31 oct. 2018

Couleurs contre Tension Sociale

A la fin de 1933 le gouvernement républicain Espagnol perd les élections législatives, gagnées par une coalition de petits partis de droite. La même année Hitler arrive au pouvoir légalement en Allemagne. Contre la menace d'une dictature fasciste en Espagne, la gauche et les syndicats préparent la révolution.

Miro observera plus tard qu'à cette époque le malaise créé par les évènements sociaux était plus physique que conscient. L'antidote pour l'artiste est le recours aux couleurs.

Effectivement son style et sa technique changent en 1934. Il  travaille beaucoup sur papier, pour mieux valoriser que sur toile les plus brillantes couleurs, pour lesquelles il utilise la gouache ou le pastel. Il met de côté sa vision poétique éthérée pour recréer un univers surréaliste adapté à l'angoisse des tensions sociales. Pour les pastels, le papier velours apporte aussi un effet tactile.

Miro aimait s'exprimer par des séries, comme par exemple les 18 Peintures d'après collages réalisées l'année précédente. A la fin de l'été 1934 il conçoit une série de 15 pastels sur papier velours de grande dimension, qu'il datera d'octobre 1934. Ces pastels montrent des humains difformes devant des fonds glauques. Les bras sont souvent atrophiés pour bien marquer l'impuissance inconsciente des gens du peuple face à la crise sociale.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend Figure, pastel 108 x 73 cm estimé $ 7M, lot 33. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, dans laquelle cette série est discutée à juste titre comme une prémonition de la guerre civile Espagnole.

30 oct. 2018

Portraits sans Pitié par Kokoschka

Dès le début de sa carrière de dramaturge et d'artiste en 1909, Oskar Kokoschka se positionne comme un non-conformiste et comme un gêneur. Il a 23 ans et est appelé le chef des sauvages par la presse Viennoise. Son influence est décisive pour Egon Schiele, de quatre ans plus jeune que lui.

L'architecte moderniste Adolf Loos est un autre pourfendeur des idées préconçues. Son amie est tuberculeuse. Il l'a placée en Suisse dans un des sanatoriums les plus luxueux, utilisés par l'aristocratie Européenne. En janvier 1910 Loos effectue un long séjour auprès de son amie. Il emmène Kokoschka.

Ce microcosme de personnages affaiblis par la maladie et de leurs visiteurs qui ne sont guère plus beaux inspire Kokoschka qui peint une série de portraits spontanés, sans dessin préparatoire. Les modèles ne sont pas des clients : le jeune artiste est sans complaisance et sans pitié.

La psychologie domine sur la technique, et tant pis si les impastos côtoient les zones à peine peintes sur les toiles. Le résultat est un trait sec, haché, donnant l'impression d'une grande nervosité, qui caractérisera l'art de Kokoschka dans tous ses thèmes tout au long de sa carrière. En 1937 il est classé parmi les artistes dégénérés.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend le portrait de Joseph de Montesquiou-Fezensac, huile sur toile 80 x 63 cm, lot 21 estimé $ 15M. L'aristocrate tranquille et triste âgé de 35 ans était venu au sanatorium pour aider sa femme Victoire dont Kokoschka a également réalisé le portrait. La peinture à vendre vient d'être restituée aux héritiers d'un marchand juif à qui elle avait été confisquée en 1934.

Portrait d'un Jeune Mécène

Edward James est le fils d'un industriel des chemins de fer Américains et d'une supposée fille naturelle du roi Edouard VII. Il vit en Angleterre. Il est richissime et poète, et son intérêt pour la psychanalyse se transforme en une passion pour l'art surréaliste.

En 1937 James a 30 ans. Dali l'introduit auprès de Magritte. Leur connivence est immédiate et parfaite. Magritte propose de réaliser deux portraits surréalistes de son nouveau mécène.

Magritte envoie un dessin préparatoire à son modèle. Il a choisi le thème du portrait dont la tête est entièrement remplacée par une lumière éblouissante. Pour s'assurer de l'enthousiasme de James, Magritte lui demande de s'occuper de la préparation photographique dans la pose correspondant au dessin. James fait faire la photo par Man Ray.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend ce portrait de James par Magritte, huile sur toile 73 x 55 cm peinte en 1937, lot 35 estimé $ 15M. Magritte a gentiment choisi un titre Freudien, Le Principe du Plaisir. Le contour de la tête est noyé dans un halo qui rend l'image encore plus laudative.

La provenance atteste du succès durable de ce portrait. Il a appartenu à James puis à sa fondation jusqu'en 1978 et est resté dans une autre collection depuis 1979.

Le second portrait, également peint en 1937, est intitulé La Reproduction Interdite. C'est un autre développement du thème du visible et du caché. James se regarde dans un grand miroir dans lequel on le voit de dos.

Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.


29 oct. 2018

Le Prophète du Feu

Ludwig Meidner avait eu une bonne formation artistique mais sa première activité d'illustrateur de mode ne parvenait pas à lui assurer des conditions de vie décentes. Installé à Berlin, il est subjugué en 1911 par une exposition des Futuristes Italiens. Il se rapproche désormais des avant-gardes et obtient l'aide de Beckmann.

Assimilant sa vocation à celle d'un prophète Juif halluciné, Meidner peint une série de paysages Apocalyptiques qui offrent un style hautement original et plaisent aux Expressionnistes.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 94 x 109 cm peinte par Meidner en 1912, lot 25 estimé $ 12M. Elle est peinte recto-verso, une pratique assez courante dans les groupes Allemands, particulièrement compréhensible ici en considérant le grand format de la toile et les faibles ressources de l'artiste. Je vous invite à regarder la video partagée par Sotheby's.

Le recto est un Apokalyptische Landschaft, avec une expression d'horreur comparable au Cri de Munch. Deux fleuves de lave incandescente viennent se déverser sur une ville déjà ébranlée, où les maisons prêtes à s'écrouler penchent dans tous les sens, anticipant les paysages disloqués par Soutine. Au premier plan, deux personnages courent éperdument. Des colonnes de soldats parcourent la place de cette ville d'architecture allemande, faisant de cette oeuvre une prémonition de la Première Guerre Mondiale.

Le verso de la toile semble en contraste total avec le recto. Un jeune homme sérieux lit un livre. Avec ses joues anormalement creuses, s'il n'est pas un autoportrait, il est au moins une projection de l'artiste sur sa propre misère.

La guerre casse l'élan créatif de Ludwig Meidner, qui continuera son oeuvre avec des auto-portraits et des portraits imaginaires de prophètes et sera catalogué comme artiste dégénéré en 1937. Il n'atteindra jamais la célébrité mais Baselitz se souviendra de ses Apocalypses pour hurler contre le mur de Berlin.


Réflexion dans la Ville

Laissant libre cours à sa sensibilité tout en restant liée aux avant-gardes par le cercle de Stieglitz, Georgia O'Keeffe est une artiste authentique et une pionnière. Elle avait été une des toutes premières à pratiquer l'art abstrait en Amérique.

Son intérêt pour la géométrie lui donne une vision sans précédent de la construction d'un paysage. Le reflet des montagnes dans le lac George, peint en 1922, peut être basculé orthogonalement pour devenir une oeuvre abstraite centrée sur une totale symétrie. Cette peinture a été vendue pour $ 13M incluant premium par Christie's le 19 mai 2016.

En 1925 Stieglitz et O'Keeffe emménagent au 30ème étage d'un gratte-ciel tout neuf à Manhattan. Après quelques réticences par rapport à ce mode de vie sans précédent, Georgia est captivée et commence à peindre des vues de ville.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend une vue intitulée A Street, huile sur toile 127 x 76 cm peinte en 1926, lot 34 estimé $ 12M.

Montrant en enfilade les gratte-ciel des deux côtés de la rue, cette composition est presque symétrique, comme la vue du lac George. Les murs sont géométriques, lisses, sans fenêtres, avec une agréable variation de tons pastels,

La chaussée n'est pas visible mais le haut recourbé d'un éclairage de rue montre qu'on n'en est pas loin. Ce minuscule élément judicieusement centré sur le bord bas devient un point d'ancrage à partir duquel le regard peut faire d'incessants allers et retours par la brèche centrale du ciel.

La même année, les gros plans de fleurs par Georgia font sensation dans les milieux artistiques de New York par leur possible interprétation comme des organes féminins. Georgia, prudemment, commentera peu. Stieglitz qui habituellement soutenait les nouvelles tendances est réticent par la masculinité des paysages de villes de sa femme. Effectivement, s'il a renversé A Street de bas en haut, il a peut-être vu une paire de jambes écartées.

Le tweet ci-dessous ne montre que le haut de l'image.

28 oct. 2018

Le Portrait Interdit

En 1930 Picasso achète Boisgeloup pour y installer un atelier de sculpture où il ne dérangera pas les voisins et un nid d'amour pour sa jeune muse Marie-Thérèse, à l'abri des regards indiscrets. Leur liaison est secrète et Pablo ne prend pas le risque qu'Olga identifie la jeune fille par ses portraits peints. Avec la sculpture cubiste basée sur les proportions des volumes, le réalisme est moins grand.

Dans l'attente de pouvoir stabiliser sa situation, on imagine bien la fébrilité de l'artiste. La Lampe, huile sur toile 162 x 130 cm, est datée 21 janvier 1931 et 8 juin 1931. Elle est estimée $ 25M à vendre par Christie's à New York le 11 novembre, lot 22 A.

L'objet de l'oeuvre n'est pas la jeune femme mais son buste en plâtre blanc, vu de profil. Les tiges et les feuilles du philodendron créent un réseau de traits comme un vitrail d'église qui rend encore moins facile l'identification du modèle. La lampe à pétrole pendue à un plafond invisible fournit une lumière d'or en forme de croissant de lune qui peut être interprétée comme la queue de cheval du modèle.

Dans les mois qui suivent Picasso s'enhardit. Le 8 mars 1932 Marie-Thérèse s'introduit en dormeuse nue auprès des mêmes artefacts, la statue et la plante. Le profil du visage devient reconnaissable. Cette peinture a été vendue pour $ 106M incluant premium par Christie's le 4 mai 2010.

Le lendemain, 9 mars 1932, Picasso peint la même dormeuse dans le Nu au Fauteuil Noir. Le philodendron, symbole de vitalité, est encore là. Le buste a été enlevé : il n'est plus utile aux côtés du vrai modèle. Cette peinture a été vendue pour $ 45M incluant premium par Christie's le 9 novembre 1999.

Poulet à l'Amiante

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend au lot 21 un diptyque de dimension totale 153 x 306 cm peint en 1982 par Basquiat. Le communiqué de presse du 28 septembre annonce une estimation au-delà de $ 25M.

Cette peinture à l'acrylique, oil stick, émail et incisions est dominée par des couleurs incendiaires : jaune, orange, rouge, et la tête d'un cuisinier hagard. Les nombreux tags sont dans le style de texte adoré par les gamins des rues, incompréhensible par les bourgeois (et non décodé dans le catalogue de la vente).

Les mots Pollo Frito sur une sorte de pancarte ne sont pas des tags mais l'offre du cuisinier. Les inscriptions tout autour sont menaçantes : danger, peligroso, broke glass. Le coin en bas à gauche est plus sombre, symbolisant un réchaud sur lequel Asbestos est écrit trois fois. La couronne à trois pointes est une signature de l'artiste.

Le cuisinier de poulets est furieux contre ces jeunes taggers qui ne s'attaquent pas qu'aux bourgeois mais son Pollo Frito était autrefois la nourriture typique des esclaves du sud. Les dangers de l'amiante sont une menace moderne que les bourgeois feignent encore d'ignorer à cette époque.

Ce diptyque apparaît ainsi comme un précurseur immédiat de la fresque politique 125 x 471 cm en cinq panneaux intitulée Undiscovered Genius of the Mississippi Delta, peinte l'année suivante, vendue pour $ 23,7M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014.

27 oct. 2018

Hommage au Paysagiste Inconnu

Gerhard Richter maîtrise de plus en plus sa technique à partir du moment où il applique la peinture à l'huile en couches translucides avec une raclette de grande largeur. Le mélange entre les couches humides apporte une gamme chromatique détaillée et complète. Les grands gestes avec le râteau génèrent les lignes de tension verticales et obliques. L'habileté de l'artiste l'amène à créer de très grands formats.

En 1986 le pinceau sert encore, notamment pour obtenir des saupoudrages de sur-brillance qui renforcent ou contredisent les lignes de forces. Abstraktes Bild 599, 300 x 250 cm, a été vendu pour £ 30,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015. AB Still 612-4, 225 x 200 cm, a été vendu pour $ 34M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2016.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend au lot 8 Abstraktes Bild 636, diptyque de dimension totale 260 x 400 cm peint en 1987. L'image est dominée par des lignes verticales irrégulières en nuances claires. Un réseau oblique montant et descendant assure la texture. Partiellement masquée par ce réseau, une zone incandescente reste plus visible tout en bas de la partie gauche.

A la fin de 1987 et au début de 1988 pour une exposition à Londres, Richter peint des expressions colorées destinées à évoquer les couleurs de la ville telles qu'elles avaient été vues par Monet. Brick Tower 643-1, 200 x 140 cm, a été vendu pour £ 14,1M incluant premium par Christie's le 1er juillet 2015. St James 653-1, 200 x 260 cm, a été vendu pour $ 22,7M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2016.

AB 636 est une oeuvre abstraite sans identification d'une inspiration naturaliste. Avec la domination des verticales, il est cependant tentant d'y voir la lisière d'une forêt éclairée par le soleil, après Cézanne ou Chichkine.

Mystères et Méditations

Pendant les vingt dernières années de sa vie, Mark Rothko a construit une extraordinaire compilation de la représentation des émotions par les dialogues entre les couleurs.

Les couleurs les plus sombres ne sont pas lugubres. Elles peuvent même constituer la totalité d'une peinture à condition d'être chatoyantes. Pour tester ce style très particulier, l'artiste est encouragé par les murs sombres de la Villa des Mystères à Pompéi.

Rothko veut partager ses émotions en immergeant le visiteur dans son art. La plupart des spectateurs n'ont pas son hypersensibilité ni sa culture et les dialogues sont difficiles, d'autant plus que les opus n'ont pas de titre et ne sont pas expliqués. Le couple de mécènes John et Dominique de Menil parviennent à intégrer ce très difficile enseignement.

Le 15 novembre à New York, Christie's vend Untitled (rouille et deux noirs sur prune), huile sur toile peinte en 1962, lot 18 C estimé $ 35M.

La disposition des rectangles est classique dans le style de l'artiste et le format presque carré 152 x 145 cm est courant dans la phase qui suit le projet abandonné des Seagram Murals. Les tonalités à la fois subtiles et extrêmes plaisent à l'artiste qui accroche l'oeuvre dans son atelier. Dominique de Menil est convaincue.

En 1964 les De Menil concrétisent leurs relations avec l'artiste en lui offrant de financer un espace de méditation à Houston. Pour ce projet qui deviendra la Rothko Chapel, Rothko réalise le meilleur de son art sombre. L'installation inspirée par les Grandes Décorations de Monet est posthume.

Dominique a inclus l'oeuvre séminale peinte en 1962 dans une exposition temporaire du vivant de l'artiste mais elle ne l'a pas achetée. Continuant jusqu'à maintenant à susciter l'enthousiasme des De Menil, elle a été acquise en 1979 par leur fils François.

26 oct. 2018

Un Nid pour Deux Garçons

David Hockney atteint son paradis terrestre en 1964. A Los Angeles le ciel et l'eau des piscines sont bleus dans des nuances différentes auxquelles le soleil de midi apporte la pureté parfaite. Cette ambiance exacerbe sa sensibilité homosexuelle. Peter Schlesinger devient son amant et sa muse en 1966.

David aperçoit par hasard sur le plancher de son atelier la conjonction de deux photographies qui peuvent constituer une scène : un nageur sous l'eau et un jeune homme debout qui observe quelque chose au loin. La relation entre deux hommes a toujours été un de ses thèmes favoris. Il vient de trouver le moyen de symboliser son affaire avec Peter.

Ce n'est pas si facile pour cet artiste hypersensible. Il détruit une première version. La rupture soudaine entre les amants survient à cette période. Au printemps 1972 David part avec deux assistants pour faire des photographies dans la résidence du réalisateur Tony Richardson nommée Le Nid du Duc dans la campagne au-dessus de Saint-Tropez. Pendant l'été 1969 David et Peter y avaient passé quelques jours heureux.

Une photographie du nageur lui convient. Il ne sera donc pas un auto-portrait. Pour l'observateur qui sera positionné debout et correctement habillé au bord de la piscine, il retrouve dans ses archives quelques photographies du vrai Peter, comme si David acceptait maintenant de confier Peter à un nageur non identifiable.

L'acrylique sur toile 213 x 305 cm peint en 1972 est intitulé Portrait of an Artist et sous-titré Pool with Two Figures. Le nageur est sous l'eau et Peter est au bord de la piscine. Bien que le regard de Peter soit dirigé vers le nageur, la communication entre eux est impossible.

En 1974 un biopic intitulé A Bigger Splash raconte la rupture entre David et Peter. David joue son propre rôle. Le film incorpore des séquences de la réalisation du Portrait of an Artist. Le mélange d'émotion et d'intimité fait d'A Bigger Splash un film culte des communautés gay, au point d'indisposer David lui-même. Il changera plus tard d'opinion.

Cette peinture sera vendue par Christie's à New York le 15 novembre au lot 9 C. Le communiqué de presse du 13 septembre annonce une estimation aux alentours de $ 80M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le Livre des Herbes

L'utilité des plantes pour la médecine est évidente depuis les temps les plus anciens. L'invention de l'imprimerie permet de propager ce précieux savoir. Dès 1484 à Mayence, Schoeffer imprime un herbier. Les livres de fleurs viendront bien plus tard, la pratique du jardin d'agrément n'étant pas connue à cette époque.

Médecin et humaniste, Leonhart Fuchs travaille depuis 1533 à l'Université de Tübingen où il crée un jardin de botanique médicale. Il s'appuie sur les descriptions des plantes par Hippocrate, Dioscoride et Galien et est le premier botaniste à comprendre l'intérêt des illustrations réalistes.

Fuchs publie en 1542 De historia stirpium commentarii insignes, un in folio 36 x 24 cm imprimé à Bâle. Ce livre de 896 pages inclut pas moins de 508 illustrations de plantes en plein format. C'est un travail d'équipe : le portrait de l'auteur en pieds occupe une page et ses trois collaborateurs se partagent une autre page où ils sont nommés. Les deux peintres (pictores operis) sont montrés en train de faire le dessin d'une plante en pot. Le troisième artiste est le sculpteur chargé de préparer les blocs de xylographie.

Bien entendu le livre était conçu pour être coloré. Un exemplaire de l'édition originale est mis en couleurs en 1552 par un artiste nommé Hubert Cailleau qui avait la très bonne pratique de signer et dater ses travaux. Cailleau travaillait à Valenciennes dans la tradition des enlumineurs et était à cette époque spécialiste des illustrations des livres manuscrits de musique et de chants de messe, les antiphonaires et les graduels.

Cet exemplaire exceptionnel est estimé € 400K à vendre par Reiss und Sohn à Königstein im Taunus le 30 octobre, lot 592.

25 oct. 2018

Les Couleurs Spirituelles de Kandinsky

Encouragé par ses propres recherches à Murnau, Wassily Kandinsky s'emploie à devenir le prophète d'une nouvelle naissance de la peinture. Avec des séquences de notes, Wagner et Schönberg font partager leur mysticisme aux mélomanes. Les peintres ont les couleurs.

En 1911 à Munich, Kandinsky et Marc créent le groupe Der Blaue Reiter. Marc cherche à établir un code symbolique des couleurs qu'il applique à des formes figuratives sans respecter les couleurs d'origine de ses modèles. Kandinsky veut tenir compte de la relation perçue par les humains entre les couleurs et les émotions.

Dans cette tendance le figuratif perd progressivement sa prépondérance. Les lignes et les couleurs viennent s'organiser comme des champs de forces autour de points d'ancrage. Les verticales sont remplacées par une composition oblique qui dirige le regard vers le coin en haut à droite. Les couleurs fournissent leurs émotions et leur musique autour de deux valeurs muettes, le blanc et le noir, qui symbolisent aussi les deux extrêmes de l'espoir.

En cherchant le spirituel avec ces considérations, Kandinsky s'approche de plus en plus de l'abstraction. Ses écrits lui donnent une avance sur tous ses concurrents. Quand l'art abstrait deviendra un des éléments majeurs de la peinture, il aura les arguments nécessaires pour revendiquer son  invention, bien que la réalité soit peut-être un petit peu plus complexe.

Le prophète de l'art doit avoir des références mystiques. Dès 1910 Kandinsky essaie le thème du Jugement Dernier, très bien adapté à son propos par son histoire dépersonnalisée.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend Zum Thema Jüngstes Gericht, huile et technique mixte sur toile 47 x 52 cm peinte par Kandinsky en 1913, lot 8 estimé $ 22M.

Cette composition n'est pas réellement abstraite. Par comparaison avec d'autres oeuvres, on reconnaît les clochers qui surmontent l'horizon des villes et le fond est un groupe de montagnes sous un très dense flux d'éclairs. L'objet du jugement est la confrontation ultime du bien et du mal qui ouvrira une ère nouvelle. Les ancrages des champs de forces sont les nombreuses formes ovales de couleurs variées réparties dans ce champ de bataille.

Préparation des Grandes Décorations

A partir de 1914, Claude Monet conçoit le projet des Grandes Décorations, qui occuperont la dernière phase de sa vie et seront sa légation artistique. En conformité avec la vision artistique de toute sa vie, ces toiles murales seront centrées sur un thème spécifique montré dans toutes les nuances des saisons, des heures du jour et du temps.

L'artiste vieillit et souffre de la cataracte. Ce dernier thème est encore une fois les nymphéas de son bassin qui satisfont depuis 1904 sa passion pour le jardinage tout en étant proches de son atelier.

Quand il termine le projet quelques mois avant sa mort en 1926, Les Grandes Décorations sont constituées de 8 compositions utilisant 22 toiles d'une hauteur homogène de 2 m formant une longueur totale de 90 m.

Pendant les années de guerre, l'artiste réalise environ 60 peintures de ses nymphéas pour tester son thème sur des grands formats. La conception d'ensemble se construit progressivement. Il devient ensuite nécessaire de tester les formats panoramiques. Cette nouvelle phase est rendue plus difficile par sa volonté de concentrer l'image sur les fleurs et les reflets en éliminant les bords du bassin et l'horizon.

En 1918 Monet achète les toiles nécessaires à cette nouvelle série. Il peint 14 toiles 100 x 200 cm et 5 toiles 130 x 200 cm sur une brève période qui s'achève l'année suivante. L'une d'elles est datée 1917 qui est l'année de la conception de cette phase.

Un Bassin aux nymphéas 100 x 200 cm daté 1919 a été vendu pour £ 41M incluant premium par Christie's le 24 juin 2008. Plusieurs toiles ont été coupées. Daté de la même année, un fragment 100 x 100 cm dont l'autre moitié est dans un musée a été vendu pour $ 27M incluant premium par Christie's le 12 mai 2016.

Le 11 novembre à New York, Christie's vend un Bassin aux nymphéas 100 x 200 cm non daté, lot 32 A estimé $ 30M. Cet opus offre une très plaisante homogénéité de tonalité entre les reflets bleus du ciel et les reflets verts des grands arbres. Les fleurs sont rares.

24 oct. 2018

Un Fancy Vivid Pink de Forme Rectangulaire

Le 13 novembre à Genève, Christie's vend le Pink Legacy, lot 311 estimé CHF 30M. Ce diamant rose de Type IIa pèse 18,96 carats avec une saturation Fancy Vivid sans trace de couleur secondaire et une clarté VS1. Taillé en rectangle à coins coupés, il est monté sur une bague. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Très peu d'informations ont été révélées sur sa provenance. La pierre a été extraite en Afrique du Sud et le bijou a appartenu à la famille Oppenheimer. Bien qu'il ne puisse pas rivaliser avec le Pink Star, 59,60 carats Fancy Vivid Pink Internally Flawless, il est un des meilleurs diamants de sa catégorie.

Fancy Vivid est le haut de gamme de la saturation, meilleur que Fancy Intense, et les gros diamants sont rares dans cette nuance. Surtout, chaque diamant est différent pour un joaillier. La forme est choisie en fonction de l'homogénéité de la couleur. La taille rectangulaire offre la meilleure brillance. Cette forme est souvent utilisée pour les diamants blancs mais les gros diamants roses qui supportent ce traitement sans affaiblissement sont très rares.

Voici quelques exemples de diamants roses rectangulaires. Les résultats incluent le premium.

En saturation Fancy Vivid Pink, un diamant pesant 5,18 carats dont la clarté était seulement VS2 a été vendu pour CHF 10M par Christie's le 13 mai 2015. Considérant que le prix au carat augmente avec le poids, ce résultat approchant CHF 2M au carat confirme que le diamant qui vient maintenant en vente est une pièce exceptionnelle.

En saturation Fancy Intense Pink, les gros diamants rectangulaires sont effectivement moins rares. Le Perfect Pink pesant 14,23 carats avec une excellente clarté VVS2 a été vendu pour HK$ 180M par Christie's le 29 novembre 2010. Avec la même clarté, un diamant pesant 24,78 carats a été vendu pour CHF 45,4M par Sotheby's le 16 novembre 2010. Avec une clarté encore meilleure gradée VVS1, un diamant pesant 17,07 carats a été vendu pour CHF 21M par Sotheby's le 16 décembre 2016.



Fleurs au Jardin

En tant que mouvement artistique, l'impressionnisme est en déclin en 1886. Monet et quelques adeptes de la première heure ont refusé de participer à leur huitième exposition, qui sera la dernière, parce que Pissarro soutient Seurat et Signac.

Monet reste une référence. Les jeunes artistes expriment la beauté d'un petit coin de nature, tout simplement, en s'écartant résolument du paysage et de la nature morte traditionnels. Ils ouvrent la voie vers l'expressionnisme abstrait. Revenu en Angleterre après une visite à Giverny, Sargent peint en 1886 un humble talus de pavots aux brillantes couleurs.

Vincent van Gogh est à Paris en 1886. Il admet que jusque-là il n'avait aucune connaissance de l'art moderne. Il avait admiré Millet, Daubigny et Mesdag. Il intègre sa découverte de l'impressionnisme avec une énergie fulgurante mais, toujours à la recherche d'un art personnel et parfait, il ne les imite pas.

En 1886 Vincent peint des vues de Paris. L'année suivante il peint avec Signac des vues du Parc Voyer d'Argenson qui surplombe la Seine à Asnières.

Dans les vues peintes en 1889 et 1890 en Provence et à Auvers, l'influence de Signac sur Vincent reste importante : l'effet global d'une peinture est apporté par des éléments de couleurs vives. Pour le détail de cette texture, Vincent retiendra plutôt les longs traits de couleurs enchevêtrés dans les neiges blanches de Monet.

Le 11 novembre à New York, Christie's vend au lot 40 A Coin de jardin avec papillons, huile sur toile 50 x 61 cm peinte par Vincent. L'image est partagée par Wikimedia.

La minutie de sa réalisation a laissé supposer qu'elle a été peinte à Arles au printemps 1889. De nouvelles analyses amènent les experts du Van Gogh Museum d'Amsterdam à proposer une exécution au printemps 1887. Si c'est le cas, Vincent avait expérimenté au jardin d'Asnières un style qu'il utilisera plus régulièrement deux ans plus tard. Dans son zèle boulimique pour maîtriser l'art de la peinture dans sa globalité, cette hypothèse est aussi plausible.

Van Gogh - Rasenstück mit Schmetterlingen

23 oct. 2018

Le Grand Voyage de Hartley du Maine

Marsden Hartley est un peintre des paysages de son Maine natal, dans un style simplifié qui intéresse Stieglitz. En lui consacrant une exposition solo à la Gallery 291 en 1909, Stieglitz l'identifie significativement comme Mr Marsden Hartley of Maine mais il lui donnera toutes les informations utiles concernant les avant-gardes Européennes.

Hartley part pour Paris en avril 1912. Il rencontre Gertrude et Leo Stein, Picasso, Delaunay, Kupka et les autres. C'est à Paris qu'il tombe amoureux d'un jeune officier Prussien. Il est initié par ses amis allemands à l'art spirituel de Kandinsky et du Blaue Reiter et s'installe de façon durable à Berlin.

Soumis à toutes les influences comme s'il cherchait encore à 36 ans à construire sa maturité, il est ébloui par Berlin qui dégage une ambiance chaleureuse si différente de ses froids paysages Américains et où les jeunes militaires symbolisent une homosexualité vigoureuse.

A Berlin l'art de Hartley devient abstrait, avec des formes géométriques inspirées par les parades militaires. Des énergies explosives interagissent avec une figure dominante qui est un triangle ou une mandorle et peuvent représenter l'artiste lui-même. Les autres éléments peuvent aussi être interprétés de multiples manières à la façon de l'hermétisme croissant de Kandinsky et les chocs de couleurs sont certainement influencés par Franz Marc.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend au lot 28 un Pre-War Pageant, huile sur toile peinte en 1913, 106 x 86 cm en incluant son cadre d'artiste. Le communiqué de presse du 14 septembre annonce une estimation aux alentours de $ 30M.

Cherchant le bonheur et voulant exprimer son introspection, Hartley n'apparait pas comme pro-allemand mais comme un naïf, probablement ébahi par la réalisation de sa propre homosexualité. Il n'a pas compris à temps que les parades préparaient la guerre et quitte précipitamment l'Allemagne à la fin de 1915.

Banksy contre le Travail des Enfants

Banksy fustige les abus et les complaisances de la société. Son anonymat le fait apparaître encore plus comme un rebelle. Comme les humoristes des journaux, il offre des juxtapositions de thèmes répondant à l'actualité.

En 2012 la Grande-Bretagne attend deux évènements sociaux de toute première amplitude, le Jubilee de Diamant de la Reine et les Jeux Olympiques de Londres. Chez les pauvres de la planète, les difficultés persistent. L'utilisation d'ateliers clandestins pour créer des souvenirs est suspectée. Le Sunday Times dénonce les conditions de travail d'un enfant de sept ans en Inde. Son atelier fait indirectement partie des fournisseurs de la chaîne Poundland, le leader du discount.

Une oeuvre de Banksy apparaît sur le mur extérieur d'un magasin Poundland de Londres. Un jeune garçon est agenouillé devant une machine à coudre avec laquelle il produit une chaîne de petits Union Jacks. Cette confrontation de la fierté Britannique et du Tiers Monde est intitulée Slave Labour (Bunting Boy).

L'aérosol noir et blanc sur béton 132 x 145 cm a été encadré et transformé en une installation par l'adjonction d'Union Jacks en plastique tout juste sortis de l'image de la machine à coudre.

Cette oeuvre est estimée $ 600K à vendre par Julien's à Los Angeles (Beverly Hills) le 14 novembre, lot 170.

22 oct. 2018

New Look avec Eléphants

Le public s'est toujours passionné pour les modes vestimentaires. L'évolution des techniques facilite la diffusion des informations par les magazines. Harper's Bazaar et Vogue sont les leaders de ce secteur de marché dans les années 1930, quand il devient nécessaire de remplacer les dessins par des photographies.

Après la guerre le phénomène s'accentue. Un grand couturier n'aura aucun succès s'il ne séduit pas les rédacteurs des magazines. En 1947 Carmel Snow, rédactrice en chef de Harper's Bazaar, assure la gloire de Christian Dior en exprimant son enthousiasme avec exubérance. C'est elle et personne d'autre qui a déclenché le succès instantané de cette mode qu'elle a appelée le New Look.

Carmel Snow vient deux fois par an à Paris pour rendre visite aux couturiers avant le lancement des collections. En 1955 Richard Avedon sent qu'il a un rôle à jouer. Il obtient la mission de couverture photographique du reportage de Carmel Snow pour la collection d'automne-hiver.

Cette nouvelle tendance crée un nouveau métier, le top model, comme Lisa Fonssagrives qui épousera Irving Penn. Les filles sont superbes mais statiques et les photographes portent toute leur attention au vêtement.

Richard Avedon offre une vision plus dynamique. Pour montrer des robes de soirée par Dior, il conçoit une mise en scène avec Dovima qui est une des top models les plus demandées de cette période. A ce moment Carol Reed tourne un film au Cirque d'Hiver sous la grande verrière qui permet la même luminosité qu'en extérieur. Avedon place Dovima au milieu d'une rangée d'éléphants.

L'édition de septembre 1955 de Harper's Bazaar inclut quinze photos du reportage Parisien d'Avedon. Dovima avec ses éléphants apparaît une fois avec une robe blanche et une fois avec une robe noire, toutes deux par Dior.

La robe noire, plus précisément  un drapé de satin clair dans un fourreau de velours noir, est une conception d'Yves Saint-Laurent dans sa toute première participation pour Dior. L'attitude théâtrale de Dovima tendant un bras vers chaque bête a créé un chef d'oeuvre de la photographie de mode.

En 1962 Avedon prépare deux tirages 124 x 100 cm pour une exposition au Smithsonian, d'autant plus rares dans cette dimension que l'usage d'origine avait été exclusivement pour le magazine. L'un d'eux monté sur isorel est estimé € 600K à vendre par Sotheby's à Paris le 9 novembre, lot 57.

Des éditions et des grands tirages ont été effectués plus tard après retouche du négatif. Un tirage 217 x 167 cm préparé en 1978 pour une exposition rétrospective au Metropolitan Museum of Art a été vendu pour € 840K incluant premium par Christie's le 20 novembre 2010.

Danse avec les Points Rouges

Les peintures non figuratives de Jackson Pollock ne sont ni mystiques ni panthéistes. Elles expriment sa personnalité profonde comme aucun artiste ne l'avait fait avant lui.

La formation artistique de ce garçon du Wyoming n'a pas été conventionnelle. Il admire l'influence des arts tribaux sur Picasso et le message révolutionnaire des muralistes Mexicains, et surtout il se débarrasse des pratiques habituelles des artistes peintres.

En négligeant les limites de son support toile ou papier, il offre l'infini quelque soit la dimension de l'oeuvre, comme avait fait Mondrian. En posant sa toile ou son papier directement sur le sol, il peut danser autour comme un Indien. Dans cette gestuelle où la couleur coule du pot tenu par la main, il crée des réseaux de couleurs qu'il modifie à volonté, ce qui serait impossible sur un mur ou un chevalet.

Les surréalistes voulaient exprimer leurs rêves. Pollock fait le contraire : il contrôle son subconscient. Ses couleurs sont si enchevêtrées qu'aucun détail n'est prépondérant. Elles ne constituent pas une image cérébrale mais le produit de sa danse tridimensionnelle. Un peu plus tard Kazuo Shiraga impliquera aussi son propre corps dans sa création artistique.

Pollock est un perfectionniste mais il travaille vite et son oeuvre est abondante. Ses meilleures années commencent en 1948 quand il peut se consacrer entièrement à son art avec le support efficace de sa femme Lee Krasner dans leur atelier de Long Island isolé des tentations néfastes de la grande ville.

Le 13 novembre à New York, Christie's vend une peinture à l'huile, émail et aluminium 93 x 65 cm, lot 17 B estimé $ 50M. Datée 1950 par l'artiste mais non numérotée, elle n'a pas d'historique d'exposition de son vivant et est identifiée par le titre descriptif Composition with Red Strokes.

21 oct. 2018

La Venus de Long Island

Proche des autres artistes de New York, Willem de Kooning ne veut cependant pas que son art soit assimilé à une école. Il observe que la peinture à l'huile est la technique idéale pour simuler la chair. En 1950 il commence la peinture d'une femme plus grande que nature sur une toile 197 x 147 cm. Il retravaille cette oeuvre avec ses pinceaux et ses couteaux et la considère comme terminée en juin 1952 grâce à l'intervention d'un ami.

A la fin 1952 et en 1953 l'artiste réalise des répliques de sa femme originelle. Cette femme idéale est une synthèse entre les opulentes statuettes paléolithiques de fertilité et la femme moderne montrée comme une mégère grotesque.

Ce travail aboutit à l'exposition côte à côte de six peintures intitulées Woman I à Woman VI. Elles sont debout de face dans des positions similaires. Les couleurs vives et variées des habits pourraient simuler selon l'artiste l'évolution des modes. De Kooning démontre ici que l'Action painting n'est pas incompatible avec un thème figuratif.

I à VI ne sont pas les seules oeuvres sur ce thème. Cette série n'a pas inclus une Woman with Bicycle peinte en 1952 dans le même style mais dont l'attitude est légèrement différente. Des huiles sur papier sont réalisées en plus petits formats.

En 1955 l'artiste continue ses expériences à Long Island. Le 13 novembre à New York, Christie's vend Woman as Landscape, huile et charbon sur toile 166 x 125 cm, lot 7 B estimé $ 60M.

Les couleurs d'un paysage avec son ciel bleu et son sol verdoyant entourent la femme. Le titre est significatif avec 'as landscape' et non 'in landscape' pour indiquer que l'artiste est prêt à mélanger les genres. Effectivement à la fin de l'année il revient à des compositions abstraites dans lesquelles ses intentions figuratives, quand elles existent, sont entremêlées et ne sont plus déchiffrables que par lui.

Confrontation avec la Vie Moderne

Très francophile après un séjour à Paris, Edward Hopper observe à son retour à New York les différences d'art de vivre entre les deux continents. Tout change très vite aux Etats-Unis dans les années 1920 autour d'une nouvelle organisation du travail qui incorpore mieux les femmes, respecte mieux leur individualité et leur octroie une certaine liberté.

Hopper est taciturne et traditionaliste. Il sait bien qu'il ne pourra pas s'opposer à ces changements, tout comme il ne peut rien faire contre le délabrement des maisons abandonnées. Son art est réaliste mais il construit son propre univers comme un surréaliste.

Automat, peint en 1927, est un portrait de sa femme Jo faisant une pause dans un café en libre service. Elle est seule, pensive et un peu fatiguée, assise devant une table ronde dans le fond d'une salle sans décoration.

Chop Suey, huile sur toile 81 x 96 cm peinte en 1929, montre la même jeune femme dans un autre restaurant à bon marché, attablée en face d'une autre femme qui est vue de dos. Assis à une autre table dans le fond, un couple discute.

Le thème n'est décidément pas narratif malgré les apparences. On ne saura pas qui sont ces personnages, pourquoi ils sont ensemble. Ces cafés Chinois qui prolifèrent alors aux Etats-Unis sont un symbole d'une nouvelle vie de tous les jours avec de nouvelles formes de banalités et aussi l'attrait et le risque d'internationalisation et de dépersonnalisation.

Dans les nouveaux espaces urbains, la géométrie devient omniprésente. Chop Suey a séduit le jeune Mark Rothko et influencé bien plus tard sa division des surfaces en champs de couleurs.

Chop Suey est estimé $ 70M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 12 B. L'image à faible résolution est partagée par Wikimedia pour usage d'information.

File:HopperChopSuey.jpg

20 oct. 2018

Le Birch Cent à Tranche Lisse

Le half disme en argent et le cent en cuivre sont développés en parallèle selon les exigences du Mint Act du 2 avril 1792. En juillet le Président Washington autorise l'émission officielle du half disme.

Le cent avait été la pièce fédérale la plus attendue. Elle est retardée par le grand diamètre des prototypes qui risque de déconcerter les utilisateurs, et aussi par un risque de pénurie du cuivre. En décembre les essais du Silver Center cent et du Fusible Alloy cent ne débouchent sur aucune solution réaliste. De façon plus pragmatique le poids du cent est dévalué de 264 à 208 grains par l'Acte du Congrès du 14 janvier 1793.

Les prototypes préparant le cent portent la marque du graveur Birch qui n'a pas été formellement identifié et qui n'apparaît plus après ces opérations. Quatre variantes sont connues. Son dessin est très comparable à ceux du half disme et des essais de bimétallisme de décembre.

Un exemplaire en métal blanc a survécu. Non conforme aux exigences d'avril 1792 parce qu'elle porte les initiales du président, elle est certainement antérieure à cette date. Elle constitue à elle seule la plus ancienne variante du Birch cent et est le plus ancien prototype du cent fédéral.

La première variante en cuivre est basée sur le standard à 264 grains.  Trois pièces  sont connues. L'une d'elles gradée MS 61 par NGC a été vendue deux fois par Heritage, pour $ 560K incluant premium en janvier 2015 et pour $ 520K incluant premium en août 2016. La seconde pièce a été allégée par son usure. La troisième pièce a perdu par limage son inscription sur la tranche.

Un seul Birch cent est connu avec une tranche lisse d'origine. Pesant 226 grains, ce spécimen est probablement un essai préparatoire de la phase suivante. Gradée AU 58 par PCGS, cette pièce sera vendue le 26 octobre par Stack's Bowers à Baltimore, lot 7151.

Sept Birch cents répondent au standard de poids de 1793. Elles se différencient des pièces précédentes par une étoile supplémentaire sur la tranche mais conservent la date faciale de 1792. La meilleure, gradée MS 65 par NGC, a été vendue pour $ 2,6M incluant premium par Heritage le 8 janvier 2015. La seconde meilleure, gradée AU 58 par PCGS, a été vendue pour $ 1,18M incluant premium par Stack's Bowers le 26 mars 2015. Leur terminus ante quem est l'émission du chain cent en mars 1793.

18 oct. 2018

De Flyer à Eagle

Entre Flyer et Eagle les progrès de la technologie Américaine sont phénoménaux.

Le 17 décembre 1903 à Kitty Hawk en Caroline du Nord les quatre essais réussis de Flyer constituent les tout premiers vols d'une machine plus lourde que l'air équipée d'un moteur et contrôlée par un pilote à bord. Réticents à publier leur exploit pour éviter d'attirer l'attention des concurrents, les frères Wright sont très préoccupés par le suivi de leur demande de brevet.

Endommagé à la fin de la première journée, Flyer n'est pas réutilisable. Les frères Wright conservent l'épave dans des caisses jusqu'en 1916 quand le M.I.T. propose d'organiser une exposition. Le matériel a été endommagé en 1913 par une inondation. Orville Wright change la couverture des ailes par un textile similaire.

A la grande surprise des héritiers la toile d'origine de Flyer est retrouvée dans la succession d'Orville Wright. Elle est découpée en petits morceaux qui sont offerts en souvenir à des pionniers de l'aéronautique. Un fragment 3,2 x 4,1 cm qui avait appartenu à Edwin E. Aldrin, père du futur astronaute, a été vendu pour $ 32,5K incluant premium par Heritage le 11 mai 2018.

Contrairement à l'extrême confidentialité pratiquée par les frères Wright, le voyage d'Apollo 11 et l'alunissage de son Lunar Module Eagle le 20 juillet 1969 avec Armstrong et Aldrin à bord sont visionnés immédiatement sur toute la planète. Cet exploit technologique sans précédent est accompagné de nombreuses célébrations. En hommage aux frères Wright, des morceaux de la toile d'aile et de l'hélice en bois de Flyer fournis par l'Air Force Museum avaient été embarqués dans le L.M.

Neil Armstrong obtient de conserver pour sa collection personnelle quelques-uns de ces minuscules témoins du double exploit de Flyer et Eagle. Six lots sont vendus dans sa succession par Heritage à Dallas le 1er novembre : deux fragments d'hélice 29 x 9 mm et 29 x 8 mm aux lots 52284 et 52285 et quatre fragments de mousseline aux lots 52280 à 52283, le plus grand mesurant 3,8 x 5 cm hors tout.

Voici le lien vers les lots répondant au critère de recherche Wright dans cette vente. Je vous invite à regarder la video partagée par Heritage.

16 oct. 2018

Au-Delà de l'Espace et du Temps

L'alchimie cherchait une relation entre toutes choses. Newton s'était appuyé sur les mathématiques pour chercher la pierre philosophale. En dissociant l'espace et le temps, il avait créé la science moderne.

Albert Einstein est né dans une famille Juive sans croyances religieuses. Après une très brève phase mystique, il rejette à son tour les écritures. Newton n'avait pas été assez loin : Einstein liera l'espace et le temps. Il trouve vers 1902 un cadre de pensée avec Spinoza pour qui Dieu ne pouvait pas avoir de réalité matérielle ni intervenir dans nos destins.

Au-delà des lois de la physique, la vérité ultime ne pourra pas être atteinte. On peut donner la désignation de Dieu à ce concept irréfutable. Einstein n'est pas panthéiste et pendant toute sa vie il déclarera qu'il n'est pas athée. Il suit aussi Spinoza pour les conséquences sociales et politiques de ses théories : les peuples sont égaux entre eux.

En 1952 le philosophe Juif allemand Eric Gutkind publie un livre intitulé Choose Life : The Biblical Call to Revolt. Il envoie un exemplaire à Einstein qui répond le 3 janvier 1954 par une lettre privée.

Le concept d'un peuple élu agace visiblement Einstein bien qu'il soit parvenu à rester courtois. Il est un Juif qui aime son peuple mais l'idée de Dieu est un produit de la faiblesse humaine et toutes les religions dont le Judaïsme sont des reliquats de superstitions primitives.

Cette lettre de deux pages autographes en allemand a été vendue pour £ 207K incluant premium par Bloomsbury le 15 mai 2008. Elle est estimée $ 1M à vendre par Christie's à New York le 4 décembre, lot 1. Entre temps en 2012 une transaction aurait été effectuée sur eBay pour un prix beaucoup plus élevé.

Lahore au Temps de Kipling

John Lockwood Kipling est passionné par l'architecture et l'artisanat et aussi par l'Inde. Juste après son mariage il est nommé sculpteur d'architecture et professeur de modelage à Bombay. Rudyard, leur premier enfant, nait dans cette ville en décembre 1865.

Les talents d'éducateur et d'illustrateur de John Lockwood Kipling lui ouvrent une belle carrière. Il travaille de 1875 à 1893 à Lahore où il est principal du Mayo College of Arts et conservateur du musée local. Revenu en Angleterre pour sa retraite, il réalise des illustrations pour le Livre de la Jungle et d'autres ouvrages de son fils.

Le 23 octobre à Londres, Bonhams vend un album assemblé et signé par J.L. Kipling à Lahore en 1888, contenant une collection de 120 photographies sur le thème des monuments de l'Inde dont Lahore et Amritsar. Il est estimé £ 100K, lot 212.

Kipling a choisi des tirages albuminés de dimensions variées qui ont été réalisés par des photographes anonymes. Il a inclus également six vues de Delhi éditées en woodburytype par Samuel Bourne.

Le fil conducteur de cet ensemble est l'intérêt didactique et la promotion de l'architecture locale. Il insère ainsi dans son album six photos prises dans la résidence de Lockwood de Forest à New York abondamment décorée de sculptures Indiennes. Proche de Tiffany, de Forest tentait d'introduire les styles de l'artisanat Indien dans les arts and crafts Américains.

15 oct. 2018

Concours de Quadricycles

La société Peugeot fabrique des outillages. Dans les années 1880 elle est un des premiers fabricants de grands-bis, tricycles et bicyclettes, dans cet ordre chronologique. Les Expositions Universelles qui se tiennent tous les onze ans à Paris ont pour but l'encouragement de l'industrie. En 1889 Armand Peugeot expose quatre prototypes d'un tricycle équipé d'une chaudière à vapeur.

Sur un autre stand dans la même galerie Panhard et Levassor exposent un prototype de quadricycle Daimler équipé d'un moteur à essence de pétrole à deux cylindres en V. L'avenir est à l'automobile à "gazoline". Peugeot commence à fabriquer des voitures équipées du V2 Daimler qui est fabriqué sous licence par Panhard et Levassor. En 1892 la société Peugeot devient Les Fils de Peugeot Frères.

Paris est passionné par les progrès techniques et aussi par leur utilisation. Le Petit Journal multiplie les évènements. La course de bicyclettes Paris-Brest-Paris est organisée en 1891. Une Peugeot Type 3 équipée d'un moteur Daimler-Panhard parvient à suivre toute la course. En incluant l'aller-retour entre l'usine de Valentigney et Paris, elle a réussi à parcourir 2100 Km.

En juillet 1894 Le Petit Journal organise Paris-Rouen qui n'est pas une compétition de vitesse mais un concours d'automobiles jugées sur trois critères : sécurité, facilité d'utilisation et bon marché. Le prix de 5000 francs est partagé entre Panhard et Levassor et Les Fils de Peugeot Frères. La vedette de cet évènement est la nouvelle Peugeot Type 5 conçue pour la compétition. Ce quadricycle à deux places est équipé du V2 Daimler-Panhard.

Quatorze Peugeot Type 5 ont été construites. L'une d'elles a conservé son châssis, ses équipements mécaniques et sa carrosserie d'origine. Elle a été repeinte et le réservoir à eau a été changé. Dans cet état sensationnel d'originalité elle sera vendue le 2 novembre à Londres par Bonhams, lot 306 estimé £ 300K, et participera à la course de vétérans de Londres à Brighton le 4 novembre.

Cette voiture a conservé une traçabilité remarquable. Son terminus post quem est la livraison du moteur par Panhard en décembre 1893 et son terminus ante quem est la livraison à son premier propriétaire en novembre 1895. Il apparait comme probable aux experts qu'elle a été conservée pendant plus d'un an par Peugeot après avoir été une des cinq Type 5 engagées par la marque sur Paris-Rouen.

Suite à des désaccords stratégiques avec son cousin, Armand Peugeot quitte en 1896 Les Fils de Peugeot Frères et fonde la Société des Automobiles Peugeot.

14 oct. 2018

Intérieur avec Lumières du Jour

A partir de 1899 Vilhelm et Ida Hammershøi vivent dans un vieil appartement au plafond haut à Strandgade 30. Les études de lumière et même de poussière apportent ambiance et présence aux vues des pièces peu meublées où parfois la jeune femme apparaît tranquillement, souvent de dos, jamais dans une intention narrative.

En 1909 le couple déménage pour s'installer dans une maison à Bredgade 25, dans un autre quartier de Copenhague. Dans cette brève période qui se termine par un nouveau déménagement en 1913,  Hammershøi cherche à renouveler sa très originale créativité mais épuise sa santé fragile sur des études de nu féminin.

Daté de 1910, un Intérieur avec chevalet conservé à la National Gallery of Denmark montre un coin d'une pièce vide à Bredgade, éclairée au travers d'une haute fenêtre visible sur le bord gauche. La lumière projetée sur le mur terne est brouillée. Dans cette phase l'artiste expérimente l'inclusion dans le gris de couleurs vives qui ne sont visibles que par une inspection rapprochée mais contribuent à l'effet d'ensemble à la manière des Impressionnistes.

En 1912 il peint une vue identique qui va beaucoup plus loin dans l'expérimentation des lumières comme un hommage aux peintres hollandais du XVIIème siècle que l'artiste admirait.

La lumière du début ou de la fin du jour provient de la même source mais est ici bien plus vive. Au travers d'une porte intérieure dans le mur, une lumière similaire apparaît comme un écho dans la pièce du fond. Une autre trace lumineuse est visible sur le sol, provenant d'une fenêtre invisible de l'autre côté. L'artiste montre ainsi en une seule vue l'éclairement du matin et du soir dans la pièce où il a installé son chevalet, selon les nouveaux principes d'angles multiples du futurisme.

Cette composition d'apparence simple est en fait un mystère auquel le chevalet, déjà placé dans la même position en 1910, contribue largement. Il est tourné vers le mur, de sorte qu'on ne peut pas voir si un travail est en cours. L'artiste actuellement absent ne pourrait observer que le mur du fond qu'on imagine tout aussi vide que le reste de la pièce.

Cette huile sur toile 78 x 70 cm est estimée $ 1,5M à vendre par Christie's à New York le 31 octobre, lot 14. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Curtis Patronné par Morgan

Né dans le Wisconsin, Edward S. Curtis passe quelques années dans le Minnesota où il est passionné par l'observation des tribus Indiennes. Etabli à Seattle, le jeune homme devient photographe. Princess Angeline, la fille du chef Seattle qui avait donné son nom à la ville était une vieille femme qui aimait se faire photographier pour une petite rétribution. Son portrait par Curtis en 1896 est admirable.

En 1904 Curtis photographie les enfants du Président Roosevelt. En 1906 lors de la parade inaugurale du second terme de Roosevelt, il photographie Geronimo et cinq autres chefs Indiens sur la pelouse de la Maison Blanche. Amateur de vie au grand air et de belles choses, Roosevelt reconnaît le talent de Curtis et le recommande auprès du banquier J. Pierpont Morgan.

Morgan accepte avec enthousiasme de financer le projet de Curtis d'un ensemble décrivant et comparant les tribus Indiennes, illustré par de petites photogravures dans les volumes de textes 31 x 24 cm et des photogravures sepia plein format en portfolios 52 x 24 cm. Le premier volume est édité en 1907. Le titre complet est The North American Indian Being a Series of Volumes Picturing and Describing the Indians of the United States and Alaska.

Curtis réalisera seul son travail gigantesque de chercheur de terrain et d'illustrateur, apparemment sans échec dans son approche amicale des tribus. L'objectif d'une durée de cinq ans est impossible à tenir. La série est achevée en 1930 avec 20 volumes de textes incluant 1503 photogravures et 20 portfolios incluant 723 photogravures sans doublon entre les deux séries d'images.

Morgan avait réservé le premier exemplaire pour lui-même et les 24 suivants pour des dons à des institutions. Le numéro 11 a été donné par Morgan à partir de 1908 à la Cooper Union Library. Il est estimé $ 1M à vendre par Swann Galleries à New York le 18 octobre, lot 57. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


13 oct. 2018

Le Visage Blanc de la Justice

Dans la forêt profonde, des individus peuvent tenter de tirer profit de la crédulité des autres. Des phénomènes naturels ainsi que des maladies restent inexpliqués. Pour faire face à ces situations les Fang du Gabon avaient une confrérie secrète à recrutement initiatique, le Ngil, agissant à la fois comme police et justice.

Pour terroriser les auteurs de maléfices, les membres du Ngil agissaient de nuit à grand bruit. Pour éviter d'être identifié avec un individu de la communauté, le danseur portait un masque-casque. Bien entendu cette pratique devint vite incompatible avec l'administration coloniale et très peu de ces masques ont été conservés.

Le masque Ngil montre un visage très allongé dont les traits sont épurés. Les sourcils proéminents rejoignent l'arête du nez. Les yeux sont réduits à de petites fentes et la bouche est minimisée ou absente. Quand des specimens ont été rapportés en Europe, ils ont influencé l'art moderne, notamment Modigliani. Pour accentuer leur pouvoir nocturne tout en évoquant le monde livide des esprits, ils étaient blanchis au kaolin.

Avec une préservation exceptionnelle de la croute blanche, le masque de la collection Vérité a été vendu pour € 5,9M incluant premium par Enchères Rive Gauche le 17 juin 2006. Inversement le masque vendu pour € 930K incluant premium par Christie's le 13 décembre 2011 avait été utilisé sans revêtement.

Le 30 octobre à Paris, Christie's vend au lot 98 un autre masque Ngil qui a conservé une très longue et abondante chevelure, une petite barbe en raphia et des scarifications en forme de double flèche sur les deux tempes.

Porsche sur le Paris-Dakar

Le rallye Paris-Dakar était prestigieux par ses innombrables difficultés de style safari sur 14000 Km en France, Espagne et Afrique. En 1984 il est gagné par Metge et Lemoyne avec une Porsche 953 à quatre roues motrices, une grande nouveauté pour la marque. La suspension a également été améliorée.

Jacky Ickx, qui avait gagné l'édition précédente avec une Mercedes-Benz, est aussi un pilote régulier pour Porsche, notamment avec la 956, un modèle d'endurance bien adapté pour les 24 Heures du Mans. Sous son impulsion Porsche réalise un nouveau développement pour le Paris-Dakar.

Trois prototypes sont construits en 1985 et trois autres en 1986. Une septième voiture est reclassée en prototype Porsche 961 visant Le Mans. Ces voitures sont une amélioration de la 953 avec un contrôle électronique des quatre roues motrices. Elles ne constituent pas une nouvelle référence mais bénéficient des efforts de modernisation de la 959 et entrent dans cette gamme.

En 1984 les trois 953 engagées avaient terminé le Paris-Dakar. 1985 est moins glorieux avec l'abandon des trois 959. En 1986 les trois nouvelles Porsche 959 finissent à la 1ère, 2ème et 6ème place.

Deux des six 959 Paris-Dakar restent en mains privées dont une seule en état de rouler. Cette voiture est une des trois Porsche du rallye 1985 où elle était pilotée par Metge et Lemoyne. Inutilisée ensuite en compétition, elle est estimée $ 3M à vendre par RM Sotheby's à Atlanta le 27 octobre, lot 196.

12 oct. 2018

L'Ami des Grecs

Nommé consul en 198 BCE, T. Quinctius Flamininus obtient le commandement des armées Romaines engagées dans la Seconde Guerre de Macédoine. Il bat Philippe V de façon décisive à la bataille de Cynoscephales en 197.

La guerre avait été déclenchée après une plainte déposée auprès du Sénat Romain par Pergame et Rhodes contre le joug Macédonien sur les cités Grecques. Flamininus reste en Grèce avec le titre de proconsul pour terminer son oeuvre politique. En 196 dans un discours prononcé aux jeux Isthmiens de Corinthe, il proclame la liberté des cités grecques.

A son arrivée dans la région Flamininus avait montré une extrême dureté en annonçant au roi de Macédoine les termes d'une possible négociation. Les Grecs sont surpris de sa bienveillance constructive. L'habile général n'était pas un bienfaiteur idéaliste. Il avait pour but d'établir une influence durable de la république Romaine en Grèce et de tirer profit de la gloire attachée à ce succès.

Un statère d'or a été émis au nom génitif (T. Quincti) et à l'effigie de Flamininus. Entre Ptolémée I et l'époque de César c'est le seul exemple de portrait monétaire d'un personnage vivant. Même Alexandre n'avait pas osé.

Le portrait est réaliste dans le style du portrait posthume d'Alexandre qui figurait encore sur les monnaies Grecques circulant à cette époque. Les cheveux ondulants sont défaits et il ne porte aucun ornement révélant sa position. La barbe mal taillée révèle qu'il est un général en campagne.

L'inscription est au revers à côté d'une figure classique de la Victoire. Deux variantes existent, avec le texte tourné vers le haut et vers le bas, ce qui est suffisant pour assurer que cette monnaie n'est pas une simple médaille commémorative à frappe unique. Le texte n'est pas en lettres Grecques mais en majuscules Romaines, avec une maladresse typographique qui confirme l'origine grecque de cette émission. Le triomphe de Flamininus à Rome en 194 apparaît comme un terminus ante quem.

Onze exemples de cette pièce sont connus. Le mieux préservé, en état superbe et très bien centré, a été vendu pour CHF 500K hors frais par Numismatica Genevensis le 2 décembre 2008. Cette pièce est estimée CHF 700K à vendre le 20 octobre à Genève par Maison Palombo, lot 25 ici lié sur la plate-forme d'enchères Sixbid.

La Malédiction du Pharaon

Le public des années 1930 adore les nouveaux monstres du cinéma. En 1932 Universal Pictures et son producteur Carl Laemmle maîtrisent parfaitement ce nouveau thème. Pour faire encore mieux (ou pire, selon les goûts), le nouveau film s'inspirera de la malédiction de Toutankhamon. Karloff est célèbre par son rôle maquillé pour Frankenstein. Il incarnera une momie avec un registre similaire d'horreur et d'émotion.

Pour promouvoir ce film intitulé The Mummy, les affiches doivent choquer. Avec l'expérience acquise pour Dracula et Frankenstein, Universal excelle dans ce nouvel art. Les bras croisés de la momie sont serrés contre sa poitrine mais le texte annonce qu'elle revient à la vie. Le visage ravagé de Karloff surnommé The Uncanny (l'Etrange) est à peine reconnaissable.

L'affiche Américaine originale de ce film est une feuille unique 104 x 69 cm imprimée en lithographie sur vélin mince. Trois exemplaires ont survécu.

Une de ces affiches est restée dans un état de fraîcheur splendide, sans être doublée. Elle a été vendue pour $ 450K incluant premium par Sotheby's le 1er mars 1997, un prix sensationnel pour une affiche de cinéma à cette époque.

Elle est estimée $ 1M à vendre par Sotheby's, lot unique numéroté 1 d'une vente en ligne qui s'achève judicieusement le 31 octobre, jour de Halloween. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

11 oct. 2018

Les Bagues d'Abdul-Jabbar

La carrière de Kareem Abdul-Jabbar s'étend sur trois ans de collège avec la NCAA, de 1967 à 1969, puis pendant vingt ans comme professionnel avec la NBA, de 1969 à 1989. Elle est exemplaire. Il est trois fois champion NCAA avec le club de son université, les UCLA Bruins. Il est Champion NBA en 1971 avec les Milwaukee Bucks et en 1980, 1982, 1985, 1987 et 1988 avec les Los Angeles Lakers.

Militant Afro-Américain, Abdul-Jabbar restera toujours un modèle pour les jeunes, un joueur de basketball qui a surmonté les difficultés et réussi sa carrière et son après-carrière. Il a créé la Skyhook Foundation pour donner un nouvel élan à des écoliers en situation de pauvreté par un séjour d'une semaine dans un camp en pleine forêt.

Abdul-Jabbar sait que sa réussite fait partie de l'histoire des sports. Il est collectionneur, sur des thèmes très variés. Il a décidé de mettre tous ses souvenirs de basketball à la disposition des collectionneurs. La vente inclut 146 lots. Elle est organisée en ligne par Goldin Auctions, avec une clôture au 27 octobre. Le produit de la vente ira essentiellement à la Skyhook Foundation.

Le catalogue inclut trois bagues prestigieuses.

Le lot 53 est une bague de la NCAA, non nominative, récompensant les trois victoires consécutives des Bruins en 1967, 1968 et 1969.

Le lot 63 est la bague de champion NBA 1971 attribuée à L. Alcindor des Milwaukee Bucks. Lew Alcindor était le nom de naissance de Kareem Abdul-Jabbar utilisé par lui jusqu'à ce qu'il rende publique sa conversion à l'Islam en 1971.

Le lot 76 est la bague NBA Team Work 1982 attribuée à Abdul-Jabbar des Los Angeles Lakers.





Morceaux de Lune

La Lune n'est pas protégée par une atmosphère. Les chocs violents des astéroïdes projettent dans l'espace des morceaux de roches lunaires qui peuvent ensuite être soumis à l'attraction terrestre. Si elles sont suffisamment grosses, elles peuvent survivre à l'échauffement et tomber jusque sur le sol. Quand elles sont anguleuses, leur forme est nommée breccia.

Seule une analyse géologique permet de connaître l'origine d'une météorite. La surface de la Lune a une composition de faible variété due à l'absence d'air et d'eau et à son faible champ de gravité. Les roches d'origine Lunaire constituent moins de 0,1 % de la population des météorites.

Une breccia pesant 1780 g séparée volontairement en deux moitiés a été vendue pour $ 330K incluant premium par Heritage le 14 octobre 2012. Elle est typique de roches de la face cachée de la Lune et a été trouvée à Dar al Gani dans le Sahara Libyen.

Dans une vente en ligne qui se termine le 18 octobre, RR Auction vend une breccia Lunaire trouvée en 2017 en Mauritanie, lot 4004 estimé $ 500K. Elle est discutée par la maison de ventes dans une video partagée sur YouTube par Associated Press.

Cette météorite est composée de six fragments séparés naturellement qui s'emboîtent parfaitement comme un puzzle pour un poids total de 5,5 Kg. Le plus gros morceau pèse 2939 g et mesure 180 x 150 x 105 mm. Une des faces de cet ensemble reconstitué présente des traces de fusion générées par sa descente dans notre atmosphère.




10 oct. 2018

Un Billet Poinçonné

La difficile Reconstruction après la Guerre Civile aboutit à une période d'euphorie quand l'économie Américaine redémarre. La confiance revient dans la monnaie papier. Jusque-là le Legal Tender Note conçu pendant la Guerre à l'usage des transactions de tous les jours était limité à $ 1000. La Series of 1878 étend cette gamme à $ 5000 et $ 10000.

Ces deux fortes valeurs n'ont aucun rôle dans la relance de la consommation voulue par le gouvernement. C'est le seul cas d'émission de hautes dénominations dans l'histoire du greenback. Le Legal Tender Note de $ 5000 est imprimé à seulement 4000 exemplaires en 1878, probablement en un seul run.

Les $ 5000 et $ 10000 forment ensemble la catégorie la plus rare de toute la monnaie Américaine : aucun billet n'a survécu ! Des épreuves existent qui permettent de connaître ces images à l'effigie respectivement des Présidents Madison et Jackson.

Il existe cependant un specimen du Legal Tender Note $ 5000 1878, imprimé recto verso sur le même papier que la production. Il est identique à un billet régulier à trois exceptions près destinées à empêcher sa circulation : le numéro est remplacé par des étoiles, les signatures imprimées ont été poinçonnées et une inscription a été ajoutée au tampon brun. L'inscription indique sa destination : "Specimen Furnished (to) the Chinese Government by the United States Treasury Department".

La Chine tentait de s'ouvrir au commerce international. Elle a participé à l'Exposition Universelle de Paris en 1878. A cette occasion un économiste a fait des commentaires. Un recensement fait en 1875 avait compté 17 ports Chinois ouverts aux étrangers, totalisant 340 établissements étrangers et plus de 3500 résidents. 85 % du commerce Chinois était effectué avec la Grande-Bretagne et 5 % avec les Etats-Unis.

Ce specimen a été vendu pour $ 800K incluant premium par Heritage en septembre 2007. Gradé Very Fine 25 par PMG et par PCGS, il est estimé $ 600K à vendre par Stack's Bowers à Baltimore le 25 octobre, lot 3015.

9 oct. 2018

La Porsche d'Or

Pour célébrer le 70ème anniversaire de la marque Porsche, il n'y a rien de mieux qu'une 911, toujours en production au travers de nombreuses variantes depuis la première génération en 1964. La millionième 911 est sortie de production en 2017.

La 911 (993), produite de 1993 à 1998, est une étape importante dans cette lignée. Sa version Turbo est la toute dernière 911 équipée d'un moteur six cylindres à plat avec un refroidissement à air. Ses 60 mph atteints en 3,7 secondes étaient une performance remarquable pour son temps. Les modèles ultérieurs auront un refroidissement à eau.

Porsche conserve très soigneusement une banque de pièces détachées. La carcasse servant de référence d'ajustement pour ce modèle était encore disponible. Les ingénieurs ont eu l'idée de l'utiliser comme carrosserie pour construire une voiture bénéficiant des avancées technologiques réalisées depuis deux décennies. Cette ultime 993 s'appuie essentiellement sur les composants d'origine du modèle et est ainsi un démonstrateur du savoir faire de la marque dans la réparation des modèles classiques.

Cette voiture construite en 2018 est et restera unique, et n'est pas homologuée pour la route. Elle est peinte par électrolyse en orange, plus précisément identifié comme jaune d'or métallique, et est nommée Project Gold. Avec son nouveau moteur turbo 6 cylindres 3,6 litres elle est la plus performante des 993, développant 42 CV et 45 Nm de plus que la Turbo de 1998.

La Project Gold sera vendue sans prix de réserve par RM Sotheby's au lot 220 dans la vente anniversaire qui se tiendra le 27 octobre au Porsche Experience Center d'Atlanta. Au-delà du remboursement des frais occasionnés pour le fabricant, le produit de ce lot est au bénéfice de la toute nouvelle Ferry Porsche Foundation, une charité allemande en support aux jeunes.

La Force Colossale d'Hercule

Les Romains des deux premiers siècles de l'Empire appréciaient les sculptures en marbre blanc montrant plus grands que nature des hommes nus avec toute leur force. Les modèles étaient pris dans la Grèce classique des 5ème et 4ème siècles BCE. Trop fragiles, la tête et les membres ont le plus souvent disparu.

Le torse d'athlète de la collection Saint-Laurent - Bergé a été vendu trois fois par Christie's : € 1,3M en février 2009, £ 960K le 24 octobre 2013, £ 1,08M le 9 juillet 2015. Ces résultats incluent le premium.

Les Romains trouvaient le paroxysme de cet art dans la légende d'Hercule. Un torse exhibant des muscles saillants a été vendu pour $ 2,74M incluant premium par Christie's le 11 décembre 2014 sur une estimation basse de $ 1M. Il est estimé $ 2,5M à vendre par Christie's à New York le 31 octobre, lot 48. En incluant la jambe gauche préservée jusqu'au genou, ce fragment mesure 132 cm de haut.

Le héros sans tête porte sur son épaule gauche la peau du lion qui symbolise sa plus grande gloire après la réussite de ses travaux. La position est légèrement déhanchée, indiquant que le bras droit manquant était appuyé sur la massue.

Aucun modèle Grec exact n'est connu. Il est cependant une très proche variante de l'Herakles Albertini conservé au Museo Nazionale de Rome dont les deux jambes sont complètes. Un cratère Apulien à figures rouges réalisé plusieurs siècles avant la réplique Romaine montre un artiste occupé à peindre un marbre blanc d'un type similaire. Dans les trois exemples la position de la peau de lion est différente.