentours de $ 80M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le Livre des Herbes

L'utilité des plantes pour la médecine est évidente depuis les temps les plus anciens. L'invention de l'imprimerie permet de propager ce précieux savoir. Dès 1484 à Mayence, Schoeffer imprime un herbier. Les livres de fleurs viendront bien plus tard, la pratique du jardin d'agrément n'étant pas connue à cette époque.

Médecin et humaniste, Leonhart Fuchs travaille depuis 1533 à l'Université de Tübingen où il crée un jardin de botanique médicale. Il s'appuie sur les descriptions des plantes par Hippocrate, Dioscoride et Galien et est le premier botaniste à comprendre l'intérêt des illustrations réalistes.

Fuchs publie en 1542 De historia stirpium commentarii insignes, un in folio 36 x 24 cm imprimé à Bâle. Ce livre de 896 pages inclut pas moins de 508 illustrations de plantes en plein format. C'est un travail d'équipe : le portrait de l'auteur en pieds occupe une page et ses trois collaborateurs se partagent une autre page où ils sont nommés. Les deux peintres (pictores operis) sont montrés en train de faire le dessin d'une plante en pot. Le troisième artiste est le sculpteur chargé de préparer les blocs de xylographie.

Bien entendu le livre était conçu pour être coloré. Un exemplaire de l'édition originale est mis en couleurs en 1552 par un artiste nommé Hubert Cailleau qui avait la très bonne pratique de signer et dater ses travaux. Cailleau travaillait à Valenciennes dans la tradition des enlumineurs et était à cette époque spécialiste des illustrations des livres manuscrits de musique et de chants de messe, les antiphonaires et les graduels.

Cet exemplaire exceptionnel est estimé € 400K à vendre par Reiss und Sohn à Königstein im Taunus le 30 octobre, lot 592.

25 oct. 2018

Les Couleurs Spirituelles de Kandinsky

Encouragé par ses propres recherches à Murnau, Wassily Kandinsky s'emploie à devenir le prophète d'une nouvelle naissance de la peinture. Avec des séquences de notes, Wagner et Schönberg font partager leur mysticisme aux mélomanes. Les peintres ont les couleurs.

En 1911 à Munich, Kandinsky et Marc créent le groupe Der Blaue Reiter. Marc cherche à établir un code symbolique des couleurs qu'il applique à des formes figuratives sans respecter les couleurs d'origine de ses modèles. Kandinsky veut tenir compte de la relation perçue par les humains entre les couleurs et les émotions.

Dans cette tendance le figuratif perd progressivement sa prépondérance. Les lignes et les couleurs viennent s'organiser comme des champs de forces autour de points d'ancrage. Les verticales sont remplacées par une composition oblique qui dirige le regard vers le coin en haut à droite. Les couleurs fournissent leurs émotions et leur musique autour de deux valeurs muettes, le blanc et le noir, qui symbolisent aussi les deux extrêmes de l'espoir.

En cherchant le spirituel avec ces considérations, Kandinsky s'approche de plus en plus de l'abstraction. Ses écrits lui donnent une avance sur tous ses concurrents. Quand l'art abstrait deviendra un des éléments majeurs de la peinture, il aura les arguments nécessaires pour revendiquer son  invention, bien que la réalité soit peut-être un petit peu plus complexe.

Le prophète de l'art doit avoir des références mystiques. Dès 1910 Kandinsky essaie le thème du Jugement Dernier, très bien adapté à son propos par son histoire dépersonnalisée.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend Zum Thema Jüngstes Gericht, huile et technique mixte sur toile 47 x 52 cm peinte par Kandinsky en 1913, lot 8 estimé $ 22M.

Cette composition n'est pas réellement abstraite. Par comparaison avec d'autres oeuvres, on reconnaît les clochers qui surmontent l'horizon des villes et le fond est un groupe de montagnes sous un très dense flux d'éclairs. L'objet du jugement est la confrontation ultime du bien et du mal qui ouvrira une ère nouvelle. Les ancrages des champs de forces sont les nombreuses formes ovales de couleurs variées réparties dans ce champ de bataille.

Préparation des Grandes Décorations

A partir de 1914, Claude Monet conçoit le projet des Grandes Décorations, qui occuperont la dernière phase de sa vie et seront sa légation artistique. En conformité avec la vision artistique de toute sa vie, ces toiles murales seront centrées sur un thème spécifique montré dans toutes les nuances des saisons, des heures du jour et du temps.

L'artiste vieillit et souffre de la cataracte. Ce dernier thème est encore une fois les nymphéas de son bassin qui satisfont depuis 1904 sa passion pour le jardinage tout en étant proches de son atelier.

Quand il termine le projet quelques mois avant sa mort en 1926, Les Grandes Décorations sont constituées de 8 compositions utilisant 22 toiles d'une hauteur homogène de 2 m formant une longueur totale de 90 m.

Pendant les années de guerre, l'artiste réalise environ 60 peintures de ses nymphéas pour tester son thème sur des grands formats. La conception d'ensemble se construit progressivement. Il devient ensuite nécessaire de tester les formats panoramiques. Cette nouvelle phase est rendue plus difficile par sa volonté de concentrer l'image sur les fleurs et les reflets en éliminant les bords du bassin et l'horizon.

En 1918 Monet achète les toiles nécessaires à cette nouvelle série. Il peint 14 toiles 100 x 200 cm et 5 toiles 130 x 200 cm sur une brève période qui s'achève l'année suivante. L'une d'elles est datée 1917 qui est l'année de la conception de cette phase.

Un Bassin aux nymphéas 100 x 200 cm daté 1919 a été vendu pour £ 41M incluant premium par Christie's le 24 juin 2008. Plusieurs toiles ont été coupées. Daté de la même année, un fragment 100 x 100 cm dont l'autre moitié est dans un musée a été vendu pour $ 27M incluant premium par Christie's le 12 mai 2016.

Le 11 novembre à New York, Christie's vend un Bassin aux nymphéas 100 x 200 cm non daté, lot 32 A estimé $ 30M. Cet opus offre une très plaisante homogénéité de tonalité entre les reflets bleus du ciel et les reflets verts des grands arbres. Les fleurs sont rares.

24 oct. 2018

Un Fancy Vivid Pink de Forme Rectangulaire

Le 13 novembre à Genève, Christie's vend le Pink Legacy, lot 311 estimé CHF 30M. Ce diamant rose de Type IIa pèse 18,96 carats avec une saturation Fancy Vivid sans trace de couleur secondaire et une clarté VS1. Taillé en rectangle à coins coupés, il est monté sur une bague. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Très peu d'informations ont été révélées sur sa provenance. La pierre a été extraite en Afrique du Sud et le bijou a appartenu à la famille Oppenheimer. Bien qu'il ne puisse pas rivaliser avec le Pink Star, 59,60 carats Fancy Vivid Pink Internally Flawless, il est un des meilleurs diamants de sa catégorie.

Fancy Vivid est le haut de gamme de la saturation, meilleur que Fancy Intense, et les gros diamants sont rares dans cette nuance. Surtout, chaque diamant est différent pour un joaillier. La forme est choisie en fonction de l'homogénéité de la couleur. La taille rectangulaire offre la meilleure brillance. Cette forme est souvent utilisée pour les diamants blancs mais les gros diamants roses qui supportent ce traitement sans affaiblissement sont très rares.

Voici quelques exemples de diamants roses rectangulaires. Les résultats incluent le premium.

En saturation Fancy Vivid Pink, un diamant pesant 5,18 carats dont la clarté était seulement VS2 a été vendu pour CHF 10M par Christie's le 13 mai 2015. Considérant que le prix au carat augmente avec le poids, ce résultat approchant CHF 2M au carat confirme que le diamant qui vient maintenant en vente est une pièce exceptionnelle.

En saturation Fancy Intense Pink, les gros diamants rectangulaires sont effectivement moins rares. Le Perfect Pink pesant 14,23 carats avec une excellente clarté VVS2 a été vendu pour HK$ 180M par Christie's le 29 novembre 2010. Avec la même clarté, un diamant pesant 24,78 carats a été vendu pour CHF 45,4M par Sotheby's le 16 novembre 2010. Avec une clarté encore meilleure gradée VVS1, un diamant pesant 17,07 carats a été vendu pour CHF 21M par Sotheby's le 16 décembre 2016.



Fleurs au Jardin

En tant que mouvement artistique, l'impressionnisme est en déclin en 1886. Monet et quelques adeptes de la première heure ont refusé de participer à leur huitième exposition, qui sera la dernière, parce que Pissarro soutient Seurat et Signac.

Monet reste une référence. Les jeunes artistes expriment la beauté d'un petit coin de nature, tout simplement, en s'écartant résolument du paysage et de la nature morte traditionnels. Ils ouvrent la voie vers l'expressionnisme abstrait. Revenu en Angleterre après une visite à Giverny, Sargent peint en 1886 un humble talus de pavots aux brillantes couleurs.

Vincent van Gogh est à Paris en 1886. Il admet que jusque-là il n'avait aucune connaissance de l'art moderne. Il avait admiré Millet, Daubigny et Mesdag. Il intègre sa découverte de l'impressionnisme avec une énergie fulgurante mais, toujours à la recherche d'un art personnel et parfait, il ne les imite pas.

En 1886 Vincent peint des vues de Paris. L'année suivante il peint avec Signac des vues du Parc Voyer d'Argenson qui surplombe la Seine à Asnières.

Dans les vues peintes en 1889 et 1890 en Provence et à Auvers, l'influence de Signac sur Vincent reste importante : l'effet global d'une peinture est apporté par des éléments de couleurs vives. Pour le détail de cette texture, Vincent retiendra plutôt les longs traits de couleurs enchevêtrés dans les neiges blanches de Monet.

Le 11 novembre à New York, Christie's vend au lot 40 A Coin de jardin avec papillons, huile sur toile 50 x 61 cm peinte par Vincent. L'image est partagée par Wikimedia.

La minutie de sa réalisation a laissé supposer qu'elle a été peinte à Arles au printemps 1889. De nouvelles analyses amènent les experts du Van Gogh Museum d'Amsterdam à proposer une exécution au printemps 1887. Si c'est le cas, Vincent avait expérimenté au jardin d'Asnières un style qu'il utilisera plus régulièrement deux ans plus tard. Dans son zèle boulimique pour maîtriser l'art de la peinture dans sa globalité, cette hypothèse est aussi plausible.

Van Gogh - Rasenstück mit Schmetterlingen