30 nov. 2018

L'Amiral de la Mer Océane

Le projet de traversée de l'Atlantique par Cristobal Colon (Christophe Colomb) était crédible mais ses prétentions étaient extravagantes. Les Reyes Catolicos étaient trop occupés par la Reconquista, achevée en janvier 1492. Le 17 avril 1492 les deux parties signent enfin près de Grenade le contrat connu sous le nom de Capitulaciones de Santa Fe, avec promesse de privilèges en cas de réussite de l'expédition. Le document original est perdu mais des copies authentiques ont été conservées.

Le succès du premier voyage a dépassé toutes les espérances. Le 15 mars 1493 les Reyes convoquent Colon à Barcelone pour tenir leurs promesses et fournir de nouvelles instructions. La charte du 28 mai 1493 confirme les accords de l'année précédente. Colon est Amiral del mar Oceano, avec transmission héréditaire. Son monopole sur les découvertes espagnoles sera résilié en 1499.

Le 20 mai 1493 à Barcelone, Colon reçoit son blason sous la forme légale d'une provision royale. Le document original 28 x 44 cm sur parchemin de vélin est établi quelques jours plus tard, juste avant que l'amiral quitte Barcelone pour préparer le second voyage.

Les ducs de Veragua sont les descendants en ligne directe de Cristobal Colon. Ils ont jusqu'à ce jour conservé ce parchemin considéré comme faisant partie de leur patrimoine familial. Il est estimé € 1,25M à vendre par Ansorena à Madrid le 17 décembre, lot 90.

Le document inclut le texte établissant les privilèges, enregistré par le secrétaire royal Fernando Alvarez de Toledo. Il est centré de l'illustration du nouveau blason coloré avec cinq encres : or, blanc, rouge, bleu et brun. Les deux quartiers du haut sont les armes des royaumes de Castille et Leon et une des divisions du bas simule une carte des îles entourées par les ondes. Le sceau en plomb est perdu mais les rubans qui le tenaient sont restés attachés au papier.

Une Volupté Américaine

Le Pop Art est né de plusieurs sources. Il traduit l'ambiance de la meilleure époque du rêve Américain. En 1961 Lichtenstein et Wesselmann, indépendamment l'un de l'autre, acquièrent la notoriété avec des images de grands formats montrant cette société qui croit être libérée.

Tom Wesselmann est inspiré par les couleurs pures et les thèmes de Matisse. Ses séries séminales, Great American Nudes, Bedroom Paintings et Still Life, sont conçues pour se mêler entre elles. Il ajoute des références typiquement Américaines comme les portraits d'hommes d'Etat accrochés sur le mur de la chambre. Peint en 1961, un Great American Nude 152 x 122 cm avec le drapeau Américain et le portrait de Kennedy a été vendu pour $ 4,1M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2008.

Wesselmann exprime un érotisme intense en limitant les formes féminines aux zones érogènes et en utilisant des aplats de couleurs chaudes. Il conçoit en 1967 une composition audacieuse. La femme nue est couchée dans sa chambre. Sa tête au premier plan est renversée vers l'arrière. La bouche ouverte entre les lèvres écarlates exprime une extase. Le nez et les yeux sont inutiles et ont été supprimés. Plus loin le portrait encadré d'une femme joue le rôle de la voyeuse.

La réalisation est minutieuse, avec pas moins de 25 dessins préparatoires. Avec un humour d'auto-dérision, l'artiste intitule cette oeuvre Long Delayed Nude. Datée 1967-1975, Big Study for Long Delayed Nude, huile sur toile 92 x 127 cm, a été vendue pour £ 540K incluant premium par Christie's le 7 octobre 2017.

Le 5 décembre à Paris, Sotheby's vend Long Delayed Nude, huile sur toile détourée 172 x 258 cm également datée 1967-1975, lot 7 estimé € 1M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

29 nov. 2018

Le Vieux Poète

Un marbre funéraire Romain montrant un homme en grandeur nature a été vendu pour $ 2,06M incluant premium par Sotheby's le 7 juin 2007. Il est estimé £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 décembre, lot 39.

Le vieil homme est vêtu d'un pallium, une draperie plus légère qu'une toge et qui découvre complètement le torse nu. Il est assis sur un coussin. Haute de 115 cm, cette statue a perdu un bras et les deux pieds et le nez est cassé. L'épaule droite a été restaurée.

Son attitude est raide et l'expression du visage est austère. Les jambes sont écartées dans une position orgueilleuse qui rappelle les figures de Jupiter sur son trône et les premiers portraits impériaux. Il a ainsi probablement été créé au tout début du règne d'Auguste dans les dernières années BCE. A cette époque le pallium était le manteau habituel des Romains.

Le drapé du pallium est simple, sans les emblèmes sociaux que l'on attendrait de la statue funéraire d'un aristocrate. Il exhibe un rouleau dans sa main, signifiant qu'il est un poète.

La statue a été créée en deux parties jointes aux hanches, réservant une cavité pour les cendres.

Les Doux Rêves de la Femme Luba

Avant 1930 au Congo, les femmes de l'aristocratie Luba-Shankadi arboraient un chignon d'une grande complexité, constitué de plusieurs ailes de dimensions progressives. Sa réalisation était longue et difficile et la femme devait le conserver pendant plusieurs mois. Les artistes du village leur ont sculpté des appui-nuque avec des figures en caryatide qui portent cette coiffure.

Cet objet en bois de 17 cm de haut est constitué d'un coussin et d'une base réunis par la statuette figurative. Pour qu'il reste léger et facile à manipuler, il est avec les tabourets un rare exemple de composition incorporant du vide.

Les artistes sont identifiés sous le nom générique de Maître de la Coiffure en Cascade. L'un d'eux, le plus prolifique et le plus talentueux, est connu par 12 appui-tête à caryatide simple et 4 appui-tête à caryatide double. Le premier exemplaire a été recueilli en 1901.

Le 12 décembre à Paris, Sotheby's vend au lot 141 une pièce prestigieuse, utilisée comme modèle en 1964 dans la première publication décrivant cette série. La patine démontre un usage prolongé.

Cet exemple à caryatide unique présente une superbe asymétrie du personnage assis avec un genou levé et l'autre jambe pliée vers l'arrière. Elle inclut aussi une des plus rares caractéristiques parmi ce corpus : les mains tiennent une grande pipe, faisant allusion au narcotique qui offre de doux rêves à la femme endormie.

Par le même artiste, un appui-tête à deux caryatides dans une position de conversation conviviale a été vendu pour € 2,3M incluant premium par Millon en association avec Christie's le 15 décembre 2016.

28 nov. 2018

Harcèlement d'une Nymphe

Ferdinando Tacca est un des meilleurs sculpteurs de Florence. Il dirige à partir de 1640 le vaste atelier de son père Pietro, mort prématurément, et termine les travaux inachevés. Ferdinando devient ainsi le second successeur de Giambologna.

Ferdinando préfère le bronze au marbre. Ses bronzes offrent une variété de textures sans précédent, de la peau lisse au sol rugueux. Dans les thèmes, il a une préférence pour les groupes qu'il réalise par assemblages d'éléments.

Il édite pour la première fois les différentes figures du cycle d'Hercule préparées par son père autour de 1614 pour une commande qui n'est jamais venue. Un groupe 58 x 55 x 38 cm avec une patine superbe a été vendu pour £ 6,8M incluant premium par Christie's le 5 juillet 2018.

La période d'activité de Ferdinando tombe dans une phase de désintérêt pour la sculpture maniériste et baroque. Il change d'activité vers 1650. Malgré l'importance de son atelier dans les années 1640 et son incontestable talent, son apport personnel est oublié jusqu'en 1976. Ses bronzes certainement très difficiles à réaliser ont été produits en très petites quantités et chaque thème peut inclure plusieurs variantes légèrement différentes l'une de l'autre.

Ferdinando a conçu une série de scènes inspirés d'Ovide ou d'Arioste montrant un homme et une femme dans la pleine excitation d'un drame érotique, par exemple Venus et Adonis ou Medor et Angelique.

Son interprétation d'Apollon et Daphné est chaude. La scène est montrée au moment précis où le dieu nu met la main avec un sourire de satyre sur la nymphe affolée. Contrairement au grand marbre terminé par le Bernin en 1625, la nymphe n'est pas nue mais dans un instant le dieu va arracher sa tunique. La légèreté de ces corps en mouvement est dans le goût de Giambologna. La version de référence, 49 x 42 cm, est conservée au Louvre.

Une seconde version, 44 x 44 cm, vient de faire surface. Elle est moins complète : Apollo n'a pas son carquois et Daphné ne tient pas les feuilles de laurier qui symbolisent son salut. Ces éléments n'ont peut-être jamais été assemblés sur cet exemplaire. La base en marbre est ultérieure. Dans cet état, ce bronze est estimé £ 200K à vendre par Sotheby's à Londres le 4 décembre, lot 67. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

27 nov. 2018

Ethnologie Pittoresque par Bruegel

En 1559 Pieter Bruegel peint ses premiers chefs d'oeuvre, le Combat de Carnaval et Carême et les Proverbes, deux huiles sur panneau de mêmes dimensions, 118 x 164 cm. Il réutilisera ce format jusqu'à la fin de sa vie pour la plupart de ses peintures importantes. Malgré l'abondance des personnages et la diversité des situations, l'ensemble est cohérent sans erreur d'échelle.

Ces deux oeuvres ont une valeur ethnologique sensationnelle et sans précédent, montrant la variété des occupations dans un village Flamand ainsi que les attitudes et les vêtements.

Inspirés d'une gravure réalisée peu avant par Hogenberg, les Proverbes de Bruegel sont une juxtaposition de près de cent dictons laïcs joués au village. Dieu et le Diable n'apparaissent que trois fois en tout, uniquement dans des situations ridicules, et les prêtres et les saints sont absents. Citons parmi les scènes les plus amusantes le paysan qui tond un cochon, le grelot attaché au chat et le cocu vêtu d'une cape voyante par la femme infidèle.

Du point de vue littéraire, Erasme et Rabelais avaient exploré ce thème : chacun moque ses voisins en ignorant ses propres défauts, constituant le syndrome de la folie ordinaire. Une interprétation moralisante est inévitable, spécialement en ces temps de tension religieuse.

La spécialité de Pieter Brueghel le jeune est de copier pour ses clients les compositions de son père. Les oeuvres avaient été dispersées. Les copies sont préparées en conformité avec les dessins originaux de Pieter l'Ancien, reconstitués de notre temps par une inspection non destructive de ses peintures. Cela démontre qu'un modèle de travail conservé par le père a été utilisé près de quarante ans après sa mort par le fils.

Pendant la décennie 1600 Pieter le jeune réalise des copies sur bois et sur toile au format d'origine. Le 6 décembre 2011, Christie's a vendu pour £ 6,9M incluant premium le seul exemplaire survivant sur toile de grand format du Combat de Carnaval et Carême, 119 x 171 cm.

Le 6 décembre à Londres, Christie's vend Les Proverbes, huile sur toile 121 x 167 cm peinte autour de 1607, lot 7 estimé £ 3,5M.

26 nov. 2018

Le Buffle Fatigué

Pan Tianshou mêle les techniques traditionnelles et les thèmes modernes. Ses peintures à l'encre et couleur sur papier laissent de grands espaces vides qui mettent encore plus en valeur la beauté du dessin.

Depuis 1957 il est pour la deuxième fois le chef de l'Académie Nationale. Soupçonné d'être un espion du Kuomintang, il est persécuté ignoblement par la Révolution Culturelle à partir de 1966 jusqu'à sa mort en 1971. Un paysage 358 x 150 cm peint en 1963 a été vendu pour RMB 290M incluant premium par China Guardian le 20 novembre 2018.

Les animaux sont des allégories. Perché tout en haut du rocher, l'aigle ou le corbeau est un vigile agressif. Le buffle épuisé par son travail aux labours reçoit comme seule récompense des hommes le droit de se baigner dans la mare.

Avec un titre en Chinois signifiant Après le Labour, un buffle peint en 1958, 227 x 121 cm, a été vendu pour RMB 160M incluant premium par China Guardian le 19 juin 2017. L'animal avec la corde d'esclavage dans les naseaux a la tête basse et le regard triste.

Avec un titre moins politiquement risqué signifiant Buffle au Printemps, l'oeuvre 248 x 101 cm peinte en 1961 est presque identique, avec des variantes dans le feuillage et une position différente du poème. Elle sera vendue le 7 décembre par Poly à Beijing, lot 2524. Elle est illustrée dans l'article de China Daily annonçant la vente.

25 nov. 2018

Jan Brueghel d'Italie

Pieter Bruegel meurt en 1569. Ses deux fils Pieter et Jan sont très jeunes. Leur éducation artistique est soignée et leur grand-mère assure très certainement leur connaissance de l'art de Pieter l'Ancien. Quand ils commencent leur carrière, ils signent Brueghel pour différencier les générations.

Pieter le Jeune copie et ré-interprète les oeuvres de Pieter l'Ancien. Jan préfère des thèmes originaux et séjourne en Italie de 1590 à 1596, à Naples et ensuite à Rome et Milan.

Une huile sur cuivre 26 x 35 cm peinte par Jan en Italie et faisant partie du cycle de Jonas a été vendue pour £ 1,07M incluant premium par Sotheby's à Londres le 3 décembre 2008. Elle vient dans la même salle de ventes le 5 décembre, lot 11 estimé £ 1,8M. Elle est signée Brueghel et datée 1595.

Cette oeuvre de jeunesse de Jan juxtapose volontairement deux lumières contradictoires, peut-être pour exercer son savoir-faire.

A gauche, brillamment éclairés par le soleil, les villages côtiers sont inspirés par le sud de l'Italie. Au premier plan les pêcheurs vendent leurs prises. Cette scène ainsi que la grève animée un peu plus loin anticipent un des thèmes de prédilection de l'artiste.

Le reste de l'image est une marine dans la pénombre sous un terrible ciel d'orage. Dans cet espace Jonas est jeté par-dessus bord d'un petit bateau.

Montaigne par Lui-Même

En 1572 Montaigne est retiré depuis deux ans de sa charge de conseiller au Parlement de Bordeaux tout en restant au service actif du roi, notamment pour des opérations militaires. Il est sociable sans être courtisan. Agé de 39 ans, il sait déjà qu'il a réussi sa vie. Il devient moraliste en s'appuyant d'abord sur les auteurs antiques.

Quand ses engagements publics lui laissent un peu de temps libre, il s'isole dans sa bibliothèque et il écrit. Comprenant progressivement que sa manière d'être peut servir de modèle, il va donner visibilité sur son psychisme et ses émotions, sans cacher ses défauts.

Il ne sait pas si son livre peut être utile. Effectivement aucune introspection similaire n'existait dans la littérature sauf peut-être les Confessions de saint Augustin dont l'objectif était très différent.

Les Essais de Messire Michel seigneur de Montaigne sont publiés en 1580 à Bordeaux en deux livres qui sont souvent reliés ensemble. Cette édition inclut aussi plusieurs sonnets par feu le poète stoïcien La Boétie, avec qui il avait ressenti la forte empathie qui lui a donné envie d'expliciter ses propres sentiments. Cette section sera supprimée dans les éditions posthumes des Essais.

Le meilleur exemplaire de l'édition originale des Essais a fait surface dans une vente aux enchères par Christie's le 25 juin 2009, où elle a été vendue pour € 715K incluant premium. Elle a conservé sa reliure d'origine en vélin souple et est complète, incluant les rares feuilles d'errata.

Provenant maintenant de la bibliothèque de Pierre Bergé, ce livre est estimé € 400K à vendre le 14 décembre à Paris - Drouot par la maison de ventes Pierre Bergé et Associés en association avec Sotheby's, lot 855.

Après ces deux premiers livres, Montaigne explore son Moi avec une acuité croissante, faisant l'objet du troisième livre publié en 1588.

24 nov. 2018

Lumière Divine sur l'Alpe

Caspar David Friedrich confronte le contemplateur solitaire avec l'immensité de la nature dans une approche mystique qui n'est pas loin d'être panthéiste. Le thème était connu depuis longtemps des literati Chinois. En Allemagne il est une caractéristique du romantisme, anticipant John Martin en Angleterre et Thomas Cole en Amérique.

Ce maître de la peinture de paysage a très peu voyagé. La réalité topographique ne l'intéresse pas. Il peint cependant avec le plus grand soin les textures des prairies, des arbres et des montagnes de ses vues imaginaires.

Ses oeuvres sont très rares sur le marché de l'art. Les deux huiles sur toile à vendre par Sotheby's à Londres le 12 décembre proviennent cependant de sources différentes. Toutes deux offrent une illumination du paysage par une source divine. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Au lot 8, Landschaft mit Gebirgssee am Morgen, 72 x 93 cm, est estimé £ 2M. La scène est divisée en trois parties distinctes. L'avant-plan est l'alpage avec la végétation et la vie. L'arrière-plan est la montagne inaccessible et immuable, anticipant Hodler. Le lac les sépare comme un purgatoire entre la terre et le paradis.

L'homme solitaire est de très haute taille mais sa silhouette paraît minuscule face au lac. La rive opposée est éclairée dans toute sa longueur par la lumière sublime.

Au lot 12, Sonnenblick im Riesengebirge, 26 x 32 cm, est estimé £ 500K. Le premier plan est une pente rocheuse sur laquelle sapins et arbres morts alternent dans la pénombre. La lumière mystique du soleil commence à frapper la montagne de l'autre côté.

Ces peintures ne sont pas datées. Landschaft peut être comparé aux oeuvres réalisées autour de 1823 à partir des vues des Alpes par J.C.C. Dahl. Le terminus post quem de Riesengebirge est 1810 quand l'artiste a fait une randonnée dans cette chaîne de montagnes entre Silésie et Bohème. Elle peut avoir été créée à la même période que le Landschaft.


23 nov. 2018

Enfants Royaux par van Dyck

Grand amateur d'art, le roi Charles I voulait prendre à son service un des meilleurs portraitistes. Il choisit Antoon (Anthony) van Dyck. Egalant ses illustres contemporains Rubens, Hals, Velazquez et Rembrandt pour la qualité des visages, van Dyck apporte en plus un soin attentif aux attitudes des modèles, toujours naturels, jamais guindés. Il est sans doute le meilleur portraitiste d'enfants.

Quand van Dyck commence cette nouvelle mission en 1632, le couple royal a deux enfants, Charles et Mary. James, Elizabeth et Anne naîtront plus tard. L'artiste les regarde grandir.

La mère, Henriette, a apporté à la cour des Stuarts son élégance française avec des textiles luxueux. Un portrait conservé au musée de Boston montre Mary en 1637. La princesse âgée de 6 ans porte une longue robe de soie à laquelle le talent de l'artiste apporte un aspect brillant.

Le 2 mai 1641 Mary épouse le prince d'Orange. Dans les jours qui suivent, van Dyck peint un nouveau portrait similaire au précédent, sur lequel la petite fille porte maintenant sa bague de mariée et la broche offerte par son mari.

La réalisation de copies autographes est fréquente chez van Dyck. Par la qualité de l'habit et des bijoux et la transparence de la broderie, l'huile sur toile autographe 158 x 109 cm à vendre par Christie's à Londres le 6 décembre est peut-être la peinture originale de 1641. Elle est estimée £ 5M, lot 15. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.

Le 5 décembre à Londres, Sotheby's vend un autre exemple, lot 30 estimé £ 600K. Le dessin de l'enfant est identique mais le fond d'ambiance a presque disparu, et la spectaculaire robe rose corail portée au mariage est devenue orange saturée, sans doute pour plaire à la nouvelle belle-famille de la princesse. Une participation de l'atelier est possible

Un portrait de même format et de même année montre le prince de Galles, futur roi Charles II, âgé de 11 ans, en armure. Il formait probablement pendant depuis l'origine avec Mary en robe orange et est estimé £ 2M à vendre par Sotheby's dans la même vente, lot 29.


Composition Géante par de Staël

Nicolas de Staël exprime dans son art son psychisme en perpétuelle vibration. Il change plusieurs fois de style, mais toujours autour d'une géométrie structurée. Il aura des supports à Londres, habitué aux compositions abstraites de Ben Nicholson.

Après la guerre, un nouveau courant artistique se développe en France, inspiré par la juxtaposition de rectangles remplis de couleurs précédemment pratiquée par Bissière. Avec Poliakoff et plus tard Atlan ces zones élémentaires grandissent, deviennent des polygones souples et très colorés. Ce mouvement proche de CoBrA sera nommé le Tachisme. Mark Rothko n'est pas convaincu de la spiritualité de cette tendance.

Inspiré par la vision cubiste de Braque, de Staël abandonne progressivement à partir de 1947 son style composé de réseaux de barres enchevêtrées. Il travaille sur une toile 204 x 405 cm sur laquelle il positionne des aplats de couleurs sourdes. Après plus de deux ans de préparation, cette composition géante est datée 1950.

Composition 1950 a été vendue pour € 4,2M incluant premium par Sotheby's à Paris le 3 juin 2014. Elle vient dans la même salle de ventes le 5 décembre, lot 12 estimé € 4,5M.

Cette phase de son style est éphémère. Le 26 mars 1952, cet artiste hypersensible est ébloui par les couleurs artificielles du Parc des Princes lors d'un des premiers matchs de football joués en nocturne. Pendant trois ans il noie sa mémoire dans les couleurs les plus vives de la Côte d'Azur et de la Sicile, dans une frénésie de création qui se termine par la rupture familiale et le suicide.

22 nov. 2018

Folle Jeunesse à Haarlem

Toujours attentif à identifier toutes les particularités de Haarlem et à promouvoir les arts, Samuel Ampzing reconnaît en 1628 le bon esprit de Judith Leyster. Artiste précoce, elle a alors 19 ans.

Cette citation montre que le protestant rigoriste avait aussi un esprit large : Leyster était spécialisée dans les scènes de genre avec des adolescents fêtards qui dansent au son du violon. Ils ont encore l'âge de rire et de s'amuser.

Au début de la même décennie, les Caravagistes d'Utrecht étaient revenus de Rome et célébraient les scènes de basse vie, souvent avec des musiciens. En promouvant Leyster, Ampzing mettait aussi en avant ses gentils personnages plus proches du carnaval et de la Commedia dell'Arte.

Le 6 décembre à Londres, Christie's vend une huile sur toile 75 x 63 cm peinte vers 1629, lot 12 estimé £ 1,5M. L'image est partagée par Wikimedia.

Trois garçons en habits très colorés, dont un violoniste et un buveur portant un toast, rient aux éclats. Dans le coin de la fenêtre, deux très jeunes enfants et un adulte rient avec eux. L'art de Leyster est spontané, sans dessin préalable, comme faisaient Frans Hals et Rembrandt.

Le jeune violoniste est un de ses personnages favoris. En 1633, probablement pour sa réception à la guilde locale, elle peint un autoportrait avec une image de ce musicien sur son chevalet.

Obtenant alors le droit d'ouvrir un atelier avec des apprentis, elle apparaît comme une rivale de Hals. L'attribution traditionnelle à Hals de beaucoup d'oeuvres peintes par Leyster a brouillé l'appréciation de ces deux artistes très différents l'un de l'autre. L'activité créatrice de Leyster cesse presque complètement quand elle épouse Molenaer en 1636.

Judith Leyster Merry Trio

Les Complications d'Orphée

Le mot anglais "clock", du latin clocca, est une onomatopée. En gagnant progressivement en robustesse et précision, cet instrument à alarme a remplacé le cadran solaire. A la fin du XVIème siècle, des complications apparaissent.

Un groupe de douze horloges astronomiques horizontales de table en métal doré a des caractéristiques très similaires incluant une frise en relief sur le thème d'Orphée et Eurydice charmant les animaux d'Europe et d'Afrique. Elles apparaissent comme un hybride entre l'horloge et l'astrolabe pour offrir une mesure universelle du temps.

L'horloge proprement dite a trois aiguilles. L'une d'elles effectue une rotation de 24 heures séparées en deux fois 12 quand les repères sont accompagnés de chiffres. Les deux autres aiguilles indiquent les minutes solaires et l'heure lunaire. Selon les spécimens, elle sonne les heures ou les quarts.

Dans l'esprit de l'astrolabe, un planisphère gravé de lignes de repères permet de déterminer l'heure inégale qui est la division en douze intervalles du temps entre le lever et le coucher du soleil, variant selon le rythme des saisons et la longitude. D'autres indications s'appliquent aux planètes et au zodiaque, sans oublier le calendrier annuel, le jour de la semaine et l'heure Italienne. La plaque du dessous est amovible pour accéder au mécanisme.

Un exemplaire de 23 cm de diamètre, bien préservé bien que plusieurs composants aient été modifiés ou changés, a été vendu pour £ 260K incluant premium par Christie's le 5 juillet 2002. Le catalogue indiquait que l'attribution à l'Allemagne du Sud vers 1570 était liée aux gravures de Nuremberg qui ont servi de modèles aux images d'Orphée et à une marque poinçonnée sur deux autres pièces du groupe qui apparaît également sur une horloge d'un autre type au château de Stuttgart.

La mieux préservée des pendules d'Orphée a fait surface en 2007. Elle est estimée $ 250K à vendre par Bonhams à New York le 6 décembre, lot 68. Ses dimensions sont presque identiques au spécimen ci-dessus. Elle sonne les quarts.

21 nov. 2018

De Monza à Mille Miglia

Au milieu des années 1950, Ferrari essaye plusieurs combinaisons de moteurs et de volumes pour avoir plus de chances de gagner les compétitions dans toute leur diversité. En 1954 le moteur à quatre cylindres en ligne équipe simultanément la 500 Mondial (2 litres), la 750 Monza (3 litres) et la 860 Monza (3,5 litres).

En 1956 le retrait de Mercedes-Benz renforce la convoitise de Ferrari. La 290 MM signifiant Mille Miglia est développée à l'usage d'abord exclusif de la Scuderia, avec un moteur 12 cylindres en V 3,5 litres monté sur le châssis de la 860 Monza.

L'édition 1956 des Mille Miglia est un triomphe pour la Scuderia Ferrari dont les quatre voitures engagées, deux 860 Monza et deux 290 MM, finissent aux quatre premières places.

Classée quatrième, une des deux 290 MM était pilotée par Fangio. Vendue par la Scuderia après la fin de la saison, elle a un palmarès prestigieux. Après Fangio elle avait été conduite notamment par Phil Hill, de Portago, von Trips et Peter Collins. Elle a été vendue pour $ 28M incluant premium par RM Sotheby's le 10 décembre 2015.

Classée deuxième, une des deux 860 Monza était conduite par Collins. Pour la saison 1957 elle reste à la Scuderia mais est transformée en 290 MM. Elle est vendue à un privé en août 1957 et obtient ensuite sa première victoire avec Stirling Moss. Pendant son temps avec la Scuderia elle avait été pilotée par les mêmes prestigieux champions que l'exemple ci-dessus.

Cette voiture subit ensuite d'autres transformations, incluant la carrosserie ponton qui a assuré en 1957 le succès de la 250 Testarossa. Elle a été restaurée par Ferrari Classiche dans sa configuration 290 MM de début 1957 avec le moteur, la boîte de vitesses et la carrosserie en matching numbers de cette phase.

Elle est estimée $ 22M à vendre par RM Sotheby's à Los Angeles le 8 décembre, lot 241. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's, démontrant son parfait état de fonctionnement. L'image partagée par Wikimedia avec attribution Tino Rossini from Toronto, Canada [CC BY 2.0], via Wikimedia Commons est antérieure à la dernière restauration.

La 290 MM est un modèle prestigieux mais rare : seules quatre voitures ont reçu cette configuration. Elle est remplacée dès 1957 par la 315 S en 3,8 litres et la 335 S en 4 litres qui sont tout aussi rares. Une 315 S transformée en 335 S a été vendue pour € 32M incluant premium par Artcurial le 5 février 2016.





Ferrari 1956 290 MM Scaglietti Spyder 2

Portraits Puristes par Frans Hals

Frans Hals commence sa carrière à Haarlem à l'époque des tensions religieuses. Il est ami du doctrinaire puriste Samuel Ampzing qui promeut pour les Protestants un mode de vie simple et austère.

Hals n'a pas quitté Haarlem et son art reflète l'ambiance très spécifique voulue par Ampzing. Portraitiste des bourgeois, il ne confond pas la richesse et le luxe. Ses modèles portent des habits sombres seulement agrémentés d'une collerette blanche.

Les visages ont la même qualité picturale que les portraits faits par Rembrandt mais la monotonie de son thème a lassé les générations suivantes. L'importance de son oeuvre a été rétablie au milieu du XIXème siècle par Thoré-Bürger qui fut aussi le découvreur de Vermeer.

Au début des années 1630, Hals réduit sa palette aux gris, bruns et noirs avec une infinie variété de nuances dans ces trois couleurs. Il va ainsi jusqu'au bout du purisme sans perdre la qualité picturale. Sa gamme de noirs sera admirée par van Gogh.

Le 6 décembre à Londres, Christie's vend une paire d'huiles sur toile formant pendants, 93 x 68 cm chacune, lot 10 estimé £ 8M, dans un état de préservation exceptionnel.

Cette paire est le portrait en trois quarts d'un couple, daté 1637, peut-être commandé pour un anniversaire de mariage. L'homme et la femme tiennent chacun une paire de gants en daim qui symbolisent leur union. Ils ne sont pas identifiés mais leur âge est indiqué : 37 ans pour l'homme et 36 ans pour la femme.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's pour montrer les chefs d'oeuvre de la collection Eric Albada Jelgersma.



20 nov. 2018

Rédemption par Durga

Pendant son immersion dans la culture traditionnelle de l'Inde à Santiniketan de 1983 à 1985, Tyeb Mehta transpose les divinités épiques dans le monde contemporain. Sa réprobation de la violence devient plus puissante. Face à la dérive des notions de bien et de mal, l'Inde aurait bien besoin d'un retour de Kali et Durga.

Les émeutes raciales et sociales qui se déclenchent à Mumbai à la fin de 1992 et les attentats extrêmement meurtriers de mars 1993 lui donnent malheureusement raison. Un client lui commande une image de Durga Mahishasura Mardini, signifiant Durga tueuse du démon buffle Mahishasura.

Cet acrylique sur toile 150 x 105 cm peint en 1993 est un chef d'oeuvre de l'artiste par la relation psychologique intense entre la femme victorieuse et la bête mourante, plus forte que ses corps à corps désespérés et ses chutes sans fin. Il est estimé INR 20 crores à vendre par Sotheby's à Mumbai le 29 novembre, lot 23. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le buffle est à terre, offrant sa gorge au coup fatal que prépare la déesse avec sa flèche. Ce n'est pas si simple. Dans la mythologie le monstre fait d'incessantes métamorphoses entre ses formes bestiale et humaine. La main humaine implorante levée sur son côté droit lui appartient. Malgré son histoire immonde il mérite aussi la pitié, comme les boeufs à l'abattoir.

Durga est reconnaissable à ses quatre bras qui symbolisent son omnipotence. Elle a gagné le combat parce qu'il fallait absolument le faire mais son expression est triste, comme si elle savait déjà que la mort du buffle ne suffira pas pour la rédemption de l'Inde moderne.

Selon son style habituel, Tyeb a exécuté un dessin au trait net entourant des aplats monochromes. Il utilise ici les couleurs du drapeau national comme Miro avait fait en Espagne contre Franco en 1938. Le monstre est vert foncé, son bras additionnel est safran et la peau nue de la déesse est presque blanche.


Beau comme un Plumage Bleu

La rareté des saphirs bleus du Cachemire a une cause bien identifiée : le seul filon, en pleine montagne, a été épuisé en 1887 après sept ans de prélèvements. Sa couleur saturée, sa texture veloutée et sa brillance sont uniques.

La constitution d'une collection pour réaliser un collier est un patient travail qui peut s'étendre sur plusieurs générations. Après avoir été taillés dans une forme homogène, les pierres sont assemblées en une suite avec des dimensions progressives.

Le 27 novembre à Hong Kong, Christie's vend le Peacock Necklace, lot 2068 estimé HK$ 95M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes, révélant qu'il a fallu près de cent ans pour réunir les pierres et plus de quinze ans pour préparer le collier.

Sur ce collier en platine de 39,5 cm de long, 21 saphirs du Cachemire sont intercalés avec des diamants blancs. Toutes ces pierres ont une forme coussin. Le poids des saphirs est compris entre 10,56 et 3,02 carats pour un total sensationnel dans leur catégorie de 109,08 carats. Les diamants pèsent entre 4 et 1 carats.

Le 7 avril 2014, Sotheby's avait vendu pour HK$ 77M incluant premium le Red Emperor, un collier de rubis sang de pigeon et diamants assemblé en 2013 sur une collection réunie par une société spécialisée créée en 1905. Comme pour le Peacock Necklace, le plus grand soin avait été apporté à l'homogénéité de la prestigieuse couleur.

19 nov. 2018

Monuments d'Europe par Zao Wou-Ki

Venant de Shanghai, Zao Wou-Ki arrive à Paris avec sa femme Lan-Lan en 1948. Il avait suivi les cours de Lin Fengmian à Hangzhou et sent bien que sa maturité artistique va se développer en Europe. Il se précipite pour visiter le Louvre.

L'art en France n'est plus l'apanage des impressionnistes, de Picasso et de Matisse. Bien accueilli par les jeunes artistes de sa génération, il a une boulimie de connaissances et découvre avec émerveillement la lithographie et les cathédrales gothiques.

Apprenant par ses nouveaux amis que l'abstraction doit fournir une impression non figurative de la nature, il réalise ses premières peintures abstraites en mêlant diverses nuances de vert et ajoute des signes non intelligibles qui démontrent sa maîtrise de la calligraphie Chinoise.

Zao développe en 1951 un nouveau style de peinture qui sera facile à transposer en gravure. La vue figurative est centrale, composée de réseaux d'incisions sur un fond abstrait à dominante monochrome ou bicolore. Cette disparition progressive de la frontière entre le figuratif et l'abstrait a peut-être été influencée par Vieira da Silva.

Il veut exprimer dans sa globalité cette Europe qu'il parcourt en tous sens et la plupart de ses dessins de monuments sont typiques de leurs styles sans pour autant être localisés.

Un alignement varié sans titre dans un environnement doré, huile sur toile 89 x 116 cm datée 1951, sera vendu par Christie's à Hong Kong le 24 novembre, lot 25. Peint en 1951-1952 dans le même style, un flanc de cathédrale ressemblant à Notre-Dame de Paris, 81 x 100 cm, a été vendu pour HK$ 41,5M incluant premium par Christie's le 28 novembre 2015.

Un Bol Bleu Ciel

Les empereurs Qing considéraient que les porcelaines impériales Ru étaient les meilleures de tous les temps. Leur production pendant une décennie ou guère plus à la fin de la période des Song du Nord n'avait pas été documentée à l'époque.

Il était identifié par les Song du Sud que la qualité extrême des porcelaines Ru impériales était due à l'incorporation de poudre d'agate dans la glaçure. L'exploration progressive du site de production découvert dans la province du Henan en 1986 a montré que ces porcelaines était fabriquées en marge d'une production massive de porcelaines ordinaires.

Les techniques utilisées pour maintenir les pièces pendant la cuisson et le refroidissement étaient rudimentaires, occasionnant un très faible rendement corrélé avec l'excavation de nombreux fragments sur le site.

Il est possible que la production Ru impérial ait été essentiellement expérimentale, et appliquée à la plupart des formes produites au même endroit selon les autres techniques. Du fait de leur extrême qualité, les Song du Sud ne pouvaient pas faire autrement que de les qualifier d' "impériales" et les experts Qing ont suivi.

Un bol à thé bleu ciel de 10,2 cm de diamètre et 5,2 cm de haut a fait surface en 2015. Sa provenance de collections Japonaises est incontestable et précède de plusieurs décennies la localisation du site des fours. Il a été cassé, sans doute dans la première partie du XXème siècle, et réparé selon une méthode traditionnelle Japonaise incluant une finition avec une laque mêlée de poudre d'or dans les brèches. Il est considéré comme complet.

Cette pièce rassemble deux des qualités les plus rares dans sa catégorie. La rareté extrême des bols en Ru impérial avait déjà été commentée par l'empereur Qianlong. Une pièce un peu ébréchée de forme et dimensions identiques mais d'une autre couleur avait été trouvée sur le site. Sa couleur bleu ciel est unique parmi les pièces complètes mais a été trouvée aussi sur des fragments excavés. Très appréciée dans l'art graphique des Song du Nord, cette couleur était une tentative des potiers Ru pour échapper au traditionnel céladon.

Ce bol sera vendu par Christie's à Hong Kong le 26 novembre, lot 8006.

18 nov. 2018

Lotus avec ou sans Canards

Après avoir passé deux ans et demi de 1941 à 1943 à copier l'art figuratif ancien dans les grottes de Dunhuang, Zhang Daqian est capable de réaliser des oeuvres dans la plus grande variété de styles.

Le 27 novembre à Hong Kong, Christie's vend un rouleau à l'encre et couleur sur papier 165 x 82 cm peint en 1943, lot 1376 estimé HK$ 30M, sur le thème du lotus.

Avec ses fleurs rouge vif bordées de traits dorés, cette oeuvre est avant tout une étude de couleurs. Dans une composition hardie mais équilibrée, un autre thème apparaît sans recherche de cohérence d'échelles : un petit couple de canards mandarins couchés en second plan donne aux plantes un aspect arborescent. Ces oiseaux sont le symbole de la fidélité conjugale.

Ce double thème du lotus et des canards est très rare dans l'oeuvre de Zhang. Un rouleau 185 x 95 cm peint en 1947 provenant de la collection Mei Yun Tang a été vendu pour HK$ 190M incluant premium par Sotheby's le 31 mai 2011 sur une estimation basse de HK$ 15M. Sa composition est moins lisible : les canards partiellement cachés derrière les tiges ne constituent plus un point focal de l'image.

Avec un équilibre chromatique comparable mais incluant aussi des fleurs blanches, un lot de quatre rouleaux peints en 1947, 154 x 78 cm chacun, a été vendu pour HK$ 80M incluant premium par Christie's le 27 mai 2013. Dans ce groupe d'oeuvres les canards ne sont pas venus.

Un Vrai Guadagnini pour Rostropovitch

Comme Stradivari avant lui, Guadagnini n'a jamais cessé d'améliorer ses instruments, cherchant la force du violon et la voix du violoncelle. Carlo Ferrari, qui fut son plus important patron dans ses trois premières résidences, était un violoncelliste virtuose.

Arrivé en 1771 à Turin qui sera sa dernière résidence, Guadagnini accepte de 1773 à 1777 de travailler en exclusivité pour Cozio qui était un grand admirateur de Stradivari. A cette période Guadagnini ajoute l'information "Cremonensis alumnus Antonii Stradivari" sur ses étiquettes. Ses violoncelles de cette période sont courts, sans perte de sonorité grâce à une modification de la forme qui augmente la surface du bois dans la cavité.

Mstislav Rostropovitch a été un des plus grands interprètes du violoncelle. Pour son premier grand succès, la médaille d'or au concours de jeunes musiciens Soviétiques en 1945, il avait joué un Guadagnini.

En exil à partir de 1974, Rostropovitch fait expertiser le violoncelle de sa première gloire et apprend que son étiquette était apocryphe et que l'instrument n'avait rien à voir avec un Guadagnini. Il est dès lors aux aguets pour acquérir un excellent Guadagnini. Il attendra un quart de siècle.

Le violoncelle de Guadagnini acheté par Rostropovitch en 2000 est de la meilleure période : fait à Turin en 1783 trois ans avant la mort du luthier, il est un des tout derniers instruments du maître et a conservé intact son vernis brun rouge sombre et intense typique de cette période. Il est estimé £ 1M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 novembre, lot 42.

17 nov. 2018

Réminiscence des Montagnes

Nés tous deux en 1920, Zao Wou-Ki et Chu Teh-Chun commencent tous deux leurs études d'art à Hangzhou en 1935. Le directeur de l'Ecole, Lin Fengmian, qui avait passé huit ans en France, promeut une synthèse de l'art traditionnel Chinois et de l'art moderne occidental.

Ses deux élèves s'installent à Paris, Zao en 1948 et Chu en 1955. Tous deux découvrent peu après leurs arrivées respectives que l'abstraction est plus prometteuse que l'art figuratif de Lin pour la construction de leur art global. Ce n'est pourtant pas Zao qui influence Chu mais sa visite à une exposition posthume de peintures par Nicolas de Staël.

L'influence de leur formation Chinoise est similaire. Ils maîtrisent les subtils mélanges de lavis des dessins Song et la communion avec les observateurs par le geste calligraphique. Tous deux acquièrent une gamme de couleurs illimitée inspirée par l'expressionnisme abstrait.

Après une période complètement abstraite, Chu est inspiré par les réminiscences des montagnes de sa province natale. Un diptyque de dimension totale 195 x 243 cm peint en 1963 a été vendu pour HK$ 71M incluant premium par Christie's à Hong Kong le 23 novembre 2013. Cette huile sur toile est listée dans la même salle de ventes le 24 novembre, lot 21.

Cette oeuvre est abstraite, mais elle évoque la réflection parfaite d'un paysage de montagnes dans un lac. Les teintes ternes de la roche sont parsemées de taches de couleurs vives qui rappellent les explosions de lumières dans les villages de S.H. Raza, installé en France depuis 1950.

L'art de Chu offre son impression poétique de la nature. Dans cette phase elle se différencie des paysages abstraits en éruption peints par Zao. A partir de 1965 Zao réalisera aussi des vues abstraites imitant les couleurs et les formes des montagnes enneigées.

15 nov. 2018

Bleu Ciel sur Orange Saturé

Après les grands panoramas volcaniques du début des années 1960, Zao Wou-Ki tente de nouvelles confrontations de couleurs. L'abstraction devient totale. Les signes noirs illisibles continuent à parsemer ces compositions, invitant à une empathie avec l'artiste par l'appréciation du mouvement du poignet, comme pour la calligraphie.

Voici trois exemples extraits de l'historique des enchères dans lesquels l'harmonie des teintes est positionnée devant un fond d'une couleur saturée très vive.

Sur fond rouge, 16.5.66, 195 x 130 cm, a été vendue pour HK$ 80M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013. Sur fond jaune, 17.7.67, 130 x 96 cm, a été vendu pour HK$ 40M incluant premium par Sotheby's le 2 avril 2017.

10.1.68, huile sur toile 82 x 117 cm, a déjà été discutée dans cette chronique. Elle a été vendue pour HK$ 69M incluant premium par Sotheby's à Hong Kong le 3 octobre 2011. Elle est listée dans la même salle de vente le 24 novembre, lot 133.

Une cohorte de nuages bleu ciel passe par-dessus le fond orange vif, laissant quelques trouées et donnant naissance par endroit à de petites zones vertes. Cette oeuvre sans horizon est totalement abstraite, avec une illusion de mouvement qui rappelle que l'artiste, grand ami de feu Edgar Varèse, avait à cette époque une forte inspiration musicale.

12 nov. 2018

Le Professeur de Physique Atomique

La pensée de Richard Feynman était originale et efficace. En lisant un commentaire par Dirac concernant les lacunes de compréhension dans la théorie de l'électromagnétisme quantique, il décide de toujours chercher par lui-même les solutions des problèmes tout en y apportant une dimension ludique. Le titre d'un de ses livres de souvenirs, Surely you're joking Mr Feynman!, est significatif.

La méthode de Feynman consistait à utiliser la géométrie et les diagrammes plutôt que les développements de formules mathématiques. Très motivé à partager son savoir, il fut le meilleur professeur et conférencier de la physique atomique, veillant à ce que ses explications soient toujours claires.

Ses apports en physique théorique sont nombreux. Il résolut le problème de Dirac en imaginant le mécanisme quantique de la rotation des particules chargées et partagea en 1965 pour ces travaux le prix Nobel de Physique avec Tomonaga et Schwinger. Il réalisa aussi des avancées fondamentales dans la modélisation de la superfluidité de l'helium et dans la théorie des quarks. Il fut aussi un visionnaire, encourageant dès 1959 le développement des nanotechnologies.

Le 30 novembre à New York, Sotheby's disperse la bibliothèque scientifique de Richard Feynman, incluant les brouillons autographes de plusieurs conférences. Le lot 67 estimé $ 800K est constitué de sa médaille et de son diplôme Nobel avec deux documents utilisés pendant la cérémonie.

11 nov. 2018

Trois Particules de Lune

Face à la concurrence des Américains, les Soviétiques ont trouvé un très brillant ingénieur pour concevoir et diriger leur programme spatial. Pour assurer sa protection, son identité ne sera pas révélée jusqu'à sa mort prématurée en 1966 : Serguei Pavlovitch Korolev.

Korolev fut le patron de tous les programmes importants : missiles balistiques, le satellite artificiel Spoutnik qui devança les Américains, l'approche de la Lune par les sondes inhabitées Luna, Vostok qui emmena le premier astronaute, et le véhicule spatial Soyouz.

Luna eut plusieurs réussites notoires : premier impact sur la Lune d'un instrument créé par l'homme avec Luna 2 en 1959, première photographie de la face cachée de la Lune la même année par Luna 3, premier alunissage en douceur par Luna 9 en 1966.

Luna 16 en 1970, Luna 20 en 1972 et Luna 24 en 1976 ont gratté la surface de la Lune et rapporté des particules de poussière lunaire pour un total cumulé de 326 g. Les missions humaines Apollo de la NASA ont rapporté sur terre 380 Kg de roches et poussière lunaires.

En hommage à Korolev, trois minuscules particules collectées par Luna 16 sont offertes à sa veuve. Elles sont insérées ensemble dans un verre assemblé sous une loupe. Cet ensemble est le seul cas de sol lunaire provenant des programmes spatiaux qui ait jamais été en mains privées : les échantillons conservés par les gouvernements et leurs cadeaux diplomatiques ne peuvent pas être commercialisés.

Ce lot a été vendu pour $ 440K incluant premium par Sotheby's le 11 décembre 1993. Il est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 29 novembre, lot 63.

Humilité du Christ

La fin des années 1640 est très difficile pour Rembrandt. Il est veuf et sa vie avec la nourrice de son fils crée un scandale. Les commandes cessent et sa situation financière est très mauvaise. Il est pourtant un des meilleurs portraitistes de son temps.

Les scènes tirées des Evangiles font partie de son offre. En 1648 il peint Les Pèlerins d'Emmaüs, huile sur bois 68 x 65 cm conservée au Musée du Louvre. Le Christ qui est bien sûr le personnage central répond à sa figuration traditionnelle, avec les cheveux ondulants couvrant les épaules et une courte barbe.

Rembrandt est plus intéressé par le réalisme et la psychologie des visages que par le mysticisme. Le modèle qui a posé pour la scène d'Emmaüs est reconnaissable sur un groupe d'études de portraits avec des positions variées de la tête qui expriment la concentration de la prière et l'humilité, sans auréole.

Deux de ces portraits ont été considérés comme autographes par le Rembrandt Research Project. Les quatre ou cinq autres peintures de ce groupe sont des copies d'originaux perdus ou des imitations.

Un des deux portraits authentiques, huile sur bois 25 x 21 cm, est conservé à la Gemäldegalerie à Berlin. L'autre, de même technique et dimensions, est estimé £ 6M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 décembre, lot 18. Je vous invite à regarder la très courte video préparée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.



Rembrandt Oil Study of Christ

10 nov. 2018

L'Arbre du Calligraphe

Sous les Song, les literati sont des philosophes et des humanistes qui ont parfois l'audace de s'opposer à la politique impériale. Leur suprême mode d'expression est la calligraphie qui transmet à leurs lecteurs la fermeté et le rythme de leur pensée.

En 1071 CE, Su Shi avait été expulsé de la capitale, commençant à l'âge de 34 ans une seconde partie de carrière comme fonctionnaire provincial avec des missions de plus en plus médiocres malgré son immense talent. Il meurt en 1101. Son jeune ami Mi Fu échappe aux persécutions politiques par sa réputation d'excentricité. Ils ont été les deux meilleurs calligraphes de leur temps.

Un message autographe en neuf caractères sur une feuille 28 x 9,5 cm envoyé par Su Shi au gouverneur d'une localité qu'il quittait a été vendu pour $ 8,2M incluant premium par Sotheby's le 19 septembre 2013.

L'art graphique est exceptionnel dans leurs oeuvres. Le mouvement de la main de l'artiste est le même que pour la calligraphie. Les très rares dessins par Su Shi traduisent des émotions trop profondes pour être exprimées par des mots. Mi Fu peindra seulement dans les dernières années de sa vie, surtout après la mort de Su Shi.

Le 26 novembre à Hong Kong, Christie's vend au lot 8008 une encre sur papier 26 x 50 cm peinte par Su Shi. Cette pièce est allongée par de nombreux colophons incluant une appréciation calligraphiée par Mi Fu, et porte de nombreux sceaux. Je vous invite à regarder deux vidéos partagées par la maison de ventes.

L'image est constituée de deux éléments qui se rejoignent : un arbre sans feuilles tordu en plusieurs ondulations et un rocher de forme massive. La sécheresse de l'arbre exprime le pessimisme de l'artiste dans son exil tandis qu'à l'autre extrémité sur le flanc gauche du rocher les bambous clairsemés apportent l'espoir d'une nouvelle vitalité.





9 nov. 2018

La Source d'Eau Claire

Nommé par Yongzheng, le surintendant Tang Ying utilisait ses immenses talents artistiques et techniques pour plaire à l'empereur Qianlong. Sous sa direction les céramiques émaillées yangcai fabriquées à Jingdezhen atteignent une qualité similaire à leurs équivalents falangcai du palais impérial et coûtent moins cher.

Le 28 novembre à Hong Kong, Christie's vend au lot 2802 un vase yangcai de 19 cm incisé de sgraffiato sur son col orné de pétales moulés, et décoré sur son corps globulaire par un paysage encerclant incluant un poème de Qianlong. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le paysage très détaillé est parfaitement identifié : il montre la colline de la Source de Jade entourée de ses lacs d'irrigation, à proximité immédiate du Palais d'Eté, avec quelques pavillons. Cette source était connue depuis six siècles pour fournir l'eau la plus claire de la Chine, qui était transportée tous les jours jusqu'au palais par des convois de mules. Le site est encore prestigieux de nos jours.

Les premiers empereurs Qing avaient apporté toute leur attention au maintien de la salubrité de cette eau indispensable à la survie de la ville et avaient effectué de grands travaux d'irrigation. Qianlong était conscient de son importance stratégique. Avant même de monter sur le trône, il écrivait de nombreux poèmes consacrés à ce lieu et à la beauté paisible du paysage environnant.

Cette pièce offre la totale variété de la large gamme de couleurs du yangcai. Ce paysage est typique de l'attention portée par Tang Ying pour offrir à l'empereur les thèmes sur lesquels il était le plus sensible.

Son terminus post quem est la septième année de Qianlong, 1742 CE, quand l'empereur satisfait de la beauté d'un albarello commande à Tang Ying des porcelaines de formes variées à décor de paysages, fleurs et poèmes. Ce thème était encore appliqué quatre ans plus tard. Des vases avec des paysages en panneaux aux quatre saisons sont créés à la même époque.

Les Archives Scientifiques de Cirey

Aidée par Maupertuis et Clairaut, la marquise du Châtelet est capable de comprendre et commenter Newton et Leibniz. Dans leur château de Cirey, le marquis admire l'intelligence exceptionnelle de sa femme et ferme les yeux sur ses adultères.

En 1734 Voltaire est en disgrâce. La marquise l'héberge à Cirey. Elle a 27 ans. Le philosophe apprend par sa maîtresse les mathématiques et la physique qu'il avait largement délaissées jusque-là.

La marquise est une travailleuse infatigable. Ses manuscrits, souvent écrits par des secrétaires et abondamment retravaillés par elle, ont fait surface il y a quelques années dans un grenier. Les pièces importantes ont été vendues par Christie's le 29 octobre 2012. Un appel à dons avait été lancé pour une acquisition par l'Etat français et 1400 chercheurs du monde entier avaient signé une pétition pour demander une préemption. Ces démarches n'avaient pas abouti en raison des prix élevés qui étaient attendus.

Le lot le plus important était un ensemble de 35 cahiers de travail préparés de 1745 à 1749 par Madame du Châtelet pour les abrégés didactiques accompagnant sa traduction des Principes Mathématiques de Newton. Estimé € 400K, il avait été acquis dans cette vente pour € 960K incluant premium par le Musée des Lettres et Manuscrits de Paris qui avait immédiatement communiqué son engagement de l'exposer au public.

Le Musée était géré par Aristophil. Dans la même vente, Aristophil avait acquis anonymement 7 lots de manuscrits par la marquise, 2 lots de manuscrits de commentaires de Newton par Voltaire et un portrait de la marquise attribué à Marie-Anne Loir.

Ces 11 lots seront vendus à Paris - Drouot le 19 novembre par OVA, la société chargée de traiter la liquidation judiciaire d'Aristophil. La vente est dirigée par Artcurial. Les pièces provenant de la vente de 2012 forment les lots 679 à 690 sauf 683. Les abrégés des Principes constituent le lot 689.

8 nov. 2018

Vie d'Artiste à Hollywood

Subjugué par Los Angeles, David Hockney habitait depuis 1979 une luxueuse maison à Montcalm Avenue dans les collines de Hollywood. Toujours prêt à exhiber sa vie privée, il peint en 1988 deux vues de son salon éclairé par une verrière. Large Interior offre la perspective d'une photo au fish eye, tandis que Montcalm Interior with Two Dogs reconstitue la perspective naturelle.

Ces deux oeuvres sont inspirées directement des intérieurs de Matisse par l'utilisation de couleurs pures, la présence de larges surfaces striées et la visibilité sur l'ambiance extérieure par une veranda.

La disposition géométrique des meubles est élégante, confirmant que cette pièce confortable est habitée normalement. Deux éléments rappellent la personnalité de David Hockney. Le mur du fond est couvert de ses propres oeuvres pour l'aider à maintenir son auto-satisfaction. Dans la vue avec les chiens, le piano réduit à une carcasse volante est rendu inutile par la surdité croissante de l'artiste.

Montcalm Interior with Two Dogs, huile sur toile 183 x 152 cm, est estimée $ 9M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 17. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



La Comédie de l'Art

Edward Hopper était passionné par le théâtre et le cinéma. Les rôles joués par les acteurs lui apportaient les relations humaines qu'il peinait à exprimer dans la vraie vie. Jo, épousée en 1924, fut son unique muse et la gestionnaire de son oeuvre. Il leur était difficile de vivre ensemble tant leurs tempéraments étaient différents, mais ils ont réussi.

En 1966 Edward revisite ces deux thèmes dans un auto-portrait avec Jo. Sur une grande scène vide, ils font leur dernière révérence en se tenant la main. La mort était proche : Edward est parti en 1967 et Jo en 1968.

Ils ont des vêtements blancs comme Pierrot et Pierrette, le clown mélancolique et sa muse de la Commedia dell'Arte. Le long habit blanc convient parfaitement à la très haute taille d'Edward. Les visages sont ridés et maquillés. Il porte le chapeau du Pierrot de Watteau.

Cette huile sur toile 74 x 102 cm est un poignant hommage au théâtre et la dernière fantaisie de cet austère illustrateur de la vie. Elle a longtemps appartenu à Sinatra. Elle est estimée $ 12M à vendre par Sotheby's à New York le 16 novembre, lot 15.

7 nov. 2018

Projet pour un Impôt Equitable

Vauban fut un grand patriote. Sa carrière militaire s'étend sur cinq décennies. Ingénieur et stratège hors pair, il a organisé les fortifications de la France en s'appuyant sur une idée simple : si la forteresse est bien conçue, l'ennemi qui l'assiège y concentre tous ses efforts aux dépens d'autres manoeuvres plus utiles.

Vauban est un homme du peuple, issu d'une famille de petite noblesse rurale. Mathématicien et économiste, il a continuellement à l'esprit la protection de ses soldats et la prévention des disettes. Pour donner un exemple d'une bonne utilisation d'une richesse, il calcule qu'une truie peut donner six millions de descendants en douze générations même si l'on enlève la part du loup.

Il est excédé par les fermiers, les financiers, les hommes d'affaire qui ne produisent rien d'autre que leurs propres richesses en profitant d'un système d'impôts compliqué et fragmenté. En 1694, influencé par Boisguilbert, Vauban propose de remplacer tous ces impôts par une 'capitation' basée sur les richesses visibles avec un taux progressif jusqu'au dixième (dixme), et versée directement à l'Etat.

La proposition de Vauban ruinerait tous les intermédiaires. Astucieusement le ministère met en place la capitation, mais comme un prélèvement qui s'ajoute à tous les autres. Vauban est encore un serviteur zélé du roi Louis XIV qui le nomme maréchal de France à sa demande en 1703.

Vauban est vieux et malade. Il ne reçoit plus que des commandements mineurs et devient aigri. Il sent qu'il perd son influence et veut faire vite. Il demande à publier son Projet d'une Dixme Royale et passe outre un premier refus. Au début de 1707 il le fait imprimer anonymement en environ 300 exemplaires qui seront distribués sans être commercialisés.

Cette fois-ci Louis XIV est furieux. Les idées de Vauban ne sont pas contestées mais il apparaît comme un traitre qui fait de l'ingérence dans les rouages de l'Etat. Le 14 février, le Conseil du Roi ordonne que les exemplaires soit saisis et pilonnés. Vauban meurt le 30 mars.

Quelques exemplaires de cette édition originale ont survécu. L'un d'eux a été enrichi de quatre pages autographes par Vauban proposant des développements de plus en plus hardis. Ce livre est estimé € 180K à vendre le 14 novembre à Paris - Drouot par OVA Aristophil dirigé pour cette vente par Aguttes, lot 13.

Art sous Cire par Jasper Johns

Le monde change, il faudra que l'art change aussi. L'oeuvre d'art n'a pas besoin d'être figurative, ni d'exprimer une histoire, ni de confronter les couleurs, et ne doit pas non plus être seulement une décoration. Les jeunes artistes redécouvrent leurs prophètes : le ready made par Duchamp, l'assassinat de la peinture par Miro, le carré noir sur fond blanc par Malevitch, la voie vers le monochrome par Barnett Newman.

En 1957, plus ou moins indépendamment les uns des autres, de nouvelles équipes détruisent la différenciation entre la peinture et la sculpture, remplacent la toile et le papier par des matériaux ordinaires, intègrent des objets dans leurs oeuvres, tentent une interprétation abstraite de la poésie. Les créateurs s'appellent Burri, Fontana, Klein, Rauschenberg, Johns, Twombly, Cornell.

Jasper Johns dissimule des signes sous un encaustique gris. Des pigments apportent une variété de texture à ce monochrome neutre. Gray numbers, 71 x 59 cm, a été vendu pour $ 8,7M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2009.

Le 13 novembre à New York, Christie's vend Gray Rectangles, 152 x 152 cm réalisé en 1957, lot 19 B estimé $ 18M. Trois rectangles alignés ont été peints dans le bas de l'image respectivement en rouge, jaune et bleu. Cachées sous la cire, ces trois couleurs ont laissé une trace rémanente, transformant ce monochrome gris en une image mystérieuse.

Cette oeuvre de grandes dimensions apparait comme séminale de cet art nouveau et sa provenance est prestigieuse. Elle a été achetée en 1964 par Ganz à Castelli et en 1988 par Ebsworth dans la vente à Sotheby's de la collection Ganz.

6 nov. 2018

Le Roman Epistolaire de Rousseau

Jean-Jacques Rousseau étudie comment les lois de la société peuvent rendre impossibles les amours les plus sincères. Il porte lui-même un intérêt brûlant à Madame d'Houdetot, belle-soeur de son amie Madame d'Epinay.

Rousseau conçoit en 1756 un roman épistolaire en six parties. L'amour de Julie et Saint-Preux ne peut pas aboutir à cause de leur différence sociale. Les parents de la jeune femme forcent un mariage socialement convenable auquel elle se résigne. Les anciens amants évitent de tomber dans l'adultère.

Toute cette histoire est contée par des lettres échangées entre les divers personnages. Le jeune homme se confie à un Milord anglais et la jeune femme à une cousine. Le premier titre est un peu long : Lettres de deux amans, habitans d'une petite ville aux pieds des Alpes. Le roman deviendra célèbre par son sous-titre, Julie ou La Nouvelle Héloïse, par référence aux amours contrariés d'Héloïse et Abélard.

Les six parties du manuscrit autographe personnel de l'auteur ont été séparées en plusieurs ensembles pendant la Révolution française. La Troisième Partie a été vendue pour € 384K incluant premium par Sotheby's le 27 juin 2007. Elle est estimée € 400K à vendre le 14 novembre à Paris - Hôtel Drouot par OVA Aristophil dirigé pour cette vente par Aguttes, lot 207.

Cette partie est complète de ses 26 lettres. Elle est constituée de 110 pages recto en in quarto 24 x 18 cm. Elle avait été prêtée, sans doute au début de 1758, à Madame d'Houdetot qui se méfiait de l'impact des élucubrations de son encombrant amoureux qu'elle appellera bientôt "un fou intéressant". Rousseau dira plus tard avec une étonnante lucidité : "Nous étions ivres d'amour l'un et l'autre, elle pour son amant, moi pour elle".

Le manuscrit a été enrichi ensuite par Rousseau dans le texte et sur les pages en vis-à-vis avec les 900 corrections manuscrites qui mènent à l'édition originale publiée à Amsterdam en 1761. L'auteur avait commencé en 1758 pour son éditeur un autre manuscrit complet et conforme, sans ratures, qui est le terminus ante quem de la préparation du brouillon.

Le roman a enthousiasmé ses lecteurs parce que le style épistolaire offrait un langage vrai. Son analyse sociale dérangeait l'Eglise qui l'a interdit en 1806. Le romancier philosophe avait atteint ses deux objectifs.

Espoir dans la Nuit

De 1934 à 1945 Miro apparait comme un témoin hypersensible des tragédies de son temps : la crise sociale suivie par la guerre d'Espagne et le Franquisme, et la Seconde Guerre Mondiale.

En janvier 1945 il devient légitime d'imaginer que la fin des horreurs est proche. Miro accompagne cet espoir par une série d'huiles sur toile, une technique qu'il n'avait pas utilisée pendant les heures les plus noires.

Le premier opus de cette série est daté du 26 janvier et intitulé Femme et Oiseau dans la Nuit. Les contours de la femme sont peints en très fines lignes noires, beaucoup plus faciles à lire sur le fond blanc brillant que les figures extraterrestres des Constellations de 1940. Les yeux et le sexe forment des figures colorées à l'intérieur de ce corps.

Cette image onirique n'est ni réaliste ni cubiste. La position des yeux dans le cercle de la tête répond seulement à un équilibre géométrique. La composition est complétée par des notes de musique et des étoiles.

Comme prévu, la situation s'améliore. Le 1er février avec une Femme rêvant de l'Evasion, les méchants oiseaux ont déjà disparu. Cette huile sur toile 146 x 114 cm a été vendue pour £ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2013.

Le 15 novembre à New York, Phillips vend une Femme dans la Nuit peinte le 22 mars, huile sur toile 130 x 163 cm, lot 4 estimé $ 12M. Je vous invite à regarder la video préparée par la maison de ventes.

Le 14ème et dernier opus de cette série de guerre est daté du 7 mai 1945, le jour de la reddition inconditionnelle de l'Allemagne. La vraie vie reprend désormais tous ses droits. Miro réalise deux peintures optimistes sur fond noir, Femme entendant de la musique le 11 mai et Danseuse entendant jouer de l'orgue dans une cathédrale gothique le 26 mai.

5 nov. 2018

Un Enfant Prodige à Leyde

La ville de Leyde est devenue riche grâce à l'industrie du tissage. L'artisanat s'est développé : presse à imprimer dès 1483, gravure sur verre, orfèvrerie. Le premier peintre important, Cornelis Engebrechtsz ou Engelbrechtsz, spécialisé dans les scènes Bibliques, forme ses fils et ses apprentis.

Elève de Cornelis, Lucas Hugensz est doué pour les arts graphiques. Dès son adolescence, il démontre une grande maturité. Commençant en 1508, son oeuvre gravée est importante, avec une abondance et une finesse des détails et une beauté des contrastes qui ont enthousiasmé Dürer. Les couleurs de sa peinture sont les plus brillantes de son temps. Il est connu sous le nom de Lucas van Leyden.

Lucas est né à Leyde. On croit que son père était peintre. Sa date de naissance n'est pas connue. On ne sait pas comment il a appris la gravure ni sous quelle influence il s'est spécialisé dans les scènes de genre animées de foules de personnages. Il se marie à Leyde en 1515 et meurt en 1533, âgé d'environ 40 ans.

Sa biographie est brouillée par l'éloge fait par van Mander, né quinze ans après la mort de Lucas, qui a cependant pu recueillir les souvenirs de témoins directs. Lucas apparaît comme passionné par son art dès son enfance, travaillant jour et nuit jusqu'à l'épuisement qui écourtera sa vie.

Les oeuvres autographes de Lucas van Leyden sont d'une extrême rareté aux enchères. Le 4 décembre à Londres, Christie's vend au lot 60 un dessin 28 x 13 cm à la craie noire montrant un jeune homme debout richement vêtu, probablement une étude pour un détail d'une composition qui n'a pas été identifiée. Le filigrane est connu aux Pays-Bas et en Allemagne dans les décennies 1520 et 1530.

Ce dessin appartenait à la Rugby School et est vendu au bénéfice de son programme d'éducation. Le communiqué de presse du 10 septembre annonce une estimation aux alentours de £ 1,5M.

Meubles Laqués par Eileen Gray

Eileen Gray termine ses études d'art à Paris. Elle se spécialise dans l'ameublement de luxe. Sensible et autonome avec un goût prononcé pour l'exotisme, elle innove sans se préoccuper des modes pré-existantes. Cherchant la qualité plutôt que la production de série, elle préfère concevoir des oeuvres uniques.

Elle ouvre un atelier de boiserie laquée à Paris en 1910 avec un artisan spécialisé, le Japonais Seijo Sugawara. Ils développent ensemble de nouvelles couleurs. En 1913 le raffinement et l'originalité de leurs panneaux Japonisants sont appréciés par le couturier Jacques Doucet, faisant immédiatement d'Eileen Gray une pionnière de l'Art Déco Parisien.

Pendant la guerre Gray et Sugawara travaillent à Londres. Dans la vente Saint-Laurent Bergé en février 2009, Christie's a vendu pour € 4M incluant premium une très rare enfilade laquée de cette période de transition. A la fin de la guerre ils redémarrent l'atelier Parisien.

Le 27 novembre à Paris, Artcurial vend une console laquée réalisée avant 1920 avec un plateau de 124 x 39 cm et une longueur totale de 169 cm en incluant les tablettes latérales amovibles. Elle est entièrement laquée avec des couleurs variées et la laque du plateau est incrustée de poudre d'argent. Elle est estimée € 1M, lot 77.

Le seul meuble similaire connu, avec des dimensions légèrement différentes, figurait aussi dans la collection Saint-Laurent Bergé. Dans la vente déjà évoquée ci-dessus, elle a été vendue pour € 2,3M incluant premium sur une estimation basse de € 1M.


4 nov. 2018

Le Dernier Peintre de Lascaux

Les deux peintres du noir, Franz Kline et Pierre Soulages, se sont influencés l'un l'autre mais leurs motivations étaient différentes. Kline voulait simuler le geste tandis que Soulages obtenait toutes les nuances de la brillance du noir en variant l'épaisseur des couches et en pratiquant des arrachements et des incisions.

Leur confrontation entre le noir et les autres couleurs est quasiment simultanée, autour de 1958. Soulages développe ses propres outils pour révéler la couleur au travers du noir. Comme Pollock, il travaille avec sa toile posée à plat sur le plancher de son atelier.

Cette attirance pour le noir est venue très tôt à Soulages, par l'observation de certaines peintures des grottes de Lascaux. Il était émerveillé par l'utilisation du noir par les artistes préhistoriques dans cet environnement obscur. Certaines figures montrent du noir qui a été partiellement gratté pour révéler la couleur du fond tout en préservant le trait.

La Peinture datée 21 Novembre 1959 révèle la couche bleue par les grattages du noir. Cette huile sur toile 195 x 130 cm a été vendue pour £ 4,3M incluant premium par Sotheby's le 26 juin 2013. Comme son ami Zao Wou-Ki, Soulages utilise comme titre la date de l'oeuvre.

Le dernier jour précédant son quarantième anniversaire, Pierre Soulages réalise une synthèse de son inspiration en révélant une sous-couche rouge sang qui est une des couleurs typiques de Lascaux. Intitulée Peinture 186 x 143 cm 23 Décembre 1959, elle est estimée $ 10M à vendre par Christie's à New York le 15 décembre, lot 22 C.

Combustions d'Après-Guerre

Choqué par les horreurs de la guerre, Alberto Burri voit bien qu'aucun art pré-existant ne correspond à sa nouvelle vision. Avant de développer un art personnel, il rend visite à Miro et Dubuffet à Paris en 1948. Il comprend l'assassinat de la peinture promulgué par Miro en 1930 : l'art doit sortir de ses pratiques conventionnelles.

Comme Dubuffet, Burri utilise la toile de jute. Il va plus loin que Dubuffet en utilisant cette matière ordinaire non pas comme un support mais bien comme l'élément essentiel de son art auquel il ajoute de grandes zones monochromes dans les couleurs les plus choquantes, le rouge très vif et le noir et plus rarement l'ocre.

Au milieu des années 1950, Burri ajoute le feu à son processus. Il expérimente en parallèle la combustion rapide des plastiques et la combustion lente de marqueterie de bois, plus facile à contrôler par l'intervention de l'artiste.

Par leur évolution automatique après le déclenchement, ses combustions de plastiques ouvriront la voie aux coulées de kaolin par Manzoni et aux combustions épiques par Yves Klein. L'effet cosmique de son utilisation de la peinture est ultérieure à Barnett Newman mais relance Fontana.

Le 15 novembre à New York, Phillips vend Grande Legno e Rosso qui est sa plus grande réalisation incluant une combustion de bois, 150 x 250 cm. Exposée dès 1957, elle est cependant datée 57-59. Ce bois, acrylique et combustion sur toile est estimé $ 10M, lot 6. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

3 nov. 2018

Education à Chicago

Formé à Los Angeles, Kerry James Marshall travaille à Chicago depuis 1993. Il y a trouvé une ambiance favorable à la propagation de son message social et a enseigné jusqu'en 2006 à la School of Art and Design à l'University of Illinois.

Marshall encourage les jeunes Afro-Américains à se libérer de leurs complexes d'infériorité. La société Américaine a été construite par des Blancs pour des Blancs mais il faut que les Noirs en bénéficient aussi. Ses scènes sont peuplées exclusivement par des Noirs. Pour créer et maintenir un art spécifique à cette communauté, il est tout à fait possible d'ignorer l'existence des Blancs.

Le 15 novembre à New York, Christie's vend au lot 27 C un acrylique et collage 295 x 700 cm réalisée par Marshall en 1995 à l'usage des bibliothèques publiques de Chicago sur le thème de l'éducation.

Intitulée Knowledge and Wonder, cette peinture murale montre des enfants accompagnés par trois adultes. Vus de dos, ils accèdent au savoir en regardant et commentant une grande fresque qui réunit les symboles de l'univers, de l'infiniment grand de l'astronomie jusqu'à l'infiniment petit de la microbiologie.

Un examen détaillé offre d'intéressantes surprises. Un garçon noir passe au-dessus de leurs têtes sur une planche de surf. Un dragon symbolise le merveilleux. Perché sur un arbre dans une trouée, un cardinal rouge, l'oiseau d'état de l'Illinois, leur apporte sa protection. Une échelle est prête à être utilisée pour leur ascension sociale.