Le Maître de Monaco

Après la saison 1992 la suprématie de McLaren est menacée : ils ont perdu leur moteur gagnant du fait du retrait de Honda de la Formule 1. Ils trouvent un compromis avec Ford Cosworth pour 1993 mais cela ne satisfait personne. Ford est en contrat avec Benetton à qui ils réservent leurs meilleurs développements technologiques, et le V8 Ford est nettement moins puissant que le moteur Renault des Williams.

La nouvelle McLaren à moteur Ford est désignée sous la référence MP4/8(A). Ayrton Senna a des doutes mais finit par accepter de rester avec McLaren. Il gagne deux des cinq premiers Grands Prix, incluant une victoire restée pour toujours exemplaire à Donington Park.

Pour le sixième Grand Prix de la saison à Monaco, la MP4/8 numéro 6 est attribuée à Senna. Il connaît bien ce circuit difficile sur lequel il a déjà gagné cinq fois, égalant le prestigieux record de Graham Hill.

McLaren n'a plus la meilleure voiture mais la compétence de ses équipes de développement à exploiter à l'extrême les tolérances des règlements, associée à la motivation légendaire de Senna, permet de concurrencer la Williams.

Pendant les essais libres la McLaren fait un tête à queue à 160 Km/h. Senna en sort sain et sauf grâce à la conception sécurisée du cockpit McLaren. L'accident avait été généré par une erreur d'instruction  automatique de la nouvelle suspension active. A ce niveau la conduite est un ré-apprentissage permanent même pour un pilote aussi expérimenté que Senna.

Senna savait commenter ses états psychiques. Il a eu très peur. L'accident a eu lieu le jeudi. Senna continue avec la même voiture qui n'a pas été endommagée. Le dimanche il a intégré mentalement les conséquences de l'accident et gagne pour la sixième fois de sa carrière le Grand Prix de Monaco.

Il conduit la même voiture dans six autres Grands Prix, mais sans victoire. Alain Prost est champion du monde 1993 avec la Williams-Renault.

La MP4/8A/6 est restée authentique, incluant le moteur et la boîte de vitesse de sa victoire à Monaco. Elle revient dans la Principauté pour être vendue le 11 mai par Bonhams, lot 119.

L'image de cette voiture pilotée par Senna à Hockenheim est partagée par Wikimedia avec attribution : By Runmatze~commonswiki / Landmensch [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) or CC-BY-SA-3.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/)], from Wikimedia Commons

How much would you spend for Ayrton Senna’s final Monaco Grand Prix winning McLaren? #gwflatout pic.twitter.com/o4rAubDlm0

— Goodwood Road&Racing (@GoodwoodRRC) February 15, 2018

Génie Inconnu à Los Angeles

En mars 1983 Larry Gagosian expose des oeuvres de Jean-Michel Basquiat dans sa galerie à West Hollywood. Quelques mois plus tard l'artiste tente l'aventure Californienne et installe son atelier à Venice. Il échappe ainsi temporairement à New York où il ressentait la difficulté de transformer son talent en une gloire durable. Basquiat se mêle peu à la vie mondaine : il est venu à Los Angeles pour travailler.

Une nuit dans la cour de son atelier, Jean-Michel rencontre un clochard. La palissade n'avait donc servi à rien. Elle serait plus utile comme support de ses peintures. Il la démonte et réutilise les lattes jusqu'à épuisement de cette source. C'est un moyen simple et astucieux de donner à son travail une caractéristique supplémentaire du street art. Plus tard à New York il achètera des planches pour continuer cette nouvelle pratique en incluant des tags.

Le 17 mai à New York, Phillips vend au lot 5 Flexible, acrylique et oilstick 259 x 191 cm peint à Venice en 1984 sur bois horizontalement parqueté.

Le personnage Africain-Américain plus grand que nature à la peau transparente est un alter ego de Jean-Michel. L'avant-bras gauche est démesurément allongé pour rejoindre la main droite en formant un cadre au-dessus de la tête. La tête très droite est fière, exprimant l'envie de gloire de l'artiste.

Flexible est le chef d'oeuvre de cette phase de transition. Une photo de 1986 montre l'artiste assis sur un cube décoré avec en fond d'atelier l'imposant Flexible. Cette peinture a été conservée jusqu'à maintenant dans sa succession par ses soeurs. Le communiqué de presse du 28 mars annonce une estimation au-delà de $ 20M. L'image est partagée par WikiArt "for fair fuse" sous copyright de Jean-Michel Basquiat.

Les Précieuses Secondes de Walter Lange

La société A. Lange u. Söhne fondée en 1845 fabriquait des montres de luxe à Glashütte près de Dresde. Le jeune Walter Lange, arrière-petit-fils du fondateur, était fier du travail de ses ancêtres et plus particulièrement d'une complication brevetée consistant à ajouter à la trotteuse une deuxième aiguille pour les secondes avec un mécanisme de démarrage et d'arrêt, en quelque sorte un précurseur du chronographe moderne.

Le bombardement de Dresde a mis fin au rêve de Walter Lange. La société a continué sans lui, avec des produits médiocres. En 1990, juste après la réunification de l'Allemagne, il l'a recréée avec un autre ingénieur sans changer le nom, avec une première collection en 1994. A. Lange u. Söhne a rapidement trouvé sa place parmi les meilleurs fabricants de montres à grande complication, incluant les tourbillons.

Walter Lange est mort en janvier 2017. Ses ingénieurs se sont mis immédiatement au travail pour lui rendre hommage avec un nouveau calibre intégrant sa complication favorite et nommé L1924 par référence à l'année de sa naissance. Le nouveau modèle 1815 - Homage to Walter Lange a été révélé en janvier 2018 avec un plan de production de 262 pièces en intégrant les trois qualités d'or, blanc, rose et jaune.

Un exemplaire unique a également été construit en acier inoxydable, une matière que la marque utilise très rarement. Son cadran en émail noir est également unique. Cette montre sera vendue le 13 mai par Phillips à Genève au lot 233, entièrement au bénéfice de la charité Children Action.

A Detailed Look at the A. Lange & Söhne 1815 ‘Homage to Walter Lange’ in Steel by @SJXwatches. Full story: https://t.co/tMvBVec42x pic.twitter.com/3UGioo8zaw

— PHILLIPS Watches (@phillipswatches) April 26, 2018

Entrée vers la Lumière

Avec son schéma immuable de blocs, Mark Rothko va encore plus loin que Malevitch dans l'élimination du figuratif et du narratif. Ses couleurs cherchent à se repousser l'une l'autre dans une confrontation dramatique qui est à chaque fois différente. Les exceptions méritent une explication.

Le No. 7 de 1954, huile sur toile 229 x 149 cm, a été vendu pour $ 21M incluant premium par Christie's à New York le 13 novembre 2007. Il revient dans la même salle de vente au lot 34 B le 17 mai. Le communiqué de presse du 20 avril annonce une estimation autour de $ 30M.

No. 7 est bien décrit par son sous-titre habituel qui n'annonce pas de couleur : Dark over Light. Un autre sous-titre parfois utilisé est White and Black on Red. Les deux blocs sont centrés mais le bloc supérieur noir est plus large que le bloc inférieur blanc. Cette partie sombre est très homogène en densité, ce qui est également inhabituel.

Un arrangement d'exposition justifie ces caractéristiques spécifiques.

Rothko composait très soigneusement ses oeuvres mais il prévoyait aussi leurs rôles respectifs. Il fallait que le visiteur soit capté dès son entrée dans la salle, sans que son attention soit attirée par des décorations ambiantes. En 1957 à Houston, Rothko accroche ce No. 7 dans la première salle. Le visiteur est attiré par la lumière intense émanant de cette fausse fenêtre blanche. Le noir a peu d'importance et sert essentiellement de faire valoir.

No. 7 n'était pas le meilleur Rothko dans la vente de novembre 2007. Une oeuvre plus petite mais plus orthodoxe datant de l'année suivante avait été vendue pour $ 34M incluant premium. Elle a été ensuite vendue pour $ 56M incluant premium par Phillips le 15 mai 2014.

Christie’s $30m Rothko from 1954 for May https://t.co/ELYBV8ZLBt pic.twitter.com/z1cqRBNmyw

— Art Market Monitor (@artmarket) April 20, 2018

La Bande des Treize

En 1964 la World's Fair de New York est dédiée aux progrès, comme toutes les autres. Plusieurs artistes sont invités à décorer le mur extérieur du pavillon de l'Etat de New York. Ce sera la première et dernière commission publique attribuée à Andy Warhol, la suite de l'histoire montre bien pourquoi.

Les préoccupations de Warhol vont à l'opposé de l'optimisme requis. Il a commencé l'année précédente ses Death and Disaster exhibant le mauvais côté de l'Amérique. Il ne peut tout de même pas installer ses chaises électriques ou ses accidents de voitures sur ce mur qui sera vu du grand public. Il ne choisit donc pas la chaise vide mais le portrait de celui qui pourrait y monter.

Un ami lui a procuré un livret de police avec les photos des treize bandits les plus recherchés et une brève catégorisation de leur crime. Chaque malfaiteur a ses deux photos de police, de face et de profil, tramées pour une impression en grande quantité. Andy réalise des sérigraphies géantes 125 x 97 cm de ces petites images.

Il assemble son mur en cinq rangées de cinq colonnes qui forment un ensemble déroutant. Les couples de photos sont soit ensemble soit éparpillées pour un total de 22 images. Le spectateur pourra jouer à chercher quelles figures sont montrées une seule fois. Les trois positions en bas à droite sont vides selon le style qu'il avait précédemment utilisé dans les Car crash.

Après concertation avec les organisateurs, Andy recouvre tout cela par une couche opaque de peinture argent. L'image murale disparaît juste avant l'ouverture de l'exposition. Plusieurs hypothèses ont été émises. Je dirais que le FBI ne pouvait pas laisser un artiste faire un travail de police.

Un peu plus tard dans la même année Warhol édite les portraits des treize bandits, en image simple ou en diptyque, en reprenant la numérotation du carnet de police. Le 17 mai à New York, Christie's vend au lot 15 B un diptyque du Most Wanted Men No. 11, John Joseph H., Jr.

Dans ce sinistre trombinoscope, le voleur John Joseph est un des plus déroutants car il apparaît comme un homme ordinaire, jeune et beau. Auteur d'une attaque en bande à mains armées dans un débit de boisson, il a indisposé la police en s'évadant avant son procès. Il reste un homme : s'il est attrapé, faut-il l'exécuter ?

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

Andy Warhol’s Most Wanted, No. 11 at Christie’s for $30m This May https://t.co/T4OdLvuStK pic.twitter.com/jj9xpxrHxu

— Art Market Monitor (@artmarket) April 6, 2018

L'Art Purifié par Malevitch

Boccioni avait voulu un art global avec une figuration estompée dans de multiples facettes. Kandinsky, Léger et un peu plus tard Mondrian exploraient encore les frontières entre le figuratif et l'émotionnel. Malevitch est incontestablement le tout premier à purifier l'art en le libérant de toute interprétation de sujet ou d'objet.

La seconde exposition de son groupe, de mi-décembre 1915 à mi-janvier 1916, inclut le Carré Noir sur Fond Blanc, premier grand choc de cet art nouveau. L'objectif de Malevitch est esthétique. Il trouve pour cette nouvelle approche la désignation de Suprématisme.

Le Carré noir est son premier drapeau mais il ne suffit pas. L'émotion ne doit pas être apportée seulement par la liberté des éléments mais aussi par les couleurs. Peinte en 1915, la 18ème Composition est un empilage sans transparence de formes quasiment rectangulaires dans des couleurs variées. Cette oeuvre invite déjà à tourner la toile pour une observation dans les quatre orientations possibles. Elle a été vendue pour £ 21,5M incluant premium par Sotheby's le 24 juin 2015.

Après la clôture de l'exposition 0.10 en janvier 1916, Malevitch redémarre sa recherche de l'expression ultime des couleurs. Composition Suprématiste, huile sur toile 89 x 71 cm peinte en 1916, a été vendue pour $ 60M incluant premium par Sotheby's le 3 novembre 2008. Elle sera vendue par Christie's à New York le 15 mai, lot 12 A.

Je l'avais décrite et commentée comme suit en 2008 :

La peinture à vendre ne produit même plus une illusion : c'est une composition basée sur environ cinquante poutres colorées réparties sur un fond blanc. La taille, les proportions et les couleurs sont variées. Les positions angulaire montrent une opposition entre la grosse poutre violette et la plupart des autres.

Malevitch a réussi ici son approche d'un art qui échappe complètement à la nature et au sentiment, pour retenir uniquement l'esthétique de la couleur et de la géométrie. Il voulait que son art soit compréhensible de la même façon dans tous les pays.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's. L'image est partagée par Wikimedia.

Le Chat qui marche

L'univers existentialiste d'Alberto Giacometti a été démarré avec sa Trinité en 1947. L'artiste devra ensuite compléter cette mise en scène. L'Homme au doigt n'y survit pas, laissant face à face l'Homme qui marche et la Femme debout. La signification d'organes isolés comme la Main ou le Nez est plutôt hermétique. Alberto prépare des mises en scène comme la Forêt, la Clairière ou la Place. Le Buste de Diego est en position d'idole.

L'être humain n'a pas le monopole de l'existence. En 1951 l'artiste décide d'ajouter les animaux. Ce thème ne l'excite pas : il ne fera pas l'arche de Noé et démarrera par quelques spécimens familiers, le chat, le chien et un groupe de deux chevaux. On dit qu'il a réalisé les trois plâtres dans la même journée.

Les chevaux sont trop gros pour rester dans l'atelier. La pluie les rend à la glaise. Il ne recommencera pas. Le Chien à la fois filiforme et squelettique est laid. La tête penchée pour flairer, il n'a ni dynamisme ni prestance. Alberto dira un jour à Genet qu'il a voulu s'identifier à ce triste chien des rues. On le croit ou pas.

Le Chat a une meilleure personnalité. Il est construit sur une horizontale de 81 cm montée sur ses deux paires de hautes pattes en position de marche. La lourde tête dans l'alignement du corps filiforme exprime l'envie d'aller de l'avant.

Des bronzes du chat et du chien ont été édités. Le chien n'a jamais été populaire aux enchères. Un chat édité par Susse en 1955 et provenant de la collection Brody a été vendu pour $ 21M incluant premium par Christie's le 4 mai 2010. Il est estimé $ 20M à vendre par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 23. Dans la même vente en 2010 la Grande tête mince a été vendue pour $ 53M incluant premium.

Cette expérience animale est la seule tentée par Alberto. Il laissera complaisamment à Diego ce thème qui ne l'intéressait pas.

Un Portrait pour Quinze Francs

Amedeo Modigliani a cessé de pratiquer la sculpture en 1914. Il peint les portraits des artistes de Montparnasse, avec des têtes déformées par le cubisme. En 1916 Zborowski prend sa carrière en mains, ajoutant ses nombreux amis à la liste des modèles.

Modigliani était un dessinateur prolifique. Il avait appris pendant ses études à dessiner très vite. Proche des conceptions de l'Académie de la Grande Chaumière où il rencontrera bientôt Jeanne, il sait réaliser des études de nus féminins avec rapidité dans des poses où le naturel prévaut sur le conventionnel.

Zbo organise les peintures de nus par Modi. Il choisit des jolies femmes qu'il mène dans un appartement-atelier où il a installé Modigliani. L'artiste est payé 15 francs par jour et le modèle 5 francs par séance.

La suite est facile à imaginer. La femme a gagné ses 5 francs et est pressée de partir. L'artiste a peu de temps. Sa peinture est basée sur un dessin qui apporte à ses meilleures images une grande spontanéité. La peau nue cloisonnée par le trait est peinte avec une couleur chaude. La femme est couchée ou assise sur le lit, très simplement, sans décor et sans effet narratif.

Un Nu couché sur le côté, huile sur toile 90 x 147 cm peinte en 1917, a été vendue pour $ 27M incluant premium par Christie's le 4 novembre 2003. Elle sera vendue par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 18. Le communiqué de presse annonce une estimation au-delà de $ 150M. Elle est la plus grande peinture de cette série et le seul nu couché de Modigliani montré avec toute l'étendue de ses bras et de ses jambes.

L'attitude est peu érotique. La femme est vue de dos. La tête tournée pour regarder l'artiste et la bouche hermétiquement fermée indiquent une certaine impatience.

Le 9 novembre 2015, Christie's a vendu un Nudo Rosso 60 x 92 cm pour $ 170M incluant premium. Cet autre nu couché daté 1917-1918 semble effectivement ultérieur par un trait plus doux, une couleur encore plus chaude et aussi une attitude décontractée de ce modèle qui exhibe tous ses charmes de face.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

L'Angoisse du Marin

Tout va mal pour Picasso à l'automne 1943 dans Paris occupé. Le message de Guernica contre les totalitarismes était clair et il ne le reniera jamais. Son choix de rester à Paris est téméraire. En septembre une lettre administrative l'invite à se préparer pour le Service du Travail Obligatoire qui est une déportation sur le sol allemand.

Cette année-là Picasso est très occupé par la sculpture. Quand Brassaï entre dans son atelier pour faire des photos, il est ébloui par la Tête de mort, plus grande que nature. Le crâne est presque vivant avec ses orbites vides et son nez aplati. Ce thème montre bien les idées noires de l'artiste. Peut-être même est-ce un autoportrait.

Le 15 mai à New York, Christie's vend au lot 8 A Le Marin, huile sur toile 129 x 81 cm datée du 28 octobre 1943. Le communiqué de presse du 30 mars indique une estimation autour de $ 70M.

Une fois passée les ambitions de sa jeunesse, Picasso laissait généralement le doute sur l'identité de ses personnages. Il a cependant très rapidement admis que ce marin est un autoportrait.

L'homme en buste plus grand que nature est vêtu d'un pull marin, qui n'est pas seulement descriptif de ses habitudes vestimentaires : Pablo coincé à Paris se languit de sa chère Méditerranée qu'il ne reverra peut-être jamais. Toute son expression est triste, renforcée par les cernes des yeux.

Un an plus tard Paris vient tout juste d'être libéré. Le Marin, symbole de l'art de guerre, est une pièce majeure du Salon d'Automne. Appartenant plus tard à la collection Ganz, elle a été vendue pour $ 8M par Christie's le 10 novembre 1997. Dans cette vente la version O des Femmes d'Alger a été vendue pour $ 32M incluant premium.

Christie’s in New York is privileged to offer Pablo Picasso’s 'Le Marin,' 28 October 1943 in the May 15 Evening Sale of Impressionist and Modern Art.https://t.co/MNO3ShOAAd pic.twitter.com/oE3LsedhGU

— Christie's (@ChristiesInc) March 30, 2018

La Tête sans Visage

Etre une muse de Brancusi n'était pas une tâche difficile. Il avait rencontré très brièvement Margit Pogany en 1910 mais la forme de sa tête lui avait plu et l'inspira jusqu'au milieu des années 1920.

Les têtes sculptées par Brancusi ne sont pas abstraites. Il considère que tout ce qui déborde, essentiellement le nez et les oreilles, est inconvenant pour exprimer la réalité profonde d'un portrait. Il réduit progressivement ces excroissances à des ciselures de surface puis les enlève complètement.

Vers 1925 il réalise un buste en bois de 55 cm de haut sur le thème de La Jeune Fille Sophistiquée. Il prend comme modèle Nancy Cunard, sans le lui dire. Héritière des armateurs Cunard, elle mène une vie excentrique qui symbolise bien les années folles dans les cercles littéraires et artistiques Parisiens. Elle est sexuellement libérée et anarchiste, et ses accoutrements sont inspirés par l'Afrique.

La tête presque abstraite est un portrait. En comparant avec les photos de l'époque, on reconnaît par devant le front bombé et le menton fuyant, et par derrière la nuque raide. Cette muse dérangeante fait toujours sur les photos une moue désagréable que l'on croit revoir sur les rares incisions de la sculpture. Le chignon noué est une évocation de son habitude de porter des couettes.

Brancusi réalise un plâtre en 1928 puis un unique bronze poli en 1932. Ce bronze est resté installé sur la base en marbre conçue par l'artiste, pour une hauteur totale de 80 cm. Il sera vendu au lot 19 A par Christie's à New York le 15 mai. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Nancy Cunard a découvert tardivement qu'elle avait servi de modèle pour cette oeuvre. Après avoir longuement hésité pour son interprétation entre un buste et un torse, elle a exprimé son admiration pour l'artiste.

Bought for $5000 in 1955, this #Brancusi sculpture is now estimated at $70 million https://t.co/37DopdxFuL via @luxury #artmarket @ChristiesInc pic.twitter.com/MQ4Pj0beaN

— Katya Kazakina (@artdetective) March 27, 2018

Un Hurlement Mexicain

A la différence d'Orozco, Rivera et Siqueiros, Tamayo ne veut pas illustrer la révolution. S'appuyant sur ses origines Zapotèques, il cherche à exprimer dans son art les racines et les particularités du peuple Mexicain. Comme Lam à Cuba, ses origines sont mêlées. Comme Lam, il trouve la solution dans une adaptation de l'art moderne à son propre message.

L'expression picturale n'a pas besoin d'une palette chatoyante. Tamayo réduit sa peinture à des couleurs pures et sombres, en un équilibre unique en son genre qui aurait pu le mener de façon durable à l'abstraction.

Le Guernica de Picasso est mis à l'abri des censures politiques au MoMA depuis 1939. Tamayo est à New York depuis 1937. La guerre en Europe ne peut pas le laisser indifférent. Guernica inspire son propre cri d'angoisse, dans son inimitable style de couleurs.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Perro aullando a la Luna, huile sur toile 112 x 86 cm peinte en 1942, lot 25 estimé $ 5M.

Le chien rouge sombre est assis dans la nuit bleue, plus grand que nature. Il hurle comme le cheval de Guernica bien qu'aucune menace ne soit visible. La gorge tendue laisse apparaître les veines gonflées par le cri. Les beaux os posés devant lui comme des offrandes ne le calment pas.

Le chien de Tamayo n'est cependant pas un chien de Guernica. Des représentations de chiens hurlants existaient dans l'Amérique pré-Colombienne que Tamayo connaissait bien : il avait commencé sa carrière à Mexico en 1921 dans le département de dessin ethnographique du musée d'archéologie.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's :

La Répétition de l'Aube

Claude Monet est obsédé par les variations subtiles des couleurs. La rivière toute proche de sa propriété de Giverny offre la tranquillité totale dont il a besoin pour des expériences sans précédent. Avec la série des Peupliers en 1891, il installe plusieurs chevalets en parallèle et passe d'une toile à l'autre en fonction des modifications de la lumière.

Les Peupliers, tout comme Les Meules en 1890-1891 et les Cathédrales de Rouen achevées en 1894, traitent toutes les heures de la journée, offrant des contrastes trop importants entre les peintures de la série. Le succès de ces trois ensembles auprès du public est considérable mais le résultat esthétique ne peut pas satisfaire pleinement l'exigeant artiste.

Pendant l'été 1896 Monet se lève tous les jours à 3H30 du matin, installe jusqu'à 14 toiles en parallèle avec l'aide d'un assistant toujours au même endroit au confluent de l'Epte et de la Seine, peint la dissipation des brumes au lever du jour et s'en va. Le titre de la série est Matinée sur la Seine. Certaines toiles sont panoramiques mais d'autres sont carrées, ce qui est une audace pour un paysage.

Il n'a pas de chance. L'été et le début de l'automne sont très pluvieux. Il n'achève que quatre peintures à la fin de cette saison. L'une d'elles, 89 x 92 cm, a été vendue pour $ 5,7M incluant premium par Sotheby's à New York le 9 novembre 2000. Elle y revient le 14 mai, lot 15 estimé $ 18M. Le temps maussade apporte de doux contrastes sans boucher les ombres.

Monet revient à la même place en 1897 sans rien changer à son processus créatif de l'année précédente, portant le total des Matinées à 22 peintures. L'une d'elles sur laquelle le soleil perce sur les arbres de l'arrière-plan, également 89 x 92 cm, a été vendue pour $ 23,4M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2017.

A highlight of #SothebysImpMod Evening Sale in #NYC, Claude Monet's Matinée sur la Seine is now on view in London. Stop by 34-35 New Bond Street through 5pm GMT tomorrow to visit this dreamlike scene and head over to our website to learn more: https://t.co/5MHWXEdwzu pic.twitter.com/cSZJwSAYcf

— Sotheby's (@Sothebys) April 9, 2018

La Fantaisie Dorée de Jim Street

En 1951 les frères Barris créent une affaire de customizers d'automobiles, adaptant sur commande des voitures de modèles commerciaux.

Les très longs chassis des voitures Américaines de cette époque font rêver George Barris. Quand il encastre par accident sa Lincoln Capri 1953 toute neuve sous une charrette à foin, le toit est irrécupérable mais le reste de la voiture n'a pas été endommagé.

Ce véhicule servira à construire un de ses premiers chefs d'oeuvre. Ce projet est soutenu par Jim Street, un jeune homme d'affaires de l'Ohio qui a des ambitions promotionnelles. La voiture devra être exubérante à l'extérieur et inattendue à l'intérieur.

Sa carrosserie futuriste qui n'a plus rien à voir avec une Capri est entièrement peinte en doré et blanc, incluant une préparation à base d'écailles de sardines qui lui donne à ses débuts une odeur de poissonnerie. L'intérieur est équipé comme un appartement, avec un bar et sa glacière, un téléviseur, une radio et un magnétophone. Barris la nomme la Golden Sahara. La presse spécialisée la désigne comme la $ 25 000 custom car.

De 1954 à 1956 la Golden Sahara est le démonstrateur du savoir-faire de Barris et commence à être célèbre. En 1956 Jim Street a compris sa profitabilité. Conformément aux engouements de son temps il décide de la robotiser au maximum, avec des fonctions télécommandées comme la mise en marche et le mouvement sans personne à bord, l'ouverture des portes à distance, ou carrément saugrenues comme la suppression du volant.

Jim Street nomme désormais sa voiture la Golden Sahara II. Il la loue à des vendeurs de voitures pour attirer la foule dans leurs salles d'expositions après des annonces dans la presse locale où elle est décrite comme la $ 75 000 futuristic car.

Le succès s'amplifie. En 1960 la Golden Sahara II joue la voiture de rêve dans le film Cinderfella où Jerry Lewis est un avatar masculin de Cendrillon. En 1962 Jim Street lui même fait la démonstration de sa voiture dans l'émission de télévision I've got a secret. Quelques années plus tard il comprend que les profits liés à cette voiture ont fait leur temps. Il l'escamote, sans communiquer.

Pendant un demi-siècle la Golden Sahara II est perdue. Elle est pourtant à une place qui lui est parfaitement logique, le garage privé de Jim Street. Réapparue dans la succession de l'homme d'affaires, elle sera vendue sans prix de réserve par Mecum à Indianapolis le 19 mai, lot S 113. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par CC Car Curiosity, largement inspirée par le catalogue de la maison de ventes.

Eurasie en Cloisonné

La complication des Heures Universelles (HU) est plus spectaculaire qu'utile. Elle a été inventée par Louis Cottier en 1937, quand les progrès de l'aéronautique et des télécommunications laissaient prévoir une mondialisation des affaires. La généralisation de l'heure d'été pendant la crise du pétrole des années 1970 rend ce concept obsolète. Son réglage mécanique est désuet à l'âge du circuit intégré.

Patek-Philippe n'avait pas d'exclusivité sur le brevet Cottier mais a continué jusqu'à nos jours à proposer des variantes HU pour le prestige. En 2016 j'avais groupé l'annonce de deux montres utilisant ce système. La 2523 HU avait été vendue pour HK$ 19.5M incluant premium par Phillips le 31 mai.

Après les éphémères références 96 HU et 515 HU que Patek-Philippe a utilisées pour développer le concept, la référence 1415 HU lancée dès 1939 marque une stabilisation de cette offre. 115 pièces ont été construites. La 1415 HU a été remplacée par la 2523 HU à double couronne lancée en 1953.

Lancée en 1948 la très rare 1415 HU DE est un raffinement esthétique. DE signifie Décor Email. Le cadran est illustré d'un décor cloisonné.

Deux 1415 HU DE avec des numéros de série consécutifs ont été préparées en 1949 avec la carte de l'Eurasie. La montre discutée dans cette chronique en 2016 avait été vendue à son premier client en 1954, ce qui montre bien qu'il ne s'agissait pas d'une commande spéciale. Elle a été vendue pour $ 730K incluant premium par Sotheby's le 8 juin 2016, lot 213, et est estimée CHF 700K à vendre par Phillips à Genève le 13 mai en association avec Bacs et Russo, lot 268.

Advertisements from the period describe the world-time complication as indispensable for the man with international interests. This beautifully preserved Patek 1415 will be offered through @phillipswatches in their Geneva Watch Auction: Seven, this May. https://t.co/SCd7ZNFdlu pic.twitter.com/F40tHBK9UZ

— A Collected Man (@A_Collected_man) April 10, 2018

La Montagne Sacrée de Georgia O'Keeffe

L'art de Georgia O'Keeffe explore des voies nouvelles. Elle commence par être une pionnière de l'art abstrait mais cela ne la satisfait pas. Cette fille d'un producteur laitier du Wisconsin veut être proche de la nature. Elle développe deux thèmes opposés lors de ses séjours à Lake George, dans des compositions architecturées : le paysage grandiose et le détail intime de la fleur.

Lors d'une visite touristique dans l'ouest, Rebecca Strand a une intuition : son amie Georgia saura exprimer la puissance sauvage des collines ondulantes du Nouveau Mexique. En 1929 les deux femmes quittent New York City et leurs maris pour un premier séjour de longue durée à Taos. Elles y retourneront pendant plusieurs étés consécutifs.

Georgia est immédiatement séduite par ces paysages purs qui ne sont pas souillés par la végétation. Dans une vision spontanément Humboldtienne, elle accorde une existence biomorphique à ces terres arides inondées par la lumière du soleil.

Ses premières peintures à Taos exaltent cette découverte formelle sans altérer les couleurs. On the Old Santa Fe Road, huile sur toile 41 x 76 cm peinte en 1930-1931, a été vendue pour $ 5,1M incluant premium par Sotheby's le 20 novembre 2014 sur une estimation basse de $ 2M.

Dans un style d'une pureté similaire, une vue des collines de sable près de Taos, huile sur toile collée sur panneau 45 x 61 cm peinte en 1929, est estimée $ 2M à vendre par Christie's à New York le 9 mai, lot 406.

Dans la même vente le lot 404 estimé $ 3M est une vue de la chaîne de montagne près d'Abiquiu, huile sur toile 41 x 91 cm peinte en 1931. Revenant plus tard sur ce site, Georgia en est tellement enchantée qu'elle s'y installera de façon permanente. Elle dira avec beaucoup d'humour : "It's my private mountain. It belongs to me. God told me if I painted it enough, I could have it".

Mains Croisées sur le Clavier

Le piano à quatre mains est une invitation à renforcer l'empathie entre les deux joueurs. Mozart fut le pionnier de cette pratique. Composée en 1786 la sonate en fa majeur K.497 constituée de trois mouvements adagio, andante et allegro est considérée comme son chef d'oeuvre dans ce genre de musique galante.

La référence K.357 s'applique à une sonate inachevée en sol majeur composée d'un allegro et d'un andante, pour une durée d'exécution autour de 13 minutes.

Le 22 mai à Londres, Sotheby's vend un fragment manuscrit autographe de cet allegro K.357 (497a). Ce document en quatre feuilles en format oblong 23 x 32 cm est estimé £ 300K, lot 20.

Ces pages de trois fois quatre portées présentent une caractéristique qui confirme que Mozart était tenté par les plus extrêmes difficultés : la main droite du joueur de gauche et la main gauche du joueur de droite doivent se croiser. On suppose que Mozart voulait jouer cette sonate lui-même en charmante compagnie.

Koechel avait supposé pour cet opus une création en 1786 mais n'avait pas pu inspecter le manuscrit autographe. Le papier utilisé le positionne plutôt entre fin 1787 et 1789.

On ne connaît pas les circonstances de cette création. Depuis sa première édition en 1796 elle est associée à l'andante K.357 (500a) mais la connection entre ces deux mouvements a été réfutée.

Eléments et Almageste

Les grands auteurs scientifiques de l'antiquité étaient des compilateurs, s'appuyant sur les connaissances de leurs prédécesseurs.

L'exceptionnelle clarté et la logique irréfutable des Eléments d'Euclide ont créé un chef d'oeuvre éternel de la littérature scientifique et pédagogique. Son apport de recherche personnelle est certainement très important mais n'a pas pu être identifié. Le Mathematike Syntaxis de Ptolémée est un peu différent parce que l'auteur lui-même a construit un modèle planétaire en associant des considérations géométriques aux mouvements apparents des planètes.

Les connaissances de l'antiquité auraient été perdues à jamais au Moyen-Age si elles n'avaient pas intéressé les Arabes. Ces textes sont traduits et font l'objet de très nombreux manuscrits sous forme complète ou abrégée, souvent avec des commentaires. Des traductions différentes sont également préparées après des relectures des textes survivants. De véritables éditions manuscrites sont effectuées.

Mandatés par les Califes, de grands auteurs font ainsi revivre les textes antiques fondamentaux. Euclide et Ptolémée ont tous deux été retravaillés par al-Hajjaj, Ishaq ibn Hunayn et Thabit ibn Qurra. Le livre de Ptolémée prend le titre Arabisant sous lequel il est encore désigné actuellement, l'Almageste.

Le 25 avril à Londres, Sotheby's vend deux manuscrits Arabes du VIIème siècle AH, estimés £ 200K chacun.

Le lot 30 est une version éditée des Eléments d'Euclide, avec les dessins des figures et de nombreux commentaires. Une origine Egyptienne est annoncée comme probable. L'ancienneté du papier est confirmée par analyse au carbone.

Le lot 31 est une version abrégée de l'Almageste, réalisée en Perse et datée 671 AH correspondant à 1272 CE. Le raisonnement scientifique est complet et conforme à la démarche de Ptolémée mais le texte a été simplifié, peut-être pour des raisons pédagogiques. Aucun autre exemple de ce texte abrégé n'est connu.

La Troisième Génération de Pininfarina

Jusqu'aux années 1960 les séries limitées de très haute performance ont fait le bonheur des clients les plus exigeants de Ferrari. En créant en 2007 une division pour les Special Projects, Ferrari modernise cette tradition.

Pininfarina est resté un des sous-traitants les plus appréciés de Ferrari. Battista est mort en 1966. Son fils Sergio prend sa retraite en 2001. Après la mort accidentelle du fils aîné de Sergio, le second fils dirige l'entreprise.

Sergio Pininfarina meurt en 2012. Le concept car Ferrari Sergio lui rend hommage l'année suivante au Salon de l'Automobile de Genève. Elle a été construite sur un châssis de Ferrari 458 avec une carrosserie conçue et construite par Carrozzeria Pininfarina dans le goût de Sergio, avec une nouvelle recherche de pureté des lignes.

En 2014 Ferrari lance la production de six exemplaires de la Sergio après avoir fait les modifications requises pour l'homologation routière. Comme toujours pour les séries limitées, la marque choisit ses clients. Au même moment Ferrari abandonne le moteur atmosphérique en faveur du moteur turbo. La Sergio apparaît ainsi comme l'ultime apogée du moteur V8 atmosphérique.

La première des six Sergio commerciales est dévoilée au Salon de Genève en 2015. Avec 200 Km au compteur, elle est estimée € 2,5M à vendre par RM Sotheby's à Monaco le 12 mai, lot 145.

🚗L'entreprise @RMSothebys met aux enchères une des six @ScuderiaFerrari Sergio jamais construites https://t.co/ObZjm2EoiZ pic.twitter.com/x6tqaHW5CP

— relaxnews (@relaxnews) April 19, 2018

L'Inventeur du Cros-Parantoux

Vigneron à Vosne-Romanée, Henri Jayer exploitait des parcelles des Grands Crus Classés Richebourg et Echézeaux. Il prônait une vinification qui soit la plus naturelle possible avec sélection calibrée des raisins, séparation mécanique des fruits et des tiges avant le broyage, ainsi qu'une phase de macération avant la fermentation, et sans filtrage.

Jayer avait aussi des ambitions concernant un tout petit vignoble qu'il avait assemblé en pinot noir à Cros-Parantoux. Ses confrères n'en voulaient pas parce que le sol plus rocailleux n'était pas propice à un bon rendement. Sa position plus élevée en altitude que Richebourg était cependant idéale. Jayer a compris qu'il pouvait faire le meilleur vin du monde sur ce terrain de 1,01 hectare.

1978 est une année très favorable pour les Côtes-de-Nuits, avec un été peu ensoleillé et un automne parfait. Jayer en profite pour ajouter à son catalogue le Cros-Parantoux, titrant 13,5 %.

La marque Henri Jayer est remplacée en 2002 par Domaine Emmanuel Rouget exploitée par son neveu. Le 10 février 2012 la vente de son cellier privé par Christie's a rapporté en tout HK$ 66M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 20M. La provenance est essentielle dans les ventes de vins parce qu'elle garantit la qualité des conditions de conservation qui sont particulièrement importantes pour les anciens Bourgognes.

Le 17 juin à Genève, Baghera Wines vend les dernières bouteilles de la réserve privée du Domaine Henri Jayer.

Le lot 160 estimé au-delà de CHF 280K est une verticale de 15 magnums de Vosne-Romanée Cros-Parantoux de 1978 à 2001. Il est particulièrement alléchant parce que les magnums offrent une meilleure conservation de longue durée que les bouteilles et que l'année mythique 1978 est incluse.

La meilleure caisse de douze bouteilles est un Cros-Parantoux du millésime 1985 qui fut également exceptionnel pour tout le terroir de Vosne-Romanée incluant le Romanée-Conti. Elle est estimée au-delà de CHF 120K, lot 93. La meilleure caisse de six magnums est le lot 135 au millésime de 1999, estimé au-delà de CHF 110K.

Parmi les résultats obtenus par Christie's en 2012, citons les HK$ 2,05M incluant premium sur un lot de douze bouteilles Cros-Parantoux 1985 et les HK$ 1,57M incluant premium sur un lot de trois bouteilles Richebourg 1978.

La Table d'un Artiste

Après la mort d'Yves Klein, deux couples tentent de réveiller l'art français. Jeannine de Goldschmidt, compagne de Pierre Restany, tient la Galerie J. Le mouvement des Nouveaux Réalistes fut éphémère mais a ouvert la voie à un art ludique et hétéroclite.

Les Lalanne sont sculpteurs. Leur carrière est lancée par l'exposition intitulée Zoophites en 1964 à la Galerie J. Les oeuvres zoomorphes peuvent servir de meubles. Les pièces majeures de cette exposition sont le rhinocrétaire de François-Xavier et les choupattes de Claude.

Le monde de la mode est charmé par leurs inventions. En plus du zoomorphe, François-Xavier offre sur commande des meubles dans lesquels la position et la forme non conventionnelles des casiers et des pots répondent à un besoin fonctionnel.

Le bar métallique fourni en 1965 par François-Xavier à Yves Saint-Laurent et Pierre Bergé est équipé d'un casier à bouteilles ovoïde, d'un shaker en forme de corne d'abondance et d'un seau à glace sphérique. Il a été vendu en février 2009 par Christie's et Pierre Bergé et Associés pour € 2,75M incluant premium sur une estimation basse de € 200K.

La table à dessin réalisée à partir de 1964 pour répondre au besoin de Karl Lagerfeld lui a été livrée en 1966. Dans une inspiration très comparable au bar YSL, cette table à inclinaison ajustable est équipée de récipients en verre et métal pour les pinceaux et les crayons, d'une surface annexe pour préparer les couleurs, d'une boîte de stockage sphérique et d'une source de lumière.

Cédée par Lagerfeld au décorateur Jacques Grange dans les années 1970, la table KL est estimée € 500K à vendre par Sotheby's à Paris le 3 mai, lot 156.

Pour les meubles de séries, François-Xavier Lalanne reste un ami des animaux. Il conçoit en 1967 le bar dont le plateau centré d'un oeuf amovible est porté dans le bec par deux autruches en porcelaine de Sèvres. Un exemplaire assemblé en 1970 a été vendu pour € 6,2M incluant premium par Sotheby's le 21 novembre 2017 sur une estimation basse de € 700K. Il provenait de la collection Grange.

Commissioned by #KarlLagerfeld from artist François-Xavier #Lalanne, this incredible table, a unique piece will feature in the Paris Design on 3 May. https://t.co/QWGHAiMD4Z #SothebysDesign pic.twitter.com/FCddGcJTeI

— Sotheby's France (@SothebysFr) April 17, 2018

L'Usurpateur de la Lumière Céleste

Dans le Bouddhisme, la lumière est un lien vers l'éveil. Les récipients du rite Tibétain incluent des lampes à beurre. Les fidèles les alimentent avec du beurre de yak ou de l'huile pour maintenir une flamme perpétuelle.

L'empereur de Chine a reçu un Mandat du Ciel. Dans le cas d'une usurpation, la situation se complique. En comprenant l'utilité de s'appuyer sur le Bouddhisme Tibétain, l'usurpateur Yongle a assuré pour plus de trois décennies la stabilité de la dynastie Ming.

Après la mort prématurée de l'empereur Xuande, son fils aîné et successeur l'empereur Zhentong est un enfant. Sa capture par les Mongols en 1449 CE après une sévère défaite militaire crée une crise dynastique.

Le 17 mai à Londres, Bonhams vend au lot 150 une lampe à beurre d'époque Ming unique en son genre par ses dimensions colossales. Cette pièce entièrement en bronze doré est en deux parties, une base en forme de cloche et un bol reliés entre eux par une mince tige. Elle mesure 103 cm de haut et ses diamètres sont 102 cm pour le bol et 88 cm pour le pied. Son poids est estimé à 335 Kg. D'autres grosses lampes sont connues mais avec une base en pierre.

Cette lampe porte insérée dans le bronze une marque impériale de l'empereur Jingtai. Elevé au trône pendant la très brève captivité Mongole de son demi-frère Zhentong, il ne lui avait rendu ni le trône ni la liberté.

Jingtai avait absolument besoin de démontrer sa légitimité parce qu'une série de déboires ressemblait à un désaveu céleste. La famine était persistante. Son fils nommé prince héritier aux dépens du fils de Zhentong était mort à l'âge de cinq ans.

L'inscription de la lampe inclut un mystère. Trois des caractères impériaux parmi lesquels l'identification de l'empereur n'ont pas été fondus dans la masse du bronze mais ont été positionnés en surcharge. Toutefois l'épaisseur de dorure semble homogène. L'empereur Jingtai a probablement récupéré cette pièce pour son rite personnel avant qu'elle soit terminée. Si c'est le cas, il a fait effacer le nom de l'empereur qui avait commandé la lampe.

Une réinscription tardive ou apocryphe au nom de Jingtai n'aurait pas de sens du point de vue historique. Son règne n'a pas été glorieux. Il a été renversé par son demi-frère alors qu'il était mourant et rétrogradé à titre posthume au simple rang de prince. Peu d'objets d'art portent sa marque et ce sont surtout des émaux cloisonnés.

Le tweet ci-dessous ne montre que la partie haute de la lampe.

A monumental Imperial exceptionally rare cast gilt-bronze ritual butter lamp, from early Ming dynasty to star in our Fine #ChineseArt sale in London on May 17 2018https://t.co/htWJTIbrZM pic.twitter.com/crxslfdTab

— Bonhams (@bonhams1793) April 16, 2018

Un Chronographe en Or Blanc

Les montres de luxe et les montres de sport ne répondent pas aux besoins des mêmes clients. Rolex a cependant offert des Cosmograph Daytona en or jaune pour lesquels le suffixe /8 est ajouté à la référence du modèle. La marque utilisait l'or blanc en option /9 pour les Day-Date.

Les connaisseurs des pratiques de Rolex considéraient qu'une Daytona en or blanc était impensable. Le 21 novembre 2013 Hodinkee publie une interview de l'auteur spécialisé Italien John Goldberger qui dévoile des pièces rares de sa collection. Le miracle arrive à 04:30 de la vidéo insérée dans l'article : Goldberger porte au poignet le seul exemple connu de Daytona en or blanc. Il n'y en a peut-être jamais eu d'autre, ni en or blanc, ni en or rose, ni en platine.

Cette montre est une 6265. Les archives de Rolex ont retrouvé les dates de sa production, en 1970, et de sa livraison à un détaillant allemand l'année suivante. En 2018 Hodinkee observe que la couronne est restée en acier inoxydable, indiquant probablement que le métal du boîtier a été changé en usine. Les raisons de cette opération spéciale n'ont pas été retrouvées.

La Daytona de Paul Newman a été vendue pour $ 17,8M incluant premium par Phillips en association avec Bacs and Russo le 26 octobre 2017, démontrant que les Rolex exceptionnelles pouvaient obtenir des prix sensationnels. Goldberger a décidé de vendre sa 6265/9 entièrement au profit de la charité Children Action. Elle est estimée CHF 3M à vendre le 12 mai à Genève par Phillips en association avec Bacs and Russo, lot 8.

L'or blanc est plus lourd que l'acier inoxydable, et c'est le poids inhabituel de cette 6265 qui avait attiré Goldberger il y a bien des années quand il l'inspectait avant de l'acheter.

Referred to as "The Unicorn" this white gold @ROLEX Daytona, discovered just eight years ago, a highlight of @phillipswatches May's 'The Daytona Ultimatum' sale in Geneva #daytonaultimatum: https://t.co/FlQX145Bo5 pic.twitter.com/iQ7Tgyzt3r

— P H I L L I P S (@phillipsauction) March 13, 2018

Signac face à la Mer

Paul Signac rencontre Monet et Seurat en 1884. Ayant la vocation de devenir un théoricien, il préfère suivre les théories rigoureuses de Seurat sur la composition et les couleurs. La coopération parfaite entre les deux artistes est facilitée par leur différence de tempérament : Seurat est un solitaire et Signac un prosélyte.

Seurat termine son Dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte en 1886. Pour la première fois il a appliqué en grand format sa compréhension des théories de Chevreul sur la rémanence des couleurs. La préparation a été longue et fastidieuse et le résultat terne convient surtout au message social hermétique de l'artiste.

Pendant les étés Signac et Seurat travaillent dans des villages différents, sans se rencontrer. Ces sessions sont cependant soigneusement préparées et de retour dans leurs ateliers la comparaison de leurs résultats confirme la cohérence de leurs pratiques.

Signac pousse Seurat à une observation des lumières vives. Il montre l'exemple, en 1886 dans la vallée de la Seine, en 1887 à Collioure et en 1888 en Bretagne à Portrieux. Pendant ces trois étés Signac perfectionne son pointillisme. Dans le même temps son paysage devient minimaliste pour mieux exploiter la confrontation des couleurs.

Le 8 mai à New York, Christie's vend au lot 21 une vue de Portrieux. Cette huile sur toile 60 x 92 cm peut-être considérée comme l'aboutissement de la saison estivale de Signac, avec une composition dominée dans toute la partie basse par l'étendue jaune presque monochrome de la plage de sable, contrastant avec le bleu pointilliste de la mer.

Signac trouvera en 1892 un soleil plus éclatant à Saint-Tropez. La vue des maisons avec leurs reflets dans la mer, 47 x 55 cm, a été vendue pour $ 10,7M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2016.

Le pointillisme était peu spectaculaire en dehors d'un jaune et d'un orange extrêmes. Signac et van Rysselberghe sont peut-être les seuls à avoir compris et brièvement appliqué cette observation.

Vie de Famille dans l'Outback

La sécheresse a été terrible pendant la seconde guerre mondiale dans l'outback, la région des déserts au-delà du bush Australien. En 1944 le Sydney Morning Herald envoie un journaliste d'investigation constater les dégâts. Il est accompagné par Russell Drysdale.

Des familles vivent dans des maisons isolées comme au temps des pionniers. Qui sont-ils ? Que font-ils ? Qu'attendent-ils ? Ils sont les oubliés de la planète, tout comme le père et ses deux fils photographiés en 1936 par Rothstein dans l'Oklahoma. Dans ces conditions terribles leur vie familiale est normale. Les enfants jouent et sautillent comme tous les enfants du monde.

Profondément ému, Drysdale comprend que ses dessins ne suffiront pas. Il devient peintre. Ses portraits de vieux Australiens au visage buriné sont sans précédents. Rocky McCormack, huile sur toile 111 x 86 cm peinte en 1962-1963, a été vendue pour A$ 1,9M incluant premium par Sotheby's le 25 août 2008.

Dans les années 1970, l'artiste a presque complètement perdu la vue. Il se re-concentre sur son premier thème de la vie de famille dans le désert. Grandma's Sunday Walk, 75 x 126 cm peint en 1972, a été vendu pour A$ 2,97M incluant premium par Mossgreen le 25 juin 2017.

Evening on Stony Plains, huile sur toile 50 x 76 cm peinte en 1978, vient de faire surface. Au premier plan le père de famille est très grand et très maigre, pieds nus. Devant la pauvre cabane, la mère et le fils se reposent. Les deux petites filles jouent. Cette oeuvre est estimée A$ 800K à vendre par Menzies à Melbourne le 26 avril, lot 30. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

L'Invention de la Technique Mixte

Le premier cubisme, que l'on appelle cubisme analytique, est une recherche d'intégration du volume des objets dans une surface plane. Menée à partir de 1910 par Picasso et Braque bientôt suivis par Juan Gris, cette technique mène à une explosion des formes qui nuit à la lisibilité. La perspective et même la couleur deviennent inexistantes ou secondaires.

Cet art hermétique ne satisfait pas son inventeur, Picasso. En 1912 il colle de vrais objets ordinaires dans une composition : des cordes et de la toile cirée. Curieusement il n'expose pas cette première expérience qui lance les collages cubistes. Braque, Picasso lui-même et Gris continuent cette exploration d'un langage artistique nouveau propre à montrer l'environnement de tous les jours dont les tables servies et les natures mortes.

Le collage d'extraits découpés dans les journaux est un élément basique des nouvelles compositions. Facile à simuler également au pinceau, le message ne rompt pas la cohérence de l'oeuvre. Il attire l'attention du spectateur qui cherche une signification aux mots dans le contexte de l'image, longtemps avant les révolutions Dada et Merz. Il est aussi une façon amusante pour dater l'oeuvre.

A partir de décembre 1913, Juan Gris est le champion de cette nouvelle évolution du cubisme qui retrouve enfin la perspective et la couleur tout en respectant l'objectif primordial d'assimiler l'objet représenté et son support. Dans les mois qui suivent, Malevitch invente l'art abstrait le plus extrême : l'inutilité de l'image dans son support est une autre avancée séminale de l'art moderne.

Le 8 mai à New York, Christie's vend au lot 2 La table de musicien, huile, gouache, crayon et collage de papiers sur toile 82 x 60 cm réalisée par Gris en mai 2014.

La table est le support de l'arrangement. Elle est montrée de biais en vue plongeante. Dans un équilibre subtil les collages interviennent de trois façons différentes : le journal sur la table, le papier mural et la portée de musique très stylisée dessinée sur un papier blanc. L'effet de la perspective permet aux dessins de la bouteille et du violon de chevaucher les zones peintes et collées. Des effets de transparence chamboulent les plans.

Réalisée le mois suivant, une oeuvre 46 x 27 cm intitulée Tabac, journal et bouteille de vin rosé a été vendue pour $ 8,8M incluant premium par Sotheby's le 6 novembre 2013.

La guerre stoppe cette phase ludique quand Kahnweiler avec qui Gris était en contrat à Paris est obligé de partir pour la Suisse. L'année suivante Gris abandonne sa technique mixte et revient à l'huile sur toile avec des compositions brillamment colorées qui imitent ses collages. Nature morte à la nappe à carreaux, 116 x 90 cm, a été vendue pour £ 35M incluant premium par Christie's le 4 février 2014.

L'Ornithologue de Londres

John Gould commence sa carrière en aidant son père qui était contremaître aux Royal Gardens de Windsor. Il se spécialise ensuite dans la taxidermie et obtient en 1827 un poste de Preserver and Curator au musée de la Zoological Society of London. Il est chargé de recevoir la toute première girafe à fouler le sol anglais.

A cette époque la nomenclature du système de Linné était encore très incomplète. Gould ouvre les caisses d'échantillons reçues par la ZSL. La collection d'oiseaux de l'Himalaya inclut des espèces inédites superbes qui éveillent en 1830 sa vocation d'éditeur. Il dessine les esquisses et sa femme Elizabeth prépare l'illustration.

Gould continue ce travail jusqu'à sa mort en 1881, publiant successivement les oiseaux d'Europe, Australie, Asie, Grande-Bretagne et Nouvelle-Guinée. L'Amérique, traitée indépendamment par Audubon depuis 1827, est limitée aux perdrix.

Sa contribution scientifique concernant l'Australie est éminente. Insatisfait de son édition effectuée à Londres en 1838-1839, il se rend sur place avec sa femme et rappelle les exemplaires déjà livrés pour les remplacer par une étude plus complète basée sur ses propres découvertes. Il publie également un volume sur les mammifères d'Australie, le seul de ses ouvrages qui ne traite pas les oiseaux. La mort prématurée d'Elizabeth ne modifie pas son organisation du travail.

La dernière publication est effectuée en 1888, sept ans après sa mort, pour un total d'environ 3100 lithographies. Ce travail a plusieurs points communs avec les Birds of America par Audubon : exactitude scientifique, diffusion par souscription, images colorées à la main sur grand format : autour de 54 x 38 cm pour Gould et de 98 x 65 cm pour Audubon.

Les ensembles contenant les 11 titres non annulés par Gould et leurs deux suppléments concernant l'Asie et les oiseaux-mouches sont considérés comme complets. Deux d'entre eux sont venus aux enchères, tous deux en 43 volumes. L'un d'eux a été vendu pour £ 1,25M incluant premium par Christie's le 30 avril 2008 sur une estimation basse de £ 600K.

L'autre est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 15 mai, lot 412. Il avait été vendu pour £ 510K incluant premium par Christie's le 30 avril 1997. Dans la même vente un très rare exemplaire survivant de l'édition rappelée sur l'Australie a été vendu pour £ 17,2K incluant premium.

Flying into the weekend with the colourful creations of a celebrated 19th century naturalist, John Gould. On view in our New Bond Street galleries from 11 May. Discover more: https://t.co/Nu4addV5xc#SothebysBooks pic.twitter.com/4kHm9kn8HB

— Sotheby's (@Sothebys) April 13, 2018

Un Eté avec Seurat

Georges Seurat désire que son art soit une critique sociale. Il reproche aux techniques impressionnistes d'être émotionnelles, pas assez strictes. Il commence à travailler en 1884 à une oeuvre de démonstration sur très grand format, 208 x 308 cm : Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte.

Tout est important et tout est imbriqué. Une image aux lignes montantes et aux couleurs chaudes sera joyeuse. La Grande Jatte devra être glaçante, avec une ombre envahissante au premier plan et des personnages figés qui symbolisent les aberrations de la bourgeoisie.

Le jeune artiste est attentif aux idées sur l'équilibre des couleurs. Les observations psychophysiologiques de Chevreul selon lesquelles la perception d'un halo de couleur complémentaire accompagne la vision d'une couleur pure le persuadent que la composition des couleurs d'une peinture ne doit pas suivre servilement la nature.

Seurat passe l'été 1885 au bord de la mer, à Grandcamp, sur les conseils de Signac qui l'invite aussi à s'intéresser aux lumières intenses. Seurat teste alors par des vues de marines son interprétation des théories de Chevreul, en développant sa nouvelle technique de division des couleurs par des coups de pinceaux horizontaux qui deviendront bientôt des points. Il donne à sa pratique le nom de chromo-luminarisme.

Le 8 mai à New York, Christie's vend au lot 18 La Rade de Grandcamp, huile sur toile 65 x 81 cm sur le thème plutôt joyeux d'une régate de voiles blanches alignées horizontalement.

Les effets obtenus le satisfont. De retour dans son atelier, il retravaille la Grande Jatte en réduisant les variations chromatiques et en introduisant le pointillisme. Quand il termine cette oeuvre en 1886, elle déclenche la rupture inévitable avec les Impressionnistes. Seul Fénéon est convaincu. Il crée en 1887 le terme néo-Impressionniste pour essayer de démontrer que l'art de Seurat n'est pas une opposition à l'Impressionnisme mais une autre étape sur la voie d'un art nouveau.

Passionné par ses théories, Seurat retouchait ses oeuvres. La Rade de Grandcamp est peut-être le seul exemple resté dans son état d'origine des toutes premières expériences de l'artiste sur les techniques des couleurs complémentaires.

Portrait de l'Artiste en Vieux Tigre

Eugène Delacroix est l'interprète romantique des passions violentes. Ses allégories n'ont pas besoin de réalisme. Il fascine ses contemporains par sa maîtrise des couleurs et ses scènes exotiques sont spectaculaires.

L'artiste comprend que la passion n'est pas une exclusivité humaine et il aime la sauvagerie puissante des tigres et des lions. Grand admirateur de Rubens, il est inspiré par le tourbillon de ses scènes de chasse.

Un artiste a besoin de modèles réels, bien que le rhinocéros de Dürer soit une admirable exception. Géricault est passionné par les chevaux et Raden Saleh se souvient des grandes chasses. Pour ses tigres et ses lions, Delacroix regarde son chat et les animaux empaillés du Museum d'Histoire Naturelle. Fort heureusement la ménagerie du Jardin des Plantes héberge un tigre à partir de 1847.

En 1862 l'artiste est vieux et fatigué. Le tigre est resté son emblème et ses amis aiment le flatter en comparant son comportement avec les émotions anthropocentriques attribuées à cet animal. Delacroix imagine des confrontations avec des reptiles. Face à la menace du serpent, le félin ne sait plus bien comment il peut encore gagner.

Le 8 mai à New York, Christie's vend Tigre jouant avec une tortue, huile sur toile 45 x 62 cm peinte en 1862, lot 3 estimé $ 5M.

Comme d'habitude le comportement animal est fantaisiste. Un tigre adulte ne joue plus parce que le jeu des félins sert à l'apprentissage de la chasse. Celui-ci avec une patte sur la tortue est arrêté comme s'il avait besoin d'un conseil. La tortue dérangée et menacée par la grosse bête a oublié de fermer sa carapace.

François de Ricqlès, President of Christie’s France, explains how this exceptional Romantic work that ‘marks the beginning of modernity’ also speaks to the Rockefeller family’s long and mutually admiring relationship with France. Check it out here: https://t.co/8QpCJrNHVH pic.twitter.com/alUUMid0bs

— Christie's (@ChristiesInc) March 25, 2018

Le Nouveau Langage des Fleurs

En 1882 l'état de santé d'Edouard Manet s'aggrave. Reclus dans son atelier, il continue cependant à travailler mais avec des formats plus petits.

Manet a beaucoup d'amis qui lui rendent visite. Il a toujours aimé les femmes. Après qu'elles soient parties, il aime peindre les bouquets qu'elles ont apportées. Le choix des fleurs reflète gentiment la personnalité de la visiteuse. Cette joyeuse fraicheur apaise certainement les souffrances de l'artiste.

Ces ultimes natures mortes montrent des roses, des pivoines ou des lilas sur un fond neutre. Le langage des fleurs est d'une très efficace simplicité de formes et de couleurs. Les tiges et le ménisque apparaissent au travers du vase en verre.

Le 22 juin 2010, Sotheby's a vendu un Bouquet de pivoines 55 x 42 cm pour £ 7,7M incluant premium sur une estimation basse de £ 4M.

Le 8 mai à New York, Christie's vend Lilas et roses, huile sur toile 32 x 25 cm, lot 7 estimé $ 7M.

Manet avait offert cette nature morte florale à la fille de son médecin en novembre 1882. Dans son remerciement enthousiaste, la jeune femme commente que ces fleurs-là ne faneront jamais. Acquise en 1938 par Abby et John D. Jr, cette très élégante petite peinture a orné les appartements de deux générations de la famille Rockefeller.

#LiveLikeARockefeller ‘Lilas et roses’ by #EdouardManet has brought joy to 2 generations of the Rockefeller family. “I remember very clearly this small...picture hanging in Mother’s sitting room,” David Rockefeller recalled. “It is...a painting that gives ongoing pleasure.” pic.twitter.com/FIUWrXlDTP

— Christie's (@ChristiesInc) February 11, 2018

Un Corot au-dessus de la Cheminée

La tendance en France est au paysage historique. Corot n'est pas quelqu'un de compliqué. Il adore se promener, tout simplement. Comme les touristes anglais, il dessine de nombreux croquis. Suivant l'exemple de Michallon, il peint aussi à l'huile sur toile en extérieur. Ces peintures de petit format ne sont pas destinées au commerce mais à fournir une inspiration pour l'arrière-plan des scènes de genre.

Personne n'est réellement convaincu par l'art de Corot jusqu'à ce que le jeune Baudelaire, en 1845, observe que la simplicité des paysages de Corot n'est pas de la naïveté mais une suprême harmonie. Par ce fait l'art de Corot est pour toujours inclassable, entre le classicisme et le modernisme. Malgré son plaisir à la vue de plein-air, il ne peut pas être considéré comme un précurseur des Impressionnistes, contrairement à Boudin et Courbet.

Pendant toute sa vie Corot a beaucoup d'amis. Il fournit des peintures à un magistrat de Mantes qu'il a rencontré en 1840 et décore lui-même les murs de la salle de bains avec des vues d'Italie.

Corot a visité Venise en 1828 et 1834. Pour le même ami il peint en 1845 une version agrandie au format 48 x 82 cm d'une vue du quai des Esclavons en direction de Santa Maria della Salute.

En 1957 cette peinture attire l'attention de David Rockefeller. Ce n'est pas un Canaletto : l'animation est faible. Ce n'est pas un Guardi : le ciel est trop bleu. Ce n'est ni un Turner ni un Monet : le dessin est trop net pour offrir une ambiance. Malgré la déroutante perspective grand-angulaire sur la Piazzetta, ce n'est pas une photo. Les ombres erronées des versions antérieures de cette image ont heureusement été rectifiées.

Cette peinture lumineuse a deux autres qualités : elle exhale une grande sérénité et sa largeur entre en harmonie avec la cheminée de la bibliothèque dans la maison de campagne de Hudson Pines. Elle remplace à cet endroit un Jas de Bouffan par Cézanne qui lassait Rockefeller et y est restée jusqu'à sa mort. Elle est estimée $ 5M à vendre par Christie's à New York le 8 mai, lot 4.

Nous serons ouverts ce soir jusqu'à 19h30 pour vous permettre d'admirer les oeuvres de la collection #Rockefeller avant leur départ. Voici également une découverte en vidéo de l'exposition : https://t.co/AWyhGw672E pic.twitter.com/xHGDkuLfl0

— Christie's Paris (@christiesparis) March 21, 2018

Révolution Mexicaine à New York City

Le muralisme Mexicain est né en 1921 d'une observation de Vasconcelos : le peuple est en grande partie illettré mais l'image publique peut être aussi forte qu'un écrit pour propager la ferveur de la Révolution. Orozco, Rivera, Siqueiros et Tamayo créent ainsi un art nouveau adapté aux convictions socialistes.

Personnage hors norme à tous les sens du terme, Diego Rivera est intransigeant. Son message artistique est communiste et anticlérical et il ne le changera pas même sous la pression générée par ses provocations.

A New York City, Abby Rockefeller commence en 1925 une collection d'art moderne Européen. Cela ne plait pas trop à son mari mais elle va de l'avant. La création du Museum of Modern Art en 1929 provient essentiellement de son initiative personnelle. Elle multiplie les actions, incluant une première exposition solo consacrée à Matisse.

L'art Mexicain montre avant tout les gens du peuple, même s'ils sont confrontés aux abus de la bourgeoisie. Abby qui collectionnait aussi le folk art consacre en 1931 la seconde exposition solo du MoMA à Rivera. Le tonitruant artiste avait été accusé d'activités anti-Soviétiques alors qu'il travaillait à Moscou et le Parti Communiste Mexicain l'avait exclu. Quelques activités récentes en Californie montraient son intérêt pour les Etats-Unis.

John D. Rockefeller Jr, le mari d'Abby, ne voit pas le piège politique. Il commande à Rivera en 1933 des fresques murales pour le Rockefeller Center. Sans prévenir, Rivera introduit dans l'image un portrait de Lenine et refuse catégoriquement de le retirer malgré une tentative de négociation par le jeune Nelson Rockefeller. La fresque est détruite mais Rivera a atteint son objectif de ridiculiser les capitalistes.

Lors de l'invitation de 1931 Abby Rockefeller avait commandé une oeuvre à Rivera, que l'artiste termine pendant le trajet en bateau vers New York. The Rivals, huile sur toile 152 x 127 cm, a pour thème une fête à Oaxaca. La composition est animée de nombreux personnages en habits traditionnels en différents plans, avec les couleurs chatoyantes qui plaisaient à Abby.

The Rivals a été donnée en cadeau de mariage à David et Peggy Rockefeller en 1941. Cette peinture est estimée $ 5M à vendre par Christie's à New York le 9 mai, lot 424.

Over 1,500 lots will be offered and all profits will go to charities that David and Peggy Rockefeller supported during their lifetimes. https://t.co/uzMbwCueFL pic.twitter.com/iB1B5uvHrs

— Barnebys.co.uk (@Barnebysuk) April 8, 2018

Borduas en Noir et Blanc

Influencé par les poèmes surréalistes d'André Breton, Paul-Emile Borduas développe dès 1941 un art automatique abstrait pour lequel la composition et le geste ne sont pas préconçus. Enseignant à  l'Ecole du meuble à Montréal, il mène l'hostilité de ses étudiants contre la politique conservatrice et cléricale du premier ministre Duplessis raillée sous le nom de Grande Noirceur. Sa créativité influence Riopelle.

Après trois ans à New York où il a rencontré les expressionnistes abstraits, Borduas installe son atelier à Paris en 1955. Abandonnant la couleur, il met en scène des formes noires dont la répartition sur fond blanc reflète ses émotions entre l'angoisse de l'explosion et la construction d'une civilisation meilleure.

Borduas est un très bon connaisseur de l'histoire de l'art, influencé par Malevitch pour la primauté au support par rapport à l'image et par les natures mortes de Cézanne pour la disposition équilibrée des objets. Ses cohortes ne semblent pas statiques : elles entrent ou sortent de la toile comme faisaient les couleurs illimitées de Mondrian.

Il n'y a pas de perspective sur les toiles de Borduas. Un relief est cependant présent avec les bourrelets créés dans la matière épaisse par les accumulations de la spatule. Ses fonds blancs anticipent de quelques mois les plis renforcés au kaolin des Achromes de Manzoni.

Le 30 mai à Toronto, Heffel vend Figures Schématiques, huile sur toile peinte en 1956. Mesurant 130 x 195 cm, c'est un des plus grands formats réalisés par l'artiste. Elle est estimée $ 3M CAD, lot 018.

Le noir continue à envahir les espaces de Borduas. Il meurt d'une crise cardiaque en 1960 à côté de sa Composition 69 tout juste terminée. Cette composition d'un noir intense est traversée dans le haut de l'image par des balafres blanches, dans un dernier acte d'espoir qui rappelle les zips de Barnett Newman et anticipe de deux décennies les Outrenoir de Soulages.

Leading our live auction by estimate is Figures schématiques, a monumental 1956 work by Paul-Émile Borduas. The 6ft wide canvas has been exhibited around the world and will make its way to the auction block on May 30 (estimate: $3,000,000 - 5,000,000) https://t.co/y66Yvtfwap pic.twitter.com/DW1dRsflyO

— Heffel (@HeffelAuction) April 9, 2018

Etude du Spectre Irisé

Autour de 1884 les post-Impressionnistes sont passionnés par les théories de Chevreul sur la décomposition de la lumière. Paul Gauguin, continuellement à la recherche d'un art original, n'essaye pas le pointillisme mais il note que l'arc-en-ciel exhibe les couleurs dans un ordre immuable.

En janvier 1888 l'artiste commence tranquillement son second séjour à Pont-Aven. Il prend le temps de se promener sur la Côte Sauvage et observe que les couleurs de la houle par gros temps répondent à sa théorie.

Le 8 mai à New York, Christie's vend au lot 6 La Vague, huile sur toile 60 x 73 cm peinte par Gauguin en 1888. Une forte vague heurte un groupe de hauts rochers en pleine mer. Deux baigneuses fuient la marée sur la plage vermillon.

Cette peinture inhabituelle et peut-être même unique dans l'art de Gauguin a été incluse en 1891 dans la vente aux enchères préparée par l'artiste pour financer son départ pour l'Océanie. Le titre inscrit au catalogue, La Vague (arc-en-ciel), semble énigmatique mais fournit la clé de l'interprétation.

Il n'y a ni ciel ni pluie dans cette image. Arc-en-ciel est ici la description du spectre irisé sur la mer, passant du violet clair au jaune au fur et à mesure que la profondeur prismatique de l'eau diminue en se rapprochant des côtes. Avec un surprenant modernisme la couleur irréelle de la plage est le prolongement ultime de cette décomposition spectrale.

La Vague de Gauguin a été achetée à cette vente par un collectionneur d'estampes Japonaises probablement attiré par la similitude de thème avec La Vague de Hokusai. La comparaison s'arrête là parce que la vue de Gauguin prise du haut de la falaise n'a pas de plan rapproché.

Malgré l'admiration de Gauguin pour Degas, la position complètement décentrée des deux femmes est secondaire dans cette composition. Leur différence d'échelle face à la nature grandiose n'est cependant pas sans relation avec les questionnements métaphysiques de l'artiste.

Le tweet ci-dessous est une image tronquée.

Dernier jour pour découvrir les oeuvres de la collection #Rockefeller à Paris ! https://t.co/5NfvhJCAV3

— Christie's Paris (@christiesparis) March 21, 2018

Les Murs Beiges

Henri Matisse est gravement malade mais n'a pas perdu son habileté manuelle. Le projet Jazz commencé pour Tériade en 1943, basé sur des papiers découpés, maintient sa créativité.

Les murs beiges de son appartement à Montparnasse lui remémorent la couleur des plages de Tahiti. Il découpe dans du papier blanc des formes stylisées que son assistante Lydia épingle au mur. Son but est de créer deux cartons de tapisseries formant pendants, Océanie - le ciel et Océanie - la mer, respectivement peuplés d'oiseaux et de poissons.

En 1946 pendant que Matisse travaille à ce projet, Zika Ascher vient en visite à Paris. Concepteur en textiles installé à Londres depuis 1942, Ascher travaille avec Henry Moore. Il désire maintenant éditer des foulards dessinés par une pluralité d'artistes. Presque tous dont Matisse répondent favorablement.

Ascher parvient par ailleurs non sans difficulté à convaincre Matisse d'éditer son Océanie. Matisse est très exigeant mais Ascher réussit à trouver une toile de lin et un pigment qui répliquent exactement la texture et la couleur de sable du mur. L'attention apportée par l'artiste au sable anticipe de deux décennies l'escapade d'Agnes Martin dans le désert.

Les deux oeuvres sont éditées en 1946-1947 en trente exemplaires chacune en format d'image autour de 163 x 373 cm.

La Fondation Beyeler possède la paire 4/30. L'exemplaire 26/30 de La Mer a été vendu par Christie's pour £ 2,95M incluant premium le 21 juin 2011 sur une estimation basse de £ 500K. Elle provenait alors directement de la succession Beyeler après avoir appartenu à la famille Matisse.

Le 26 avril à New York, Sotheby's vend l'exemplaire 20/30 de La Mer, lot 15 estimé $ 500K. Sa provenance est également intéressante : elle a appartenu à Ascher et a été prêtée au MoMA de 1950 à 1953. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Les Nouveaux Nénuphars

Monet visite le stand de l'horticulteur Latour-Marliac à l'Exposition Universelle de Paris en 1889. Spécialiste des bambous et autres plantes aquatiques, Latour-Marliac est un habile hybrideur. Il était le premier en Europe Occidentale à créer des nénuphars colorés, en croisant des plantes à fleurs blanches avec des espèces sauvages.

Installé à Giverny depuis 1883, l'artiste désire créer un jardin d'eau. En 1894 il achète à Latour-Marliac des plantes de 32 espèces différentes incluant un Nymphaea jaune créé en 1888 et un Nymphaea rose créé en 1892. Son intérêt pour ces hybrides n'est pas immédiat mais sa curiosité s'accroît.

Ces nouveaux nénuphars deviendront les vedettes de son jardin. Monet peint ses premiers Nymphéas en 1895, montrant les plantes sur l'eau en vue rapprochée avec une précision botanique sur des toiles de moins d' 1 m de large.

L'artiste est enchanté par son jardin. En 1904 le bassin aux nymphéas devient un de ses thèmes favoris et il achète quatre nouveaux hybrides à Latour-Marliac. Les nénuphars flottent en cohorte, apportant en conjonction avec les reflets la vision de la surface de l'eau.

1914 est une année terrible. Son fils Jean meurt en février, moins de trois ans après Alice. L'actualité internationale est désespérante. Fort heureusement son ami Georges Clemenceau le remet au travail en engageant le projet des Grandes Décorations.

Cette nouvelle phase inclut une modification importante dans l'art de Monet, l'utilisation de toiles de grand format. Il regarde de plus près les détails des fleurs de son jardin. Un groupe d'iris géants au bord de l'eau, 200 x 100 cm, a été vendu pour £ 10,8M incluant premium par Christie's le 23 juin 2015.

Le 8 mai à New York, Christie's vend au lot 10 Nymphéas en fleur, huile sur toile 140 x 180 cm peinte dans le style de 1914-1917. Le grand format permet ici une synthèse des deux visions de l'artiste. Neuf fleurs en cinq groupes ont retrouvé les détails des premières séries tandis que les feuilles et les reflets positionnent la surface de l'eau sur l'ensemble de cette image sans horizon.

Le tweet ci-dessous est un format tronqué.

The sale of the century: A look inside the Rockefeller auction https://t.co/EAqc2Rv8qW via @RobtFrank up next on @PowerLunch @ChristiesInc

— Harriet Taylor (@Harri8t) March 15, 2018

L'Art du Farniente

Installé à Nice après la guerre, Henri Matisse reprend ses recherches de couleurs et de compositions avec une sérénité que Paris ne pouvait pas lui apporter. Avec Antoinette et plus encore avec Henriette, il maintient une connivence intime avec ses modèles. Leur corps devient l'élément central de l'oeuvre.

Henriette pose avec complaisance parce qu'elle connaît la beauté de son corps athlétique. En parallèle des études de nu, Matisse la met en scène dans des accoutrements orientalistes qui sont un nouveau prétexte pour un chatoiement de couleurs de son environnement. Ses portraits exhalent sa confiance dans l'artiste sans inhiber sa sensualité.

Le 8 mai à New York, Christie's vend au lot 8 Odalisque couchée aux magnolias, huile sur toile 61 x 81 cm peinte en 1923. La gentille intimité de cette oeuvre avait séduit David et Peggy Rockefeller.

La jeune femme profite des plaisirs du farniente, prête à la sieste ou venant de la terminer. Elle est allongée sur une chaise longue installée probablement dans l'entrée d'une veranda. Elle porte sur les épaules une chemise légère complètement ouverte pour exposer la poitrine au bienfaisant soleil de la Côte d'Azur.

L'impression orientaliste est apportée par le sarouel Persan qui couvre librement le bas du corps et par le paravent derrière elle dont le panneau de droite est centré sur deux grosses fleurs de magnolias.

"Great #paintings invite you in and don’t let you go," says Jussi Pylkkänen, our Global President, referring to ‘Odalisque couchée aux magnolias’ by #HenriMatisse. pic.twitter.com/X6W82NPHHk

— Christie's (@ChristiesInc) March 4, 2018

Une Vraie Fille d'Egypte

Né dans la haute aristocratie Egyptienne, Mahmoud Said est un magistrat. Il a visité l'Europe et la peinture moderne est sa passion. Pour son loisir il peint à l'huile les survivances des anciennes traditions. Une étude de derviches tourneurs peinte en 1929 a été vendue pour $ 2,55M incluant premium par Christie's le 26 octobre 2010. Une scène de chadoufs au bord du Nil peinte en 1934 a été vendue pour $ 2,4M incluant premium le 24 avril 2010, également par Christie's.

Loin de son travail quotidien, cet artiste encore amateur observe la beauté ethnique des femmes du peuple, d'abord avec des nus intimistes puis avec des portraits plus proches de leur vie de tous les jours. Son grand mérite est d'avoir révélé la fierté moderne de l'Egypte avec les techniques de la peinture Européenne.

Le 18 avril à Londres, Bonhams vend au lot 8 une huile sur toile 81 x 58 cm peinte en 1938 qui a été successivement intitulée Fellaha au voile noir puis Fille à l'imprimé.

Cette jeune paysanne au regard introverti entre dans la vie moderne tout en pratiquant une dure activité traditionnelle pour sa subsistance. Sa robe bon marché est imprimée avec des motifs de fleurs aux couleurs vives. Son coude est posé sur une amphore. Au loin, à peine perceptible, un double d'elle-même porte l'amphore pour prendre l'eau à la rivière.

Cette jeune personne n'a rien en commun avec les mystérieuses filles d'Egypte ré-imaginées par les Orientalistes Européens. Les traits de son visage et sa peau sombre sont typiques des groupes Bédouins du nord du pays. Cette peinture a été très admirée en 1939 au Salon du Caire, devenant le symbole de la représentation artistique de la vraie vie Egyptienne.

La seconde guerre mondiale a ralenti ce désir de modernisme. Le juge Said a continué, devenant artiste à temps complet en 1947 seulement.

Je vous invite à regarder la video préparée par Bonhams pour introduire l'ensemble de la vente en positionnant le modernisme dans l'histoire Egyptienne. La Fille à l'imprimé est un élément majeur de cette tendance.

'Fille à l'imprime' by #MahmoudSaid, the father of Egyptian modernism, leads our 'Egypt's Awakening' sale in London on 18 April. Never offered at auction, the painting is considered Said's most iconic portrait, and a defining work of Egyptian 20th C. art https://t.co/geWznPnuN2 pic.twitter.com/PYBbkvMUqi

— Bonhams (@bonhams1793) March 22, 2018

Vêtements de Luxe en Asie Centrale

L'utilisation des cocons pour effectuer des tissages a été inventée en Chine il y a plusieurs millénaires. Le luxe extrême de la soie et la facilité à réaliser des vêtements avec des motifs figuratifs devient la première richesse de la Chine antique.

Le procédé de fabrication de la soie est jalousement protégé pendant plus d'un millénaire mais l'exportation vers l'Ouest est tentante. Pour sécuriser ce commerce et faciliter l'importation d'autres types de trésors, les Han créent la route de la soie. La contrebande de soie est un crime.

La richesse et la variété des textiles antiques n'a pas résisté au temps, toutes techniques confondues. Il est impossible de construire une synthèse des figurations, des modes et de leurs évolutions. Heureusement quelques pièces ont survécu.

Le musée Abegg-Stiftung à Riggisberg dans les Alpes Bernoises conserve des specimens de haute antiquité. Une pièce de soie (référence 5302/5304) antérieure aux Han est composée de bandes cousues entre elles avec des motifs répétitifs zoomorphes de 4 cm de haut parmi lesquels des couples de bêtes confrontées.

Mille ans plus tard le thème des animaux confrontés, parfois individuellement positionnés dans un médaillon ovale ou polygonal, orne les vêtements de luxe des chefs ou des grands marchands Sogdiens qui assurent la liaison commerciale entre la Chine et la Perse.

Le 25 avril à Londres, Sotheby's vend une chemise Sogdiane sans manches réalisée il y a 1400 à 1100 ans en soie de couleur miel doré dans une technique dite samite qui n'est pas un satin. Elle est principalement ornée dans des octogones par la répétition d'un gros canard tourné vers la gauche ou vers la droite et portant un collier de perles dans le bec et une écharpe royale flottante.

L'état de conservation de ce vêtement est remarquable. Il est estimé £ 300K, lot 125.

Sotheby's a vendu pour £ 233K incluant premium le 22 avril 2015 une robe Sogdiane multicolore provenant du début de la même période, où les médaillons ovales abritent alternativement des chevaux ailés confrontés et des cerfs confrontés. La tunique Sogdiane avec une inscription Arabe vendue pour £ 480K incluant premium le 5 octobre 2011 également par Sotheby's date du milieu de la même période.

1,000-year-old silk shirt expected to fetch £500,000 at auction https://t.co/DimRYoekAq

— The Guardian (@guardian) April 1, 2018