Après la Naissance de Venus

Inspiré par la préparation d'un calendrier, Jeff Koons conçoit en 1994 et 1995 des sculptures monumentales à éditer en cinq exemplaires de couleurs différentes, chaque version devenant ainsi unique. Les thèmes seront des symboles simples et universellement reconnaissables. Une surface parfaitement réfléchissante intégrera l'oeuvre dans son environnement d'exposition. La série qui inclut aussi des huiles sur toile est nommée Celebration.

Le projet nécessite des développements technologiques et les retards s'accumulent, menant l'atelier au bord de la faillite. En 2000 l'édition de trois oeuvres monochromes, Balloon flower, Balloon dog et Moon, valide la faisabilité.

Les autres thèmes prévus par Koons présentent des difficultés supplémentaires qui sont progressivement surmontées. En 2004 Tulips est le premier assemblage multicolore, également en cinq versions de couleurs différentes. L'année suivante Diamond est bicolore.

En 2006 l'atelier réussit la production de formes complexes incluant le Hanging heart avec son fragile ruban. La version magenta-gold a été vendue pour $ 23,6M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2007.

Egalement en 2006 le Cracked egg séparé en deux éléments est la première installation. Le sommet renversé et posé à terre de l'oeuf émeut l'artiste qui compare complaisamment cette oeuvre à la coquille de la Naissance de Venus par Botticelli.

Les deux éléments 165 x 159 x 159 cm et 100 x 159 x 159 cm sont vides avec une surface intérieure argentée. Les bords craqués ont des formes irrégulières qui correspondent sans manques. La minceur des parois est visible, contrairement à tous les thèmes précédents, ajoutant une impression de délicatesse.

Cracked Egg (Magenta) a été vendu pour £ 14M incluant premium par Christie's le 13 février 2014. Cracked Egg (Blue) est estimé £ 10M à vendre par Christie's à Londres le 4 octobre, lot 18.

Come in to our #London King Street galleries from 9am today to view highlights from our upcoming #FriezeWeek sales. https://t.co/3rkSN5LPgX pic.twitter.com/TZCHWTlfG5

— Christie's (@ChristiesInc) September 28, 2018

La Tête de la Pyramide

Politiquement et socialement, Keith Haring est un idéaliste. Inspiré par ses débuts de graffeur dans le métro, il veut que son message soit vu par les foules. A partir de 1982 il obtient des commandes publiques comme muraliste dans des villes du monde entier.

Haring travaille très vite et sans dessin préalable, réutilisant sans cesse les pictogrammes de son propre univers surréaliste. Son oeuvre plait au public parce qu'elle est peuplée d'êtres étranges qui s'interconnectent. Les humanoïdes stylisés qui dansent par groupes avec les bras levés pour révérer leurs faux dieux promeuvent à la fois la joie et la naïveté.

L'artiste intègre aussi son propre temps. Une nouvelle technologie est arrivée sur terre : le personal computer. Il est la tête d'une chenille dans un vinyl sur bâche 307 x 302 cm peint en 1983. Le monstre est dangereux mais peut être apprivoisé : le personnage qui le chevauche a gardé sa tête, ce qui n'est pas le cas des trois danseurs. Cette oeuvre a été vendue pour £ 860K incluant premium par Sotheby's le 12 octobre 2012.

Le 4 octobre à Londres, Christie's vend un acrylique sur quatre toiles datées 18 avril 1984 de dimension totale 305 x 305 cm, lot 3 estimé £ 3M. La peinture au trait est effectuée sur un fond jaune vif psychédélique.

La figure principale est un triangle vide bordé par en bas par une rangée de joyeux danseurs. Par le subterfuge de la représentation bi-dimensionnelle, cette figure offre trois interprétations. Elle est la Pyramide qui symbolise les mysticismes antiques. Elle est une esplanade qui bloque l'accès aux monstres variés qui s'agitent avec frénésie et truculence jusqu'à ses bords. Elle est anthropomorphique par son prolongement en deux bras levés qui tiennent une soucoupe volante et un cerveau. La tête de la Pyramide est le nouveau dieu, le personal computer.

Je vous invite à regarder la vidéo préparée par Christie's pour introduire trois lots de la prochaine vente discutés par leur propriétaire, l'ancien galeriste Paul Maenz.

Autoportrait au Corps Gonflé

Jenny Saville termine en 1992 ses études au Glasgow School of Art. Elle a 22 ans. Elle observe avec réprobation les jeunes femmes de sa génération, obsédées par leur corps, menacées par l'anorexie, tentées par la chirurgie esthétique. Elle réalise des autoportraits plus grand que nature avec une tête reconnaissable penchée vers l'arrière et un corps nu hypertrophié.

Une peinture sur toile 210 x 179 cm intitulée Branded donne la clé de la pensée de l'artiste. Les mots de la féminité sont inscrits sur ce corps flasque : Decorative, Supportive, Irrational, Delicate. Ce sont les mots du langage des hommes. La contradiction totale entre le texte et l'image est une habile provocation. Branded a été vendu pour £ 1,5M incluant premium par Christie's le 16 février 2011.

Pour la soutenance de son diplôme, Saville expose une installation intitulée Propped composée d'une huile sur toile 213 x 183 cm et d'un miroir. La composition de cet autoportrait donne l'illusion que le personnage sort de son cadre par son obésité. Elle est énorme mais vulnérable, avec les mains et les pieds crispés.

Un texte est superposé à cette image, dans un plan, comme s'il était sur une vitre. Il est en écriture inversée afin que seule la femme puisse le lire. Le rôle du miroir est de fournir la compréhension au jury du diplôme. Par la suite et avec l'accord de l'artiste, le miroir ne sera plus utilisé.

Le texte de Propped est une citation de la psychanalyste Luce Irigaray, qui considère que les hommes et les femmes ont un langage différent. Les femmes veulent cependant parler le langage des hommes. Ce faisant elles flattent le narcissisme masculin et perdent leur propre personnalité.

Propped est estimé £ 3M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 octobre, lot 6.

L'audace de Propped et Branded a séduit Saatchi, et Saville sera une artiste majeure de ses expositions des Young British Artists. Intitulée Shift, une promiscuité de corps nus féminins exposée à la Royal Academy of Arts apporte en 1997 à Saville la célébrité par l'indécence voulue par Saatchi. Shift a été vendu pour £ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 28 juin 2016.

Cassant tous les canons de la beauté, l'art de Saville n'aurait pas pu être créé par un homme.

“[I] made a body that was too big for the frame, literally too big for the frame of art history” - Jenny Saville. 'Propped', one of the most influential paintings by a British artist of the last thirty years, will make its auction debut next month. https://t.co/673xayDZDQ pic.twitter.com/ey3lpExkDV

— Sotheby's (@Sothebys) September 27, 2018

La Saison des Pastèques

Le Coinage Act de 1792 basait l'équilibre de la monnaie Américaine sur une parité immuable à 15:1 entre l'or et l'argent. Ce bimétallisme n'a pas résisté aux ruées vers l'or. A partir de 1873 le gouvernement cherche en vain à répondre à la fois à la popularité de l'or et à l'abondance de l'argent.

Beaucoup d'Etats n'ont pas d'or. Le dollar est trop cher pour eux et ils espèrent une inflation pour payer leurs dettes. Le gouvernement réagit en achetant d'énormes quantités de bouillon d'argent payées à partir de 1878 avec des Silver Certificates of Deposit qui sont échangeables contre des pièces d'argent.

L'argent n'intéresse toujours pas les utilisateurs. En 1889 les réserves fédérales de pièces d'argent atteignent $ 283 millions. Il faut trouver autre chose. Une fois de plus le remède sera pire que le mal. Le Silver Purchase Act du 14 juillet 1890 double le volume des achats d'argent par le gouvernement en autorisant le paiement par un nouveau billet nommé Treasury Note ou Coin Note, échangeable en pièces de monnaie sans stipuler le métal.

Les spéculateurs se précipitent pour vendre leur bouillon d'argent contre ce papier qu'ils échangent aussitôt contre des pièces d'or. Sur l'année 1890 le prix de l'argent tombe de 1,16 à 0,69 dollar par ounce. La crise de plus en plus sévère aboutira à la dépression catastrophique de 1893.

Les Treasury Notes sont émis en sept dénominations en 1890, auxquelles le $ 50 s'ajoutera l'année suivante. Le Trésor veut trop bien faire. Pour les deux plus grosses dénominations, $ 100 et $ 1000, la finesse d'ornement du dos est destinée à décourager les contrefaçons. Elles deviennent de ce fait plus difficile à inspecter avec le risque de ne plus discriminer les vrais et les faux.

Les chiffres 0 de ces deux dénominations sont énormes et laids. Les $ 100 et $ 1000 sont surnommés péjorativement Watermelon et Grand Watermelon. Le gouvernement comprend ses bévues de conception et crée en 1891 une série avec de nouveaux dos, qui sera tout aussi éphémère : la production des Treasury Notes cesse après la série de 1891.

Sept Grand Watermelons de $ 1000 ont survécu, répartis en deux variantes. Trois sont en mains privées. Le meilleur des sept exemplaires, gradé About New 50 par PCGS, a été vendu pour $ 1,1M incluant premium par Lyn Knight en octobre 2005. Il est estimé $ 1,25M par Stack's Bowers à Baltimore le 25 octobre, lot 3042. L'unique exemplaire en mains privées de la seconde variante a été vendu pour $ 3,3M incluant premium par Heritage le 10 janvier 2014.

L'Art de la Femme Noire

Petite-fille d'esclaves libérés, Elizabeth Catlett développe très tôt une sensibilité sociale qu'elle souhaite exprimer par l'art. A l'époque de la ségrégation et longtemps avant l'acceptation du féminisme, il est illusoire pour une femme noire de vouloir faire carrière comme artiste. Elle sera enseignante. Son art original et authentique servira à éveiller les jeunes femmes Afro-Américaines.

Elle termine ses études en 1940 à l'University of Iowa par un diplôme de Master in fine arts pour lequel elle a réalisé une sculpture sur calcaire sur le thème de Mother and child.

Catlett utilise toutes les techniques artistiques : gravure, peinture, sculpture en bois, terre cuite, plâtre et bronze, mais elle pratique très peu la taille directe qui impose une discipline et une minutie qui ne sont guère en ligne avec son envie de définir et divulguer un art moderne Afro-Américain.

Son style inspiré par Zadkine est cubiste avec une très forte part de réalisme, montrant avec une simplification expressive les traits caractéristiques de la communauté qu'elle promeut.

Probablement aussi sous l'influence de Zadkine, elle sculpte une autre oeuvre en pierre vers 1943. Cette tête de jeune homme de 33 cm de haut est estimée $ 200K à vendre par Swann Galleries à New York le 4 octobre, lot 20.

Tout au long de sa carrière qui s'étend sur sept décennies, Elizabeth Catlett reste fidèle à son engagement militant, non sans difficultés à cette époque où les minorités ne sont pas appréciées. Mieux reçue au Mexique dans la mouvance gauchiste de Rivera et Kahlo, elle perd la citoyenneté Américaine de 1962 à 2002.

Elizabeth Catlett’s Head of a Man is one of only two known stone artworks by the artist from her seminal 1940s period. •
James A. Porter, a pioneer in establishing the field of African-American art history, first noticed Catlett at the 1940 American … https://t.co/MlGVHiprBD pic.twitter.com/OVt2woxMjV

— Swann Galleries (@SwannGalleries) September 23, 2018

Une Pendule Dorée pour Qianlong

Pendant la période Kangxi, les nouvelles relations avec les étrangers génèrent un intérêt pour les pendules. Qianlong intègre l'horlogerie dans son périmètre de supervision directe. Les ateliers mécaniques du Palais impérial sont considérablement développés sous son règne, occupant à leur apogée environ cent personnes.

Avec l'aide des Jésuites, ces ateliers imitent en forme, en technique et en flow de production les modèles Européens. Un véritable système qualité est appliqué, incluant récompenses et punitions après inspection du travail réalisé.

Le 3 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend une somptueuse horloge à pendule de 47 cm de haut portant la marque impériale de Qianlong, lot 3421 estimé HK$ 15M.

Elle a la forme d'une tour carrée surmontée d'une double coupole ajourée et d'une galerie avec des piliers balustres. Le cadran marqué en chiffres romains pour les heures et en chiffres arabes pour les minutes est d'inspiration occidentale. Le luxe apporté à cet objet est typiquement Chinois avec une riche ciselure de feuilles et fleurs. Toutes les parois de bronze sont entièrement dorées.

Les horlogers impériaux Chinois ont atteint sous Qianlong le savoir faire de leurs collègues anglais. Cette horloge n'est clairement pas une caisse Chinoise abritant un mécanisme anglais mais bien une pièce entièrement fabriquée en Chine : les échappements horizontaux sont une innovation locale.

Il est très difficile de situer cette horloge dans les six décennies de la période Qianlong. On notera cependant qu'elle n'a pas de complication excepté une rudimentaire frappe sonore des quarts d'heure par choc sur un bol de bronze.

Elle est probablement antérieure à l'intérêt passionné de l'empereur pour les automates musicaux développés en Europe pendant la seconde moitié de son règne. Le besoin de maintenir le contact commercial avec la Suisse et l'Angleterre assurera pendant un siècle le succès des ateliers de Guangzhou, constituant une nouvelle phase de l'horlogerie de luxe Chinoise.

Macallan avec Adami et Blake

La marque Macallan était autrefois appréciée pour ses mélanges. Certains de leurs concurrents menés par Glenfiddish promouvaient le pur malt. Au début des années 1980 Macallan change de stratégie pour le haut de gamme. Les préparations pur malt qui distillaient depuis plusieurs décennies dans leurs réserves ont généré de très petites éditions qui sont parmi les meilleurs whiskys du monde.

Un opérationnel de la marque observe que le Macallan 1926 mis en bouteilles après 60 ans en 1986 est un des plus puissants qu'il ait testés dans sa carrière. Il est aussi le plus ancien dans sa catégorie. 40 bouteilles de 75 cl titrant 42,8% ont été préparées, incluant deux séries de prestige numérotées chacune de un à douze. L'étiquette d'une des séries est une impression d'un dessin par Valerio Adami, l'autre par Peter Blake.

Ces bouteilles sont les plus chères du monde, en vente privée et aux enchères. Le 25 avril 2018 il a été annoncé qu'une Adami et une Blake venaient d'être vendues à l'aéroport de Dubai pour US $ 600K chacune. Bonhams préparait alors une vente aux enchères de deux bouteilles similaires, estimées HK $ 3,6M chacune. Le 18 mai l'Adami 2/12 était vendue pour HK $ 8,6M incluant premium et la Blake 8/12 pour HK $ 8M incluant premium. Bonhams Magazine a calculé que le prix au verre dépasse US $ 40 000.

D'autres bouteilles font maintenant surface avec des estimations plus élevées tenant compte de la vente du 18 mai. L'Adami 5/12 est estimée au-dessus de £ 700K à vendre par Bonhams à Edimbourg le 3 octobre, lot 86. La Blake 9/12 est estimée au-dessus de $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 12 octobre, lot 1559. Les estimations hautes sont cohérentes entre elles, respectivement £ 900K et $ 1,2M.

Les deux bouteilles qui viennent en vente, tout comme celles du 18 mai, sont intégrées dans leur conditionnement de sécurité 'tantalus'. L'Adami 5/12 est vendue par son propriétaire d'origine. Une légère corrosion de la capsule est annoncée par Sotheby's pour la Blake.

A bottle of the extremely rare The #Macallan Valerio Adami 1926 60 year old will be offered at Bonhams #Whisky Sale in Edinburgh on 3 Octoberhttps://t.co/8K3vkMG9Mm pic.twitter.com/zX2YwBh4RO

— Bonhams (@bonhams1793) August 15, 2018

This autumn, #SothebysWine will offer The Macallan '1926 60 Year Old (Peter Blake Label)', with the highest estimate ever placed on a bottle of wine or whisky at auction. Learn more about this extraordinary lot: https://t.co/UeuZmI14B9 pic.twitter.com/GsYKxIrElQ

— Sotheby's (@Sothebys) May 19, 2018

Calligraphie sur Jade

L'écriture Chinoise est standardisée à 3000 caractères par les Qin vers 220 BCE. La calligraphie est développée par deux grands maîtres contemporains l'un de l'autre sous les Han à la fin du deuxième siècle CE : Zhong atteint la perfection pour l'écriture standard et Zhang développe la calligraphie cursive.

Sous la dynastie des Jin au quatrième siècle CE, Wang Xizhi égale Zhong et tente d'égaler Zhang. Son fils Wang Xianzhi porte l'écriture cursive au rang d'un art majeur. Le geste de l'artiste devient beaucoup plus important que le texte. En tentant d'établir des copies les plus exactes possibles, les lettrés retrouvent non seulement le geste mais aussi l'émotion de l'ancien artiste.

Aucun original par Wang Xizhi n'a survécu. Une ancienne copie non datée 24,7 x 13,9 cm d'une de ses calligraphies a été vendue pour RMB 308M incluant premium par China Guardian en novembre 2010.

L'empereur Qianlong rassemble tout l'héritage culturel de ses prédécesseurs. Une salle du palais est dédiée entièrement à la conservation de trois trésors de la calligraphie ancienne. Des copies sont réalisées à titre de diffusion et aussi d'exercice, y compris par l'empereur lui-même qui note son appréciation sur des colophons et appose son sceau.

Qianlong sait que le papier est incompatible avec une préservation éternelle. Les albums ne sont donc pas suffisants. Il fait inciser les calligraphies les plus prestigieuses dans des écrans de jade. Contrairement aux potiers, les inciseurs signent parfois leurs oeuvres, ce qui montre à quel point leur travail était important pour l'empereur.

Les calligraphies sur jade respectent l'exactitude du trait du document d'origine et aussi les bossages et creux liés à l'écriture et aux sceaux, ce qui est un exploit technique quand on considère que le jade ne peut être ciselé qu'en profondeur. Les incisions sont remplies d'une poudre d'or compressée.

Le 3 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend un écran 31 x 30 cm d'1,7 cm d'épaisseur, lot 3203 estimé HK$ 40M. Le jade de couleur céladon est volontairement parsemé de taches blanches imitant la neige.

Elle est gravée et dorée des deux côtés. L'un d'eux reproduit un des trois trésors, qui est aussi le seul autographe authentifié de Wang Xianzhi, 22 caractères en écriture cursive. Le colophon impérial et les sceaux sont également reproduits, incluant une date qui correspond à 1746 CE. L'autre côté est consacré à 250 caractères en treize vers, seuls restes d'un poème du début du 3ème siècle CE. Il est une copie d'une plaque non datable gravée d'après une calligraphie du même artiste Wang Xianzhi. L'original perdu avait été copié sous les Song.

Les Points de Fuite de Mark Grotjahn

Inspiré par l'art de Picasso, Mark Grotjahn commence par des peintures abstraites avec deux points de fuite répartis sur une verticale centrale. Les lignes radiantes définissent des triangles qui sont remplis de façon monochrome dans plusieurs nuances d'une couleur de base. C'est sa série des Butterflies, offrant l'illusion de papillons aux ailes ouvertes.

Il change de thème en 2007. Les point de fuite sont désormais multiples, répartis sur la toile pour simuler une bouche, un nez et des yeux en quantité indéterminée. Les graphismes radiants sont désormais des lignes de toutes les couleurs qui s'enchevêtrent en un profond impasto. Les éléments figuratifs disparaissent, comme faisaient les dessins préliminaires de Pollock sous son dripping.

Les couleurs sont soigneusement choisies pour qu'aucune d'entre elles ne soit dominante. Comme pour Rothko ou Gaitonde, les oeuvres originales sont spectaculaires et leur reproductions photographiques sont ternes. Au travers des plis de l'impasto, le spectateur cherche le visage comme il cherche le message caché avec Mark Bradford ou le détail truculent avec Cecily Brown.

Peinte en 2011, Untitled (S III Release to France Face 43.14), huile sur carton montée sur toile 257 x 187 cm, a été vendue pour $ 16,8M incluant premium par Christie's le 17 mai 2017.

Le 4 octobre à Londres, Christie's vend Untitled (Yellow and Green Low Fall Face 41.80), 224 x 124 cm peinte la même année dans la même technique. Elle est estimée £ 6M, lot 21.

Porte-Pinceaux Polylobés pour les Song

Sous les Song la porcelaine remplace le jade pour la vaisselle du palais impérial, à condition que son raffinement soit extrême. La plus grande simplicité géométrique est hautement appréciée. La douceur des glaçures est si grande au toucher qu'elles représente jusqu'à nos jours le sommet inégalable de cet art. Les décorations incisées sont souvent délicates mais ne sont pas indispensables.

Dès le début de la dynastie avec les porcelaines blanches de type Ding, certaines coupelles sont polylobées, prenant la forme d'une fleur épanouie. Cette forme a aussi une raison pratique car elle permet de mieux maintenir les pinceaux à laver.

Il y a 900 ans les Song "du Nord" sont renversés par les Jin. La dynastie Song persiste dans le Sud avec une nouvelle capitale à Hangzhou. Après une longue réticence à s'installer aussi loin de leurs bases d'origine, les Song du Sud y recréent les meilleures porcelaines.

La principale porcelaine des Song du Sud est nommée guan. Imitant la texture des pièces du Nord incluant la phénoménale glaçure Ru, la porcelaine guan innove en une intéressante rivalité entre les traditionalistes et les réformistes minimalistes. Pour plaire aux premiers, une grande variété de nouvelles formes imite les bronzes et les jades antiques. Les modernes cherchent non sans succès à approcher la qualité des pièces Ru.

Un lave-pinceaux Ru des Song du Nord de 13,5 cm de diamètre a été vendu pour HK$ 208M incluant premium par Sotheby's le 4 avril 2012.

Dans un style extrêmement similaire, Sotheby's vend le 3 octobre à Hong Kong au lot 3105 un lave-pinceaux guan des Song du Sud de 14 cm de diamètre. L'épaisse glaçure vert bleuâtre avec une classique texture craquelée est brillante, sans décoration. La couleur change sur le bord, imitant volontairement non sans humour les traces de la position dans le four qui avaient tant déplu aux empereurs Song dans les premiers temps des Ding.

Un plat guan de conception et forme similaires de 18 cm de diamètre avec une glaçure celadon a été vendu pour HK$ 26M incluant premium par Christie's le 28 mai 2014.

Meilleur que Gunga Din

Philip Vincent considère que les records de vitesse augmenteront les affaires pour sa marque de motos Vincent HRD. En 1947 il fait adapter pour cet objectif une moto de série du modèle Vincent HRD Series B Rapide. Elle est surnommée Gunga Din par référence au poème de Kipling qui se termine par le vers célèbre : "You're a better man than I am, Gunga Din".

Gunga Din servira de modèle de développement pendant plusieurs années. Le premier modèle commercial dérivé est la Black Shadow dont le prototype est terminé en février 1948.

Dans sa version d'origine, Gunga Din atteint 130 mph (210 km/h). Ce n'est pas assez : cette vitesse avait été atteinte par BMW depuis 1929 et la marque Allemande détenait depuis 1937 le record avec 173 mph, suivie de très près par Gilera et Brough.

En 1948 Vincent travaille sur une version de course dérivée de la Black Shadow pour laquelle les équipements superflus seront ôtés aux dépens de l'homologation routière. Le 13 septembre à Bonneville, une Black Shadow modifiée bat le record de vitesse sur sol Américain avec 148 mph.

Le prototype d'un nouveau modèle Black Lightning Vincent HRD incorporant les améliorations de Bonneville est exposé par Vincent au British International Motor Show qui ouvre à Earls Court le 27 octobre 1948. La Black Lightning est très chère et ne peut intéresser que les champions confirmés. 5 exemplaires seulement sont vendus pendant le premier semestre 1949.

La deuxième moto de cette série avait été vendue au coureur Suisse Hans Stärkle qui avait été avant guerre pilote d'usine pour NSU. Il l'utilisa en compétition, parfois avec un sidecar. Les propriétaires suivants l'ont modifiée pour obtenir l'homologation routière.

Cette Black Lightning n'a jamais été accidentée malgré un usage fréquent. Elle est estimée $ 400K à vendre par Bonhams à Birmingham, Alabama le 6 octobre, lot 144. Je vous invite à regarder et écouter la video préparée par la maison de ventes.

WATCH: Get a #sneakpeek of the 1949 Vincent Black Lightning starring in the Collector's #Motorcycles at the Barber Museum auction on October 6 2018.
View more highlights here: https://t.co/FANQSAe8LQ pic.twitter.com/s1UiRhhqeq

— Bonhams (@bonhams1793) August 14, 2018

The Vincent Black Lightning, sometimes called the "Ferrari GTO of two wheels," is regarded by many as the holy grail of #motorcycles. https://t.co/FHG2URUsfT pic.twitter.com/ndle0CZuan

— Bonhams (@bonhams1793) July 26, 2018

George en Mouvement

George Dyer a commis son acte irréparable en octobre 1971. Bien que le chagrin de Francis Bacon soit profond et sincère, il n'est pas dénué d'égoïsme. Francis a des remords pour ses propres erreurs de comportement envers le jeune homme. Surtout, cet évènement tragique remonte à la surface avec une puissance sans précédent ses interrogations sur la signification de la vie.

Le corps et l'âme du défunt sont perdus à jamais mais la mémoire subsiste, menacée par l'oubli. Le triptyque conservé à la Tate Gallery montre l'homme amputé de divers organes avant son écroulement sur le panneau central.

Le 4 octobre à Londres, Christie's vend Figure in Movement, huile sur toile 198 x 148 cm peinte en 1972, lot 7 estimé £ 15M.

George est vu de dos, nu, sans amputation, debout en contorsion sur la pointe d'un pied. Le titre est ambigu : par nature un mort ne bouge pas. Une joue est serrée contre un journal illustré par Letraset qu'il ne regarde pas, comme s'il tentait désespérément de se maintenir dans un présent qui ne le concerne plus.

La composition d'ensemble paraît simple mais elle est est en fait peuplée de symboles, plus faciles à décrire qu'à interpréter.

La pièce vide peut être l'atelier d'un photographe : le personnage est inscrit dans une cage filiforme, comme pour une mise en scène d'un instant éphémère ou la prévision du cadrage pour un agrandissement. Cette idée avait déjà été utilisée par l'artiste, par exemple dans les trois images du portrait triptyque de Lucian Freud en 1969.

Le présent est en fait impossible à capter. Sur le sol à côté de la cage, une page du même journal est déchiquetée.

Le corps est éclairé par en haut, projetant au sol une ombre noire. Dans d'autres oeuvres comme le Study for portrait peint en 1977, l'ombre prend la silhouette reconnaissable de Francis Bacon lui-même. L'artiste est ainsi associé au défunt sous une forme dématérialisée.

La peinture est réalisée dans un impasto épais, presque une sculpture. En pétrissant les pigments, Bacon offre sa seule méthode pour créer quelque chose qui s'apparente à la vie : son art.

During London's Frieze week, Christie's will present 12 works by the two 20th Century British masters Francis Bacon and Lucian Freud. Works, including Bacon's 'Figure in Movement,' and Freud's, 'Man in a Striped Suit,' will be offered 4 October in London. https://t.co/G6coxN66hz pic.twitter.com/6yOUbPertS

— Christie's (@ChristiesInc) September 5, 2018

Exploits Techniques à Jingdezhen

En 1728 CE, Tang Ying est nommé par l'empereur Yongzheng surintendant des porcelaines impériales produites à Jingdezhen. Il passe plusieurs années à observer les meilleures pratiques des potiers. L'une des premières grandes réussites de son mandat est le développement du yangcai, offrant un substitut moins cher au falangcai de la Cité Impériale qui reste le haut de gamme.

Ces premières années sont expérimentales, avec des pièces de toutes formes. Qianlong qui succède à Yongzheng en 1735 CE est tout aussi exigeant que son père. Pour lui plaire, il faut lui apporter en permanence des nouveautés qui répondent à son rôle ambitieux de Fils du Ciel, accumulant les styles de toutes les dynasties et intégrant les nouvelles modes Européennes.

Au début des années 1740 le savoir-faire piloté par Tang Ying à Jingdezhen n'a plus de limites. Les pièces les plus compliquées sont des synthèses technologiques qui requièrent une importante succession de mise à feu aux dépens d'un faible rendement.

Dans un memorandum soumis à Qianlong en 1743 CE, Tang Ying s'excuse de la faible quantité de pièces produites dans le nouveau style de double vase, neuf exactement. La pièce intérieure est enfermée dans le vase extérieur avec une distance d'environ 3 à 4 cm entre leurs parois. Le vase extérieur est percé par de larges trous de formes élégantes qui permettent l'inspection de la partie intérieure. L'extérieur est décoré avec le même foisonnement que les pièces impériales plus classiques.

Qianlong ne demande pas l'impossible. Il autorise de compléter en paires les motifs qui avaient été produits en pièces uniques avant de suspendre cette technique sine die.

Un vase réticulé aux paires de poissons a fait surface dans le Middlesex en 2010. Haut de 40 cm, il mêle les inspirations archaïques, Song, bouddhistes et rocaille, juxtaposant le classique céladon et le moderne yangcai à fond jaune avec sgraffiato. La pièce intérieure est un bleu et blanc d'inspiration Ming. Après 30 minutes d'enchères, le marteau de Bainbridges est tombé à £ 43M, £ 51,6M incluant le premium mais le paiement a échoué et la vente a été annulée.

En 2010 personne n'avait retrouvé le catalogue de l'exposition à New York en 1905 d'une collection Japonaise où la pièce formant paire avait été photographiée et décrite. Ce vase vient de faire surface à son tour et est estimé HK$ 50M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 3 octobre, lot 3001. Il diffère du specimen du Middlesex par une variante plus rare de la marque du règne, et est ainsi peut-être le premier élément produit pour cette paire.

The pair to the famous ‘Bainbridge vase’ – sensationally knocked down at £43m in 2010 but later sold for half of that sum after the buyer failed to pay – has to come to @Sothebys:https://t.co/RmkAXYiHnM pic.twitter.com/i8m8Q0Vjcp

— AntiquesTradeGazette (@ATG_Editorial) August 14, 2018

Pei et Zao à Raffles City

L'architecte I.M. Pei a considérablement influencé le style des grandes cités modernes. Quand sa renommée devient internationale, il revisite sa Chine natale. Dans les années 1970 l'Extrême-Orient ne veut plus que son urbanisme suive l'Occident. Ils veulent toujours plus haut, plus spectaculaire, plus fonctionnel. Pei construit à Singapour un gratte-ciel de bureaux de 198 mètres de haut.

Zao Wou-Ki a fait lui aussi son retour aux sources. Dans les années 1980 l'originalité de sa peinture abstraite inspirée par l'Est et l'Ouest rencontre un grand succès en Extrême-Orient.

Pei construit à Singapour un complexe immobilier nommé Raffles City basé sur une tour et deux hôtels, et intégrant un centre commercial et un centre de congrès. En 1985 le projet est suffisamment avancé pour concevoir l'aménagement intérieur. Zao est alors en voyage en Extrême-Orient. Pei lui fait visiter le site de Raffles City et lui passe commande d'une peinture gigantesque qui ornera le grand hall du bâtiment principal aux côtés d'abstractions dans le goût minimaliste de l'architecte par Ellsworth Kelly et Kenneth Noland.

De retour en France, Zao exécute ce travail avec une passion comparable à Monet préparant avec les Grandes Décorations la phase ultime de sa carrière. Le résultat est un triptyque d'huiles sur toiles, 2,80 m x 10 m en tout, qui est installé en 1986 à l'endroit prévu et y restera jusqu'en 2005. Contrairement à l'habitude de Zao, le titre n'est pas une date mais une période, Juin-Octobre 1985, confirmant ainsi l'attention prolongée apportée par l'artiste pour sa création.

Juin-Octobre 1985 est l'oeuvre la plus monumentale dans toute la carrière de Zao. Selon son inspiration de cette décennie, elle évoque l'unicité mystique entre la nature et l'infini. Le centre incandescent est vu au-delà d'un rideau sombre accentué par des bleus stridents. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 30 septembre, lot 1004. Le communiqué de presse du 7 septembre indique que cette peinture est attendue au-delà de HK$ 350M.

Sotheby’s Unveils Massive $45m Zao Wou-ki for Hong Kong https://t.co/yipCchbfdt pic.twitter.com/cJE3pMPXLE

— Art Market Monitor (@artmarket) September 7, 2018

Le Poème des Pavots

Les porcelaines falangcai d'époque Qianlong sont d'une extrême rareté et très difficiles à dater. Cette technique développée à l'origine pour l'empereur Kangxi dans le petit atelier des Jésuites avait survécu au règne de Yongzheng grâce à la persévérance et au talent de Castiglione. La porcelaine blanche préparée à Jingdezhen était décorée avec les émaux des plus exquises couleurs dans cet atelier du palais impérial avant la dernière mise à feu.

Peintre sur soie, Castiglione avait réussi à plaire à ces trois empereurs exigeants en ajoutant au style graphique traditionnel Chinois des éléments d'une grande précision naturaliste. Le vase Qianlong de la collection Meiyintang avec des faisans au nid est un très bel exemple. Il a été vendu pour HK$ 200M en post sale par Sotheby's le 7 avril 2011.

Le 3 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1 un bol falangcai Qianlong de 11,8 cm de diamètre décoré de pavots. Le communiqué de presse du 30 août indique qu'il est attendu au-dessus de HK$ 200M. Je vous invite à regarder ci-dessous la video partagée par la maison de ventes.

Directement inspiré par l'art de Castiglione, ce bol montre sur sa paroi externe des fleurs de pavots de couleurs variées sur de longues tiges courbées dans toutes les directions par le vent. Tout comme le nid des faisans, cette scène est ancrée sur un sol rocheux. La forme bombée et le bord retourné donnent un effet tridimensionnel à ce dessin qui monte jusqu'en haut de la pièce. L'intérieur du bol est décoré des fruits d'abondance et la marque impériale est en émail bleu.

Qianlong aimait les citations littéraires. Le haut col du vase aux faisans est décoré d'un poème. De même un poème en quatorze caractères orne l'arrière du bol aux pavots en haut d'une large zone par ailleurs inutilisée.

Ce poème est d'époque Ming, directement lié avec le thème du bol. Un des noms du pavot en Chinois est Yu meiren, la Belle Yu, en souvenir de la concubine d'un empereur usurpateur contre les Han. Lorsque la défaite est devenue inévitable, Lady Yu a chanté pour son empereur une chanson langoureuse tout en dansant autour d'une épée sur laquelle elle s'est ensuite transpercée.

Vanités par Richter

Agé de 50 ans en 1982, Gerhard Richter tente de redéfinir sa vie et son art. Les titres de ses peintures, limités à un ou deux mots, n'apportent cependant pas la compréhension et la cohérence. Abstraktes Bild et Ohne Titel sont des titres comme les autres.

Les Kerzen (chandelles) sont un exploit technique avec la transition colorée du halo entre la flamme et l'abstraction. Ces vanités répondent aussi aux questions métaphysiques de l'artiste.

Est-ce un hasard ? Les très spectaculaires crânes par Jean-Michel Basquiat sont peints la même année.

Vingt ans plus tôt à Düsseldorf, Richter avait reçu d'un ami un modèle de crâne humain. Il ne l'avait pas encore utilisé. En 1983 il photographie cet artefact posé à l'endroit ou à l'envers. Il réalise une petite série de peintures en projetant l'image photographique sur la toile. L'estompage des contours apporte une transition vers l'abstraction. L'image évanescente flotte quelque part entre ici et l'au-delà.

La première série de Schädel (crâne) est composée de quatre opus, 545-1 à 545-4, ce dernier intitulé 'Schädel, abstrakt' confirmant le désir de l'artiste d'assurer la cohérence globale de son oeuvre. 546-1 et -2 est un retour aux Kerzen, probablement pour retrouver le tour de main. 547-1 montre le crâne en position retournée. Dans la même position, il est associé à une chandelle dans 547-2.

La série des crânes est terminée avec 548-1 et -2, comme si tout d'un coup l'artiste avait surmonté une angoisse temporaire de la mort en intégrant ensemble le crâne, l'abstraction et la chandelle.

Ces Schädel sont extrêmement rares sur le marché de l'art. 545-3 a été vendu pour $ 1,5M incluant premium par Christie's le 16 mai 2000. 545-1, huile sur toile 80 x 65 cm, sera vendu par Christie's à Londres le 4 octobre, lot 11. L'estimation de £ 12M à £ 18M est dévoilée par Christie's dans l'Auction preview du 6 septembre.

Richter’s £12m Skull Stars at Frieze Sales https://t.co/PsUc02CMQJ pic.twitter.com/CRvmLiMhv6

— Art Market Monitor (@artmarket) September 4, 2018

Réjouissances Bibliques

Contemporain de Rubens, Frans Francken II le jeune dirige un important atelier à Anvers. Il est spécialisé dans les grandes scènes Bibliques, allégoriques et historiques, avec des foules de personnages bien différenciés, aux dessins nets et aux couleurs fraiches. Capturant l'ambiance d'un moment, il est plus narratif que Jan Brueghel l'Ancien.

Ses scènes complexes sont souvent structurées géométriquement. Par exemple Eternel dilemme de l'homme : le choix entre le vice et la vertu, huile sur panneau 142 x 211 cm datée 1633 ou 1635, est composée en trois registres parallèles. Elle a été vendue pour € 7M incluant premium par Dorotheum le 21 avril 2010.

Le Passage de la Mer Rouge est un thème fréquent pour cet artiste. Une huile sur panneau parqueté 118 x 214 cm peinte autour de 1630-1635, signée mais non datée, sera vendue à Troyes le 29 septembre par Ivoire Troyes, lot provisoirement numéroté 1 estimé € 120K.

Le dos de ce panneau est peint d'un décor d'arabesque attestant que cette image avait été préparée pour un grand meuble. Un autre exemple peint par le même artiste avec un verso similaire avait servi de couvercle de clavecin.

Francken montre la scène de la Mer Rouge au moment de la libération du peuple d'Israël. Devant une grande montagne triangulaire, la foule en liesse danse et joue de la musique. Le grand format permet de multiplier les détails qui incluent au premier plan un assortiment de pièces d'orfèvrerie et une exposition de coquillages nacrés. Moïse achève son oeuvre en brandissant son bâton. Au loin sur l'autre rive, l'armée de Pharaon est engloutie par les flots.

Je vous invite à regarder la video partagée par Artcento.

Un panneau monumental peint au XVIIe siècle par Frans Francken II a été découvert près de Troyes. Estimé à plus de 120 000 euros, il sera mis en vente le 29 septembre par @ivoire_troyes @CabinetTurquin
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— Interencheres (@interencheres) August 23, 2018

Les Dangers de la Mer

Joan Mitchell est attirée par la beauté des paysages de France avec ses forêts et ses mers. Elle admire la relation de Van Gogh avec le sol et les couleurs Fauvistes de Matisse.

Quand elle établit son atelier de façon permanente à Paris, son style change. Les traits de brillantes couleurs pures qui faisaient comparer sa pratique avec Pollock sont relégués vers les bords de l'image tandis que le centre devient un bouillonnement violent.

Le début des années 1960 est une période difficile pour cette artiste hypersensible qui sait que ses parents sont gravement malades. Ses explosions de couleurs ne sont cependant pas le fait d'une simple rage. La toile est soigneusement préparée par un dessin délimitant les contours qui guideront les gestes rapides, alternativement centripètes et centrifuges.

L'aboutissement de son art est l'expression d'une localisation. Avec ses couleurs froides, Atlantic Side, 222 x 220 cm peint en 1960-1961, est typique de ces paysages abstraits qui anticipent les peintures par de Kooning à Long Island. Atlantic Side a été vendu pour $ 6,9M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013.

Le 30 septembre à Hong Kong, Sotheby's vend Syrtis, huile sur toile 130 x 162 cm peinte en 1961, lot 1080 estimé HK$ 50M.

Cette année-là Joan passe l'été à Cap d'Antibes. Face aux couleurs splendides de la Riviera Française, elle imagine la Méditerranée dans l'expression suprême de son point le plus chaud, le golfe de Syrte sur la côte Libyenne. Syrte est un endroit attirant depuis l'antiquité avec ses pêches abondantes pour lesquelles les bateaux prennent le risque de s'échouer sur les bancs de sable.

Par son titre et son exubérance, Syrtis traduit les angoisses de Joan Mitchell. Ajoutant la référence au passé lointain, cette oeuvre rejoint les fantasmes d'un autre Américain qui a choisi l'Europe, Cy Twombly, probablement sans concertation entre les deux artistes.

Le Compas Militaire

La République de Venise a besoin d'ingénieurs militaires pour son arsenal. Galileo Galilei, qui a quitté sa Toscane natale en raisons de dettes familiales, est embauché en 1592 à l'Université de Padoue. Pour gagner sa vie, il améliore et vend des instruments : le compas à partir de 1597 et le thermoscope.

Le compas de proportion était utilisé pour des calculs de géométrie liés aux postulats d'Euclide. Avec des échelles complexes sur ses deux règles, Galileo ajoute à partir de 1597 de nouvelles applications pratiques : calcul de l'élévation optimale du canon, calcul de la charge de poudre par rapport à la dimension et au métal de la balle. Il joint avec chaque compas livré un mode d'emploi manuscrit préparé par des copistes.

En 1606 le succès commercial de son compas reste important. Galileo fait imprimer son manuel d'utilisation en folio 28 x 19 cm, en Italien.

Les jalousies entre savants ne sont pas un phénomène moderne. Le jeune Baldassare Capra n'avait pas accepté que Galileo ne reconnaisse pas son talent dans la découverte d'une nouvelle étoile qui pouvait remettre en cause le principe d'Aristote sur l'inaltérabilité du ciel. Les insultes réciproques mènent à la haine.

En 1607 Capra adapte en latin le mode d'emploi du compas de proportion pour revendiquer l'invention des récents développements, dans un quarto 19 x 14 cm. Galileo est furieux. Son exemplaire de ce livre sur lequel il a annoté toutes les erreurs d'interprétation faites par Capra est conservé à la Biblioteca di Firenze.

Le procès intenté par Galileo contre Capra à l'Université de Padoue est facilement gagné par le vrai inventeur. Un témoin raconte qu'il avait un compas de Galilée dès 1597, quand Capra n'avait que 17 ans. Capra refuse une demande de la cour de démontrer sa compétence dans l'utilisation de l'instrument. Les exemplaires du livre de Capra sont détruits.

Galileo est furieux, une fois de plus : 30 exemplaires qui étaient déjà distribués n'ont pas pu être retrouvés. Il publie la même année en contre-feu un nouveau livre en Italien, le Difesa, quarto 24 x 17 cm, contenant ses arguments contre les calomnies de Capra.

Un exemplaire de chacun de ces trois livres est inclus dans la vente de la bibliothèque Tomash par Sotheby's à Londres le 18 septembre. Le lot 197 estimé £ 60K est le manuel d'utilisation de 1606. Le lot 101 estimé £ 30K est le livre de Capra. Le lot 198 estimé £ 300K est le Difesa, un exemplaire de présentation dédicacé par Galileo à l'un des trois juges administrateurs de l'Université de Padoue. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Bouquet pour Vava

Le 18 mars 2018, New Orleans Auction Galleries vendait pour $ 1,06M incluant premium une technique mixte sur papier 58 x 45 cm par Chagall, intitulée Le Bouquet d'Amour. Veuf de Bella, l'artiste exprime une synthèse de ses souvenirs et de ses émotions avec des couleurs vibrantes.

En 1952 Marc épouse Vava. A la satisfaction de sa fille Ida, il replace dans son propre présent ses plaisirs sensoriels. De 1953 à 1956 il prépare une série de peintures sur le thème de Paris.

Le 15 septembre à New Orleans, Neal Auction Company vend Le Luxembourg, une huile sur papier 60 x 50 cm montée sur toile peinte en 1953, lot 111 estimé $ 1M ici lié sur les plates-formes de ventes Invaluable et LiveAuctioneers.

Dans le haut de l'image, la tête de mariée au long voile, la tête de l'âne vert et la Lune sont tournés résolument vers la droite, avec un optimisme qui joint le passé et le présent. Apparaissant dès 1911 dans la grammaire artistique de Chagall, l'âne vert est un auto-portrait de sa jeunesse à Vitebsk.

Le bouquet de roses rutilantes au centre de l'image apporte l'illusion d son odeur, tandis qu'un violoniste à peine perceptible crée le plaisir sonore. D'autres éléments secondaires sont esquissés dans le bas : la corbeille de fruits appelle le goût, et le jardin du Luxembourg le bonheur d'être à Paris dans l'instant présent.

Cette oeuvre a fait partie de la succession de Vava, prouvant à quel point elle avait été sensible à cet hommage de son nouveau mari.

Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Marc Chagall - Le Luxembourg from Neal Auction Company on Vimeo.

Affranchissement Transatlantique

L'invention du timbre poste par les Britanniques en 1840 a facilité les communications entre les nations. Elle a d'abord nécessité des négociations bilatérales entre les pays qui adoptent progressivement cette nouvelle pratique.

Le traité entre le Canada et les Etats-Unis prend effet le 6 avril 1851 avec un tarif fixé à 6 pence ou à 10 cents. Les timbres Américains restent disponibles dans les bureaux de poste Canadiens.

Le 23 avril, le premier timbre de la Province du Canada est émis. Il vaut 3 cents qui est le tarif de base pour l'affranchissement domestique. Avec sa vignette montrant un castor, il est le tout premier timbre officiel au monde à être illustré sur un autre thème que les portraits de personnalités et les emblèmes nationaux.

Le Reverend Ryerson, éminent éducateur méthodiste Canadien, est alors en séjour à Londres. Quelque part au Canada, quelqu'un veut lui envoyer une lettre. Il faut appliquer les nouvelles règles mais c'est un peu compliqué. La lettre devra être embarquée à New York pour traverser l'Atlantique.

Le postmaster local accepte l'affranchissement dans les conditions suivantes. Un timbre à 3 cents paye le transfert jusqu'à la frontière des Etats-Unis. La lettre n'effectuera qu'un transit aux Etats-Unis et la traversée entre la frontière et New York n'est pas considérée. Le départ d'un steamer Britannique de la compagnie Cunard est prévu pour le 7 mai et cette information est inscrite sur l'enveloppe.

Le tarif Transatlantique est payé par cinq timbres de 5 cents. Le 3 mars un acte du Congrès Américain avait annoncé l'obsolescence imminente de cette dénomination et l'expéditeur a choisi de payer 1 cent de plus que le US-British postal treaty de 1848.

Le transfert jusqu'à New York est rapide. Le 6 mai, la lettre est embarquée sur un bateau Américain. Malgré le traité de 1848 la concurrence est vive. Le New York foreign mail office encaisse 22 cents dans cette opération, évite de payer 19 cents au bateau Britannique et indique sur l'enveloppe un sur-paiement de 3 cents. La réception de la lettre à Londres est enregistrée par un tampon à date le 19 mai.

Cette enveloppe fait surface en 1944 dans une vente aux enchères. Surnommée la Beaver Cover, elle est un délice suprême de la philatélie, en état Very Fine, payée avec des timbres des toutes premières émissions fédérales Américaine et Canadienne, et portant les marques et oblitérations qui révèlent les détails significatifs de son acheminement.

La Beaver Cover a été vendu pour $ 715K incluant premium par Christie's Robson Lowe le 28 septembre 1993. Elle est estimée $ 600K à vendre par Robert A. Siegel à New York le 3 octobre, lot 26. Voici le lien vers la section dédiée à la collection Gross sur le site de la maison de ventes.

Soixante Cents dans une Bible

La première série de timbres nationaux des Etats-Unis est disponible en juillet 1847 et invalidée en juillet 1851 pour raison de baisse des tarifs postaux. Elle est composée de deux dénominations, 10 cents au portrait de Washington et 5 cents au portrait de Franklin.

Les utilisateurs répondent massivement à l'offre de l'US Postage de rembourser les anciens timbres par un échange avec les nouvelles dénominations de 1 cent, 3 cents et 12 cents. 10 cents n'était pas une somme négligeable pour l'utilisateur. Les survivants non utilisés du Washington d'origine sont rares, même en timbres individuels. Un bloc de six et deux blocs de quatre sont connus.

Le bloc de six Washington est apparu dans une vente aux enchères en 1912, accompagné d'un bloc de six du premier Franklin en parfait état. Ces blocs ont été vendus séparément. Ils avaient conservé leur gomme d'origine et provenaient probablement d'une succession. Le bloc Washington, en état Very Fine, est considéré depuis cette époque comme une icône de la philatélie Américaine.

Les philatélistes ont tenté de reconstituer son histoire. L'un d'eux, proche du dossier depuis la vente de 1912, dévoile en 1925 le nom du propriétaire d'origine. Il acquiert le bloc vingt ans plus tard et publie en 1948 une information transmise par courrier privé par l'expert Scott révélant que la famille avait retrouvé ces timbres entre les pages d'une Bible.

Le bloc Washington devient dès lors le Bible Block. Le propriétaire de cette Bible est identifié comme le sénateur Rives qui l'avait inscrite à la date de 1825. Rives a effectué deux missions diplomatiques en France, de 1829 à 1833 et de 1849 à 1853.

Les experts de la maison de ventes Robert A. Siegel constatent que le profil de coupe aux ciseaux du bord droit du bloc de six correspond exactement avec le profil gauche d'un des blocs survivants de quatre, accréditant l'hypothèse d'un bloc original de dix séparé dans un projet non réalisé de lettre pour quelqu'un en France.

Le tarif est cohérent avec cette hypothèse. L'affranchissement de la lettre Rush, acheminée de Philadelphie à Paris en 1848, est effectué avec la même configuration de six timbres Washington.

Le bloc de quatre Washington a été vendu pour $ 450K hors frais par Siegel en 2012. Le Bible Block de six Washington est estimé $ 500K à vendre par Robert A. Siegel à New York le 3 octobre, lot 14. Voici le lien vers la section consacrée à la collection Gross sur le site de la maison de ventes.

Rolls-Royce dans les Ecuries Royales

Rolls-Royce cesse en 1939 la production de son modèle Phantom III. En 1948 le duc d'Edinburgh, qui a épousé l'année précédente la princesse héritière du Royaume Uni, choisit cependant cette marque pour commander une limousine. Rolls-Royce est intéressé par cette demande qui mettra fin à une exclusivité qu'avait Daimler depuis 1900 pour les voitures d'Etat Britanniques.

L'opération est prestigieuse mais le marché d'après-guerre n'est pas porteur : cette Phantom IV est d'abord conçue pour être unique. Elle est livrée à la Princesse Elizabeth en 1950 et devient voiture d'Etat à son accession au trône en 1952.

Pendant ce temps Rolls-Royce change sa décision. La quantité totale de voitures construites sur le châssis de la Phantom IV est 18, de 1950 à 1956. Le modèle, le plus souvent carrossé par Mulliner ou Hooper, est destiné aux chefs d'Etat et à leur famille proche pour utilisation à basse vitesse pendant les cérémonies officielles.

La famille royale Britannique a de nouveaux besoins. En 1954 une Phantom IV carrossée en limousine par Mulliner est livrée à la princesse Margaret. Une autre de la même année, carrossée en landaulette close par Hooper, est conservée pendant environ un an par Rolls-Royce puis mise à disposition de la reine en octobre 1955. Elle est achetée par la Royal Household en 1959.

Cette voiture est la seule Phantom IV en landaulette, une carrosserie avec des fenêtres larges et hautes offrant à la foule une très bonne visibilité sur les passagers. Pour sa dernière utilisation royale en 1986, elle convoie les demoiselles d'honneur et les pages pendant le mariage du prince Andrew.

La landaulette a été conservée aux Royal Mews jusqu'en 2002 puis rendue à Rolls-Royce. Elle participe à l'exposition des véhicules de Sa Majesté à Goodwood en 2012. Elle revient à Goodwood pour être vendue par Bonhams le 8 septembre, lot 300 estimé £ 1M.

L'image ci-dessous prise à Goodwood en 2012 est partagée par Wikimedia avec attribution : By PSParrot [CC BY 2.0  (https://creativecommons.org/licenses/by/2.0)], via Wikimedia Commons

Bonhams will offer a historic #RollsRoyce heritage collection on behalf of #Bentley at our Goodwood Revival sale in September. https://t.co/NwUnmnQRGg pic.twitter.com/E3fy5DndS0

— Bonhams (@bonhams1793) August 6, 2018

Le Timbre de Millbury

Quand les tarifs postaux Américains deviennent uniformisés en juillet 1845, New York apparaît comme le leader de la future production de timbres nationaux, grâce à son expérience dans l'impression des billets de banque. Les timbres provisoires émis par le bureau de poste de New York constituent une phase de pré-industrialisation avant l'émission des premiers timbres nationaux en juillet 1847.

Dans cette période, dix autres bureaux intéressés par le processus de pré-paiement émettent des timbres provisoires. Ils sont répartis dans neuf états différents et desservent parfois de très petites communautés comme Lockport NY qui n'est pas encore incorporé en city à cette date.

Les solutions pratiquées par ces bureaux sont originales et variées. Millbury, une petite city proche de Worcester dans le Massachusetts, émet un timbre dont certaines caractéristiques imitent le modèle de New York.

Le timbre de Millbury existe uniquement en 5 cents avec le portrait de Washington, comme celui de New York. Son dos est gommé. Sa fabrication est cependant locale et artisanale. Le portrait est esquissé, et le timbre est imprimé par unité à la gravure sur bois en noir sur un papier bleuâtre.

La production du timbre de Millbury apparaît comme relativement abondante par comparaison avec certains autres petits bureaux. 18 exemplaires ont survécu, dont 8 sur des enveloppes envoyées de Millbury à des dates échelonnées entre le 21 août 1846 et le 12 janvier 1847.

L'enveloppe du 12 janvier est restée d'une grande fraîcheur, avec un timbre en état superbe. Le timbre a été oblitéré comme un timbre moderne, avec un tampon rouge marqué du mot PAID qui chevauche le bord du timbre.

Le timbre de Millbury était une facilité locale de pré-paiement et non une garantie de paiement pour le bureau receveur. Cette garantie était apportée par le timbre à main circulaire à date portant l'identification du bureau de départ, ici Milbury Ma. Cette fantaisie d'orthographe avec un seul 'l' ne semble pas avoir d'explication plausible. Un gros chiffre 5 dans un cercle renforce la garantie.

Cette enveloppe a été vendue pour $ 460K incluant premium par Siegel le 28 mars 2012. Elle est estimée $ 300K à vendre par Robert A. Siegel à New York le 3 octobre, lot 6. Voici le lien vers la section dédiée à la vente de la collection Gross sur le site de la maison de ventes.

Une Veste Gris-Bleu contre l'Empire

Les vestes portées par les deux complices Luke Skywalker et Han Solo dans la première trilogie de Star Wars sont devenues iconiques. Le style de ces vêtements portés ouverts est sportif et décontracté. George Lucas voulait une tenue évitant à la fois la mode terrestre et un incongru burlesque spatial. Des variantes dans la configuration des poches et des manches permettent de les différencier à l'écran.

Le 20 septembre à Londres, Prop Store vend une des vestes portées par Harrison Ford dans le rôle de Han Solo en 1980 dans le second film, The Empire Strikes back. Elle est estimée £ 500K, lot 463. La reproduction des couleurs dans les films n'est pas excellente et le tissu a été teint en gris-bleu pour apparaître bleu marine à l'écran.

La société de production n'était pas propriétaire de ces accessoires. La veste était revenue à son tailleur Caledonian Costumes qui espérait de nouvelles locations, puis elle avait disparu.

Le succès aux enchères des éléments les plus reconnaissables de Star Wars est croissant. Un exemplaire original de 1977 du robot R2-D2 lourdement modifié pour les besoins des films jusqu'en 2002 puis vidé de ses équipements actifs, a été vendu pour $ 2,76M incluant premium par Profiles in History le 27 juin 2017.

Les armes intergalactiques sont spectaculaires mais factices. Dans la même vente que le robot, un sabre de lumière de Luke Skywalker a été vendu pour $ 450K incluant premium par Profiles in History. Le 23 juin 2018, Julien's a vendu pour $ 550K incluant premium un pistolet blaster utilisé par Han Solo.

Je vous invite à regarder la video partagée par Prop Store.