25 mai 2019

Le Maître de la Nouvelle Frontière

Appartenant à la dynastie des Qing d'origine Mandchoue, l'empereur Qianlong veut être un unificateur des ethnies Chinoises, certainement pour échapper à une hégémonie des Han. Son territoire est séparé des Mongols et des Tibétains par une ethnie rebelle, les Dzoungars.

La guerre contre les Dzoungars se termine par une victoire des Qing dans la 24 ème année du règne correspondant à 1759 CE. La stratégie proposée par l'empereur lui-même a eu un rôle déterminant. La région est vidée de ses occupants d'origine par le génocide, la déportation et la variole et devient le Shintian (ou Xinjiang) signifiant nouvelle frontière.

Qianlong est immensément fier de son oeuvre civilisatrice en faveur des vrais Chinois. Il accepte de faire ajouter à ses surnoms celui de maître de Shintian qui est partiellement une homophonie avec Xintian Shuren signifiant "le dirigeant qui croit dans les cieux". Il fait faire à cette époque un assez grand nombre de sceaux à ce nom.

Le temps passe. L'empereur vieillit. Pendant la 49ème année du règne, les courtisans cherchent à réinterpréter le sobriquet. Qianlong écrit complaisamment des poèmes dans lequel il s'étonne que son oeuvre civilisatrice ait été si complètement soutenue par les cieux. De nouveaux sceaux seront régulièrement créés au fil des ans pour honorer le maître de Shintian.

Le 7 octobre 2010, Sotheby's a vendu au lot 2103 pour HK$ 122M incluant premium un très grand sceau à la marque du maître de Shintian. Il sera vendu par Poly à Beijing le 5 juin, lot 5569.

Cette pièce de 12,9 cm de côté et 11 cm de haut en jade blanc verdâtre pèse 3,5 Kg. Le bouton est constitué d'une paire de dragons adossés superbement sculptés. Sa production incluant le ciselage et l'inscription avait duré cinq mois. Elle est identifiée dans les archives impériales pendant la 51ème année du règne correspondant à 1786 CE.

24 mai 2019

La Ligne Claire

Hergé exerce des tâches variées pour le quotidien Le Vingtième Siècle. Il est doué pour le dessin et pour la caricature et se familiarise avec les techniques d'impression du journal. Son chef, l'abbé Wallez, lui confie en novembre 1928 le pilotage d'un supplément hebdomadaire pour enfants, Le Petit Vingtième.

Pour intéresser les jeunes lecteurs et contribuer à l'objectif pernicieux de Wallez de les amener vers le fascisme, Hergé imagine les aventures invraisemblables et burlesques d'un groupe d'enfants. Tintin et Milou apparaissent à leur tour à partir de janvier 1929, ouvrant Les Aventures de Tintin, reporter du Petit Vingtième, au pays des Soviets.

Hergé suit l'exemple d'Alain Saint-Ogan qui publie depuis 1925 la série Zig et Puce dans Le Dimanche illustré. Le dessin doit être simpliste tout en restant facilement identifiable par le jeune public. Il est préparé à l'encre avec un trait de largeur constante. Saint-Ogan est également le premier utilisateur des phylactères dans les récits dessinés Européens.

Hergé ne maîtrise pas immédiatement son sujet. Il travaille sans scénario. Il découvre progressivement que son trait ne doit pas être trop fin pour rester lisible sur le journal imprimé et que les zones noires créent des empâtements désagréables. Il met ainsi au point sa ligne claire, délimitant des espaces vides qui seront bien plus tard très efficaces pour apporter les couleurs en aplats.

Le dynamisme de Tintin assure son succès auprès des jeunes. Wallez définit des améliorations. Le 23 janvier 1930, le nombre de pages du Petit Vingtième est doublé et la page de couverture est illustrée par un grand dessin d'un autre auteur.

Le premier dessin de couverture réalisé par Hergé paraît trois semaines plus tard, dans l'édition qui contient la 57ème double page des Soviets. Avec une année complète d'expérience, Hergé maîtrise sa ligne claire. Il a l'astuce de réaliser un dessin spécifique plutôt que le simple agrandissement d'une case de l'histoire. Tintin bricole une hélice d'avion dans un tronc d'arbre.

Le jaillissement hors cadre des deux extrémités de l'hélice dans une puissante diagonale offre à cette image le dynamisme désiré, tandis que les deux petites feuilles qui subsistent sur le tronc maintiennent la dimension burlesque.

Le dessin original 27 x 29 cm à l'encre de chine retouchée à la gouache sera vendu le 8 juin par Heritage à Dallas, lot 91108.

23 mai 2019

La Logique des Marchands

Luca Pacioli a commencé sa carrière comme précepteur des fils d'un marchand Vénitien. Devenu frère franciscain vers 1476, il continue à enseigner les mathématiques.

Dans la meilleure tradition de la science antique et arabe qui inclut par exemple Euclide, Aristote, Ptolémée et Avicenne, Pacioli est un compilateur. Il s'appuie entre autres sur le Liber Abaci préparé en 1202 par Fibonacci qui démontrait que le système de notation indo-arabe était bien meilleur que les chiffres romains.

Pacioli n'omet rien de ce qui concerne l'arithmétique et son application. Il promeut la double comptabilité pratiquée par certains marchands, séparant les écritures d'enregistrement du débit et du crédit. Il enregistre la position des doigts pour identifier les nombres dans le système décimal. Il donne les éléments des proportions parfaites dans la disposition des figures géométriques élémentaires.

Son livre intitulé Somma di arithmetica, geometria, proporzioni e proporzionalita, publié à Venise en 1494, est le premier traité d'arithmétique en langue vernaculaire. D'origine modeste, Pacioli veut surtout fournir un guide de bonnes pratiques pour les marchands.

Il a réussi au-delà de toute espérance. Les marchands suivent ses recommandations, établissant en permanence une analyse de situation de leur affaire. La clarté de leur comptabilité met fin à la méfiance de leurs clients.

Pacioli a une influence fondamentale sur l'art de la fin de la Renaissance. Leonardo da Vinci est passionné par le livre jusqu'à devenir un ami proche. On retrouve dans La Cène les principes géométriques exposés par le mathématicien. Une influence directe sur Dürer est également très probable.

Le 12 juin à New York, Christie's vend un exemplaire complet du second tirage de l'édition originale, imprimé vers 1502. Ce livre est dans son état d'origine : il n'a pas été rogné et a gardé sa couverture d'époque en vélin. Il est estimé $ 1M, lot 1. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.





22 mai 2019

La Lune Baoulé

Les nombreuses célébrations festives de l'ethnie Baoulé de Côte d'Ivoire ont donné lieu à la création de masques d'une grande variété, utilisés dans les danses et les processions. Ces masques ont considérablement influencé l'art Européen. En 1926 Man Ray juxtapose un masque noir avec le visage blanc de Kiki. En 1937 un masque de buffle inspire à Picasso le style graphique de Guernica.

Les Baoulé ont ainsi des masques rituels pour les cérémonies mystiques interdites aux femmes, des masques spécifiques pour les cérémonies funéraires et d'autres masques pour les processions de réjouissances.

Les processions sont ouvertes par le Soleil et la Lune, qui n'ont pas de signification mystique dans cette circonstance. Ils sont suivis par les masques d'animaux et d'humains. Les masques astraux sont des cercles parfaits qui peuvent être entourés d'une frise dentelée. Leur qualité artistique est variable.

Le 18 juin à Paris, Sotheby's vend au lot 23 un superbe masque-lune Baoulé, resté brillant après son polissage par une feuille abrasive. Pour conserver un aspect humain sans oblitérer la représentation astrale, le visage est réduit à ses caractéristiques essentielles dominées par un vaste front. Le contour du masque inclut une chevelure tressée ainsi qu'un ornement de trois triangles ajourés.

Ce masque n'a pas de frise dentelée, probablement cassée après usage. Le catalogue suppose que cette absence l'a rendu inutilisable et que la tribu a accepté pour cette raison de le céder à un explorateur.

21 mai 2019

Un Dragon Archaïque

A partir de la 6ème année de son règne correspondant à 1728 CE, l'empereur Yongzheng exerce un contrôle direct sur la production des porcelaines impériales. Sous la supervision du surintendant Tang Ying, la plupart des techniques traditionnelles sont re-démarrées et montées très rapidement à un nouveau niveau de perfection.

Le 5 juin à Beijing, Poly vend au lot 5552 un magnifique vase de 51 cm de haut avec un corps rond et un col épais, qui est un exploit technique sans aucun lien avec les nouvelles peintures à l'émail apportées par les étrangers.

Cette porcelaine associe sans défaut le bleu de cobalt sous glaçure et la glaçure rouge de cuivre qui pourtant requièrent un profil de mise à feu extrêmement dissimilaire. La recette a été perdue très vite et l'empereur Qianlong lui-même n'obtiendra pas de pièces comparables malgré son insistance auprès du même surintendant.

Le dragon rouge vif enveloppe son corps sinueux dans les nuées bleues, dans un contraste d'une superbe brillance. Le bleu est réalisé en plusieurs nuances, égalant la qualité des porcelaines Xuande des Ming. La glaçure devient invisible par-dessus le bleu et le blanc.

La gueule grande ouverte et les yeux exorbités du dragon expriment une grande fureur. Cet animal mythique n'a que trois griffes par patte et ne saurait être confondu avec un dragon impérial Qing.

Il est une copie des dragons dessinés sous la dynastie des Song du Sud par Chen Rong, démontrant ainsi l'attention portée par l'empereur Yongzheng à ce qu'il y avait de meilleur dans l'art graphique Chinois de toutes les époques. Des copies sur soie dans le même style ont été exécutées dans la même période.

Rappelons qu'un dessin 35 x 440 cm déroulant six dragons exécuté par Chen Rong en 1244 CE a été vendu pour $ 49M incluant premium par Christie's le 15 mars 2017.

Le Jardin Zen

Wu Guanzhong est l'artiste le plus complet de la période post-Maoïste. Résolument moderniste et inspiré à la fois par l'Est et l'Ouest, il rattrape le temps perdu pendant la Révolution culturelle en traitant tous les thèmes du réalisme à l'abstraction avec toutes les techniques graphiques.

Wu commence par une esquisse préliminaire qui lui permet de choisir entre l'huile sur toile et l'encre sur papier qu'il peint avec un geste impulsif. Recherchant les formes élémentaires qui constituent son sujet, il retravaille sa figuration et sa couleur jusqu'à un état ultime. Lion Grove Garden, encre et couleurs sur papier 144 x 297 cm peinte en 1988, est un exemple mené par l'artiste jusqu'à une abstraction presque complète.

La ville de Suzhou, à 100 Km de Shanghai, est célèbre pour ses jardins dont plusieurs ont été classés ensemble comme un World Heritage Site par l'UNESCO. Lion Grove a été créé par un moine Zen sous les Yuan et a été ainsi nommé pour la ressemblance d'un de ses rochers avec un lion couché. Le jardin est bordé par un bassin et inclut une grotte.

Wu est intéressé par ce site maintenu sans attributs religieux. Sa méditation apporte un réseau de lignes et des taches de couleurs variées, effaçant la topographie du rocher. Deux pavillons et un pont apparaissent à l'horizon. Des taches minuscules représentent les visiteurs dans les pavillons et les poissons dans le bassin.

Le tout ressemble à une immense falaise en bord de mer avec des bateaux. La forme a prédominé le thème, répondant aux conceptions les plus profondes de l'artiste. Ne cherchez pas le lion.

Lion Grove Garden a été vendu pour RMB 115M incluant premium par Poly le 3 juin 2011 et sera vendu le 2 juin à Beijing par China Guardian, lot 383.

19 mai 2019

Les Compagnons d'Amitabha

Amitabha est le Bouddha de la suprême béatitude, garant d'un monde parfait. Il est inatteignable par les humains. L'intercession est réalisée par des bodhisattvas. Les sculptures Bouddhistes antiques montrent souvent une triade centrée par Amitabha avec Avalokiteshvara à sa gauche et Mahasthamaprapta à sa droite. Ils sont parfois entourés d'anges célestes.

Les deux bodhisattvas apparaissent comme des jumeaux habillés à l'identique. Ils ont cependant des rôles différents. Avalokiteshvara apporte l'infinie compassion et Mahasthamaprapta le pouvoir de sagesse. La principale différence est l'ornement de la couronne frontale, une figure d'Amitabha pour Avalokiteshvara et l'urne de la sagesse pour Mahasthamaprapta. En Chine ils s'appellent respectivement Guanyin et Dashizhi.

Sculptée au début de la dynastie Tang, une paire de bodhisattvas en calcaire de 67 cm de haut a été séparée par Christie's le 13 septembre 2018, rapportant $ 3,25M et $ 2M incluant premium.

Le Bouddhisme est persécuté en Chine à partir du règne de l'empereur Wuzong de la dynastie Tang. L'époque des cinq brèves dynasties qui se succèdent de 907 à 960 CE après la chute des Tang reste pour le Bouddhisme une période de faiblesse avant son renouveau sous les Song. Les figures d'autel sont désormais en bois, moins onéreux que le bronze ou la pierre. La polychromie est encore appliquée.

Le 29 mai à Hong Kong, Christie's vend une paire de bodhisattvas en bois, lot 2713 estimé HK$ 40M. Ils sont debout dans une attitude identique en inversion miroir, pour flanquer un Amitabha qui a disparu. Ils sont hauts de 145 cm sans inclure les socles qui sont modernes. Des traces de pigments ont été conservés. Je vous invite à regarder la vidéo où les séquences alternent avec un Bouddha monumental des Qing.

Certains détails incluant la forme du collier sont typiques du début des Song. Une dérive par rapport au canon pendant la période obscure a allongé les jambes et légèrement rapetissé les têtes et les cous.

18 mai 2019

Meubles de Luxe avec Fabergé

Fabergé savait répondre à l'envie de raffinement extrême à la cour de Russie. Son premier oeuf de Pâques à surprise a été réalisé en 1885 pour un cadeau de l'empereur Alexandre III à son épouse Maria Feodorovna. L'impératrice est si enthousiaste qu'elle demande qu'un tel cadeau devienne une tradition.

Fabergé s'organise pour ce marché prestigieux. L'année suivante il nomme Michael Perchin comme chef d'atelier. Jusqu'à sa mort en 1903, Perchin réalise tous les oeufs impériaux. Il travaille aussi pour d'autres richissimes clients incluant la grande-duchesse Maria Pavlovna, belle-soeur de l'impératrice.

Maître de l'émail, Fabergé avait inventé 145 nouvelles couleurs. Ses meubles miniatures sont en or émaillé savamment incrusté de matières précieuses pour une exquise imitation des textures et des décorations des meubles d'origine.

Les trois exemples ci-dessous ont été réalisés par Perchin pour Fabergé à St Petersbourg entre 1899 et 1903. Ils sont inspirés par les styles français. Chacun d'entre eux est un modèle extrêmement rare sans pour autant être une pièce unique.

Une chaise à porteur de style Louis XVI de 9 cm de haut a été vendue pour £ 790K incluant premium par Christie's le 27 novembre 2017. Les portes sont ouvrantes. Les vitres sont en cristal de roche et la décoration intérieure est rehaussée de nacre.

Les deux autres exemples seront vendus par Sotheby's à Londres le 4 juin. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Haut de 5,7 cm, le fauteuil en gondole de style Empire est équipé d'un tiroir caché sous l'assise pour être utilisé en bonbonnière. Le dossier est ajouré en forme de lyre. Un émail rouge translucide guilloché imite le grain de l'acajou, et l'émail de l'assise imite la soie. Cette pièce qui avait appartenu à la grande-duchesse a été vendue pour $ 2,28M incluant premium par Sotheby's le 16 avril 2007 sur une estimation basse de $ 1M. Elle est maintenant estimée £ 800K, lot 256.

La table à entretoises de style Louis XVI haute de 8,9 cm offre une imitation similaire de l'acajou. Son plateau en néphrite polie imitant le cuir ouvre pour une utilisation en bonbonnière. Elle est estimée £ 800K, lot 257.

13 mai 2019

Poissons Rouges à New York

Louis Comfort Tiffany fonde en 1885 la Tiffany Glass Company pour produire des vitraux décoratifs. Les plaquettes de verre sont tenues en place dans un réseau métallique qui rappelle l'aspect des vitraux des cathédrales. Intéressé par toutes les techniques de création de verres colorés, il dépose en 1894 le Favrile glass, une technique qui lui permet une gamme illimitée de couleurs chatoyantes.

Le patron était également passionné par son jardin d'eau à Long Island et par les arts Asiatiques. Il s'amuse à essayer d'acclimater les poissons rouges en aquarium et dans son bassin.

Tiffany recommande à ses collaborateurs la création d'un art directement inspiré par la nature. Les positions élégantes et variées de ses poissons rouges nageant au milieu des plantes aquatiques sont cependant très similaires aux jarres Jiajing de la dynastie Ming.

L'Exposition Universelle de Paris en 1900 est une consécration pour Tiffany et son favrile. Un vitrail intitulé Fish at play y a été exposé.

Le 23 mai à New York, Sotheby's vend une lampe de table intitulée Fish and waves, lot 214 estimé $ 1M. Elle est décorée de neuf poissons rouges sur l'abat-jour et de trois poissons montant dans la vague sur la base de bronze. Cet abat-jour de 38 cm de diamètre en forme d'aquarium ovoïde est très rare dans la production de Tiffany.

La lampe est marquée du monogramme de la Tiffany Glass and Decorating Company, une appellation rendue périmée en 1902 quand la société est devenue le Tiffany Studios.

La base d'inspiration Japonisante était encore proposée au catalogue en 1906, sans doute associée avec un globe en verre soufflé. La lampe qui vient en ventes peut être considérée comme une pièce unique illustrant parfaitement l'ambition de Louis Comfort Tiffany d'être considéré comme un créateur d'art.

La Guerre est finie

Les jeunes Américains sont partis pour la guerre. Norman Rockwell anticipe la capitulation de l'Allemagne et prépare une illustration de couverture pour le Saturday Evening Post. Le 26 mai 1945, le journal publie The Homecoming. La seconde guerre mondiale s'est terminée en plein milieu du printemps mais peu de lecteurs remarqueront que l'arbre n'a pas de feuilles : l'attente de l'évènement a été trop longue.

Pour cette image, Rockwell exerce son talent pour les scènes de groupes importants, qui étaient notoirement difficiles à intégrer sur une page de couverture. Son chef d'oeuvre dans ce style, une scène de concours de forge avec plus de vingt personnages peinte en 1940, avait été publiée en double page centrale.

The Homecoming montre la joie exubérante et communicative de la famille, des voisins et du chien au retour d'un soldat. Rockwell aime montrer la vie et les émotions au village. Le soldat debout de dos est un prétexte à cette exubérance légitime. Peu importent ses exploits militaires, il est avant tout un homme aimé de tous au moment où son retour reconstruit sa famille. L'artiste n'a pas omis les Service flags qui symbolisent l'attente des familles.

L'huile sur toile 71 x 56 cm préparant The Homecoming est estimée $ 4,5M à vendre par Christie's à New York le 22 mai, lot 60.

Après ce moment d'émotion intense, la fin de la guerre reste un très bon thème pour ce magazine populaire. Le 13 octobre, l'illustration de couverture est une oeuvre de Rockwell avec un effet de groupe similaire, intitulé Homecoming Marine. Le héros raconte ses histoires à une audience de tous âges. L'huile sur toile 117 x 107 cm a été vendue pour $ 9,2M incluant premium par Sotheby's le 24 mai 2006.

12 mai 2019

Euphorie avec les Pastèques

Rufino Tamayo préfère les recherches formelles aux peintures narratives de ses contemporains Mexicains. Il met en pratique une théorie originale selon laquelle les variations autour d'une couleur unique sont plus expressives qu'une large gamme de couleurs.

La tranche de pastèque est pendant toute sa longue carrière le thème favori de ses natures mortes. La chair variant du rose au rouge est bordée de l'arc blanc de la peau. En tant que fruit non coupé et en tant qu'aliment, la pastèque ne l'intéresse pas.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Sandias, huile et poussière de marbre sur toile 124 x 181 cm peinte en 1980, lot 45 estimé $ 4M.

Cette oeuvre a été réalisée par Tamayo pour son usage personnel : elle est restée accrochée dans sa salle à manger jusqu'en 1989. Peinte alors qu'il venait d'avoir 80 ans, elle apparait un peu comme un testament artistique.

Huit tranches de pastèques sont inégalement arrangées sur une surface abstraite aux riches couleurs qui varient du mauve au violet avec plusieurs nuances de roses. Leur plan de pose est peut-être le plateau d'une coupe ou d'un guéridon, dans une perspective basculante qui évoque Cézanne via Matisse.

Une oeuvre intitulée Ofrenda de frutas peinte en 1987 dans la même technique, 140 x 175 cm, fournit sans doute la clé de l'effet euphorisant des tranches de pastèque sur Tamayo. Un personnage jovial porte un assortiment de fruits exotiques dans le fond d'un drap blanc. Le drap ainsi garni prend la forme d'une tranche de pastèque ou du sourire hilarant d'un clown. Cette peinture a été vendue pour $ 4,2M incluant premium par Sotheby's le 25 novembre 2014.

L'Art Universel de Torres-Garcia

Né à Montevideo, Joaquin Torres-Garcia vient dans l'hémisphère nord avec ses parents en 1891, à l'âge de 17 ans. Après avoir fait la plus grande partie de sa carrière à Barcelone, il revient en Uruguay en 1934. Artiste cosmopolite en relation étroite avec les avant-gardes de Paris, il cherche une expression universelle de l'art qui résulterait de toutes les cultures et de toutes les époques.

En 1903 il avait créé pour Gaudi des vitraux pour la cathédrale de Palma. L'art médiéval est bientôt rejoint par le cubisme de Picasso, qui est une autre façon de représenter l'espace sur une surface plane. Dans son engouement pour le rôle de la géométrie dans l'art, il ira même admirer à New York les structures verticales des gratte-ciel.

L'art abstrait de Mondrian ne lui suffit pas. Il se rapproche de l'idéalisme géométrique de van Doesburg et intègre dans ses conceptions le Dadaïsme et le constructivisme. Il trouve son style de peinture universelle en 1931 en insérant des pictogrammes de style naïf dans une construction, avec une palette de couleurs minimaliste.

Par exemple, Composition Nord positionne dans des cartouches les dessins naïfs d'un poisson, une échelle, une pendule, un coeur, un blason héraldique. Cette huile sur isorel 79 x 60 cm a été vendue pour $ 2,1M incluant premium par Christie's le 20 novembre 2015.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Construccion en blanco, également peinte en 1931, où l'illustration symbolique inclut deux poissons, une pendule, une plume, un porche de cathédrale, deux fantômes, deux visages pré-Colombiens, une femme. Cette huile sur lin 175 x 90 cm est estimée $ 3,5M, lot 43.

Ces inclusions symboliques dans un art abstrait apportent une lecture nouvelle de l'art tout en étant un chaînon entre Dada et Dubuffet.

11 mai 2019

Gens du Port

Elève de Robert Henri, George Bellows avait une forte sensibilité sociale. Petit-fils d'un capitaine baleinier, il était attiré par les ports et par les conditions de vie de la classe ouvrière. Egalement spécialiste des oeuvres graphiques sur les sports, il captait à la fois l'instant décisif d'un match de boxe et la foule aux couleurs bariolées des spectateurs du polo ou du tennis.

Peinte en 1912, l'huile sur toile 114 x 161 cm intitulée Men of the Docks montre des travailleurs journaliers attentant l'embauche sur le port de Brooklyn avec un immense bateau en arrière-plan. Ce chef d'oeuvre de l'art socialiste Américain a été acheté en vente privée en 2014 pour $ 25,5M par la National Gallery de Londres.

L'été, l'artiste trouvait une ambiance reposante dans le Maine. La guerre fait redémarrer les chantiers navals à Camden. Bellows est émerveillé par la construction d'un bateau de fret à quatre mats, employant une centaine de travailleurs. Il peint une série de scènes sur ce thème, incluant parfois les foules composites qui vaquent à leur vie de tous les jours. Ces peintures aux couleurs vives et variées apparaissent résolument optimistes, comme une contribution indirecte de Bellows au patriotisme de guerre.

Regardant vers la mer, Dock builders, huile sur toile 77 x 97 cm peinte en 1916, a été vendue pour $ 3,9M incluant premium par Sotheby's le 19 mai 2011.

Regardant au-delà de la foule vers le bateau colossal en construction dans sa cale sèche, Shipyard Society, huile sur panneau de même dimension également peinte en 1916, est estimée $ 4M à vendre par Christie's à New York le 22 mai, lot 34.

Un Maillot de Babe Ruth

Les maillots portés par les champions de baseball avant la seconde guerre mondiale sont d'une très grande rareté. Certains ont été conservés pendant plusieurs décennies par les familles comme un simple souvenir.

Les joueurs utilisaient deux maillots, un home jersey pour les matchs sur leur terrain et un road jersey pour les matchs extérieurs. Un maillot pouvait être utilisé pendant toute la saison, voire plus, ce qui accroît encore leur rareté.

Par comparaison avec la période suivante, les documents permettant le photo-matching sont plus rares. Les experts apportent ainsi la plus grande attention aux détails de confection qui permettent une identification de l'année ou d'un groupe d'années, plutôt que sur les déchirures du textile ou les défauts d'alignement sur les inscriptions.

Un maillot marqué 'New York' utilisé par Babe Ruth a été vendu pour $ 4,4M incluant premium par SCP le 19 mai 2012 après avoir été exposé pendant de nombreuses années au Babe Ruth Birthplace Museum à Baltimore. Ce road jersey des New York Yankees était daté vers 1920.

Un road jersey Spalding de taille 46 attribué à Babe Ruth vient de faire surface. Il sera vendu par Hunt Auctions au Yankee Stadium le 15 juin, lot 47. La vente est essentiellement consacrée à une collection personnelle de Babe Ruth, peut-être à corréler avec le décès très récent de sa seconde fille. Voici le lien vers cette vente.


La marque 'Yankees' sur le devant permet de dater le maillot entre 1927 et 1930. Une étiquette à l'intérieur du col est marquée Ruth. Un numéro 3 a été effacé tout en laissant quelques traces.


Les photos de Babe Ruth en 1927 montrent un placement différent des boutons. Le photo-matching oriente donc plutôt vers 1928 ou 1929. C'est en 1929 que les Yankees ont commencé à coudre un numéro sur les maillots pour faciliter l'identification des joueurs par le public. Ruth a reçu le numéro 3.


10 mai 2019

Le Chat Electrifié

La jeune artiste espagnole Remedios Varo participe aux jeux intellectuels des cercles surréalistes à Barcelone, à Paris puis à Mexico City, avec une tendance délibérément logicophobe. Elle transfère en Amérique Latine ses impressions de l'Europe médiévale avec ses châteaux hantés et ses ambiances imprégnées d'occultisme et d'alchimie.

Un des jeux surréalistes consiste à simuler des métamorphoses. L'émanation la plus connue est l'oiseau Loplop de Max Ernst. Leonora Carrington est le cheval et Remedios Varo est le chat, un animal de compagnie qu'elle aime beaucoup. Dans cette confrérie essentiellement masculine, Remedios développe un surréalisme humoristique sans précédent tout en préparant avec la complicité de Leonora des potions magiques pour ces Messieurs.

Le 22 mai à New York, Christie's vend une huile sur isorel 96 x 85 cm peinte en 1955 par Remedios Varo, lot 19 estimé $ 2M.

Cette oeuvre intitulée Simpatia ou La rabia del gato a pour thème l'assimilation empathique entre une femme et un gros chat, dans une ambiance exaltée proche d'un exorcisme. Le chat fou est posé sur la table, avec l'arrière du corps redressé comme une queue de scorpion. La femme assise gratte d'une main le dos du chat.

Les poils du chat et les cheveux de la femme sont hérissés de façon similaire. Les regards sont hypnotiques. Chacun des deux émet des faisceaux d'étincelles qui vont cogner le plafond et les murs mais leur potentiel électrique est si proche qu'aucune étincelle ne jaillit entre eux. Sur le plancher trois queues de chat dépassent sous la longue robe, comme si la métamorphose de la femme avait déjà commencé.

Après la mort subite de Remedios Varo en 1963, Breton lui rend hommage en disant qu'elle avait été "la sorcière qui est partie trop tôt".

La Grande Scène du Monde

Pendant toute sa vie, Edward Hopper a été passionné par la littérature et le théâtre. Il a dit : "If you could say it in words, there would be no reason to paint". Pendant ses études d'art, il rencontre Jo qui a les mêmes passions. Bien plus tard il l'épousera. Le lien de leurs intérêts culturels suffira à maintenir ce couple. Les registres tenus par Jo sont la meilleure entrée possible pour comprendre l'oeuvre parfois ésotérique d'Edward.

Le 21 mai à New York, Sotheby's vend Shakespeare at Dusk, huile sur toile 64 x 44 cm peinte par Edward en 1935, lot 16 estimé $ 7M. Cette oeuvre n'est ni mystérieuse ni surréaliste, c'est une vue réaliste d'un coin de Central Park dominé par la statue de Shakespeare. Dans toute l'oeuvre de Hopper, c'est un des très rares cas où l'artiste a dévoilé une source littéraire de son inspiration.

Shakespeare a écrit : "All the world is a stage, and all the men and women are merely players". Sotheby's a judicieusement choisi cette citation pour commenter l'ultime peinture de Hopper, l'autoportrait avec sa femme Jo intitulé Two Comedians, vendu pour $ 12,5M incluant premium le 16 novembre 2018.

L'art graphique de Hopper est un décor de théâtre, illustrant la diversité de sa vie entre New York et Cape Cod. La scène est le plus souvent vide, comme dans Shakespeare at Dusk. Il n'a pas besoin d'installer des personnages. L'interprétation de son art par le thème de la solitude est un leurre et peut-être même un contre-sens : Hopper prépare le décor dans lequel une action va commencer. Ses oeuvres influenceront à juste titre de nombreux cinéastes dont Hitchcock et Wenders.

Le choix du crépuscule est assez fréquent dans l'art de Hopper. C'est le moment instable de la journée, juste avant que les lumières soient allumées dans les rues et derrière les fenêtres, juste avant qu'une nouvelle représentation théâtrale commence.

9 mai 2019

Zao Wou-Ki inspiré par Monet

L'art contemporain est une évolution spectaculaire vers les formats gigantesques. Zao Wou-Ki achète en 1977 une maison-forte du XVème siècle près de Beaune-la-Rolande à 100 Km au sud de Paris. Il installe son atelier dans une dépendance. Dans cette salle de 8 mètres de haut, il ouvre des fenêtres dans la mansarde et crée une mezzanine pour vérifier l'effet de son travail.

Ces conditions nouvelles constituent un défi qui enchante l'artiste. La couverture de tout l'espace devient un exercice progressif dans lequel la planification et l'instinct entrent en concurrence. C'est dans ce refuge tranquille que l'artiste peint ses grands triptyques des années 1980. L'homme est apprécié de ses voisins pour sa courtoisie mais ils ignorent sa profession. Il conserve en parallèle son atelier Parisien.

L'oeuvre la plus monumentale, réalisée pour Singapour, est intitulée et datée Juin-Octobre 1985. Ce triptyque de dimension totale 2,80 x 10 m a été vendu pour HK$ 510M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2018.

Le 25 mai à Hong Kong, Christie's vend une huile sur toile 200 x 486 cm intitulée Triptyque 1987-1988, lot 38 estimé HK$ 120M. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes.

Ce triptyque terminé en 1988 est conçu comme un hommage à Monet et Matisse, plus précisément au mélange harmonieux des couleurs et des lumières des Grandes Décorations et à la fenêtre de Collioure qui ouvre sur le paysage comme un rideau de scène. L'artiste associe à cette reconnaissance Européenne sa sensibilité Chinoise, dans une composition où l'absence de perspective est un moyen d'évoquer l'infinité du monde.

L'Oiseau Dissimulé

L'insertion de l'oiseau chanteur dans une horloge est un exploit technique de miniaturisation mécanique, à la fois pour le mouvement réaliste de l'oiseau et pour le son produit par une serinette. Son invention est attribuée à Frisard travaillant pour la société de Jaquet-Droz et Leschot à Genève.

Les premiers oiseaux sont insérés dans des cages. Dans de nouvelles phases de miniaturisation, ils apparaissent dans des boîtiers verticaux avant de jaillir de tabatières plates par une ouverture dans le couvercle.

Les structures verticales prennent la forme d'amphores à parfum décorées avec le plus grand luxe. En 1787 la société Jaquet-Droz et Leschot vend deux flacons identiques à James Cox, l'horloger Londonien qui agissait aussi comme intermédiaire pour le marché Chinois.

Une de ces deux pièces, haute de 16 cm, a été vendue pour $ 2,53M incluant premium par Sotheby's le 11 juin 2015. Au dos de l'amphore, le canari effectue ses mouvements derrière une vitre ronde quand on active un bouton situé sur un côté de la pièce. La riche décoration dorée et émaillée est incrustée de perles et d'une variété de pierres précieuses.

Le 11 mai à Genève, Antiquorum vend une horloge de conception similaire avec quelques raffinements, lot 35 estimé au-delà de CHF 1M, ici lié sur la plate-forme d'enchères Invaluable. Elle est luxueuse avec un joli émail bleu, de l'or et des perles mais sans pierres précieuses. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette pièce de 19,4 cm de haut a été réalisée par Georges Rémond et Cie à Genève, avec des composants datés 1796 et 1797. Elle est ainsi ultérieure à la mort de Pierre Jaquet-Droz en 1790 et de son fils en 1791, peut-être sous une franchise de Leschot.

Quand il est inactif, l'oiseau est dissimulé derrière une porte ronde décorée d'une femme à l'oiseau d'après Boucher. L'action du bouton déclenche simultanément l'ouverture de la porte et le mouvement et le chant de l'oiseau. La queue déborde à l'extérieur pendant son mouvement tournant. La porte se ferme automatiquement quand la séquence est terminée.

8 mai 2019

Un Canna à Lake George

Alfred Stieglitz a été passionné par l'art de Georgia O'Keeffe avant même de rencontrer l'artiste. Elle est une pionnière de l'art abstrait, qu'elle cherche à concilier avec les formes les plus intimes de la nature. Ils vivent ensemble à partir de 1918 et se marieront en 1924. Depuis son enfance, Alfred passe les étés à Lake George. Georgia découvre à son tour ce joli coin des Adirondack Mountains dans le haut Etat de New York.

L'approche par Georgia des détails de la nature est méthodique et globale. Elle prépare en parallèle plusieurs supports, papier ou toile, sur lesquels elle commence une figuration réaliste de son sujet, à l'aquarelle ou à l'huile, sous les angles les plus variés. Cherchant la pureté des formes, elle retravaille les oeuvres jusqu'au niveau d'abstraction qui lui convient.

En 1919 à Lake George, Georgia prend pour modèle le canna avec une fleur rouge vif et une feuille violette et peint six aquarelles puis huit huiles sur ce thème. Une composition très géométrique avec la fleur triangulaire surmontée de la feuille en diagonale, huile sur toile 42 x 26 cm, a été vendue pour $ 960K incluant premium par Christie's le 4 décembre 2003.

Le 22 mai à New York, Christie's vend Inside Red Canna, huile sur toile 56 x 43 cm estimée $ 4M, lot 12.

Georgia s'est approchée de sa fleur jusqu'à satisfaire une de ses plus profondes obsessions artistiques, l'obtention d'une symétrie parfaite. Les pétales rouge vif protégeant le centre intime brun et rose de ce végétal apportent une impression douillette, presque charnelle.

Cette oeuvre est une de celles qui ont alimenté à partir de 1923 les débats sur une assimilation de la fleur à l'anatomie sexuelle de l'artiste. Cette interprétation est peu crédible parce que les autres opus de cette série n'ont pas une telle caractéristique. Cette fable a probablement été inventée par Stieglitz pour attirer l'attention sur sa femme qui était aussi le modèle de ses photographies, le plus souvent nue. Georgia niait, tout en peignant d'autres fleurs qui illustraient ce fantasme de son mari.

Combat contre le Silence

En 1980 Keith Haring se fait connaître par ses graffitis dans le métro de New York. Il a une sensibilité sociale exacerbée et est ouvertement gay. Le grand format des affiches dans les lieux publics lui convient parce que chacun peut voir son message de très loin. Il a 22 ans.

La grande catastrophe sanitaire de son temps commence la même année. Une maladie contagieuse à fort taux de mortalité attaque en priorité les homosexuels et les drogués. Son nom est défini en 1982 : c'est le SIDA.

La communauté gay tente courageusement de faire face. Jusqu'à la fin 1982 le maire de New York refuse de recevoir les militants. L'art de Haring devient une illustration de l'assimilation du silence et de la mort. La recherche scientifique répond à ce drame : en 1984 le virus du SIDA est identifié.

Le 15 mai à New York, Bonhams vend au lot 9 un acrylique sur bâche de vinyle 302 x 306 cm peint par Haring en octobre 1983. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes sur Twitter.

Comme les surréalistes, Haring met en scène d'oeuvre en oeuvre les personnages fantastiques créés par son imagination, laissant au spectateur l'identification de la signification. Ici le rôle principal est joué par une figure de Mickey Mouse qui montre ses fesses et tire la langue à un grand démon au cou pédonculé, reconnaissable à son trident. Les deux personnages ont des sexes démesurés.

Cette scène est jouée devant un fond de figures multiples incluant des danseurs et un ange minuscule apporté par deux mains. L'utilisation du noir dans les contours rend cette scène très lisible malgré l'enchevêtrement des figures. Les couleurs sont dynamiques tout en étant limitées à un rose fluorescent et un jaune effervescent.

Mickey est impertinent et exubérant, insouciant du risque de la maladie. Le démon prend une attitude choquée face à cet énergumène, comme pour déclarer que les gays doivent désormais mieux contrôler leurs activités sexuelles. L'ange est également exhibé à Mickey pour tenter de le ramener à la raison.


Les Ficelles d'Eva Hesse

Eva Hesse a partagé sa courte vie entre son Allemagne natale et New York City. Elle est influencée par les minimalistes des deux côtés de l'Atlantique. Les clous de Uecker lui montrent qu'on peut créer de l'art avec n'importe quel matériau. Elle voit avec Donald Judd, Sol LeWitt, Yayoi Kusama et Agnes Martin la force expressive de la répétition des formes.

Sa conception de l'aspect éphémère des choses est prémonitoire. Elle choisit d'utiliser le latex parce qu'il se désagrège. En 1965 pendant un séjour dans la Ruhr dans une usine de textile abandonnée, elle se passionne pour les fils de couture.

Le 16 mai 2007, une spirale de corde sur papier-mâché 23 x 23 x 5 cm réalisée en 1966 a été vendue pour $ 3,06M incluant premium par Christie's. Revenue dans la même salle de ventes le 8 novembre 2011, elle a été vendue pour $ 2,7M incluant premium.

Dans la même vente en 2007, une oeuvre 56 x 51 x 3,2 cm judicieusement intitulée Iteration, réalisée en 1966-1967, a été vendue pour $ 4,5M incluant premium. Elle est composée de neuf colonnes verticales de copeaux de bois. Un bout de ficelle terminé par un noeud minuscule pend sous chaque colonne.

Le 16 mai à New York, Phillips vend un dessin au graphite et lavis d'encre sur papier 36 x 36 cm réalisé en 1967. Une figure concentrique est régulièrement répétée sur sept lignes et sept colonnes. Un petit bout de fil de nylon pend au centre de chacun de ces éléments. Cette oeuvre est estimée $ 2,5M, lot 23.

Eva Hesse est morte d'une tumeur au cerveau en 1970, à l'âge de 34 ans. Une grande partie de sa production artistique a rapidement disparu.

7 mai 2019

L'Etroit Chemin de la Liberté

Robert Motherwell avait été un des pionniers de l'expressionnisme abstrait qu'il contribua à séparer du surréalisme. Influencé par la psychanalyse, il cherchera pendant toute sa carrière à donner une visibilité sur son propre univers mental.

En 1948 il illustre par un dessin à l'encre noire un poème par Harold Rosenberg intitulé Elegy to the Spanish Republic. Sur le fond blanc, de grosses masses ovoïdes sont coincées à mi-hauteur dans un réseau de colonnes verticales. L'équilibre du blanc et du noir est le rapport de forces entre la vie et la mort, ou entre l'ordre et le chaos.

La Guerre d'Espagne a été un triomphe de la mort, illustré par le Guernica de Picasso. Motherwell commence à peindre dans un style invariant une très longue série d'Elégies à la République Espagnole. Dans le même style étouffant et lugubre, il avait aussi peint en 1949 At five in the afternoon, inspiré par les écrits sur la tauromachie par Garcia Lorca et Hemingway.

Les formes biomorphiques entre les colonnes sont comme des têtes humaines compressées dans les barreaux d'une prison. L'évasion est impossible. Franco meurt en 1975. En 1978 sur une commande de la National Gallery of Art à Washington DC, Motherwell peint le gigantesque Reconciliation Elegy, 305 x 924 cm. Un espace entre deux colonnes a explosé et le bord gauche est libre, dans un nouvel espoir pour un monde libre.

L'artiste avait été dépossédé contre son gré de l'original d'At five in the afternoon. Un remake 229 x 305 cm peint en 1971 a été vendu pour $ 12,7M incluant premium par Phillips le 17 mai 2018.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend deux opus de l'élégie Espagnole. Le lot 35 estimé $ 9M, typique de l'espoir obstrué, est l'Elegy for the Spanish Republic No. 134, acrylique et charbon sur toile 245 x 305 cm peint en 1974. Daté 1976 mais probablement terminé en 1979, l'Elegy Study No. XIII, 61 x 122 cm, laisse passer la liberté par son bord droit. Elle est estimée $ 1,5M, lot 14.

6 mai 2019

Maman Longues Jambes

Louise Bourgeois tentait d'interpréter ses relations avec ses propres parents, générant une souffrance qu'elle apaisait par son art à la limite de la provocation sexuelle. De 1951 à 1980 elle tente une psychanalyse. C'est un échec : elle considère que Freud ne propose rien pour les artistes.

En 1994 elle construit une petite araignée en acier de 28 cm de haut qui porte des oeufs en marbre dans un sac sous son corps. Ce symbole de maternité rompt avec l'assimilation faite précédemment par l'artiste de l'araignée avec une prostituée. Cette sculpture, une des toutes premières par Bourgeois sur ce thème, est passée à Sotheby's le 11 novembre 2015 avec une estimation basse de $ 4M.

L'année suivante, à l'âge de 84 ans, elle comprend soudain que la fonction maternelle de l'araignée va résoudre ses fantasmes. Elle sculpte de nouvelles araignées en acier et les édite en bronze, dans des configurations variées : corps bas pour grimper sur le mur ou montées sur de hautes pattes minces.

Le périmètre des pattes est la zone de sécurité offerte par la mère à sa progéniture. La comparaison avec la Lupa Capitolina allaitant Romulus et Remus est pertinente. Les araignées de Louise Bourgeois personnifient sa propre mère, trop frêle mais intensément protectrice. La dimension gigantesque des sculptures, culminant en 1999 avec une Maman de 10 m de haut, résout cette contradiction. Maman porte ses oeufs comme la version d'origine cinq ans plus tôt.

Une araignée de 3,26 m de haut sur un périmètre hors tout de 7,56 x 7,06 m conçue en 1996 a été sculptée en acier et éditée en bronze en 1997 en six exemplaires plus une épreuve d'artiste et une variante en bronze. Le numéro 3/6 a été vendu pour $ 28M incluant premium par Christie's le 10 novembre 2015. Le numéro 2/6 est estimé $ 25M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 21 B.

Agglomération

L'agglomération de Los Angeles est gigantesque. Mark Bradford y est né. Il est Afro-Américain. Son art exprime la ville dans toute sa complexité, du sordide au sublime, sans omettre une revendication sociale.

En bas de cette échelle, la ville est définie par ses détritus de papiers colorés que l'artiste collecte, colle et décolle. Ses immenses surfaces sont une suite de détails minuscules, incorporant parfois des images. Il est impossible de tout voir en une seule inspection. Vue de loin, l'oeuvre apparait comme un quartier sans fin vu du ciel, avec ses rues enchevêtrées.

Helter Skelter est une suite de deux opus préparés en 2007 pour une exposition à New York en 2008. Malgré leur dimension considérable, 366 x 1036 cm pour Helter Skelter I et 376 x 1107 cm pour Helter Skelter II, ils ont été exposés côte à côte.

Bradford n'omet pas la dimension sordide de sa ville. Le titre, Helter Skelter, avait été la profession de foi politico-raciale de Charles Manson, l'abominable criminel de masse blanc qui s'auto-proclamait le roi des nègres. C'est volontaire : une oeuvre précédente avait été intitulée Scorched Earth.

Helter Skelter I a été vendu pour £ 8,7M incluant premium par Phillips le 8 mars 2018 et fait désormais partie de la collection permanente du Broad Museum à Los Angeles.

Helter Skelter II est estimé $ 8M à vendre par Phillips à New York le 16 mai, lot 24. Une des illustrations du catalogue permet de dérouler l'image, révélant la complexité du langage artistique à la fois figuratif et abstrait de Mark Bradford.

5 mai 2019

Le Boîtier Vichet

Plusieurs montres-bracelets avec calendrier perpétuel et phases de la lune sont introduites presque simultanément au catalogue de Patek Philippe. La 2499 est un chronographe et la 2497 a les secondes au centre.

Ces montres de très haute complication sont assemblées progressivement sur une très longue durée. La production totale de la 2499 est de 349 unités de 1950 à 1985. La 2497 est encore plus rare : 115 unités, de 1951 à 1963, ou 179 unités si l'on inclut sa version étanche 2438/1.

Les boîtiers de la 2497 et de la 2499 sont similaires sauf que la 2497 n'a pas le bouton-poussoir du chronographe. Ils sont disponibles dans les trois couleurs d'or et en platine. Les premiers boîtiers sont fabriqués par Emile Vichet. La seconde série de boîtiers est confiée à Wenger. Leur face arrière est arrondie et la forme des attaches est simplifiée.

Les collectionneurs de montres cherchent les pièces impeccables dans les configurations les plus rares. Les résultats ci-dessous incluent le premium.

Citons avec le boîtier Vichet une 2499 en or rose assemblée en 1951, vendue pour CHF 2,63M par Christie's le 9 novembre 2014, et une 2497 en or rose assemblée en 1953, vendue pour CHF 590K par Phillips le 8 novembre 2015. Une autre 2497 en or rose, également assemblée en 1953, est estimée CHF 500K à vendre par Sotheby's à Genève le 12 mai, lot 184.

Toujours en avance sur son temps, Patek Philippe savait innover sans se préoccuper du marché. Les deux 2497 en or rose listées ci-dessus ont attendu respectivement 1970 et 1971 pour être vendues à leur premier client, longtemps après la fin de production de cette référence. Elles étaient déjà devenues des pièces de collection et sont restées dans un état exceptionnel.

Citons pour la 2497 avec le boîtier Wenger une montre en or blanc assemblée en 1954, vendue pour CHF 2,3M par Phillips le 12 novembre 2017 et une variante militaire à l'usage de Haile Selassie, assemblée la même année et vendue pour CHF 2,9M par Christie's le 15 mai 2017. Une 2499 assemblée en 1956 pour Asprey dans un boîtier Wenger en or jaune a été vendue pour CHF 3,9M par Sotheby's le 13 novembre 2018.

Le Grand Siècle de Picasso

Dans son ambition de devenir et rester le plus grand artiste, Pablo Picasso s'est beaucoup intéressé à ses plus illustres prédécesseurs, adaptant leur imagination à ses propres styles. En 1966 après une maladie invalidante, il retrouve Velazquez et Rembrandt, et derrière eux une image idéalisée du XVIIème siècle. Au travers de Velazquez, il revoit aussi son Espagne natale.

Il ne se déplace plus guère. Jacqueline et Mougins constituent son environnement de vie. Son médecin lui interdit de fumer. Au dehors la vie continue, avec une nouvelle et éphémère truculence apportée par la liberté sexuelle.

Il entre alors dans une période de créativité intense, avec des couleurs criantes. Son art se peuple de personnages pittoresques : les mousquetaires, les matadors, les impressionnistes, sa femme nue. Ce style caricatural plait au public. Les critiques d'art n'y voient qu'une fantaisie mais peu importe : désormais Picasso travaille beaucoup pour lui-même, contre son propre vieillissement.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Mousquetaire à la pipe, huile sur toile 145 x 96 cm peinte en 1968, lot 40 estimé $ 20M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Ce mousquetaire est engageant et malicieux. Le dessin est d'une grande efficacité : quelques boucles pour une perruque comme celle de Louis XIV, la moustache qui remonte comme un sourire, cinq petits coups de pinceau pour la barbiche. La différence entre les deux yeux peut être interprétée comme un clin d'oeil.

Il est aussi un autoportrait, comme la plupart des personnages masculins peints par Picasso. Il ressemble beaucoup au substitut d'un autoportrait de Rembrandt que Picasso a peint au côté de Jacqueline nue en 1967. Cette peinture a été vendue pour £ 13,7M incluant premium par Christie's le 27 février 2018.


4 mai 2019

Emotions Pop

Avec le Pop art, la peinture est sortie des cercles intellectuels. L'émotion offerte par les expressionnistes abstraits était réservée à une élite qui acceptait de passer du temps à chercher une empathie.

La multiplication des images est devenue une caractéristique de la société de consommation. Dans le magazine, sur l'affiche, dans la rue, elle a besoin d'être à la fois simple et frappante pour atteindre son but : vendre, même si le produit à vendre est médiocre.

L'art de Roy Lichtenstein ne vise pas les élites. Il s'adresse à chacun. Quand ils voient une image, les gens aiment la rapporter à ce qu'ils connaissent déjà, jusqu'à transposer sur eux-mêmes les sentiments exprimés par le personnage.

Roy découpe dans les magazines des images de bande dessinée qu'il agrandit jusqu'à la dimension d'une oeuvre d'art. La séquence originale n'est pas disponible, aiguisant encore plus l'imagination du spectateur quant au déroulement de l'action. La jeune femme, seule ou avec un homme, est un des thèmes préférés de l'artiste.

A l'écart de toutes les modes artistiques et sourd aux critiques, Roy peut se permettre toutes les audaces. Ses premières oeuvres Pop art copient souvent un phylactère de l'image originale. La parole suivante adressée par une blonde à un peintre prend la force d'un manifeste quand elle est transposée sur grand format : "Why, Brad darling. This painting is a masterpiece! My, soon you'll have all of New York clamoring for your work!". Cette oeuvre 137 x 137 cm peinte en 1962 a été vendue pour $ 165M en transaction privée en janvier 2017.

Le 15 mai à New York, Christie's vend Kiss III, acrylique sur toile 163 x 122 cm également peinte en 1962, lot 7 B estimé $ 30M.

Kiss III montre un homme et une femme dans une embrassade amoureuse, sans phylactère. Ils ne sont pas beaux et le dessin est trop simple : l'art n'a plus besoin de l'esthétique. Les réseaux de points qui créent la couleur de la peau et d'un des vêtements rappellent l'origine tramée de cette image provenant (ou supposée provenir) d'un magazine populaire.

Promotion pour un Vilain

Le premier film de la série La Guerre des étoiles sort en 1977. Il suscite les passions. Un jeune homme approche l'équipe de production pour acquérir un T-shirt. Il demande la plus grande taille. C'est une sorte de miracle : il a la même carrure que David Prowse, le body-builder qui joue le role de Darth Vader, et la même voix grave et autoritaire que James Earl Jones, doublure vocale de Prowser.

Venez ici jeune homme, on a besoin de vous. Le succès du film génère de nombreuses célébrations pour lesquelles la présence de Darth Vader est indispensable. Prowse est disqualifié à cause de sa voix qui ne correspond décidément pas au personnage du grand méchant. Pour ces mondanités, l'unique costume de Darth Vader du premier film est confié au jeune homme.

Le deuxième film, The Empire strikes back, se prépare en 1979. Cette fois-ci la Twentieth Century Fox voit plus grand : plusieurs costumes de Darth Vader sont réalisés. Quand le film sort l'année suivante, le costume d'origine est trop usé et doit être échangé. L'équipe de production confie au jeune homme un des costumes du second film, probablement non porté à l'écran.

Ce second costume est utilisé dans les cérémonies pendant environ un an. Le jeune homme le range dans un coin de son garage et tout le monde l'oublie. Il vient de refaire surface et est estimé $ 1M à vendre par Bonhams à Los Angeles le 14 mai, lot 162.

Cet ensemble est complet et en très bon état. Il est basé sur une tenue de motocycliste à laquelle ont été ajoutés les éléments spécifiques à l'horrible personnage : le casque, le masque facial, l'armure d'épaule, les capes extérieure et intérieure. Les gants ne sont pas d'origine. Le méticuleux propriétaire y a joint son collant. La hauteur totale après habillage est 1,93 m.


3 mai 2019

Les Portes de Venice

Jean-Michel Basquiat fait sa première visite à Los Angeles en mars 1983 pour une exposition solo de ses oeuvres par Larry Gagosian à West Hollywood. Il revient quelques mois plus tard pour travailler dans un atelier préparé pour lui à Venice par Gagosian. Il y restera près d'un an.

Gagosian comprend que le jeune homme aimera être entouré de garçons et filles de son âge. Il lui donne comme assistant son collaborateur Matt Dike qui fondera plus tard une édition de disques hip hop. Dike amène avec lui Tamra Davis qui travaille à West Hollywood dans une autre galerie.

Le 16 mai à New York, Phillips vend un auto-portrait peint par Basquiat à Venice en 1983, lot 29 estimé $ 9M.

Cette oeuvre est le seul exemple dans la carrière de Basquiat dont la réalisation a été filmée. Davis est venue avec sa caméra. Le graphisme est conforme au style de l'artiste mais des éléments de fantaisie ont été ajoutés : elle a été préparée à l'huile, acrylique, oilstick, graphite et encre sur des papiers qui ont été collés sur deux portes de bois récupérées on ne sait où et qui ont conservé boutons et serrure.

Dès que le travail a été terminé, Basquiat et Davis ont transporté l'oeuvre dans l'atelier de Dike. Davis a inséré 27 ans plus tard quelques images dans son film documentaire de long métrage intitulé Jean-Michel Basquiat: the Radiant Child.

Le diptyque est composé de deux images très différentes, peut-être pour montrer devant la caméra tout le savoir-faire de l'artiste. La porte de gauche, 202 x 76 cm, est un auto-portrait au squelette visible, avec la coiffure typique de Jean-Michel que l'on voit sur les photos d'époque.

Un morceau de contre-plaqué ajouté en haut de la porte de droite augmente jusqu'à 246 cm la hauteur de ce panneau. Il est illustré d'éléments disparates dominés par l'incantation mystique 'Repel Ghosts'.

La récupération de bois d'ameublement amuse incontestablement Basquiat. Une peinture sur bois parqueté effectuée en 1984 à Venice après le démontage de la palissade de son jardin a été vendue pour $ 45M incluant premium par Phillips le 17 mai 2018.

Exclusion de la Signification

Frank Stella arrive à New York. Il a fait des études d'histoire de l'art et a une expérience de peintre en bâtiment. Il partage un atelier avec Carl Andre. Ils ont à peine plus de 20 ans.

En 1958 Castelli consacre une exposition à Jasper Johns. La régularité géométrique des cibles de Johns exclut l'émotion. En appliquant des pigments industriels sur ses toiles en un réseau de bandes d'une régularité absolue, Stella est un pionnier de l'art sans signification. Andre devient un sculpteur minimaliste.

Pour la forme, ils ont eu des précurseurs et des contemporains. Andre admire Brancusi. Malevitch avait été le premier à comprendre qu'une peinture n'est rien d'autre qu'une surface peinte mais il en cherchait une utilité. Albers enseignait les oppositions de couleurs. Barnett Newman cherchait à révéler la création du monde. Les achromes de Manzoni veulent contrôler le hasard. Klein veut trouver la couleur sublime. Ryman ne renonce pas aux reflets.

En 1959 Stella réalise des peintures avec de l'émail noir qu'il dispose en bandes d'égale largeur dans un réseau rectangulaire ou anguleux, laissant la toile à nu sur le très étroit interstice entre deux bandes. Son travail effectué sans dessin préalable et sans masquage laisse des inégalités dans la matière mais les lignes de toile nue sont très nettes.

La peinture a perdu son émotion mais Stella expose son état d'âme dans les titres. Deux opus noirs sont intitulés The Marriage of Reason and Squalor pour dénoncer ses conditions de vies misérables. Bethlehem's Hospital est un asile de fous. Une toile 213 x 335 cm portant ce titre a été vendue pour $ 4,4M incluant premium par Christie's le 14 mai 2003.

Le 15 mai à New York, Christie's vend Point of Pines, émail noir sur toile 215 x 278 cm, lot 28 B estimé $ 25M.

Plus tard Stella reconstitue des réseaux de bandes similaires en utilisant tour à tour les six couleurs pures de la marque Benjamin Moore de peinture en bâtiment. Une oeuvre 196 x 196 cm réalisée en 1961 a été vendue pour $ 13,7M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2015.

2 mai 2019

Guarneri et Fils

La Casa Guarneri, atelier de luthiers à Crémone, commence avec Andrea qui avait été jusqu'en 1654 élève et collaborateur d'Amati. Son fils ainé Pietro s'établit à Mantoue en 1683. Son autre fils Giuseppe 'filius Andreae' reste avec lui à Crémone.

A partir du milieu des années 1680 Giuseppe fait preuve d'une exceptionnelle habileté. Andrea continue de valider les instruments réalisés dans leur atelier jusqu'à sa mort en 1698. Giuseppe 'filius Andreae' est reconnu comme le meilleur concurrent de Stradivari.

Les altos fabriqués par Guarneri sont très rares. Ils se répartissent en deux périodes : quatre instruments connus de 1660 à 1676 et trois instruments connus de 1690 à 1697. Les trois derniers ont gardé selon la tradition le nom d'instrumentistes qui les ont possédés : Josefowitz, Nobuko Imai, Primrose. Ils bénéficient incontestablement du savoir-faire de Giuseppe et sont extrêmement similaires entre eux avec des dimensions considérées comme idéales.

L'alto Primrose Guarneri a été vendu le 5 juillet 2012 par Tarisio dans une vente aux enchères privée dont le résultat n'a pas été divulgué. La page Tarisio Auctions sur Wikipedia annonce cependant un prix au-dessus de $ 4M pour cette transaction. Il est réputé pour la puissance de sa tonalité et William Primrose l'a souvent utilisé dans ses enregistrements.

Le 16 mai à New York, Tarisio vend l'alto Josefowitz Guarneri, lot 45 avec une enchère de départ de $ 800K et une estimation haute de $ 1,2M. Voici le lien vers le site de la maison de ventes. Cet instrument porte l'étiquette d'Andrea Guarneri à Crémone avec la date de 1690 qui est très crédible.

Le Regard d'une Reine

L'oeuvre de Frank Frazetta est une suite d'univers parallèles peuplé de femmes musclées et de créatures terrifiantes. Travaillant essentiellement pour des couvertures de livres et de magazines, il doit capter l'attention des clients des librairies en offrant des instants d'action intense.

Frazetta utilise la peinture à l'huile avec des couleurs brillantes et un contraste dramatique, libérant l'érotisme des femmes presque nues. Il excite ainsi les fantasmes des lecteurs de son temps, tout comme les films d'horreur d'Universal Pictures faisaient oublier aux cinéphiles les conséquences de la grande crise.

Egyptian Queen est une huile sur toile tendue 50 x 66 cm. Cette scène comporte tous les ingrédients du rêve : la femme est une reine d'un mystérieux autre temps, à la fois hautaine et légèrement boudeuse, protégée par un garde antique lourdement armé. Au premier plan un puissant fauve feule. C'est son animal de compagnie, avec un collier.

Frazetta travaillait très vite. Avec Egyptian Queen, il comprend qu'il a tous les éléments d'un chef d'oeuvre. Il veut que les yeux lourdement fardés aient un pouvoir hypnotiseur. Après avoir laissé la peinture de côté pendant plusieurs mois, il trouve soudain son inspiration et termine l'oeuvre en quelques minutes.

Publié pour la première fois en 1969 sur la couverture d'un magazine de comics d'horreur, Egyptian Queen sera ensuite largement réutilisé pour des magazines et des posters. Frazetta a conservé l'original pendant toute sa vie. Cette peinture sera vendue par Heritage à Chicago le 16 mai, lot 91027. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

1 mai 2019

Au-dessus de la Baie des Anges

Matisse se plait bien à Nice. Les Américains disent que c'est sa "nice period". Il aménage en 1928 un nouvel atelier, à l'étage juste au-dessus de son appartement précédent, avec une vue superbe sur la Baie des Anges. Avec des fenêtres vitrées tout du long de la façade, cette nouvelle installation est parfaite pour la lumière et pour les couleurs.

Il peint des nus, dans la suite logique de son activité. Il aime les corps athlétiques des danseuses. Le 13 mai à New York, Christie's vend un Nu à la fenêtre, huile sur toile 65 x 55 cm peinte en 1929, lot 21A estimé $ 7M.

Cette image est composée comme un diptyque. A droite la 'grande bleue' est visible jusqu'à l'horizon au-delà de la fenêtre et du balcon. A gauche dans l'appartement, la jeune femme debout de face est nue à l'exception d'un léger peignoir entièrement ouvert et d'un collier. Elle s'appelle Loulou.

Dans cet ensemble qui aurait pu être disparate, l'artiste a réussi un bel équilibre de la composition et des couleurs, avec une brillance qualifiée de nacrée qui est l'aboutissement de cette longue phase de nus Niçois. Le changement lui manque : il consacre essentiellement les quatre années suivantes au dessin et à la gravure.

Balcons à Paris

Paris est complètement transformé pendant le Second Empire. Pour des raisons de sécurité, Napoléon III confie à Haussmann la tâche gigantesque de débarrasser la ville de son réseau de rues insalubres. Haussmann tranche dans le tissue urbain pour créer des avenues larges et droites, bordées de hauts immeubles sur un modèle unique, avec de grands balcons.

Né à Paris en 1848, Gustave Caillebotte a connu et apprécié ce bouleversement. En 1875 le jeune artiste devient impressionniste par rancoeur du rejet par le Salon d'une peinture trop sociale. Il a de l'imagination pour trouver des thèmes inédits.

L'autre merveille du temps est le chemin de fer. En 1876 Caillebotte peint une vue du pont de l'Europe, un très long viaduc ferroviaire qui mène à la gare Saint-Lazare. Monet connaît bien cette gare, terminus de la ligne qui le mène à Argenteuil. Est-il soudain inspiré par le modernisme ou craint-il d'être débordé par un concurrent ? Il consacre l'hiver 1877 à sa série de peintures de la même gare.

La capitale connaît aussi des transformations culturelles. Inauguré en 1875, l'immense Opéra de Paris devient le symbole de la riche bourgeoisie à laquelle appartient la famille Caillebotte.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend La Rue Halévy vue du sixième étage, huile sur toile 60 x 73 cm peinte par Caillebotte en 1878, lot 17 estimé $ 6M. L'image ci-dessous, partagée par Wikimedia, a été extraite d'un livre d'art.

Aussi large qu'un boulevard, la rue Halévy mène du boulevard Haussmann vers l'Opéra qui est visible au-delà des immeubles Haussmanniens. Cette perspective aérienne est hardie pour son temps. La rue est agréablement clairsemée de piétons et de calèches.

Caillebotte aime décidément beaucoup ce quartier. Après la mort de leur mère qui survient la même année, Gustave et son frère Martial emménagent au 3ème étage du 31 boulevard Haussmann, à moins de 200 mètres de la position de la vue précédente. Leur balcon surplombant le boulevard est le thème de plusieurs peintures en 1880 et 1881.

Gustave Caillebotte - Rue Halévy, vue d'un sixième étage

30 avr. 2019

Gauguin en Martinique

Paul Gauguin participe en mai 1886 à la 8ème et dernière exposition des Impressionnistes mais ce style ne lui convient plus. Cherchant ses racines culturelles, il fait son premier séjour en Bretagne, qui était encore passablement arriérée à cette époque et où la vie n'est pas chère.

Gauguin a abandonné depuis 1884 son emploi d'agent de change mais l'art ne compense pas. Ses difficultés financières et familiales deviennent critiques. Il croit trouver un eldorado par la campagne de publicités exaltantes et mensongères relatives à la construction du canal de Panama par les Français. Avec Charles Laval, un jeune artiste qu'il avait rencontré à Pont-Aven, il part en avril 1887 pour Panama.

Panama n'offre pas la richesse à ses ouvriers mais plutôt la malaria et la fièvre jaune. Nos deux aventuriers sont rapatriés en juin 1887 par un bateau français qu'ils quittent à la Martinique.

Sous les tropiques, Gauguin trouve l'ambiance de société primordiale qu'il n'avait pas assez ressentie en Bretagne. Du fait des différences raciales, il n'est plus handicapé par son tempérament bagarreur et chicanier. Il peint les couleurs vives du paysage et la vie rurale.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Chemin sous les palmiers, huile sur toile 89 x 60 cm, lot 18 estimé $ 6M. Le tweet ci-dessous est le détail du haut de l'image.

Après avoir vécu cinq mois dans une hutte en Martinique, Gauguin rapporte en France son enthousiasme enfin retrouvé, accompagné de dysenterie et de fièvre des marais. Il a développé aux Antilles une théorie de peinture d'imagination qu'il tentera en vain d'inculquer à van Gogh.

Jeune Mariée et Chien

Picasso change de vie. En mars 1961 il épouse Jacqueline, sa muse depuis 1954. Pablo a 80 ans, elle a 35 ans. En juin les nouveaux mariés quittent Cannes pour s'installer à Mougins.

Dans leur vaste mas provençal, ils essayent d'avoir une vie ordinaire. Tous deux aiment les chiens. Le teckel Lump est rejoint depuis 1960 par un lévrier Afghan nommé Kaboul qui devient le favori de Jacqueline. Pablo réalise pas moins de six peintures à l'huile sur le thème de Jacqueline et de son gentil chien.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Femme au chien, huile sur toile 162 x 130 cm peinte en 1962, lot 33 estimé $ 25M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

La femme est assise. Kaboul est debout sur ses quatre hautes pattes. Ces deux personnages sont dans une attitude statique. La position des mains de Jacqueline montre une intimité tranquille.

Curieusement leur traitement graphique est différent. Kaboul est presque réaliste, sauf que ses yeux hagards et son léger sourire ne sont pas des marques d'intelligence. Le visage de la femme est déstructuré en quatre angles de vue. L'oeil gauche et la bouche sont insérés dans deux profils contradictoires. L'oeil droit est vu de face et le portrait est complété sur le côté droit par une abondante queue de cheval.

29 avr. 2019

Le Grand Deuil de Lee Krasner

Lee Krasner, la femme de Jackson Pollock, est une artiste d'une très grande créativité. Elle a su révéler le génie de son mari à lui-même et au monde tout en le poussant à travailler dans une grange isolée, protégée des tentations stériles de la grande ville.

Forte de ce succès, elle avait laissé sa carrière s'effacer derrière la gloire de Jackson. Quand il meurt en 1956, elle sait démontrer l'originalité de son art personnel. Inspirée par le biomorphique, son style est plus proche de de Kooning que de Pollock.

La mort de sa mère en 1959 est un évènement insupportable pour cette femme hypersensible. Elle revient s'approprier l'atelier dans la grange pour pouvoir peindre des toiles de très grand format. Ses oeuvres sont sans limites comme celles de Pollock, avec une énergie rageuse comme celle de Joan Mitchell et une obsession de la répétition comme Yayoi Kusama.

Son drame psychologique lui fait perdre le sommeil. Pendant toute la nuit, elle peint. Elle se souvient de son talent de coloriste et regrette d'avoir été amenée à travailler dans l'ombre. Elle choisit judicieusement des teintes neutres et subtiles qui n'ont pas besoin d'être améliorées par la lumière du jour, ambre, crème, sienne. Cette série de 24 peintures exécutées de 1959 à 1961 est intitulée Umber, qui signifie à la fois ombre et sienne.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 234 x 487 cm peinte en 1960, lot 29 estimé $ 10M. Elle est intitulée The eye is the first circle, qui est une citation mystique de Ralph Waldo Emerson recherchant la signification du monde. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.



Le Trône Laqué

L'art de la laque nécessite l'intervention de deux métiers, le laqueur et le ciseleur. Le laqueur couvre la surface de bois tendre de très fines couches de laque, l'une après l'autre, jusqu'à obtenir l'épaisseur désirée. Pour les épaisseurs importantes, ce travail peut durer plusieurs mois. Le ciseleur exécute dans cette épaisseur les figures demandées.

Le 14 mai à Londres, Christie's vend un large fauteuil laqué, lot 60 estimé £ 800K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Ce grand meuble est très finement ciselé sur toutes ses surfaces sauf bien sûr l'assise proprement dite, avec une profondeur de laque qui a nécessité 100 à 150 couches. Dans un extrême raffinement, trois couleurs ont été utilisées, un classique rouge cinabre en surface et de l'ocre et du vert dans les sous-couches atteintes par la ciselure.

Par son opulence et ses dimensions, 111 cm de haut, 115 cm de large et 86 cm de profondeur, ce fauteuil est un trône impérial. Son illustration inclut neuf dragons impériaux à cinq doigts qui poursuivent la perle de feu dans les nuées. La face arrière ajoute d'autres auspices incluant des chauves-souris et une paire de poissons.

Ce type de trônes a été réalisé sous la dynastie Qing, essentiellement pendant le règne de Qianlong. Les archives impériales ont enregistré pendant la neuvième année du règne, 1744 CE, la commande d'un trône laqué avec des dragons qui était destiné à un petit palais utilisé comme une loge de théâtre intime dans la cité impériale. Cette information ne permet pas une identification avec la pièce à vendre mais elle montre que ces meubles fragiles n'étaient pas des trônes de cérémonie.

Le catalogue de la prochaine vente cite en référence un trône Qing similaire, probablement antérieur. Sa laque était constituée de couches rouges, noires et vertes sur un fond brun et contenait des inclusions d'or. Ce lot a été vendu pour HK$ 13,8M incluant premium par Christie's le 29 mai 2007.

28 avr. 2019

Etude pour un Cauchemar

Francis Bacon avait l'habitude de détruire ses propres oeuvres dès qu'elles ne lui convenaient plus. Presque tout a disparu. Une huile sur lin simplement intitulée et datée Painting 1946 a survécu parce qu'elle a été achetée très tôt par la galeriste Erica Brausen pour Graham Sutherland.

Painting est une oeuvre surréaliste. L'artiste avait d'abord voulu montrer un chimpanzé parce que les visiteurs aiment se reconnaître dans une peinture comme dans leur propre miroir. Le singe s'est transformé en oiseau de proie puis en une créature immonde encerclée par une barrière comme dans un musée.

Le succès de Painting a entraîné en 1949 le projet de la série des six Heads, également soutenu par Brausen. Avec une intensité croissante de I à VI, Bacon libère deux de ses obsessions majeures, l'instantané de la mort symbolisé par le hurlement de la vieille femme du Cuirassé Potemkine, et la vanité du pouvoir symbolisée par l'Innocent X de Velazquez.

Pendant plusieurs années Bacon peint des études associant ces hallucinations. Un pape impuissant est pris au piège sur son trône comme dans une cage. La ressemblance avec la scène du film d'Eisenstein est renforcée par le pince-nez cassé devant l'oeil tuméfié. Il n'a plus besoin de singe pour offrir au spectateur le miroir de son horreur.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend Study for a Head, huile et sable sur toile 66 x 56 cm peinte en 1952, lot 9 estimé $ 20M. Ce cauchemar est lourdement inspiré par le personnage du Potemkine. L'inspiration pontificale n'est pas évidente dans cet opus spécifique.

Elvis après la Soupe

Il y a une place pour l'art contemporain à Los Angeles. En 1957 Walter Hopps fonde la Ferus Gallery. Ferus est un mot qui sonne bien et s'écrit facilement, comme autrefois Kodak pour Eastman. A New York autour de Castelli, le Pop Art devient la merveille du temps. A partir de 1958 Irving Blum rejoint Ferus et assure le lien avec la côte Est.

En 1962 Blum expose à Ferus la série complète des 32 Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol. L'introduction de techniques mécanisées dans un processus artistique est incongrue et même scandaleuse. Les promesses de vente sont si faibles que Blum achète la série complète. Elle n'a pas été disjointe et se trouve actuellement au MoMA.

Blum persévère. En 1963 Ferus consacre à nouveau une exposition aux multiples de Warhol. Cette fois-ci le thème est fourni par le cinéma, la spécialité de Los Angeles. Warhol expose Elvis et Liz.

Dans cette exposition toutes les images d'Elvis Presley proviennent d'une unique coupure de journal de 1960 faisant la promotion pour un film intitulé Flaming Star. Elvis habillé en cowboy est debout de face, le pistolet dans la main droite. Cette image est maintenant identifiée sous le nom d'Elvis - Ferus Type.

Andy a fait toutes ses impressions sur une peinture d'argent évoquant l'écran d'un cinéma. Il a constitué ainsi un rouleau de 2,08 m de haut. Les images sont irrégulièrement espacées et parfois chevauchantes. L'artiste envoie le rouleau non découpé à Ferus avec les cadres, sans autre instruction que de réaliser une exposition très dense de tout cet ensemble. Il a trop de travail pour participer au montage et refuse l'invitation de Blum.

22 Ferus Types ont survécu, avec des figures simples, doubles ou multiples. Un Triple a été vendu pour $ 82M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014. Un étrange Double dont l'une des impressions est très faible a été vendu par Sotheby's le 9 mai 2012 et par Christie's le 17 mai 2018, à chaque fois pour $ 37M incluant premium.

Un Double Elvis dans un chevauchement normalement contrasté, 208 x 122 cm, est estimé $ 50M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 23 B.