13 nov. 2019

Heures à l'Usage de Milan

Patek-Philippe commence en 1937 à assembler des montres bracelets à Heures Universelles (HU) avec un mouvement breveté et fourni par Louis Cottier. Un anneau marqué de 0 à 23 tourne en synchronisation avec les aiguilles mais en sens inverse. Un autre anneau identifie environ 40 villes ou lieux. L'heure partout autour du monde est lue directement par la position de ces inscriptions en face de l'anneau tournant.

En 1953 la référence 2523 remplace la 1415 après une modification du calibre Cottier permettant de changer le fuseau horaire de référence. La 2523 est une montre de luxe, le plus souvent équipée d'un cadran émaillé. 26 exemplaires ont été produits. Le cadran le plus habituel de la 2523 est un émail cloisonné montrant la carte d'un continent. Une Amérique du Nord a été vendue pour CHF 2,8M incluant premium par Christie's le 14 mai 2012.

La 2523 est à son tour remplacée en 1957 par la variante 2523-1 avec une simplification des cosses et un cadran métallique. La production des mouvements HU cesse en 1965. Une 2523-1 en or rose a été vendue pour HK$ 19,5M incluant premium par Phillips le 31 mai 2016.

Une 2523 en or rose en excellent état sans aucun signe de réparation a fait surface en 2010. Elle a été vendue pour CHF 2,7M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2010, lot 114. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Le cadran et le mouvement ont été faits en 1953 et le boîtier en 1954.

Le centre de son cadran n'est pas en émail cloisonné mais en émail uniformément bleu marine d'une belle transparence. La montre a été vendue à Gobbi à Milan en 1957. Elle est la seule 2523 à avoir une double signature de Patek Philippe et d'un détaillant sur le cadran, une caractéristique qui est avidement recherchée actuellement par les collectionneurs de montres. Elle est estimée HK$ 55M à vendre par Christie's à Hong Kong le 23 novembre, lot 2201. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes.

12 nov. 2019

Cinq Demoiselles

En se fâchant avec Roché en 1932, Sanyu perd ses chances d'une reconnaissance commerciale de son art. Après la seconde guerre mondiale, ses oeuvres deviennent plus expérimentales, à la recherche d'une perfection qui mêlerait les traditions picturales de l'est et de l'ouest. La plupart de ses peintures de cette période sont faites sur isorel, qui avait l'avantage d'être peu couteux.

Cinq Nus, huile sur isorel 120 x 172 cm, est un des plus grands formats peints par l'artiste. Le style est reconnaissable avec ses à-plats de couleurs délimités par des courbes simplifiées. L'ambiance nonchalante est confirmée par un chien et un chat, tous deux dormant. Cette oeuvre a cependant plusieurs caractéristiques uniques.

Les cinq femmes forment le plus important groupe peint par Sanyu dans sa carrière, et le seul groupe de plus de deux personnages en position debout. Elles sont exhibées côte à côte avec une position différente des jambes qui évoque quatre phases successives d'une danse avant un retournement final. Les corps ne sont pas déformés bien que les têtes soient petites.

Les quatre couleurs de cheveux des femmes d'Europe sont utilisées : blond, noir, brun, roux. Les visages sont différents l'un de l'autre. Sinon, rien n'empêche d'imaginer cinq images alignées d'un  modèle unique.

La dimension exceptionnelle montre bien que Sanyu voulait en faire une oeuvre de référence qui pourrait être comparée aux peintures les plus célèbres de l'art moderne. Les Demoiselles d'Avignon par Picasso et La Danse par Matisse sont les deux exemples historiques qui exhibent cinq femmes nues, impossibles à différencier l'une de l'autre dans le cas de Matisse.

Les Cinq Nus par Sanyu sont réalisés en trois couleurs, pâle pour la chair, rouge foncé pour le fond et jaune vif pour le tapis, qui évoquent aussi les travaux de Matisse sur l'expression des couleurs. Matisse est mort en 1954. Antoine Chen, auteur d'une monographie sur Sanyu, date les Cinq Nus de 1955.

Cinq Nus a été vendue pour HK$ 128M incluant premium par Ravenel le 30 mai 2011. Je l'avais discutée avant cette vente dans cette chronique. Elle est estimée HK$ 250M à vendre par Christie's à Hong Kong le 23 novembre, lot 7. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.


11 nov. 2019

Noir sur Ocre sur Blanc

Les peintures de Pierre Soulages sont abstraites, titrées seulement par le format et la date. Il cherche à offrir un art intemporel qui rejoigne sa perception de l'art pariétal. Il visite New York en 1957 et rencontre Motherwell et Rothko.

Sa technique consiste à superposer les couches de peinture. La première couche est blanche. La couche intermédiaire, qui couvre partiellement la surface, est colorée. La couche supérieure est d'un noir profond au brou de noix. C'est elle qui définit la forme globale de l'image. Avant qu'elle soit sèche, l'artiste l'arrache en quelques endroits avec une spatule pour faire apparaître la couleur ou le blanc au travers du noir.

L'artiste a fêté ses 40 ans le 24 décembre 1959. L'huile sur toile 186 x 143 cm peinte la veille a été vendue pour $ 10,6M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2018. La masse noire forme une bande horizontale avec des bords effilochés. La couleur intermédiaire est rouge sang en référence à l'art de Lascaux. Au travers du noir, le blanc est limité à une petite balafre.

Peinture 200 x 162 cm, 14 mars 1960,  sera vendue par Tajan à Paris le 27 novembre, lot 8 estimé au-delà de € 4M. Le noir diagonal est élégamment bordé de poutres dans le goût de Franz Kline. Le blanc apparaît en trois petites lucarnes plus une incision. L'ocre qui avait certainement été déposé en plusieurs couches offre une belle variété de transparence et de luminosité. L'ocre est également une des couleurs de Lascaux.

Pierre Soulages fêtera ses 100 ans le 24 décembre 2019.


10 nov. 2019

Les Dernières Zondas

La Zonda est le modèle historique de la marque Pagani. Pour maintenir une offre au plus haut niveau des performances, la Huayra est dévoilée en 2011 et l'obsolescence de la Zonda est annoncée en 2013 avec une dernière édition spéciale, la Zonda Revolucion.

Ce n'est pourtant pas la fin des Zondas car il reste des châssis qui peuvent être utilisés avec des spécifications client, chacune en un exemplaire unique. Ces voitures équipées d'un moteur AMG V-12 7,3 litres 749 cv constituent la gamme Zonda 760. Les exemplaires les plus récents bénéficient généralement des innovations technologiques de la Huayra.

La Zonda Aether est une 760 roadster créée en 2017 pour un client enthousiaste de la conduite classique et de la puissance moderne. Sa principale spécificité est la boîte de vitesses manuelle, qui avait été abandonnée par la marque à partir de la variante Zonda Cinque en 2008. Une autre curiosité est la fermeture des portes par une sangle en cuir et pas par poignée. Aether est une allusion à son aspiration naturelle. Elle est sans doute la dernière Zonda avec cette caractéristique.

Cette voiture a 1400 km au compteur, ce qui prouve qu'elle a été raisonnablement utilisée alors que tant d'autres hypercars de la même génération sont restées confinées au garage. Elle est estimée $ 4,5M à vendre par RM Sotheby's à Abu Dhabi le 30 novembre, lot 124.

La dernière merveille de la marque Pagani, révélée cet été à Monterey, est aussi un roadster, la Huayra BC, qui développe 800 cv avec un moteur AMG V-12 6 litres. Elle est planifiée à 40 exemplaires et sera vendue pour environ $ 3,5M.



Petit Déjeuner à Tokyo

Au Japon la culture Otaku s"applique à un aspect contradictoire de la vie contemporaine. Le geek est seul chez lui, acharné aux jeux vidéo et à la lecture des comics qui lui offrent un univers de fantaisie sexuellement chargé. Les premières sculptures de Takashi Murakami sont une traduction de l'otaku en personnages de dimensions humaines. Elles donnent aussi une suite Japonaise à la Pink Panther de Jeff Koons.

La toute première oeuvre de ce style, en 1997, est Miss ko², peinte à l'huile et acrylique sur fibre de verre et résine synthétique. Elle a été éditée en 3 exemplaires plus une épreuve d'artiste, légèrement différentes l'une de l'autre pour les détails de la peinture de style manga et Playboy.

La figure est directement inspirée des tenues sexy des serveuses du restaurant Anna Miller à Tokyo. La jeune fille tend le bras comme pour offrir le petit-déjeuner, avec un sourire commercial aguichant.
Elle est mince avec des gros seins, porte une mini-jupe couverte d'un petit tablier et des panties. Paradoxalement cette geisha moderne a aussi la cravate des écolières et un gros noeud juvénile dans les cheveux. Avec des jambes très allongées au-dessus de talons aiguille, elle atteint 1,83 m de haut.

L'exemplaire 3/3 a été discuté dans cette chronique en 2010. Il a été vendu pour $ 6,8M incluant premium par Phillips de Pury le 8 novembre 2010, lot 10. Au même moment, un autre exemplaire participait à l'exposition de Murakami au château de Versailles qui a horrifié les traditionalistes français. Ensuite l'attention a baissé. Le même exemplaire a été vendu pour HK$ 23M incluant premium par Sotheby's le 2 avril 2017 et est estimé $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 46.

Immédiatement après Miss ko², Murakami réalise son couple obscène inspiré plus directement du pop art et de la contre-culture américaine : Hiropon, la femme, en 1997, et My Lonesome Cowboy, l'homme, en 1998. Un exemplaire du cowboy a été vendu pour $ 15.2M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008.

9 nov. 2019

Michael Schumacher avec Ferrari

Deux fois champion du monde des pilotes avec Benetton, en 1994 et 1995, Michael Schumacher gagne son troisième et quatrième championnat en 2000 et 2001 avec Ferrari. Il gagne neuf des dix-sept grands prix en 2000 avec le modèle F1-2000 et neuf des dix-sept grands prix en 2001 avec le modèle F2001. La F2001 avec laquelle il a gagné à Monaco et en Hongrie a été vendue pour $ 7,5M incluant premium par RM Sotheby's le 16 novembre 2017.

Pour 2002 Ferrari prépare la F2002. Inspirée de la F2001, elle est largement modifiée avec une carrosserie plus légère, une nouvelle spécification du moteur V-10 3 litres et des améliorations significatives de la boîte de vitesse, de l'aérodynamique, du refroidissement, de l'équilibre des masses.

Le développement de la F2002 prend un peu de retard. Schumacher conduit une F2001 dans les deux premiers grands prix, gagnant l'un d'entre eux. Pour les quinze grands prix du reste de la saison, il utilise la F2002 avec laquelle il enregistre dix victoires. Le même modèle apporte quatre victoires à son coéquipier Rubens Barrichello. Le seul échec de la F2002 dans cette phase est le grand prix de Monaco où Schumacher termine 2ème derrière une McLaren-Mercedes.

Le 30 novembre à Abu Dhabi, RM Sotheby's vend une F2002, lot 117 estimé $ 5,5M. Cette voiture a gagné en 2002 les grands prix de Saint-Marin, d'Autriche et de France. La victoire à Magny-Cours assure le titre de champion du monde à Schumacher alors qu'il reste encore six compétitions pour terminer la saison. Une telle domination d'un modèle de voiture et d'un champion est unique dans l'histoire de la Formule 1.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia avec attribution :  I, SilverArrows [CC BY-SA 3.0], via Wikimedia Commons

L'année suivante ce modèle est déjà périmé. Schumacher gagne quand même avec une F2002 le quatrième grand prix de la saison, qu'il continuera avec la F2003-GA.

 Mschumacher 2002

Le Canapé des Années Folles

Tamara de Lempicka sait que le succès est le résultat d'initiatives personnelles. Elle commence sa carrière de portraitiste à Paris, incluant une escapade mondaine à Milan en 1925, en exhibant ses envies bisexuelles. Une certaine liberté apportée par les films de Hollywood rend déjà possible ce type d'attitude.

Son mari s'appelle Tadeusz Lempicki. Certaines des premières peintures de Tamara sont signées T. de Lempitzki, probablement pour marquer ses tendances viriles. Elle cherche les plus belles femmes et les invite à poser sur son canapé, nues ou habillées.

Tamara rencontre Rafaëla au bois de Boulogne. Elle racontera plus tard qu'elle avait vu comment les passants regardaient intensément la jeune femme. Rafaëla est jolie et potelée, et coiffée à la mode de Louise Brooks. Ses portraits par Tamara sont charnels, dans le style aux lignes nettes de l'artiste, révélant une empathie amoureuse entre les deux femmes.

Le Rêve, huile sur toile 81 x 59 cm peinte en 1927, est également intitulé Rafaëla sur fond vert. Le modèle torse nu est assis, les bras croisés sur la poitrine et la tête bien appuyée sur le dossier du canapé. Comme les meilleurs nus de Modigliani, elle attend paisiblement les instructions de l'artiste. Cette oeuvre a été vendue pour $ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 2 novembre 2011.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend La Tunique rose, huile sur toile 73 x 116 cm peinte la même année, lot 43 estimé $ 6M. Allongée sur le même canapé vert, Rafaëla porte une petite robe pas plus couvrante qu'une combinaison de nuit. L'expression est jolie, avec un contraste entre l'ombre sur les yeux et la lumière sur la bouche rouge.

8 nov. 2019

La Mauvaise Caresse

Michael Sweerts est né à Bruxelles. Sa carrière commence à Rome. A une date non identifiée, il devient un catholique zélé après une illumination. Revenu dans sa ville natale en 1655, il repart pour la France puis pour Amsterdam avant de tenter à Goa un prosélytisme à la manière de Vincent de Paul.

Sa période Bruxelloise ne dure pas plus de trois ans mais est très prolifique. Il ouvre un atelier de peinture et publie quelques gravures. Il enseigne le dessin, donnant l'exemple par des thèmes très variés incluant des tronies d'expressions et de tempéraments.

Le 15 novembre à Paris (Hôtel Drouot), Mirabaud Mercier vend une huile sur toile 75 x 60 cm peinte vers 1656, lot 27 estimé € 400K, un rare exemple de peinture moralisante qui parvient à mêler un des cinq sens avec un des sept péchés capitaux. Elle est restée très fraiche malgré des restaurations anciennes annoncées au catalogue. L'humidité dans les yeux et les lèvres du personnage est bien préservée. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Hôtel Drouot.

Un jeune homme innocent avec un sourire béat tient un chat tigré dans sa main gauche. Avec l'autre main, il caresse l'oreille du petit fauve qui n'aime pas du tout cette initiative et commence à feuler. Cette image est une allégorie chrétienne. Il faut se méfier du toucher, le plus dangereux des cinq sens, qui mène de façon sournoise à la luxure et à l'érotisme.

Cette oeuvre fait partie d'une série sur les cinq sens, connue par des photographies noir et blanc des années 1950. Les quatre autres vues sont moins dramatiques. Le même nigaud tend une friandise à un singe pour l'allégorie du goût et caresse l'aigrette d'un hibou pour la vue. Le cor et la chandelle caractérisent les deux autres sens.




L'Or de Warin

L'édit du 31 mars 1640 modernise la monnaie française. Le louis remplace l'écu comme unité de monnaie d'or. Cette réforme a pour objectifs de réduire la circulation en France de la pistole espagnole et de rendre plus difficile les contrefaçons. La frappe au balancier, remplaçant le marteau, permet d'obtenir une excellente régularité des pièces. La tranche est cannelée pour éviter les rognures. L'opération est confiée au Contrôleur général des monnaies, Jean Warin.

Les pièces de circulation sont le double-louis, le louis et le demi-louis. Pour lancer cette opération, des pièces de 10 louis, 8 louis et 4 louis sont également éditées, en très petites quantités. Elles entrent dans la catégories des 'pièces d'hommage' ou 'pièces de plaisir'. Elles n'ont pas été documentées et la seule utilisation supposée est à la table du jeu du roi. Une telle opération ne sera jamais répétée et ces pièces sont les plus prestigieuse de l'histoire de la monnaie française.

Le cardinal de Richelieu, ministre de Louis XIII, était l'instigateur de cette réforme. Il en profite pour réduire habilement le titrage d'or de 0,958 à 0,917.

Elles montrent sur une face le portrait de Louis XIII de profil et la date de 1640. Le buste est nu pour les 4 et 8 louis et drapé pour la 10 louis. L'autre face montre les attributs de la royauté, couronnes, fleurs de lys, des L entrelacés qui forment une croix, et la lettre A qui désigne l'atelier de Paris.

Une 8 louis pesant 53,68 g a été vendue pour € 210K incluant premium par Rouillac le 11 juin 2017. Une 4 louis pesant 26,86 g a été vendue pour € 290K incluant premium par Briscadieu  le 20 septembre 2019.

Le 19 novembre à Genève, NGSA (Numismatica Genevensis) vend un exemplaire de la plus lourde monnaie d'or française, une 10 louis pesant 67,49 g, avec une enchère de départ de CHF 500K, lot 657 ici lié sur la plate-forme d'enchères Biddr.


7 nov. 2019

L'Esprit des Totems

Née à Victoria en British Columbia, Emily Carr tente de faire des études d'art à San Francisco puis à Londres, sans grand succès. Excentrique, elle a plutôt le tempérament d'une exploratrice. En 1907 avec une de ses soeurs, elle atteint l'Alaska au terme d'une randonnée intrépide au travers de la forêt sauvage, à pied, à cheval et en canoe.

Elle découvre les mâts totémiques au cours de ce premier voyage. Hypersensible, elle veut comprendre pourquoi et comment ces gigantesques poteaux sculptés ont été créés, et ce qu'ils signifient.

Son art pourra divulguer cette culture menacée qui est unique au monde. Elle fait plusieurs séjours à Alert Bay, un village qui a l'avantage d'être assez proche de Vancouver. Entièrement dévouée à cette nouvelle vocation, elle part en 1910 pour Paris pour être initiée aux dernières tendances de la peinture moderne. Elle découvre comment les couleurs saturées du Fauvisme peuvent renforcer le message pictural.

De retour au Canada, elle traduit en huiles sur toile ses aquarelles d'Alert Bay. Cela ne peut pas la satisfaire du point de vue ethnographique. Alert Bay a certes les plus hauts mâts totémiques, mais ils sont récents et ne peuvent donc pas fournir à Emily l'empathie avec l'esprit des ancêtres.

Elle réalise une nouvelle expédition en 1912, visitant quinze villages en six semaines. Le site abandonné de Skedans dans les Queen Charlotte Islands répond à sa recherche avec un grand alignement de mâts totémiques en bord de mer. La plupart ont été creusés pour insérer un cercueil. Ils sont de hauteurs variées, et superbement sculptés d'effigies humaines et de têtes d'animaux.

Le 19 novembre à New York, Sotheby's vend une vue rapprochée de l'alignement de Skedans peinte par Emily Carr en 1912, lot 18 estimé $ 3M. Le format de cette huile sur toile, 90 x 148 cm, est très grand pour cette artiste. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Emily Carr était trop en avance sur son temps. Découragée par l'échec d'une exposition en 1913 à Vancouver, elle abandonne jusqu'en 1927 sa carrière artistique. La phase suivante revisite dans un style puissant les symboles les plus typiques de ses découvertes mais sans la fraîcheur enthousiaste des premiers voyages.


Apaisement

Gaitonde apporte la lumière sur le néant de ses toiles, par un travail minutieux des couches de peinture transparentes ou opaques qu'il vient poser ou retirer sur un fond peint en blanc. Il n'est pas un alchimiste et n'a pas de formule. Chaque opus est différent. Une oeuvre est terminée quand l'artiste est satisfait de l'extrême subtilité des variations de couleurs, après un processus de création qui peut être très long.

Il a été très tôt inspiré par Rothko. Il crée une dynamique de bandes horizontales à peine discernables sur un format qui est souvent vertical. Autour de 1971 il commence à ajouter des cercles qui ne sont pas les bindus de Raza mais viennent fixer le regard pour offrir méditation et sérénité, atteignant le sommet de l'effet d'apaisement par l'art pictural.

Le 15 novembre à Mumbai, Sotheby's vend au lot 22 une huile sur toile 153 x 102 cm peinte en 1974. Dans un suprême raffinement, les cinq points sont alignés sur une verticale strictement centrale. Le jaune strident alterne avec un noir profond. Le point du milieu est plus petit. Le fond est un mélange d'ocre et de sienne brûlée.

Cette peinture n'avait jamais été documentée ni exposée. Elle est vendue par l'actrice Sabira Merchant, qui avait rencontré Gaitonde. Elle explique dans la vidéo partagée par Sotheby's l'importance de cette oeuvre dans sa collection. L'assimilation de la ligne de cercles à un lever de soleils et de lunes a peut-être été suggérée par l'artiste.


6 nov. 2019

Le Paysage Mental de Joan Mitchell

New York City ne convenait pas à la créativité de Jackson Pollock. Il en est de même pour Joan Mitchell à Paris, où elle a installé son atelier en 1959. Pourtant elle y développe un style original basé sur l'explosion centrifuge des couleurs vives sur un fond blanc, qui assure sa gloire.

Elle réagit en 1964. Son art est trop violent. En exploitant ses propres colères, elle oublie son thème principal qui est l'expression des couleurs de la nature. Le titre, parfois topographique, guide à peine le spectateur pour comprendre ce qu'elle a voulu faire.

Elle trouve la solution en 1968 en s'installant à Vétheuil, ce village tout au fond d'une boucle de la Seine où Monet avait vécu avant Giverny. Son atelier dans un ancien bâtiment de ferme permet d'augmenter la largeur des toiles tout en maintenant la très grande hauteur qui avait été sa spécialité à Paris.

Son style change totalement. La surface est totalement remplie. Le sol sans fin est composé de blocs comme s'il était vu d'avion, avec les couleurs chatoyantes qui expriment les différentes cultures. Elle ne veut pas montrer un paysage mais exprimer son sentiment. Paradoxalement, elle retrouve à Vétheuil le souvenir des immenses champs de maïs de son enfance entre le Saskatchewan et les Grands Lacs.

Blueberry, huile sur toile 200 x 150 cm peinte en 1969, annonce déjà cette transition. Elle a été vendue pour $ 16,6M incluant premium par Christie's le 17 mai 2018 sur une estimation basse de $ 5M.

Plowed Field, peint en 1971, est un aboutissement de cette phase de quiétude méditative, avec une grande diversité de couleurs chaudes dans les blocs qui simulent les champs imaginaires. Ce triptyque d'huiles sur toile de dimension totale 285 x 540 cm est estimé $ 12M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 25 B.

Un Tetradrachme Sicilien

Syracuse est une des principales villes du monde grec antique. Le processus grec de fabrication des monnaies d'argent y est transféré il y a 2500 ans. La plus haute dénomination est le decadrachme. Les premiers tetradrachmes de Syracuse sont illustrés au revers par la tête de la nymphe Aréthuse de profil et de l'autre côté par un quadrige avec son conducteur et une victoire ailée qui apporte les lauriers.

Vers 415 BCE l'image devient dynamique. Les chevaux qui étaient précédemment statiques sont désormais montrés en plein galop et la victoire vient couronner l'homme plutôt que les chevaux. A la même époque les modèles prestigieux commencent à être signés, certainement pour apporter une garantie sur la pureté de l'argent. Ces essayeurs de l'ancien temps sont assez nombreux mais les plus belles pièces sont l'oeuvre de Kimon ou Evainète.

Le chef d'oeuvre de Kimon est un tetradrachme frappé en haut relief entre 405 et 400 BCE. Chacune des faces est connue avec deux variantes de matrices et trois de ces matrices sont signées. Aucune de ces matrices n'a été appairée pour une autre utilisation, ce qui confirme que cette émission est une monnaie de prestige.

Sur les deux faces, la clarté du style graphique est remarquable. Cette pièce est une des très rares monnaies Siciliennes de cette époque à montrer une effigie en pleine face. L'action brutale du marteau fragilise le revers. Kimon transfère Aréthuse du côté face pour améliorer le portrait.  La perfection de ce modèle sera admirée par Goethe.

Le plus beau spécimen connu du tetradrachme de Kimon, parfaitement centré, a été vendu pour CHF 2,3M hors frais par NAC le 26 mai 2014. Il sera vendu le 18 novembre à Genève par NGSA (Numismatica Genevensis), lot 1 ici lié sur la plate-forme d'enchères Biddr.

5 nov. 2019

Un Beau Sacrifice

Artemisia Gentileschi est une artiste majeure de la période post-Caravagesque. Comme les autres femmes peintres de son temps, elle a besoin pour pouvoir exercer son métier de thèmes où elle n'est pas en concurrence avec les hommes. Elle choisit les femmes héroïques et les auto-portraits allégoriques.

Lucrèce est la femme violée qui a refusé la souillure et dont le suicide exemplaire a mené à la chute de la monarchie Romaine et à la création de la république. Cette légende est peinte tout au long de la carrière d'Artemisia. Les féministes de notre temps aiment faire un parallèle entre la femme Romaine et la vie de l'artiste mais cette assimilation n'est pas confirmée par des documents de l'époque.

Artemisia a très tôt peint des nus féminins. Son style atteint sa plus grande maturité à partir de 1630 quand elle travaille à Naples. Les corps deviennent plus charnels, moins schématisés. Dans le cas de Lucrèce, elle fait regretter au spectateur qu'une aussi belle femme ait choisi la mort.

Une huile sur toile 133 x 106 cm a été vendue pour € 1,9M incluant premium par Dorotheum le 23 octobre 2018. Une autre variante, 97 x 75 cm, est estimée € 600K à vendre par Artcurial à Paris le 13 novembre, lot 36.

Ces deux peintures ont bien des similitudes. Le modèle est probablement la même femme. La composition diagonale avec un corps bien éclairé devant un fond noir donne un élan caravagesque à cette action dramatique. La tête tournée pour éviter qu'une perception perturbe le sacrifice est classique dans l'imagerie de Lucrèce.

Il y a aussi des différences. Le riche vêtement qui couvre le bas du corps est caractérisé par ses vives couleurs sur le spécimen de Dorotheum et par la finesse de la broderie blanche sur le spécimen d'Artcurial. Le mouvement de la Lucrèce de Dorotheum est théâtral : la lame est encore loin, tenue par un bras tendu à l'horizontale. L'attitude de la Lucrèce d'Artcurial est plus naturelle, avec un bras plié qui pose la pointe sur la peau juste avant l'enfoncement fatal.

L'huile sur toile à vendre par Artcurial est dans un état de conservation exceptionnel. Dans la vidéo partagée par la maison de ventes, l'expert Eric Turquin montre que l'émotion mouille les cils de l'héroïne, un effet très rare qui est à mon avis digne de Rubens.


La Décrépitude des Boucles

Cy Twombly retrouve le thème des boucles de lasso en 2004 avec sa série Bacchus. Les figures rouge vermillon évoquant la violence et le vin dépassent la proto-écriture semi automatique pour devenir un magma. L'utilisation de grands pinceaux augmente l'épaisseur du trait. Il ajoute des coulures qui démontrent la phase liquide de sa matière brute.

Le vieil artiste entre avec ces Bacchus dans une frénésie de créativité qui durera jusqu'en 2008, travaillant sur ses toiles jusqu'à l'épuisement physique.

L'opus V de la première série Bacchus, 266 x 200 cm, a été vendu pour $ 15,4M incluant premium par Sotheby's le 11 mai 2016. Un opus géant de la seconde série Bacchus peinte en 2005, 325 x 494 cm, avec une meilleure séparation des boucles, a été vendu pour $ 46M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2017.

En 2006 Twombly reconsidère la forme des boucles. Une peinture 215 x 168 cm avec des boucles rouges inégales et saccadées a été vendue pour £ 8M incluant premium par Phillips le 14 octobre 2015.

Un Untitled peint à la fin de l'année 2006 apporte un raffinement supplémentaire en associant la décrépitude des boucles avec la monochromie noir et blanc des Blackboards qui ont fait sa gloire 35 ans plus tôt. La nouvelle épaisseur du trait apporte un blanc éclatant modulé par des variations d'intensité qui donnent un effet de profondeur aux boucles.

Cet acrylique sur toile 215 x 166 cm été vendu pour $ 10,2M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014. Il est estimé $ 10M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 19 B.

4 nov. 2019

Le Seigneur du Ring

1981 est l'année merveilleuse de Jean-Michel Basquiat. En janvier, il est connu de quelques initiés qui veulent savoir comment l'insécurité grandissante à New York City inspire les jeunes artistes et musiciens. En décembre il est reconnu comme le plus doué et le plus subtil des artistes issus de la rue.

Son credo n'a pas changé. Il veut glorifier le héros Afro-Américain, complètement ignoré des musées. Il montre le rêve et la vraie vie : les puissants rois-guerriers noirs et les cops blancs. Il considère à juste titre la boxe comme le domaine typique où les blancs ont perdu la partie. Les champions de sa jeunesse sont Joe Louis, Jersey Joe Walcott, Sugar Ray Robinson et Mohammed Ali.

Dans la plupart de ses peintures de 1981 sur le thème de la boxe, l'hercule noir vient de gagner et lève les deux bras en signe de triomphe. Une figure rapprochée soulevant avec fierté la couronne d'épines au-dessus de sa tête, 200 x 183 cm, a été vendue pour £ 13M incluant premium par Sotheby's le 27 juin 2012.

Intitulée Ring, un acrylique et oilstick 152 x 122 cm montre le vainqueur seul en plein milieu de son champ d'action incluant les cordes et les chaises. Il ne porte pas la couronne mais une puissante lance surmontée d'un soleil radiant. Le champion n'est pas identifié mais il a la même chevelure luxuriante que l'artiste lui-même.

Ring a été vendu pour $ 7,6M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2012 et est estimé $ 10M à vendre par Phillips à New York le 14 novembre, lot 26.

Dans son enfance, Jean-Michel regardait souvent les matchs de boxe à la télévision et ne dédaigne pas l'action. World crown, 122 x 142 cm, est un très rare exemple égalitaire, pris en plein combat entre un blanc et un noir sans identifier lequel des deux va gagner. Cette peinture a été vendue pour $ 11,5M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015.


3 nov. 2019

Fancy Deep Blue

Dans la gamme des diamants bleu de couleur pure, la splendide nuance Fancy deep blue est une des plus rares. Un Fancy deep blue de plus de cinq carats est exceptionnel. Leurs caractéristiques sont apparentées aux diamants gris bleu de Golconde dont les plus célèbres sont le Hope et le Wittelsbach-Graff.

Le 24 avril 2013, Bonhams a vendu pour £ 6,2M incluant premium un Fancy deep blue pesant 5,30 carats dont la clarté était seulement VS2. Ce résultat correspondait à $ 1,8M au carat, un record à l'époque pour un diamant bleu. Il a été acheté dans cette vente par Graff Diamonds.

Le 12 novembre à Genève, Christie's vend au lot 246 un Fancy deep blue de clarté VVS2 pesant 7,03 carats. Ce diamant de taille rectangulaire a été assemblé par Moussaieff sur une bague en platine entre deux diamants blancs. Il est estimé au-delà de CHF 10M correspondant à $ 1,4M au carat. L'estimation haute correspond à $ 2M au carat. Je vous invite à regarder la vidéo tweetée par la maison de ventes.

Il est intéressant de comparer ce lot avec le diamant de Shirley Temple. Quand il est passé à Sotheby's le 19 avril 2016, ce Fancy deep blue de taille brillant modifié en coussin pesait 9,54 carats avec une clarté VVS2. Le GIA avait établi un schéma expliquant qu'il était potentiellement Internally Flawless. Il a été acquis après la vente par un joaillier qui a effectué cette transformation en réduisant son poids à 9,3 carats. Sa couleur a été améliorée par ce polissage, avec une rare phosphorescence bleue.

Au-delà de l'Allemagne

De 1963 à 1967 Gerhard Richter réalise sa série de photo-peintures, récupérations à l'huile sur toile en format géant de photos noir et blanc ratées. Pour certaines images comme le Düsenjäger peint en 1963, il explique son choix par un souvenir personnel. La suite est plus difficile à décoder, probablement liée à des sentiments intimes.

Cette pratique sans précédent de peintures floues sur des thèmes de banalité totale lui apporte la gloire et des clients. il diversifie ses thèmes sans perdre son envie de choquer, comme par exemple avec ses nuanciers de couleurs (Farbtafeln).

Le 13 novembre à New York, Christie's vend une des dernières photo-peintures, huile sur toile 180 x 180 cm peinte en 1967, lot 12 B estimé $ 18M.

Cette image grise montre le ferry de la ligne de transport Hambourg-Copenhague pendant l'engloutissement d'un train, en enfilade entre le terminal et la Baltique. Mise en service quatre ans auparavant, cette ligne nommée Vogelfluglinie est encore un thème d'actualité. Le flou mène aux limites de la lisibilité.

Unique dans l'imagerie de Richter, cette image déshumanisée vient en totale opposition avec ses inspirations érotiques et pornographiques de la même période. La ligne du vol des oiseaux aurait pu être une invitation au voyage au-delà de l'Allemagne. Elle témoigne plutôt de la laideur repoussante dont la vie moderne est capable. Avec Richter, tout semble simple mais rien n'est simple.

2 nov. 2019

La Force Pastorale

Après de nombreuses années de difficultés et de doutes, Willem de Kooning retrouve soudain la joie de peindre en 1975. Il réside à Springs, sur Long Island, et va souvent contempler l'océan. Sa jeune maîtresse Mimi Kilgore encourage sa créativité. Elaine, dont il n'a jamais divorcé, reviendra bientôt pour l'aider.

Pour cet artiste septuagénaire, peindre n'est plus un métier mais une raison d'être. De 1975 à 1977 avec une prolongation ralentie en 1978 et 1979, il peint son univers, comme aurait fait un surréaliste, sauf que son art est entièrement abstrait. Les oeuvres de cette période sont parfois qualifiées de "pastorales".

Les couleurs se mélangent avec une diversité totale. Elles sont apportées avec une violence apparente par des pinceaux industriels de grande longueur. Pourtant l'exécution n'est pas du tout spontanée. L'artiste sait à l'avance quel équilibre il donnera entre le gris de la mer, le vert des arbres et le brun du sol. Quand une oeuvre est terminée, la suivante sera une autre étape dans l'expression de son univers.

Dans cette phase les peintures de de Kooning perdent progressivement leurs dernières références aux êtres humains et même au paysage. Avant de décider si une peinture lui convient, il la regarde sous tous les angles y compris en la basculant. Avec une technique différente et d'autres confrontations de couleurs, il a rejoint l'autre grand artiste abstrait de Springs, Jackson Pollock.

Les plus importantes peintures de cette période sont nommées Untitled, avec l'indication de l'année et une sérialisation par année en chiffres romains. Les formats sont variés, mais ce sont les plus grands qui expriment le mieux la contemplation de la nature luxuriante par l'artiste.

L'Untitled XXV de 1977 est un des chefs d'oeuvre de cette série par la brillance des couleurs et la complexité imbriquée des formes. Cette huile sur toile 196 x 224 cm a été vendue pour $ 66M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2016.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend l'Untitled XXII de la même année, lot 13 estimé $ 25M. Cette huile sur toile 178 x 203 cm exprime énergiquement les forces de la nature par la violence des coups de pinceau qui constituent une sorte de grille par-dessus le fond clair.

1 nov. 2019

Un Pape à Tanger

Depuis 1952 Francis Bacon est amoureux fou de Peter Lacy. L'Europe n'est pas favorable à l'homosexualité et Peter s'établit à Tanger. A partir de 1956 Francis lui rend de fréquentes visites. Il travaille beaucoup malgré la violence sadique de son amant. Désabusé par ces conditions de plus en plus invivables et par le manque d'intérêt de Peter pour son art, Francis rompt en 1959 et détruit presque toutes ses peintures Marocaines.

Pendant toute cette décennie, ses deux thèmes majeurs sont le portrait de l'homme ordinaire et les réinterprétations du pape de Velazquez. Les deux séries se rejoignent, évidemment, nourries de l'horreur Freudienne de l'autorité abusive du père, sur la grande question de la signification de la vie dans un monde hostile.

Les papes de la période Marocaine ressemblent peu à Innocent X et ont perdu le cri du Potemkine. Le trône ne cache plus qu'il n'est rien d'autre qu'une cage filiforme. La bouche est ouverte sur une dentition acérée prête à mordre. Les joues sont émaciées. Le regard est de plus en plus divergent. Ces oeuvres sont réalisées dans un épais impasto qui révèle la violence du geste de l'artiste.

Une huile sur toile 190 x 148 cm peinte pendant la période de Tanger a été vendue pour € 4,6M incluant premium par Sotheby's le 26 mai 2008.

Le 14 novembre à New York, Sotheby's vend une composition très similaire, lot 23 estimé $ 6M, au bénéfice de la collection du Brooklyn Museum. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Cette huile sur toile 196 x 142 cm peinte probablement en 1958 est un des très rares exemples dont la réalisation Marocaine est incontestable. En démantelant son atelier de Tanger, Francis l'a donnée avec quatre autre oeuvres à un ami en l'invitant à récupérer les toiles pour son propre usage. L'ami a préféré conserver les peintures.

Le Secrétaire d'Estat

Maître Géraldine d'Ouince, travaillant pour la maison de ventes De Baecque, effectue un inventaire dans une maison de campagne. Un buste en bronze en grandeur nature attire son attention. L'homme est identifié avec une date par une plaque à l'arrière : "Paul Phelypeaux seigneur de Pontchartrain, Secrétaire d'Estat, 1610".

Ce personnage à l'attitude sérieuse avait été un des plus grands administrateurs français de son temps. La tradition de service de la famille Phélypeaux était très ancienne: un ancêtre était garde des sceaux du comte de Blois en 1297.

Paul fait sa carrière à la cour. Il devient secrétaire du roi Henri IV en 1591 et secrétaire des commandements de la nouvelle reine, Marie de Médicis, en 1600. Il atteint la plus haute responsabilité de l'administration, avec le titre de secrétaire d'état, en avril 1610. Quand le roi est assassiné trois semaines plus tard, il perd ce titre mais assiste directement Marie devenue régente. Sa famille restera pendant deux siècles au plus haut niveau des administrateurs du royaume. C'est dans cette famille que le bronze vient d'être identifié.

L'expertise a été conduite par le Cabinet Sculpture et Collection. Le bronze à patine brune est d'une qualité exceptionnelle. Il mesure 88 cm de haut en incluant la base. Son épaisseur est inhabituelle et il pèse plus de 80 Kg. Il a été entièrement ciselé pour faire apparaître de la façon la plus réaliste les plus petits détails de la peau, de la barbe, des cheveux et du vêtement.

A cette époque les portraits en bronze sont extrêmement rares en France, et réservés aux effigies de la famille royale et des plus grands ministres. Paul Phélypeaux servait l'état sans se montrer en public et ses mémoires ne mentionnent pas de projet d'effigie. Il meurt en 1621. Le bronze a très certainement été commandé par sa veuve pour orner la concession funéraire dans l'église St Germain l'Auxerrois. Il est illustré dans cette position dans des documents de la fin du XVIIème siècle.

La rareté de ces bronzes a permis d'identifier le sculpteur avec une quasi certitude. Un seul artiste avait ce savoir faire à Paris à cette époque. Né à Florence en 1580, Francesco Bordoni avait travaillé dans l'atelier de Giambologna. Il était arrivé en France peu après la nouvelle reine. Il ne pouvait pas ignorer le travail de Phélypeaux auprès de la reine Marie et avait réalisé vers 1613 un ange en bronze pour Saint-Germain l'Auxerrois.

Ce buste sera vendu à Paris (Hôtel Drouot) par De Baecque le 20 novembre, lot 105. Je vous invite à lire le communiqué de presse préparé par Drouot et à regarder la vidéo présentée par Maître d'Ouince et partagée par Artcento.





31 oct. 2019

La Chaise des Fantômes

Andy Warhol devient célèbre en 1962 par ses nombreuses peintures de Marilyn Monroe, commencées juste après la mort de l'actrice à partir d'une seule image transférée en sérigraphie. Geldzahler suggère à l'artiste de traiter le thème de la mort de façon plus explicite. Sa série macabre est identifiée sous le nom de Death and Disaster.

Paradoxalement l'image qui choque le plus le public ne montre pas la mort mais seulement son instrument. En 1964 Warhol réalise une sérigraphie d'une image de la chaise électrique de Sing Sing, au milieu de sa grande salle vide, sans présence humaine. Il réalise 32 peintures monochromes 56 x 71 cm, chacune d'une couleur différente, destinées à être exposées ensemble. La version d'un bleu glaçant a été vendue pour $ 11,6M incluant premium par Christie's le 10 novembre 2015.

En 1967 Warhol prépare pour l'année suivante une nouvelle exposition qui sera focalisée sur les deux thèmes extrêmes, la vie et la mort, symbolisées par les fleurs et par la chaise électrique. Il réalise en 1967 et 1968 14 grandes peintures 137 x 188 cm de la chaise électrique basées sur un agrandissement de la partie centrale de l'image d'origine.

Presque toutes ces peintures sont monochromes. L'une d'elle fait exception. Le fond est constitué de trois bandes diagonales qui symbolisent la vie : bleu du ciel, vert de l'herbe, rose de la chair. La chaise est sérigraphiée deux fois, en vert clair et violet foncé, d'autant plus menaçante que le contraste par rapport au fond est très faible.

Cette Big Electric Chair a été vendue pour $ 20,4M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014. Elle est estimée $ 18M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 20 B.

Toutes les chaises de Warhol sont ultérieures à la désaffectation de l'instrument de Sing Sing, décidée en 1963. Certes d'autres chaises similaires continuent à fonctionner dans le monde, mais on ne saura jamais clairement si Warhol avait une intention militante avec ce thème morbide. En juin 1968 la tentative d'assassinat de Warhol par Valerie Solanas est une rencontre réelle de l'artiste avec la mort.

Les Jeux des Enfants Brontë

Le révérend Patrick Brontë est pasteur à Haworth dans l'ouest du Yorkshire. Sa femme meurt  en 1821, lui laissant six enfants : Maria, Elizabeth, Charlotte, Branwell qui est le seul garçon, Emily et Anne. La soeur de la mère devient la gouvernante de la famille.

Patrick Brontë fait une grave erreur : il envoie ses quatre filles ainées dans une pension qui s'avère insalubre. En 1825 Maria et Elizabeth meurent de tuberculose. Charlotte est traumatisée par ces deux décès. Elle aura besoin de se réfugier dans un monde imaginaire.

En 1827 les quatre enfants survivants commencent un jeu secret dans lequel ils se partagent le monde autour de la capitale Glass Town. Des soldats de plomb sont leurs émissaires, un par enfant. Personnifiant un héros de l'histoire ou un explorateur selon le choix de l'enfant, ces jouets ont un rôle de contacts romantiques avec la vraie vie.

Cette activité secrète prend de l'ampleur. En 1829, inspirés par la culture littéraire du père et par la lecture régulière des histoires gothiques dans le Blackwood's Magazine, Branwell décide que Glass Town a besoin d'un magazine. Charlotte prend la direction de ce nouveau jeu. Ils deviennent écrivains et composent des histoires d'aventures et de voyages.

Un de ces recueils est intitulé Second series of the Young Men's Magazine, No. second for September 1830 edited by Charlotte Brontë. Il est entièrement autographe par Charlotte alors âgée de 14 ans, et daté du 19 août 1830.

Les enfants ont utilisé cinq feuilles, chacune pliée en deux, qu'ils ont cousu dans une couverture de papier brun. Le format de ces vingt pages, 35 x 61 mm, est le plus petit possible pour que le livre et son contenu puisse échapper aux adultes. Charlotte a utilisé de bout en bout un script extrêmement serré imitant les caractères d'imprimerie, avec un total de plus de 4000 mots. L'ensemble est inséré dans un étui 5 x 7 cm.

Ce petit livre inédit a été vendu pour £ 690K incluant premium par Sotheby's le 15 décembre 2011, lot 46. Je l'avais discuté dans cette colonne avant la vente. Il est estimé € 600K à vendre par OVA Aristophil à Paris (Hôtel Drouot) le 18 novembre, lot 11. La vente est dirigée par Aguttes.

30 oct. 2019

Un Bourgeois à Gennevilliers

Gustave Caillebotte est un riche bourgeois Parisien. Après la mort de sa mère, il renonce à la maison de campagne familiale de Yerres et achète une propriété au Petit-Gennevilliers pour y construire sa maison et son atelier. Proche du pont d'Argenteuil, il s'établit ainsi dans un lieu apprécié de ses amis impressionnistes où il pourra s'adonner à sa passion du nautisme.

Caillebotte n'a pas besoin d'argent. Ses oeuvres sont le plus souvent en relation avec sa vie privée, à Paris, Gennevilliers ou Trouville. Au début des années 1880 il veut être un continuateur de l'esprit d'origine des impressionnistes et commence à s'éloigner du groupe, ce qui lui laisse plus de temps pour les loisirs et la peinture.

Il a beaucoup d'amis, parmi lesquels un ancien camarade d'école nommé Richard Gallo dont il a fait depuis 1878 plusieurs portraits de salon. Il parvient à attirer ce jeune citadin pour une visite à Gennevilliers.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend Richard Gallo et son chien Dick au Petit-Gennevilliers, lot 25 estimé $ 18M. L'image est partagée par Wikimedia.

Cette très grande huile sur toile 89 x 116 cm peinte en 1884 a une composition non-conventionnelle comme les aimaient Caillebotte et Degas. La Seine offre toutes ses couleurs et ses reflets. De l'autre côté, les petites maisons clairsemées montrent bien qu'on n'est pas à Paris.

Par contraste la berge du premier plan est mal éclairée. Le bourgeois suit le chien à distance, sans obstruer la vue centrale sur la rivière. Tous deux sont vus de profil en silhouettes. Les deux sont à la mode de Paris, l'homme avec sa redingote, son chapeau et sa canne et le caniche tondu "à la lion".

La rivière semble être le thème principal de cette peinture. Exposée en 1888 avec l'intitulé Portrait de M. R.G., elle était donc considérée par l'artiste comme un portrait de son ami, signifiant peut-être gentiment que le décalage social entre la ville et la campagne n'est pas irrémédiable. Offerte par l'artiste à Gallo, elle n'a donc pas été incluse dans le legs de la collection Caillebotte à l'Etat français.

Gustave Caillebotte Richard Gallo and his Dog at Petit Gennevilliers

L'Homme de Boccioni

Marinetti crée le Manifesto del Futurismo en 1909. Sa stratégie est de choquer, pour mettre fin à l'affaiblissement de la culture italienne et créer de nouvelles formes littéraires adaptées à la civilisation moderne de vitesse et de violence. Le passé doit être oublié.

L'année suivante, un groupe de jeunes artistes publie un autre manifeste, pour appliquer les idées nouvelles à la peinture. Umberto Boccioni est le théoricien du groupe. Peut-être se rend-il compte que l'expression du mouvement par la peinture est difficilement lisible pour le public. Le chien mille-pattes créé par Balla en 1912 est un peu ridicule.

Sans délaisser la peinture, Boccioni s'intéresse désormais à la sculpture, qu'il n'avait jamais pratiquée. Il publie seul en avril 1912 le Manifesto tecnico della scultura futurista. Il est également inspiré par les fragmentations Cubistes de Picasso et Duchamp-Villon.

Boccioni crée en 1913 trois études en plâtre dans lesquelles le mouvement est illustré par une extension musculaire. Il crée ensuite un homme en marche, synthèse de ses théories. Pour bien marquer à quel point son approche est une incitation pour un art nouveau, il intitule cette figure Forme uniche della continuita nello spazio.

La Forme uniche est restée la seule sculpture importante de Boccioni, l'artiste qui allait trop vite, mort piétiné par un cheval en 1916. Elle exprime une énergie humaine extrême tout en abandonnant le réalisme, et ouvre la voie à Giacometti, à Moore et aussi aux transformations successives du Nu de dos par Matisse et aux robots humanoïdes du cinéma. Elle a été choisie en 1998 pour illustrer la pièce italienne de 20 centimes d'euro.

Les quatre sculptures séminales de Boccioni n'ont pas été éditées de son vivant. Les trois premières ont été détruites en 1927. La Forme uniche a survécu. Deux bronzes ont été créés en 1931. L'un d'eux apporte un raffinement, un piédestal sous chaque pied, qui ajoute à l'extrême dynamisme de la figure. Cette configuration a été éditée en dix exemplaires en 1972.

Un bronze de 117 cm de haut à patine dorée de l'édition de 1972 est estimé $ 3,8M à vendre par Christie's à New York le 11 novembre, lot 18 A. Malgré son importance dans l'histoire de la sculpture moderne, cette figure est extrêmement rare sur le marché de l'art : aucun exemplaire n'avait été offert aux enchères depuis 1975.

29 oct. 2019

La Femme au Fauteuil

Pablo Picasso a dit un jour que Dora Maar avait personnifié la guerre. C'est certainement une exagération faisant suite à leur rupture. Il reste vrai que Pablo lisait l'évolution des horreurs de la guerre dans l'attitude et l'expression de l'hypersensible Dora.

Le point culminant des portraits de guerre de Dora est la Femme au Chat, huile sur toile 130 x 97 cm peinte en 1941, vendue pour $ 95M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2006. Dans cette composition, l'élément important est le fauteuil. La femme est coquettement habillée pour sortir mais elle est enfermée dans ce siège comme dans un cercueil. Pourtant elle sourit.

Dora Maar au Chat ne semble pas avoir été datée au mois et jour par l'artiste. C'est dommage parce que la suite des évènements de l'occupation et du régime de Vichy génère une angoisse croissante. Le marchand de Picasso à Paris, Daniel-Henry Kahnweiler, est Juif. Il a perdu la nationalité française par les décrets de juillet 1940. Le 13 juin 1941 le gouvernement français commence la déportation des Juifs. Le 1er juillet 1941, par précaution, Kahnweiler vend sa galerie à la fille de sa femme, Louise Leiris.

Le 20 novembre à Toronto, Heffel vend une Tête, huile sur toile 61 x 38 cm datée de ce sinistre 13 juin 1941, actuellement intitulée Femme au chapeau. L'expression, difficile à lire dans le style à perspectives multiples de Picasso, semble rigide. Le blanc lugubre de la structure du fauteuil domine la composition.

Tête est estimée CAD 8M, lot 136. L'article partagé par CTV News inclut une vidéo avec la participation de David Heffel.


28 oct. 2019

L'Enfant et le Dragon

Né près de Milan, Bernardino Luini commence probablement sa carrière comme assistant de Leonardo da Vinci. Spécialisé dans l'art religieux, il est essentiellement un fresquiste renommé pour ses couleurs vives. Devenu le meilleur peintre de Milan, il imite les figures et le sfumato du maître.

Sa Vierge à l'Enfant avec Saint Georges et un Ange est une oeuvre narrative complexe. Quatre exemples de cette peinture sont connus. Elle a probablement été conçue dans les années 1520, période de plus grande maturité de l'artiste, après la mort de Leonardo.

Quatre personnages sont étroitement groupés à l'avant-plan. L'Enfant sur les genoux de sa mère pose un pied sur la tête du dragon décapité, symbole du Mal, et offre la palme à St Georges. Le visage de la Vierge est dans le style de Leonardo. Tranquille et aimable, elle ne montre pas d'intérêt pour la scène dramatique qui se joue devant elle. Un ange joue du luth. Plus loin le cheval blanc du saint attend à côté du corps acéphale du monstre.

Une huile sur panneau 104 x 80 cm, déjà correctement attribuée à Luini, était depuis les années 1870 dans la collection Cook. En 1900 le collectionneur achète à son expert Charles Robinson un Salvator Mundi par le même artiste. Les experts l'attribueront bien plus tard à Leonardo. Il a été vendu pour $ 450M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2017.

La scène avec St Georges a été vendue pour £ 173K incluant premium par Christie's le 6 juillet 2017. Son nouveau propriétaire l'a débarrassée d'un vernis jaune récent qui ternissait les visages et les vêtements. Les repeints ont été ôtés pour mieux révéler les beaux pigments d'origine et cette pièce apparaît ainsi à nouveau comme une oeuvre originale de Luini.

Elle est estimée € 1,8M à vendre par Aguttes à Paris (Hôtel Drouot) le 14 novembre, lot 60. Voici le lien vers le communiqué de presse partagé par Drouot. Le tweet montre un détail.

Séparation

En 1966 Peter Schlesinger suit un cours de dessin à Los Angeles. Pour cette session, le professeur est David Hockney, un Britannique excentrique avec un costume rouge tomate, des lunettes en carton et un terrible accent du Yorkshire. C'est le coup de foudre.

Leur vie en couple dure plusieurs années, avec des rencontres mondaines et des voyages. La différence d'âge est trop grande et Peter a besoin de nouvelles aventures. Ils commencent à se disputer.

En février 1971 le couple loue une chambre d'hôtel à Marrakech. David fait des croquis de son ami, parfois de dos, sur la grande terrasse ensoleillée. Le mois suivant, revenu dans son atelier, David sent bien que Peter lui échappe. Il peint Sur la Terrasse (le titre est en français), qu'il terminera pendant l'été.

Sur la Terrasse est une mise en scène en trois plans successifs, à la manière des terrasses de Bonnard. Au fond le soleil du matin baigne la végétation luxuriante. Le plan moyen est la terrasse sur laquelle Peter debout, vu de dos, regarde le jardin. Le premier plan est l'entrebâillement de la fenêtre d'où on imagine que David observe Peter.

A cette époque David travaille en présence de Jack Hazan en vue de préparer un biopic. Le cinéaste a ainsi la chance de filmer l'artiste pendant la longue période où il ne parvient pas à surmonter son premier chagrin d'amour. Hazan assistera aussi en 1972 à la préparation de Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) sur le thème de l'intérêt de Peter pour un autre homme.

Sur la Terrasse n'avait pas été exposé au public depuis 1973. Cet acrylique sur toile 275 x 214 cm est estimé $ 25M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 9 B. Portrait of an artist a été vendu pour $ 90M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2018. Le biopic A Bigger Splash est sorti en 1974.

27 oct. 2019

Les Trois Corps de Barbara

Yves Klein est passionné par son bleu saturé IKB qui est un de ses accès privilégiés à l'univers métaphysique. Le risque des oeuvres strictement monochromes est d'exclure l'être humain. En 1958 lors d'une réunion privée, il invite une femme nue à s'enduire d'IKB avant de se trémousser sur une toile posée sur le sol pour créer un monochrome complet sans utiliser un pinceau.

Il réutilise cette idée de pinceau vivant en 1960 avec des pressions qui génèrent des images partielles sur des surfaces murales. Au cours d'un premier essai en février, Restany trouve le mot Anthropométrie pour identifier cette technique sans précédent. Klein est enchanté de cette désignation.

En mars l'artiste applique un processus similaire dans une galerie de la rue Saint-Honoré. Dans ce happening pour un public d'invités, il apparait en smoking dans un rôle de maître de cérémonie et chef d'orchestre.

Ces nouvelles peintures sont exécutées sans qu'il touche lui-même la surface, comme Manzoni avec les Achromes. Le rôle de l'artiste est de concevoir et diriger la création. Les oeuvres réalisées au lance-flamme appliqueront une idée similaire.

En enduisant les femmes des seins aux genoux, il utilise comme pinceau une partie du corps qui n'est pas liée à la pensée consciente. Les ombres bleues qu'elles ont laissées sont un intermédiaire immatériel entre le corporel et le spirituel. Il s'efforce d'expliquer que son approche n'est pas érotique malgré la nudité des modèles.

Les premières Anthropométries incluent plusieurs impressions imbriquées. Le Buffle, IKB sur papier 198 x 270 cm réalisé en 1960 ou 1961 et tendu sur toile, a été vendu pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2010. Il est référencé ANT 93.

Barbara, référencé ANT 113, est le résultat de trois impressions corporelles IKB qui se superposent pour donner l'illusion d'une lévitation. Cette oeuvre 200 x 145 cm, réalisée en 1960 dans la même technique que Le Buffle, est estimée $ 12M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 15 B.

Rothko et l'Atelier Rouge

En 1952 Mark Rothko a besoin de redéfinir sa créativité. Il a désormais un meilleur atelier qui lui permet d'envisager de plus grands formats verticaux. Au même moment la montée en popularité du mouvement expressionniste abstrait génère la jalousie des autres artistes dont Newman et Still. Il est vrai que les blocs de Rothko simulant les confrontations mystiques ne sont réellement compréhensibles que de lui-même.

Le nouvel atelier est à proximité du MoMA. La contemplation de l'Atelier Rouge de Matisse est un nouveau point de départ pour Rothko. Dans cette huile sur toile peinte en 1911, Matisse a limité l'image à une cimaise d'un rouge foncé très saturé qur laquelle quelques petits objets apportent leurs contrastes de couleurs. Malgré la présence de la table, la perspective est presque annihilée.

En 1953 Rothko continue son thème principal d'assemblage de rectangles de couleurs vives. Pourtant quelques peintures sont directement inspirées de l'Atelier Rouge. C'est incontestablement le cas pour Blue over Red, huile sur toile 163 x 89 cm. Sur un fond orange mêlé d'ocre et de jaune, les rectangles séparés par des bandes de lueurs sont peu contrastées, à l'exception d'une bande bleu vif dans la partie haute de l'image qui pourrait être une peinture sur le mur de Matisse.

Blue over Red a été vendue pour $ 5,6M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2005. Elle est estimée $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 26.

Cette influence a été féconde pour l'artiste. Il recherchera désormais les illusions de pulsation de la lumière, c'est-à-dire les forces contradictoires de dilatation et de contraction, et remplacera bientôt les couleurs criardes par des teintes sombres.

26 oct. 2019

Vulnérabilité du Mot

Ed Ruscha a commencé sa carrière dans l'art commercial. Il est influencé par les Targets de Jasper Johns qui dissocient l'art de ses contextes émotionnels et culturels et privilégient les textures difficiles et complexes.

En 1961 Ruscha transforme la peinture d'enseignes en un nouvel art majeur. Au centre, quelques lettres constituent un mot. La typographie, le positionnement, la couleur monochrome des lettres et le fond permettent une infinie variété d'impressions visuelles et de tentatives d'interprétation. Pourtant Ruscha ne propose jamais de corrélation avec la signification brute du mot.

Ruscha est à la bonne place au bon moment : Los Angeles est avide de nouveautés artistiques. En 1962 la Ferus Gallery expose la série complète des 32 peintures de Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol, un jeune artiste qui est venu lui aussi de l'art commercial. Ferus est une courte suite de lettres qui n'ont pas de signification mais sonnent bien. La même année cette galerie organise la première exposition solo d'Ed Ruscha, déjà reconnu comme l'initiateur d'une nouvelle forme Californienne de Pop art.

SMASH, huile sur toile 182 x 170 cm  peinte en 1963, offre son contraste spectaculaire entre les cinq lettres jaune vif à la typographie élégante et le fond monochrome bleu foncé. Cette oeuvre a été vendue pour $ 30,4M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014 sur une estimation basse de $ 15M.

Dans trois oeuvres peintes en 1964, Ruscha montre le caractère fragile et donc éphémère de ses lettres, qu'il attaque avec des pinces tout comme Warhol blessait ses canettes avec des ouvre-boîte. Le froissement créé par l'outil révèle que la lettre est un tissu ou un papier qui n'a pas pu maintenir sa position à plat.

La première est BOSS, un mot que Ruscha avait utilisé dans son intégrité en 1961. Deux pinces écrasent le S final. Cette oeuvre est intitulée 'Not only securing the letter but damaging it as well'.

La seconde, huile sur toile 150 x 140 cm, est RADIO en lettres jaunes sur fond bleu ciel, plus exactement intitulée 'Hurting the word radio #1'. Une pince disloque le O pour le rapprocher du I.

De même format, Hurting the word radio #2 est identique, sauf qu'une pince serre douloureusement le R à l'endroit de son rétrécissement. Cette oeuvre est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 6 B.

25 oct. 2019

La Mariée était en Jaune

Née juste avant la Révolution Culturelle, Guo Pei se passionne pour la couture et la broderie, sans être découragée par la destruction de la garde-robe de sa grand-mère. Le luxe est lentement réadmis  en Chine. Elle termine ses études en 1986 à la Beijing School of Industrial Fashion Design, travaille plusieurs années pour de grands couturiers et crée sa propre entreprise. Elle ouvre plusieurs succursales dont une dans la Rue Saint-Honoré et emploie actuellement environ 500 personnes.

Guo Pei crée des robes de célébration dont le but est de faire rêver, sur des thèmes qui incluent contes de fées et traditions Asiatiques. Elle atteint une gloire médiatique internationale en 2015 quand Rihanna entre dans un gala avec une robe pesant 25 Kg dont la traîne est portée par trois assistants.

Les matériaux les plus spectaculaires sont utilisés par la couturière, tels que la soie, la fourrure ou les cristaux de Swarovski. Sa préférence va à l'or jaune, une couleur de vêtements qui était réservée pour l'empereur sous les Qing.

Le 29 octobre à Londres, Sotheby's vend une robe de mariée de style Asiatique, lot 15 estimé £ 500K, créée en coopération avec la maison de ventes. Ce vêtement a la forme ample d'un costume traditionnel de Singapour et est décoré des auspices Chinois de richesse et bonheur utilisés pour les mariages, comme les paires de poissons et les pivoines sans oublier l'affrontement céleste du dragon et du phoenix.

Mesurant 150 cm de hauteur hors tout, cette pièce est entièrement brodée de fils d'or sur une peau de mouton. L'utilisation de 30 techniques de mailles permet de créer une texture tridimensionnelle avec une très grande densité.

Je vous invite à regarder la courte vidéo tweetée par Bloomberg.

24 oct. 2019

Brouillard sur la Tamise

Au début de l'automne 1899 Claude et Alice Monet sont à Londres. Sous leurs fenêtres au Savoy Hotel, la Tamise coule entre le pont ferroviaire de Charing Cross et le pont routier de Waterloo. L'artiste revient seul l'année suivante dans le même hôtel pour un long séjour, en février et mars. Il applique tous les jours un ambitieux plan de travail avec un emploi du temps de la plus grande rigueur.

En 1891 il avait réalisé 23 peintures de ses Peupliers avec seulement quatre angles de vue pour enregistrer toutes les variations de la journée, passant d'une toile à l'autre quand la lumière change. A Londres, profitant de l'accueil bienveillant de l'hôtel, il prépare plusieurs dizaines de toiles pour traduire en parallèle tous les miroitements du matin sur Waterloo Bridge et du début d'après-midi sur Charing Cross Bridge. Il observe que certains effets de lumière au travers du brouillard ne durent pas plus de cinq minutes.

Au cours de ce séjour il ajoute un troisième thème, la fin d'après-midi sur le Parlement, probablement pour offrir au public une vue plus traditionnelle de Londres que les strictes silhouettes des deux ponts. Cette activité nécessitant l'installation de ses chevalets en plein air est évidemment moins confortable. Monet n'est décidément pas un touriste ni un flâneur : le reste de la ville ne l'intéresse pas.

Le changement de lumière du printemps met fin à cette session. Il revient en 1901 à la même saison pour terminer cette préparation. Les peintures sont terminées dans l'atelier à Giverny. L'artiste inscrit la date de l'achèvement.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend une des 37 huiles sur toile de Charing Cross Bridge,  65 x 100 cm, datée 1903. Elle est estimée $ 20M, lot 8. Cet opus montre un brouillard épais rendu encore plus abstrait par l'absence de perspective de ce pont disgracieux. Les fumées presque imperceptibles de deux trains sont dissoutes dans la brume. Une faible lueur éclaire le centre de l'image.

Cet ensemble de près de cent peintures en parallèle sur seulement trois thèmes était un projet unique dans l'histoire de l'art. La Tamise à Londres dans le brouillard de l'hiver était peut-être le seul endroit au monde permettant un tel exploit. Les brumes de Venise sont moins fugitives, expliquant sans doute le désarroi de Monet au début de son séjour dans la Cité des Doges en 1908.

23 oct. 2019

Sécurité pour la Galaxie

En 1976 Kenner Products obtient les droits pour la production de jouets d'action relatifs à la première trilogie de La Guerre des Etoiles en cours de préparation. La hauteur de 9,5 cm (3,75 inches) choisie par ce fabricant deviendra un standard pour ce secteur de marché.

L'entrée en scène d'un nouveau personnage majeur doit être prise en compte pour satisfaire les clients. En 1979, avant le second film, la société de production annonce Boba Fett le chasseur de primes. Deux variantes sont prévues avec une forme différente de la position de la fusée avant tir dans le dos du personnage, J-Slot et L-Slot. Un prototype est dévoilé au New York Toy Fair.

Une centaine de prototypes destinés à des qualifications sont sous-traités à Hong Kong et envoyés à Kenner. Le système de tir de la fusée ne répond pas aux règles de sécurité, le ressort risquant de se déclencher inopinément. Ces prototypes avec mécanisme font partie des jouets les plus rares de la Guerre des Etoiles. Dans la version commercialisée, la fusée sera fixée.

Quelques prototypes survivants apparaissent parfois aux enchères. Ils sont souvent plus ou moins endommagés par les conditions sévères des essais. Un type L-Slot non peint a été vendu pour $ 113K incluant premium par Hake's le 11 juillet 2019.

Un prototype Boba Fett J-Slot en état presque neuf avec sa fusée conditionnée séparément est estimé au-delà de $ 200K à vendre en ligne par Hake's le 7 novembre, lot 1815 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers. Ce jouet est dans sa configuration de fin de développement incluant la peinture complète et les tampons de copyright.

(Notons que l'apparition de ce personnage dans le tout premier film de la trilogie originale est une insertion ultérieure, réalisée en 1997).

La Lumière de la Corne d'Or

Passionné par la navigation à voile, Paul Signac s'imprègne de l'ambiance des ports. Au printemps 1907, pour visiter Constantinople, il fait exception à sa pratique en faisant le voyage par le train. Il craignait sans doute pour la sécurité d'un bateau privé dans ce port militaire.

Signac avait vu Venise en 1905. Pourtant c'est à Constantinople qu'il intègre les conjonctions extrêmes de lumière et de brume des chefs d'oeuvre Méditerranéens de Turner. Il concentre ses esquisses sur la Corne d'Or et ses minarets qui montent jusqu'au ciel.

De retour en France, Signac veut traduire son éblouissement. Il prend une toile au standard '50', 89 x 116 cm, qui est la plus grande dimension compatible avec l'extrême minutie de sa technique pointilliste. Après un mois d'efforts, surpris par la difficulté inhabituelle de ce travail, il détruit une première peinture et recommence à zéro.

La seconde version est satisfaisante. Signac a retrouvé le plaisir d'exprimer le grand soleil, comme à Saint-Tropez quinze ans plus tôt, mais cette fois-ci il remplace le jaune aveuglant par une subtile palette de roses et de violets. Encore mieux : il a renoncé pour cette vue à une stricte division entre les points de couleurs, acceptant des mélanges inspirés par l'art de Turner.

Cette peinture est de loin la plus achevée des neuf ou dix huiles sur toile de Constantinople peintes par Signac en 1907. En 1937, deux ans après sa mort, elle est rachetée aux enchères par sa fille et son gendre. Elle a été vendue pour £ 8,8M incluant premium par Christie's le 7 février 2012. Elle est estimée $ 14M à vendre par Sotheby's à New York le 12 novembre, lot 21.

20 oct. 2019

Cinq Sonneries sur le Poignet

En 2014, pour célébrer le 175ème anniversaire de la marque, Patek Philippe sort sa première montre-bracelet Grandmaster Chime sous la référence 5175 éditée à sept exemplaires. Ses 20 fonctions ont nécessité 1366 composants pour le mouvement et 215 composants pour le boîtier, surpassant la 6200 Sky Moon Tourbillon. Elle est l'aboutissement de 60 000 heures de développement sur sept ans.

La 5175 est une montre de 48 mm de diamètre et 16 mm de hauteur avec 11 poussoirs et boutons. Son mécanisme central active en parallèle la lecture visuelle sur deux cadrans incluant le calendrier perpétuel, les carillons des heures, quarts, minutes et jour, et l'alarme acoustique réglable à l'avance pour le quart d'heure. La durée de marche de cette montre à remontage mécanique est de 72 heures en mode silencieux et de 30 heures en mode grande sonnerie.

Deux de ces applications sont sans précédent : l'insertion d'une alarme dans une montre-bracelet, et l'indication sonore du jour dans le mois en deux chiffres couvrant 1 à 31 par la dizaine et unité. La montre sonne également à la demande l'heure courante et la minute. Une sécurité empêche l'utilisateur d'actionner deux mécanismes en même temps s'ils sont incompatibles.

La référence 6300G en or gris lancée en 2016 est similaire à la 5175 sauf que les références à la célébration ont été ôtées.

La vente de charité Only Watch est organisée tous les deux ans depuis 2005 au bénéfice de la recherche sur la dystrophie musculaire de Duchenne. L'édition 2019 est organisée par Christie's à Genève le 9 novembre.

Selon les règles applicables à cette opération, chaque fabricant offre une montre pour laquelle il garantit qu'elle est et restera unique. Patek Philippe fournit cette année le seul exemplaire de Grandmaster Chime en acier inoxydable, référence 6300A-010, lot 28 estimé CHF 2,5M. L'utilisation de l'acier améliore la sonorité. Elle est inscrite "The Only One" sur un des cadrans.

Le lot inclut une visite privée d'une journée des ateliers et du musée pour deux personnes et un déjeuner avec Thierry Stern, le président de Patek Philippe.

18 oct. 2019

Un Manuscrit Timouride

Le 25 octobre à Londres, Christie's vend un manuscrit d'un long poème Persan, lot 80 estimé £ 1M. Le texte en script Timouride réparti sur quatre colonnes par page couvre 48 folios 30 x 19 cm en recto verso. Quatre peintures en pleine page sont insérées. La couverture est illustrée d'une scène de chasse en peinture laquée.

Le poème est le Jam-i Jam, signifiant la coupe de Jamshid en référence au mythique roi Perse de ce nom. Il a été composé en 733 AH par Awhad al-Din Isfahani pour un Sultan Ilkhanide. Le scribe a indiqué son nom et daté 863 AH correspondant à 1459 CE, sous la dynastie Timouride.

Les quatre illustrations montrent des scènes animées, peintes en couleurs vives avec un dessin d'une jolie netteté. Elles ont probablement été peintes par un seul artiste. L'une d'elles est signée Bihzad.

Kemal al-Din Bihzad, né à Herat entre 844 et 854 AH, est célèbre pour avoir renouvelé la miniature Persane à la fin de l'époque Timouride. Considérant que les illustrations peuvent être ultérieures au manuscrit, cette attribution est tout à fait plausible. Un colophon du XVIIème siècle CE atteste de leur insertion dans ce volume.

La reliure est un peu plus tardive, de l'époque des Safavides qui ont succédé aux Timourides en 912 AH.