31 mars 2018

L'Aube de l'Espace

Après la seconde guerre mondiale la paix n'interrompt pas le développement des technologies. Les meilleurs observateurs savent que l'évolution des missiles va mener à la conquête de l'espace. Le V-2 avait été le premier missile balistique guidé. Les Etats-Unis transfèrent d'Allemagne son équipe de conception pendant qu'en Union Soviétique Korolev commence à construire des répliques opérationnelles.

De 1952 à 1954 le magazine hebdomadaire Collier's consacre une série de huit articles aux futures techniques du spatial sous le titre Man will conquer space soon.

Ces articles très bien documentés sont coordonnés par Cornelius Ryan. Les meilleurs auteurs spécialisés contribuent. Parmi eux Heinz Haber est conseiller scientifique de Walt Disney Productions avec la mission de montrer aux jeunes l'utilisation pacifique de l'énergie atomique. Après cette publication Disney deviendra le meilleur vulgarisateur de la conquête spatiale.

La plus importante contribution aux articles de Collier's est assurée par Wernher von Braun qui est pourtant chargé à la même époque par l'armée Américaine de développer une fusée militaire. Il est remarquable que les concepts opérationnels détaillés de von Braun aient été publiés.

Dans une vente en ligne qui sera close le 19 avril, RR Auction vend au lot 6060 un ensemble de 26 documents autographes de la préparation des quatre premières contributions par von Braun : figures, feuilles de calcul, graphiques et lettres. Le lecteur d'aujourd'hui familiarisé avec l'activité spatiale admirera la vision prémonitoire de von Braun sur la fusée à étages, les stations spatiales, l'alunissage et l'exploration lunaire, l'émission et la réception des télémesures.

Cet ensemble auquel est jointe une copie de chacun des quatre numéros du magazine est estimé $ 100K. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Dans son dernier article non représenté dans ce lot, von Braun examinait favorablement la possibilité d'un voyage habité vers la planète Mars.

30 mars 2018

L'Argent Républicain d'Utrecht

L'Union d'Utrecht rassemble en 1579 les sept provinces protestantes du nord des Pays-Bas décidées à une scission républicaine contre l'Espagne. Cette région devient extrêmement riche grâce au commerce international.

Fils d'un orfèvre d'Utrecht, Adam et Paul van Vianen sont artistes. Paul voyage et transfère le goût Hollandais auprès de Rudolf II à Prague. Adam reste à Utrecht. Ils créent des formes complexes en repoussant une plaque d'argent de très grande pureté, façonnant la surface en lobes qui ont identifié leur style comme "auriculaire". Les figures sont modelées sur de la cire.

L'aiguière balustre couverte haute de 23 cm à vendre par Christie's le 20 avril à New York au lot 21 est datée 1619. Elle est signée A. DE VIANA plutôt que poinçonnée, confirmant ainsi qu'Adam revendiquait un statut d'artiste.

Au-delà d'une accumulation maniériste incluant sans cohérence apparente des masques, des dauphins, des monstres et un scarabée, le thème principal de cette pièce est l'histoire de Marcus Curtius réparties entre trois grands cartouches. Les frères van Vianen ont utilisé pour d'autres pièces les thèmes de Mucius Scevola et Horatius Cocles en une volonté évidente d'apologie du sacrifice Républicain.

Un des plus grands admirateurs et collectionneurs de l'argenterie auriculaire sera Rembrandt, attestant de l'influence importante de ce style sur l'art décoratif de l'Age d'Or Hollandais.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

Les Quatre Femmes du Professeur Koppitz

Formé comme photographe retoucheur, Rudolf Koppitz enseigne les techniques photographiques à Vienne à l'époque de la Wiener Werkstätte. Il préfère les expositions de groupes aux expositions solo et son approche personnelle est peu documentée.

Avec sa très jeune épouse Anna, Rudolf pratique la photo naturiste, incluant des auto-portraits. Ils expriment la beauté des corps sains et athlétiques dans la montagne.

En 1924 la photo intitulée Bewegungsstudie (Etude de mouvement) est son chef d'oeuvre. Elle met en scène quatre femmes. Les huit pieds nus sont arqués pour danser. La femme au premier plan est entièrement nue, le corps projeté vers l'arrière. Les trois autres sont vêtues de robes très sombres qui construisent un encadrement autour du nu.

Qui sont-elles ? Il a été supposé que l'acrobate nue était une danseuse du Wiener Staatsoper. Le même groupe apparaît à mi corps dans une tenue similaire dans une autre composition. Les visages plus rapprochés montrent une indéniable ressemblance des femmes entre elles. Combien y a-t-il de femmes différentes sur ces images ?

Le professeur essaye ses meilleures formules de laboratoire. Un tirage 56 x 42 cm annoté 'Combin Gummidruck' (combinaison de gommes) et numéroté 1 marque probablement le sommet du savoir-faire de Koppitz, avec de très rares nuances révélant les détails dans les robes noires. Cette photo est contemporaine des expériences de maîtrise du noir par d'autres artistes comme Steichen ou Strand.

Ce tirage est estimé $ 200K à vendre par Phillips à New York le 9 avril, lot 96.


29 mars 2018

Le Bonheur d'être Apis

Pendant toute la période Pharaonique le taureau Apis a été l'être le plus heureux du monde. Les Egyptiens ne le confondaient pas avec un dieu mais interprétaient ses mouvements comme des oracles. Quand il mourait les prêtres sélectionnaient pour sa succession le veau qui répondait le mieux à des critères immuables.

Jamais une bête n'a été plus choyée que le taureau Apis. Une longue procession fluviale sur le Nil assurait son transfert du pré au sanctuaire. A la période du rut la plus belle génisse lui était offerte. Sa mort était célébrée par un deuil de 70 jours, le temps nécessaire à l'embaumer.

Apis personnalisait la puissance sexuelle et la fécondité et toute sa carrière était festive. Dans l'imagerie Egyptienne il partageait avec Pharaon le symbole du cobra protecteur dressé sur le front. Il portait également le disque solaire entre le garrot et le haut des cornes.

Les statues du taureau Apis étaient réalistes pour exhiber au mieux les attributs de son canon. Le 18 avril à New York, Christie's vend au lot 54 un Apis de 58 cm de long en granodiorite, la splendide pierre noire Egyptienne. Son polissage lustré est typique de la période nationaliste qui a précédé les Ptolémées, quand la capitale était revenue à Memphis.

Apis est debout en ronde bosse. Il marche avec entre les pattes une stèle décorée des deux côtés par un motif de papyrus dont la signification était surtout décorative puisque l'animal adulte n'allait plus dans les champs. Le système pileux est incisé avec les détails nécessaires incluant la mèche, les sourcils, la crinière et la queue. Il a conservé son soleil et son cobra mais sur les photos du catalogue les sabots semblent manquants.

Apis était unique à Memphis mais avait des imitateurs dans d'autres villes surtout quand le pays était politiquement divisé. En l'absence d'inscription sur la statuette il est en toute rigueur impossible de conclure si le taureau de Christie's est un Apis, un Buchis de la région de Thebes ou un Mnevis d'Heliopolis.

28 mars 2018

Eau Propre avec les Tigres

Dans l'antiquité la salubrité de l'eau était un problème crucial. La maîtrise du bronze par les Chinois a amélioré le stockage, le transport et l'utilisation de l'eau et du vin de millet avec une application principale dans les récipients rituels.

Des formes nouvelles sont apparues. Le bassin a été surélevé sur trois ou quatre pieds hauts et fins pour être utilisé en bouilloire. La forme ouverte ding est la plus fréquente. A la fin de la dynastie Shang, le zun est partiellement clos dans sa partie supérieure et équipé d'un couvercle amovible. Avec son long bec verseur cylindrique le très rare ying des Zhou de l'Ouest ressemble déjà à une théière.

La solidité et la stabilité du bronze excitent les artistes antiques et les quatre pattes appellent à des figurations entièrement zoomorphes anticipant de deux millénaires les aquamaniles du Moyen-Orient. De petites figures animales en ronde bosse apparaissent aussi sur diverses pièces.

Le ying est extrêmement rare. L'un d'eux a été vendu pour $ 470K incluant premium par Sotheby's le 19 mars 2002 dans la vente de la collection Ellsworth. Un tigre debout sur l'anse du pot pose ses pattes avant sur l'anse du couvercle amovible, prêt à bondir sur un taureau couché. Une inscription identifie un nom de personne qui est soit l'artiste soit un dédicataire.

Cinq autres ying seulement était connus, tous dans des musées. La pièce vendue par Sotheby's était le seul ying avec un tigre.

Un septième ying vient de faire surface quelque part dans le Kent avec des lettres d'époque qui identifient sa provenance. En 1860 juste après le sac du Palais d'Eté un capitaine de la marine royale l'a acheté dans les enchères organisées par le commandement Britannique pour disperser le butin. Un rapport de thermoluminescence est disponible.

Ce ying tripode de 26 cm de haut pesant plus de 4 Kg est monté sur un socle trifolié en zitan d'époque Qing. Les surfaces sont incisées. La pièce est décorée de deux tigres, symboles de la puissance animale et de la protection contre les démons qui sont en quelque sorte garants que le liquide n'a pas été souillé par le récipient.

L'un des tigres est couché en une ronde bosse réaliste sur le capot. L'autre plus stylisé entoure le bec verseur dans une position ithyphallique. Sans avoir l'effet dramatique du specimen Ellsworth ce pot est unique en son genre. Il est estimé £ 120K à vendre à Canterbury le 11 avril par The Canterbury Auction Galleries, lot 450. Voir aussi sa description et son histoire dans l'article de blog publié par la maison de ventes.

27 mars 2018

L'Electeur de la Réforme

Lucas Cranach devient en 1504 peintre de la cour de Saxe à Wittenberg. Il sera jusqu'à sa mort 49 ans plus tard un dévoué collaborateur de trois électeurs successifs, suivant le déplacement à Weimar de la cour du dernier d'entre eux. Il réalise de très nombreux portraits de la famille électorale sans délaisser ses autres thèmes.

Le premier des trois électeurs, Frédéric le Sage, est célèbre par sa tolérance envers Luther. Cranach est enthousiasmé par la Réforme et devient désormais étroitement lié avec Luther.

Les évènements familiaux de la cour de Saxe sont célébrés par des portraits à mi-corps en habits splendides. En 1525 Frédéric est succédé par son frère Jean qui intensifie sa politique pro-Luthérienne. L'année suivante il organise les fiançailles de son fils et héritier Jean-Frédéric avec Sibylle de Clèves. Le mariage a lieu en 1527. Le portrait par Cranach de la princesse alors âgée de 15 ans a été vendu pour $ 7,7M incluant premium par Christie's le 15 avril 2008.

Jean-Frédéric succède à Jean en 1532 et confirme son engagement pour la Réforme. Il commande à Cranach et à son atelier une grande quantité de portraits posthumes de ses deux prédécesseurs pour servir de cadeaux diplomatiques.

Le 19 avril à New York, Christie's vend un portrait de Jean-Frédéric, huile sur panneau 63 x 40 cm, lot 7 estimé $ 1M. La peinture n'est ni datée ni signée et a fait l'objet de repentirs d'artiste pour perfectionner la ressemblance ou la dignité du visage. Elle peut être un modello peint par le maître après l'accession au pouvoir du modèle pour préparer la réalisation de copies par l'atelier.

Cette oeuvre avait disparu pendant les persécutions Nazies. Elle vient de refaire surface et a été restituée à la famille spoliée avec l'aide de Christie's.

Première Prédication

Jan Gossaert ou Gossart est aussi connu sous le nom de Jan Mabuse en référence à sa ville natale de Maubeuge en Hainaut. Un court séjour à Rome en 1508-1509 lui permet de comparer le traitement des émotions par le mouvement dans l'art antique et moderne, avec les exemples du Laocoon découvert deux ans plus tôt et des récentes avancées par Michel-Ange.

Il s'établit ensuite à Middelburg et répand le goût maniériste en Hollande et en Flandres. Ses nus mythologiques sont osés pour l'époque. Il peint de nombreux portraits.

Le 9 décembre 2015, Sotheby's a vendu pour £ 4,6M incluant premium une Vierge à l'Enfant peinte vers 1520 sur panneau 39 x 27 cm. 

Marie est une jeune femme dans une attitude de tranquille adoration. Tout le maniérisme réside dans l'attitude de l'enfant nu prêt à s'échapper des mains de la mère pour convaincre le monde. La main de l'enfant attrapant le menton de sa mère crée un lien affectif bien qu'il ne la regarde pas.

Plus tard l'enfant est devenu exubérant. Il est montré au même âge mais son attitude est devenue une prédication avec la bouche ouverte pour parler et une main levée. Ses dons au-dessus de son âge apparent sont confirmés par le vieillissement de sa musculature et de sa chevelure. La mère pensive ne sourit plus.

Cette huile sur panneau 45 x 34 cm peinte vers 1530 a été vendue pour CHF 2,37M incluant premium par Koller le 28 mars 2014. Elle avait été discutée dans cette chronique avant la vente. Elle est estimée $ 3M à vendre par Christie's à New York le 19 avril, lot 48.

26 mars 2018

La Gloire pour Topps et Mantle

1952 commence très bien pour Topps et très mal pour Mickey Mantle.

Le grand espoir des New York Yankees, mis en avant en début d'année 1951 comme le successeur désigné de Joe DiMaggio, avait finalement effectué une saison bien terne. Après avoir été dégradé en Minor League, il était revenu en Major League mais s'était sévèrement blessé au genou droit dans une action avec DiMaggio.

Son père qui était aussi son mentor meurt le 7 mai 1952 à l'âge de 40 ans d'une maladie du sang. On ne savait pas à l'époque que sa maladie était un saturnisme développé dans les mines de plomb. Le jeune Mickey qui est psychologiquement fragile croit à une malédiction héréditaire. Le 8 juillet Mickey est sélectionné pour la All-Star Game comme outfielder mais laissé en réserve.

Sous l'impulsion de Sy Berger, la marque de bubble gum Topps fait une entrée sensationnelle dans l'édition des cartes de baseball. Après un premier essai en 1951, Topps lance en 1952 une série extensive avec des images fines, de jolies couleurs et une inscription agréablement didactique au dos.

L'impression de la série 1952 est faite en plusieurs lots, incluant la sélection de joueurs supplémentaires. L'omission de Mantle dans les 310 premiers joueurs est probablement due à son début de saison peu enthousiasmant. Quand il devient le premier de la phase finale 311-407 il est trop tard. La saison 1952 est déjà bien entamée et Topps freine la distribution pour préparer 1953 avec des données mises à jour.

Une excellente participation début octobre dans la World Series lance de façon durable la carrière de Mickey Mantle. Bien que 1952 ne soit pas son rookie year, la rare Topps 1952-311 deviendra la plus recherchée des cartes de baseball modernes.

En haut de l'échelle, PSA a gradé trois cartes en Gem Mint 10 et six en Mint 9. Aucune n'avait été vendue aux enchères depuis plus de dix ans. Une des Mint 9 est estimée $ 3,5M par Heritage en ligne depuis Dallas le 19 avril plus extended bidding, lot 80477. Avec ses brillantes couleurs et son excellent centrage cette carte enthousiasme les experts. La raison pour laquelle elle n'a pas obtenu le grade Gem Mint 10 n'est pas révélée au catalogue.

Crocodiles au Salon

Les crocodiles entrent en 1972 dans l'univers de Claude Lalanne quand elle utilise une première fois par galvanoplastie le cadavre d'une bête du zoo de Paris. Le crocodile entier en métal est accroché à la structure du dossier d'un siège.

Au fil des années Claude Lalanne édite progressivement un salon à crocodiles en bronze doré et cuivre avec des coussins en cuir. Le 13 décembre 2017 une paire de fauteuils faite en 1997 est séparée par Sotheby's avec une estimation de basse de $ 300K chacun. Avec des résultats à $ 980K et 1,15M incluant premium, les reptiles de Claude peuvent valablement gober les moutons de son mari.

La banquette conçue par Claude en 2006 est plus spacieuse, 79 x 140 x 74 cm à comparer aux 78 x 61 x 64 cm d'un fauteuil. Il y a désormais la place pour deux crocodiles dans une position similaire. La composition moins engoncée est plus plaisante.

Cette Banquette est éditée en 2007 en huit exemplaires et quatre épreuves d'artiste avec la marque du fondeur Figini. Le numéro 4/8 a été vendu pour € 460K incluant premium par Sotheby's le 24 mai 2016 sur une estimation basse de € 200K. Le numéro 2/8 est estimé € 600K à vendre par Tajan à Paris le 4 avril, lot 9.

Les Bureaux Croco de Claude Lalanne sont une conception différente avec la peau de bronze étalée sur le plateau. L'un d'eux daté 2009 a été vendu pour $ 2,17M incluant premium par Sotheby's sur une estimation basse de $ 350K dans la même vente que la paire de fauteuils évoquée ci-dessus.

25 mars 2018

Un Nouveau Rookie pour les Yankees

Au moment de commencer sa carrière, Mickey Mantle alterne entre exploits et découragement. Ses jambes sont fragiles. Pendant son adolescence un coup de pied dans le tibia gauche a créé une infection de la cheville qui laisse des séquelles et empêche son incorporation à l'armée en 1949.

Pourtant quand il est en forme il est le plus rapide et le plus puissant des nouveaux espoirs du baseball. Au début de l'année 1951 le manager des New York Yankees, Casey Stengel, considère qu'il doit faire la saison en Major League. L'uniforme numéro 6 lui est attribué pour bien montrer que ce rookie sera le successeur de Ruth (3), Gehrig (4) et de la vedette actuelle DiMaggio (5).

La carte Bowman 1951-253 est composée après les entraînements du printemps au cours desquels Mickey a confirmé son excellence. Comme toutes les cartes de cette série l'image a été dessinée à partir d'une photographie. Le futur champion est de profil, la tête souriante tournée vers le photographe et la batte au-dessus de l'épaule droite. L'esthétique n'est pas le point fort de ces séries Bowman : un inutile poteau électrique n'a pas été supprimé.

Les cartes Bowman sont rares en Mint condition, souvent à cause d'un défaut de centrage ou d'une souillure d'origine. Une seule 1951-253 a été gradée Gem Mint-10 par PSA. Une des neuf copies gradées Mint-9 a été vendue pour $ 590K incluant premium par Memory Lane le 14 octobre 2017. Elle sera vendue par Heritage en ligne depuis Dallas le 19 avril, lot 80449 avec un guide value de $ 1M. Cette carte très propre est parfaitement centrée 50/50 en largeur.

La fin de la saison n'est pas réussie. Mickey débute en Major League le 17 avril mais sans convaincre. Renvoyé à Kansas City en Minor League, il demande une nouvelle fois à arrêter le baseball mais se fait houspiller par son père. Il revient avec les Yankees mais restitue le numéro 6 à Bobby Brown. Il est ensuite blessé au genou droit avec torsion permanente d'un ligament dans une chute en pleine action pour éviter DiMaggio. 1951 est bien son rookie year en MLB mais 1952 sera le début de sa gloire.

Le comble de cette histoire est que ce garçon dont les exploits seront une composante majeure de l'American Dream des années 1950 est confirmé comme inapte physiquement à l'armée en 1952 pendant la guerre de Corée.

L'Agenda de Peter Beard

La famille de Peter Beard avait fait fortune dans les chemins de fer et le tabac. Il choisit de mener une double carrière de photographe, mondain en Amérique et défenseur des espèces menacées au Kenya. Il publie en 1965 un livre de photos intitulé The End of the Game qui est un hurlement militant contre les massacres d'animaux.

Sa vie personnelle est compliquée. Sa troisième femme Nejma Beard épousée en 1986 parvient à gérer sa carrière tout en laissant libre cours à sa créativité. A partir de 1992 Peter Beard rassemble ses fantasmes dans des collages de très grande dimension.

Sa technique mixte utilise des tirages de ses propres photos et des éléments disparates comme le sang, les plumes, la peau de serpent, les coupures de journaux et divers objets d'usage courant qui font de lui un suiveur de Rauschenberg et exhibent la profusion de son processus mental. L'oeuvre inclut généralement de longs textes autographes à la périphérie des images.

Le titre Heart Attack City est utilisé pour plusieurs opus. L'image est constituée comme la double page ouverte d'un agenda géant. A gauche, une photo de Marilyn Monroe hilare est balafrée avec du sang. A droite, un grand nombre de photos abstraites sont des vues aériennes d'os dans un charnier d'éléphants en 1972.

L'agenda est collé sur une surface illustrée sur les quatre côtés avec la même abondance. Un assemblage 129 x 217 cm hors tout réalisé en 1998 a été vendu pour £ 435K incluant premium par Christie's le 20 mai 2016.

Le 9 avril à New York, Phillips vend une oeuvre 140 x 217 cm dont la contribution photographique est datée 1972. L'assemblage non daté a été réalisé sur un fond d'aquarelle réalisé par son équipe Kenyane en une iconographie à la fois naïve et abondante qui apporte à l'ensemble un optimisme inattendu. Elle est estimée $ 500K, lot 150. Le terme 'visually omnivorous' utilisé par la maison de ventes pour caractériser l'artiste est bien ciblé.

24 mars 2018

La Chute du Boeuf Gras

Une huile sur toile sans titre 183 x 152 cm peinte par Tyeb Mehta en 2000 a été vendue pour $ 2,3M incluant premium par Christie's le 18 mars 2014. Elle est estimée INR 14 crores valant US$ 2,26M par AstaGuru en ligne depuis Mumbai, lot 41. La clôture des enchères est le 27 mars. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Cette oeuvre réunit les deux thèmes préférés de l'artiste, le boeuf et la chute.

Ecoeuré dans sa jeunesse par le massacre des boeufs dans les abattoirs, Mehta prend le bovidé comme le symbole de la vanité de l'espèce humaine, depuis l'innocence torturée jusqu'à la violence la plus stupide pour laquelle la bête prend les caractères du démon-buffle Mahishasura en lutte avec Durga.

Plus récent le thème de la chute apparaît à la fin des années 1980. Un taureau ou un oiseau est étroitement enlacé avec un être humain dans une apesanteur sans espoir.

Dans l'oeuvre qui vient en vente le bovidé est gras et étrangement paisible, les quatre pattes en l'air. Il n'a pas d'yeux, aussi aveugle que les têtes coupées placées devant Durga dans d'autres compositions. Une patte et la queue sont interverties. Deux mains sortant par en-dessous sont les seuls attributs humains dans cette étreinte presque invisible.

Dans cette large gamme de comportements, le destin pour la boucherie devient dominant à la fin de la carrière de l'artiste. Un diptyque réalisé en 2005/2007 montre dans chaque élément 198 x 152 cm la silhouette d'un boeuf coupé en trois morceaux. Il a été vendu pour $ 2,8M incluant premium par Christie's le 23 mars 2011.

Zao Wou-Ki inspiré par Zhang Daqian

Une huile sur toile 195 x 130 cm intitulée et datée 25.06.86 par Zao Wou-Ki a été vendue pour HK$ 25,3M incluant premium par Sotheby's le 2 avril 2012. Je l'avais discutée dans cette chronique avant la vente. Elle est illustrée dans la base de données Artvalue. Cette peinture est estimée HK$ 34M à vendre le 2 avril 2018 par China Guardian à Hong Kong, lot 24.

Cette oeuvre résulte de l'influence réciproque de Zao Wou-Ki et Zhang Daqian.

Travaillant depuis trente ans en France, Zao est enfin applaudi en Asie en 1981 et 1982 avec une tournée d'exposition de ses oeuvres au Japon, à Hong Kong et à Singapour. Zhang Daqian qui réside alors à Taiwan est intéressé par l'approche abstraite de Zao continuellement à la limite d'une évocation figurative.

Zhang peint en 1982 son ultime chef d'oeuvre, Peach Blossom Spring, qui est à la fois son paradis perdu et son espoir dans le renouveau du printemps. Ce rouleau à pendre 209 x 92 cm a été vendu pour HK$ 270M incluant premium par Sotheby's le 5 avril 2016. En 1983 les deux artistes se rencontrent à Taipei quelques semaines avant la mort de Zhang.

25.06.86 et Peach Blossom Spring ont des points communs : le format vertical, la composition en larges zones de densités opposées constituées chacune d'un mélange de couleurs délicates, le premier plan finement dessiné tout en bas. On peut aussi comparer les couches transparentes de la peinture de Zao avec les éclaboussures d'encre de Zhang. 25.06.86 est proche de la figuration d'une large cascade voilant la roche dans sa partie basse, au-dessus d'un lac.

23 mars 2018

Le Cycle de Vie du Romanée-Conti

Le cycle de vie du vin inclut une maturation suivie d'une dégradation. Quelques bordeaux semblent indestructibles mais tous les bourgognes sont périssables à plus ou moins longue échéance.

Le Romanée-Conti Grand Cru, exclusivement géré par la Société Civile du Domaine de la Romanée-Conti, vient régulièrement au sommet de sa catégorie avec de nombreuses années sensationnelles. Sa rareté, environ 6000 bouteilles par an produites sur 1,8 hectares à Vosne-Romanée, accroît son prix.

Le début des années 2000 a vu un engouement pour le millésime exceptionnel 1985, qui par hasard était aussi l'année de l'acceptation des méthodes biologiques sur le domaine. Il entre maintenant dans sa phase d'obsolescence.

1990 a la même appréciation exceptionnelle que 1985, et 1988 et 1989 sont très légèrement en-dessous. Vers 2010 il a été observé que le 1988 avait une maturation plus lente et les prix des trois millésimes sont devenus équivalents. Il sont à boire maintenant.

Le millésime dominant aux enchères du Romanée-Conti Grand Cru est actuellement 1988. Une caisse de douze bouteilles a été vendue pour £ 198K incluant premium par Christie's le 21 septembre 2017 sur une estimation basse de £ 130K. Un lot similaire est estimé £ 160K à vendre par Bonhams à Londres le 5 avril, lot 259.

1999 qui peut déjà être bu et 2005 encore trop jeune sont des millésimes parfaits, cotés respectivement € 22 000 et 25 000 la bouteille pour le commerce de détail en France. D'autres années récentes sont excellentes. Les prix actuellement enregistrés aux enchères sur 1988, 1989 et 1990 seront largement dépassés par leurs successeurs dans quelques années.

Le Fusil à Seize Coups

Les fusils à répétition n'étaient pas assez fiables pour intéresser l'armée Américaine. Les développements décisifs sont effectués indépendamment en 1860 par Spencer et Henry. Ancien collaborateur de Smith et Wesson, B.T. Henry est directeur d'usine de la New Haven Arms Company dont l'actionnaire principal est Oliver Winchester.

Dans les deux cas l'amélioration décisive est un chargement par la culasse et la répétition du feu par un levier d'armement. Le magasin du Henry contient seize cartouches en calibre .44 à comparer aux sept cartouches de son concurrent. Un soldat bien entraîné tire toutes les deux secondes, soixante fois mieux que les fusils à un coup de l'armée.

La Guerre Civile éclate l'année suivante. L'armée fédérale est d'abord réticente envers le Henry parce qu'il est trop cher et aussi parce que l'arme est dangereuse quand le tir ne suit pas immédiatement l'armement. Les premiers fusils Henry sont vendus à des privés. En cas de capture l'ennemi ne peut pas les utiliser en raison d'une pénurie de cuivre qui empêche de fabriquer les cartouches.

En novembre 1863 l'Ordnance Department achète 800 fusils à la New Haven Arms Company pour équiper un régiment de cavalerie. Ils sont livrés en mars 1864. D'autres commandes suivront pour l'infanterie. Ils ont été requis pour être utilisés au combat et les fusils survivants sont souvent endommagés.

Un des fusils prévus pour la cavalerie porte bien la marque de l'inspection militaire mais aucune évidence d'utilisation par la cavalerie n'a été retrouvée. Il a été transféré à l'infanterie peu avant la fin de la guerre et son état est resté exceptionnel. Il est estimé $ 180K à vendre le 13 avril par RIAC à Rock Island IL, lot 7.

En 1866 Oliver Winchester améliore le fusil Henry et acquiert la totalité de la New Haven Arms Company qui devient la Winchester Repeating Arms Company. Mécontent de son salaire, Henry n'a pas suivi.

22 mars 2018

Vacances au Pérou

Irving Penn est photographe de mode pour le magazine Vogue. En 1948 une équipe part à Lima pour des prises de vues. Sa photo du modèle Jean Patchett attablée dans un café a été vendue pour $ 137K incluant premium par Phillips le 1er avril 2014 dans un tirage argentique 49 x 47 cm rehaussé au selenium réalisé en 1984.

Le groupe repart sauf Penn qui prend ses vacances de Noël à Cuzco. Dans cette ancienne capitale Inca à 3300 m d'altitude dans la Cordillère des Andes, il voit une population de montagnards de petite taille qui se promènent tranquillement dans les rues.

Pendant toute sa longue carrière Irving Penn n'est pas un photographe de plein air. Il installe son matériel dans un atelier de photographe inutilisé depuis le XIXème siècle et photographie des enfants autour d'un incongru guéridon Victorien.

Sa photo d'un jeune garçon et de sa petite soeur dans leurs habits rustiques est un de ses chefs d'oeuvres. Elle émeut le spectateur en donnant une juste impression de la similitude des enfants dans le monde dans la diversité des races. Les deux enfants ont la même posture trop raide et le même regard vague. Ils attendent le travail de l'artiste et se tiennent par la main sur le guéridon pour se réconforter.

Bien plus tard dans son atelier à Long Island, Irving Penn tire cette photo désormais célèbre en 50 x 50 cm en utilisant son meilleur procédé, au platine et palladium.

Un tirage de 1971 a été vendu pour $ 530K incluant premium par Christie's le 11 avril 2008 sur une estimation basse de $ 250K. Un tirage de janvier 1978 numéroté 17/60 a été vendu pour $ 360K incluant premium par Christie's le 18 octobre 2007. Le numéro 60/60 est estimé $ 200K à vendre par Bonhams à New York le 6 avril, lot 61.

21 mars 2018

Beatlemania en Amérique

En 1963 la Beatlemania est à son comble en Angleterre. Brian Epstein prépare la conquête de l'Amérique dont le protectionnisme traditionnel sera insuffisant pour restreindre l'excitation populaire. Le groupe arrive à New York le 6 février 1964. Leur première prestation est au Ed Sullivan Show en direct sur CBS, visionné par 73 millions de téléspectateurs.

Le premier concert des Beatles sur le sol Américain a lieu le 11 février au Washington Coliseum. La scène est un ring central équipé d'une plaque tournante pour que les spectateurs puissent voir tour à tour le groupe de face. La sonorisation est loin d'être parfaite.

Un photographe âgé de 18 ans nommé Mike Mitchell a obtenu une accréditation de presse. Il prend des photos pendant tout le spectacle avec l'éclairage de scène sans utiliser de flash. Il enregistre ainsi l'ambiance dans un clair-obscur qui dans les meilleurs cas évoque une solarisation.

Les Beatles repartent, mais ils reviennent en été pour une tournée dans 24 villes d'Amérique du Nord. Mitchell complète sa collection le 13 septembre à Baltimore.

Pendant près d'un demi-siècle ces photos sont oubliées. Le 20 juillet 2011 Christie's consacre une vente à une sélection de 46 tirages retravaillés numériquement. La vente rapporte $ 360K incluant premium. La photo la plus iconique 40 x 40 cm montrant en silhouettes les têtes des quatre garçons a été vendue pour $ 68K incluant premium.

Le 24 mars à Merseyside près de Liverpool, Omega Auctions vend en un seul lot l'ensemble des 413 négatifs, 56 fichiers d'images digitales haute résolution, 71 nouveaux tirages signés par le photographe, les tirages contacts d'origine avec un scan et le copyright complet.

L'ensemble est estimé £ 250K, lot 200 ici lié sur la plate-forme d'enchères The Saleroom. Je vous invite à regarder l'interview du photographe partagée par la maison de ventes, incluant des exemples d'images.


20 mars 2018

Emaux Cloisonnés des Anciens Ming

Les émaux cloisonnés sont une très ancienne technique de décoration du métal portée à un extrême raffinement par les premiers Ming. La jarre au dragon de 62 cm de haut conservée par le British Museum porte la marque impériale de l'empereur Xuande. Elle est le plus ancien exemple datable dans cette catégorie.

Le 3 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une jarre d'autel de 26 cm de haut, lot 3428 estimé HK$ 20M. Il porte assez discrètement les symboles Bouddhistes et sa forme est d'inspiration rituelle Tibétaine. La décoration de la panse ovoïde est centrée par six lotus de dessins variés dans la circonférence sur un fond turquoise. Les couleurs sont nombreuses et brillantes avec un naturalisme rare à cette époque pour les fleurs et les feuilles.

Le cloisonnement filaire est intriqué et serré. Sur la frise de l'épaule l'utilisation de quatre combinaisons de couleurs sur des motifs identiques est un raffinement supplémentaire.

Une pièce de cette qualité est extrêmement rare mais un autre exemple quasiment identique est connu. Le traitement thermique de stabilisation des émaux était certainement extrêmement difficile. Ils ont été réalisés sous Yongle ou sous Xuande. Ces deux empereurs étaient étroitement liés au Bouddhisme.

Le 20 avril 2017 une autre pièce similaire comportant quelques manques a été vendue pour $ 810K incluant premium par Quinn's sur une estimation de 400 à 600 dollars. Elle était datée du XVIIIème ou XIXème siècle dans le communiqué publié par Artnet après la vente.

Jusqu'au falangcai des Qing près de trois siècles plus tard, une telle variété et beauté des couleurs restera impossible à obtenir sur les porcelaines. Ceci explique sans doute l'engouement pour les cloisonnés pendant le court et mouvementé règne de l'empereur Jingtai, deuxième fils et second successeur de Xuande. Dès cette époque la décoration était devenue plus stylisée.

19 mars 2018

Un Mandarin dans la Montagne

Les très importants voyages d'inspection de l'empereur Kangxi avaient eu un rôle prépondérant dans la consolidation des provinces du Sud. Les régions isolées doivent rejoindre la civilisation.

La province côtière du Zhejiang fait l'objet d'une campagne d'affranchissement en 1727 CE pendant le règne de Yongzheng. L'empereur Qianlong reste vigilant. Pendant la 27ème année de son règne, 1762 CE, il nomme Commissaire à l'éducation du Zhejiang pour une mission de trois ans l'un de ses plus brillants mandarins nommé Qian Weicheng.

La carrière de Qian est un très bon exemple des qualités extrêmes et multidisciplinaires exigées des mandarins. Reçu aux examens à l'âge de 23 ans dans la dixième année de Qianlong, il était devenu comme juriste un membre important de la bureaucratie impériale. Poète, calligraphe et artiste, il sait imiter les anciens. Sa poésie est plaisante et originale.

Dans la grande tradition des voyages impériaux des Qing, Qian réalise dans le Zhejiang des dessins de paysages en rouleaux à main de grande longueur. Sa vue des monts Yandang a été conservée.

Le 3 avril à Hong Kong, Sotheby's vend un rouleau de 34 cm de haut composé de dix paysages du mont Tiantai, pour une longueur totale de 4,60 m. Il est estimé HK$ 50M, lot 3301.

Le dessin sans lavis est d'une précision topographique et montre l'activité humaine et les monastères Bouddhistes. Pourtant Qian qui avait visité Yandang n'a pas vu personnellement Tiantai, ses projets d'excursion ayant été à chaque fois abandonnés pour des raisons de mauvais temps. Il s'est probablement inspiré d'images préexistantes pour éviter d'avouer cet échec.

Chacune des dix vues est accompagnée d'un long commentaire descriptif par Qian et d'un poème autographe écrit par Qianlong et daté par lui en 1774 CE, deux ans après la mort de l'artiste. L'oeuvre a été écartée du Palais par le dernier empereur déchu des Qing dans un effort pour protéger le patrimoine impérial contre les pillards.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's incluant la vision des déplacements de plans souvent pratiquée par cette maison de ventes.

Emaux Griffés pour l'Empereur Qianlong

Pendant plus de cent ans les empereurs Qing ont désiré et obtenu des améliorations sans précédent de toutes les techniques artistiques. A la fin du règne de Yongzheng, le surintendant Tang Ying assure la maîtrise complète des technologies de la porcelaine dans les ateliers de Jingdezhen. Le yangcai succède au falangcai dont le développement avait été effectué dans la Cité Interdite. Les couleurs des émaux sur les porcelaines ont atteint une brillance superbe.

Vers 1741 CE, pour plaire à l'empereur Qianlong, Tang Ying adapte au yangcai la technique ancienne du sgraffito. De fines rayures sont effectuées avec une aiguille pour révéler la glaçure blanche sous le fond émaillé. Dans un motif serré cette figure imite la texture d'un brocart de soie.

L'empereur Qianlong appréciait tout ce qui concerne l'art, incluant les esthétiques Européennes. Une paire de vases de 21,7 cm de haut est décorée dans des réserves avec les mêmes figures de fleurs et feuillages. La couche du fond est incisée par un sgraffito d'arabesques. Le goût décoratif mélange la Chine traditionnelle et le rococo.

Cette paire a une particularité exceptionnelle : le fond n'a pas la même couleur. L'un d'eux, dans la collection du Museum of Fine Arts à Boston, est bleu vif. L'autre est rouge rubis. Le vase rouge est estimé HK$ 40M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 3 avril, lot 3622. Une autre différence est la couleur du bord du col, rouge pour le vase bleu et or pour le vase rouge.

18 mars 2018

Danse avec le Buffle

En 1976 dans un village au sud-est du Congo près du lac Tanganyika, un marchand d'art achète directement au groupe tribal Tabwa un masque-heaume d'une extrême rareté. Le seul autre exemplaire connu en casque intégral incluant toute la coiffure est moins décoré. Selon la tradition Tabwa ce masque de danse est une présence féminine avec une forte connotation sexuelle. Ce n'est pas si simple.

Les Tabwa pratiquaient des danses de fertilité et fécondité dans lesquelles l'homme portait un masque de buffle. Ces masques masculins sont moins rares. Chez leurs voisins les Luba un masque d'homme à cornes de buffle est connu.

Le masque collecté en 1976 est très finement incisé de détails réalistes et enjolivé d'inclusions de coquillages blancs dans les yeux et le nez. Les trois lignes de scarification du visage répondent à la pratique de beauté des hommes et des femmes des élites Tabwa, attestées par des photos anciennes. Le très fin réseau tressé de la coiffure répond aussi à la mode du rituel tribal. Les femmes Tabwa utilisaient un appuie-tête pour dormir sans endommager une nouvelle coiffure.

L'identification féminine de ce masque est confirmée par le bijou dans la narine gauche, une tradition Arabo-Indienne venue par la Tanzanie actuelle, et par les boucles d'oreilles. En rejoignant la pratique du masque rituel, la jeune femme cache sa beauté personnelle dans une figure parfaite d'ancêtre qui la rend encore plus désirable. Elle devait aussi boire la sève de l'arbre médicinal qui produisait le bois de son masque.

Ce masque dont la patine démontre un long usage rituel sera vendu par Christie's à Paris le 10 avril, lot 91.

17 mars 2018

Sagesse Impériale

La calligraphie des Sutras du Bouddhisme mahayana est un acte de piété utile à l'éducation et à l'illumination. Quand le patron ou l'utilisateur est un empereur, le manuscrit atteint un luxe inégalable dans sa catégorie.

Une encre d'or sur papier bleu foncé est somptueuse. Une Sutra du Lotus manuscrite en 1345 CE pour l'éducation d'un enfant empereur de Corée a été vendue pour HK$ 31,6M incluant premium par Sotheby's le 30 mai 2016. Le lot était constitué de sept gros albums.

Le bouddhisme est essentiel pour la consolidation de la dynastie Ming. Après la mort de l'empereur guerrier Yongle, ses conseillers Bouddhistes organisent une période de paix. Le très court règne de l'empereur Hongxi initialise les réformes nécessaires. Son fils l'empereur Xuande peut satisfaire ses talents artistiques et accorder au Bouddhisme une préférence dénuée de sous-entendus politiques.

Pendant la cinquième année de son règne, 1430 CE, Xuande commande à un vieux sage nommé Huijin la calligraphie de quatre grandes Sutras. Le papier est couvert d'une encre indigo mêlée de cervelle de bouc. Cette épaisse couche brillante et robuste permet à l'or de rester à la surface sans diffuser dans les fibres du papier. Ce constituant biologique est un émulsifiant similaire au blanc d'oeuf dans la peinture à la tempera.

Les quatre Sutras sont réalisées. Deux sont conservées au National Palace Museum à Taipei. La troisième a été perdue probablement dans un incendie après avoir été donnée à un monastère fondé avec le parrainage de Xuande.

Deux boîtes contenant chacune cinq albums consécutifs de la Sutra de la Sagesse transcendante ou prajnaparamita ont survécu. En plus de la calligraphie l'oeuvre inclut des illustrations au trait d'or d'inspirations Bouddhiste, impériale et ésotérique incluant des Bouddhas, dragons et démons. Cet ensemble sera vendu par Sotheby's à Hong Kong le 3 avril, lot 101. Le reste de cette très longue Sutra est perdu.

Photographie d'un Minotaure

La revue Minotaure marque un tournant dans le surréalisme. Sous la direction de Skira et Tériade, le message est moins politique. Il s'agit avant tout d'offrir une littérature et des images inattendues et choquantes, propices au rêve et à la réflexion.

La couverture du Numéro 1 en juin 1933 n'est pas assurée par un surréaliste mais par Picasso. Il avait certainement la revue en tête quand il assista en 1934 avec Olga à la corrida qui déclencha sa Minotauromachie.

Bien que la photographie ne soit pas l'élément principal de la revue, Minotaure est un fertile champ d'expériences pour la photographie surréaliste, accueillant au fil de ses treize numéros de 1933 et 1939 les images osées de Man Ray, Brassaï et Bellmer.

Man Ray associe l'humour et le lubrique. Ses photos Anatomies de 1929 silhouettant en phallus la tête de Lee Miller anticipent de 3 ans la peinture Le Rêve par Picasso.

Le numéro 7 de juin 1935 dont la couverture est réalisée par Miro a en page de sommaire la photo d'une tête de minotaure par Man Ray. Il s'agit d'un nu féminin sur fond noir, occultant la tête et les mains. Les seins forment les yeux, le torse forme le museau, les coudes créent la courbure des cornes et les poils sous les bras sont les oreilles.

Un seul tirage photographique de cette image est connu, en format 15 x 24 cm. Il a été daté 36 mais sans doute postérieurement car le cachet porte l'adresse de l'atelier utilisé par Man Ray jusqu'à l'été 1935. L'image est divisée par une très fine incision médiane qui est une invitation à une impression sur une double page, non réalisée : à part Minotaure Numéro 7, aucune autre utilisation d'époque n'est connue.

Cet exemple iconique de photographie surréaliste est estimé $ 150K à vendre par Sotheby's à New York le 10 avril, lot 133.

16 mars 2018

L'Atelier des Jésuites

L'empereur Kangxi et le roi Louis XIV avaient des ambitions similaires. Ils décident en 1684 d'échanger leurs connaissances scientifiques et culturelles par l'intermédiaire de Jésuites qui accepteront les coutumes de la Chine impériale. Les Français sont intéressés par les brocarts et les baguettes et les Chinois par l'utilisation des émaux pour couvrir le cuivre et le verre.

L'activité se développe dans un atelier de la Cité Interdite sous le contrôle direct de l'empereur. Un nouveau verrier arrivé en 1695 apporte avec lui les émaux inventés par Glauber pour créer des couleurs splendides avec de l'or colloïdal. Les verres colorés avec l'émail des étrangers (en Chinois : falangcai) servent de cadeaux diplomatiques.

Les potiers de Jingdezhen travaillaient avec la gamme réduite du wucai dans un but de productivité. Il est bien tentant d'appliquer les nouvelles couleurs à la porcelaine pour donner un luxe supplémentaire aux pièces destinées à l'usage personnel (yuzhi) de l'empereur. Des artisans Chinois se joignent vers 1711 aux Jésuites de l'atelier impérial pour développer une technologie mixte.

La porcelaine Chinoise était inconnue en Europe et les Jésuites considéraient comme impossible d'apposer l'émail par-dessus la glaçure. Ils font venir de Jingdezhen des porcelaines incomplètement couvertes de glaçure pour peindre la face extérieure et la base avec des couleurs indisponibles à Jingdezhen. Une seconde chauffe termine le processus.

Une des couleurs de fond les plus rares du falangcai est un rose à l'or colloïdal. Deux bols de 14,7 cm de diamètre décorés chacun de quatre cartouches lobés montrant des fleurs devant un ciel bleu ont sans doute été fabriqués côte à côte. Ils portent la marque yuzhi de Kangxi. Les thèmes floraux sont cependant différents, attestant de la coopération étroite entre les artistes Chinois et Européens. Le bol conservé au National Palace Museum à Taipei suit les auspices traditionnels Chinois des quatre saisons.

L'autre bol est de décoration Européenne, avec des fleurs sans signification symbolique et un effet de perspective qui n'est pas habituel dans l'art traditionnel Chinois. Il sera vendu par Sotheby's le 3 avril à Hong Kong, lot 1. Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par Sotheby's.

Le yangcai sera la maîtrise complète du processus du falangcai à Jingdezhen vers la sixième année du règne de Yongzheng, 1729 CE. La participation des étrangers ne sera désormais plus nécessaire.

Beauford Delaney au Village

Beauford Delaney est le fils d'un ministre Méthodiste de Knoxville TN et d'une ancienne esclave. Il reçoit de son environnement familial une hypersensibilité sociale accompagnée d'une fierté et d'une honnêteté qu'il conservera toute sa vie.

Les temps sont cependant durs pour un jeune Noir homosexuel, d'autant plus qu'il arrive à New York pendant la Grande Dépression de 1929. Il fréquente les clubs de jazz et les cafés et peint de nombreux portraits. Voulant échapper aux moqueries homophobes de ses amis de Harlem, il installe son atelier en 1936 à Greenwich Village.

Le Village rassemble tous les espoirs de ce jeune homme à peine sorti de la misère. Il peint l'ambiance de sa rue et de Washington Square avec des aplats de couleurs saturées dans un lourd impasto, sur un dessin schématisé à l'extrême. Son style inspiré de Van Gogh, Cézanne et Gauguin persuade le très jeune James Baldwin qu'un art Africain-Américain est possible.

Le 5 avril à New York, Swann vend une scène de rue au Village, huile sur toile 74 x 102 cm peinte en 1948, lot 33 estimé $ 150K.

Proche des élites du jazz mais très loin des cercles artistiques, Delaney s'établit en 1953 à Paris où il retrouve Baldwin devenu un écrivain célèbre de la dignité homosexuelle. Son art est d'abord bien accueilli à Montparnasse mais ses dernières années sont minées par l'alcoolisme et la misère. Son éloignement des Etats-Unis lui a fait perdre toute chance d'une reconnaissance artistique à New York et d'une participation directe aux mouvements civiques dont il était encore très proche.

Beauford Delaney a rejoint Van Gogh dans la catégorie des artistes maudits. 30 ans après sa mort à Paris en 1979 dans un hôpital pour aliénés, sa tombe non marquée a été identifiée et préservée par ses admirateurs Parisiens. Son art reste sous-évalué.

14 mars 2018

Le Chaos Primordial

Par son art abstrait du milieu des années 1950, Zao Wou-Ki exprime des sentiments spécifiques détachés d'un support figuratif et en donne la clé dans ses courts titres. Il voit le vent, la nuit, l'aube, la mare, la poussière, la foudre.

Il travaille à Paris mais est de plus en plus nostalgique de ses origines Chinoises. Il est tenté par la synthèse des croyances mystiques de l'Est et l'Ouest. Une huile sur toile 200 x 162 cm intitulée Et la Terre était sans forme, datée 1956-1957, est l'aboutissement de cette pulsion créatrice.

Le titre en français est donc occidental et paraphrase le second verset de la Genèse, juste avant l'apparition de la lumière. Dans cette phase la Terre est inhabitée mais ne peut pas être vide. Sa création est une explosion de couleurs.

Le monde primordial du Yin et du Yang est une autre interprétation de la création des formes. Depuis 1954 Zao parsemait ses oeuvres de calligraphies illisibles inspirées des Oracle Bones, les plus anciens témoins de la paléo-écriture Chinoise qui étaient certainement une tentative de communication avec les cieux et ont sans doute influencé les symboles sur les bronzes rituels des Shang. La boule de feu bien centrée de Et la Terre était sans forme est parsemée des signes inspirés à l'artiste par les Oracle bones mais ils sont trop petits et trop serrés pour inviter à une compréhension dans le monde moderne.

Cette peinture a été vendue pour HK$ 29,4M incluant premium par Christie's le 25 novembre 2007, un très haut prix pour une oeuvre de Zao à cette époque. Elle est estimée HK$ 90M à vendre par Poly à Hong Kong le 29 mars, lot 164.

Le crescendo mystique de Zao Wou-Ki est stoppé par sa rupture début 1957 avec sa femme Lan Lan. L'artiste hypersensible est en état de choc. Il part pour un séjour de longue durée chez son frère près de New York City où il découvre la spontanéité de l'expressionnisme abstrait. Une nouvelle phase d'abstraction totale va commencer.

13 mars 2018

Un Anneau Parfait

Les anciens Chinois ont appris à travailler la néphrite, utilisant des techniques de sablage pour créer des formes complexes. La jadéite fut une découverte sensationnelle traditionnellement attribuée à la dynastie des Tang. Les deux matériaux ont une dureté similaire et sont associés sous le terme générique de jade, yu en Chinois.

La rareté et la beauté de la jadéite en ont fait l'apanage des empereurs. Son façonnage requiert une observation détaillée de la pierre brute et une longue patience. Le vert émeraude et la transparence peuvent être gâchés par des fissures qui s'élargiront pendant le meulage ou le ciselage ou par des impuretés chimiques qui supprimeront l'homogénéité visuelle de la pièce.

L'utilisation de la jadéite en haute joaillerie trouve son apogée pendant le règne de Qianlong. L'absence de nouveaux gisements de qualité a fait régresser cette pratique malgré la facilité indéniable offerte par les machines outils modernes.

Les grosses pierres étaient utilisées pour les bracelets et les perles. Une collection de perles de jade avec un effet visuel homogène provenant d'une roche unique permet de créer de fabuleux colliers. L'un d'eux assemblé par Cartier en 1933 a été vendu pour HK$ 214M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2014.

Les bracelets sans interruption de fermoir sont encore plus une marque d'opulence quand on considère les pertes de matière par l'évidement. Ces bijoux ne pouvaient pas conserver la perfection désirée jusqu'à des dimensions importantes et les empereurs les réservaient pour les petits poignets de leurs épouses. Une pièce ovale 55,45 à 47,30 mm de diamètre interne avec une très belle épaisseur de 13,41 mm probablement réalisée sous Qianlong par imitation du goût antique a été vendue pour HK$ 44M incluant premium par Sotheby's le même jour que le collier Cartier.

La forme préférée sous Qianlong est cependant le cercle, symbole de la perfection des cieux. Le jade prend un rôle semblable au lotus dans la relation entre le sol terrestre et le ciel mystique. Une pièce d'un brillant vert émeraude et de très belle transparence et homogénéité mesurant 56,86 mm de diamètre interne et 11,62 mm d'épaisseur est estimée HK$ 80M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 3 avril, lot 1771.

Comme pour les diamants roses, de très subtiles différences font varier les prix de façon significative et l'inspection directe reste essentielle. J'avais discuté dans cette chronique un anneau circulaire dont la couleur était identifiée comme intense, 55,91 mm de diamètre interne et 10,66 mm d'épaisseur, qui est resté invendu à Sotheby's le 4 octobre 2016 sur une estimation basse de HK$ 50M.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's pour introduire l'anneau de la prochaine vente.

Bouquets avec Bella

Marc Chagall est un artiste de la joie et de l'espoir. Pourtant le XXème siècle est terrible. L'holocauste anéantit les Juifs et n'épargne pas Vitebsk, le village natal tant aimé où il avait rencontré Bella. Il est en exil à New York où Bella meurt soudain d'une infection virale en 1944.

Pour rassembler ses souvenirs, Marc compose des Bouquets d'Amour qu'il peindra fréquemment de la fin des années 1940 jusqu'au début des années 1960.

Une technique mixte 58 x 45 cm à la gouache, crayon, pastel, huile et collage sur papier marouflé sur toile a été vendue pour $ 410K incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2007 et pour $ 790K incluant premium par Shapiro le  26 septembre 2015.

Ce Bouquet d'Amour est estimé $ 900K à vendre le 18 mars à New Orleans par New Orleans Auction Galleries, lot 920. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Autour des amoureux tout est mêlé avec équilibre et harmonie : l'intérieur et l'extérieur, le village Biélorusse et les fleurs de la France. Une dominante bleue sombre exprime la nuit paisible. Sous l'énorme bouquet, le couple est allongé pour mieux rêver. Bella est nue et pudique. La table aux fruits et l'oiseau libre complètent la composition. Les musiciens ne sont pas venus.

12 mars 2018

Les Grottes Bouddhistes des Wei

La fragmentation de la Chine après la chute des Han ouvre la voie aux invasions étrangères tant pour la conquête du pouvoir que pour la religion. La dynastie Wei qui règne de façon durable sur la Chine du Nord est d'origine Turque. Comme plus tard les Mongols Yuan ou les Mandchous Qing, les empereurs Wei optent graduellement pour une sinisation. Leurs élites barbares renâclent.

Le Bouddhisme est devenu une alternative puissante au Taoïsme. Après l'échec des persécutions, les Wei décident de le contrôler en réunissant les fidèles dans de gigantesques grottes artificielles qui servent à la méditation. Créées à partir de 460 CE près de Datong, les grottes de Yungang seront étendues au fil du temps à 53 cavernes.

Le transfert de la capitale Wei de Datong à Luoyang a pour conséquence l'excavation du nouveau réseau de sanctuaires de Longmen à partir de 494 CE. La destruction de la nouvelle capitale trente ans plus tard n'interrompt pas ce développement religieux.

Le 20 mars à New York, Sotheby's vend un relief en calcaire de 59 cm de haut, lot 201 estimé $ 1,2M. Curieusement cette pièce rare est plus facile à dater qu'à identifier.

Le personnage finement ciselé a l'attitude de la méditation avec les yeux fermés, le sourire extatique, les paumes des mains jointes vers le haut et un genou au sol. Les boutons de lotus près de sa tête symbolisent la pureté. La douceur du visage asexué est une iconographie présente dans les grottes de Gongxian également créées par les derniers Wei du Nord. Une apsara de la même période sur un mur de Longmen a une position similaire.

Cette figure est classée par commodité parmi les Apsaras mais n'a pas les attributs classiques de ces nymphes divines. Qui donc est-il, ou elle ? Pas un Bouddha. Probablement pas un bodhisattva du fait de l'absence des symboles d'offrandes dans les mains. Peut-être simplement l'image idéalisée d'un donateur.

Elle fait partie d'une collection de quatre pierres Bouddhistes antérieures aux Tang qui sont introduites dans la vidéo ci-dessous.

La Belle et les Bêtes

Les modèles de fusils Winchester sont désignés commercialement par l'année de leur première sortie. Ils ne viennent pas en succession mais en parallèle et renforcent le catalogue. Ainsi les Models 1866 et 1873 rendus célèbres par les guerres Indiennes sont produits par l'usine jusqu'en 1899 et 1923.

Basé sur les mêmes brevets le Model 1876 est un fusil de chasse lancé pendant les célébrations du Centenaire des Etats-Unis avec une option DeLuxe au métal durci et un tri One Of One Thousand des meilleurs exemplaires.

Ces fusils ne sont pas rares mais les exemplaires les mieux conservés font les délices des collectionneurs. Ainsi le tout premier des 54 1 Of 1000 du Model 1876 qui avait conservé à 95 % son bleu d'origine a été vendu pour $ 495K incluant premium par Rock Island Auction Company (RIAC) le 6 septembre 2008.

Le Model 1876 a été produit jusqu'en 1897 et incluait quatre options de longueur de canon et quatre calibres. Ces fusils sont souvent décorés de scènes de chasse par l'un ou l'autre des trois frères Ulrich. L'un d'eux à l'état de time capsule ayant conservé 98 % de son bleu est le meilleur exemplaire connu de cette catégorie. Il est estimé $ 450K à vendre par RIAC à Rock Island IL le 14 avril, lot 1017.

Ce DeLuxe 40-60 WCF 28 inches livré par l'usine en 1885 a été décoré par John Ulrich avec d'un côté un puissant portrait d'ours grizzly et de l'autre une haute tête de cerf. La vidéo partagée par la maison de ventes illustre son état parfait.

11 mars 2018

Contraste Rouge et Vert

Chu Teh-Chun (Zhu Dequn) enseigne la peinture occidentale à Taipei. En 1955, âgé de 35 ans, il fait le long voyage qui lui offrira un contact direct avec les oeuvres et s'établit définitivement à Paris.

Chu trouve son propre style en 1956 en visitant une rétrospective posthume de Nicolas de Staël. Il repoussera encore plus loin que De Staël les limites entre le figuratif et l'abstrait tout en appliquant à la peinture à l'huile une technique de fusion des couches qui rappellera les lavis des encres Tang et Song.

En 1958 Chu commence à numéroter ses compositions. Ses premières oeuvres sont variées, témoignant de son parcours progressif vers l'abstraction totale. Il imite parfois le signe calligraphique pour l'ampleur du geste et la densité du trait. Comme les expressionnistes abstraits, il donne aux couleurs un rôle dramatique prépondérant par rapport à la forme.

Le succès immédiat de Chu ne doit pas faire oublier que Zao Wou-Ki était déjà apprécié depuis plusieurs années à Paris avec des solutions similaires.

Peinte en 1959 la composition No. 39 est une huile sur toile 87 x 116 cm, un grand format pour l'artiste à cette époque. Sans aucune évocation figurative, cette oeuvre intitulée Rouge lourd et vert léger montre des contrastes de ces deux couleurs dominées par un réseau de balafres et taches noires dans le style rythmé de Franz Kline, en une composition légèrement montante qui peut évoquer l'optimisme de Kandinsky.

Rouge lourd et vert léger a été vendue pour HK$ 40M incluant premium par Poly le 24 novembre 2012 sur une estimation basse de HK$ 8M. Elle est estimée HK$ 50M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 31 mars, lot 1035.

Le Paysage de la Nuit

Fils d'un garde forestier, Syed Haider Raza conservera toute sa vie l'impression de la promesse de l'aube, transition entre la terreur de la nuit et les vives couleurs du jour. Les paysages du début de sa carrière sont non localisés, mêlant ses impressions de son Madhya Pradesh natal et de la Provence avec des collines, des villages et des horizons. L'explosion des couleurs domine déjà la forme.

Raza exprime le mystère de la terre, comme Pollock. Au début des années 1970 il ose aborder les dangers de la nuit.

Le 21 mars à New York, Christie's vend au lot 222 Tapovan, acrylique sur toile 160 x 189 cm peinte en 1972.

Tapovan est un mot Sanskrit qui mêle dans l'esprit du yoga la méditation et la forêt. Des taches rouges incandescentes et des flammèches jaunes vif parsèment la scène nocturne. Une inspection attentive suggère l'apparition prochaine de visages dans les flammes et les braises, non sans évoquer la schématisation expressive de F.N. Souza.

Si cette interprétation est correcte, elle est exceptionnellement rare dans l'art habituellement déshumanisé de Raza et rapproche Tapovan des questions primordiales des tribus sauvages et de Gauguin : D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ? Et aussi : qui sont ces esprits de la nuit ?

La Terre, acrylique sur toile 189 x 189 cm peinte l'année suivante, est aussi une explosion de lumières dans la nuit mais plus proche d'une abstraction totale. Elle a été vendue pour $ 3,1M incluant premium par Christie's le 18 mars 2014.

Raza trouvera bientôt une réponse à cette angoisse. Admirateur de Rothko, il systématisera l'inclusion de ses formes abstraites dans une structure qui dans son cas commence par être une fenêtre. Il délaisse la nuit mais pas la terre et donne dans la suite de sa carrière le rôle principal à la forme essentielle, le bindu.

10 mars 2018

Colt Walker pour le Commerce

La rencontre de Samuel Colt avec le Président Polk en décembre 1846 est décisive pour la relance de son affaire. Le gouvernement commande à l'inventeur 1000 Single Action Revolvers à l'usage du Regiment of Mounted Riflemen, deux par homme sans marge.

Colt n'a plus de chaîne de fabrication et les revolvers sont fabriqués en 1847 par Eli Blake à Whitneyville CT. Une fois la commande gouvernementale honorée, la même équipe construit 100 pièces supplémentaires numérotées de 1001 à 1100, pour utiliser les composants surnuméraires fabriqués par Blake et organiser le transfert des machines et des outils de Whitneyville à la nouvelle usine Colt à Hartford CT.

Les premiers exemplaires non gouvernementaux sont offerts à des contributeurs. La paire 1001-1002 est offerte en juin 1847 à Jack Hays, l'officier des Texas Rangers qui avait compris l'avantage opérationnel à utiliser les inventions brevetées par Colt. La paire 1009-1010 est attribuée à Samuel Walker, le jeune capitaine qui avait été délégué par Hays pour discuter avec Colt leurs idées d'améliorations du produit. Walker meurt en action en octobre 1847 et toute la série, militaire et civile, est surnommée Colt Walker en son honneur.

Les Civilian revolvers sont vendus par le commerce. Le numéro de série 1022 est acheté par un capitaine de marine Danois à un détaillant de New York City. Il est le seul de la première série commerciale à avoir encore sa boîte d'origine et est accompagné d'une garantie d'authenticité autographe par Samuel Colt lui-même. Il garde 50 à 60 % de sa finition bleu vif.

Cette pièce souvent décrite dans la littérature spécialisée est estimée $ 800K à vendre par Rock Island Auction Company à Rock Island IL le 13 avril, lot 60.

8 mars 2018

Les Pistes de Feu de Cai Guo-Qiang

Lorsqu'il lance en 1990 ses Projects for Extraterrestrials, Cai Guo-Qiang est paradoxalement un humaniste qui veut détruire symboliquement le Mur de Berlin et le Rideau de Fer. Artiste et pyrotechnicien, il utilise le feu à la fois créateur et destructeur dans son Land Art.

Le No. 10 est sa plus importante réalisation de cette phase, et la seule réalisée à cette époque en territoire Chinois. La Grande Muraille a la réputation d'être le seul monument visible de l'espace. Elle s'arrête à l'ouest à l'entrée du désert de Gobi. Cai installe dans ces dunes sèches une piste ondulante parsemée de cartouches pyrotechniques, sous le titre Project to extend the Great Wall of China by 10,000 meters.

Le happening a lieu le 27 février 1993 devant 40 000 spectateurs humains et une population non identifiée d'extra-terrestres. Le feu met quinze minutes à s'étendre sur les 10 Km, offrant dans le crépuscule la vision d'un extraordinaire dragon.

Comme Christo, Cai réalise pour le commerce des dessins préparatoires et des reproductions. En 2000 le Taipei National Museum of History lui commande un dessin de son Project No. 10 pour une exposition sur la Grande Muraille. Ce nouveau happening pyrotechnique sur encre et poudre est réalisé sur cinq papiers adjacents pour une dimension totale de 3 x 20 m.

Cette oeuvre a été vendue pour HK$ 20,5M incluant premium par Sotheby's à Hong Kong le 7 octobre 2007. Elle revient dans la même salle de vente le 31 mars, lot 1065 estimé HK$ 15M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

L'artiste artificier continue de proposer sa vision humaniste. En 2015 il met le feu en un superbe happening de 80 secondes à une échelle de 500 mètres qui monte vers le ciel, suspendue à un invisible ballon météorologique.

7 mars 2018

Le Silence Vert

A la fin de sa vie V.S. Gaitonde ne fait plus de différenciation entre sa propre existence et sa création artistique. Sa peinture exalte le silence au mieux de sa technique picturale qui atteint une perfection extatique inspirée du Zen. Le monde autour de lui est secondaire et il ne cherche ni à maintenir sa notoriété ni à identifier comment son art est apprécié par les autres.

Le 13 septembre 2017 Christie's a vendu pour $ 4,1M incluant premium une huile sur toile 140 x 102 cm peinte en 1996. Cette oeuvre abstraite apparaît comme une explosion de signes jaunes et oranges sur un fond vermillon, une réunion de couleurs rare pour Gaitonde qui peut apparaître comme l'ultime libération d'une énergie incandescente.

Sa technique de superposition de couches translucides apposées au rouleau avait anticipé Richter. Une peinture monochrome par Gaitonde reste d'une grande variété par les variations de la lumière.

1998 est sa dernière année créatrice. Une huile sur toile également 140 x 102 cm en nuances de vert est une invitation à suivre des symboles géométriques. Quatre fuseaux perpendiculaires entre eux créent des halos dans un léger biais. L'un d'eux dirigé vers le bas est prolongé par un autre symbole ouvrant comme une libération de forces. Quatre points génèrent un cadre intérieur virtuel.

Comme toutes les oeuvres tardives de Gaitonde, cet opus n'a pas reçu de titre. Elle a été vendue pour INR 6,6 crores incluant premium par Christie's le 11 décembre 2014. Elle est estimée INR 10 crores équivalant à US $ 1,6M à vendre en ligne à partir de Mumbai par AstaGuru, lot 30. La clôture de la vente est le 27 mars au matin à l'heure Indienne, 26 mars à l'heure Américaine. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

6 mars 2018

Descente de Baselitz aux Enfers

En 1961 Hans-Georg Kern est horrifié par la construction du mur de Berlin. La même année il prend comme pseudonyme le nom de sa ville natale dans la RDA désormais inaccessible pour lui et devient Georg Baselitz.

Les artistes n'ont pas de remède contre la Guerre Froide et la scission de Berlin. Baselitz considère que la destruction sociale est inéluctable. Il offrira la provocation et la vulgarité. Il prend comme emblème Pandemonium abrégé en P.D. et développe son art avec des images de fragments du corps et des couleurs blêmes. Il trouve son inspiration dans l'art et l'expression des malades mentaux, incluant Artaud.

En 1963 Baselitz s'attaque à la vanité des Idoles dans une série qui comprendra cinq opus. Le plus abouti est Oberon dont le titre marque bien la nocivité similaire du mystique et du légendaire. Quatre têtes chauves aux cous démesurés et au strabisme légèrement divergent sont disposées sur l'image. L'une d'elle est perpendiculaire aux autres, supprimant toute logique de position et de vie et anticipant ainsi les innombrables figures à l'envers de la suite de la carrière de l'artiste.

Les fantômes grotesques de Baselitz sont parfois comparés au Cri de Munch mais dans son cas les personnages sont muets. Seul l'artiste hurle.

Le 8 mars à Londres, Phillips vend P.D. Idol, huile sur toile 101 x 82 cm peinte en 1964, lot 17 estimé £ 1,5M. Le traitement cauchemardesque des couleurs de ce portrait asexué n'est pas loin de l'expressionnisme de Francis Bacon.

3 mars 2018

Un Bol en Porcelaine Noire

Depuis la dynastie Tang les fours Ding localisés dans le Hebei au nord-est de la Chine produisaient des pièces en céramique. Lorsque la porcelaine commence à concurrencer le jade pour l'usage impérial sous les Song du Nord, Ding est la plus importante provenance pour cette nouvelle technique. Les bols sont normalement empilés à l'envers pendant la cuisson, laissant le bord sans glaçure.

Les belles porcelaines Ding blanc crémeux deviennent usuelles et la cour exige toujours plus de raffinement. Les ateliers Ding ajoutent à leur savoir faire des bols en porcelaine noire permettant une agréable vision de l'écume du thé. L'activité des fours Ding n'est pas interrompue après l'invasion de la Chine du Nord par les Jin en 1125 CE.

Les potiers Ding savent embellir la porcelaine noire avec des effets colorés. Le 22 mars à New York, Christie's vend au lot 506 un bol conique de 19 cm de diamètre réalisé par les Song du Nord.

Sa glaçure est d'un noir dense et lustré. Elle est manquante sur la base et non sur le bord, un élément suffisant pour affirmer que sa fabrication a été particulièrement soignée. Le potier a réussi à éviter les déplaisantes taches rouges qui apparaissent parfois sur les pièces de cette technique.

Sa texture externe et interne est composée d'une pluie de très fines éclaboussures radiantes de couleur brun-roux qui peuvent évoquer des étoiles filantes. Une couleur presque identique transparaît sur les bords du bol où la glaçure est plus mince. Le seul exemplaire similaire connu est au National Palace Museum à Taipei. Il est moins bien.

Cette pratique du bol noir coloré sera développée plus tard de façon plus extensive dans les fours Jian des Song du Sud avec des textures décrites sous la désignation de fourrure de lièvre, poussière de thé, plumage de perdrix ou gouttes d'huile. Le processus de fabrication n'a pas été retrouvé. Un bol à gouttes d'huile des Song du Sud provenant de la même collection Japonaise que le bol de la prochaine vente a été vendu pour $ 11,7M incluant premium par Christie's le 15 septembre 2016.

Le bol de la prochaine vente a été acheté par son actuel propriétaire à Christie's en 2002 sur les conseils d'une antiquaire. Elle évoque les qualités sensationnelles de cette pièce dans la vidéo partagée par The Value.com Ltd.

Un Attractif Superman

Le grand tournant des comic books est le # 1 d'Action Comics édité en 1938 par D.C. Comics en 200 000 exemplaires, qui lance la prodigieuse carrière de Superman.

Le nombre d'exemplaires non réparés est inférieur à 50. Ce chiffre inclut les exemplaires conservés, qui ont fait l'objet d'un nettoyage par un professionnel pour assurer la longévité de ces fragiles papiers. Cette maintenance peut inclure un scellement des fentes sous les agrafes.

La gradation est assurée par CGC (Certified Guaranty Company) sur une échelle de 0.5 à 10.0. L'attrait visuel lié à la couleur du papier et à la beauté des couleurs est gradé par CVA (Comic Verification Authority) qui appose un autocollant infalsifiable sur l'étiquette CGC.

Les deux meilleurs Action Comics # 1 ont été gradés Very Fine / Near Mint 9.0. L'un d'eux a été vendu pour 2,161M sans frais acheteur applicable le 30 novembre 2011 par Comic Connect. L'autre a atteint $ 3,2M sur eBay en août 2014. Aucun de ces deux exemplaires n'avait le sticker CVA.

Les collectionneurs tiennent grand compte de l'attrait visuel. Un exemplaire gradé Fine - 5.5 dégradé de Very Fine - 7.5 à cause de défauts aux marges et aux agrafes a été vendu pour $ 960K incluant premium par Heritage le 4 août 2016. La couleur du papier est Cream to off-white.

Le 6 mars en ligne, Comic Link vend un Action Comics # 1, le premier lot de cette timed auction. Le très beau papier est off-white. Il est gradé Fine / Very Fine 7.0 Conserved par CGC et Exceptional par CVA.

2 mars 2018

La Longitude en Mer

Au XVIIème siècle la domination des mers est un enjeu politique majeur. Lorsque le bateau est en pleine mer la connaissance de sa position est vitale, d'une part pour contourner les écueils et d'autre part pour écourter les voyages et préserver ainsi l'équipage contre les famines et les maladies.

La latitude est facile à connaître par l'observation de la position du soleil à midi. La longitude est un casse-tête à tel point que les capitaines préfèrent suivre le méridien jusqu'à la latitude de leur point de destination avant de bifurquer.

En 1656 Christiaan Huygens construit la première horloge à pendule, avec une précision de 15 secondes par jour 60 fois meilleure que les garde-temps précédents. L'inventeur est ami avec les royalistes anglais exilés en Hollande. Le roi Charles II est restauré en 1660.

La Royal Society of London créée la même année se passionne pour le pendule de Huygens et pour une possible application à la mesure des longitudes. Le principe est connu : la comparaison de l'heure solaire apparente avec une référence de temps étalonnée au port avant le départ permet de connaître la distance angulaire parcourue par le bateau.

L'application en mer est extrêmement difficile en raison de la perturbation de l'horloge par l'agitation du bateau. En 1662 un des fondateurs de la Royal Society, Alexander Bruce plus tard 2nd earl of Kincardine, conçoit une amélioration de la stabilité de l'horloge de Huygens en suspendant le mécanisme à une boule de Cardan et en abaissant le centre de gravité de l'appareil.

Bruce fait réaliser deux horloges à La Haye par l'horloger Severijn Oosterwijck, un fournisseur préféré de Huygens. L'idée de la dualité est de réduire l'erreur de mesure en plaçant les horloges aux deux extrémités du bateau. L'un de ces instruments est détruit en mer pendant la livraison et Bruce fait faire en 1663 une horloge de remplacement par un horloger anglais.

Le capitaine en charge de l'expérience annonce d'excellents résultats qui ne convainquent ni Huygens ni la Royal Society. Le projet est stoppé en 1665. Les mécanismes des deux pendules de longitude de Bruce seront intégrés peu après dans des pendules domestiques où ils resteront incognito pendant plus de trois siècles.

Tous deux ont réapparu. Le mécanisme anglais est entré dans la collection du Royal Observatory. Le mécanisme Hollandais signé par Oosterwijck sera vendu dans sa caisse actuelle le 15 mars par Dreweatts à Donnington Priory dans le Berkshire, lot 108. Voici le lien vers le communiqué de presse.

1 mars 2018

Photographie sur Film de Cinéma

En 1911 Oskar Barnack est embauché par Leitz. Fondée au milieu du XIXème siècle, la société Optische Werke Ernst Leitz établie à Wetzlar est spécialisée dans la mécanique de précision pour instruments d'optique.

Au début du cinéma, le réglage du temps de pose est une difficulté. Pour faire des essais Barnack a l'idée en 1913 d'insérer un film souple de cinéma 35 mm en position horizontale dans un appareil photo. Il fait deux prototypes de ce Leca qui deviendra plus tard Leica (Leitz Camera). La position horizontale permet d'utiliser 8 perforations par image au lieu de 4 avec le déroulement vertical dans une caméra de cinéma. Le 24 x 36 mm est né.

Jusqu'à cette époque la pratique usuelle pour la photographie positive est le tirage par contact. Barnack aime les randonnées mais il est malade et doit éviter les lourdes charges. Il a l'idée de réutiliser son format miniature 24 x 36 mm. Les positifs seront réalisés par agrandissement. Il construit un troisième prototype entre 1918 et 1920.

Barnack persuade son patron Ernst Leitz II de poursuivre cette expérience innovante. Pour évaluer la faisabilité d'une production et tester le marché, Leitz autorise en 1923 une petite série de 31 exemplaires numérotés de 100 à 130, la Série 0 (Nullserie) du Leica. Il semble que certains de ces numéros n'aient finalement pas été attribués.

Le Leica 0 présente quelques modifications par rapport aux trois prototypes précurseurs notamment pour permettre de charger et décharger le film en plein jour. Le bouchon d'objectif est indispensable pour ne pas voiler le film pendant l'armement.

Le Leica 107 en état B- a été vendu pour € 1,32M incluant premium par WestLicht le 28 mai 2011 sur une estimation basse de € 350K. J'avais expliqué ce résultat en considérant que le Leica 0 est le rêve absolu pour tous les collectionneurs d'appareils photos. Le Leica 116 également en état B- a été vendu pour € 2,16M incluant premium le 12 mai 2012 par la même maison de ventes sur une estimation basse de € 600K.

En état B+ le Leica 122 est un des mieux préservés de la série. Le bouchon d'objectif, le viseur pliant et la peinture sont d'origine. Il est estimé € 700K à vendre par WestLicht à Vienne le 10 mars, lot 3 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.