17 juil. 2019

Des Oiseaux pour le NASCAR

De 1949 à 1971 le Grand National est une série de compétitions sur circuit fermé réservées aux voitures de production, organisées par le NASCAR (National Association for Stock Car Auto Racing). Pour ce qui concerne les pilotes, Richard Petty, champion en 1964 et 1967, devient la personnalité incontournable.

Après la saison 1968, Petty quitte Plymouth pour Ford qui développe alors la Ford Talladega. Plymouth réagit en créant le Superbird qui est une version avec diffuseur arrière de leur nouveau Road Runner. Dodge et Mercury préparent également de nouveaux développements. Pour répondre aux exigences du règlement, la Superbird sera fabriquée en environ 2000 exemplaires.

Petty est revenu chez Plymouth en 1970. Pour 1971 de nouvelles règles restreignent l'usage des équipements aérodynamiques dans le Grand National, périmant ainsi le Superbird. Pour la saison 1972 l'usine Plymouth cesse de financer Petty. Le 3 août à Harrisburg, Mecum vend deux voitures Plymouth utilisées par "King Richard" pendant cette période de transition.

Le lot S96 est un Superbird de 1970, la seule année de production de ce modèle. Cette année-là Petty a gagné 8 courses du NASCAR avec plusieurs voitures, mais le champion Grand National est Bobby Isaac sur Dodge. La voiture à vendre a été exhibée par Petty dans un film produit par Disney en 2006. L'estimation n'est pas publiée.

En 1971 Petty est le champion NASCAR. Le lot S100 est le Road Runner avec lequel il a obtenu 19 de ses 21 victoires de cette année-là. Elle est estimée $ 1M.

Je vous invite à regarder la vidéo introduisant les deux voitures. L'image de la Superbird est partagée par Wikimedia avec attribution ckirkman at flickr [CC BY 2.0], via Wikimedia Commons.



RichardPettyRoadrunner

16 juil. 2019

La Corvette 427

La Chevrolet Corvette est lancée en 1953 par General Motors comme un modèle de voitures de sports. L'ingénieur Zora Arkus-Duntov a beaucoup d'idées pour la transformer en voiture de course. Ce sera sa principale activité jusqu'à sa retraite en 1975, avec des projets innovants qui ne sont pas tous soutenus par ses patrons.

Le moteur Mark IV Big Block V8 est introduit par GM en 396 CI en 1965 et en 427 CI (7 litres) en 1966. Arkus-Duntov fait installer un 427 dans un prototype qui est testé par Roger Penske. Le projet est tenu secret et les autres prototypes de la Corvette 427 ne sont pas documentés.

Cette fois-ci les patrons acceptent de lancer une production limitée, qui sera dans une première phase réservée à des clients choisis par la marque. En 1967 la Corvette 427 reçoit la référence RPO L88, RPO signifiant Regular Production Option. La L88 peut être carrossée en coupé, en décapotable ou en roadster, avec de nombreuses options secondaires. 20 L88 sont produites en 1967, suivies par 196 autres voitures avant l'arrêt de ce RPO fin 1969.

La toute première L88 est une décapotable. Elle est livrée en 1967 à Tony DeLorenzo, fils d'un Public Relations Executive de GM, qui s'entraînait pour les compétitions du SCCA (Sports Car Club of America) dans les catégories de voitures de production. La compétitivité de cette voiture est confirmée, avec une vitesse de pointe de 250 km/h qui affole le père. Elle sera vendue par Mecum à Harrisburg le 3 août, lot S90.

Un coupé de la même année a été vendu pour $ 3,85M incluant premium par Barrett-Jackson en janvier 2014. Elle avait été annoncée avant la vente comme la meilleure L88 en existence. Quelques minutes plus tôt, une L88 spéciale lightweight décapotable de 1969 identifiée comme la Rebel Corvette avait été vendue pour $ 2,86M incluant premium.

Voici deux autres résultats incluant premium pour des L88 de 1967 : $ 3,5M pour une décapotable le 7 septembre 2013 par Mecum ; $ 1,98M pour un roadster le 18 janvier 2017 par Worldwide.

12 juil. 2019

Le Super-Patriote

Tout au long de la crise économique des années 1930 les cinéphiles oublient temporairement leurs difficultés avec les films d'épouvante d'Universal Pictures. Pour le même public, Martin Goodman devient en 1933 éditeur de pulp magazines. Il a 25 ans.

En 1938 et 1939 DC Comics obtient un succès gigantesque avec ses super-héros incluant Superman et Batman. Goodman devient leur principal concurrent en créant la société Timely Publications qui devient Timely Comics en avril 1941. Le premier magazine Timely, Marvel Comics # 1, atteint un tel succès que son tirage est porté de 80 000 à 800 000 exemplaires, en novembre 1939.

Fils d'émigrés juifs Lithuaniens, Goodman est sensible aux évènements d'Europe. En complément de ses androïdes, il promeut un super chef militaire appelé Captain America, doté de la perfection physique et intellectuelle et arborant de façon très visible les stars and stripes du drapeau Américain.

Ce super patriote mis en scène par Simon et dessiné par Kirby apparaît pour la première fois dans le # 1 du nouveau magazine Captain America daté mars 1941. Sur la page de couverture, il abat d'un foudroyant crochet du droit un personnage très reconnaissable qui est nominativement désigné comme Hitler dans le texte.

Avec près d' 1 million d'exemplaires vendus, Captain America # 1 est un grand succès, montrant qu'il répond déjà aux attentes des jeunes Américains près d'un an avant l'attaque de Pearl Harbor.

Les meilleurs exemplaires non restaurés gradés par CGC sont un presque parfait NM/MT 9.8 et deux NM 9.4. Un des deux 9.4 sera vendu par Heritage à Dallas le 1er août, lot 91053. Ses pages sont annoncées entre Off-white et White.

11 juil. 2019

De l'Or sur la Lune

La tradition des médaillons commémoratifs embarqués dans les missions spatiales Américaines commence avec le premier vol habité Gemini. Ils étaient fabriqués en étain ou en sterling et parfois dorés. Bien que la production n'ait pas été documentée, leurs écrins étaient marqués Fliteline. Les dates de mission sont gravées après le retour sur terre.

La dernière série de médaillons Fliteline est destinée à Apollo 1. Huit prototypes avaient été préparés avant l'incendie de la cabine. En hommage à ses camarades disparus, Neil Armstrong a emporté un exemplaire doré avec lui dans le LM d'Apollo 11. Provenant de sa collection, il a été vendu pour $ 275K incluant premium par Heritage le 1er novembre 2018.

Quand le programme Apollo redémarre en 1968, la NASA réorganise cette opération de prestige. Le dessin est en général confié aux astronautes de la mission concernée. Jusqu'à Apollo 10 la forme est libre. La production est confiée à Robbins Company, fournisseur de badges pour le FBI et de médailles Olympiques.

Les médaillons en métal argenté sont désormais sérialisés, sans doute parce que la NASA craint que les astronautes en tirent un profit personnel préjudiciable à sa réputation. Quelques médaillons en or 14K sont ajoutés pour les collections personnelles des astronautes.

Pour Apollo 11 en 1969, le dessin est préparé par Michael Collins. Robbins réalise 450 médaillons en métal argenté qui sont embarqués dans la mission sauf 10 qui avaient été égarés, plus 3 médaillons en or, un pour chaque astronaute.

Le médaillon en or attribué à Neil Armstrong l'a suivi dans le Lunar Module Eagle. Provenant de sa collection et gradé MS 67 par NGC, il sera vendu le 16 juillet à Dallas par Heritage, lot 50067 avec une enchère d'ouverture de $ 250K sans prix de réserve. Je vous invite à regarder la video partagée par NGC.

L'aigle de Collins prêt à se poser dans une plaine de cratères sous un clair de terre sera réutilisé pour la pièce fédérale de $ 1 entre 1971 et 1978.

Le scandale d'Apollo 15 n'est pas venu des médaillons mais d'enveloppes philatéliques.

9 juil. 2019

Les Battes d'Honus Wagner

Dans les premières années du XXème siècle, Hans 'Honus' Wagner et Ty Cobb étaient considérés comme les meilleurs joueurs de baseball de tous les temps, avec un taux de succès exceptionnel à la batte.

Honus Wagner avait commencé sa carrière MLB en 1897 à Louisville, la ville où Hillerich fabriquait le Louisville Slugger. Deux Louisville Sluggers liées à Wagner arrivent simultanément aux enchères.

En septembre 1905 Wagner avait conclu un accord avec J.F. Hillerich and Son pour endorser un modèle de la Louisville Slugger. Un tel acte commercial, sans précédent dans l'histoire des sports, démontre l'attention apportée par le champion aux produits dérivés. Quatre ans plus tard, le retrait de son image de la série de cartes de baseball 'T206' est certainement dû à ses exigences financières.

Le 17-18 août à Dallas, Heritage vend un Louisville Slugger sans identification du nom de Wagner. Cette batte est probablement antérieure à l'accord de 1905. Wagner l'a donnée en 1948 à un ami qui comparait les battes anciennes et modernes et s'étonnait de son poids élevé. Gradée GU 10 par PSA/DNA, elle est estimée $ 1M, numéro de lot à définir.

L'autre batte appartient à la toute dernière phase de la carrière de Wagner. Sa marque Louisville Slugger - 125 - Hillerich and Bradsby Co a pour terminus post quem le changement de dénomination du fabricant en 1916. 125 est à partir de 1915 la référence globale de la marque pour les battes professionnelles, succédant à la référence 40.

Cette batte porte aussi le Trade mark J Hans Wagner, signifiant à cette époque qu'elle a les caractéristiques sur mesure définies par Honus Wagner. Le processus, également utilisé à partir de 1918 par Babe Ruth, consistait à renvoyer à l'usine une batte satisfaisante pour qu'elle serve de modèle. Cette batte de Wagner a pour terminus ante quem l'année de sa retraite, 1917.

Gradée GU 8.5 par PSA/DNA, cette batte est au lot 4 à vendre par Goldin à Chicago le 1er août.


8 juil. 2019

Un Heureux Caractère

Kämmer et Reinhardt fondent en 1886 une société de fabrication de poupées sous la marque K*R. Ils sont installés en Thuringe non loin de Simon et Halbig avec qui ils auront une coopération fructueuse.

En 1909 K*R lance une nouvelle ligne de produits consacrée à des poupées à têtes réalistes. Ils déposent la dénomination Charakterpuppen et préparent une série de moules numérotés de 100 à 114. Dans cette première série, 100 est un bébé de six mois, tous les autres sont de jeunes enfants. 113 n'est pas connu.

Le fournisseur des modèles 100 à 109 est un sculpteur spécialisé dans les bustes d'enfants, Arthur Lewin-Funcke. Par exemple, 106 est son neveu Heinz et 104-105 est une de ses filles, Karin, respectivement rieuse et amicale. 103-108-109 montrent une petite fille dans trois attitudes différentes. 103 est considéré comme un portrait de Karin en fille sérieuse.

K*R a très tôt fait un choix entre ces modèles. 100, 101, 109, 112 et 114 ont eu une production abondante tandis que les autres numéros de la première série n'ont pas dépassé l'étape du prototype.  Il est intéressant de noter que les traits du visage des modèles les plus populaires les rendent faciles à habiller indifféremment en garçon ou en fille. 101 est Peter et Marie. 114, basé sur le portrait d'un petit-fils de Reinhardt, est Hans et Gretchen.

La vente de Bonhams le 24 septembre 2014 incluait tous les modèles K*R de 101 à 109. Le seul exemplaire connu de la 108, 61 cm de haut, a été vendu pour £ 240K incluant premium. Une 105 a été vendue pour £ 170K incluant premium.

Une 104 dans un état original impeccable a été vendue pour $ 210K incluant premium par Theriault's le 12 janvier 2013 sur une estimation basse de $ 110K. Une autre 104, 48 cm de haut, est estimée $ 60K à vendre par Theriault's à Nashville le 22 juillet, lot 17. Elle est illustrée en bas à gauche dans le tweet ci-dessous.

2 juil. 2019

Deux Heures et Demi sur la Lune

Le 20 juillet 1969 à 20 h 18 GMT, le LM Eagle se pose sur la Lune. 600 millions de personnes correspondant à 20 % de la population mondiale attendent devant leur téléviseur ou leur poste de radio la retransmission en direct des premiers pas de l'homme sur la Lune. C'est aussi un évènement considérable dans l'histoire de l'audio-visuel.

Armstrong descend sur le sol Lunaire à 2 h 56. Une de ses premières actions est de démarrer la caméra Westinghouse. Le premier live lunaire fonctionne parfaitement. Jusqu'à son retour dans le LM deux heures et demi plus tard, l'émission est ininterrompue.

L'audio est excellent. Les échanges sonores entre les engins spatiaux habités et la Terre ont toujours été vitaux, sans droit à l'erreur. L'image est décevante. Ces deux ours en noir et blanc qui sautillent dans leurs scaphandres sont à peine crédibles. Les superbes photos en couleurs prises par Armstrong avec un appareil Hasselblad fixé sur sa poitrine rassureront bientôt les incrédules.

Les images de télévision transmise par le LM étaient rudimentaires. Un unique canal hertzien devait transmettre en temps partagé les données de télémétrie essentielles au suivi technique de la mission et les images des astronautes. Le résultat était un balayage de 320 lignes avec une fréquence de 10 images par seconde qui était largement inférieure au seuil de la persistance rétinienne, donnant à nos deux plantigrades un effet de mouvement saccadé.

Il y a bien pire. Le protocole utilisé pour cette transmission n'était pas compatible avec les réseaux d'émission des chaînes de télévision. Le signal reçu dans un observatoire en Australie devait donc être transmis en temps réel à Houston où il était converti dans un langage de télévision professionnel.

Pour éviter la perte des images en cas d'échec de la transmission, l'observatoire Australien avait à faire plusieurs copies de sauvegarde qui ont été ensuite livrées à la NASA comme convenu.

En 2006, le Sydney Morning Herald crie au scandale : les meilleures images animées des premiers pas de l'homme sur la Lune sont perdues. La NASA confirme que les bandes ont été effacées pour être réutilisées sur d'autres missions. Après le succès d'Apollo 11, personne ne s'y était intéressé, peut-être à cause de la difficulté croissante à décoder les anciens programmes.

En juin 1973, un étudiant avait acheté aux enchères pour $ 217,77 dans une vente de déstockage de la NASA un lot de 1150 bobines avec leurs bandes video qu'il avait ensuite dispersées pour son profit. Il avait gardé trois boîtes avec une étiquette identifiant l'Apollo 11 EVA (Extra-Vehicular Activity). Alerté par les recherches désespérées de la NASA, il trouve en 2008 un laboratoire Californien capable de décoder les bandes.

L'ancien étudiant avait en sa possession parfaitement légale une copie préparée par la NASA à partir du signal d'origine. Jamais réutilisées avant 2008, les trois bandes couvrent en succession la totalité de l'EVA. L'honneur de la NASA est sauvé. Une seconde lecture est faite deux mois plus tard pour transférer ce très précieux contenu sur un disque dur dans un langage informatique compatible avec les ordinateurs modernes.

Le lot des trois bandes est estimé au-delà de $ 1M à vendre par Sotheby's à New York le 20 juillet, lot 104. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes pour annoncer ce lot.

1 juil. 2019

Un Alunissage Réussi

Avec la mission Apollo 11 en juillet 1969, l'approche de la Lune, l'alunissage et le décollage du Lunar Module sont effectués pour la première fois.

Les deux astronautes embarqués sur le LM Eagle sont très expérimentés. Neil Armstrong avait été pilote d'essais du X-15 et son sang-froid avait sauvé la mission Gemini 8 après une perte d'équilibre. Buzz Aldrin était diplômé du MIT avec une thèse de doctorat sur les techniques de rendez-vous orbitaux et avait été astronaute sur Gemini 12.

Les liaisons radio et les télémesures permettent un suivi en temps réel et la prise des décisions irréversibles par les équipes spécialisées de la NASA à Houston.

La préparation a fait l'objet de procédures très détaillées, achevées quelques jours seulement avant le tir. Les documents concernant plus spécifiquement toutes les opérations à effectuer à bord du Lunar Module sont groupées en un cahier de 22 feuilles 21 x 27 cm recto-verso maintenues par trois anneaux. Ces opérations incluent de nombreuses vérifications de l'état de fonctionnement des systèmes.

Ce document est utilisé par Armstrong et Aldrin comme un Timeline Book, dans lequel ils ont coché en temps réel la réalisation de chaque instruction et ajouté les éléments nécessaires au contrôle du pilotage, concernant notamment des vérifications de position.

Les décisions au sol et en vol, dictées par des considérations de sécurité, sont identifiées de façon extrêmement simple par un Go - No Go à cocher, qui devient un Stay - No Stay pour la décision spécifique de rester pour marcher sur la lune ou de repartir sans effectuer cette phase très attendue. Après ce Stay, Armstrong et Aldrin marchent sur la Lune le 20 juillet 1969 (21 juillet en heure française).

Un incident de vol montre l'importance de la décision humaine. Une alarme s'est déclenchée pendant la phase d'approche. Le directeur de vol à Houston a donné l'ordre de passer outre après avoir consulté ses experts informaticiens. Leur réaction a été extrêmement rapide mais a cependant fait perdre la possibilité d'atteindre le site d'alunissage initialement prévu. Pour assurer l'arrivée sur une surface sans aspérités, Armstrong actionne le programme de pilotage P66 avec contrôle manuel plutôt que le pilotage entièrement automatique P65 recommandé en priorité par la procédure.

Ce manuel d'utilisation qui a assuré et enregistré la phase critique de la plus prestigieuse de toutes les missions spatiales a appartenu à Aldrin jusqu'en 2007. Il est estimé $ 7M à vendre par Christie's à New York le 18 juillet, lot 11. En 2012 un acte du congrès a autorisé les astronautes à posséder et transférer les manuels de vol des programmes Mercury, Gemini et Apollo.

Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes, ainsi que l'interview vidéo par Christie's de Margaret Hamilton, ingénieur de logiciel sur le projet Apollo.


30 juin 2019

Un Groupe de Quatre Beatles

Le rock and roll tourne la tête des jeunes musiciens, au sens propre et au sens figuré. Les groupes de garçons sortant tout juste de l'adolescence se créent et se dissolvent au gré des fantaisies de leurs membres. Les Beatles atteindront le plus haut sommet de la gloire.

Pour survivre, ces groupes doivent obtenir des concerts et trouver un nom. The Beatles est un hybride entre le scarabée, qui est une réponse aux Crickets de Buddy Holly, et la Beat generation qui est un symbole de liberté intellectuelle et sexuelle. Quatre contrats jalonnent la montée des Beatles au firmament du music hall.

Le premier est un contrat d'enregistrement en allemand, signé à Hambourg en juin 1961. Personne ne connaît ces garçons en dehors de Liverpool et Hambourg. Le producteur refuse leur nom de groupe considéré comme imprononçable. Ils sont ici les Beat Brothers. Un exemplaire original signé a été vendu pour $ 94K incluant premium par Heritage le 19 septembre 2015.

De retour à Liverpool, John, Paul, George et Pete acceptent l'offre de Brian Epstein d'agir comme leur manager. Le 24 janvier 1962, le contrat est signé par les artistes, chaque signature oblitérant un timbre taxe de 6 pence. Epstein, qui dirigeait la réunion, refuse de signer. Un exemplaire original dans cette configuration de signatures est estimé £ 200K à vendre par Sotheby's à Londres le 9 juillet, lot 168. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La troisième étape, en mai 1962, est un contrat d'enregistrement avec EMI Parlophone. Le producteur a trouvé que Pete, le batteur, était mauvais. Il est remplacé par Ringo. Le contrat de janvier, qui était nominatif, devient caduc. Un disque d'essai a été vendu pour £ 77K incluant premium par Omega le 22 mars 2016.

Le contrat de management engageant pour cinq ans les Beatles dans leur configuration finale avec Epstein est signé par tous le 1er octobre 1962. Il est également signé par les pères de George et Paul qui sont encore mineurs. Un exemplaire original signé a été vendu pour £ 365K incluant premium par Sotheby's le 29 septembre 2015.

Quand il s'est lancé dans cette fructueuse aventure, Epstein n'avait aucune expérience similaire. Il a donné plus tard des explications fallacieuses pour son refus de signature de janvier. En fait il avait compris trop tard qu'un document signé par des teenagers était illégal en Angleterre.



Du Mans à Brooklands

Les prototypes de voitures de course ont souvent un historique très compliqué. L'exemple de la première Bentley 4,5 litres est typique : il ne lui reste rien de sa configuration d'origine. Modifiée pour gagner par des pilotes passionnés, elle a cependant gardé jusqu'à ce jour le surnom affectueux que lui avait donné Woolf Barnato : Mother Gun.

En 1927 pour Le Mans, 4,5 litres est incontestablement un bon compromis. Bentley avait gagné en 1924 avec une 3 litres. Plus puissante, la 4,5 litres reste fiable. Pour son premier engagement au Mans, Mother Gun bat le record de circuit dans le second tour mais abandonne un peu plus tard dans un accident.

Barnato avait vu juste : elle est imbattable et victorieuse en août 1927 au Grand Prix de Paris, une épreuve de 24 heures sur le Circuit de la Sarthe. Conduite par Barnato et Rubin, elle gagne les 24 heures du Mans en 1928 malgré une rupture du cadre du chassis.

Bentley continue son développement. Les 24 heures du Mans 1929 et 1930 sont gagnées par une Speed Six. Malgré une 2ème place méritoire en 1929, Mother Gun change de propriétaire et d'objectif : elle sera une des grandes vedettes des réunions de Brooklands jusqu'à la fermeture définitive du circuit en 1939.

Brooklands offrait un badge prestigieux pour les voitures chronométrées à plus de 120 mph, et plus tard 130 mph. Pour rester la meilleure à Brooklands, Mother Gun est équipée d'un moteur 6,5 litres en 1936 et subit sa plus importante transformation en 1936-1937, réalisée par Jackson avec une carrosserie monoplace entièrement en aluminium sur un châssis très modifié. Son meilleur tour à Brooklands est effectué en 1938 à 135 mph (217 km/h). Elle est chronométrée en ligne droite à 238 km/h en 1939.

Restaurée dans les années 1980 cette Bentley Jackson Special est actuellement équipée d'un moteur 8 litres. Elle sera vendue par Bonhams à Goodwood le 5 juillet, lot 358. L'image est partagée par Wikimedia avec attribution Palauenc05 [CC BY-SA 4.0], via Wikimedia Commons .

Il serait fastidieux d'énumérer toutes les transformations de Mother Gun, parfois aussi nommée Old Mother Gun, de 1927 à nos jours. Signalons cependant qu'un châssis de remplacement installé sur cette voiture après les problèmes techniques du Mans 1928 a été transféré quelques mois plus tard sur une 4,5 litres récemment accidentée. Ce châssis est resté sur cette voiture. Carrossée en tourer par Vanden Plas en 1933, elle est disponible dans la même vente que ci-dessus, lot 332 estimé £ 600K.

Bentley Mother Gun 1927

29 juin 2019

L'Armure de Joute

Les chevaliers aiment jouer à la guerre. A partir du XIème siècle les tournois deviennent fréquents. Ils regroupent divers jeux incluant plusieurs formes de combats. Dans ces rencontres, la joute équestre devient prédominante à la fin du XIIIème siècle. Il s'agit d'exploser sa lance contre le casque ou le bouclier de son adversaire. Le vainqueur est celui qui a cassé le plus grand nombre de lances.

Les bonnes âmes du clergé s'offusquent de ces plaisirs mortels. Petit à petit des règlements apparaissent pour apporter quelque sécurité. En France les concurrents sont séparés par une barrière qui évite le choc frontal des deux chevaux au galop. Le bouclier est remplacé par un renforcement de l'armure. Le heaume est prolongé par une spectaculaire bouche de grenouille qui réduit le risque de pénétration de la lance mais obstrue presque complètement le champ de vision du jouteur. Les bouts des lances sont recourbés et émoussés.

Maximilien de Habsbourg qui deviendra l'empereur Maximilien I est passionné de joutes. Il aime être surnommé le Dernier des chevaliers. Deux styles sont pratiqués. Le Gestech est le style européen traditionnel. Le Scharfrennen qui est une spécialité allemande a pour objet de désarçonner l'adversaire.

L'armure de joute connaît son apogée sous le règne de Maximilien, et plus particulièrement à l'occasion des fêtes de son troisième mariage en 1494. L'équipement du Gestech, nommé Stechzeug, est la plus lourde armure du moyen-âge, en raison de l'accumulation des règles de sécurité très au-delà de la souplesse nécessaire pour les armures de guerre.

Pour assurer le succès de ses tournois, Maximilien fait préparer les pièces d'armures qui ne seront donc pas à la charge de ses invités. Plusieurs ateliers en Allemagne du Sud incluant Augsbourg et Nuremberg se spécialisent dans l'un ou l'autre des équipements.

Dans les années 1930 le Zeughaus, un musée lié à l'arsenal de Berlin, assemble un Stechzeug complet constitué d'éléments originaux du milieu des années 1490. Faisant double emploi dans le musée, il est vendu en 1938. Il est estimé £ 500K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 8.

28 juin 2019

Wet in Wet par Turner

Dès ses débuts, Turner avait bien compris que l'aquarelle pouvait apporter des effets comparables à l'huile, et même meilleurs pour les levers et couchers du soleil. Il sera tout au long de sa vie le plus grand expérimentateur de cette technique.

Il a des prédécesseurs et des amis. L'utilisation d'un vernis stoppeur pour limiter l'expansion d'une couleur a été utilisée avant lui. Girtin obtient l'atmosphère et la lumière par des lavis réalisés sur des grandes surfaces. Cozens adapte à l'aquarelle les techniques de l'huile pour obtenir des clair-obscur spectaculaires.

Le grand apport de Turner à l'art de l'aquarelle est son utilisation quasiment systématique du wet in wet autour de 1815. La couleur diluée sur un papier préalablement mouillé permet de préparer facilement le fond de l'image, offrant par de simples mouvements du papier et du pinceau les couleurs progressives qui feront la beauté de l'oeuvre finale. Après le séchage, il restera bien sûr à dessiner et colorer les figures qui animent la scène. Cette technique permet de réaliser des aquarelles de très grand format.

Par contre son ambition de concilier l'extrême subtilité des contrastes avec les techniques de l'impression a certainement déconcerté ses éditeurs les plus bienveillants.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend une aquarelle 43 x 65 cm peinte en 1822, lot 417 estimé £ 800K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette vue de Margate au lever du soleil montre une forte animation de pêcheurs dans le goût des scènes anglaises de l'artiste. Elle était conçue comme un élément d'une série de Vues de Marines qui n'a pas été publiée suite à un désaccord entre Turner et son éditeur. Une mezzotinte de cette image spécifique de Margate avait cependant été réalisée en 1825.

Cuivres Intimes par Wtewael

Fils d'un verrier d'Utrecht, Joachim Wtewael apprend la peinture sur verre, qui nécessite la maîtrise des couleurs vives et la finesse de trait d'un miniaturiste dans un polissage brillant. Il devient vite un des meilleurs praticiens de la peinture sur cuivre qui demande des talents similaires.

L'iconographie disponible est abondante, avec les gravures risquées de Goltzius souvent copiées de Spranger. La mode est aux cabinets intimes, prédécesseurs des boudoirs. Jusque vers 1612, Wtewael fournit à ses clients des petites peintures sur cuivre qui n'ont pas vocation à être exposées en public et peuvent même être cachées dans la reliure d'un livre. En parallèle, ses formats plus grands sur toile ou bois sont plus convenables.

Les groupes de nus sont inspirés par la mythologie. L'érotisme maniériste qui allonge le corps des femmes lui convient. Il retravaille souvent les mêmes thèmes, cherchant à améliorer la lisibilité. Pour ses miniatures les plus complexes, il organise l'action en plusieurs registres avec des différences de luminosité.

Wtewael prend soin à ce que chaque dieu de l'Olympe soit identifiable par son attribut, même dans la foule des banquets. Avec des modèles qui vont de la lubrique Vénus à la chaste Diane, il est décidément plus un amuseur qu'un moraliste. Il fait toute sa carrière dans sa ville natale où il devient un riche marchand de fibres de lin. Il ne crée pas d'atelier et n'a pas d'apprenti.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend Diane et Actéon, huile sur cuivre 16 x 21 cm peinte en 1608, lot 14 estimé £ 4M. Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Sotheby's compare ses qualités picturales avec la monumentale Madeleine de Johann Liss précédemment discutée dans cette chronique.

Cette scène extrêmement narrative montre le moment où Diane vient tout juste d'envoyer son sortilège au chasseur. Elle est identifiée par le croissant de lune au-dessus de sa tête. Maintenant que le gêneur est neutralisé, ces dames reprennent leurs activités comme si rien ne s'était passé, exhibant en pleine lumière leur nudité tranquille.

Pour Actéon, rien ne va plus. Sa haute silhouette dans la pénombre est déjà munie des bois du cerf. Ses chiens s'agitent. Quelques instants plus tard, quand la métamorphose sera complète, ils le dévoreront.

27 juin 2019

La Lumière de l'Angleterre

La lumière est le thème principal de l'art de Turner tout au long de sa carrière. Il maîtrise successivement l'aquarelle et l'huile et devient illustrateur pour propager sa vision auprès d'un public élargi. La lumière n'existe pas sans le paysage et la mer. Les inspirateurs de Turner sont d'abord des poètes qui ont chanté la beauté de la nature comme James Thomson ou Lord Byron.

Il admire le Liber Veritatis du Lorrain. Une série de 71 images gravées par Turner entre 1807 et 1819 sous le titre Liber Studiorum réunit des études de paysages qui pourront être utilisés par les clients pour commander des "oeuvres finies".

Le temps passe. Turner est célèbre malgré son tempérament excentrique. Sa créativité artistique reste intacte. Il est conscient que son art est sans précédent et léguera des centaines de pièces à la nation Britannique. Avide d'une reconnaissance posthume, il fuit cependant la célébrité contemporaine, passant ses dernières années à Chelsea sous le nom de Mr Booth qui était le patronyme de sa compagne Sophia.

Dans ses dernières oeuvres les paysages sont littéralement enveloppés dans la lumière, avec un effacement progressif des détails figuratifs. Il travaille à nouveau sur ses anciens thèmes du Liber Studiorum, qu'il réédite en 1845 en quinze exemplaires avec les plaques d'origine sous l'influence de Ruskin.

Le corpus des peintures tardives réalisées par Turner en relation directe avec son Liber inclut neuf oeuvres de grand format. Une seule est restée en mains privées. Cette huile sur toile 88 x 118 cm est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 11.

Cette peinture est inspirée par l'image du Liber intitulée The Bridge in Middle Distance. Une confusion avec les vues d'Italie, peut-être due à la lumière des vues de Venise peintes après le voyage de 1840, a longtemps masqué le thème topographique de cette image, le double pont de Walton sur la Tamise, un des sites préférés de Turner. Les paysages de J.M.W. Turner sont universels.

26 juin 2019

Portrait d'un Pharaon

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend au lot 110 une figure fragmentaire en quartzite brune de 28 cm de haut. Cette tête est coiffée de la double couronne qui est un attribut du principal dieu, Amon, qui est l'équivalent du futur Zeus des Grecs. Le communiqué de presse du 3 juin annonce une estimation au-delà de £ 4M.

Un jeune homme avec un tel attribut est forcément un pharaon régnant. Amon est un dieu multiple qui n'a pas de figuration personnelle. Le pharaon est son incarnation.

Le roi hérétique Akhenaton avait remplacé le culte d'Amon par celui du cercle solaire Aton, certainement pour des raisons politiques. Il échappait ainsi à l'emprise des prêtres Thébains. Il avait établi sa capitale en plein désert, sur un site dont le nom Arabe sera Amarna. Cette révolution religieuse s'est accompagnée d'une révolution artistique. Les artistes Amarniens ont pour la première fois cherché une représentation naturaliste. Nefertiti était une femme d'Akhenaton.

La tête à vendre est ciselée avec réalisme, attestant de la période post-Amarnienne. Le seul candidat est Toutankhamon, le fils d'Akhenaton, revenu au culte d'Amon dans la troisième année de son règne vers 1330 BCE par une transition d'évènements peu documentés qui ressemble à un immense désordre. Les deux derniers pharaons de sa XVIIIème dynastie sont des dignitaires âgés, Ay et Horemheb. La XIXème dynastie, celle des premiers Ramses, apporte un style différent.

Par chance, l'effigie de Toutankhamon est particulièrement bien connue. La tête en quartzite est reconnaissable par la dépression maladive entre les yeux et les sourcils et par la faiblesse de la lèvre inférieure, résultant de la consanguinité de ses parents.

La Métamorphose de l'Aiglon

En 1816 Antonio Canova revient à Rome après un long séjour à Londres où son art a enthousiasmé quelques riches anglais. Il rapporte en Italie quelques oeuvres confisquées par Napoléon et est accueilli triomphalement.

La même année son modèle pour une figure de St Jean Baptiste est prêt : il négocie avec un graveur l'édition de cette image. Le premier marbre, réalisé l'année suivante, est acheté par l'ambassadeur de Louis XVIII au Saint-Siège après la défection d'un client anglais.

Le très jeune garçon est nu, assis sur un tabouret entièrement couvert d'une peau d'agneau dont la tête pend sur un côté. Curieusement il a quelques ressemblances avec le Roi de Rome, que Canova n'avait pas rencontré mais dont le portrait par Gérard avait été très largement divulgué.

St Jean est-il l'Aiglon ? On ne saura jamais. Une telle métamorphose n'a pas été documentée par l'artiste, mais une allégorie de la Concorde a perdu une référence à l'impératrice Marie-Louise au moment de la chute de l'Empire. Considérant que l'agneau est l'Agnus Dei, il apparaît que les deux inspirations se sont mêlées. Une référence de cet ovin au berger qui a découvert les jumeaux primordiaux Romains semble trop compliquée.

Le banquier Baring, qui deviendra Lord Ashburton en 1835, commande plusieurs statues à Canova. Ces marbres de la fin de carrière de l'artiste bénéficient pleinement de son savoir-faire exceptionnel, apportant au marbre un toucher sensuel qui évoque une vraie peau.

L'un d'eux est un buste de Lucrezia d'Este considérée comme une allégorie de la beauté. Il a été vendu pour € 2,5M incluant premium par HVMC le 27 avril 2019. L'enfant St Jean, marbre de 65 cm de haut presque identique à la version sculptée en 1817, est estimé £ 600K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 35. Considérant la dégradation de la santé de Canova en 1822 suivie par sa mort le 13 octobre, il est possible que ce second et dernier St Jean ait été terminé par ses assistants dans son atelier.

Baring possédait aussi par Canova un buste de Beatrice d'Este et un buste de la Paix. Il était aussi un patron de Thorvaldsen.

25 juin 2019

Plaisir des Sens par Ribera

Né près de Valence, Ribera est attiré par l'Italie. A Rome, il est intéressé par les physionomies des pauvres gens, très certainement par l'influence des Caravagistes d'Utrecht. Il peint une première série des Cinq Sens, non sans humour. L'Odorat est un mendiant en haillons qui épluche un oignon.

En 1616 Ribera âgé de 25 ans arrive à Naples qui est alors une possession Espagnole. Il ne retournera jamais dans son pays mais tient à affirmer son origine en signant ses oeuvres Jusepe de Ribera - español. Il est également surnommé Lo Spagnoletto.

Il peint une seconde série des Sens en 1637 avec des allégories complètement différentes de sa série antérieure. L'Ouïe est une jeune fille qui joue du tambourin avec une expression de profond bonheur, personnifiant le plaisir des sens. Cette huile sur toile 60 x 46 cm est estimée £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 24.

Cette oeuvre a été peinte par Ribera à la fin de sa phase ténébriste, avec un fond noir dans le goût de son ami Velazquez. Dans la série des types populaires, elle apparaît ainsi dans la continuité de la pittoresque Femme à barbe (Mujer barbuda) peinte en 1631.

Faisant pendant avec la Fille au tambourin, le Goût est un ivrogne hilare, de dimensions similaires. Des candidats ont été proposés pour l'Odorat et le Toucher mais la Vue reste non identifiée, sans évidence que cette série ait un jour été complète.

Retour sur le Futurisme

En 1961 Look Mickey abolit toutes les définitions préalables de l'art, mettant en valeur la récupération et abolissant la différenciation entre l'image populaire et l'art des musées et des galeries. Dès 1962 Roy Lichtenstein ajoute à son répertoire des ré-interprétations des femmes cubistes de Picasso.

Roy est devenu un grand artiste, puisque tout le monde le lui dit. En 1969, âgé de 46 ans, il a une rétrospective au Guggenheim Museum. Tous les plus grands artistes dont Picasso ont voulu prendre référence sur leurs plus illustres prédécesseurs. Roy ne manque pas d'humour : il fera pareil. En 1972 il commence à peindre des natures mortes.

En 1974 il récupère la décomposition des mouvements par les Futuristes italiens. Imitant une oeuvre créée en 1913 par Carlo Carra, The Red horseman est un cheval au galop avec huit pattes et deux têtes, monté par un jockey en pleine action à quatre têtes.

Le 27 juin à Londres, Phillips vend The Conductor, huile et acrylique 188 x 137 cm peinte par Roy Lichtenstein en 1975, lot 10 estimé £ 4M. Cette oeuvre est une adaptation très libre du mouvement d'une ballerine peint en 1914 par Gino Severini et appartenant à la collection Peggy Guggenheim.

Roy a certainement été intéressé par le fait que Severini a soi-disant été inspiré par Le Chahut peint par Seurat en 1889-1890, montrant l'alignement des jambes de quatre danseuses de French cancan. Il crée ainsi un lien entre le pointillisme post-Impressionniste et ses propres points d'imprimerie, utilisés notamment dans The Conductor.

Roy continue à musarder dans l'histoire de l'art. En 1975 le purisme de Le Corbusier et Ozenfant lui permet d'intégrer dans son art des petits objets de la vie de tous les jours, bouteilles ou dés.

24 juin 2019

Olimpia au Vatican

Quand Velazquez arrive à Rome en mai 1649, il a la réputation d'être le meilleur portraitiste et devient de facto le peintre officiel au Vatican. Son portrait d'Innocent X est un chef d'oeuvre. Le pape gêné par sa propre image commente : "Troppo vero". Le maître réalise aussi les portraits des principaux notables de l'entourage du pape, prolongeant sa mission jusqu'en novembre 1650 pour consolider ses relations Romaines.

Pendant tout le pontificat d'Innocent X, de 1644 à 1655, le Vatican est géré par une femme avide et corrompue. Donna Olimpia est la veuve du frère aîné du pape. Elle prend toutes les décisions, cherchant en permanence à augmenter ses gains financiers et pratiquant un népotisme éhonté. Son pouvoir est illimité : Innocent X ne l'a jamais désavouée.

Elle est surnommée la Papessa ou plus vulgairement la Pimpaccia, un jeu de mots sur Olim Pia (autrefois pieuse) suggérant que la religion n'avait plus d'importance pour elle. Cette femme hyperactive a aussi oeuvré en faveur des femmes prostituées de Rome et a commandé au Bernin les fontaines de la Piazza Navona.

La Papessa pose pour Velazquez en juillet 1650. Cette image a été gravée dès 1653. La peinture originale vient d'être authentifiée après près de trois siècles dans l'anonymat. Cette huile sur toile 77 x 61 cm restée sur sa toile d'origine n'est pas en parfait état. Elle est estimée £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 28.

Cette femme âgée de 59 ans apparaît austère et sans contrainte tout comme son beau-frère est faible et sournois, complétant l'image des maîtres du monde sur lesquels Velazquez appliquait sans pitié sa vision objective. Cette peinture est un exemple typique de la maîtrise de la couleur noire par Velazquez.

Sultans Ottomans

Mehmed Fatih appelé par les Européens Mehmet II le Conquérant, est un des plus glorieux Sultans Ottomans, célèbre pour la prise de Constantinople en 1453. Pendant tout le reste de son règne il mena en parallèle les campagnes militaires et la diplomatie, menaçant en permanence l'hégémonie commerciale de Venise.

Ce Sultan avait une personnalité atypique. Il suivait de très près les progrès artistiques et scientifiques de la Renaissance Italienne, connaissait plusieurs langues et acceptait que son effigie soit utilisée. Une médaille montrant Mehmed âgé d'environ 30 ans est passée à Baldwin's le 25 avril 2012.

La paix avec Venise est signée en 1479. Mehmed demande qu'un bon artiste lui soit envoyé. Le Doge confie cette mission à son portraitiste officiel, Gentile Bellini.

Le séjour de Bellini à Constantinople, qui dure plusieurs mois, est un grand succès. Le Sultan est ravi de la qualité de ses portraits sur lesquels son nez en bec d'aigle est parfaitement reconnaissable. L'atelier de Bellini fera plus tard des copies de ces images. Une huile sur panneau a été vendue pour £ 470K incluant premium par Sotheby's le 24 octobre 2007.

Un seul double portrait est connu. Le Sultan Mehmed fait face à un jeune homme imberbe dont l'identité n'a pas été identifiée. La similitude des turbans montre que les deux personnages sont de même rang. La pratique d'un double portrait était encore très rare à l'époque de la visite de Bellini à Constantinople et cette oeuvre ne peut être qu'une interprétation d'atelier. L'attention portée aux vêtements est Vénitienne.

Mehmed est mort en 1481, peut-être empoisonné. Son fils Bajazet le Pieux qui lui a succédé était un iconophobe selon la tradition musulmane. Une hypothèse possible est que le portrait du jeune homme provient d'un croquis réalisée par un autre artiste quelques années avant la mission de Bellini et que les deux images d'origine ne sont pas contemporaines l'une de l'autre. Le jeune homme pourrait ainsi être Bajazet vers l'âge de 20 ans, mis en face de son défunt père pour un patron Vénitien qui n'avait pas d'image plus récente pour honorer le nouveau Sultan.

Cette huile sur panneau 33 x 45 cm a été vendue pour £ 970K incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2015 sur une estimation basse de £ 300K. Elle est estimée £ 600K à vendre par Christie's à Londres le 4 juillet, lot 39.

Quand il monte sur le même trône en 1520, Soliman est iconophile. Son portrait dans le goût du portrait de Mehmed par Bellini, huile sur panneau 33 x 28 cm, a été vendu pour £ 5,3M incluant premium par Sotheby's le 1er mai 2019 sur une estimation basse de £ 250K.

23 juin 2019

L'Equation des Astronautes

Pendant toute sa carrière, George Daniels a imité et amélioré les complications les plus audacieuses des montres de poche, prenant très souvent exemple sur Breguet. Pour l'heure sidérale, son modèle était George Margetts, un contemporain de Breguet qui travaillait à Londres. Daniels n'a cependant pas imité une autre remarquable spécialité de Margetts, l'indicateur de l'heure des marées.

L'équation du temps est la différence entre l'heure apparente, qui peut aussi être lue sur un cadran solaire, et l'heure sidérale qui prend sa référence sur la position des étoiles fixes. Cette différence est un cycle annuel dû à l'obliquité de la Terre et à l'ellipticité de son orbite.

La première montre de poche dans laquelle Daniels a inclus l'équation du temps est son neuvième opus, Elsom II, en 1975.

George Daniels était connu pour son humour. En 1979 il déclare que la précision de mesure obtenue par Margetts, 1,8 secondes par an, n'est pas suffisante pour le contrôle du temps par un astronaute en route pour Mars. Un astronome de Cambridge University calcule pour lui un ratio entre les deux roues d'échappement qui réduira la variance à 0,4 seconde par an.

La première montre de poche intégrant ces nouvelles données est le quinzième opus de George Daniels, le Space Traveller, qui offre également le calendrier annuel et les phases de la Lune. En 1982, peu après avoir terminé son Space Traveller, Daniels le vend à un collectionneur, sans doute pour respecter un engagement préalable.

Frustré d'avoir laissé partir le Space Traveller I, Daniels réalise en 1983 le Space Traveller II, sur lequel il a ajouté un chronographe et un thermomètre. Il ne lâche pas ce specimen qui lui permet de se comporter comme un astronaute de salon. Sa quatrième et dernière montre de poche qui inclut l'équation du temps est la Grand Complication, en 1987.

Le Space Traveller I est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 2 juillet, lot 143. Space Traveller II a été vendu pour £ 3,2M incluant premium par Sotheby's le 19 septembre 2017. Grand Complication a été vendu pour CHF 2,4M incluant premium par Phillips le 11 mai 2019.

Panorama en Haute Engadine

Giovanni Giacometti et son jeune cousin Augusto sont les peintres locaux des Grisons. Giovanni a essayé en vain de trouver l'inspiration en dehors de ses montagnes. Revenu dans son canton, il est convaincu par Segantini de la beauté picturale des montagnes suisses.

St. Moritz dans la haute vallée de l'Inn est depuis trois décennies la pionnière des stations de sports d'hiver, attirant la haute société. En 1897 Giovanni et Segantini attendent la commande d'un grand panorama circulaire pour promouvoir le tourisme Suisse à la future Exposition de 1900 à Paris. Giovanni prépare des croquis pour une vue de montagne au-dessus de St. Moritz.

Le projet est abandonné. Giovanni trouve un autre client. Il peint en 1898 un polyptyque pour la salle à manger d'un chalet de St. Moritz-Bad appartenant à une très ancienne famille de la noblesse locale.

Cette oeuvre monumentale est une huile sur toile composée de quatre parties sans interruption de la vue topographique, pour une dimension totale de 67 x 510 cm. Devant la chaîne de montagnes de la Haute Engadine, un berger garde ses moutons éparpillés sur les quatre panneaux. Un lac très bleu sépare l'alpage et les sommets rocheux.

Intitulée Panorama de Muottas Muragl, cette peinture est estimée CHF 2,8M à vendre par Koller à Zürich le 28 juin, lot 3050. Je vous invite à lire l'article partagé par Barnebys. Le tweet ci-dessous est un détail du troisième panneau.

22 juin 2019

Maternité

L'observation de la chair est l'unique but des peintures de Jenny Saville. Ses oeuvres de jeunesse marquent une réprobation contre la représentation artificielle que les femmes construisent de leur propre corps. Elle tourne à une vision d'horreur les transformations volontaires mais néanmoins mutilantes de la chirurgie esthétique.

Les relations entre plusieurs corps l'intéressent aussi. Son chef d'oeuvre de cette seconde phase, Shift, est aussi une référence aux Demoiselles d'Avignon. Cette huile sur toile 330 x 330 cm terminée en 1997 a été vendue pour £ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 28 juin 2016.

Dans son observation des corps, Jenny Saville finit par réduire la différence entre l'homme et la femme, entre le normal et le pathologique, entre le naturel et l'artificiel, entre l'immobilité et le mouvement. Elle admet le trans-genre comme un troisième état dont la population augmente dans le monde contemporain.

L'être humain n'existe pas sans corps mais l'individualité est mise en question par une relation intime indispensable à la continuation de l'espèce humaine, la grossesse. Jenny Saville est bouleversée psychologiquement par ses deux maternités, en 2007 et 2008 : elle a créé de la chair à l'intérieur de son propre corps.

A partir de cette étape son art change. La tête, souvent un auto-portrait, était renvoyée à l'arrière-plan dans ses oeuvres précédentes. Elle devient le thème majeur. Les yeux et la bouche sont le principal support de la communication d'un être humain avec le monde. Le reste du visage n'est qu'une sorte de cadre pour lequel toutes les couleurs peuvent être utilisées en un lourd impasto comme faisait souvent Francis Bacon.

Comprenant cette tendance, Gagosian a organisé à Londres en avril 2019 une exposition sur le thème de l'influence d'un autoportrait de Rembrandt sur la création artistique contemporaine. Le self portrait (after Rembrandt) peint en 2019 par Jenny Saville explique magistralement l'évolution de sa vision.

Le 26 juin à Londres, Sotheby's vend Shadow Head, lot 8 estimé £ 3M. Cette huile sur toile 270 x 220 cm est monumentale quand on considère que l'image est limitée à un visage. Terminée en 2013, cette oeuvre a été datée 2007-2013 par l'artiste pour montrer qu'elle doit être attachée à la phase de sensibilité maternelle de son art.

L'Invention du Surréalisme

André Breton considère qu'avant lui la littérature n'exprime pas la pensée subconsciente. Il tente en vain de fédérer les avant-gardes littéraires autour de ses propres conceptions. Les écueils sont nombreux, incluant le risque pour la santé mentale des auteurs. Il ne suffit pas de transcrire une part de subconscient pour attirer des lecteurs.

En 1924 Breton réunit 32 historiettes qu'il a composées en écriture automatique, écartant à la fois la volonté, la cohérence et même la beauté du style. Il a choisi le titre de ce recueil : Poisson soluble.

Malgré sa confiance dans le progrès littéraire et même social qui découlera de son propre génie, Breton sait que ses détracteurs sont nombreux. Il ressent le besoin d'expliquer son système sous forme d'une Préface pour Poisson Soluble. Il définit le surréalisme comme un automatisme psychique pur. La Préface est intitulée Manifeste du Surréalisme.

Les principaux manuscrits autographes de cet ensemble avaient été conservés par sa première femme. Ils ont été vendus le 21 mai 2008 par Sotheby's, incluant entre autres documents le Manifeste pour € 1,9M incluant premium et la version finale de Poisson Soluble pour € 900K incluant premium. Cet ensemble acheté par Aristophil a été classé Trésor National en décembre 2017 avec un délai de trente mois pour que l'Etat Français confirme son acquisition.

Le 3 juillet à Paris, Christie's vend un document provenant d'une autre source, lot 140 estimé € 200K. Il s'agit du jeu d'épreuves complet du Manifeste et de Poisson Soluble, incluant de la main de l'auteur les corrections d'erreurs typographiques ainsi que les instructions pour la maquette.

Un poème-collage mettant bout à bout des phrases extraites de journaux a été inséré par Breton dans ce dossier, pour servir d'exemple de la nouvelle technique littéraire dans la Préface-Manifeste. Il sera inclus dans l'édition originale après avoir été légèrement écourté par Breton.

21 juin 2019

La Synthèse Baroque de Johann Liss

Johann Liss est né à Oldenburg près de Lübeck. La tradition artistique est presque inexistante en Holstein. Prêt à capter toutes les nouvelles tendances, le jeune homme commence son voyage vers 1615. A Haarlem il est attiré par l'érotisme de Goltzius. Plus tard il sera surnommé Pan. Vers 1618, âgé d'à peine plus de 20 ans, il intègre le style et certains thèmes de Rubens et Jordaens.

Comme tant d'autres incluant les Caravagesques d'Utrecht, il arrive en Italie. Il partage son temps entre Rome et Venise. Il ne terminera pas cette classique tournée d'apprentissage : il meurt à Vérone dans l'épidémie de peste qui s'est déclenchée à Venise en 1629.

Sandrart, qui l'a bien connu à Venise en 1629, indique sa prédilection pour cette ville où il apprécie les couleurs expressives de Titien et Véronèse. Il a aussi raconté la créativité impulsive de Liss, capable de chercher l'inspiration pendant plusieurs jours avant de se précipiter pour faire une nouvelle oeuvre sans manger ni dormir. Ce cycle immuable se termine par une errance pendant laquelle il vide sa bourse on ne sait pas où.

Ste Marie Madeleine entre le Vice et la Vertu est un thème emprunté à Jordaens. La jeune femme en extase a choisi le gentil jeune Ange qui lui apporte la palme des repentis. Elle tient un crâne, symbole habituel de la vanité, et ignore la vieille femme qui lui apporte les trésors de l'Orient.

Cette oeuvre a été composée au début des années 1620. L'éclairage contrasté, lumineux sur le Bien et inexistant sur le Mal, est Caravagesque. L'influence Vénitienne, par laquelle on attend le luxe des vêtements et le choc des couleurs, est évidente mais pas encore dominante.

Deux huiles sur toile identiques existent. Elles peuvent être toutes deux autographes. L'une d'elles, 114 x 135 cm, est conservée au musée de Dresde. L'autre, 99 x 126 cm, a fait surface plus récemment. Elle a été vendue pour £ 1M incluant premium par Christie's le 9 décembre 1994 et est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 8. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Photos Sales par Gilbert and George

Gilbert et George réalisent leurs premiers assemblages de photographies en 1971. A partir de 1974 ces compositions deviennent géométriquement structurées, dans des formats rectangulaires.

A leurs débuts Gilbert et George s'exhibaient eux-même sur scène comme des sculptures vivantes, avec une fantaisie délibérément choquante. Résidant dans le East End, ils prennent progressivement en horreur la société punk et la saleté qui envahit Londres.

Ils réalisent en 1977 deux grandes séries de photographies dont le message est ouvertement politique. Ils veulent attirer l'attention du grand public et des politiciens par ces illustrations sordides et décadentes de la vraie vie moderne. Ils insèrent presque toujours dans ces assemblages leurs selfies habillés en hommes d'affaires de la City.

La première de ces séries, intitulée Red Morning pour fustiger le communisme, est une prophétie de désastres sociaux. Elle est composée de 17 pièces de 4 x 4 ou 5 x 5 images élémentaires, avec pour titres les mots les plus dérangeants. Hate, 240 x 200 cm, a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

La série suivante est intitulée Dirty Words Pictures. Pour les titres individuels de ces 26 oeuvres, les artistes mêlent les insultes argotiques et le vocabulaire sexuel. Bummed, 355 x 255 cm en 25 parties, a été vendu pour £ 960K incluant premium par Sotheby's le 30 juin 2014.

Bugger, 300 x 250 cm également en 25 parties, signé George et Gilbert, est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 13. Les deux colonnes extérieures sont des photos de journaux froissés et souillés.

Le tweet ci-dessous montre un détail.

19 juin 2019

Ecritures à Trianon

Le domaine de Trianon a été créé par Louis XIV à proximité immédiate du palais de Versailles pour offrir à la famille royale un lieu d'intimité avec des jardins. Attiré par la vie de plaisirs, Louis XV amplifie cette tendance en faisant construire le château de Trianon, désigné plus tard comme Petit Trianon tandis que le Trianon de Marbre de son prédécesseur deviendra le Grand Trianon.

Quand Marie-Antoinette devient reine de France en 1774, ses ressources financières sont grandioses. Elle utilise beaucoup le château de Trianon. Le Hameau, incluant une Maison de la Reine, est construit à proximité à partir de 1783 dans un style champêtre.

Lorsque Riesener est évincé en 1784 du Garde-Meuble de la Couronne parce que ses prix sont trop élevés, il continue à fournir des commodes et des bureaux pour la Reine et son entourage, aux Tuileries, à La Muette, à Versailles, Compiègne et Marly. Pour Marie-Antoinette, rien n'est trop cher. Elle fait créer à ce moment-là le label de Garde-Meuble de la Reine. Les archives concernant ces dépenses exorbitantes seront détruites pour éviter qu'elles tombent entre les mains des Révolutionnaires.

Les tables à écrire réalisées par Riesener répondent à un modèle standardisé. Les formes sont simples, dans le goût néo-classique qui s'oppose désormais au rococo. Les bronzes dorés sont luxueux.

Livré en 1783, la table à écrire personnelle de Marie-Antoinette au Hameau, 111 x 63 x 76 cm, est revenue à Versailles en 2011 après avoir été acquise pour € 6,75M par l'Etat Français avec le soutien de mécènes.

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend une table à écrire 81 x 48 x 76 cm, lot 20 estimé £ 400K. Elle porte à la fois les marques du Garde-Meuble de la Reine et du château de Trianon signifiant qu'elle a été livrée au Petit Trianon pour l'usage personnel de la reine. L'absence de la marque du garde-meuble officiel indique qu'elle a été réalisée après 1784. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

18 juin 2019

Le Son des Pink Floyd

Le 20 juin à New York, Christie's vend la collection de guitares de David Gilmour, constituée de plus de 120 instruments. Passionné de guitares depuis son enfance à Cambridge, David rêvait de jouer une Fender Stratocaster. Il explique aujourd'hui qu'une Strat met en valeur la personnalité de son joueur.

A la fin des années 1960 la musique psychédélique prend la suite du rock and roll. Pour atteindre la gloire, les groupes doivent désormais proposer au public des sons à la fois dynamiques et différents. David devient le guitariste des Pink Floyd en 1968 pour pallier à l'incapacité de Syd Barrett victime de troubles mentaux.

Le lot 27 est la Black Strat de David Gilmour. Fabriquée en 1969, elle est achetée neuve par David en 1970 chez Manny's à New York. Jusqu'en 1983 elle est son instrument favori, sans cesse modifié par lui pour extraire de nouveaux sons sensationnels. Cet instrument est un élément basique du laboratoire de son des Pink Floyd à leur meilleure période. Elle est notamment jouée par David en 1973 dans l'album qui restera le plus grand succès du groupe, The Dark Side of the Moon.

Cette guitare de travail qui était à l'origine une Strat ordinaire est devenue un instrument culte de la musique populaire dans sa phase post-Beatles. Prêtée pendant dix ans pour exposition au Hard Rock Café à Dallas, elle a ensuite été restaurée. Des répliques ont été créées par Fender à partir de 2006 en deux modèles dont l'un nommé The Relic copiait son état d'usure avant restauration..

En 2005 quand les membres historiques du groupe se réunissent en concert à Londres après une très longue interruption, David Gilmour joue à nouveau sa Black Strat. Fréquemment modifiée pendant un demi-siècle par son prestigieux propriétaire, elle est offerte avec une estimation raisonnable de $ 100K à 150K. Je vous invite à lire l'article par Christie's racontant sa longue histoire.

17 juin 2019

La Montre aux Trois Vertus

Mort à Paris en 1644, Jean Toutin avait inventé un procédé de peinture à l'émail coloré sur une couche d'émail blanc. La mise en oeuvre était laborieuse mais elle intéressait les miniaturistes par la réalisation directe du dessin, contrairement au traditionnel champlevé basé sur un retrait de matière. Cette cuisson avait aussi l'avantage de ne pas créer de fissure.

Toutin appliqua son procédé à des boîtiers de montres qui furent appréciés à la cour de Louis XIII mais aussi en Angleterre. Aucune pièce créée par Jean Toutin n'a subsisté mais sa technique a un peu essaimé et est connue sous le nom d'émaux de Blois.

Six montres de poche ont survécu avec une décoration bleu turquoise en style de Blois réalisée vers 1650. Une certaine similitude peut laisser supposer que ce camaïeu a été réalisé par un seul artiste mais les cadrans sont signés par six horlogers différents, trois à Londres, deux à Paris et un à Bordeaux.

La montre signée par un dénommé Jehan Cremsdorff à Paris utilise plusieurs techniques d'émail. L'extérieur de son boîtier est décoré en émail sur or repoussé, avec un motif de fleurs en relief champlevé sur fond turquoise. Une des faces est cloisonnée. Les deux faces intérieures du capot et du fond et le cadran sont décorées en camaïeu bleu. Ces trois figures sont des reproductions d'allégories de Vertus éditées en gravures par Abraham Bosse vers 1636. Elle est également incrustée de diamants.

Ce spécimen Cremsdorff est une montre à échappement à verge de 6 cm de diamètre, 7,6 cm de hauteur totale en incluant le pendant. Elle a une seule aiguille ce qui est normal pour son époque : l'aiguille des minutes apparaîtra sur les montres à partir de 1687.

Elle a été vendue pour CHF 1,8M par Christie's le 13 mai 1986, un très haut prix pour une montre de poche à cette époque (pour information, 1 CHF valait entre 0,48 et 0,62 USD en 1986). Elle est estimée £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 4.

Gainsborough à Bath

Pendant toute sa carrière, Thomas Gainsborough a cherché un compromis entre sa passion pour le paysage et le besoin de gagner sa vie par le portrait mondain. Il n'est pas à l'aise avec les académies mais les clients ne montrent guère d'intérêt pour les vues de paysages anglais.

De 1758 à 1774 il vit et travaille à Bath où il trouve une nouvelle clientèle et se rapproche de la nature. La société anglaise est en pleine transformation à cette époque, aux dépens des classes pauvres. Cet artiste facilement irritable est un sentimental qui fait en sorte d'apporter la charité.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend Going to market, early morning, lot 22 estimé £ 7M.

Cette huile sur toile de grande dimension, 122 x 147 cm, est un équilibre parfait entre le paysage et la mise en scène de personnages et d'animaux. Un groupe à cheval atteint le sommet d'une colline au-dessus de la plaine dans la superbe lumière froide de l'aube.

Cette oeuvre n'est pas narrative mais sociale, montrant les occupations des pauvres gens. Le groupe est mené par une jolie jeune femme avec de gros paniers de marchandises. Elle est admirée par un jeune paysan. Ils sont suivis par trois charbonniers qui vont à la mine pour l'embauche journalière. Assise sur le bord du chemin, une femme avec deux très jeunes enfants espère une charité.

Going to market a été vendu en 1773 par Gainsborough au banquier Henry Hoare. Patron des arts, Hoare était surnommé Henry the Magnificent. Avec ce chef d'oeuvre, Gainsborough a certainement désiré partager sa sensibilité sociale avec son influent client.

Cette attention apportée par Gainsborough aux transformations rurales est contemporaine des peintures de la révolution industrielle anglaise par Wright of Derby.

16 juin 2019

Red 5 et White 6

Le 5 juillet à Goodwood, Bonhams vend au lot 345 une des voitures les plus dominantes de l'histoire de la Formule 1. Cette Williams-Renault FW14B pilotée par Nigel Mansell a en effet gagné en succession les cinq premiers Grand Prix de la saison 1992.

Williams utilisait des moteurs Renault depuis 1989. Cette alliance était prometteuse. Pour la saison 1991, Williams a embauché l'ingénieur Adrian Newey pour mettre au point le modèle FW14. L'année suivante la FW14B corrige les faiblesses de la boîte de vitesses de la FW14 et ajoute la suspension active assistée par ordinateur.

Les numéros en course sont attribués de façon permanente aux équipes. Williams a reçu le 5 et le 6. Pour bien les différencier sur les circuits, le 5 est rouge et le 6 est blanc.

La voiture à vendre a été Red 5 pendant les sept premiers Grands Prix, assurant à Nigel Mansell une avance considérable pour le titre de champion du monde. Mansell a ensuite changé de voiture en conservant le numéro 5. Son ancienne voiture est alors devenue une White 6 pour son coéquipier Riccardo Patrese qui l'a conduite dans six Grands Prix.

Cette Williams est un exemple remarquable de cohérence entre sa technologie et le style de pilotage d'un champion : sa suspension automatique convenait parfaitement à Mansell mais moins à Patrese. Elle a été retirée de la compétition après un accident spectaculaire mais heureusement sans gravité au Grand Prix du Portugal.

Elle est aujourd'hui équipée du moteur utilisé dans son tout premier Grand Prix en Afrique du Sud, un Renault RS3 V10 de 3,5 litres. Elle est en état de fonctionnement. Je vous invite à regarder la vidéo intégrée dans le tweet.


Une Visite à Arezzo

Elève d'Andrea del Sarto à Florence, il Rosso Fiorentino appartient à la génération qui suit Raffaello et Michelangelo. Il développe un maniérisme original avec une profusion de personnages dans des positions contorsionnées.

Après le bref règne de l'austère Adrien VI, l'élection d'un nouveau pape Medicis en novembre 1523 attire immédiatement à Rome les artistes Toscans. Vasari a raconté le passage du Rosso dans la ville d'Arezzo, en route pour Rome en 1524. Originaire d'Arezzo, Vasari a certainement été influencé par cette occasion de mettre en valeur sa ville natale.

A Arezzo, le Rosso rend visite à un peintre nommé Giovanni Antonio Lappoli qui a reçu une commande pour un important autel privé. Lappoli n'est pas un artiste majeur. Le Rosso le tire de l'embarras en réalisant pour lui un dessin préparatoire.

Le dessin 12,6 x 12 cm à la craie noire vient d'être identifié après avoir été non détecté pendant plusieurs siècles à cause d'une attribution incorrecte à Michelangelo. Il est estimé £ 500K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 307. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Sur le thème de la Visitation, ce dessin montre dix personnages répartis sur un escalier. Ils sont nus selon la pratique habituelle à cette époque pour les dessins préparatoires des peintures. Malgré le petit format, ce dessin est très finement réalisé, avec un effet de lumière qui invite à l'utilisation de couleurs vives dans l'oeuvre finale.

Lappoli a utilisé ce dessin pour sa peinture. Quelques personnages ont été substitués, sans doute à la demande du patron. Elle est restée jusqu'à nos jours à Arezzo.

Le Rosso a apporté un grand soin à ce dessin qui méritait amplement les louanges de Vasari. Il n'a cependant pas créé une oeuvre originale pour son ami : son Mariage de la Vierge peint l'année précédente mettait en scène un groupe similaire sur le même escalier.

14 juin 2019

Vue Intérieure de San Marco

Peintre des vues de Venise, Canaletto a su y incorporer les foules de personnages de la vie quotidienne. Dans ses dessins préparatoires exécutés devant le monument, il cherche une précision absolue dans les détails et la perspective. En utilisant ces dessins comme une sorte de banque d'images, il prend dans ses peintures des libertés par rapport à la topographie pour plaire à ses clients. Il a aussi dessiné beaucoup de capricci, avec une profusion de détails inventés.

Ses dessins sont ainsi les meilleurs témoignages de l'ambiance réelle à Venise en son temps. Par exemple, un dessin 25 x 37 cm montrant le Campo San Giacomo di Rialto a pu être daté après 1758 par la forme du pavage. Il a été vendu pour £ 1,95M incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2012.

L'intronisation d'un nouveau doge donne lieu à d'importantes célébrations. Le 118ème doge est élu en 1763. Canaletto prépare une série de douze dessins sur ce thème dans le but d'une édition par gravure sous le titre Feste Ducali. Aucun d'entre eux n'a été transposé en peinture par Canaletto. Guardi s'en chargera quelques années plus tard.

Ces douze oeuvres, livrées en deux groupes successifs à l'éditeur en 1766, sont des chefs d'oeuvres du dessin Vénitien. Sur un grand format 39 x 55 cm, la finesse des traits de plume et la beauté des trois nuances de lavis de gris avec des rehauts de craie sont incomparables. La trame est à l'encre brune.

La foule festive est au premier plan, de sorte que le groupe avec le Doge est secondaire. L'artiste montre la vie à Venise sans s'intéresser aux célébrités officielles. Ces images ne résultent certainement pas de témoignages directs, ce qui rend plausible le délai de trois ans entre les cérémonies et l'achèvement des dessins.

Le Couronnement du Doge sur la Scala dei Giganti a été vendu pour £ 2,63M incluant premium par Sotheby's le 5 juillet 2017. La Présentation du Doge à San Marco, vue intérieure de la basilique, est estimée £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 338.

Calculs Vénitiens

Né en Toscane, Luca Pacioli reçoit une éducation orientée vers le commerce. Il rencontre (probablement à Urbino) Piero della Francesca, né dans le même borgo que lui. Piero est un des plus éclectiques esprits de la Renaissance, capable d'intégrer dans ses théories à la fois les mathématiques et l'art pictural.

Luca s'établit de façon durable à Venise dans les années 1470, comme frère franciscain. Venise est la cité des marchands. Il y lit les ouvrages de ses plus importants prédécesseurs dont Fibonacci. Il continue à enseigner et prépare une compilation exhaustive des connaissances en termes d'arithmétique, de géométrie et d'étude des proportions, auxquelles il ajoute les meilleures pratiques de comptabilité du commerce Vénitien.

Luca écrit son manuel en langue Italienne et pas en latin, pour assurer qu'il sera bien compris par les marchands. Dédié au duc d'Urbino, il est édité en 1494 à Venise par Paganinus de Paganinis sous le titre Summa di arithmetica, geometria, proporzioni e proporzionalita.

Un exemplaire annoncé en état superbe de ce premier tirage de la première édition dans sa reliure d'origine sera vendu par Finarte à Rome le 20 juin. lot 507.

Leonardo da Vinci achète l'année suivante un exemplaire du même tirage. Sans doute à sa demande, Luca rejoint la cour de Ludovico Sforza à Milan en 1496. La collaboration du mathématicien et de l'artiste est vite interrompue par les guerres d'Italie mais elle est fructueuse, approfondissant et appliquant le concept de nombre d'or. Paganinus publie leur travail commun en 1509 à Venise sous le titre Divina proporzione.

Un exemplaire du second tirage de la première édition de la Summa, imprimé vers 1502 par Paganinus après quelques rectifications typographiques, a été vendu pour $ 1,21M incluant premium par Christie's le 12 juin 2019.

13 juin 2019

Le Guerrier du Nord

Le trésor de Lewis a été révélé en 1831 par un participant pendant une réunion de la Society of Antiquaries of Scotland. Il était composé de 92 pièces de jeu en ivoire de morse et d'une boucle de ceinture. Les figures constituaient quatre ensembles presque complets de jeu d'échecs. Le reste était composé de pions d'échec et de jetons pour le jeu de table, prédécesseur du jacquet.

Cet ensemble venait d'être trouvé dans l'île de Lewis, à l'extrémité des Hébrides, face au grand large. Il est aujourd'hui réparti entre le British Museum et le National Museum of Scotland.

Les figures sont typiques des sagas Nordiques, depuis la majesté du roi jusqu'à la férocité des gardes qui seront plus tard les tours. Autour de 1200 CE les Normands, successeurs des Vikings, appréciaient le jeu d'échecs : simulation de la guerre, symbolisme de la vie et de la mort par le noir et blanc des cases et le déroulement du jeu.

Une reine similaire à ses homologues de Lewis a été trouvée à Trondheim. Cassée très probablement pendant le ciselage, elle témoigne d'une origine norvégienne de sa production, utilisant l'ivoire d'Islande ou du Groenland. Pour le trésor de Lewis, l'hypothèse la plus probable est qu'il a été perdu par un marchand dans un naufrage.

Le 2 juillet à Londres, Sotheby's vend un garde en ivoire de morse de 8,8 cm de haut qui a toutes les caractéristiques des pièces de Lewis, lot 7 estimé £ 600K. Comme pour le trésor, l'usure est due à un contact prolongé avec l'eau de mer et le sable. Contrairement aux pièces de Lewis, elle n'a pas été nettoyée et conserve des traces vert foncé qui sont peut-être sa couleur d'origine pour le jeu.

Cette pièce est inédite. Elle a été achetée en 1964 pour £ 5 par un antiquaire d'Edinburgh à un de ses confrères et la famille l'a aimée jusqu'à nos jours pour sa mystérieuse beauté d'un autre temps. Elle est la première pièce d'échecs du type de Lewis à être disponible sur le marché depuis la découverte du trésor.

12 juin 2019

Cabinets Baroques à Anvers

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend une paire de meubles baroques provenant d'une collection Rothschild, lot 50 estimé £ 1,5M.

Ces deux pièces sont composées d'un cabinet décoré en première partie sur un piètement de caryatides en bois doré, pour une hauteur totale de 2,40 m. Cette première partie est une marquèterie de laiton et étain sur de l'écaille de tortue. Sa décoration surabondante est à l'honneur du roi Philippe V d'Espagne et de ses batailles. Le monogramme du roi est inscrit à plusieurs endroits.

La paire en contre partie, décorée en écaille sur métal, est également identifiée. Elle a été séparée en 1944. Un de ces cabinets a été vendu pour £ 890K incluant premium par Sotheby's le 30 octobre 2002. L'illustration est comme toujours moins fine qu'en première partie.

Une fabrication française est exclue pour deux raisons. Ces piètements à caryatides étaient démodés à Paris où Boulle venait de créer le mobilier moderne. Les illustrations narratives sont très rares dans le mobilier français. Dans ces conditions, une attribution à Hendrick van Soest apparaît comme hautement crédible.

Travaillant à Anvers, van Soest avait précédemment produit des cabinets de forme similaire avec les plus luxueuses marquèteries. Il avait expédié en 1703 à Madrid un groupe de bureaux portant un hommage au nouveau roi. Son inventaire après faillite en 1713 enregistre plusieurs meubles au monogramme de Philippe V, incluant peut-être les deux paires qui font l'objet de la présente discussion.

1713 est aussi la date du traité d'Utrecht qui met fin à la guerre de succession d'Espagne. Ce groupe de cabinets a probablement été créé cette année-là pour célébrer la victoire de la dynastie des Bourbon contre les Habsbourg. Il n'a probablement pas été livré au roi et se trouvait quelques décennies plus tard dans la collection d'un bourgeois flamand.

Un des cabinets de la prochaine vente est illustré sur le tweet.

11 juin 2019

Les Terrains Blancs de L.S. Lowry

La carrière de L.S. Lowry n'est pas exceptionnelle. Il vit avec ses parents dans une banlieue avec des parcs, à Manchester. Il les suit en 1909 dans une banlieue ouvrière. Il ne cache pas qu'il déteste le paysage industriel. Quand il prend sa retraite 43 ans plus tard, il est caissier chef dans une entreprise de Manchester. Il est célibataire et n'a jamais su conduire une voiture.

La courte biographie ci-dessus ne suffit pas pour révéler que cet artiste a été le meilleur témoin de la vie de la classe ouvrière dans le nord de l'Angleterre et qu'il menait sa vie personnelle avec un humour hors du commun. Il se définissait comme un peintre du dimanche qui peint tous les jours de la semaine (après la fin de sa journée de travail).

Il vit pour son art et refuse les honneurs, y compris une élévation à la knighthood proposée par un premier ministre travailliste.

Le fond de ses images est souvent un grand bâtiment terne, qui cache le reste de la ville : il l'avait un jour observé depuis le quai de la gare où il venait de rater son train. Ses personnages constituent des foules actives qui vont et viennent, formant un beau contraste sur un sol blanc. Ce n'est pas de la neige : il avait été vexé par un critique d'art qui trouvait que sa palette était trop sombre. En plus du blanc, il n'utilise d'abord que quatre couleurs. Ses couleurs deviennent plus variées après la seconde guerre mondiale.

Cet observateur social regarde avec acuité les groupes d'enfants, parce qu'ils sont passionnés par leurs jeux et politiquement innocents. Le 18 juin à Londres, Sotheby's vend A Cricket Match, huile sur toile 45 x 61 cm peinte en 1938, lot 16 estimé £ 800K. Les gamins improvisent une partie de cricket sur un terrain vague. Les adultes sont rares : à cette heure-là, ils sont à leur poste de travail. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'artiste n'omet pas d'encourager l'équipe de football locale. Il a peint la même année un groupe de supporters avant le match Manchester City vs Sheffield United. Le dessin de Lowry reste trop caricatural quand ses personnages sont en gros plan. Cette huile sur toile 43 x 53 cm est passée à Christie's le 6 juin 2008 sur une estimation basse de £ 700K.

Egalement peinte en 1938, the Fairground, huile sur toile 45 x 61 cm montrant une animation festive, a été vendue pour £ 1,42M incluant premium par Sotheby's le 13 décembre 2007.