28 juin 2018

Une BMW pour John Surtees

Lorsqu'elle est introduite à New York pendant l'été 1955, la BMW 507 suscite bien des louanges. Ce roadster concurrencera la Mercedes-Benz 300 SL, elle sera moins chère et les clients Américains aimeront son élégance.

La production ne démarre pas avant novembre 1956. Les coûts de production sont beaucoup plus élevés que prévus et le prix de vente est devenu excessif. BMW continue jusqu'en 1959 ce modèle qui perd de l'argent. Les dirigeants de la marque avaient espéré vendre 5000 exemplaires par an. En tout 252 exemplaires seulement ont été construits.

Marchand de motos à Londres, Jack Surtees est en relation professionnelle avec les importateurs de Porsche et BMW. Son fils John est un prodige de la compétition moto, champion du monde en catégorie 500 cc en 1956 à l'âge de 22 ans avec MV Agusta.

En 1957 à Hockenheim, John est séduit par la 507 apportée au stand BMW par le chef du développement de la marque, qui autorise le jeune champion à la conduire. Quand Agusta annonce à John que ses performances ont dépassé son salaire et méritent un cadeau, il demande une 507. C'est trop cher : ils transigent pour un partage du prix moitié-moitié.

John est déçu : sa 507 est poussive dans les côtes. Le dirigeant lui indique que la voiture d'Hockenheim avait un moteur plus puissant et qu'il accepte de modifier la voiture de John avec une spécification similaire.

Décédé en 2017, John Surtees avait gardé et utilisé pendant toute sa vie cette 507 unique en son genre, résistant même discrètement à une intimidation d'Enzo Ferrari pour qu'il renonce aux voitures allemandes. Elle est estimée £ 2M à vendre par Bonhams à Goodwood le 13 juillet, lot 330. Je vous invite à regarder la video préparée par Goodwood Road and Racing avec Bonhams.

27 juin 2018

L'Echappement de la Marine

L'échappement à ancre sans pendule est conçu par l'horloger anglais Thomas Mudge à partir de 1754. Ses montres-chronomètres de poche de haute précision pourront intéresser la Marine à cette époque où des améliorations sont encore bienvenues pour la mesure des longitudes.

Cette miniaturisation prometteuse est extrêmement difficile à réaliser. Mudge présente son premier exemplaire fonctionnel au roi en 1770. En 1781 Josiah Emery, un Suisse installé à Londres, commence une production de série pour de riches clients. Il meurt en 1797. Sa production totale de montres à échappement est estimée à 38 unités.

Le vice-amiral Nelson était soucieux de la maîtrise du temps. Le matin de la bataille de Trafalgar, 21 octobre 1805, il sort de sa poche sa montre-chronomètre Emery et rassemble ses officiers pour vérifier que leurs montres sont réglées sur sa propre référence de temps.

Il est tué dans la bataille. Son corps est immergé dans un tonneau d'eau-de-vie pour assurer le rapatriement et ses objets personnels sont soigneusement mis de côté.

La montre Emery entrera par héritage en 1835 en possession de la nièce du héros. Elle comprend l'importance historique de l'objet qu'elle fait insérer dans une armature d'horloge de carrosse avec l'inscription 'The Chronometer of Horatio Viscount Nelson. Worn by him at The Battle of Trafalgar, placed in this case by his niece Charlotte Mary, Lady Bridport, to be preserved for any one of her descendents who may enter the Navy'.

Considérant son numéro de série 1104, cette montre a été fabriquée par Emery vers 1787. Nelson n'avait pas cette montre à la bataille du Nil en 1798 et elle était trop chère pour ses moyens. L'hypothèse d'une récompense accordée pour ses victoires est plausible. Elle est estimée £ 250K à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 72.

26 juin 2018

Spectroscopie Röntgen

La liste des travaux récompensés par les Prix Nobel scientifiques donne une excellente vision historique des plus prometteuses ouvertures apportées par les découvertes. Ainsi le Prix Nobel de Physique met en lumière par deux fois les rayons cathodiques, en 1901 et 1905, suivis de la spectroscopie X en 1914 et 1917 et de la cristallographie X en 1915.

Mort au champ d'honneur en 1915 à l'âge de 27 ans, Henry Moseley n'a pas eu le Prix Nobel. Il l'aurait mérité par l'importance et la variété de ses contributions incluant la loi empirique reliant le spectre X d'un élément à son numéro atomique.

A partir de 1914 Manne Siegbahn étudie la spectroscopie X auprès de Rydberg à l'université de Lund. Brillant ingénieur, il améliore considérablement la résolution des mesures, aboutissant à une classification et à une cartographie des spectres de Moseley. Devenu en 1922 professeur à l'université d'Uppsala, il publie ses résultats en 1923 sous le titre Spektroskopie der Röntgenstrahlen.

En 1924 le comité Nobel ne parvient pas à désigner un lauréat en physique. En 1925 ce prix est attribué rétroactivement à Siegbahn.

Kai Siegbahn continue l'oeuvre de son père. Utilisant l'émission photoélectrique, il obtient des mesures de très grande précision des niveaux d'énergie dans les atomes. Il partage le Prix Nobel de Physique en 1981 avec deux spécialistes de la spectroscopie laser.

Les médailles et les diplômes Nobel de Manne et Kai Siegbahn seront vendus ensemble par Sotheby's à Londres le 9 juillet, lot 400 estimé £ 150K.

25 juin 2018

Les Lis des Jardins Royaux

Arrivé à Paris à l'âge de 23 ans en 1782, l'artiste Wallon Pierre-Joseph Redouté choisit comme spécialité l'illustration des fleurs. A cette époque les naturalistes se réunissent au Jardin du Roi qui sera plus tard le Jardin des Plantes. Redouté apprend l'aquarelle auprès de van Spaendonck.

Introduit à Versailles, Redouté entre au service de la reine Marie-Antoinette. Il sera sous l'Empire un artiste officiel de l'impératrice Joséphine et assurera la formation artistique de la princesse Adélaïde d'Orléans.

Redouté peint sur vélin plusieurs centaines d'aquarelles montrant les fleurs des jardins de Malmaison, Saint-Cloud, Versailles et Sèvres. Sa précision botanique est extrême, sans erreur de proportions et sans distorsions.

Redouté prépare les gravures associées à ses aquarelles. Pour obtenir la précision désirée des contrastes les plaques sont ré-encrées après chaque impression. Les images sont terminées à l'aquarelle guidée par de minuscules pointillés gravés dans la feuille.

Cet ensemble de 487 images 51 x 34 cm est imprimé en 280 exemplaires par Didot jeune et fourni en 80 livraisons entre 1802 et 1816. Le titre, Les Liliacées, est réducteur par rapport au contenu qui couvre l'ensemble des monocotylédones.

La jeune duchesse de Berry entrée par alliance dans la branche légitimiste des Bourbons deviendra à son tour une protectrice de Redouté. Avant la chute du régime elle possédait les aquarelles originales des Roses publiées par Redouté après l'achèvement des Liliacées.

Le 11 juillet à Londres, Christie's vend un exemplaire des Liliacées qui avait appartenu à la duchesse de Berry. Relié pour la duchesse en huit volumes, cet ensemble est estimé £ 350K, lot 281.

En 1985, les aquarelles originales des Liliacées reliées en 16 volumes ont été vendues en un seul lot par Sotheby's pour $ 5,5M incluant premium. Ce résultat remarquable était à l'époque le dixième plus haut prix enregistré pour une enchère d'art. Achetées par un libraire pour un consortium créé par lui pour cette opération, elles ont été réparties juste après la vente parmi ses porteurs d'actions, aboutissant pour son profit au démantèlement qui avait été prévu à l'origine par la maison de ventes.

La Trahison des Publicités

Les images et les mots nous trompent en permanence. Leurs associations nous mènent dans un univers factice. Leurs créateurs manipulent notre pensée dans un but qui peut être social, racial, commercial. Nous suivons comme un gigantesque troupeau de moutons.

Les images sont innombrables et galvaudées. Andy Warhol, Gerhard Richter et Richard Prince ont bâti leur univers sur de mauvaises images découpées dans des magazines.

Barbara Kruger travaillait comme graphiste dans un magazine de mode. Au début des années 1980 elle veut partager sa vision du mensonge illimité de la vie sociale post-moderne. Elle photographie ses collages constitués de mauvaises photos des magazines, souvent déchirées et recollées, sur lesquelles elle ajoute un slogan incisif.

Les premiers slogans sont hermétiques. L'utilisation généralisée du You, du We ou du I appliqué à des groupes non définis incite l'observateur à réfléchir sur les rapports de forces dans le monde moderne. Il attend un lien entre l'image et le slogan, et son absence renforce son malaise.

Les slogans deviennent vite plus compréhensibles, basés sur des locutions connues de tout le monde détournées contre la société de consommation : Your fact is stranger than fiction, I shop therefore I am. When I hear the word culture I take out my checkbook, 350 x 170 cm réalisé en 1985, a été vendu pour $ 900K incluant premium par Christie's le 8 novembre 2011 sur une estimation basse de $ 250K.

We have received order not to move est dès 1982 un cri contre l'oppression des femmes. 'We' apparaît comme l'identification des femmes par opposition au monde dont les règles ont été établies par et pour les hommes.

Le 27 juin à Londres, Sotheby's vend une photo 187 x 124 cm réalisée en 1984 incluant le slogan menaçant We are public enemy number one, lot 194 estimé £ 180K. Sur cette image la forme humaine n'est pas identifiable : personnage ou ombre, de face ou de dos, homme ou femme.

24 juin 2018

Charmes Voraces

Peintre typique de l'époque Victorienne dans un style proche d'Alma-Tadema et de Leighton, John William Waterhouse est inspiré par les nombreux mythes de la femme fatale. Seule ou en groupe, elle n'est jamais dominée par l'homme mais ses désirs et sa curiosité peuvent être catastrophiques. Elle est Ophélie mourant d'amour. Attirée par la magie, elle ouvre la boîte de Pandore.

Le 12 juillet à Londres, Sotheby's vend The Siren, huile sur toile 81 x 53 cm peinte en 1901, lot 12 estimé £ 1M.

La belle enchanteuse est juchée sur son rocher. Entièrement nue, elle tient la lyre qui est le symbole de son charme. Elle se penche en avant pour observer un marin qui se noie devant elle et chante doucement. Elle ne conçoit pas qu'elle pourrait tendre la main pour sauver l'homme. Les deux jeunes gens se regardent, attirés l'un vers l'autre par des passions opposées, charme destructeur et impossible appel à l'aide.

Waterhouse ne confond pas Siren et Mermaid, bien que les jambes de sa Siren soient couvertes d'écailles qui viennent se confondre dans les embruns. Il peint la même année une jolie femme nue assise, encerclée dans sa queue de poisson. Il n'y a pas d'homme dans cette scène-là : peut-être a-t-il déjà été dévoré.

Une autre peinture de voracité similaire mettant en scène six nymphes nues attrapant un homme dans un étang a suscité un scandale en janvier 2018. Elle avait été décrochée d'une cimaise de la Manchester Art Gallery à la demande de féministes puritaines qui voulaient déclencher un débat sur l'exposition des corps des femmes.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's. L'image est partagée par Wikimedia.


Une Fille de France

Actif à Paris à partir de 1319, Jean Pucelle qui était peut-être d'origine Italienne est spécialisé dans les livres de prières somptueusement enluminés pour la famille royale. Il introduit des nouveautés dans la mise en page, avec une riche profusion de miniatures et de lettrines, des oiseaux branchés dans les marges et des drôleries burlesques en bas de page. A partir de 1334 et jusque vers 1375 Jean le Noir continue cette activité avec un important atelier.

Le roi d'Angleterre Edouard III relance la guerre en 1355. Le roi de France Jean le Bon est fait prisonnier l'année suivante à la bataille de Poitiers. Il est libéré en 1360 par le traité de Brétigny au prix d'une large amputation de ses territoires et de la promesse de paiement aux anglais d'une gigantesque rançon.

Jean a deux filles à marier. Intéressé par une alliance avec la France, le duc de Milan achète le mariage de son fils et héritier avec la plus jeune fille âgée de douze ans. Marie a seize ans.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend le bréviaire de Marie de France, lot 12 estimé £ 500K. Les illustrations sont de la main d'un collaborateur de Jean le Noir.

Ce livre manuscrit est composé de 602 feuilles 19 x 13 cm sur vélin incluant trois doubles pages enluminées plein format. Il inclut aussi des miniatures et des initiales historiées, ainsi que le blason de Marie. Pour l'usage d'une jeune fille bien sage, les drôleries ne sont pas truculentes. Un portrait de Marie protégée par Ste Catherine indique qu'elle n'est pas encore mariée.

Le mariage de Marie avec le duc de Bar en 1364 donne le terminus ante quem du manuscrit. Onze enfants de ce couple atteindront l'âge adulte. La duchesse est également connue comme bibliophile et protectrice des lettres. Le duc de Berry qui commandera les Très Riches Heures était un de ses frères.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

23 juin 2018

Mace et Candareens

La guerre Sino-Japonaise pour le contrôle de la Corée se termine en avril 1895 en une catastrophe militaire et économique pour la dynastie des Qing, plus menacée que jamais par les intrusions étrangères. Le jeune empereur Guangxu n'était qu'une marionnette de l'impératrice douairière Cixi. Il tente cependant de moderniser la Chine sur le modèle de Meiji.

En 1897 la société Américaine Ferracute reçoit un contrat pour fournir et installer des presses à monnaies dans les provinces Chinoises, à la demande du gouvernement impérial. Le matériel est envoyé sans attendre et le transfert de technologie est effectué avec succès en 1898 dans le Szechuen pour produire des pièces en argent et la petite monnaie de laiton, le tsen appelé familièrement le cash.

Pour l'argent la plus grosse dénomination correspond très exactement à un dollar Américain. Le mot dollar n'apparaît pas, remplacé par les unités de poids du système décimal Chinois, mace et candareen. Le dollar Chinois est marqué en anglais 7 mace and 2 candareens et le demi-dollar 3 mace et 6 candareens. La province émettrice est indiquée sur la même face, centrée sur l'effigie d'un dragon. L'autre face est inscrite en caractères Chinois.

D'autres provinces imitent aussitôt le Szechuen avec la même conception. En 1898 également Guangxu tente de mettre en place un ambitieux programme de réformes qui est stoppé par un coup d'état militaire organisé par Cixi. Ces évènements aboutissent en 1899 à la guerre des Boxers. Curieusement les monnaies provinciales d'origine Américaine survivent à cette phase xénophobe.

La vente organisée par Heritage à Hong Kong le 28 juin inclut trois raretés en état splendide, gradées par NGC.

Le 'dragon dollar' 1898-1899 'Cheh-Kiang Province' gradé MS66 est estimé $ 500K, lot 30074. Le demi-dollar de la même période et de la même province gradé MS67 est estimé $ 100K, lot 30073. Le demi-dollar 1899 'Kiang Nan Province' gradé MS62 Prooflike est estimé $ 250K, lot 30088.



22 juin 2018

Les Bibles Polyglottes

Préparée entre 1502 et 1517 à l'université catholique d'Alcala, la première Bible polyglotte a pour but d'offrir aux théologiens et aux orientalistes les textes sacrés dans leurs langues traditionnelles. La lecture comparative est directe sur trois colonnes par page pour l'Ancien Testament en hébreu, latin et grec. Pour le Pentateuque une traduction commentée en chaldéique est ajoutée. L'hébreu est omis pour le Nouveau Testament.

Christophe Plantin s'installe en 1549 à Anvers comme relieur puis devient imprimeur en 1555 dans cette ville.

La Bible d'Alcala devenait périmée. Il lui était reproché d'être inégale, due à la difficulté de l'équipe d'édition de maîtriser les quatre langues. De plus la plus grande partie des exemplaires avait disparu dans un naufrage et elle n'avait pas été rééditée.

Plantin a l'idée de créer une nouvelle Bible polyglotte basée sur la Bible d'Alcala. Il expose quelques modèles de feuilles à la Foire de Francfort en 1566 pour trouver des sponsors, mettant en concurrence les catholiques et les protestants. Le projet passionne le roi d'Espagne Philippe II qui est aussi souverain des Pays-Bas. Le roi envoie en 1568 son chapelain Benito Arias Montano pour créer une équipe d'experts philologues et superviser l'édition.

Dans les quatre langues ainsi que pour le Syriaque qui a été ajouté, l'imprimeur parvient à choisir les plus beaux types disponibles, incluant les caractères Hébreux utilisés par Bomberg et Grecs par Alde. Dans l'atelier quatre presses sont utilisées pendant cinq ans.

Pour son usage personnel et pour présenter à de grands dignitaires, le roi commande treize exemplaires sur vélin. Ces livres de très grand luxe sont terminés en 1572 en folio 42 x 30 cm. Deux volumes de thesaurus ne sont pas prêts mais leur version sur papier pourra être ajoutée ultérieurement.

Philippe II avait gardé cinq exemplaires pour son usage personnel. Ils resteront groupés dans la collection royale pendant plus de deux siècles, jusqu'à ce que Charles III les partage entre ses fils. L'exemplaire du plus jeune fils, 6 volumes reliés en 11 livres, est estimé £ 400K à vendre par Christie's à Londres le 11 juillet, lot 152. C'est le dernier exemplaire sur vélin restant en mains privées. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


21 juin 2018

La Berlinette Britannique

Après les grands succès de 1959 Aston Martin met fin successivement à ses équipes en Grand Tourisme et en Formule 1. Les efforts de développement concernant la DB4GT incluent cependant des versions de compétition. La domination de Ferrari appelle à des allègements pour lesquels Aston Martin coopère avec Carrozzeria Zagato. Le coupé DB4GT Zagato est dévoilé au Salon de l'Auto de Londres en 1960.

John Ogier, propriétaire de l'équipe privée Essex Racing Stable, veut maintenir une participation entièrement Britannique dans les compétitions internationales. Il achète deux DB4GT Lightweight en 1960 puis deux DB4GT Zagato en 1961. Il obtient pour son équipe le support de l'usine. A la même période l'Américain Cunningham tente une approche comparable avec Jaguar.

En 1962 Aston Martin sent bien que ce ne sera pas suffisant pour gagner. Sous la référence de projet MP209, Zagato va encore plus loin dans l'allègement avec d'importantes modifications de la forme de la carrosserie.

L'une des deux Zagato 1961 de l'équipe Essex est lourdement accidentée en mai 1962 à Spa. Des réparations importantes sont nécessaires et Aston Martin transforme cette voiture selon la configuration DP209. Elle est à nouveau accidentée en août 1962 à Gooodwood, cette fois-ci avec au volant le futur champion du monde Jim Clark.

Dans le haut de gamme ce sont les victoires qui génèrent les ventes. La berlinette Aston Martin a beaucoup de déboires en compétition, incluant la tenue de route et l'usure des pneus. La collaboration entre Aston Martin et Zagato est terminée après la 19ème voiture alors que 25 avaient été prévues à l'origine. Trois voitures seulement ont reçu la configuration DP209. Elles peuvent être considérées comme des prototypes du châssis P214 sorti en 1963.

L'ancienne Zagato DP209 d'Ogier a été rétablie dans sa configuration de 1962 après un accident de la route dans les années 1990. Elle sera vendue au lot 335 par Bonhams à Goodwood le 13 juillet. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes. La vue arrière est partagée par Hipwell sur Wikimedia.

La 14ème Zagato, qui n'était pas une DP209, a été vendue pour $ 14,3M incluant premium par RM Sotheby's le 10 décembre 2015.




19 juin 2018

Têtes Idéales par Canova

Spécialiste du marbre, Antonio Canova sculpte des figures et des monuments d'une extrême qualité. L'oeuvre est précédée de modèles en argile et en plâtre.

Grâce à un processus mis au point par l'artiste, la finition est belle et brillante, atteignant la délicatesse d'une vraie peau. Canova a expliqué sa méthode qui consiste à passer sur la surface un pinceau trempé dans de l'eau sablée puis à nettoyer avec une éponge. Le marbre reste naturel sans adjonction de pigments.

Les bustes de jeunes femmes se prêtent très bien à la perfection atteinte par Canova. A partir de 1811 il propose à ses clients des Têtes Idéales (Teste Ideali) auxquelles il donne généralement des identifications mythologiques, historiques, littéraires ou allégoriques. Certaines sont données à des patrons qu'il souhaite honorer.

En mars 2012 une tête en marbre est vendue aux enchères à Londres sans identification d'auteur et de sujet et sans provenance. L'acheteur l'inspecte après la vente et l'identifie comme étant La Paix sculptée en 1814 par Canova pendant qu'il travaillait à une statue entière sur ce thème pour un ministre Russe.

A cette époque toute l'Europe a hâte d'en finir avec les guerres Napoléoniennes. Le Pape demande l'aide de Canova pour le rapatriement d'oeuvres pillées. Le Buste de la Paix a été promis puis donné par l'artiste à un Lord Britannique impliqué dans ce projet. L'identification de l'oeuvre a été perdue par les descendants.

Ce buste de 53 cm de haut en incluant son socle en marbre blanc sera vendu au lot 25 par Sotheby's à Londres le 4 juillet. La vidéo ci-dessous montre que sa qualité est réelle. Il est surprenant qu'aucune attribution n'ait été tentée en 2012.

La Dérive Finale de Kippenberger

Martin Kippenberger a toujours mis en question la civilisation. Son art décalé centré sur des auto-portraits repoussants montre bien qu'il ne peut pas obtenir de réponse. La société n'empêche pas les catastrophes. Parfois elle les provoque, suscitant des scandales.

En 1996 il expose à Copenhague son installation intitulée The Happy End of Franz Kafka's Amerika. A côté de son installation il voit Le Radeau de la Méduse.

Ce Radeau à la dérive peint par Géricault en 1818-1819 a assuré la transition entre le classicisme et le romantisme, entre l'art officiel obséquieux et la protestation politique. Les dimensions de l'original, 491 x 716 cm, en font l'équivalent d'une installation moderne. Basée sur un fait réel, la peinture entremêle les vivants, les agonisants et les cadavres. Contrairement à la peinture classique il n'y a pas de héros mais la vigie qui domine cette scène terrible est un noir.

Kippenberger est malade. Le cancer attaque son foie et son pancreas et il ne se soigne pas. Il a l'âge auquel Mapplethorpe est mort, 43 ans. Sa femme Elfie le photographie dans les positions des personnages de Géricault. Il réalise une importante série de peintures, dessins et lithographies sur le thème du Radeau, centrée sur un tapis qui montre le plan du radeau.

Le 27 juin à Londres, Phillips vend au lot 8 une huile sur toile 150 x 180 cm peinte en 1996. Cet autoportrait est mis en scène dans la position du cadavre prêt à tomber dans la mer en bas à droite du Radeau de Géricault. La bande bleu foncé à gauche de l'image accentue l'idée que la mort est inéluctable, un peu sur le modèle du sinistre Black Fire abstrait de Barnett Newman.

18 juin 2018

Louis XIV à Cheval

Pendant le règne de Louis XIV l'art doit glorifier ce roi qui veut être l'égal des plus grands souverains de l'histoire. En 1665 Bernin propose un monument équestre qui serait installé entre le Louvre et les Tuileries. Il reçoit deux ans plus tard la commande pour une statue en marbre de Louis XIV basée sur la statue équestre de Constantin.

Les années passent et le monument de Bernin n'est toujours pas livré. Le roi a établi pendant ce temps un régime protectionniste, y compris en matière d'arts. Avant même la réception du monument en 1685, Louvois demandait à Girardon d'y apporter d'importantes modifications. Cette statue de près de 4 m de haut est ensuite installée à Versailles.

Il faut faire mieux. En 1686 un bronze montrant Louis XIV debout en costume de sacre est installé sur la nouvelle Place des Victoires. Haut de 12 m en incluant son haut piédestal, le monument a été réalisé par Desjardins. Il sera détruit pendant la Révolution.

La place qui deviendra Place des Conquêtes avant d'être la Place Louis-le-Grand et plus tard la Place Vendôme est également en cours de construction. Poussé par Louvois, le roi commande en 1685 une statue équestre à Girardon. Conçu sur le modèle de la statue de Marc Aurèle, le monument est réalisé en 1692 en une seule coulée de 60 000 litres de bronze. Inauguré en 1699, il mesure 7 mètres de haut, 17 m en incluant le piédestal, et sera également détruit sous la Révolution.

En 1690 Louvois veut la même chose pour son château à Meudon. Girardon prépare un modèle très similaire, avec un changement dans la position du bras pour tenir un bâton de commandement. Cette version sera illustrée dans le répertoire des oeuvres et collections de Girardon réalisé sous la supervision de l'artiste à la fin de sa vie.

Quatre répliques en réduction de la statue équestre de Louis XIV par Girardon ont été réalisées sous la supervision de l'artiste. Une seule d'entre elles est dans la configuration Louvois-Meudon. Cette statue 104 x 90 x 43 cm pesant 232 Kg est estimée £ 7M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 130.

La date de fonte d'un des trois spécimens en configuration Louis-le-Grand est connue : 1696. Les inspections radiographiques de trois répliques montrent que les bras ont été assemblés sur des corps étayés par des armatures internes similaires.

17 juin 2018

Les Cinq Travaux d'Hercule

Pietro Tacca avait les talents et la position nécessaires pour devenir un des meilleurs sculpteurs de tous les temps. Il n'a pas eu de chance. Elève puis assistant de Giambologna à Florence, il succède au maître en 1608. Dans le même temps le baroque succède au maniérisme.

Tacca conçoit des groupes dans des activités violentes ainsi que des monuments équestres, réalisés en bronze par assemblages d'éléments. Sa statue du roi Philippe IV d'Espagne sur un cheval cabré en équilibre sur les pattes arrière et la queue est un exploit technique sans précédent mais l'artiste meurt en 1640 juste avant l'installation de ce chef d'oeuvre.

En 1612 l'héritier du trône d'Angleterre est le prince Henry, âgé de 18 ans. Il communique au grand-duc de Toscane son intérêt pour les bronzes. Attiré par l'idée d'un support facile pour une nouvelle alliance, le grand-duc commande à Tacca des groupes illustrant les travaux d'Hercule.

Vers 1614 Tacca a réalisé cinq modèles mais le jeune prince est mort et le projet n'intéresse plus personne. Vingt ans plus tard il restait encore des arriérés de paiement.

Ce n'est pas Pietro mais son fils Ferdinando qui porte à la perfection l'art du bronze Florentin, avec une finition de surface qui simule de façon différenciée la peau, le cheveu, le textile, la fourrure, la roche, la plante. Les cinq travaux d'Hercule étaient restés inutilisés. Ferdinando réalise les premiers bronzes de cette série après la mort de son père. La sculpture est passée de mode. Dix ans plus tard Ferdinando devient machiniste de théâtre et architecte.

En 1681 le roi de France Louis XIV désire parachever l'éducation de son fils héritier le Grand Dauphin. Il constitue une collection de neuf bronzes à caractère humaniste incluant quatre des travaux d'Hercule réalisés dans les années 1640 par Ferdinando Tacca.

Sorti des collections royales pendant la Révolution Française, Hercule terrassant le taureau Acheloüs, 58 x 55 x 38 cm avec une belle patine brun-rougeâtre, a été vendu pour $ 1,65M par Sotheby's le 20 mai 1994. Il sera vendu par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 110. Le communiqué de presse du 16 avril annonce une estimation autour de £ 5M.

Amitié entre Florence et Dresde

L'Europe n'est pas une nouveauté. Florence et Dresde dépendent toutes deux du Saint-Empire Romain. L'électeur de Saxe aimerait avoir des ânes Italiens dans ses étables. La coopération qui s'établit entre les deux villes à partir de 1572 est l'équivalent d'un jumelage moderne. Florence est la capitale des arts, incluant des monuments et des sculptures grandioses. Dès 1577 Dresde a l'ambition d'être reconnue comme la Florence de l'Elbe.

L'électeur August de Saxe meurt en 1586. Florence prépare des cadeaux diplomatiques pour son successeur l'électeur Christian. Les présents incluent des chevaux et des bronzes.

Le grand-duc Francesco est un grand amateur du style Maniériste. Depuis 1583 l'Enlèvement des Sabines de Giambologna (Jean de Boulogne) est installé dans la Loggia dei Lanzi qui était et est restée la plus sensationnelle exposition permanente au monde pour des sculptures monumentales.

Le cadeau du grand-duc inclut trois bronzes par Giambologna, probablement choisis dans la collection ducale. Giambologna est au faîte de sa gloire au point que le grand-duc refuse qu'il quitte Florence. Il n'ira pas à Dresde mais ajoute un bronzetto à titre personnel. L'électeur l'en remercie par une chaîne en or. Les quatre bronzes figurent dès 1587 dans l'inventaire du Kunstkammer électoral.

Pour cette opération Giambologna a choisi le Dieu Mars. Le modèle avait été créé par d'autres artistes. Le style est résolument maniériste, opposant les gestes de grande autorité du dieu de la guerre à une nudité musclée. Aucun accessoire symbolique n'est nécessaire pour identifier le dieu. Ce thème n'est pas lié à la personnalité du nouvel électeur qui n'avait pas d'ambitions militaires.

Les opérations nécessaires à la réalisation d'un bronze étaient longues mais Giambologna a probablement créé ce Mars spécifiquement pour cette opération. La supériorité de l'artiste sur ses concurrents réside dans la qualité du ciselage et de la finition. La petite dimension inhabituelle pour l'artiste à cette époque est peut-être une volonté politique de ne pas concurrencer les oeuvres offertes par le grand-duc.

Ce bronze de 40 cm de haut monté sur un petit socle en bois est estimé £ 3M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 5. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

16 juin 2018

L'Erosion des Ancêtres

Les anciens Africains n'écrivaient pas. Les régions sèches ont préservé leur art, donnant une petite idée incomplète de la vie sociale et des croyances des humains dans les conditions primordiales.

Dans la forêt humide le bois pourrit. Pourtant quelques oeuvres du groupe ethnique Mbembe du Nigeria ont été préservées par un mécanisme proche de la fossilisation qui a affecté différemment les parties dures et tendres du bois. Ces figures ont ainsi atteint en trois ou quatre siècles une texture craquelée qui renforce l'impression d'une épave primordiale.

Cet art était inconnu en Europe en 1972 quand Hélène Kamer-Leloup achète une statuette à un marchand Malien. Elle obtient en tout par cette provenance onze pièces de cette culture qu'elle expose dans sa galerie à Paris en 1974.

Par chance l'existence d'une pièce complète conservée au Staatliche Museum à Berlin permet de connaître la configuration globale et l'utilisation de cet art. Il s'agit d'un tambour monumental en bois évidé. Flanqué de deux plates-formes latérales occupées respectivement par la statuette d'un guerrier et d'une mère, il mesure 3,30 m hors tout.

Dans le corpus de cet art Mbembe l'homme est agressif, parfois debout. La femme est assise au sol avec les genoux levés, avec ou sans un enfant sur ses genoux. L'attitude est fière ou peut-être orante, avec le menton légèrement relevé.

Une figure féminine de 75 cm de haut provenant de la collection Kamer-Leloup d'origine est estimée € 2M à vendre par Christie's à Paris le 27 juin, lot 72. Les membres sont manquants au-delà des coudes et des genoux mais la tête a conservé des détails morphologiques précis.

15 juin 2018

Le Partage des Aquarelles

Au retour de son voyage de tourisme en Suisse en 1841, Turner décide de proposer des aquarelles d'assez grand format qui seront des oeuvres uniques en alternative aux huiles sur toile. En quatre ans il réalisera ainsi 25 "finished" landscapes.

Au printemps 1842 son agent commercial Thomas Griffith organise à Londres la vente de dix oeuvres dont quatre seulement sont terminées. L'artiste a réalisé des esquisses pour un total de quinze sujets qui permettront aux clients d'apprécier à l'avance l'effet de l'oeuvre finale.

Griffith sélectionne quatre clients pour cette opération. Trois sont de grands collectionneurs d'art moderne. Le très jeune John Ruskin dont la réputation comme critique d'art est déjà établie est le quatrième. Il reconnaîtra plus tard avec justesse que cette série d'aquarelles est ce que Turner a fait de mieux dans toute sa carrière dans cette technique.

Le plus ancien collectionneur refuse l'invitation. Le plus motivé est Munro of Novar qui avait eu en 1836 l'honneur rare d'être accepté comme compagnon de voyage de Turner. Il part avec trois aquarelles finies et achète deux des futures oeuvres. Ruskin choisit aussi deux futures oeuvres.

L'autre client est l'armateur Bicknell qui avait acheté en 1841 la vue de la Giudecca. Cette huile sur toile 61 x 92 cm est le chef d'oeuvre des vues de Venise par Turner. Elle a été vendue pour $ 36M incluant premium par Christie's le 6 avril 2006.

Dans le partage des vues de Suisse, Bicknell prend le Rigi bleu, une des quatre aquarelles 30 x 45 cm immédiatement disponibles. Cette vue de la montagne en contre-jour à l'aube est un chef d'oeuvre de l'art pré-impressionniste avec la limpidité et la luminosité d'une aquarelle sur papier. Elle a été vendue pour £ 5,8M incluant premium par Christie's le 5 juin 2006.

Pour faire pendant à son Rigi parmi les aquarelles restant à réaliser, Bicknell choisit une vue du lac de Lucerne depuis Brunnen. Elle est estimée £ 1,2M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 juillet, lot 209.

Après la livraison de la vue du lac à Bicknell, Turner donne son esquisse préparatoire à Griffith. Les esquisses n'étaient pas destinées au commerce. Turner gardera toutes les autres qui feront partie de son legs à Tate Britain. Cette aquarelle 25 x 31 cm du lac de Lucerne a été vendue pour $ 1,1M incluant premium par Christie's le 30 janvier 2018.

14 juin 2018

Transition Chippendale

Sorti en 1754 et étendu à 160 planches pour sa troisième et dernière édition en 1762, le "Director" de Thomas Chippendale est le recueil des plans conçus par lui pour fabriquer des meubles de luxe. Les clients peuvent s'adresser à l'auteur pour leurs ameublements et la concurrence peut s'en inspirer sans copyright. Chippendale apparaît ainsi comme le leader incontesté du nouveau mobilier de maison anglais. Le choix des styles est vaste, incluant Gothique, Chinois et rococo.

La très récente mode du néoclassicisme est inspirée en architecture par le néo-palladianisme et en mobilier par le style français appelé plus tard Transition Louis XV - Louis XVI. L'harmonie des proportions remplace la complexité des formes et des ornements. Les faces avant des commodes perdent leur galbe tandis qu'une attention nouvelle est portée à la splendeur des bois.

Succédant en 1765 à son père comme Baronet, Rowland Winn hérite d'une vaste demeure de style Palladien dans le Yorkshire. L'année suivante il achète une résidence à St. James's au coeur de Londres pour satisfaire les envies de sa femme pour une vie sociale brillante. Le baronet aime le style moderne pour lequel il fait appel à Robert Adam. Les relations d'Adam avec Chippendale sont excellentes depuis leur collaboration pour le mobilier Dundas.

Une commode néoclassique en acajou 89 x 159 x 59 cm ouvrant par deux portes est estimée £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 10. Elle était apparue dans la succession de Winn. En 1991 pendant la préparation d'une vente à Christie's, une facture datée 1769 de Chippendale à Winn avait fait surface, décrivant les transformations des tiroirs et casiers internes. Une date autour de 1766 est plausible pour la construction d'origine de ce meuble.

Cette pièce non signée est le chef d'oeuvre de Chippendale dans la catégorie des commodes néo-classiques, avec une façade rectilinéaire, des côtés latéraux concaves et une frise de grecques en ébène qui correspond bien à la nouvelle mode française.

Les seuls meubles directement comparables sont une paire de commodes réalisées environ dix ans plus tard, apparue en 1914 avec une histoire liée au duc de Wellington. Il est cependant intéressant de considérer également une commode en divers bois précieux à façade galbée, également non signée, vendue le 7 décembre 2010 par Sotheby's pour £ 3,8M incluant premium sur une estimation basse de £ 600K.

13 juin 2018

La Déesse Bleu Foncé

Artiste en résidence à Santiniketan, Tyeb Mehta y a trouvé ses sources. Ses personnages à la peau diaphane deviennent des réincarnations des déesses Hindoues dont la morphologie et les pouvoirs sont illimités.

La jeune Durga l'inspire. Peinte en 1984, une figure à deux têtes et quatre bras assise paisiblement à côté d'une tête de taureau coupée a été vendue pour INR 17,8 crores incluant premium par AstaGuru le 23 août 2017.

De retour à Mumbai il commence une nouvelle phase de sa carrière, intégrant progressivement par des couleurs vives l'extrême violence déployée pour vaincre le mal par les deux émanations de Parvati, Kali et Durga.

L'image de Kali à la peau bleue est reconnaissable par tout connaisseur de la mythologie Hindoue. Une huile sur toile 170 x 137 cm peinte en 1989 a été vendue pour INR 3,95 crores valant US$ 990K incluant premium par Saffronart le 7 juin 2007, un très haut prix pour cet artiste à cette époque. Elle est estimée US$ 3M valant INR 19,8 crores le 14 juin par la même maison de ventes en ligne depuis Mumbai, lot 33.

La déesse à la peau bleu de Prusse est debout dans une attitude d'extrême force physique, jambes écartées prêtes pour le combat. Un autre corps apparaît comme une victime vaincue tandis qu'une main d'un blanc pur atteint son ventre fertile, symbole de son rôle de renaissance après la destruction. Kali avait une telle force qu'elle piétina un jour le bon dieu Shiva. La langue pendante rouge écarlate exprime sa honte après cette maladresse.

Tyeb Mehta a peint très peu de figures de Kali dans cette attitude. Il préférera la bagarre épique de Durga avec le démon Mahishasura.

Le Grand Salon de Lord Dundas

Lawrence Dundas fait fortune dans la logistique de l'armée Britannique en Flandres pendant la guerre de Sept Ans. Il est nommé Baronet en 1762 sans attendre la fin de la guerre et est surnommé le Nabab du Nord, sans doute par allusion à son origine Ecossaise.

Le nouveau Lord achète et aménage plusieurs résidences somptueuses, donnant ainsi du travail à tous meilleurs architectes et ébénistes britanniques de son temps. Il ne refuse aucun style à condition qu'il soit luxueux et apprécie particulièrement l'architecture Palladienne et l'art décoratif des Gobelins.

Lord Dundas acquiert une résidence à Londres située très stratégiquement dans le quartier des affaires, dans Arlington Street. Pour agrandir cette maison à son goût il fait appel à l'architecte Robert Adam, grand connaisseur de l'architecture antique après un long séjour à Rome. Pour assurer la plus parfaite harmonie entre l'architecture et l'ameublement, il demande à Adam de dessiner les meubles.

Les dessins des sophas (selon l'orthographe du temps) et des chaises faits par Adam pour Dundas en juillet 1764 ont été conservés. La fabrication de ces sièges et de plusieurs autres pièces de mobilier est commandée à Thomas Chippendale. Les dessins de ces sièges sont proches d'une figure préparée en 1759 par Chippendale et incluse dans la troisième édition de son catalogue en 1762.

La suite de sièges réalisés par Chippendale en 1765 pour le grand salon d'Arlington Street est composée de deux paires de canapés et huit fauteuils sculptés dans un style foisonnant inspiré des bas-reliefs des sarcophages Romains avec sphinges et griffons. L'ensemble a été dissocié en 1934.

Les deux paires de sofas sont de largeur différente. Un exemple de 252 cm de large a été vendu pour £ 2,17M incluant premium par Christie's le 18 juin 2008. Il avait conservé des traces de sa dorure d'origine. Dans la même vente une paire de fauteuils a été vendue pour £ 2,3M incluant premium.

La paire de sofas de 218 cm a été dissociée en 1997. Ces deux sièges sont estimés £ 2M chacun à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 15 et lot 16. Ils sont discutés par Christie's dans la vidéo partagée et commentée par Antiques Trade Gazette.

12 juin 2018

La Nouvelle Andromède

Depuis la mort de Francis Bacon, Lucian Freud était le plus important artiste Britannique vivant. Ce rôle semble difficile à jouer. Il utilise avec motivation pendant plusieurs années l'accès permanent à la National Gallery qui lui est offert par la direction pour réexaminer l'art ancien.

En 2002 la Tate Gallery organise une grande rétrospective de son oeuvre, en neuf salles organisées selon la chronologie des oeuvres. La conclusion de ce parcours est la déclaration de Freud sur le nu. Il assimile le vêtement à une façade qui cache les instincts et les désirs. Il veut voir ses modèles aussi physiquement à l'aise que des animaux.

Les liens sont étroits également avec la Wallace Collection qui souhaite organiser une exposition consacrée aux oeuvres récentes de Lucian Freud. Ce musée possède un des plus beaux nus féminins de Titian, le Persée et Andromède. Les nus de Freud devront être à la hauteur. Il cherche son Andromède.

Il trouve Sophie, qui travaille pour Tate Publishing. Elle est grande et mince avec de longues jambes. L'Andromède de Titien est debout avec un des bras levé pour l'ancrage au rocher. Freud sait que ses nus couchés sont typiques dans son art. Il pose Sophie sur le lit avec un bras levé, dans une totale nudité.

Portrait on a white cover, huile sur toile 117 x 143 cm, est peint par Freud en 2002-2003 et sera exposé à la Wallace Collection en mai 2004. Cette oeuvre est estimée £ 17M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 6.

Avec ses amis, le vieil artiste savait encore mettre le nu en confiance, notamment par son célèbre bavardage. Julie et Martin, peint en 2001, est un bon exemple, vendu pour $ 17M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014. Avec Sophie, choisie par Freud pour son corps d'Andromède, cela ne se passe pas aussi bien. Le nu dormant du Portrait on a white cover a les doigts crispés aux deux mains et l'artiste obsédé par le réalisme ne les a pas assouplis.

11 juin 2018

Bouche d'Or des Chrétiens

Jean apprend la rhétorique et la culture grecque à Antioche avec le maître païen Libanius. Une période d'ascèse extrême met fin aux péchés de sa jeunesse qui étaient inacceptables, incluant le théâtre, l'éloquence profane et la gastronomie.

Ordonné prêtre en 386 CE, Jean clame ses homélies à la cathédrale d'Antioche. Il commente la Bible pour fustiger les riches et susciter les charités, et méprise les moines qui s'isolent plutôt que de se confronter aux réalités de la vie. Auteur imaginatif et fécond, orateur convaincant et adversaire permanent de toutes les corruptions, il est surnommé Chrysostome qui signifie Bouche d'Or.

Nommé archevêque de Constantinople en 397 il est désormais à contre-emploi. Par exemple il ne sait pas exploiter avec diplomatie une véritable victoire morale contre l'impératrice et continue à la comparer à Herodiade et Jezabel.

Ses sources préférées pour pourfendre les péchés et les abus et pour convertir les païens sont la Genèse, les Psaumes, les Evangiles de Matthieu et Jean et les Actes des Apôtres. Ses textes exemplaires ont été recueillis par son audience et retranscrits pieusement par les moines du Moyen-Age.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend un recueil manuscrit en grec de 44 homélies de St Jean Chrysostome sur l'Evangile de St Matthieu, lot 8 estimé £ 200K. L'analyse paléographique indique que cette copie a été réalisée à Constantinople à la fin du IXème siècle.

Ce livre 30 x 21 cm démontre le style très spécifique de Jean Chrysostome. Les citations directes de l'Evangile sont écrites en lettres majuscules pour bien séparer ces textes de leurs commentaires par l'orateur contre le matérialisme des riches.

Profil Immatériel

Yves Klein est le premier artiste du vide. Il atteint son but suprême en 1959 avec sa salle vide peinte en blanc dans la galerie d'Iris Clert. Il a créé une oeuvre d'art au-delà du visible. Son utilisation préférentielle de l'IKB (Yves Klein Blue) à partir de 1956 anticipait ce résultat. Le bleu est la couleur des éléments intangibles ou impalpables comme le ciel et la mer.

Yves avait besoin de la présence de jeunes femmes autour de lui pour créer ses monochromes. Le vide ne convient pas à ces demoiselles. De retour à l'atelier, elles enduisent leur corps nu d'IKB pour laisser leurs traces sur des papiers ou des toiles. Cette représentation immatérielle du corps humain plait à Yves qui organise des happenings. Ainsi ont commencé les Anthropométries (ANT).

L'artiste ne s'arrête pas à l'immatériel, il lui reste à simuler l'univers. Les éponges, le feu et les anthropométries sont les éléments qui lui permettront de visualiser sa métaphysique.

Le contact du corps avec le support peut être statique ou mouvant. Un ou plusieurs modèles peuvent participer. Bien que le détail de création ne soit pas connu, le Buffle réalisé en 1960/1961 est probablement le résultat de frottement par au moins deux femmes. Cet opus ANT 93 a été vendu pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2010.

Au début de 1962 Yves Klein tente une expression figurative avec ses modèles réduits de chefs d'oeuvres de la sculpture entièrement peints dans son très reconnaissable IKB. Il continue ses expériences avec les autres techniques.

Réalisée en 1962, ANT 5 est une Anthropométrie réalisée sur un carton préalablement carbonisé. La femme n'est plus un pinceau bleu. Son corps sert d'épargne au moment de la pulvérisation de l'IKB. Le résultat est une vraie image de femme nue vue de profil encadrée dans son ombre bleue. Elle est comme en lévitation. La position des jambes montre qu'elle était couchée sur le carton posé à plat pendant la pulvérisation. Un peu de bleu a glissé sous l'amincissement de la taille.

Cette oeuvre montée sur un panneau de bois 118 x 78 cm a été vendue pour £ 4,1M incluant premium par Christie's le 11 février 2010. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 5.

10 juin 2018

La Demoiselle d'Honneur

Le 31 janvier 2013, Le Metropolitan Museum of Art vend quelques oeuvres aux enchères par Sotheby's, au bénéfice de son fond d'acquisition. Le lot 107 est le portrait par un suiveur de Peter Paul Rubens d'une fillette qui est peut-être la fille de l'artiste, Clara Serena Rubens, morte à l'âge de douze ans en 1623.

Le catalogue est irréprochable, montrant que l'oeuvre avait été considérée comme autographe avant sa donation au Met. La comparaison avec les autres images connues du même enfant est établie. Le rapport de condition indique qu'une inspection sous lumière ultra-violette a été effectuée et que les impastos ont été préservés.

Estimée entre $ 20K et 30K, cette huile sur panneau 36 x 26 cm a été vendue pour $ 630K incluant premium.

Il n'est pas exagéré de considérer que le nouveau propriétaire a sauvé un chef d'oeuvre. La peinture a été débarrassée d'un vernis opaque et d'une couche inutile de peinture verte. Retrouvant toute sa luminosité, elle exhibe à nouveau les détails du sourire qui rend cette petite fille si ressemblante à sa mère, et les yeux légèrement humide d'une pose confiante pour son père. La dendrochronologie confirme l'hypothèse d'une pièce originale.

Dans cette image qui n'était pas commerciale, Rubens a apporté une intimité spontanée et authentique. L'effet psychologique est très réussi mais le teint pâle de la fillette est peut-être un signe de maladie. L'hypothèse d'un portrait post mortem est peu probable mais pas exclue.

Clara Serena était l'aînée et la seule fille des trois enfants de Peter Paul Rubens et Isabella Brant. En ce temps la biographie des enfants n'était pas documentée au-delà du baptême. Un dessin d'une demoiselle d'honneur de l'infante Isabella est certainement un portrait de la même fillette. Rubens était depuis 1621 le peintre officiel de la cour de l'infante. La date exacte et les causes de la mort de Clara Serena à l'automne 1623 ne sont pas connues. Trois ans plus tard à Anvers la peste enlevait la mère.

Cette peinture est estimée £ 3M à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 7. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.

Peter Paul Rubens (1577-1640) Clara Serena Rubens (1611-1623) Rubenshuis Antwerpen 28-5-2016 10-38-59

Street Art à l'Usage de Modène

Dans le très cosmopolite Lower East Side à Manhattan, SAMO© est le pseudonyme collectif d'un groupe d'écoliers pour tourner en dérision la religion puis la société de consommation. C'est la marque de leur prophétie à laquelle ils s'amusent à imaginer un engouement universel. Jean-Michel Basquiat et ses amis composent sous cette signature des slogans anticonformistes qu'ils taguent sur les murs.

Jean-Michel a été fortement sensibilisé par sa mère aux arts graphiques. Peu à peu mais sans doute inconsciemment, ses graffiti se rapprochent des galeries. En 1980 il cherche à récupérer pour lui seul le pseudonyme SAMO©. Il n'est pas encore identifié mais les télévisions locales aimeraient bien l'interviewer.

Keith Haring réalise ses graffiti de Radiant Babies à la même époque. Il parvient à rencontrer Jean-Michel pendant une action sur les murs d'une école d'art. Jean-Michel devient artiste. Son expérience des rues lui a donné une grande rapidité d'exécution avec le spray.

Emilio Mazzoli est un des tout premiers à comprendre que l'approche artistique de Jean-Michel est esthétiquement nouvelle dans des thèmes inexplorés. Il invite Jean-Michel pour une exposition solo en mai 1981 dans sa galerie à Modène en Italie. 

Le jeune artiste a quelques difficultés à passer la douane avec les oeuvres qu'il a préparées à New York. Il prépare de nouvelles peintures sur place. Inspirée par sa vision toute fraiche de l'Italie bucolique, The field next to the other road a les dimensions d'une fresque, 221 x 401 cm. Elle a été vendue pour $ 37M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015.

Réalisée en acrylique, oilstick, spray et collage sur toile 128 x 226 cm, New York New York a été spécialement préparée pour montrer à Modène l'ambiance du Lower East End et la vie dans les rues. Les maisons et les boutiques en couleurs vives rappellent un peu le Greenwich Village de Beauford Delaney. Les tags et les enseignes entremêlent leurs messages contradictoires. Le skully board symbolise la liberté créative des gamins des quartiers défavorisés de New York. Le nouveau symbole de l'artiste est la couronne à trois pointes qui apparaît deux fois.

Achetée directement à Mazzoli, New York New York n'avait jamais été vue hors de l'Italie. Elle est estimée £ 7M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 19.

9 juin 2018

L'Art de la Pointe Sèche

Les plus grands peintres comme Dürer, Rembrandt, Goya et Munch ont aussi voulu créer des images. En 1653 Rembrandt veut agrandir le format de ses gravures.

Ses solutions sont innovantes. La pointe sèche était utilisée jusque-là en complément de l'eau forte et du burin pour de petites retouches du dessin. Appliquée en oblique comme un crayon, l'aiguille améliore la variété du trait. Rembrandt tente des compositions entièrement en pointe sèche. L'incision de la pointe dans le cuivre est de faible profondeur, permettant une harmonie entre le dessin et les encrages laissés volontairement sur la plaque pour apporter des contrastes et des ombres.

Une belle image mérite un très beau papier. Rembrandt a été séduit par un stock de papier récemment importé à Amsterdam par la Compagnie Hollandaise des Indes Orientales, avec une belle teinte claire entre brun et jaune et une fibre qui n'absorbe pas l'encre et permet une netteté comparable au vélin.

Son premier chef d'oeuvre dans ces techniques améliorées est Les Trois Croix (Christ crucifié entre les larrons), 38 x 45 cm, réalisé en 1653. Il commence peu après à travailler sur une autre scène de la Passion, l'Ecce Homo (Christ présenté au peuple). Le papier oriental est moins haut que son cuivre et il adjoint une petite bande supplémentaire en haut de l'image.

Une impression du premier état de l'Ecce Homo est à vendre par Christie's à Londres le 5 juillet, lot 22. Le communiqué de presse du 30 avril annonce une estimation autour de US$ 3 à 5 millions. C'est le seul exemplaire restant en mains privées d'un des quatre premiers états de cette image.

Les plaques de cuivre s'usent, empêchant les gros tirages. L'artiste brouille volontairement plusieurs zones abimées de l'Ecce Homo à partir du cinquième état. Le huitième et dernier état est daté 1655. Pour le quatrième et avant-dernier état des Trois Croix vers 1661, il travaille différemment, remplaçant les jolis contrastes de fumée par des stries diagonales.

Cette solution ne pouvait pas satisfaire l'artiste à cause du travail considérable de préparation des nuances de l'encrage et de la réparation forcément incomplète et frustrante des plaques usées. Il ne réutilisera pas cette technique, renonçant à réaliser une série en pointe sèche sur la Passion du Christ.

8 juin 2018

Un Fauve dans la Mode

En supprimant le corset en 1906, Paul Poiret modifie pour toujours l'image de la femme Parisienne. Cette conception est transmise en 1908 dans un joli livret constitué de dix gravures en couleurs par Paul Iribe. Poiret est inspiré par les avant-gardes artistiques. Il apparaît ainsi comme un meneur du modernisme juste au moment où les Ballets Russes mettent à la mode un luxueux exotisme imaginaire.

La femme de Kees Van Dongen, Augusta, s'habille en robes de Poiret. Le 25 juin à Paris Hôtel Drouot, Leclere vend au lot 19 un portrait d'Augusta par Kees intitulé La Lecture - Rabelais, grande huile sur toile 145 x 145 cm peinte en 1911.

Comparée aux peintures réalisées par Van Dongen autour de cette date, La Lecture se différencie par ses thèmes et son style. La ligne fine évoque les illustrations du catalogue d'Iribe. L'ambiance mêle le Fauvisme et l'exotisme. Les à-plats striés sont dans le goût de Matisse et une peinture au mur aurait pu être une marine à Collioure. L'orientalisme est apporté par le profil de la femme brune et par la main de Fatma qu'elle porte en pendentif.

L'intention de plaire à Poiret est évidente. Rabelais est le titre du livre dans les mains d'Augusta. Cette référence est peut-être une connivence non identifiée avec Poiret. Le chat recroquevillé au premier plan fait un clin d'oeil amical.

L'influence de la mode contribue à faire basculer Van Dongen de l'anarchisme et des cabarets vers les mondanités élégantes. 'Deauville' est publié en 1931 avec cinq gravures par Van Dongen et un texte par Poiret.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Drouot Presse. La Lecture est présentée par le commissaire-priseur Damien Leclère.

Le Dollar d'Etain

Pendant la Guerre d'Independence, le Continental Congress émet de la monnaie de papier. Le dollar devient la nouvelle unité qui permettra de mettre fin aux disparités dans les treize colonies. Le montant total autorisé par le Congress est $ 241 552 780.

Les pièces portant d'un côté l'inscription Continental Currency et de l'autre American Congress sont datées 1776. Tout est simple : ce sont les premiers dollars métalliques. Elles sont assez abondantes avec plusieurs variantes de matrices.

Eh bien non ! Cette émission n'a pas livré ses mystères. Les numismates du XVIIIème siècle la considéraient comme une pièce de fantaisie et leurs arguments longtemps oubliés sont recevables.

Les Américains aiment enregistrer leurs décisions avec la plus grande précision, comme le montre par exemple le cas de la monnaie de papier à la même époque. Le Continental dollar n'est mentionné nulle part avant un almanach paru en Allemagne pour 1784.

Cette observation surprenante amène à questionner deux bizarreries.

Il était facile d'imprimer du papier pour faire circuler une monnaie qui n'était pas basée sur une richesse. Il était illusoire de mettre en place en parallèle une monnaie métallique pour la même utilisation. De plus la frappe du Continental dollar a été réalisée en trois matériaux, argent, laiton et étain, sans lien apparent avec le prix de ces métaux.

L'origine Américaine de cette émission était même mise en doute par les anciens numismates. Une des causes de l'écroulement de la monnaie papier est la contre-façon Britannique. La monnaie métallique pourrait être au mieux une sorte de médaille de souvenir, au pire une des tentatives Britanniques de discréditer la capacité des colonies à gérer leurs finances.

Le Continental dollar en argent est rare et recherché. Deux d'entre eux ont été vendus pour $ 1,53M chacun incluant premium par Heritage en janvier 2015.

Le 14 juin à Long Beach, Heritage vend au lot 3768 un Continental dollar en étain, précédemment vendu pour $ 550K incluant premium par la même maison de ventes en janvier 2012. Cette pièce gradée MS67 par NGC est le meilleur specimen connu toutes catégories confondues. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Heritage.

7 juin 2018

Un Trône pour Dora Maar

Il apparaît que Picasso ne savait pas contrôler ses émotions. Son auto-complaisance apparente serait donc un masque. Il a courageusement choisi de rester à Paris pendant l'occupation Allemande mais il étouffe psychologiquement. Il se sent malhabile dans les auto-portraits. Dora joue une fois de plus le rôle d'intercesseur entre l'artiste et le monde.

Dora est une intellectuelle engagée, probablement pleinement consciente de son rôle de miroir. Excentrique et provocatrice, elle accepte de voir son image défigurée par les fantasmes de Pablo. Dans la vraie vie elle n'était pas la femme qui pleure, malgré son hypersensibilité politique. Elle a pourtant peint des auto-portraits dans ce rôle pour donner raison à Pablo.

Dora Maar au chat, peint par Picasso en 1941, doit être considéré par rapport à la guerre. Elle est enfermée dans son fauteuil sans accès au monde extérieur, comme plus tard le pape de Francis Bacon. L'espoir est faible mais existe encore, marqué par la coquetterie du chapeau et des ongles et par la liberté d'un chat microscopique.

L'année suivante l'ambiance à Paris est encore plus pénible. Les attaques contre l'art dégénéré deviennent insistantes. Pablo a besoin de Dora mais elle est menacée par son passé de militante anti-fasciste. Il l'enferme à nouveau sur son fauteuil, mais l'affuble du nez de son chien Afghan pour qu'elle ne soit pas reconnaissable par leurs persécuteurs. Il prendra soin bien plus tard d'affirmer qu'il n'y avait pas de sadisme dans ses portraits de Dora Maar.

Portrait de femme (Dora Maar), huile sur panneau 100 x 80 cm peinte le 5 août 1942, a été vendue pour $ 22,6M incluant premium par Christie's le 6 mai 2014. Le 20 juin à Londres, Christie's vend au lot 20 Femme dans un fauteuil (Dora Maar), huile sur toile 92 x 73 cm peinte le 24 avril 1942.

Contre-Jour à Boisgeloup

De janvier à mars 1932 Pablo Picasso a franchi le pas. Ses images de Marie-Thérèse sur des toiles de grande dimension seront la partie essentielle de ses prochaines expositions, et tant pis pour Olga.

Boisgeloup offre un havre de tranquillité à Pablo. Marie-Thérèse est sa châtelaine, toujours calme même quand elle ne dort pas. Elle devient de plus en plus reconnaissable, surtout par son profil.

Le 19 juin à Londres, Sotheby's vend au lot 17 Buste de femme de profil, également titré Femme écrivant, peint à Boisgeloup le 1er avril 1932.

De dimension moyenne, 116 x 73 cm, cette huile sur toile offre une scène intimiste. La tête est limitée à son contour et à deux petites lignes courbes à l'endroit normal de l'oeil et de l'oreille, sans les distorsions que Pablo pratiquait si souvent. Le gros nez, la bouche entr'ouverte pour se concentrer et le menton un peu trop fort son reconnaissables, et la queue de cheval jaune confirme l'identité de la muse blonde.

Marie-Thérèse est en contre-jour dans un effet de surimpression avec l'encadrement de la fenêtre fermée. Les couleurs agréables sont dominées par le bleu du ciel. Le jardin apporte un halo vert.

Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.


6 juin 2018

La Religieuse Moderne

Paris désire apparaître comme la capitale mondiale de la décoration d'intérieur. L'ambitieux projet d'une 'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes' est réactivé après la guerre. Il est plusieurs fois retardé mais l'élan est donné. Les ateliers rivalisent en ingéniosité.

Pierre Chareau est à la fois architecte, concepteur de meubles et amateur d'art. Il est peu connu parce qu'il préfère travailler pour un cercle d'amis. Il cherche à associer la simplicité des formes et la fonctionnalité, sans craindre les difficultés techniques. Il conçoit en 1923 deux meubles résolument novateurs, la Table Eventail à plateau pivotant et la Lampe Religieuse.

La Religieuse est une lampe de parquet d'1,80 m de haut. Le haut fût affilé réalisé en métal plié est un exploit technique du ferronnier Louis Dalbet. L'abat-jour en albâtre apparaît comme une forme complexe bien qu'il soit seulement composé de quatre triangles identiques orientés en quinconce.

Ce modèle a probablement été inspiré par les sculptures cubistes de Lipchitz. La ressemblance de l'abat-jour avec la cornette d'une nonne est peut-être involontaire mais elle a donné une identification facile et une gloire durable à ce modèle sans précédent.

Le fût métallique est réalisé en très petite quantité en 1923 et 1924. Le chiffre exact n'est pas connu. Une de ces lampes est estimée $ 800K à vendre par Christie's à New York le 20 juin, lot 11.

La suite de la production est en bois. La collection Chwast incluait une paire en acajou dissociée par Sotheby's le 21 novembre 2016 pour € 1,08M et 850K incluant premium sur des estimations basses de € 300K chacune.

L'Exposition internationale a lieu en 1925. Son influence est considérable avec à la fois l'engouement pour le style Art Déco et la voie vers le modernisme. Chareau participe avec réticence, regrettant que le luxe domine par rapport à la production de masse. Il est ainsi un prédécesseur de Jean Prouvé.

Les théories de Le Corbusier apparaissent à cette exposition. Pour définir le caractère indissociable de l'architecture et du meuble, il les définit conjointement comme une machine à vivre. Chareau, Le Corbusier, Eileen Gray, Francis Jourdain et Auguste Perret ont inventé le meuble moderne à Paris autour de 1925.

5 juin 2018

Paysage par Malevitch

Les relations sont excellentes entre la France et la Russie, et les avant-gardes artistiques Parisiennes essaiment jusqu'à Moscou. A partir de 1908 des expositions sont organisées dans cette ville pour confronter les jeunes artistes des deux pays. En 1908 également Chtchoukine ouvre sa résidence au public.

Cet élan donne envie à Natalia Gontcharova et son compagnon Mikhail Larionov de créer un art moderne plus directement ancré dans les traditions Russes. Les scènes paysannes sont un de leurs thèmes. On a dit que leur groupe était également inspiré par les figures des icônes. Autour de Repine les artistes officiels crachent leur mépris.

Installé à Moscou depuis 1904, Kasimir Malevitch apporte sa contribution. En 1911 sa Funéraille Paysanne est comparable à Un Enterrement à Ornans par Courbet mais avec un choix de couleurs dans le style de Jawlensky. Cette oeuvre est perdue. Une gouache préparatoire 46 x 46 cm montrant la tête d'un paysan barbu a été vendue pour £ 2,1M incluant premium par Sotheby's le 2 juin 2014 sur une estimation basse de £ 600K.

Le 20 juin à Londres, Christie's vend une gouache sur papier assemblée sur panneau réalisée la même année, lot 17 estimé £ 7M.

Cette vue d'un village imaginaire est presque unique dans l'art de Malevitch. Le seul autre exemple identifié est perdu. Avec ses grandes dimensions, 106 x 106 cm, elle apparaît comme une oeuvre expérimentale à la recherche d'une synthèse de styles. Le format carré et la disparition de l'horizon sont hardis pour ce thème et peut-être inspirés par Klimt, la variété des couleurs évoque Kandinsky et le dessin volontairement naïf des maisons est post-cubiste.

Malevitch considérait cette oeuvre comme importante dans sa carrière. Il l'a souvent exposée jusqu'à sa tentative catastrophique de passage à l'ouest en 1927 dans laquelle il a perdu le contrôle de ses meilleures oeuvres. Elle a été restituée à sa famille en 2012 après avoir été exposée pendant 48 ans au Kunstmuseum Basel.

4 juin 2018

La Grande Gare du Modernisme

En 1876 Claude Monet a perdu son enthousiasme pour Argenteuil qui s'intègre progressivement dans la banlieue. Il passe les derniers mois de l'année dans une ambiance plus rurale à Montgeron pour la décoration de la résidence de Hoschedé.

Argenteuil ne l'inspire décidément plus. A peine revenu de Montgeron, il part pour Paris avec une autorisation de l'administration des chemins de fer pour travailler dans la Gare Saint-Lazare.

De janvier à mars 1877 il y réalise un véritable reportage composé de douze oeuvres, quatre à l'intérieur de la gare et huit à l'extérieur, dans des conditions météorologiques variées. Un passant a raconté avoir vu Claude Monet perché avec son chevalet sur une pile de caisses, le pinceau à la main, attendant fébrilement que la lumière ambiante corresponde à son attente.

Le choix de ce thème est inattendu pour cet artiste mais n'est absolument pas une tentative pour se dégoûter des fumées de la ville. Une meilleure hypothèse est que Monet se considérait comme un meneur de la nouvelle peinture en plein air et ne voulait pas se laisser déborder par les images urbaines de Caillebotte et Manet.

Effectivement lorsque la troisième exposition des Impressionnistes ouvre en avril 1877 ses gares Saint-Lazare sont déjà terminées et figurent en très bonne place dans sa sélection. Le rejet des thèmes modernistes par Monet vient un an plus tard quand Camille ne parvient pas à se relever de ses couches. La vie et le travail à la campagne deviennent indispensables pour Monet et sa famille et ses Gares Saint-Lazare resteront un ensemble sans équivalent.

Le 8 mai 2018 Christie's a vendu pour $ 33M incluant premium la seule image ensoleillée de la série, 61 x 81 cm.

Le 20 juin à Londres, Christie's vend une autre vue d'extérieur, huile sur toile de même dimension, lot 25 estimé £ 22M. Le premier plan est volontairement vide pour mieux attirer l'attention sur l'arrière-plan où les épaisses vapeurs des trains rejoignent un ciel lourdement nuageux. Les deux locomotives et les hautes arches des toits de verre de la gare donnent l'illusion d'un instantané pittoresque.

L'image est partagée par Wikimedia.

Claude Monet - Saint-Lazare Station, the Western Region Goods Sheds

La Chapelle des Condottieri

Francesco Sforza fut un très habile condottiere qui parvint à établir sa dynastie à Milan en succession des Visconti dont il épousa l'héritière. Son fils Galeazzo Maria lui succède comme duc de Milan en 1466, à l'âge de 22 ans.

Galeazzo Maria Sforza était un vrai prince de la Renaissance, à la fois humaniste et pervers. Il a rapidement mérité une réputation de lubricité et de sadisme. Dans le même temps les meilleurs musiciens accouraient dans sa chapelle ducale pour chanter et composer des messes et des motets.

Un livre de Grandes Heures manuscrit et enluminé pour le jeune duc a été vendu pour £ 1,22M incluant premium par Christie's le 6 juillet 2011 sur une estimation basse de £ 600K. Il est estimé € 600K à vendre par Aguttes pour OVA Aristophil à Paris Hôtel Drouot le 16 juin, lot 22.

Ce livre de très grand format, 35 x 24 cm, pouvait être lu sur un lutrin dans une chapelle. La luxueuse mise en pages est d'une grande originalité. Les enluminures sont de la main d'un artiste identifié comme le Maestro d'Ippolita d'après un travail réalisé en 1465 pour le mariage d'Ippolita Sforza.

Ces Grandes Heures Sforza à l'usage de Rome sont essentiellement dédiées à la Vierge, en latin avec quelques textes mineurs en italien. Les emblèmes et monogrammes ducaux répartis tout au long du livre montrent que sa magnificence est destinée à Galeazzo Maria lui-même.

Une page mentionne Sixte IV, permettant de dater le livre entre l'élection de ce pape en 1471 et l'assassinat de Galeazzo Maria en 1476.

3 juin 2018

Cent Daims et Quelques Grues

Le thème des cent daims est un rébus apporteur d'auspices, comme souvent dans l'art Chinois. Cent n'exprime pas une quantité réelle mais une multitude. Cent daims évoque par homophonie la réussite d'une longue carrière. Le pelage est de couleur variée sauf une bête qui est blanche pour une homophonie entre un et cent.

Deux vases de forme pansue aux cent daims portant la marque impériale de l'empereur Qianlong ont été vendus par Christie's : € 2M incluant premium le 14 décembre 2011 sur une estimation basse de € 350K, et € 4,15M incluant premium le 13 décembre 2017 sur une estimation basse de € 500K.

Sur ces deux vases de 45 cm de haut, les daims sont répartis avec des activités tranquilles dans un paysage. Les deux pièces sont en yangcai, la technologie transférée à Jingdezhen du falangcai des étrangers qui apportait à la porcelaine de Chine ses couleurs les plus somptueuses.

Le décor trop luxuriant ne semble pas dans le goût du début du règne mais la production n'est certainement pas non plus trop tardive. Jingdezhen n'était pas motivé à maintenir la difficile et coûteuse technologie du yangcai, réservée à de rares commandes spécifiques de la cour impériale.

Un vase de 28 cm de haut, piriforme avec un long col surmonté d'un bulbe, a été apporté par un client au bureau Parisien de Sotheby's, soigneusement rangé dans une boîte à chaussures. Il porte la marque impériale de Qianlong et offre au-delà des daims d'autres auspices comme une double frise de ruyi et des grues, oiseaux dont le plumage blanc est symbole de vieillesse et longévité.

Ce thème dans cette forme est extrêmement rare. Le vase conservé au Musée Guimet a aussi les ruyi mais n'a pas les grues. Une telle rareté n'est pas surprenante dans l'extrême variété des porcelaines Qianlong. Ce qui rend exceptionnel le specimen apporté à Sotheby's est la splendide conservation des émaux yangcai.

Les archives impériales ont enregistré par deux fois ce thème mixte en yangcai avec ruyi, daims et grues, pendant la 30ème et la 34ème années du règne, 1765 et 1769 CE. Dans la vidéo partagée par Sotheby's l'expert Nicolas Chow indique la 34ème année comme date probable. Ce vase est estimé € 500K à vendre par Sotheby's à Paris le 12 juin, lot 1.

L'Album Musicorum d'Aloys Fuchs

Fonctionnaire à Vienne, Aloys Fuchs est passionné de musique. Il construit sa bibliothèque musicale privée à partir de 1820 et côtoie assidument les compositeurs ainsi que les collectionneurs d'autographes.

Cette intense activité sociale est productive : les meilleurs musiciens de cette grande époque viennent discuter avec lui de ce que font leurs collègues. Une esquisse autographe musicale de Beethoven offerte et dédicacée en 1831 par Fuchs à Chopin a été vendue pour € 250K incluant premium par Sotheby's le 17 octobre 2012.

En 1830 Fuchs prend un cahier à musique 22 x 18 cm de 170 pages avec huit portées par page pour commencer son Album sur le modèle des album amicorum. Tous les musiciens importants de son temps ont ainsi inscrit une ou plusieurs pages de musique, mais seulement une fois par auteur. Mendelssohn, également grand collectionneur d'autographes musicaux, est un des premiers à écrire dans l'album.

On comprend bien l'intérêt qu'avait le musicologue à pouvoir comparer les meilleurs musiciens dans un document unique. En 1832 il insère le manuscrit d'un chant écrit par Beethoven, mort en 1827. Schumann édite cet opus en 1839 après l'avoir découvert dans l'album.

Les 170 pages sont insuffisantes pour le projet de Fuchs. Il ajoute des feuilles intercalaires. En 1851 l'album atteint 218 pages écrites et signées par 112 compositeurs. Quelques pages vierges indiquent que Fuchs n'avait pas terminé quand il mourut en 1853.

L'Album de Fuchs est estimé € 500K à vendre par Ader-Nordmann pour OVA Aristophil à Paris Hôtel Drouot le 20 juin, lot 1198.