26 déc. 2019

Picasso a cassé son Jouet

Picasso ne parvient plus à maintenir un équilibre dans sa vie sexuelle. L'artiste tente de capter ses sentiments par l'image gravée. Conçue en décembre 1934, la planche 97 de la Suite Vollard est un Minotaure aveugle guidé par une fillette dans la nuit, confrontation entre la brutalité sexuelle de l'artiste et l'innocence perdue de sa maîtresse Marie-Thérèse.

La situation empire en 1935, que Picasso considérera comme la pire époque de sa vie. Marie-Thérèse est enceinte. Olga est furieuse. Picasso conçoit la Minotauromachie, une de ses compositions les plus complexes. Il concentre dans une seule image trois âges de la femme et deux âges de l'homme.

Le héros le plus visible est l'énorme brute mythologique à tête de taureau sur un corps humain, le Pablo d'aujourd'hui. Il vient tout juste de vaincre la femme enceinte, une torera agonisante sur un cheval étripé. Dans une loge de théâtre, deux jeunes femmes regardent cette étrange corrida, avec un reste d'espoir symbolisé par deux colombes. La petite fille innocente arrête le taureau avec une lumière et un bouquet. Le vieil homme, Picasso demain, fuit sur une échelle qui ne mène à rien.

La Minotauromachie est l'oeuvre la plus intime de toute la carrière de Picasso, qui consacre plusieurs sessions de travail à sa réalisation dans l'atelier du graveur Roger Lacourière. L'état final est le septième. Picasso destine ces images à ses meilleurs amis, hors du commerce. La quantité totale de cet état dépasse sans doute 55 exemplaires.

Ces images sont distribuées par l'artiste avec parcimonie. Il en reste environ 25 exemplaires dans sa succession. Ces copies non numérotées, imprimées à pleines marges sur un format de feuille 57 x 77 cm, sont les plus recherchées.

Citons trois résultats sur des pièces de cette provenance : £ 1,02M par Sotheby's le 23 juin 2014, $ 2,1M par Christie's le 16 novembre 2016, $ 1,33M par Christie's le 13 mai 2019. Ces prix incluent le premium. Un autre exemplaire de la même provenance est estimé £ 800K à vendre par Phillips à Londres le 23 janvier, lot 1.

Les personnages tragiques de la Minotauromachie reviennent deux ans plus tard dans Guernica, ouvrant la voie à une interprétation certainement erronée selon laquelle la Minotauromachie reflète les inquiétudes de Picasso concernant la situation politique en Espagne.

25 déc. 2019

Une Histoire à l'Atelier

Fils d'un brodeur de Leyde, Jan Lievens est un enfant prodige. Il termine son apprentissage auprès de Pieter Lastman à Amsterdam en 1619 et ouvre son propre atelier dans la maison de son père. Il a à peine 12 ans.

Le garçon n'est pas influencé par les thèmes épiques de Lastman mais par la truculence et les effets de clair-obscur des Caravagistes d'Utrecht, que Lastman ne pouvait pas ignorer. Une allégorie des cinq sens peinte par Lievens vers 1622 met en scène quatre hommes et une femme. Un des hommes tient dans ses bras cette jeune femme potelée aux seins nus qui sourit béatement.

Un peu plus tard un jeune homme aux cheveux châtain très bouclés apparait dans les compositions de Lievens. Il est à ce moment le faire-valoir de Lievens et son aîné d'un an. Il est aussi peintre et ses thèmes allégoriques sont moins audacieux. Il s'appelle Rembrandt van Rijn.

Rembrandt est ainsi très probablement le personnage central éclairé en pleine face des Joueurs de cartes, peints par son ami vers 1624-1625. Cette huile sur toile 98 x 106 cm a été vendue pour € 1,77M incluant premium par Sotheby's le 8 mai 2007 sur une estimation basse de € 150K.

La femme délurée revient pour une embrassade encore plus fougueuse dans une huile sur toile 97 x 84 cm. Son compagnon est maintenant le jeune homme aux cheveux bouclés. Cette oeuvre ne peut pas être ultérieure à 1626, date à laquelle Lievens âgé de 19 ans abandonne le style Caravagesque.

Cette peinture a été vendue pour NLG 2,36M incluant premium par Christie's le 6 mai 1998. Ce prix correspond à € 1,07M. A ce moment le voile de la chemise couvre les seins. Cette figuration pudique n'est qu'un repeint qui a été enlevé avant une exposition en 2008. Elle a maintenant retrouvé son érotisme post-caravagesque d'origine et la peinture est estimée $ 4M à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier, lot 35. L'image est partagée par Wikimedia.

Rembrandt a été aussi un élève de Lastman mais c'était autour de 1625, longtemps après Lievens. L'atelier partagé à Leyde pendant plusieurs années par Lievens et Rembrandt n'est pas documenté et est probablement une légende entretenue par la rivalité amicale entre les deux artistes. Visitant Leyde en 1628, Constantijn Huygens, le secrétaire du Stadholder, préfère les audaces de composition et les personnages plus grands que nature de Lievens tout en reconnaissant que l'art de Rembrandt est plus pénétrant.

PaintingJanLievensYouthEmbracingAYoungWomanCirca1627to1628

Le Cercle de Famille

Peter Paul Rubens revient à Anvers en 1608 après avoir passé huit ans en Italie. Par un heureux hasard, la paix entre l'Espagne et les Provinces Unies est signée quelques semaines plus tard. Il reçoit des commandes pour de monumentales pièces d'autel pour la cathédrale d'Anvers. Il ouvre un grand atelier et ses affaires deviennent prospères.

Sa vie familiale change aussi. La mort de sa mère avait été le prétexte de son retour. Il se marie en 1609 et est désormais entouré de nouveaux-nés : sa fille Clara Serena née en 1611 ainsi que les enfants de son frère ainé Philip, Clara née en 1610 et Philip né en 1611. La mort du frère en 1611 rapproche ses deux bébés du cercle familial de l'artiste.

Le thème de la rencontre de la Sainte Famille avec St Jean Baptiste et sa mère apparait dans son oeuvre à cette époque. Imaginé dans une homélie franciscaine, ce groupe est fréquent dans l'iconographie Italienne et a notamment été peint par Raphael vers 1518.

L'action n'est pas unique : l'artiste exprime avec vivacité son environnement familial, symbole du futur. Les bébés sont exubérants quand ils jouent avec la colombe tandis que l'agneau a un effet apaisant.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une Vierge à l'Enfant avec Elisabeth, Jean et l'agneau, huile sur panneau 122 x 96 cm. Cette version est probablement la première de ce modèle, et une date entre 1611 et 1614 est confirmée par dendrochronologie. Les deux enfants sont sans doute montrés à leur âge réel à la date de création de l'oeuvre.

Cette peinture est estimée $ 6M, lot 19. Le tweet ci-dessous montre un détail.

L'absence de St Joseph permet une composition originale et dynamique où les quatre têtes forment un cercle. L'Enfant Jésus regarde sa mère avec une expression d'admiration intense. Dans une réplique légèrement plus grande, le vêtement de la Vierge cache pudiquement la pointe de son sein. La gravure exécutée dans les années 1620 sur demande de l'artiste pour protéger ses droits d'auteur est un mélange des deux versions.

24 déc. 2019

Le Jardin Anglais

Canaletto arrive en Angleterre en 1746. Depuis plus de 20 ans, il fournissait des peintures de vues de Venise aux aristocrates anglais qui faisaient le Grand Tour de l'Italie. L'extrême qualité de son travail était très appréciée et il est très bien accueilli. Il y restera jusqu'en 1755, à l'exception d'un séjour de quelques mois à Venise en 1750-1751.

L'Angleterre est en plein dans la révolution industrielle tout en restant fermement attachée à ses traditions culturelles. L'artiste n'est pas du tout dérouté par cette architecture qui laisse la place à de vastes espaces, si différente de l'accumulation des palais autour des canaux de Venise. Il est tellement passionné par les transformations de St James's que ses vues peuvent être datées en fonction des modifications des bâtiments.

Dès son arrivée il est choyé par les jeunes nobles qui veulent moderniser leur résidence. Le 8ème baron Brooke est l'un d'entre eux. Il a hérité du très prestigieux château historique de Warwick, et se fera décerner la recréation du titre de comte de Warwick quand celui-ci deviendra vacant en 1759. Il a été nommé en 1746 Earl Brooke of Warwick Castle.

Canaletto visite Warwick Castle au moins deux fois. La première visite, en 1748, est attestée par un paiement pour ses dessins. A cette époque Lord Brooke vient de commencer le réaménagement intérieur dans le goût néo-gothique, confié à l'architecte Daniel Garrett. Il est probablement déjà en relation avec Capability Brown, l'inventeur du jardin anglais, à qui il confiera bientôt la transformation en un jardin paysager des rives de l'Avon qui jouxtent le château.

Canaletto travaille en trois phases. Il prend des esquisses sur place, puis réalise de grands dessins montrant l'ensemble de la perspective, avant de faire les peintures. Il n'hésite pas à anticiper les constructions, comme par exemple au pont de Westminster.

Le 28 janvier à New York, Christie's vend une vue de la façade sud de Warwick Castle, lot 75 estimé $ 800K. Ce grand dessin 32 x 58 cm précédant trois peintures a probablement été réalisé à l'occasion du premier séjour en 1748.

Le château médiéval est montré avec un réalisme quasiment photographique. De paisibles promeneurs profitent du vaste jardin traversé par la rivière, anticipant peut-être le travail de Brown. Les contrastes et les ombres traduisent très habilement un vif ensoleillement.

23 déc. 2019

Les Triomphes de Mantoue

A partir de 1460, Andrea Mantegna est au service des marquis de Mantoue, de la dynastie Gonzague. Son génie très en avance sur son temps est reconnu par ses patrons, lui donnant une facilité pour de nouvelles expériences sur les proportions et la perspective.

La série des Triomphes de César est un de ses plus importants projets. Neuf peintures à la tempera ont été réalisées sur un format unique 268 x 278 cm. Une dixième image est connue par une gravure. La réalisation a duré plusieurs années. Elle était suffisamment avancée en 1486 pour faire l'admiration du duc de Ferrare.

Ces peintures étaient conçues comme une suite narrative, avec une homogénéité de la position de la lumière. On ne sait cependant pas dans quel ordre elles ont été peintes. Acquis par Charles I, cet ensemble monumental est exposé à Hampton Court.

Un dessin préparatoire pour le deuxième opus vient de faire surface. Mesurant 26,6 x 26,6 cm, il est exactement à l'échelle 1:10. Le héros à cheval passe entre deux statues monumentales qui sont un Esculape debout sur un chariot et une tête de Cybèle.

Ce dessin a un rôle de présentation avant la réalisation de la peinture. Les inscriptions identifiant Esculape en haut du chariot et Alexandrie sous la tour ronde n'ont pas été maintenues dans l'oeuvre finale. Les textes des bannières ont changé. Divo Iulio Aug... est devenu Imp Iulio Caesari ob Galliam devict, une allusion directe à la première guerre d'Italie. Capitaine compétent, le marquis François II était en 1495 le gouverneur général des armées de la Ligue de Venise contre le nouvel envahisseur "Gaulois".

L'inspection infra-rouge du dessin, réalisée par Sotheby's, a révélé d'importants repentirs habilement masqués dans le trait, confirmant que l'oeuvre est autographe. Le grand Esculape masque ainsi un Apollon provisoire dont la dimension beaucoup plus petite pouvait se confondre avec les personnages de l'action. L'invocation d'Esculape dans un triomphe, maintenue dans la peinture, est fantaisiste.

Ce dessin est estimé au-delà de $ 12M à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier, lot 19. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's dans laquelle le dessin est commenté par la spécialiste Cristiana Romalli, découvreuse des repentirs.

22 déc. 2019

Le Rosaire Vénitien

Au temps des Védutistes, Giovanni Battista Tiepolo se spécialise dans la peinture religieuse. Il prend pour modèles ses grands prédécesseurs Vénitiens dont Tintoret et Véronèse. Son style personnel est théâtral et très chargé, typique du goût rococo.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une monumentale pièce d'autel peinte par Tiepolo en 1735, huile sur toile 246 x 156 cm, lot 61. L'article publié le 4 décembre par la maison de ventes annonce une estimation au-delà de $ 15M.

Le thème est une Vierge au rosaire avec des anges. La composition simple et efficace, inhabituelle pour l'artiste, et la vivacité des couleurs rappellent Titien, et l'attitude est maniériste.

L'artiste a voulu que cette Vierge apparaisse avec la plus grande majesté. Elle est debout sur un piédestal de pierre, pour être adorée comme une statue. Sa jeunesse et son élégance sont mises en valeur par une position déhanchée. Le manteau rouge est un symbole de royauté.

Le rosaire complètement déplié est pendu dans sa main tendue comme une offrande pour un utilisateur hors champ. Cet accessoire apporte un modernisme à l'image : son utilisation dans la prière Mariale a été recommandée par le pape Benoît XIII, un ancien Dominicain mort en 1730.

L'artiste a construit une intéressante symétrie entre le rosaire tenu par la Mère et la croix tenue par l'Enfant. Le regard de la Mère est introverti, tandis que celui de l'Enfant est dirigé vers la main qui tient le rosaire.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's. L'image est partagée par Wikimedia.

Madonna of The Rosary with Angels by Giovanni Battista Tiepolo, 1735

21 déc. 2019

La Paix d'Isaïe

Né dans un bourg du Bucks County et élevé dans la croyance Quaker, Edward Hicks hésite longtemps entre la prédication et la peinture. Les Quakers sont austères et refusent toute collusion avec le luxe. Autour de 1820 Hicks commence sa série de peintures intitulée Peaceable Kingdom dont 62 opus sont connus.

Chaque opus montre le pays saint des prophéties messianiques d'Isaïe. A l'arrière-plan William Penn négocie la paix avec les Indiens Delaware. Fondateur du Bucks County, Penn est le héros local et l'exemple à suivre. Premier Quaker d'Amérique, il a su par sa bonne volonté obtenir cette entente durable entre deux communautés qui étaient considérées comme inconciliables.

Les exemples anciens du Peaceable Kingdom incluent fréquemment un sermon en huit vers directement inspiré d'Isaïe 11:6-7 qui établit la relation spirituelle entre les deux éléments :
When the great Penn his famous treaty made
With indian chiefs beneath the Elm tree's shadeThe wolf did with the lambkin dwell in peace
His grim carnivorous nature there did cease
The leopard with the harmless kid laid down
And not one savage beast was seen to frown
The lion with the fatling on did move
A little child was leading them in love

En 1827 un cousin de l'artiste nommé Elias Hicks génère la première grande scission de la communauté, en une réaction rurale contre l'embourgeoisement des Quakers de Philadelphie. Les banderoles et les poèmes disparaissent des peintures d'Edward, sans doute par protection contre les interprétations factieuses.

Le détail de la composition évolue. L'enfant messianique avec une tête et une sagesse d'adulte est relégué au second plan, laissant la place d'honneur au léopard couché. Soudain dans une image créée en 1844 le léopard se lève sur ses quatre pattes, fait le gros dos et hurle pour inciter sa femelle à l'action.

Le 24 janvier à New York, Christie's vend un Peaceable Kingdom peint entre 1844 et 1847 avec la même attitude militante du léopard. Cette huile sur toile 60 x 80 cm est estimée $ 1,5M, lot 211.

Cette énergie du félin n'est pas irrémédiable. Un Peaceable Kingdom 66 x 75 cm peint entre 1846 et 1848 avec à nouveau le léopard de sérénité a été vendu en 2010 par Sotheby's en vente privée pour $ 7M après l'annulation pour défaut de paiement des enchères du 22 mai 2008 qui avaient atteint $ 9,7M incluant premium.

A la fin de sa vie, Edward Hicks avait peut-être des doutes métaphysiques. Daté vers 1849, Washington at the Delaware relate certes un épisode glorieux de l'histoire locale, mais ce thème résolument militariste semble être en opposition totale avec le pacifisme Quaker.

20 déc. 2019

La Peau de l'Ours de Preston Tucker

Preston Tucker est exubérant, mégalomane et enthousiaste. Dans les années 1930 il est associé et proche ami de Harry Miller, constructeur de voitures de compétition innovantes pour l'Indianapolis 500. Ses travaux militaires incluent une voiture de combat, refusée par l'armée américaine parce qu'elle est trop rapide.

Les idées d'innovation ne manquent pas, parce qu'elles n'intéressent pas les grands constructeurs préoccupés par la rentabilité. La guerre est finie. Miller est mort en 1943. Tucker publie en décembre 1946 sa conception de la Voiture de Demain, nommée provisoirement Tucker Torpedo.

L'enthousiasme encourage le bluff. Avant même que le projet soit démarré, Tucker vend sa société par actions pour $ 20M à la bourse de Chicago. Il loue le plus vaste hangar de production du monde, le Chicago Dodge Plant, désaffecté par la cessation de production des avions de guerre. Il achète une société de production de moteurs d'hélicoptères. Il vend 2 000 concessions de revente en annonçant un objectif de production de 300 voitures par jour et embauche 1 900 employés.

La voiture de ses rêves inclut des améliorations réelles pour tous les constituants majeurs. La présentation du premier prototype en juin 1947 est cependant un fiasco technique : il est évident que le développement n'est pas terminé.

Tucker mise sur un modèle unique, la 48, ainsi désignée par référence à son année de production. Elle est réellement différente des autres voitures de son temps. C'est une berline dont la forme aérodynamique reste compatible avec un agencement intérieur spacieux. Le phare cyclope central qui s'allume dans les virages n'aura pas d'imitateur mais le pare-brise de sécurité qui n'explose pas sous un impact, la ceinture de sécurité et l'anti-vol sont des progrès durables. Promis en 1946, le volant en position centrale et les portières qui s'enfoncent dans le toit n'ont pas été retenus.

Le US Securities and Exchange Commission a des doutes sur la réelle volonté de la production de masse qui avait permis l'émission des actions. L'usine est fermée par décision de justice en mars 1949. 58 châssis seulement avaient été produits, numéros 1001 à 1058, et 36 voitures avaient été terminées. Tucker fait assembler 14 exemplaires supplémentaires. Il sera acquitté en janvier 1950 mais sa société est morte. 23 voitures étaient encore en stock lors de la liquidation en octobre 1950.

Preston Tucker avait vendu la peau de l'ours avant de l'avoir tué. Les cinquante Tucker 48 démontrent cependant la viabilité de ses visions. Des progrès restaient à faire, notamment pour la maintenabilité, mais presque toutes ont survécu. Parmi les quatre voitures détruites ou démantelées, citons la 1042 détruite par un créancier furieux.

La 1034 est restée dans un très bon état d'origine sans avoir été restaurée. Elle a même conservé son cuir et ses tapis. Elle a été repeinte dans sa rare couleur Waltz Blue Metallic d'origine. Avec 5 200 miles au compteur, elle a été vendue pour $ 1,32M incluant premium par Gooding le 9 mars 2012. Je l'avais discutée dans cette chronique avant la vente.

Son nouveau propriétaire l'a utilisée. Avec maintenant 6 300 miles cumulés, elle est estimée $ 1,75M à vendre par Gooding à Scottsdale le 18 janvier, lot 121. Voici le lien vers le communiqué de presse. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

15 déc. 2019

Le Naufrage de l'Atocha

Depuis 1566 la Flota de Indias a pour mission d'importer par convois en Espagne les richesses de l'Amérique. Les marchandises les plus précieuses étaient embarquées dans des galions lourdement armés. La perte d'un convoi était catastrophique pour la prospérité de l'Espagne.

Le galion Nuestra Señora de Atocha est construit à La Havane en 1620. En 1622, pour son second voyage, la quantité de marchandises est trop ambitieuse et l'embarquement est trop long. Quand la flotte de 28 bateaux quitte La Havane, la saison des ouragans a déjà commencé.

Les bateaux les plus importants sont en fin de convoi pour assurer une protection par l'arrière contre les pirates. Les cinq bateaux de queue, dont l'Atocha et le Santa Margarita, sont pris dans la tempête et jetés contre des récifs entre La Havane et Key West.

Utilisant des esclaves, la Flota tente de récupérer la cargaison. Les plongeurs échouent à ouvrir les écoutilles de l'Atocha, bien que l'épave soit encore visible. Les recherches continuent. Une partie significative de la cargaison de la Santa Margarita est récupérée quelques années plus tard.

Les épaves englouties sont oubliées jusqu'au XXème siècle. Mel Fisher retrouve des débris des trésors et des canons à partir de 1969 puis les coques de la Santa Margarita en 1980 et de l'Atocha en 1985.

La richesse du convoi de 1622 est confirmée. La cargaison récupérée d'or et d'argent est estimée à 400 millions de dollars. Selon les registres d'embarquement, la marchandise transportée incluait aussi du cuivre, de l'indigo et du tabac.

La découverte apporte également quelques surprises, dont les bézoards et les chaînes de monnaie. Les riches espagnols étaient friands des bézoards, déjections pétrifiées supposées apporter un antidote contre l'empoisonnement à l'arsenic pratiqué contre eux par leurs serviteurs.

La chaîne de monnaie est un assemblage de maillons ovales d'or, non soudés pour être facilement séparés. C'étaient des objets de contrebande destinés à éviter le paiement du quinto, la taxe royale de 20 % sur l'importation du bouillon d'or, non applicable aux bijoux.

La plus longue chaîne retrouvée dans ce naufrage provient du Santa Margarita. Elle est composée de 407 maillons identiques en or de 24 karats. La chaîne mesure 3 mètres de long et pèse 1790 grammes. Elle a été vendue pour $ 115K incluant premium par Heritage le 29 mai 2009. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Elle est estimée $ 90K à vendre par Heritage à New York le 13 janvier, lot 32297.

Une chaîne de 172 maillons provenant de l'Atocha, mesurant 1,70 mètres et pesant 645 grammes, a été vendue pour $ 60K hors frais par Guernsey's le 6 août 2015.

14 déc. 2019

Une Course Poursuite Mémorable

Steve McQueen est un personnage hors du commun. Extrêmement individualiste, il commence sa carrière au bon moment, quand les cinéphiles réclament des expressions modernes de la liberté. Il est aussi un passionné de sport automobile. Après les premiers succès, Bullitt est son chef d'oeuvre personnel.

Préparé en 1968, Bullitt est co-produit par Solar Productions, qui appartient à McQueen, et par Warner Bros. Il n'est pas un simple successeur des innombrables films opposant des policiers à une bande d'assassins. Il est surtout le prétexte à une course-poursuite entièrement conçue par McQueen.

Le lieutenant Bullitt joué par McQueen conduit une Ford Mustang verte, contre une équipe de deux tueurs dans une Dodge Charger noire dans les petites rues tortueuses de San Francisco. Le King of Cool n'est jamais bavard. Pendant dix minutes, aucune parole n'est prononcée, valorisant les conditions extrêmes de cette conduite automobile.

Dans cette scène, la conduite de la Ford est assurée par McQueen, doublé par un cascadeur dans les actions dangereuses. Les caméras sont réparties astucieusement, pour que le spectateur ait l'impression de vivre l'action dans le dos du pilote, ou d'observer son état de concentration et sa manipulation du volant depuis le siège du passager, et parfois de face au travers du pare-brise.

Pour ce rôle, Ford a prêté deux Mustang GT Fastback à moteur V8 390 CI. L'une d'elles a été extensivement utilisée pendant les trois semaines de tournage de la séquence, après une adaptation du moteur, des freins et de la suspension aux conditions extrêmes de la poursuite.

Cette voiture est achetée sur petite annonce en 1974 par un connaisseur qui refuse de la rétrocéder à Steve McQueen. Une lettre insistante et émotionnelle envoyée en 1977 par l'acteur a été conservée.

Cette voiture supposée perdue refait surface dans la même famille en 2018, avec 65 000 miles au compteur. Elle a encore les supports des caméras soudés derrière les sièges et le mastic utilisé pour renforcer la portière après l'accident volontaire final du scénario. Elle sera vendue sans prix de réserve par Mecum à Kissimmee le 10 janvier, lot F150. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

13 déc. 2019

La Baraka

Elève de Bouguereau, Etienne Dinet découvre l'oasis de Bou Saada en 1885 à l'occasion d'une expédition entomologique. Il consacrera toute sa carrière à la vie rurale et aux croyances dans le sud de l'Algérie, aux limites du Sahara.

Erudit, illustrateur des anciens contes, il s'installe définitivement à Bou Saada en 1905 tout en conservant un atelier à Paris. Il annonce rétroactivement en 1908 à ses amis Européens qu'il est converti à l'Islam et choisit en 1913 son patronyme musulman, Nasr ed-Din. Il pratique cependant la représentation figurative interdite par l'Islam, incluant les jeunes filles nues dans la pureté de l'oued.

Le 30 décembre à Marrakech, Artcurial vend Le Fils d'un Saint M'rabeth, huile sur toile 72 x 80 cm peinte en 1900, lot 50 estimé 8,8M dirhams valant € 800K. L'image est partagée par Wikimedia.

La scène située sur la grande place d'une ville, peut-être Biskra, montre un tumulte de foi collective. Un jeune garçon est porté sur les épaules d'un homme, sans doute pour atteindre un sanctuaire. La composition est dominée par la tête du garçon au milieu de la foule, comme le Christ au-dessus des autres personnages dans l'iconographie chrétienne.

Le garçon a le pouvoir de transmettre la baraka, la bénédiction divine, et il le sait. La foule extrêmement dense l'entoure avec des attitudes variées de passion dévote. Au milieu de l'enthousiasme qu'il génère, il est fier et un peu inquiet. Son porteur parvient avec une énergie farouche à écarter les fidèles.

Dans un livre publié en 1928, l'artiste a exprimé la passion émanant de cette scène : "Qu'il est beau, cet Aiglon, il est la clef de nos coeurs !"

Le fils d'un Saint M'rabeth by Etienne Dinet

Thompson et Thompson

En 1960 Mickey Thompson atteint 654 km/h sur un seul sens aux Salt Flats de Bonneville sur un streamliner nommé Challenger équipé de quatre moteurs Pontiac. Il bat ainsi le record de John Cobb. Le retour est un échec, empêchant l'homologation.

Thompson construit Challenger 2 en 1968 avec le support financier de Ford et la collaboration de Kar Kraft. Le streamliner de 9,75 m de long et 92 cm de large est équipé de deux moteurs Ford 427 SOHC. A Bonneville, il atteint environ 640 km/h en vitesse de pointe au cours des essais mais la tentative de record est annulée par la pluie. Ford retire son support et Mickey Thompson n'inscrira pas son nom dans le livre des records. La même année, Ford cesse aussi la production de la GT40.

Mickey Thompson meurt assassiné en 1988. En 2010 son fils Danny commence la restauration de Challenger 2. Il équipe le streamliner avec deux moteurs à essence V-8 Brad Anderson 500 CI chacun.

Entre temps, Don Vesco avait atteint 737 km/h avec un moteur à turbine à gaz, en 2001 à Bonneville.

A Bonneville le 12 août 2018, Danny Thompson sur Challenger 2 atteint 722 km/h (448 mph) sur 1 mile. Son record est homologué par la SCTA (Southern California Timing Association) dans la catégorie AA/FS (Fuel Streamliner à pistons de conception spéciale). Deux mois et demi plus tard le recordman fête ses 70 ans.

Le 11 janvier à Kissimmee, Mecum vend Challenger 2, lot S130 estimé $ 900K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

8 déc. 2019

Les Académies de Madame Le Brun

Louise-Elisabeth Vigée dirige parfaitement sa carrière. Avant d'avoir 20 ans, elle est membre de l'Académie de Saint-Luc, ce qui lui permet d'exercer une activité professionnelle. Elle épouse en 1776 Le Brun qui est marchand et restaurateur de tableaux, antiquaire et peintre. La même année, une commande du comte de Provence, frère du roi Louis XVI, lui donne accès à la cour.

Désormais connue sous le nom de Madame Le Brun, elle vise l'admission à l'Académie Royale de Peinture et Sculpture, dans la spécialité de peinture d'histoire. L'enjeu est difficile, parce qu'elle est une femme et parce qu'elle est l'épouse d'un marchand d'art.

Les clients suivent. Le comte d'Artois, le plus jeune frère du roi, est à cette époque un libertin qui aime les scènes légères dans le genre de Boucher, mort quelques années plus tôt. Vigée-Le Brun lui présente comme modello à l'huile sur toile une scène tirée de l'Iliade, Junon demandant à Vénus de lui prêter sa ceinture magique. Le prince accepte le projet pour le prix exorbitant de 15 000 francs.

L'huile sur toile finale 147 x 114 cm, signée Louise Le Brun et datée 1781, est exposée au Salon du Louvre en juin 1783. Les connaisseurs admirent le contraste entre l'altière Junon, reine des dieux, et la blonde Venus assimilée à une grisette, pour la plus grande satisfaction de la famille royale. Les deux femmes ont les seins nus. La plus dénudée est Vénus, avec la même couleur de peau que les jeunes femmes de Boucher.

Cette peinture est estimée € 1M à vendre par Sotheby's à Paris le 11 décembre, lot 3.

Ce thème centré sur le symbole érotique de la ceinture ne pouvait pas convenir pour l'Académie, pour laquelle Vigée-Le Brun a préparé une Paix ramenant l'Abondance. En mai 1783, Louise-Elisabeth Vigée-Le Brun et sa concurrente Adélaïde Labille-Guiard sont reçues en même temps à l'Académie Royale.

La Paix ramenant l'Abondance est une peinture faible, et Vigée-Le Brun n'est pas reconnue comme peintre d'histoire. Elle exploite désormais sa meilleure spécialité, les portraits des personnalités de la cour peints avec une grande sensibilité.

7 déc. 2019

Le Maniérisme Cinétique de Giambologna

Giambologna apporte une dimension cinétique à la sculpture Maniériste. L'élan de la composition est dirigée vers le haut. Le spectateur prend plaisir à tourner autour de la statue pour admirer avec des angles de vue variés la légèreté du mouvement. Conçu en 1563, son Mercure est une des oeuvres les plus connues et les plus souvent copiées de l'histoire de la sculpture.

Son chef d'oeuvre est le groupe de trois personnages de 4,10 m de haut taillé dans un seul bloc de marbre, installé en 1582 à la Loggia dei Lanzi à Florence. L'action est verticale. Un homme musclé soulève une jolie femme dont il piétine le vieux mari. Ce groupe de trois nus est traditionnellement considéré comme l'Enlèvement d'une Sabine. La tension dramatique est similaire au Laocoon, sculpture antique conçue pour un point de vue unique. Cette oeuvre annonce déjà le style Baroque.

Les clients demandent des bronzes, qui sont bien sûr réalisés en réduction. Le maître approuve ces réalisations tout en laissant une grande autonomie à ses bronziers. Les plus belles copies sont faites par son collaborateur Antonio Susini, réputé pour la beauté de son ciselage de finition.

Un Enlèvement d'une Sabine de 59 cm de haut a été vendu pour £ 3,7M incluant premium par Christie's le 10 juillet 2014. L'extrême qualité de cette fonte est confirmée par le constat de l'épaisseur régulière des parois par l'inspection aux rayons X. Il porte une rare marque identifiant l'atelier de l'artiste et a été fait entre 1587 et 1598.

Le 11 décembre à Paris, Sotheby's vend un bronze du même modèle, fait par Susini autour de 1600. Il figure en 1689 dans l'inventaire de la collection de bronzes Italiens créée par Louis XIV pour le Grand Dauphin. Sa mise en couleurs par une patine brune a été faite par Gouthière pour Louis XVI. Il est estimé € 2,5M, lot 14.

Dans la même vente, le lot 15 estimé € 1M est une Fortuna de 47 cm de haut, également attribuée à Susini d'après Giambologna et ayant appartenu à la même collection royale française. Ce bronze a probablement été fait avant 1587, date à laquelle Susini a commencé à ciseler les iris dans les yeux de ses personnages.

Une Allégorie de l'Architecture de 35 cm de haut a été vendue le 27 mars 2019 par Artcurial pour € 3,75M incluant premium. Sa qualité de réalisation est dans le style pratiqué par Susini dans les années 1580. Ce bronze est une copie d'un marbre original fait en 1565 par Giambologna.

Plus Vite, Plus Fort, Plus Haut

En 1888, le publiciste Pierre de Coubertin âgé de 25 ans décide de concentrer tous ses efforts à l'insertion du sport dans les systèmes éducatifs. Traumatisé par la guerre franco-prussienne de 1870, il voit dans le sport un moyen pour assurer la paix dans le monde. Le moment est bon : l'essor du chemin de fer a favorisé les confrontations sportives inter-villes dans plusieurs pays, et le télégraphe facilite les préparations.

Avec une remarquable ouverture d'esprit, Coubertin compare les progrès sportifs de plusieurs pays. En Angleterre, le pays du fair play, le football est un sport d'équipe pratiqué dans les collèges, notamment à Rugby, et l'établissement de règles officielles permet les compétitions. En Suède le bienfait mental de la gymnastique est officiellement reconnu. Aux Etats-Unis le sport ouvre la voie à la pratique de loisirs collectifs. Il aime moins l'utilisation du sport pour l'entrainement militaire en Allemagne mais reconnait son caractère héroïque.

L'époque est également favorable aux réunions en clubs thématiques, en Angleterre et en France. Ils seront le support du développement du projet de Coubertin. En 1891, il promulgue une devise : citius, fortius, altius. Coubertin donne l'exemple : le 20 mars 1892, il est l'arbitre de la finale du premier championnat de France de rugby.

Prenant comme prétexte le cinquième anniversaire d'un club de course à pied, une grande conférence est organisée à la Sorbonne le 25 novembre 1892, avec trois orateurs. Bourdon et Jusserand racontent l'histoire du sport. Coubertin, chargé de traiter le sport moderne, conclut son exposé en proposant le rétablissement des Jeux Olympiques.

Dans ce texte séminal, la vision de Coubertin est universelle. Les nations les plus développées aideront les autres. Il est question de pratiquer des sports en commun entre athlètes de toutes les nations avec une recherche de l'excellence individuelle, mais pas encore de compétition internationale ni de récompenses.

Le brouillon autographe de l'exposé de Coubertin, largement modifié par l'auteur dans la phase de préparation, est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 18 décembre, lot 173. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Très remarquablement, malgré des visions forcément différentes de ses interlocuteurs internationaux, c'est Coubertin lui-même qui concrétisera son concept. Un document autographe de janvier 1894 définissant le stade et les sports est passé aux enchères chez Goldin le 29 octobre 2016. En juin 1894, il crée le Comité International Olympique.

6 déc. 2019

Le Champion de la Live Ball

En 1920 un joueur de baseball meurt après avoir été frappé à la tête par une balle. La MLB modifie immédiatement son règlement pour une meilleure visibilité des balles. Ce changement a un impact direct sur le taux de réussite des frappes et indirect sur le nombre de home runs. Il sépare l'histoire du baseball en deux périodes, le Dead Ball era et le Live Ball era.

Au moment de cette transition, Babe Ruth a déjà six ans d'expérience en MLB où il est un des meilleurs frappeurs. Avec son physique imposant qui n'empêche pas une bonne vitesse de course, il détenait déjà le record avec 29 home runs en une seule saison. Il augmente considérablement cette performance avec le nouveau règlement. C'est ainsi que cette course loin de la balle devient pour le public l'action la plus spectaculaire du jeu.

Dans une seule saison, Babe Ruth réussit 59 home runs en 1921 et 60 en 1927. En cumulé, il est le premier à atteindre 300, 400, 500, 600, 700 home runs en MLB.

Babe Ruth commence 1929 avec un cumulé de 470 home runs. A cette date, aucun autre joueur n'a dépassé 250. Le public est passionné par l'approche des 500. Ruth est cabotin et aime annoncer ses exploits à l'avance. Le 11 août 1929 à Cleveland il annonce et réalise le 500ème home run de sa carrière. Il a frappé la balle avec une telle force qu'elle est sortie du stade.

La Louisville Slugger de l'exploit de Cleveland a d'abord été gardée par Ruth, puis donnée dans les années 1940 à un de ses compagnons de golf, de bowling et de dîner. Cachée par cette famille pour éviter d'attirer les cambrioleurs, cette batte glorieuse restait inconnue dans le hobby. Elle vient de faire surface et est estimée $ 1M dans la vente en ligne par SCP Auctions qui se termine le 14 décembre, lot 2. Elle est gradée GU10 par PSA/DNA.

La batte utilisée en 1927 par Babe Ruth pour son record du 60ème home run en une seule saison a été vendue pour $ 660K incluant premium par Heritage le 17 mai 2018.

5 déc. 2019

Les Yeux de la Négresse

A Londres et à Genève au début des années 1780, d'habiles mécaniciens créent des objets qui sont à la fois des automates, des horloges et des boîtes à musique. La fantaisie des thèmes répond à la mode du temps.

En 1784 à Paris, le baron de Ville d'Avray achète la charge d'Intendant du Garde-Meuble de la Couronne. Dans la boutique de l'horloger Furet rue Saint-Honoré, une tête noire coiffée d'un turban de princesse Nubienne amuse le public. Ville d'Avray achète cette pièce pour 4000 livres.

Ce buste en bronze dissimule une ingénieuse pendule, et son socle renferme un orgue mécanique. L'ensemble mesure 72 cm de haut. La femme porte une paire de pendants d'oreilles. L'un d'eux déclenche l'apparition du chiffre des minutes à la place de l'iris de l'oeil droit et du chiffre des heures à l'oeil gauche. L'autre pendant déclenche la musique.

Ville d'Avray attend une bonne opportunité pour placer cette pendule. Elle s'encrasse très vite par la coagulation des huiles, et il la fait réviser à deux reprises. Il intervient aussi pour diversifier la musique. La pendule est enfin offerte à la famille royale parmi les cadeaux d'étrennes du 1er janvier 1792. La reine Marie-Antoinette décide de ne pas laisser cette pièce fragile dans les mains du Dauphin.

La Négresse n'était pas une pièce unique. L'exemplaire royal a été authentifié en 1956 à l'occasion d'une exposition à l'Orangerie par Pierre Verlet, conservateur en chef des Objets d'art du Musée du Louvre. Elle porte deux plaques au nom de Furet et Godon, qui étaient associés de 1784 jusqu'à la faillite de Furet en 1786.

Appartenant depuis 1937 à la collection des comtes de Ribes, la "Négresse de Marie-Antoinette" est estimée € 1M à vendre par Sotheby's à Paris le 11 décembre, lot 10.

Daté 1817 par un ancien fournisseur de Godon, probablement après une réparation, un exemplaire incomplet du même modèle a été vendu pour € 810K incluant premium par Delorme Collin du Bocage le 23 novembre 2007. Trois autres exemples sont connus.

4 déc. 2019

Trois Décennies de Victoires

Grâce à la télévision, le golf trouve une audience populaire qui se passionne pour les tournois. Rivaux sur le cours et amis dans la vie, Arnold Palmer, Gary Player et Jack Nicklaus sont de grands champions.

Nicklaus est le plus jeune des trois. Il devient professionnel en 1962. Son palmarès est inégalé, bien qu'approché par Tiger Woods. En 1966 il est le 4ème joueur à avoir gagné au moins une fois chacun des quatre tournois du Grand Chelem. Il est le premier à avoir gagné chacun de ces tournois deux fois, en 1971, puis trois fois, en 1978. A 46 ans, il gagne son 6ème Masters. Entré plus tard dans les circuits Senior, il gagne sa 100ème et dernière victoire en 1996.

En 1966 pendant un tournoi à Tokyo, Rolex offre un cocktail où les trois amis participent.  La marque, toujours désireuse de parrainer les sportifs, travaille déjà avec Player. Nicklaus, qui n'avait pas utilisé de montres jusque-là, définit sa montre spéciale.

Nicklaus reçoit son cadeau en 1967 : une Rolex Day-Date référence 1803 en or jaune avec un cadran couleur champagne, une marque des heures en forme de club de golf et un bracelet à maillons de type President.

Le champion utilise cette montre jusqu'à ce jour dans les compétitions et dans la vie de tous les jours. Il la porte dans les 12 tournois du Grand Chelem qu'il gagne après cette acquisition. Pour Rolex, c'est un démonstrateur remarquable d'élégance et de robustesse.

La Rolex est à son poignet quand il brandit le trophée du British Open à St Andrews en 1978. Cette photo est choisie en 2005 par la Royal Bank of Scotland pour illustrer le billet de banque de £ 5. Cet Américain de l'Ohio devient ainsi la première personnalité non royale à avoir son portrait de son vivant sur un billet Britannique.

Jack et Barbara se sont mariés en 1960. Ils soutiennent depuis 1976 le National Children's Hospital à Columbus, Ohio, et créent en 2004 en Floride la Nicklaus Children’s Health Care Foundation.

Le temps des succès sportifs est passé et la bienfaisance devient prioritaire. Nicklaus vend sa Rolex au bénéfice exclusif de sa Fondation. La vente sera faite par Phillips à New York le 10 décembre, lot 18.

3 déc. 2019

La Foulée de Jesse Owens

Jesse Owens est passionné par la course à pied. A l'âge de 15 ans, il rencontre Charley Paddock, champion olympique sur 100 mètres à Anvers en 1920. Paddock compensait une morphologie ordinaire par une stratégie de course innovante, terminant le sprint par un bond sur la corde.

Owens n'a pas non plus un physique exceptionnel. Il met au point une foulée rapide avec un contact minimal des pieds sur la piste. Cette innovation est très efficace pour le sprint, le saut en longueur et la course de haies. Il atteint le plus haut niveau en mai 1935, gagnant quatre épreuves en 45 minutes, au cours desquelles il bat ou égalise six records du monde.

Il est bien sûr qualifié pour les Jeux Olympiques de Berlin en 1936. L'enjeu est tout d'abord sportif. Les Jeux Olympiques sont la meilleure place pour démontrer qu'il est l'homme le plus rapide du monde. Le public attend un exploit de sa part.

L'état mental de Jesse Owens en compétition est exceptionnel. Ses records de 1935 avaient été obtenus malgré un dos très douloureux suite à une chute accidentelle. A Berlin, il parvient de façon similaire à faire abstraction de la pression psychologique. Il gagne sans difficulté quatre médailles d'or : 100 mètres, saut en longueur, 200 mètres et relais 4 x 100 mètres.

Hors de la piste, il est un Afro-Américain au temps de la discrimination raciale. La doctrine amateuriste dans le sport est sans pitié. Dès son retour des Jeux de Berlin, il cherche des compensations financières et est exclu de toutes les compétitions amateurs. Sa carrière sportive est terminée.

Sa participation aux Jeux de Berlin était exemplaire et a fait l'objet de récupérations politiques, s'appuyant sur le fait que Hitler attendait la victoire d'un Aryen aux épreuves les plus importantes auxquelles il assistait personnellement. Contrairement à Joe Louis ou Jackie Robinson, Jesse Owens ne trouvera pas une position charismatique contre le racisme, rejetant puis soutenant le salut black power de Smith et Carlos aux Jeux Olympiques de 1968.

A l'époque des Jeux de Berlin, les médailles des vainqueurs sont frappées selon un modèle unique, sans identification du sport ni a fortiori du nom du vainqueur. Les médailles d'or sont en argent plaqué or. Des répliques ont également été frappées pour des utilisations louables. L'authentification d'une médaille des Jeux de Berlin nécessite une provenance irréprochable et une analyse par un expert spécialisé.

Deux médailles de Jesse Owens ont été confirmées comme authentiques par James Greensfelder, auteur d'un guide de référence des médailles Olympiques. L'une d'elles, qui avait été donnée par le champion au danseur de claquettes Bojangles, a été vendue pour $ 1,47M incluant premium par SCP Auctions le 7 décembre 2013.

Une autre sera vendue au lot 1 dans la vente en ligne par Goldin qui se termine le 7 décembre 2019. Elle avait été donnée par Owens à un haltérophile, pour le remercier de son aide à prendre la parole dans des réunions publiques dans les années 1950 et 1960.

2 déc. 2019

La Descente aux Enfers de Paul Gauguin

Paul Gauguin est revenu à Tahiti en 1895 après avoir passé deux ans en France. Rien ne va plus. Il est malade et criblé de dettes. Sa femme a rompu définitivement. Sa seule fille, Aline, qu'il n'a pas vue depuis 1891, meurt en 1897 à l'âge de 20 ans.

Dégoûté de la civilisation Européenne, il cherche de nouvelles racines. Il écrira un peu plus tard qu'il avait voulu se suicider. Il s'engage avec acharnement dans l'oeuvre qu'il considérera comme la plus importante de sa carrière : D'où venons-nous Que sommes-nous Où allons nous, sans point d'interrogation comme s'il voulait se persuader lui-même qu'il apporte des réponses. Ce chef d'oeuvre immense, 140 x 375 cm, à lire de droite à gauche, montre les trois âges de la vie joués par des personnages Tahitiens.

Dans la même période, il réalise huit autres peintures, qui ne sont pas des esquisses mais plutôt un support pour clarifier sa pensée. L'ensemble complet est envoyé en 1898 pour une exposition solo à la Galerie Ambroise Vollard. Le succès ne vient pas. Cette activité est cependant un point de non retour dans l'art pictural de Gauguin, remplaçant l'exotisme pittoresque par un mysticisme allégorique.

Le 3 décembre à Paris, Artcurial vend la seule des neuf oeuvres encore en mains privées, lot 15 estimé € 5M. Cette huile sur toile 73 x 92 cm intitulée Te Bourao par l'artiste et datée 1897 a parfois été intitulée Paysage bleu. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Le bourao est l'hibiscus de Tahiti, considéré comme la création conjointe de la Terre et du Paradis. Il fournit la fleur d'ornement des jeunes femmes, portée sur l'oreille gauche si la fille est mariée et sur l'oreille droite si elle est célibataire.

Te Bourao est entièrement peint en bleu foncé et vert Véronèse, à la limite de la lisibilité. Cette harmonie de couleurs sourdes est unique dans ce corpus de neuf oeuvres. La seule présence humaine est un cavalier qui avance furtivement vers le coin en haut à gauche, là où Gauguin inscrira le titre de l'oeuvre finale, D'où venons-nous Que sommes-nous Où allons nous. Le bleu est un symbole de l'au-delà et l'oiseau au premier plan exprime la futilité des mots.

30 nov. 2019

Le Duc des Mers

Robert Dudley était le fils illégitime d'un autre Robert Dudley, 1er comte de Leicester,  qui avait été le favori de la reine Elizabeth. Leicester était le fils du Grand Amiral John Dudley, 1er comte de Warwick et 1er duc de Northumberland, déchu de son duché et décapité pour avoir poussé Jane Grey sur le trône.

Le jeune Robert commença sa carrière pour l'Angleterre par une expédition aux Antilles. En 1605, n'ayant pas réussi à faire reconnaître sa légitimité, il s'exila à Florence où il pouvait impunément utiliser les titres anglais qui lui avaient été refusés. Au service du grand-duc de Toscane, il fut un très important expert naval, ingénieur, mathématicien et cartographe.

A partir de 1610 Robert Dudley rédige un traité de navigation qui inclura tout son savoir concernant la navigation, la longitude, l'architecture navale, auxquelles il joint une proposition pour standardiser en cinq classes les dimensions des bateaux militaires. Il établit des cartes autographes de toutes les mers du monde dans le style graphique des anciens portulans, basées sur les cartes de ses prédécesseurs incluant Hudson, sur les observations de Cavendish et sur sa propre expérience.

La préparation de l'édition est un travail colossal, confiée au graveur Lucini. Le livre paraît en Italien en six parties réparties en trois volumes publiés à Florence entre 1646 et 1648 sous le titre Dell'Arcano del Mare. L'auteur est identifié comme Roberto Dudleo, Duca di Nortumbria e Conte di Warvich.

Ce livre est le premier atlas marin couvrant toute la planète et le premier atlas à utiliser uniquement la projection de Mercator. Il inclut d'autres innovations comme les vents et courants dominants et la déclinaison magnétique et promeut la circumnavigation.

Ce très beau livre a un défaut. Les trois volumes ont des dimensions inégales, et les cartes destinées aux plus petits volumes sont plusieurs fois pliées. Pour réparer cette bévue, Lucini continue le travail en standardisant le livre entier aux dimensions du grand atlas, 56 x 42 cm. Dell'Arcano del Mare est réédité en 1661, douze ans après la mort de Dudley. Le contenu semble similaire mais la comparaison des cartes entre les deux éditions mérite d'être étudiée en considérant la pratique courante à cette époque d'assembler des atlas composites.

Un exemplaire complet de la seconde édition est estimé £ 500K à vendre par Christie's à Londres le 11 décembre, lot 13. Un autre exemplaire avait été annoncé comme vendu par Christie's le 16 avril 2007 pour $ 820K incluant premium sur une estimation basse de $ 250K. Il n'est plus accessible dans le catalogue en ligne, ce qui signifie probablement qu'il n'a pas été payé.

29 nov. 2019

Sympathie avec le Rubidium

Les progrès de l'horlogerie incluent les complications, bien sûr, mais aussi la recherche de la meilleure précision. Au siècle dernier, pour George Daniels, Abraham-Louis Breguet restait la référence absolue pour l'horlogerie mécanique. Urwerk, marque suisse créée en 1997, prend la suite.

Une des conceptions les plus avant-gardistes de Breguet était la Breguet Sympathique, une montre de poche qui ne nécessitait pas d'être touchée pour être remontée, mise à l'heure et régulée. Lorsque sa réserve approchait l'épuisement, elle était insérée dans une horloge à laquelle elle était couplée mécaniquement. Le mot Sympathique est une évocation du couplage, par son étymologie signifiant 'fonctionnant par affinité'.

L'obtention de tous les réglages simultanément était un exploit mécanique qui a été réussi par son atelier pour le duc d'Orléans en 1835, douze ans après la mort de l'inventeur. Remis en fonctionnement par Daniels dans les années 1970, le système complet a été vendu pour $ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 4 décembre 2012.

Le système AMC (Atomic Mechanical Control) dévoilé en 2018 par Urwerk à Baselworld Miami est une adaptation de la Sympathique aux technologies modernes. Sans application immédiate identifiée, cet exploit technique ouvre la voie à de nouveaux développements.

La référence de temps est fournie par une horloge atomique 45 x 30 x 18 cm pesant 35 Kg. Elle utilise les transitions d'énergie quantique de l'atome de rubidium, connue par les physiciens pour offrir la meilleure stabilité avec une erreur de 1 seconde pour 317 ans quand elle est associée à un grenat d'yttrium et de fer. Elle assure par couplage la stabilité d'une montre-bracelet, sans remontage manuel, sans quartz, sans batterie.

Urwerk avait annoncé la production du système en trois unités. Un prix de $ 2,7M avait été annoncé sur le web par un site spécialisé. La montre mécanique en titane avec le numéro de série 001 associée à son horloge atomique est estimée au-delà de $ 1M à vendre par Phillips à New York le 10 décembre, lot 8.

La Foule des Rapa

L'île de Pâques est découverte en 1722. La civilisation locale est d'une grande originalité du fait de l'isolement de l'ile. A partir de l'expédition Cook de 1774, des objets en bois sont rapportés en Europe. A cette époque l'obsession anti-païenne empêche les interprétations ethnologiques.

Il faut attendre 1868 pour qu'un chirurgien de marine en escale dans l'île fasse les premières observations de terrain. L'objet en bois couvert d'un enduit noir consistant en deux pales plates reliées par une poignée d'haltère était connu depuis Cook. Son utilisation dans les danses rituelles et son nom dans la langue indigène, le rapa, sont enfin connus. L'abondance de l'artefact et de ses représentations peintes, sculptées ou tatouées montre son importance rituelle. La poignée a une patine d'usage.

Il est déjà trop tard. Cependant en 1886 le rite est mimé pour un visiteur. La description ethnographique devient plus précise. Chaque danseur utilise une paire de rapa, un dans chaque main, qu'il fait tournoyer à très grande vitesse. La danse des rapa chasse les esprits maléfiques, mais les détails du rite sont déjà perdus. Qui sont-ils ? Comment sont-ils appairés ? Quelle est leur relation mystique avec les moai, les ua et les ao ?

Les rapa forment une foule homogène répondant à un unique modèle anthropomorphique mais avec des hauteurs variées. Le visage est dessiné par une double arche incisée et blanchie formant une superbe continuité du trait entre le nez, le sourcil et l'oreille. Les cheveux, les yeux, la bouche et les membres sont absents. L'autre extrémité, non incisée, figure l'abdomen, prolongé par le phallus pour le rapa mâle et par une protubérance sexuelle minuscule pour la femelle.

Cet objet est unique au monde par son usage. La simplification anthropomorphique est d'une grande efficacité esthétique, d'autant plus remarquable que ce peuple était totalement isolé du reste du monde. L'équilibre des masses doit être excellent pour assurer la perfection de la danse.

Un lot de deux rapa pouvant former paire, 78 cm hors tout pour le mâle et 71 cm pour la femelle, a été vendu pour € 3,9M incluant premium par Sotheby's à Paris le 12 décembre 2017. Un mâle de 82 cm de haut avait été vendu pour € 1.9M incluant premium dans la même salle de ventes le 10 décembre 2014. Le 4 décembre à Paris, Sotheby's vend au lot 10 un rapa mâle de 86 cm de haut.

28 nov. 2019

Champs Norvégiens

En 1891 Harald Sohlberg passe plusieurs mois dans une ferme appartenant aux Pettersen, une riche famille de marchands de Christiania. Il vient de terminer ses études d'art et de design. Les Pettersen lui commandent une peinture montrant leur propriété.

Sohlberg commence à préparer des études montrant la ferme en hiver mais il ne se précipite pas. Il utilise ce thème pour développer son style personnel. En 1895-1896 il est à Paris. Son huile sur toile 73 x 116 cm est terminée en 1898. Elle est intitulée Modne Jorder (Ripe Fields), signifiant probablement qu'elle exprime la lumière de la fin de l'été.

Ce paysage est structuré en quatre distances. Le fond est une montagne éclairée par la lumière de l'aube. La partie habitée est dans la pénombre, séparée du champ par une clôture. Les premières lueurs comencent à lécher la surface du champ. Le premier plan est un talus de bouleaux, formant une sorte d'encadrement de feuilles peintes en impasto. Aucun personnage n'est visible.

Modne Jorder annonce le style qui sera pratiqué par Sohlberg pendant toute sa carrière. Il restera fasciné par la nuit et par les moments extrêmes de l'aube et du crépuscule. Il peint d'humbles paysages dans lesquels il cherche à exprimer une sensibilité. Il a probablement été influencé par l'art de Gauguin. Les couleurs extrêmes de ses paysages sont similaires aux scènes symbolistes d'Alphonse Osbert.

Modne Jorder est estimé £ 1M à vendre par Sotheby's à Londres le 11 décembre, lot 15. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.

Fiskerens hus (la maison du pêcheur), huile sur toile 94 x 121 cm peinte en 1921, a été vendue pour £ 1,2M incluant premium par Sotheby's le 14 décembre 2016.

Sohlberg-Modne jorder

27 nov. 2019

En attendant le Maharadjah

L'Exposition des Arts décoratifs à Paris en 1925 ouvre de nouvelles voies pour le luxe. Les créateurs attribuent de nouvelles formes aux meubles traditionnels, cherchent dans le monde entier les plus splendides matériaux et rêvent de se confronter aux richesses légendaires de l'Inde.

L'année suivante, l'un des plus riches souverains Hindous, le Maharadjah d'Indore, démissionne après un scandale de moeurs. Son fils et successeur, âgé de 18 ans, est assisté d'un conseil de régence. En attendant d'exercer ses responsabilités, il parcourt l'Europe. Il s'appelle Son Altesse le Maharajadhiraj Raj Rajeshwar Sawai Shri Yeshwantrao II Holkar XIV Bahadur.

Le jeune homme est passionné par le modernisme et veut meubler une résidence d'avant-garde dont il confie la conception à Eckart Muthesius. Tous les créateurs Parisiens espèrent sa clientèle.

Au Salon des Artistes Décorateurs en 1929, Ruhlmann expose un important ensemble de mobilier sous le titre de Studio-Chambre du Prince Héritier d'un Vice-Roi des Indes, qui ne laisse aucun doute sur l'identité du client visé. Ses innovations sont l'utilisation de laque noire et de bronze chromé, et le remplacement des pieds de plusieurs meubles par des planches à extrémité courbée figurant une paire de skis.

Le Maharadjah visite l'exposition mais ses conseillers, Roché et Muthesius, ne se précipitent pas. Parmi le mobilier Ruhlmann de ce Salon, il commande seulement un exemplaire du bureau et de son fauteuil ainsi que des casiers bibliothèque. Ce désaveu partiel fait le bonheur du président des Artistes Décorateurs, le premier ministre André Tardieu, qui achète plusieurs pièces originales. Le Bureau Tardieu accompagné de son fauteuil a été vendu pour € 2,3M incluant premium par Christie's le 29 mars 2011.

Ces meubles ont fait l'objet de conceptions ingénieuses en termes de fonctionnalité. La chaise longue aux skis offre quatre inclinaisons possibles du dossier et un chauffage électrique du repose-pieds. La chaise de la chambre du Salon est le seul exemplaire complet de ce modèle qui est ainsi une des productions les plus rares de Ruhlmann. Le seul autre exemplaire connu, incomplet, n'est pas localisé.

Ruhlmann était bien informé : le jeune prince avait besoin d'une chaise longue. Il a choisi le modèle de Charlotte Perriand.

La chaise longue aux skis de Ruhlmann a été vendue pour € 2,86M incluant premium par Christie's en 2011 dans la même vente que le bureau Tardieu. Son interdiction de sortie du territoire français a été levée en 2013. Elle sera vendue par Sotheby's à New York le 11 décembre, lot 26. D'abord indiquée à $ 2M dans l'article publié par la maison de ventes le 26 septembre, l'estimation basse est annoncée à $ 1,5M au catalogue.

26 nov. 2019

L'Artiste Ailé

A partir de 1959 Kazuo Shiraga prend comme thème favori les 108 Etoiles du Destin, un roman épique Ming dont la lecture en traduction Japonaise l'avait passionné pendant son enfance.

Ce thème est fondamentalement rebelle. 108 bandits forment une armée après avoir été bannis par un dieu. Dans une stricte hiérarchie numérotée, ils sont divisés en 36 esprits célestes dominants et 72 démons terrestres exécutants. Il est attribué à chacun d'eux un rôle spécifique dans l'armée, une arme et un fétiche.

Shiraga pose la toile à plat sur le sol comme faisait Pollock. Il verse la peinture à grands seaux, s'accroche à une corde qui pend du plafond et repousse la couleur avec ses pieds, créant des formes et des bourrelets jusqu'à l'épuisement physique. Il utilise désormais des toiles de grandes dimensions qui lui permettent d'amplifier le mouvement libre des jambes et des pieds, dans l'expression extrême des énergies martiales mythiques.

Cette méthode est personnelle et unique. Elle vient au bon moment dans l'histoire de l'art, désormais ouvert à toutes les expressions gestuelles et aux happenings comme l'action du bras de Franz Kline et le couteau de Lucio Fontana, et avant les Anthropométries d'Yves Klein.

Le 4 décembre à Paris, Sotheby's vend une huile sur toile peinte en 1960 dans le plus grand format utilisé par l'artiste, 182 x 273 cm, lot 4 estimé € 5M. Elle est réalisée en monochrome noir, avec une très grande épaisseur de peinture qui devient presque une sculpture avec ses puissants mouvements en arc de cercle. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Shiraga nous offre ici sa réincarnation du 25ème esprit céleste, le Tigre ailé, nommé Lei Heng en Chinois et Tentaisei Soushiko en Japonais. Il est dans la légende un chef d'infanterie, armé d'un sabre long nommé podao en Chinois utilisé dans les batailles pour trancher les pattes des chevaux.

Plus bas dans la hiérarchie, Chikisei Sesuisho, le 44ème personnage et 8ème démon, a été peint la même année. Cette huile sur toile 130 x 193 cm a été vendue pour HK$ 20,8M incluant premium par Christie's le 30 mai 2016. 

Peinte en noir et rouge en 1959 sur le thème d'une montagne Japonaise avec une tradition ascétique, Takao, huile sur toile 182 x 273 cm, a été vendue pour € 8,7M incluant premium par Sotheby's le 6 juin 2018 sur une estimation basse de € 1,8M.

25 nov. 2019

Un Peacemaker pour l'Empire Britannique

Le revolver Colt Single Action Army (SAA) a connu un succès sans précédent, avec 357 000 exemplaires fabriqués entre 1873 et 1941. Il est surnommé le Peacemaker et aussi le Long Colt. Il avait été conçu pour l'armée américaine avec un calibre .45. Dès la première année, il est adapté pour l'export, en commençant par la Prusse et l'Angleterre.

Cette arme est faite pour l'utilisation, pas pour le prestige. La première opportunité pour créer des SAA à panneaux gravés est la Centennial Exhibition qui se tient à Philadelphie en 1876. La vitrine de la Colt's Fire Arms Co est décorée d'une extraordinaire rosace de revolvers de la marque, centrée par seize SAA.

L'un d'eux au calibre .45 en état superbe a été vendu pour $ 700K incluant premium par Julia en mars 2009. L'abondante gravure est attribuée à Herman Ulrich. Les panneaux latéraux sont illustrés respectivement d'un loup et d'un ours en action dans un paysage de montagne. Le reste de l'arme est presque entièrement embelli d'arabesques foliés, plus quelques panneaux secondaires à motifs floraux.

Un SAA gravé est estimé $ 375K à vendre par RIAC à Rock Island IL le 6 décembre, lot 31. Son calibre est .455 dans le standard Britannique pour utilisation avec des cartouches de poudre noire. Son numéro de série permet d'identifier qu'il a été fabriqué en 1879. Les panneaux latéraux sont illustrés respectivement d'une chasse à l'ours et d'une chasse au buffle, et un troisième panneau montre un Indien à cheval.

Tous les éléments convergent pour assurer qu'il s'agit d'un exemplaire d'exposition. Inconnu jusqu'à ce jour, il ne figure pas dans les registres de ventes de Colt. Il est dans un état presque neuf avec 95 % de sa finition d'origine. La qualité de l'illustration réalisée par Herman Ulrich ou par Gustave Young est similaire à l'exemple de Philadelphie décrit ci-dessus.

La meilleure hypothèse est que ce revolver a été préparé pour la Melbourne International Exhibition de 1880, à laquelle la société Colt a participé, et qu'il n'a jamais été réintégré dans le stock. Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Kevin Hogan, président de la maison de ventes, raconte son investigation.

24 nov. 2019

La Croix de la Contre-Réforme

A l'époque de la Contre-Réforme, l'art catholique a besoin de se redéfinir, pour mieux attirer l'attention des fidèles. Le réalisme des corps et la souplesse des drapés sont appréciés, même dans les scènes les plus extrêmes de l'hagiographie.

Très actif à Séville au début du XVIIème siècle, Pacheco est un des théoriciens. Il deviendra même plus tard le représentant officiel de l'Inquisition dans cette ville, chargé d'éliminer les images non-conformes. Très influent, il est le maître de Velazquez.

Pacheco est cependant un peintre médiocre. La meilleure application de ses prescriptions est le Christ en Croix grandeur nature peint par Zurbaran à Séville en 1627, 290 x 168 cm. Zurbaran, âgé de 29 ans, n'est cependant pas un élève direct de Pacheco.

Le corps du Christ est brillamment éclairé sur un fond noir, attestant de l'influence du Caravage et de l'affinité avec Velazquez. La croix est un quelconque assemblage de poutres de bois. Les pieds sont cloués séparément sur un support en bois, plus crédible que le clou unique traditionnel traversant les deux pieds. Il est seul dans son ultime souffrance, sans les effets narratifs des soldats, des larrons et des pleureuses.

A la demande de ses clients, Zurbaran réalise plusieurs variantes autographes sur ce thème. Le 4 décembre à Londres, Sotheby's vend un Christ en Croix, huile sur toile 267 x 189 cm peinte vers 1635, lot 12 estimé £ 2,5M. Contrairement au modèle d'origine, les yeux tournés vers le ciel marquent la résignation et l'espoir. La croix est invisible à part la barre transversale. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La plus ancienne provenance connue de cette peinture est à Lima au XIXème siècle. Ce n'est pas un hasard. Une des principales activités de Séville était le commerce avec l'Amérique du Sud. Autour de 1640 les modes changent. Les Espagnols préfèrent la souplesse bienveillante de Murillo à l'ascétisme dramatique de Zurbaran pour qui la clientèle Américaine, restée plus traditionnelle, devient prépondérante.

Dans la Jungle avec Brando

Rolex lance en 1955 sa gamme de produits GMT Master à l'usage des pilotes d'avion et des grands voyageurs. Une lunette réglable permet de lire simultanément l'heure sur deux créneaux horaires différents.

Les montres Rolex sont aimées des baroudeurs en tous genres qui apprécient leur robustesse. Marlon Brando porte une Rolex dans plusieurs films : une Moonphase dans The Fugitive Kind, une Datejust dans Last Tango in Paris.

L'acteur a possédé deux GMT Master référence 1675. En 1976 il travaille sur le tournage d'Apocalypse Now, qui sortira en 1979. Il refuse de quitter sa seconde GMT qui sera donc visible dans le film.  Brando était trop indispensable pour que ses exigences soient refusées, et d'ailleurs le metteur en scène était plus préoccupé à masquer l'obésité de l'acteur.

Son argument concernant la montre est connu : "Si les spectateurs regardent la montre, c’est que je ne fais pas mon travail d’acteur". Il accepte toutefois d'enlever la lunette qui est inutile pour son personnage de colonel fou qui crée la terreur au fond de la jungle.

Après Apocalypse Now, cette GMT Master a un usage strictement familial. Brando la donne en 1995 à sa fille adoptive Petra en récompense pour un diplôme. Elle vient de refaire surface et sera vendue par Phillips à New York le 10 décembre, lot 30. Cette montre en acier inoxydable fabriquée en 1972 est dans son état d'origine en dehors du bracelet, du nom de l'acteur incisé assez maladroitement par lui-même au dos, et bien sûr de l'absence de la lunette.

23 nov. 2019

La Piste et la Lune

La qualité des chaussures améliore la performance en course. Cela semble évident aujour'hui. Pourtant, avant Roger Bannister, les athlètes y accordaient peu d'attention. Après avoir aminci le cuir et meulé les crampons, Bannister est le premier à courir un mile en moins de quatre minutes, en 1954. Ses chaussures ont été vendues pour £ 266K incluant premium par Christie's le 10 septembre 2015.

La médaille d'or d'Abebe Bikila, le coureur aux pieds nus, au marathon des Jeux Olympiques de Rome en 1960, contredit temporairement cette tendance. Pourtant quatre ans plus tard pour sa seconde victoire olympique, il porte des chaussures Japonaises.

En 1964 dans l'Oregon, un coureur à pied et son entraîneur fondent une affaire d'importation et de vente de chaussures de course d'une autre marque Japonaise. Quand le fabricant modifie sa stratégie d'exportation, ils décident de créer leur propre ligne de produits . En 1971 ils fondent Nike, du nom de la déesse grecque de la victoire.

Les deux créateurs attirent l'attention sur leur nouvelle marque par l'innovation. En 1972 la Nike Moon Shoe est spécialement préparée pour les épreuves de sélection des Jeux Olympiques. La semelle en caoutchouc est un réseau imitant la gaufre, assurant sans crampons une meilleure adhérence au sol et laissant derrière elle une empreinte qui rappelle vaguement les pas de l'homme sur la Lune.

La première série de Moon Shoes est limitée à douze paires assemblées à la main. C'est ce modèle qui déclenche la gigantesque réussite de Nike. Une d'elles, probablement la seule restée non portée, a été vendue pour $ 440K incluant premium par Sotheby's le 23 juillet 2019.

Une autre paire sera vendue par Goldin dans une vente en ligne qui se termine le 7 décembre, lot 7. Elle est la seule paire de la première série à avoir un rembourrage additionnel de la semelle. Elle est en excellent état et les lacets d'origine sont intacts.

22 nov. 2019

L'Epicier de Louisville

En 1807 deux jeunes français ouvrent un bazar à Louisville, Kentucky. Jean-Jacques Audubon n'arrive pas à se concentrer sur son travail. Il est passionné par la chasse et par l'observation des moeurs des oiseaux. Il prend la nationalité Américaine en 1812 et anglicise son prénom en John James.

Il est très tôt formé à la taxidermie et participe à une des toutes premières tentatives d'étude par le baguage. Sa méthode est sans précédent. Il tue son spécimen d'un coup de fusil et le redresse dans une pose naturelle avec un fil de fer. Ensuite il le dessine grandeur nature, souvent avec sa femelle ou sa proie. Il ne dessine jamais un oiseau empaillé.

Audubon fait faillite en 1819. Contre l'avis de ses amis mais avec le support de sa femme, il décide de publier son travail. Les sociétés savantes Américaines repoussent cet homme des bois qui avait ridiculisé un de leurs honorables confrères. En 1826, en plein dans la période romantique, il débarque en Angleterre avec sa collection d'images.

Le travail à effectuer est colossal. Il veut maintenir le format 97 x 66 cm de ses feuilles de dessin mais jamais un aussi grand livre n'avait été imprimé. Les planches devront être colorées une par une à la main. La seule solution est la souscription. Il trouve en 1827 à Edimbourg un imprimeur, Lizars, pour réaliser le travail. Un premier fascicule de 10 planches, numérotées de I à X, est préparé.

Il n'y aura pas de second fascicule par Lizars, suite à une grève des coloristes. L'affaire est désormais confiée à Havell à Londres, jusqu'à la 435ème et dernière planche en 1838. Les cinq volumes de textes sont publiés séparément en format octavo entre 1831 et 1839.

Le 18 décembre à New York, Sotheby's vend un ensemble complet, en très bon état malgré les rognures de quelques légendes à cause de la reliure. Il a été constitué par la souscription de la Yorkshire Philosophical Society enregistrée par Audubon en avril 1827. Les planches I, III, et V à X sont dans le premier état imprimé par Lizars.

Ce lot a été vendu pour £ 1,76M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 1990. Il est maintenant estimé $ 6M, lot 1. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

L'exemplaire complet assemblé vers 1838 pour le duc de Portland avec du stock restant inclut toutes les dix premières planches dans l'édition de Lizars et est dans un état parfait. Il a été vendu pour $ 9,7M incluant premium par Christie's le 14 juin 2018. Un ensemble complet dans sa reliure d'origine, résultant d'une des toutes premières souscriptions, a été vendu pour £ 7,3M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010.

Réalisme Gothique

Le prince Venceslas, héritier du royaume de Bohême et filleul du roi de France Charles IV, est à Paris de 1323 à 1330. C'est l'époque du premier grand enlumineur Parisien, Jean Pucelle. Rentré à Prague, Venceslas exerce fréquemment la régence pour son père, le roi-chevalier Jean l'Aveugle, à qui il succède en 1346 sous le nom de Charles IV. Il sera le premier prince de la dynastie des Luxembourg à devenir empereur, en 1355.

A l'Ouest la Guerre de Cent Ans éclate en 1337. Ce conflit international aggravé par le risque de schisme entre Avignon et Rome est une très bonne opportunité pour Charles IV pour faire de Prague une des villes les plus importantes d'Europe, siège d'un archevêché à partir de 1344.

Charles fait d'abord reconstruire la cathédrale. Pendant la seule année 1348, il crée à Prague la première université germanique, lance un grand projet d'urbanisme pour moderniser sa capitale et fait construire pour son usage personnel le château impérial de Karlstein.

Cette activité attire les artistes de toute l'Europe. La plupart sont restés anonymes, à l'exception de Maître Theodoric qui est le peintre attitré de Charles IV tout au long de son règne. Un important ensemble de peintures réalisées par ce maître pour la chapelle de Karlstein a été conservé.

La peinture sur bois du règne de Charles IV est souvent effectuée sur de très petits formats, avec une évidente recherche d'humanisme dans les portraits princiers et dans la spontanéité des attitudes. La minutie du trait montre que ces peintres étaient aussi des enlumineurs.

Une peinture à l'oeuf 22 x 20 cm sur bois de 14 mm d'épaisseur vient de faire surface. Cette Vierge à l'Enfant entrônée est dans le style de Bohême, petite et précieuse. L'Enfant est habillé d'une légère tunique. Ses gestes sont innocents. Les doigts d'une main agrippent un pied tandis que l'autre main tient gentiment le pouce de la mère. Leurs regards communiquent.

Cette scène est entourée d'une peinture noire parsemée d'étoiles en papier, réalisée probablement au XIXème siècle. L'inspection radiographique a révélé que l'environnement d'origine était un grand ensemble architecturé, plus conforme aux objectifs ostentatoires de l'art de Charles IV.

Les experts ont reconnu une similitude dans le raffinement de cette peinture avec le corpus restreint d'un artiste anonyme désigné comme le Maître de Vissy Brod, actif en Bohême autour de 1350.

Elle est estimée € 400K à vendre par Cortot à Dijon le 30 novembre, lot 52. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Artcento.


21 nov. 2019

L'Ebéniste et le Dinandier

Eugène Printz, ébéniste, a travaillé avec Chareau. Jean Dunand, décorateur, est laqueur et dinandier, spécialiste des surfaces brillantes et déjà réputé pour ses panneaux et ses paravents.

Leurs talents sont complémentaires et leur collaboration fructueuse dure de 1928 jusqu'à la mort de Dunand en 1942. Leurs production commune consiste surtout en meubles bas : buffets, enfilades, bahuts. Le style répond aux canons de l'Art Déco : simplicité géométrique des formes, beauté des surfaces.

Le 26 novembre à Paris, Sotheby's vend une enfilade 133 x 220 x 40 cm, lot 47 estimé € 400K, qui avait ébloui les visiteurs du Salon d'Automne en 1928.

Ce meuble est un bahut en placage de palmier avec un intérieur en palissandre de Rio. Il est monté sur deux élégantes traverses métalliques centrées d'un arc. La façade entièrement faite de métal noirci au feu est constituée de bandes argentées de longueurs inégales sur un fond de dinanderie. Les quatre portes et le tiroir concave deviennent à peine perceptibles dans ce brillant environnement.

Par la même équipe, un cabinet 125 x 160 x 30 cm réalisé en 1930-1931 a été vendu pour € 1,26M incluant premium par Christie's le 27 novembre 2007 sur une estimation basse de € 350K. Une enfilade 93 x 200 x 44 cm réalisée vers 1937 a été vendue le 4 juin 2019 pour $ 5,5M incluant premium sur une estimation basse de $ 300K, également par Christie's. Ces deux meubles utilisent également du bois de palmier.

La Princesse du Rock and Roll

Lady Diana épouse le Prince Charles en 1981. Elle a 20 ans et est photogénique. Elle apporte une grande attention à ce que son habillement soit en cohérence avec ses engagements, et sa garde-robe est d'une grande variété. Son style de jeune femme moderne plait au public.

Elle aime définir ses robes. Chez Victor Edelstein, elle voit une robe longue en velours aux épaules dénudées et commande le même modèle en bleu nuit qui est une de ses couleurs favorites.

En 1985 le prince et la princesse de Galles font une visite officielle de quatre jours aux Etats-Unis où ils sont reçus à la Maison Blanche par le Président et Mrs Reagan. Lors du dîner d'Etat, elle porte pour la première fois la robe d'Edelstein, avec des gants de satin et un collier choker.

Une grande surprise pour les invités a été préparée par Nancy Reagan à la demande de la princesse : à minuit John Travolta invite Diana à danser le rock and roll. Pendant vingt minutes, sur une musique extraite de Grease et de Saturday Night Fever, Diana devient avec une grande aisance une icône du disco. Joliment virevoltante dans cette danse, sa robe est désormais identifiée sous le nom de Travolta dress. L'image partagée par Wikimedia est dans le domaine public en raison du caractère officiel de ce gala.

La princesse de Galles porte encore cette robe en cinq occasions, de 1986 à 1991. Le 25 juin 1997, elle est incluse dans une vente de charité organisée par Christie's à New York, pour laquelle Lady Diana a elle-même choisi dans sa collection 79 robes de soirée et de cocktail. Cet évènement au bénéfice d'organisations combattant le SIDA et le cancer a généré $ 2,5M par la vente du luxueux catalogue et des tickets d'entrée à l'exposition plus $ 3,3M aux enchères menés par les $ 225K de la Travolta dress.

Cette robe est passée aux enchères à Waddington's en juin 2011. Elle a été vendue pour £ 240K incluant premium par Kerry Taylor le 19 mars 2013. Je l'avais discutée dans cette chronique avant ces ventes. Elle est estimée £ 250K à vendre par Kerry Taylor à Londres le 9 décembre, lot 237.

John Travolta and Princess Diana

20 nov. 2019

La Suprématie des Couleurs

Dans toute l'Europe, les avant-gardes artistiques et littéraires du début du XXème siècle partent du constat d'évolution rapide de la société et des conditions de vie. Le passé doit être annihilé, aucune tolérance n'est acceptée.

Ivan Kliun rencontre Malevitch dès 1907. Autour de 1914, il peint des oeuvres Cubo-Futuristes, apportant des couleurs vives au style Cubiste analytique de Braque et Picasso. Il est un des premiers artistes Suprématistes, participant en 1915 à Petrograd à l'exposition 0,10 où Malevitch dévoile son Carré Noir.

La peinture n'est plus une représentation de la nature mais un objet autonome. Les Suprématistes promeuvent la simulation du mouvement par les formes et les couleurs, avec une disparition totale de la perspective.

Vers 1921 Kliun réintroduit la lumière. Son art reste non-objectif mais il utilise dans sa nouvelle recherche la projection de sphères sur le plan, dévoilant les reflets. Malevitch considère cette nouvelle approche comme un retour en arrière. En 1932 le gouvernement Soviétique met fin au Suprématisme en interdisant l'art abstrait.

Peu d'oeuvres majeures de Kliun ont survécu. Le 26 novembre à Londres, Sotheby's vend une huile sur panneau 102 x 70 cm, lot 51 estimé £ 2,5M. La source de lumière est montrée en haut à gauche. Typique du Suprématisme sphérique, elle est probablement un des trois exemples de cette variante du suprématisme qui ont été exposées à Moscou en 1925. Le tweet montre un détail.

Les Seize Garçons de l'Empereur Jiajing

L'empereur Zhengde des Ming meurt en 1521 CE dans des circonstances scandaleuses, avant d'atteindre 30 ans, sans enfant survivant. Son cousin qui lui succède n'était manifestement pas prêt. Son nom de règne sera Jiajing signifiant 'admirable tranquillité'. Il ne s'intéressera jamais à l'exercice du pouvoir.

Pendant la 11ème année de son règne, 1532 CE, l'empereur Jiajing est inquiet. A 25 ans, il n'a encore aucune descendance. Sa première impératrice était morte de ses brutalités pendant qu'elle était enceinte. Il délaisse la seconde parce qu'elle est poussée par un clan. Il fait organiser un rituel Taoïste dans le jardin impérial pour susciter la naissance de garçons impériaux. On ne sait pas bien ce qui se passa dans cette cérémonie mais un premier prince nait d'une concubine l'année suivante.

Le prince meurt à l'âge de six semaines. L'empereur trouve enfin la solution. Sur une période de cinq ans commençant pendant la 15ème année du règne, neuf concubines lui donnent sept fils et quatre filles.

Pour ce qui concerne les porcelaines, la nouveauté de cette période est la jarre couverte de grande dimension, offrant une surface importante pour le dessin.

Une jarre bleu et blanc du plus grand modèle, 47 cm de haut incluant son couvercle d'origine, a été vendue pour HK$ 30,6M incluant premium par Christie's à Hong Kong le 27 novembre 2007. Elle revient dans la même maison de ventes le 27 novembre 2019, lot 3007. Elle faisait partie d'une paire de jarres identiques qui a été séparée en 1985.

Son thème iconographique des cent garçons est traditionnel. Il provient de la légende d'un empereur Zhou qui, incapable d'avoir son centième garçon, adopta un orphelin. 

En continu dans toute la circonférence, seize garçons jouent à des jeux divers dans un jardin. Ils sont tous semblables, avec la tête rasée. Un groupe représente l'éducation, avec le plus grand des enfants qui joue au maître d'école et le plus petit qui ne sait pas encore marcher mais cherche déjà à attraper le livre.

Toutes ces occupations forment plusieurs rébus, selon le jeu traditionnel des homophonies. Leur signification va dans le sens des voeux pour la prochaine naissance d'un ou plusieurs garçons et d'un auspice de longévité.

Une jarre plus petite montrant exactement les mêmes jeux est passée chez Bonhams le 10 novembre 2011. Une jarre de 26 cm de haut avec une autre composition de jeux a été vendue pour HK$ 11,8M incluant premium par Christie's le 27 mai 2009. Ces deux exemples n'ont pas de couvercle.