20 mars 2019

Alice d'En-Bas

Au début des années 1950, Charles Blackman cherche un thème surréaliste. Il peint des scènes souvent morbides de Schoolgirls et Schoolboys dans les tristes occupations de leur enfance.

Sa femme Barbara est une grande lectrice malgré une cécité presque complète. En 1956 elle emprunte un exemplaire d'Alice in Wonderland. Charles est séduit par cette histoire extravagante. De plus, dans sa chute, Alice pense qu'elle est en route pour down under.

Charles commence aussitôt à peindre une série de scènes inspirées des péripéties d'Alice in Wonderland, comme son ami Sidney Nolan faisait avec le bushranger Ned Kelly. L'année suivante, Arthur Boyd prendra comme thème le mariage interdit des half castes.

L'Alice de Blackman est une petite fille au regard hagard et aux yeux cernés, même pas intéressée par les variations d'échelle des meubles et des objets. Le lapin morose est un témoin de l'action, à laquelle il daigne parfois participer.

Les trois exemples ci-dessous ont été peints à la tempera et huile sur panneau en 1956.

The Game of Chess, 107 x 122 cm, a été vendu pour AUD 1,8M incluant premium par Sotheby's Australia le 23 novembre 2016. Mad Hatter's tea party, 105 x 121 cm, a été vendu pour AUD 1,9M incluant premium par la même maison de ventes le 21 novembre 2017. Alice on the table, 121 x 112 cm, est estimé AUD 1,5M à vendre le 10 avril à Sydney par Deutscher and Hackett, lot 9.

19 mars 2019

Femmes Dévoilées

Helmut Newton est un photographe de mode, proche d'Yves Saint-Laurent et de Karl Lagerfeld. Travaillant pour Vogue, Playboy, Spiegel et Stern, il cherche l'érotisme au-delà du charme. Il publie ses deux premiers livres à New York. White Women, en 1976, confronte le nu et l'habillé. Sleepless nights, en 1978, en partie photographié dans les rues de Paris, ajoute le mystère du mannequin de cire et la couleur.

Une étape supplémentaire est atteinte à partir de 1980 avec la découverte par l'artiste de la force expressive des très grands formats appliqués en noir et blanc à des nus féminins sculpturaux. Les chaussures à haut talon portées par les femmes nues apportent un effet de puissance et de domination démontrant l'achèvement de la révolution sexuelle. Le troisième livre de l'artiste, Big Nudes, publié à Paris en 1981, est un recueil de ces images.

Big Nudes inclut un diptyque intitulé Sie kommen. Dans le studio sans décoration, quatre femmes avancent comme dans un défilé de mode. Elles ont la même position frontale et la même attitude sur les deux photos. A gauche elles sont élégamment habillées. A droite elles sont nues sur leurs hauts talons.

Dans le plus grand format sur lequel les quatre femmes sont en grandeur nature, chaque photo du diptyque est séparée en deux éléments. Un ensemble de quatre panneaux d'exposition 193 x 99 cm chacun numéroté II/III et annoté en 1995 pour la Biennale de Venise a été vendu pour $ 660K incluant premium par Christie's le 16 décembre 2008.

Dans un format similaire, un groupe de quatre tirages non montés numérotés 1/3 est estimé $ 600K à vendre par Phillips à New York le 4 avril, lot 85.

Un diptyque Sie kommen en deux éléments 106 x 106 cm, sans la séparation centrale de chaque image, a été vendu pour $ 670K incluant premium par Sotheby's le 3 avril 2016.

18 mars 2019

Vapeur pour l'Oeuf

Au tournant du XXème siècle, les mécaniciens sont bien excités : l'automobile permet les transports à volonté, contrairement au rail. Trois technologies s'affrontent : le moteur à allumage qui utilise un carburant, le moteur électrique et le moteur à vapeur.

Le moteur électrique prend tout de suite l'avantage : les records de vitesse sont alternativement améliorés par Jenatzy sur des voitures de sa conception et par Chasseloup-Laubat sur Jeantaud.

Les frères Serpollet sont spécialistes du moteur à vapeur avec lesquels ils fabriquent et vendent des tricycles automobiles dès 1888. Brevetée par Léon Serpollet en 1888 et en 1896, la vaporisation instantanée permet à cette technologie de devenir opérationnelle pour les automobiles. En 1898 il intéresse un riche Américain avec qui il fonde la société Gardner-Serpollet et commence la production de la marque en 1900.

En 1902 une Gardner-Serpollet conduite par Léon Serpollet est la première automobile à vapeur à battre le record de vitesse, atteignant 120 km/h au kilomètre lancé, 15 km/h de mieux que le précédent record par Jenatzy. Tout comme la Jamais Contente en forme d'obus de Jenatzy, l'Oeuf de Pâques de Serpollet a une carrosserie minimaliste.

La même année Gardner-Serpollet pousse ses avantages sur sa production industrielle en promouvant l'absence de bruit, d'odeur et de vibrations.

Le 23 mars à Fontainebleau, Osenat vend une Gardner-Serpollet Type F de 1902, lot 112 estimé € 200K. La vidéo présentant ce lot est intégrée dans le tweet ci-dessous. Dans la même vente, le lot 113 estimé € 60K est une réplique récente de L'Oeuf de Pâques.

16 mars 2019

Simple Trahison

En 1921 le jeune René Magritte est embauché comme dessinateur dans une usine de papiers peints à Bruxelles. Il fréquente les milieux littéraires surréalistes et dadaïstes et voudrait prendre son indépendance comme illustrateur publicitaire.

Attentif aux avant-gardes artistiques, Magritte est subjugué en 1923 par une image du Chant d'amour, oeuvre surréaliste peinte en 1914 par De Chirico. Les objets ordinaires constituent un univers poétique si leur positionnement est absurde.

Le 29 mars à Paris, Sotheby's vend La salle d'armes, huile et peinture industrielle sur toile de jute 78 x 63 cm peinte par Magritte en 1925 ou 1926, lot 411 estimé € 700K.

La salle proprement dite est l'intérieur d'un cube allongé, parfaitement symétrique, avec des lignes de perspective parfaites. La seule décoration est la grande cible en quatre cercles concentriques sur le mur du fond. Le seul ameublement est une table basse. L'inspection aux rayons X révèle que La salle d'armes a été peinte par-dessus une abstraction géométrique, un style qui désormais ne convient plus à sa fantaisie.

Aucune arme n'est visible mais une assiette de figues a été posée sur la table. L'absurdité est très simplement assurée par un buste de femme qui est suspendu au plafond tête en bas et dont le socle déborde sur la bande haute du faux cadre. Dans l'univers surréaliste de De Chirico, le buste en marbre symbolisait l'actualité de l'antiquité.

Dès 1926 Magritte observe qu'une image d'un objet reste une image et n'est pas l'objet. Il commence à confronter le dessin de sa pipe avec le mot 'pipe' ou avec une abstraction. En 1929 La trahison des images est un manifeste artistique d'une sublime simplicité, en seulement six mots : "Ceci n'est pas une pipe."

Dans la même période Miro aussi comprenait que la nouvelle dimension poétique de l'art moderne était un travail personnel qui ne pouvait pas s'attacher à un mouvement et encore moins à une affiliation politique.

L'image du tweet ci-dessous est tronquée, apportant à l'oeuvre une banalité qui aurait amusé Magritte.

15 mars 2019

La Bête de Jade

La plaque de jade est utilisé en Chine depuis l'époque néolithique. Elle est perforée pour être utilisée en pendentif, en collier ou en ornement de ceinture. Des figurations zoomorphes reconnaissables apparaissent il y a plus de 5000 ans : poisson, tortue, oiseau.

Sous les Shang et les Zhou, les plaques de plus en plus élégantes en jade poli peuvent prendre la forme de bêtes indomptables : tigre, rhinocéros, dragon. Utilisées comme ornements pectoraux, elles sont un signe de la puissance du porteur et l'accompagnent dans la tombe. Cette pratique perdure sous les Han.

Parmi les pièces zoomorphes, la forme allongée 'tiger plaque' est assez courante. Le détail du détourage est une adaptation de l'artiste à la forme du galet, tout comme les peintres pariétaux utilisaient les aspérités des parois des grottes pour concevoir leur figuration.

Le 3 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une plaque en jade jaune ciselée en faible relief sur ses deux côtés, lot 3620 estimé HK$ 25M. Elle mesure 22 cm de long, ce qui est une dimension extrême pour une utilisation pectorale. Elle a été réalisée dans la période finale des Zhou de l'Est chevauchant la période des Royaumes Combattants, il y a environ 2300 ans.

La bête couchée n'est pas identifiable : l'artiste a volontairement créé un hybride aux formes musclées, avec la silhouette massive d'un rhinocéros, la peau à pustules d'un dragon, le large museau d'un ruminant et une longue corne sur le front. Les parties lisses des épaules et des hanches sont illustrées respectivement d'un oiseau et d'un dragon aux élégantes ondulations. Le bord de la plaque porte une inscription en deux caractères qui n'a pas été déchiffrée.

Bonjour Monsieur Pissarro

Installé dans la vallée de l'Oise, Camille Pissarro est un meneur du mouvement impressionniste, attentif à déceler et développer de nouveaux talents. Il aime peindre côte à côte avec ses amis, ce qui devrait être une bonne pratique pour renforcer les relations mais aboutira à la catastrophe entre Van Gogh et Gauguin. C'est Pissarro qui enseigne à Cézanne la peinture en plein air.

Paul Gauguin est un agent de change. Il collectionne l'art impressionniste et commence à peindre. Il est très bien accueilli par Pissarro chez qui il fait à partir de 1879 des séjours prolongés qui le captivent beaucoup plus que son métier. Il expose ses oeuvres à partir de la même année avec le groupe impressionniste.

Le 29 mars à Paris, Sotheby's vend une huile sur toile 66 x 54 cm peinte par Gauguin en 1881 dans le style impressionniste, lot 404 estimé € 600K. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Le thème de cette oeuvre est la petite maison où Pissarro vient d'emménager à Pontoise, vue du jardin. Au premier plan un grand parasol rappelle comment Pissarro aimait s'installer pour peindre en plein air.

Le dos de la toile est peint de deux autoportraits dans des attitudes différentes, dans le style de ressemblance sans complaisance précédemment pratiqué par Pissarro, Cézanne et Guillaumin. Ils sont les plus anciens autoportraits connus de Paul Gauguin, certainement exécutés à la même époque que le recto.

Cette conjonction voulue par Gauguin du parasol symbolique et de son propre visage est un témoignage de son amitié à cette époque pour son maître.



14 mars 2019

Le Sous-Sol du Botswana

Le Botswana fournit des diamants parfaits capables d'égaler les meilleurs diamants de l'histoire. De tels diamants sont chimiquement purs de type IIa et leur absence de couleur est identifiée comme couleur D. Les autres critères sont leur poids en carats, leur clarté sans défaut et la qualité de la coupe, du polissage et de la symétrie. Quand les autres caractéristiques sont similaires, les plus gros diamants atteignent un plus haut prix au carat.

Le plus resplendissant est le brillant rond. Cette coupe est rarement pratiquée sur les grosses gemmes parce que la forme parfaite est obtenue aux dépens d'une perte de matière. Un ovale à facettes parfaites permet d'approcher la qualité d'un diamant rond. D'autres formes allongées, poire ou émeraude, offrent des résultats très satisfaisants.

En 2018 Sotheby's Diamonds a vendu en vente privée un merveilleux diamant rond pesant 102,34 carats, extrait d'une pierre brute de 425 carats minée par De Beers au Botswana. Le prix de la transaction n'a pas été dévoilé.

Le 15 mai 2013, Christie's a vendu pour CHF 26M incluant premium un diamant poire de 101,73 carats obtenu sur une gemme de 236 carats extraite à Jwaneng au Botswana, une mine possédée en partenariat par De Beers et par le gouvernement du Botswana..

Le 2 avril à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1801 un diamant ovale de 88,22 carats. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Le rapport accompagnant sa certification par le GIA inclut un rare commentaire très élogieux : 'Though its GIA Grading Report reveals a thorough description of its characteristics, it cannot quite capture its splendor - one must see the gem to comprehend its magnificence."

Ce diamant provient d'une pierre brute de 242 carats également extraite à Jwaneng. Son estimation basse, HK$ 88M, imite son poids en carats en utilisant le double 8 qui est en Chine une homophonie avec un augure de joie et de richesse. Ce montant hors frais correspond à US$ 127K au carat.

Un diamant ovale pesant 118,28 carats provenant d'une pierre brute de 299 carats découverte en 2011 en Afrique du Sud a été vendu pour HK$ 240M incluant premium par Sotheby's le 7 octobre 2013, correspondant à US$ 260K incluant premium par carat.

13 mars 2019

Blanc sans Fin par Yayoi Kusama

Yayoi Kusama arrive à New York City en juin 1958, apportant avec elles ses obsessions et ses délires hallucinogènes. Elle n'est rien d'autre qu'un petit point insignifiant dans l'infini de l'humanité mais elle aimerait bien que ce point devienne très visible.

En 1959 elle couvre ses toiles avec un réseau de points de peinture blanche régulièrement espacés, dans un geste minimaliste qu'elle reproduit sans autre modification que des variations d'épaisseur.

Ce travail n'est jamais terminé. Elle est capable de l'effectuer sans s'arrêter pendant quarante ou cinquante heures, assouvissant son corps et son subconscient dans cette tâche répétitive. Chacun de ces points identiques a été à un moment donné le résultat de sa création. Quand une toile est entièrement couverte de sa prolifération blanche, elle en commence une autre qui pourra être vue dans son prolongement.

Elle atteint son but d'étonner le milieu artistique New Yorkais. Son art est l'opposé de toutes les tendances : il n'offre pas l'effet global de l'expressionnisme abstrait, ni l'amplitude gestuelle de l'action painting, ni la nouvelle figuration du pop art. Son blanc monochrome n'est pas un signe de pureté mais une provocation. Donald Judd est émerveillé.

No. 2, 183 x 274 cm, qui a appartenu à Judd, a été vendu pour $ 5,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2008. Interminable net # 3, 133 x 125 cm, a été vendu pour $ 5,9M incluant premium par Sotheby's le 12 mai 2015. Interminable net # 4, 144 x 109 cm, est estimé HK$ 50M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 1er avril, lot 1144.

L'acte créatif est une thérapie temporaire qui ne résout pas sa hantise du sexe. Voulant y faire face comme avait fait Dali trente ans auparavant, elle terminera sa période New Yorkaise dans l'exhibitionnisme et la pornographie.

12 mars 2019

Le Temps des Oracles

Né dans une très ancienne famille Chinoise, le père de Zao Wou-Ki était un grand connaisseur d'art et de calligraphie. Possédant une peinture par Mi Fu, il avait également été un des tout premiers collectionneurs des Oracle bones juste après leur caractérisation comme une forme primordiale d'écriture.

En France dans les années 1950, Zao renonce rapidement à l'art figuratif pour exprimer les sentiments, la nature et les saisons par des harmonies de couleurs. L'originalité de son art par comparaison avec les expressionnistes est d'appliquer à l'huile sur toile les techniques et les mouvements du poignet de la calligraphie Chinoise.

Autour de 1956 Zao surcharge régulièrement ses couleurs avec une pseudo-écriture, le plus souvent sans lien avec les pictogrammes antiques ou modernes, adjoignant ainsi une dimension de mystère à ses expressions des forces de la nature et de la création de l'univers. Ces peintures sont identifiées comme la série des Oracle Bones.

Sa visite aux Etats-Unis en 1957 après sa rupture avec sa femme n'interrompt pas cette tendance mais accroit considérablement sa notoriété internationale. Après sa rencontre avec les peintres abstraits Américains, il comprend qu'une oeuvre d'art n'a pas besoin de titre pour transmettre un sentiment.

Les Oracle Bones peints en 1958 offrent une grande diversité d'expression. Une peinture 130 x 162 cm montre une violente explosion de couleurs intenses ainsi qu'une transformation de la proto-écriture en un jet de cendres. Elle a été vendue pour RMB 90M incluant premium par Sotheby's le 1er décembre 2013.

L'huile sur toile 114 x 163 cm peinte la même année, à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 31 mars, apparaît comme une antithèse de l'exemple ci-dessus. La douceur du fond peint en blanc crème rehaussé de brun clair et de vert de jade apporte une ambiance paisible accentuée par la finesse calligraphique de la large pseudo-écriture centrale.

Cette oeuvre est estimée HK$ 60M, lot 1026. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


11 mars 2019

La Montagne des Maréchaux

Zhang Daqian a fui la Chine communiste. Dans son jardin des Huit Vertus près de Sao Paulo, il développe un art inspiré à la fois par l'expressionnisme et par l'art graphique traditionnel Chinois. Il voyage et expose beaucoup pendant toute cette période. En 1968 il est nommé docteur honoraire par un collège de Taiwan.

En 1968 également, Zhang quitte le Brésil pour s'installer en Californie où il rencontre d'autres exilés, dont la fille de Zhang Xueliang avec son mari.

Succédant en 1928 à son père Zhang Zuolin assassiné par les Japonais, Zhang Xueliang avait été un des plus puissants seigneurs de la guerre, opérant depuis la Mandchourie et surnommé le Jeune Maréchal. Assigné à résidence depuis 1936 pour avoir temporairement amené Chiang Kai-shek à négocier avec les communistes contre les Japonais, il avait été forcé de suivre en 1949 l'exil du Kuomintang à Taiwan.

Zhang Zuolin, le Vieux Maréchal, était un paysan d'origine pauvre. Les deux "Maréchaux", père et fils, aimaient situer leurs origines dans les monts Yiwulu, l'un des plus beaux paysages de Mandchourie. Toujours bloqué à Taiwan, Zhang Xueliang devint un poète, érudit et collectionneur raffiné. Pour inspirer son ami Zhang Daqian, il avait composé un essai poétique sur la beauté éternellement verte de sa montagne.

Le 2 avril à Hong Kong, Sotheby's vend une vue imaginaire des monts Yiwulu, encre éclaboussée et couleurs sur papier 101 x 196 cm peinte en 1969 par Zhang Daqian et dédicacée par lui à la fille et au gendre de Zhang Xueliang, lot 1415 estimé HK$ 50M.

Dans un style où une illusion réaliste prime sur l'abstraction qui avait dominé les paysages dans les années précédentes, cette oeuvre peut être comparée avec une vue de collines anonymes sous les neiges de printemps, 68 x 138 cm, peinte la même année, vendue pour HK$ 42M incluant premium par Christie's le 28 novembre 2017.

10 mars 2019

Le Chagrin du Vieux Poète

Shen Zhou appartenait à une famille de riches propriétaires terriens de la région de Suzhou, à 100 Km au nord-ouest de Shanghai. Ayant reçu une excellente formation de literati, il parvient à échapper aux fonctions officielles par une action qui est caractérisée comme une piété filiale. Il est réputé pour ses qualités humaines, transcrites dans la forme à la fois ferme, franche et sereine de son dessin et de son écriture.

Loin de la cour impériale, il devient un artiste et poète professionnel. Il forme avec ses disciples l'école informelle de Wu, le nom antique de Suzhou. La réputation de ce groupe provincial devient nationale.

En 1502 CE, Shen Zhou perd son fils. Il exprime son chagrin l'année suivante par une collection de dix poèmes sur le thème des fleurs fanées. La qualité littéraire de cette oeuvre suscite un dialogue entre le vieux poète et ses disciples, avec la composition par les uns et les autres de nouveaux poèmes dont certains réutilisent les rimes des poèmes initiaux.

Un rouleau autographe, signé mais non daté, composé des dix poèmes originaux complets et de trois réponses du poète, est estimé $ 1,2M à vendre par Sotheby's à New York le 22 mars, lot 1168.

Ce rouleau utilise le style de Huang Tingjian, l'un des plus grands maîtres de la calligraphie sous les Song. Il est très comparable par son écriture à un rouleau conservé au Musée de Taipei qui inclut un frontispice et une peinture autographes ainsi qu'une réponse datée 1508 CE par son meilleur disciple. Shen Zhou meurt l'année suivante, âgé de 82 ans.

9 mars 2019

Un Chronographe pour la Boxe

Pendant les années 1930 Patek Philippe maîtrise toutes les complications et la plupart de leurs combinaisons. L'effort de la marque pour réaliser de nouveaux prototypes et ajouter à son catalogue de nouvelles références de haut de gamme n'est pas interrompu par la guerre.

La référence 130, lancée commercialement en 1934, est un chronographe à poussoir unique utilisant le calibre 13. Elle est équipée de deux cadrans subsidiaires, l'un indiquant les secondes jusqu'à la minute et l'autre les minutes jusqu'à la demi-heure.

Produite à partir de 1940, la référence 1491 est une montre sans chronomètre avec un cadran plus élégant que la déjà classique Calatrava. Commençant en 1941, la référence 1518 introduit commercialement une alléchante combinaison de complications, ouvrant la voie à la 2499 qui la remplacera en 1951.

Quelques prototypes sensationnels sont construits pendant cette période. En 1942 la référence 1554, connue en deux exemplaires seulement, modifie la 1491 pour introduire un chronographe. En 1943 la référence 1527, non communiquée au public, cherche à améliorer l'esthétique de la 1518. Elle a également été réalisée en deux exemplaires seulement dont un seul avec chronomètre qui a été vendu pour CHF 6,25M incluant premium par Christie's le 10 mai 2010.

Ces raffinements intéressent les professionnels pour des applications spécifiques. En 1938 un commentateur sportif spécialisé dans la boxe achète une 130 fabriquée en 1937, qui l'intéresse évidemment pour son chronographe des 30 minutes.

Les progrès de la radiodiffusion créent de nouveaux besoins. Lorsque sa montre revient en usine pour une révision en 1942, elle est remontée comme une 1491 avec un boîtier légèrement plus large et plus épais que la 1491 de base. Le cadran est modifié par un agrandissement du registre des 30 minutes réalisé spécialement pour cet exemplaire.

Cette montre est estimée US $ 500K à vendre par Christie's à Dubai le 22 mars, lot 177. Elle est le seul spécimen connu de chronographe ayant reçu la référence 1491. La simultanéité de sa fabrication avec le développement de l'éphémère 1554 ne peut pas être un hasard.

8 mars 2019

Les Armées de l'Impératrice Cixi

Depuis la dynastie des Zhou qui régnait il y a 2500 ans, l'empereur de Chine doit son pouvoir à un mandat céleste. Il n'a pas droit à l'erreur : une catastrophe ou une décadence est aussitôt interprétée comme un désaveu céleste et génère des rebellions.

En 1842 la dynastie des Qing est sortie ruinée de la première guerre de l'opium, avec un asservissement aux puissances occidentales. Les grandes rebellions commencent en 1851. Ces guerres civiles sont parmi les plus meurtrières de l'histoire.

L'absence de coordination entre les rebellions Taiping et Nian est due à leurs origines très différentes. Le Taiping est d'inspiration mystique. Le Nian est politique, en réaction à l'incapacité du gouvernement impérial à empêcher la famine après la crue catastrophique du Fleuve Jaune.

L'immensité du territoire à contrôler est une des causes des durées très longues de ces rebellions, réprimées respectivement en 1864 et 1868. Les deux autres conflits majeurs sont deux rebellions musulmanes, dans des provinces différentes, respectivement terminées en 1873 et 1877.

A la cour impériale, la personnalité dominante de 1861 à 1908 est la régente Cixi, avec le titre d'impératrice douairière. La suppression des quatre rebellions est une grande victoire pour ses armées. En 1886 le père du jeune empereur Guangxu ordonne la création de peintures sur soie glorifiant les victoires impériales contre les Taiping et les Nian. Un peu plus tard un travail similaire est commandé pour commémorer les batailles musulmanes.

Cet ensemble totalisant 67 oeuvres a été exposé de 1890 à 1900 dans un pavillon  reconstruit en 1885 où  Qianlong avait eu l'habitude de célébrer ses victoires. La série complète de 12 peintures d'une des campagnes musulmanes est conservée au Musée du Palais à Beijing. Les pièces survivantes des trois autres rebellions sont rares.

La série de la rebellion Nian incluait 18 peintures. Les scènes de batailles sont d'une remarquable précision, avec des visages et des expressions différenciés pour chaque personnage. Les officiers sont désignés par leur nom et leurs visages sont paraît-il reconnaissables.

Les clans sont identifiés par leurs drapeaux, cinq bandes pour les impériaux et monochrome en cinq variantes pour les rebelles, et par la coiffure, natte et chapeau pour les soldats impériaux et turban rouge orangé pour les rebelles. L'armement, probablement fourni aux deux parties par des aventuriers occidentaux, est moderne malgré l'importance prépondérante qu'avait encore la cavalerie.

Une peinture Nian 136 x 301 cm a été vendue pour € 810K incluant premium par Tessier et Sarrou le 26 juin 2017 malgré l'absence de l'inscription identifiant la bataille et quelques accidents. Le 20 mars à New York, Sotheby's vend l'opus Nian numéro 7, 137 x 310 cm, montrant le siège d'une ville fortifiée, lot 719 estimé $ 300K.

7 mars 2019

Un Mandala pour chaque Déité

Préparé par un moine Bouddhiste il y a 900 ans, le Vajravali est une compilation de l'accès à tous les domaines de la connaissance universelle confiés à 42 déités résidant chacune dans son mandala. Le guide iconographique de ce texte invite à des représentations animées, colorées et joyeuses tout en définissant clairement la limite fortifiée et jalousement gardée entre le palais céleste et le monde profane.

Un cycle de thangkas inclut au centre du registre supérieur de chaque pièce la figure de Sa Sainteté le Seigneur Dharma, une appellation honorifique d'un important Lama Tibétain mort en 1375 CE, sans qu'on puisse identifier si la série a été peinte de son vivant. Près de vingt pièces ont survécu, dans un format unique autour de 84 x 75 cm. Les experts supposent que le groupe d'artistes était d'origine Népalaise.

Ces thangkas sont numérotées, probablement depuis leur création. L'opus 19, qui est passé à Bonhams le 29 novembre 2016, est le mandala de Marici, la déesse de la lumière.

Le 21 mars à New York, Sotheby's vend l'opus 26, consacré à Hevajra, lot 936 estimé $ 800K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Hevajra est une divinité masculine de méditation à huit têtes et seize bras. Chaque main tient un symbole de l'univers. Il est enlacé dans un mouvement de danse avec une de ses femmes ou avec une autre déité. Parfois il piétine l'ignorance prostrée.

La partie centrale du mandala est un appartement de cinq chambres pour accueillir les cinq manifestations de Hevajra montré chaque fois dans une carnation différente. Un grand nombre de déesses dansent à l'intérieur et à l'extérieur de cet appartement.

6 mars 2019

Le Protecteur des Tantras

Dans le bouddhisme tantrique, Mahakala est le protecteur des textes sacrés et pourfend l'ignorance. Commun au Bouddhisme, à l'Hindouisme et au Sikhisme, il est l'émanation d'un dieu ou d'un bodhisattva. L'ignorance est assimilée à la mort, dont Mahakala porte de nombreux symboles : les têtes de mort des cinq sagesses forment une couronne au-dessus de son large front et il tient une coupe faite avec un crâne. Les flammes sont prêtes à jaillir de ses cheveux.

Panjaranatha Mahakala est une émanation du bodhisattva Manjusri. Avec seulement deux bras, il est le gardien du pavillon des textes sacrés. Malgré son apparence terrible, il est plutôt pacifique.

Les bronzes montrant cette déité sont très rares, à l'exception d'une brève période au début de la dynastie Ming. Cette iconographie a cependant été maintenue au Tibet, avec de nouveaux raffinements dans la férocité dissuasive.

Le 19 mars à New York, Bonhams vend une figure de Panjaranatha Mahakala de 27 cm de haut en alliage de cuivre doré, faite au Tibet environ deux siècles après le règne de Yongle. Elle est estimée $ 800K, lot 928.

Par rapport à ses prédécesseurs, sa physionomie apparait comme encore plus puissante, avec une bouche grande ouverte pour montrer les crocs et la langue. Il est positionné fermement sur ses deux jambes pliées latéralement. Les pieds sont posés sur le cadavre décrépit d'un ignorant.

5 mars 2019

Le Parfait Eveil du Fils du Ciel

Les Mandchous ont renversé les Ming et créé la dynastie des Qing. L'empereur Qianlong promouvait l'étymologie mettant son groupe ethnique sous la protection de Manjusri, le plus important des bodhisattvas. Il aimait être montré sur les images comme une réincarnation de Manjusri. La piété bouddhiste de Qianlong explique son action culturelle transcendant toute l'histoire de la Chine depuis ses origines historiques.

La Mandchourie est la région qui sépare Beijing du désert de Gobi, ouvrant la route de la Mongolie et du Tibet. Comme ses prédécesseurs, Qianlong est un protecteur du Lamaïsme. Pour atteindre la perfection du Fils du Ciel, l'empereur doit être imprégné des Sutras Tibétaines. Qianlong donne l'exemple en calligraphiant lui-même les Sutras, à l'occasion de célébrations importantes.

Le 20 mars à New York, Sotheby's vend la calligraphie autographe par Qianlong de la Sutra du parfait éveil selon la traduction Chinoise ancienne attribuée au moine Buddhatrata. Une inscription à la fin du texte indique que le travail impérial a été commencé le 19ème jour du premier mois de l'année bingyin et terminé le 15ème jour du mois suivant. Cette année correspond à 1746 CE.

La calligraphie a été réalisée sur 42 feuilles de largeur inégale, chacune pliée en plusieurs pages 22 x 10 cm avec le plus grand soin. Elles ont été collées ensemble par leurs bords pour constituer deux volumes de qualité impériale.

Le papier pour la calligraphie avait été préparé avec une teinture jaune pour imiter les Sutras Song de la collection impériale. Le texte est précédé d'une figure de Bouddha et de quatre emblèmes Bouddhistes, chacun en pleine page, et suivi des quatre autres emblèmes et d'une figure du guerrier protecteur Wei Tuo. Chaque volume est inclus dans une reliure brocardée d'or et de couleurs, et le tout est inséré dans un luxueux étui.

L'ensemble est estimé $ 300K, lot 548. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

4 mars 2019

Le Banquet des Economistes

Le 19 mars, Sotheby's vend en ligne à partir de Londres la médaille et le diplôme Nobel de von Hayek. Cet ensemble est estimé £ 400K. Voici le lien vers le catalogue.

Le Prix en Sciences économiques en mémoire d'Alfred Nobel a été créé en 1969. Cette initiative de la Banque de Suède imitant les prix provenant du testament d'Alfred Nobel a immédiatement suscité des réticences. La famille Nobel rappelait l'opinion du mécène sur l'incompatibilité du bien-être de la société avec toute notion de profit.

En 1974 le prix est attribué conjointement à Friedrich von Hayek et Gunnar Myrdal "pour leurs travaux pionniers dans la théorie de la monnaie et des fluctuations économiques et pour leur analyse de l'interdépendance des phénomènes économiques, sociaux et institutionnels".

En récompensant avec la même formule deux penseurs dont les propositions institutionnelles étaient diamétralement opposées, le comité d'attribution du Prix réalisait un incontestable exploit intellectuel tout en générant un risque sur sa propre crédibilité.

Le néo-libéral Von Hayek demandait que l'intervention de l'Etat soit minimisée. Les investissements qui apportent le progrès social doivent provenir d'une épargne individuelle sans contrainte. Une redistribution des richesses par l'Etat apporte immanquablement le pouvoir à des groupes cupides qui font illusion par la démagogie. Le collectivisme aboutit ainsi à la privation des libertés individuelles.

Von Hayek prononce son discours au banquet Nobel le 10 décembre 1974. Après un bref remerciement, il exprime clairement mais courtoisement que ce Prix ne devrait pas exister. Récompensant un travail conceptuel et non un travail scientifique objectif, il offre une tentation à ses propres lauréats d'intervenir en dehors de leur domaine de compétence.

Von Hayek rejoignait ainsi les doutes de la famille Nobel sur ce nouveau prix. Dans ses conceptions politiques, les économistes sont les techniciens qui gèrent les relations entre le pouvoir judiciaire et le gouvernement dans un régime où les lois doivent être stabilisées pour éviter de freiner les initiatives d'investissement.

A l'opposé, Myrdal souhaite la protection des individus par un Etat Providence. Un peu plus tard il préconisera lui aussi la suppression du Prix, avec l'argument que son attribution à Von Hayek encourageait les réactionnaires.

Quelques années plus tard, la chute du régime Soviétique est une illustration du modèle non-Keynésien de Von Hayek. Le libéralisme revient en force dans les démocraties Occidentales avec Reagan et Thatcher.

24 févr. 2019

Chaise assistée par Ordinateur

Le meilleur bâtisseur de structures est la nature elle-même. La croissance des végétaux inclut une compensation des faiblesses et la croissance du squelette inclut une élimination des excédents. Les arbres de Calder, qui était ingénieur de formation, montrent bien qu'il avait une compréhension au moins intuitive de ces principes.

La modélisation par ordinateur ouvre une voie nouvelle. En 1998 Opel crée un logiciel basé sur les algorithmes de la nature pour alléger le support du moteur dans ses voitures. Impressionné par les résultats d'Opel, Joris Laarman conçoit des logiciels similaires pour créer des meubles. En 2003 il crée un radiateur dont la forme est basée sur l'optimisation de la conduction thermique.

Pour concevoir sa chaise sur le principe de la croissance des os, il définit la position du dossier et de l'assise et les points de contact avec le sol puis laisse l'ordinateur calculer les détails de la structure. La réalisation en aluminium de ces formes complexes est résolue pour les petites séries par des techniques de moulage en une seule pièce à céramique perdue. L'industrialisation est encore aujourd'hui un défi qui mérite d'être étudié : les sièges assistés par ordinateur de Laarman ont une robustesse très supérieure au mobilier classique.

Après sa chaise, Laarman réalise un fauteuil et une chaise à bascule basés sur le même principe de la nature, une bibliothèque inspirée par les branches, une table utilisant les calculs classiques des piliers de ponts et bien d'autres pièces d'ameublement.

La 'Bone Chair' en aluminium est éditée en 12 exemplaires en 2006. Elle est déjà un icône du mobilier contemporain. Quatre d'entre elles sont conservées dans des musées, incluant le Rijksmuseum et le MoMA.

Le numéro de série 4/12 a été vendu pour £ 345K incluant premium par Phillips le 27 avril 2016. Le 8/12 est estimé £ 400K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 115.

23 févr. 2019

L'Oeil de l'Architecte

Après la première guerre mondiale et la révolution Soviétique, l'art et le rôle de l'artiste sont remis en question de toutes parts. Pendant que Malevitch et Mondrian trouvent une esthétique nouvelle dans une simplification extrême, Dada et Merz s'attachent à démontrer l'absurdité de l'art.

Les Soviétiques sont attirés par le développement d'un art utile. Ancien collaborateur de Malevitch et architecte de formation, El Lissitzky obtient en 1921 une mission d'ambassadeur culturel auprès de la République de Weimar. Il est proche de Moholy-Nagy à Weimar où Gropius vient de créer le Bauhaus, ainsi que du groupe Dada de Hanovre animé par Kurt Schwitters et Käte Steinitz.

La technique photographique plait à la fois aux Soviétiques et aux anarchistes par sa rapidité d'exécution. Elle devient un outil spécifique pour lequel la caméra est parfois inutile. De nouvelles oeuvres d'art sont créées en posant des objets, des textes ou les mains directement sur la surface photosensible. Les photomontages utilisent les expositions multiples pour capter le regard par l'effet du non-sens.

En 1924 Lissitzky montre son auto-portrait dans un collage incluant des photomontages, intitulé Le Constructeur comme pour appuyer un futur programme d'architecture. L'oeil vient en plein centre de la paume de la main qui tient le compas et cet ensemble transparent a pour fond une feuille de papier millimétré. Les lettres XYZ apparaissent en positif et le nom de l'artiste en négatif, démontrant l'utilité de cette technique pour créer des affiches promotionnelles.

La même année il réalise plusieurs photographies de cette maquette. Le plus grand tirage connu, 25 x 28 cm, a été offert par l'artiste à Steinitz. Il est estimé £ 800K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 114. Un tirage 7,7 x 8,8 cm a été vendu pour $ 510K incluant premium par Sotheby's le 12 décembre 2012.

Réalisé la même année par Lissitzky, un photomontage 10,7 x 9,4 cm montrant un double portrait de Schwitters avec l'inscription MERZ a été vendu pour $ 250K incluant premium par Christie's le 14 février 2007 sur une estimation basse de $ 6K.

22 févr. 2019

Bien-Etre dans une Chaise Longue

Spécialisé dans la planche de surf, le designer Australien Marc Newson conçoit de nouvelles lignes de meubles et de pièces d'ameublement. La forme en sablier donne une illusion biomorphique à ses chaises, chaises longues et chiffonniers.

Réalisé en 1988, le prototype de la Lockheed Lounge a été vendu pour $ 2,1M incluant premium par Phillips de Pury le 13 mai 2010. Elle est construite en résine renforcée par de la fibre de verre et couverte par des feuilles d'aluminium rivetées. Un des dix exemplaires de l'édition de 1990 a été vendu pour £ 2,43M incluant premium par Phillips le 28 avril 2015.

L'amélioration suivante consiste à faire disparaître toute séparation dans la couche d'aluminium. S'inspirant des techniques de moulage utilisées pour les planches de surf, Newson crée à partir de 1989 la gamme de produits Orgone. Dans les théories contestées du psychanalyste Wilhelm Reich "orgone" désigne la force qui apporte le bien-être.

En 1993 l'Orgone Chair est équipée d'un dossier. Elle est suivie la même année de sa version basse, l'Orgone Stretch Lounge, qui ressemble un peu à une voiture de Formule 1. Après le prototype, cette chaise longue est éditée en six exemplaires plus deux épreuves d'artiste.

La seconde épreuve d'artiste de l'Orgone Stretch Lounge a été discutée dans cette chronique avant d'être vendue pour £ 420K incluant premium par Sotheby's le 18 octobre 2008. Elle est estimée £ 300K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 124. Entre temps l'autre épreuve d'artiste était restée invendue à Phillips le 15 décembre 2010 avec une estimation basse de $ 350K.

Seize Cylindres à Detroit

La Cadillac Sixteen est dévoilée en janvier 1930 au New York Auto Show. Son développement réalisé dans le plus grand secret avait duré près de quatre ans. General Motors offrait une voiture inspirée des meilleures Européennes dont Rolls-Royce concernant la performance dans la douceur et le silence. Le moteur à seize cylindres est sans précédent.

La Sixteen apparait aussitôt comme la concurrente de la Duesenberg Model J. Contrairement à Cord qui sous-traite ses carrosseries avec un label de préférence, la quasi totalité des carrosseries de la V-16 est confiée à Fleetwood. Cette filiale d'une division de General Motors offrait dès la première année une large gamme avec dix styles de base. GM achève en 1931 le contrôle direct de Fleetwood.

Le premier modèle Sixteen est la Cadillac 452 V-16 avec un moteur de 7,4 litres (452 cubic inches). La plus désirable, qui est aussi la plus chère, est le roadster par Fleetwood.

Le 7 mars à Amelia Island, Bonhams vend un roadster 452 V-16 par Fleetwood, lot 240 estimé $ 1,25M.  Elle a été produite en 1930, anticipant les modifications introduites par Cadillac à la fin de cette année.

Vendue neuve directement par l'usine d'assemblage de Detroit à un client local, elle n'a eu que deux propriétaires dans ses 50 premières années, tous deux résidant à Detroit. Utilisée avec parcimonie, elle est dans un très bel état d'authenticité pour tous ses équipements. Elle a conservé dans un excellent état sa carrosserie Fleetwood d'origine en bois.

La Cadillac Sixteen a traversé la Grande Dépression grâce à la puissance financière de General Motors. En tout plus de 4000 unités ont été produites de 1930 à 1940.

21 févr. 2019

Poissons dans l'Eau

Pour les Taoïstes, le poisson est un symbole de bonheur, passant toute sa vie dans l'eau où il est né en un parfait exemple d'harmonie entre un animal et son environnement. Le couple de poissons appairés en haut relief dans l'intérieur d'un bol en bronze est un ornement apprécié sous les Han.

Le 20 mars à New York, Christie's vend un bol aux poissons réalisé en jade ciselé dans le style archaïque pour l'empereur Qianlong, lot 806 estimé $ 1M.

La base du bol offre un poème incisé en 40 caractères disposés en trois cercles concentriques autour de la marque impériale. Il est signé de deux sceaux de Qianlong comme Fils du Ciel et comme Quotidiennement Assidu, et daté de l'automne de son année bingwu correspondant à 1786 CE. Le plus érudit des empereurs détaille dans son poème l'intérêt culturel de telles répliques.

Le jade utilisé est céladon pâle légèrement tacheté de blanc, approchant la couleur de l'eau conservée pour l'empereur. Avec ou sans eau dans le bol, cette teinte apporte sur les figures de jade l'illusion de l'élément naturel de vrais poissons.

L'empereur indique que ces poissons en haut relief sont dans le style des Han, différent des récipients des Zhou. La modernité n'est pas indispensable mais elle est toutefois utile parce que le jade n'a pas le mauvais goût du bronze.

Mesurant 25 cm de diamètre, ce bol monté sur cinq petits pieds est le plus grand de seulement trois exemples connus. L'un d'eux, 18 cm de diamètre, est inscrit du même poème et de la même date. Le plus petit, 13 cm, n'est pas inscrit.

Bouddhisme au Yunnan

Le contrôle politique de l'ensemble du territoire Chinois était une gageure. Pragmatiques, les Tang fédèrent des ethnies de l'actuel Yunnan dans le royaume du sud, Nanzhao en langue Chinoise. Nanzhao ne tarde cependant pas à se rebeller et sa dynastie dure en tout 200 ans. Après une courte période d'anarchie, le royaume de Dali prend la suite, avec une autonomie similaire.

Le bouddhisme est introduit il y a 1200 ans à Nanzhao par un moine de l'Inde et devient la religion officielle moins d'un siècle plus tard, juste avant la chute du royaume. Dans cette région Chinoise proche de l'Asie du Sud, la dévotion est plus proche de l'Indonésie et de la Birmanie que du Bouddhisme Chinois. En particulier la préférence des Song pour la représentation féminine Guanyin du bodhisattva Avalokiteshvara n'atteint pas Dali.

Ce canon spécifique inclut dès l'époque de Nanzhao une figure d'Avalokiteshvara, ou plus précisément Guanshiyin Pusa, en prédicateur debout avec un corps grand et mince. Un bronze doré de 46 cm de haut fait il y a environ 900 ans à Dali est estimé $ 2M à vendre par Christie's à New York le 20 mars, lot 813.

Guanshiyin Pusa est une émanation d'Amitabha. Parfois à Dali le dieu ou le bodhisattva est montré dans une position assise avec les jambes parallèles et non dans la position classique du lotus.

Dans la même vente que ci-dessus, le lot 814 estimé $ 4M est un très rare Avalokiteshvara assis, bronze doré de 38 cm de haut fait à Dali il y a environ 1000 à 900 ans. Les deux bras principaux avec les mains jointes et deux autres bras réalistement symétriques le long du corps avec les mains sur les genoux ont survécu. Cette pièce inclut des tenons pour attacher d'autres paires de bras, symboles de l'omnipotence du bodhisattva. La rare position verticale du troisième oeil confirme l'origine Dali.

20 févr. 2019

Renaissance après Dada

En 1924 Dada laisse la place au surréalisme. Les artistes les plus iconoclastes continuent à explorer de nouvelles voies. Avec sa série intitulée Peintures, Miro introduit en 1927 des dessins au trait dans ses peintures. L'année suivante il change de style et pastiche avec une grande liberté les intérieurs Hollandais. En 1930 il traduit l'évolution de son art en déclarant qu'il veut assassiner la peinture.

Francis Picabia a rompu avec Dada en 1921 et avec Breton en 1924. Il apparaîtra cependant à Gertrude Stein comme l'archétype de l'artiste surréaliste. Il commence en 1928 sa série des Transparences.

Choisissant dans ses livres d'art des images de statues antiques et de peintures de la Renaissance, il les copie en dessin au trait en les entremêlant. Cette approche plait à Duchamp qui y voit une création non stéréoscopique de la troisième dimension. Le titre dévoile parfois l'origine du modèle principal, par exemple Hera, ou Adam et Eve.

Le 26 février à Londres, Sotheby's vend Atrata, huile et crayon sur panneau 150 x 95 cm peinte vers 1929, lot 38 estimé £ 1,5M. La composition est centrée sur le portrait d'un homme par Botticelli. La vision est très brouillée par les images subsidiaires, sauf l'alignement presque horizontal de quatre yeux qui ont certainement excité Duchamp. Elle est décodée dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

Mélibée, huile sur toile 195 x 130 cm peinte vers 1931, est une exception dans cette série par la relation sans ambiguïté des éléments transparents avec un thème unique, cohérent avec les difficultés personnelles de Picabia lâché successivement par sa femme et par sa maîtresse.

Dans La Célestine, Mélibée est l'amoureuse poussée au suicide par la mort de son amant tombé de l'échelle en passant le haut mur du jardin après leur activité sexuelle. Publiée en 1499 à Burgos sous forme d'un dialogue, cette oeuvre avait bien des atouts pour plaire aux surréalistes : elle n'est ni un roman, ni un poème, ni une pièce de théâtre, l'histoire est torride, et le nom de l'auteur présumé est caché dans la suite des lettres initiales des strophes du prologue.

Dans la peinture de Picabia, le visage copiant une Madone par Piero della Francesca reste très lisible et la surimpression de branches, de feuilles et d'aiguilles de pin est une référence au jardin. L'amant tout nu est recroquevillé dans un coin.

Annoncée par les galeristes Marianne et Pierre Nahon comme leur oeuvre favorite, Mélibée est estimée € 2,5M à vendre par Sotheby's à Paris le 19 mars, lot 10.

Les Transparences ne peuvent pas servir pour l'illustration d'un livre et l'origine de l'inspiration est trop difficile à transmettre au public. Mélibée apparaît comme un achèvement ultime de ce style éphémère abandonné par Picabia en 1933.

19 févr. 2019

Femmes vues par l'Une d'Elles

Pendant ses études, Jenny Saville a naïvement cherché le rôle de la femme dans l'art. Elle a vu de jolies formes créées pour faire plaisir aux Messieurs et déploré l'absence de la femme créatrice. Elle n'a vu nulle part l'aversion réelle des femmes face au risque d'obésité. Sportives à l'excès ou anorexiques, elles cherchent encore à être caractérisées par les hommes.

Les tabous tombent devant cette très jeune femme. Elle greffe sa propre tête sur un corps obèse qui n'est pas le sien. Elle ajoute des mots ridicules qui ne sont que le langage des hommes pour parler des femmes. L'huile sur toile Propped, préparée pour la soutenance de son diplôme en 1992, inclut dans une superposition hermétique une écriture miroir citant une psychanalyste féministe. Propped a été vendu pour £ 9,5M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2018.

Jenny Saville prend désormais pour thème l'intimité du nu féminin réinterprété à une échelle monumentale, avec un humour à la fois sordide et cinglant. Elle enveloppe l'observateur dans un déluge de chairs flasques, consciemment, en s'inspirant des mises en scène abstraites de Rothko.

La tête reste un élément secondaire, comme intrus et incongru. Dans un autoportrait 270 x 210 cm peint en 1993, la tête est penchée, mais pas suffisamment pour éviter d'être tronquée en haut de l'image. Ce corps nu frontal intitulé Plan n'est pas trop exagéré mais inclut les incisions préparant la chirurgie esthétique, une action inutile et psychologiquement dégradante selon les conceptions féministes de l'artiste.

Les détails intimes appellent des formats de plus en plus grands. Dans une huile sur toile intitulée Juncture peinte en 1994, le nu assis à la chair flasque est vu de dos. La tête est coincée en haut à gauche de l'image et le nez vient s'écraser douloureusement sur le bord gauche comme si le format 305 x 168 cm était trop étriqué pour contenir la monumentalité désirée par l'artiste.

Juncture est estimée £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 5.

Fierté Noire

Les arts graphiques Américains sont l'apanage des hommes blancs. Beauford Delaney s'est exilé. Les rares femmes de couleur qui ont osé une carrière d'artiste ont été ignorées ou persécutées, à l'exemple d'Elizabeth Catlett qui a perdu sa nationalité Américaine pendant 40 ans.

Le vent tourne dans le cercle littéraire du Dr Maya Angelou. En 1990 Faith Ringgold et Clarissa Sligh réunissent dans une exposition l'art de 100 femmes noires. Aujourd'hui encore la déségrégation n'est pas terminée malgré les succès incontestables de Julie Mehretu et Kara Walker.

Le thème de la femme peintre ne pouvait pas laisser indifférent Kerry James Marshall. Cet artiste basé à Chicago montre une Amérique réservée aux Noirs dans leur conquête progressive d'un statut social décomplexé dans la vie quotidienne, l'éducation, les loisirs et les émotions.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend le portrait imaginaire d'une jeune femme noire, acrylique sur PVC 73 x 63 cm peint par Marshall en 2008, lot 209 estimé $ 1,8M.

Cette femme est une artiste peintre reconnaissable aux attributs de son travail, la palette bariolée de couleurs et la blouse maculée. Elle est debout, la main énergiquement posée sur la hanche, le regard droit fièrement dirigé vers l'observateur. Les réseaux de lignes sur le mur du fond laissent penser que son art est abstrait.

18 févr. 2019

Les Triangles Verts de Carmen Herrera

Carmen Herrera est passionnée par l'architecture, dans la suite des travaux des Constructivistes et du Bauhaus. Ses peintures rejettent l'illusion d'optique et l'émotion.

Le triangle aigu devient la base de ses figures géométriques. Il est monochrome, sur un fond qui peut être noir ou blanc. Tous les triangles sont d'une seule couleur. La pointe d'un triangle vient toucher la pointe ou le côté d'un autre. Ces figures atteignent le bord de l'image sans se modifier, ouvrant l'accès à l'infini comme les compositions de Mondrian.

Commencée en 1959, la série la plus minimaliste de l'art de Carmen Herrera porte le titre générique de Blanco y Verde. L'utilisation de la langue espagnole est une réminiscence de ses origines Cubaines. La composition est structurée par les horizontales et les verticales, qui correspondent à un bord ou à l'axe de chaque triangle vert. Les angles sont invariants.

Les approches minimalistes de Carmen Herrera ont été comparées à l'art d'Ellsworth Kelly ou Frank Stella. Malgré ses efforts pour exposer ses oeuvres, elle est résolument ignorée par la société artistique New Yorkaise jusqu'en 2008. En 2015, année de son centième anniversaire, un film documentaire lui rend sa place légitime dans l'art abstrait Américain.

Un Blanco y verde peint en 1966, acrylique sur toile 102 x 115 cm mettant en scène deux triangles horizontaux, a été vendu pour $ 2,65M incluant premium par Phillips le 15 novembre 2018 sur une estimation basse de $ 1M.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend une peinture 102 x 178 cm de la même série et de la même technique datée 1966-1967, lot 12 estimé $ 1,5M. Le triangle horizontal est complet. Il assure la jonction sur sa gauche avec un triangle ascendant et sur sa droite avec un triangle descendant.

17 févr. 2019

L'Enseignement du Cercle

Wassily Kandinsky réside comme Meister au Bauhaus de 1922 à 1933. Il enseigne à la fois les bases du design pour les débutants et les théories avancées. Créé en 1919 par Gropius, le Bauhaus s'est d'abord attaché à une synthèse entre l'art et l'artisanat pour une application à l'architecture. En accord avec les progrès de ce temps, la technique prend progressivement la place de l'artisanat.

Kandinsky est pendant toute sa carrière un théoricien à la recherche de l'art absolu. A l'époque du Blaue Reiter, la prédominance des couleurs et des lignes de force l'a mené à l'abstraction. Au Bauhaus il consolide ses théories par une analyse détaillée des formes élémentaires : le plan, la ligne droite, l'angle, le cercle, le demi-cercle.

Le cercle est la projection de la boule sur le plan. Ses multiples interprétations mystiques conviennent évidemment à la sensibilité ésotérique de l'artiste. Il est aussi l'élément de base de toute figuration astronomique. Il est vide ou rempli de n'importe quelle couleur, et peut chevaucher d'autres cercles pour simuler par exemple le chaos de la création du monde.

Avec le titre révélateur Vertiefte Regung signifiant impulsion approfondie, une huile sur toile 100 x 76 cm peinte en 1928 démontre l'effet dynamique des cercles. De diamètres variés, ils se juxtaposent et s'entrechoquent sur une surface noire aux bords complètement irréguliers soulignés d'un halo bleu.
Cette oeuvre a été utilisée comme ornement mural d'un salon des maîtres dans les nouveaux bâtiments du Bauhaus transféré à Dessau.

Vertiefte Regung a été vendue pour $ 6,4M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 13.

16 févr. 2019

Conservateur et Partenaire

Cherchant la liberté sexuelle, David Hockney arrive en Californie en 1964. La vie de débauche ne répond cependant pas à ses questions sur la communication à l'intérieur d'un couple.

Il réalise entre 1968 et 1977 des doubles portraits de très grand format, 214 x 305 cm. Il alterne les couples homosexuels et hétérosexuels et termine la série par ses propres parents, ce qui démontre bien que sa préoccupation n'est plus le sexe mais le dialogue. Les personnages sont le plus souvent identifiés dans le titre et sont très reconnaissables.

Invariablement les deux personnages sont éloignés l'un de l'autre avec des regards délibérément orthogonaux. Dans cette étrange intimité, le peintre est un invisible voyeur social.

Installé à nouveau à Londres en 1968, il ne néglige pas l'Amérique. Le Metropolitan Museum of Art de New York prépare une grande exposition qui dévoilera l'art Américain d'après-guerre au grand public. Le conservateur de cette importante opération culturelle est le très influent Henry Geldzahler.

Hockney arrive dans le salon de Geldzahler à Manhattan avec son carnet de croquis, son polaroid et sa grippe. De retour dans son atelier à Londres, il peint en 1969 'Henry Geldzahler and Christopher Scott'. Cet acrylique sur toile sera vendu par Christie's à Londres le 6 mars, lot 8. Le communiqué de presse du 17 décembre annonce une estimation au-delà de £ 30M.

Les deux hommes ne pourraient pas être plus dissemblables et pourtant leur vie en couple est durable. Robuste et sûr de lui-même, Geldzahler est confortablement assis au milieu d'un très beau canapé digne des plus grandes collections Art Déco. A droite, son jeune partenaire est debout, habillé d'un imperméable trop grand pour lui et aussi raide que le lampadaire. La scène est localisée par les gratte-ciel au-delà de la petite fenêtre.

15 févr. 2019

Guinness est bon pour Freud

La famille Guinness a construit une immense fortune avec laquelle plusieurs de ses membres ont joué et jouent encore un rôle important dans la société et la culture Irlandaise.

Oonagh Guinness est la plus jeune de trois soeurs, blondes aux yeux bleus surnommées les Golden Guinness Girls dans la société Britannique des années 1920. Elle est l'hôtesse de Luggala, une résidence de campagne de Wicklow dont elle fait un espace enchanteur pour les poètes, les musiciens et les artistes.

Lucian Freud visite Luggala avec sa première femme et tombe amoureux d'une cousine de l'hôtesse. ll épouse cette cousine, une très jolie femme-enfant.

Garech Browne est le fils aîné d'Oonagh. Freud entreprend son éducation culturelle, avec un grand succès. Browne continuera la tradition culturelle de sa mère. Ami de toutes les personnalités importantes du show business, il sera aussi une figure majeure de la renaissance et de la préservation de la musique traditionnelle Irlandaise.

Lucian est en dehors de toutes les tendances de la peinture moderne. Prétendant renouer avec une tradition de l'Egypte antique, il pratique déjà une interminable observation de ses modèles, à la recherche du réalisme au détriment de la beauté. L'utilisation de pinceaux très fins en poils de vison donne une précision sans précédent et une vérité psychologique à ses vues rapprochées de visages en très petits formats.

Le portrait de Garech par Lucian, huile sur toile 18 x 18 cm, a été peint en 1956 quand le garçon avait seize ans. Le visage est en introspection. Reconnaissant le rôle important de Lucian dans sa formation culturelle, Garech a conservé cette peinture à Luggala pendant toute sa vie. Elle est estimée £ 4,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 14. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.


Rêve sur un Tub

Pierre Bonnard est un rêveur. Très peu intéressé par les activités sociales, il exhibe dans son art les petits moments de sa vie intime. Il observe son environnement par des esquisses ou des photographies avant de réaliser ses peintures dans l'isolement de son atelier. Il confronte ensuite son imagination avec le sujet réel.

Son art n'est pas influencé par les tendances. Il n'est pas impressionniste dans sa technique et son univers n'est ni réaliste ni surréaliste. Le thème est dominé par une illusion traduite par des formes inattendues et une très large palette de couleurs dans une dominante pastel.

Marthe est son principal modèle depuis 1893. Elle construit son propre univers au côté du peintre sans dévoiler son vrai nom et son âge. Ils n'ont pas besoin des conventions sociales. En 1925 Pierre craint à juste titre qu'elle devienne jalouse et malade. Pour stabiliser leur relation, il l'épouse.

Vers 1910 Pierre photographie Marthe accroupie nue sur le tub, une éponge à la main. La tête penchée est dans l'ombre. La toilette est un bon prétexte pour la peinture du nu féminin. Il commence vers 1916 sa série de nus au tub.

Le 27 février à Londres, Christie's vend un Nu au tub, huile sur toile 130 x 81 cm peinte en 1924, lot 17 estimé £ 4M.

Considérée comme l'aboutissement ultime de ce thème, cette peinture montre une femme de rêve, debout de face sur le bassin. Par ses très longues jambes, elle est Marthe. Par son corps jeune et sculptural, elle n'est pas Marthe.

Elle est montrée dans un geste fugitif et intime, comme un instantané créé par l'imagination de l'artiste. Les deux mains un peu floues sont levées comme si elle mimait l'utilisation de l'éponge. Intime sans être érotique, elle est une vision de beauté. La tête est restée dans l'ombre.

14 févr. 2019

La Forêt Tachetée

Au début des années 1860, Monet, Bazille, Sisley et Renoir sont étudiants à l'Ecole des Beaux-Arts dans l'atelier de Gleyre. Pour échapper à l'académisme ils prennent leurs chevalets pour peindre en plein-air en forêt de Fontainebleau.

Loin du réalisme des peintres paysagistes de Barbizon, ils explorent des expressions nouvelles, et surtout de nouvelles utilisations des couleurs. L'ombre peut ne pas être noire, la neige peut ne pas être blanche. Le travail sur la texture apporte un effet de luminosité.

Après la guerre Franco-Prussienne dans laquelle ils perdent Bazille, les jeunes gens reprennent leurs expériences. Le dessin dans le style de Manet reste prépondérant pour le figuratif, tandis que les détails de la verdure se perdent dans une fragmentation brillamment colorée.

Le Salon est de plus en plus réticent face à cette tendance qui échappe au bon goût officiel. En décembre 1873 les trois amis rejoints par Pissarro, Degas et Prins créent une société coopérative pour trouver une clientèle. Pour leur première exposition l'année suivante, ils louent pour un mois l'atelier de Nadar. Avec entre autres Berthe Morisot, Cézanne, Guillaumin et Rouart, ils seront forcés d'accepter le sobriquet péjoratif d'Impressionnistes.

Le 27 février à Londres, Christie's vend une huile sur toile 65 x 54 cm peinte par Renoir, lot 8 estimé £ 7,5M.

Ce sous-bois est composé d'une texture multicolore tachetée d'ombres et de lumières et parsemée de quelques détails réalistes. L'effet de perspective est assuré par le chemin qui part tout droit vers l'infini, ponctué au loin par un minuscule personnage qui symbolise la place humaine dans l'immensité de la nature.

Dans le style typique des trois premières expositions Impressionnistes, cette oeuvre non datée a certainement été peinte entre 1874 et 1877. Elle a été localisée par Dauberville dans la forêt de Fontainebleau.

La Danseuse Fatiguée

De 1883 à 1885 Vincent van Gogh a son atelier dans la maison familiale à Nuenen. Ses portraits et scènes de paysans du Brabant n'intéressent personne. Ses relations sont délétères. Il comprend soudain que son génie auto-proclamé a besoin de prendre modèle sur les grands maîtres. Il découvre au Rijksmuseum d'Amsterdam l'utilisation de la couleur par Rembrandt et l'art du portrait par Hals.

Une fois n'est pas coutume : Vincent prend une bonne décision. A la fin novembre 1885 il vient s'établir à Anvers. ll visite avec frénésie le port, les cafés et les musées où il découvre les talents de Rubens.

Comme toujours les filles sont réticentes à poser pour lui. Avec un peu d'argent envoyé par Theo, il parvient à payer pour une séance de pose une danseuse d'un des principaux cafés-concerts d'Anvers.

Le visage expressif de la fille plait à l'artiste. Elle parle un peu : son métier de danseuse et d'accompagnatrice est fatigant et le champagne la rend triste. Vincent a maintenant tous les éléments pour apporter une profondeur psychologique à un portrait. Avec ce thème hautement apprécié, sa carrière va pouvoir démarrer.

Peint en décembre 1885 à Anvers, Portrait de femme au ruban rouge, profil gauche, huile sur toile 60 x 50 cm, est estimé £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 15. La bouche légèrement ouverte révèle la sensualité d'un chant mélancolique. La séance de pose a été brève et la technique est rapide et spontanée. L'image est partagée par Wikimedia.

Beaucoup d'oeuvres peintes par Vincent à Anvers et attestées par ses lettres à Theo ont disparu, probablement rapidement détruites. Vincent est à juste titre satisfait de son portrait de fille de cabaret qu'il offrira deux ans plus tard au très jeune Emile Bernard, sans doute par échange avec des scènes de bordel.

Le patron de la danseuse n'a pas aimé cette escapade et elle ne reverra pas l'artiste. Vincent n'a pas identifié son nom dans ses lettres à Theo : comme les paysans de Nuenen, elle était pour lui un type pictural, pas une personne. Comprenant qu'il vient de faire son entrée dans l'art moderne, Vincent arrive à Paris fin février 1886 avec l'envie de découvrir la peinture impressionniste.

Van Gogh - Bildnis einer Frau mit rotem Haarband

13 févr. 2019

Le Chemin des Vacances

Martial Caillebotte était un marchand de drap qui avait amassé une fortune considérable comme fournisseur des armées de Napoléon III. Ses fils n'avaient pas besoin de travailler pour gagner leur vie.

Gustave Caillebotte aimait l'aviron, la voile, la peinture, le jardin. En 1875 une peinture montrant des ouvriers est refusée par le Salon : le sujet ne peut pas plaire aux bourgeois. En réaction le jeune artiste entreprend de soutenir les Impressionnistes. Il sera même un garant indéfectible d'une certaine authenticité du premier style Impressionniste.

Gustave a du talent. Le dessin net de ses débuts fait place à un vrai coup de pinceau impressionniste. Dans des compositions hardies, il étudie les effets de plongée et de contre-plongée.

Il passe plusieurs étés près de Trouville, le village balnéaire qui offre ses plaisirs nautiques et son animation sociale estivale aux riches Parisiens hébergés dans des grands hôtels et d'opulentes villas.

Chemin montant, huile sur toile 100 x 125 cm peinte en 1881, a été vendue pour $ 6,7M incluant premium par Christie's le 4 novembre 2003. Elle est maintenant à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 28. L'image est partagée par Wikimedia.

Un homme et une femme sont vus de dos, à la limite entre l'ombre et un éclatant soleil d'été. Ils avancent lentement, au même niveau, sans se préoccuper l'un de l'autre. Ils ne sont pas reconnaissables, probablement pour protéger l'anonymat de la très jeune femme qui va partager dorénavant la vie de l'artiste. Les connaisseurs de l'ancien Trouville ont reconnu sur le côté gauche la Villa Italienne qui était longée par une sente en forte pente.

L'oeuvre est peinte dans la pleine maturité Impressionniste de Caillebotte, sans doute en atelier d'après des esquisses. Le chemin est aplani pour mieux s'ouvrir sur l'horizon boisé. L'équilibre des couleurs est soigneusement construit, avec le jaune du chapeau et le bleu de la robe et du ciel qui font écho au vert de la végétation tout en étant agrémentés des taches rouge-orangé des volets et de l'ombrelle.

G. Caillebotte - Chemin montant

Lesbos par Chagall

Peintre prolifique, Marc Chagall travaille extrêmement lentement quand il s'agit d'illustration. Deux de ses plus grands projets, La Bible et Daphnis et Chloé, ont été préparés par des voyages, respectivement en Palestine et en Grèce, au cours desquels il s'imprègne des paysages et de l'ambiance du pays.

La Bible est commencée en 1931 sur une incitation de Vollard. Quand Vollard meurt en 1939, Tériade prend la suite. Chagall termine sa préparation iconographique en 1956 et le recueil est publié en 1958.

Tériade est originaire de Lesbos, comme Sappho et Longus. Il aimerait bien que Chagall interprète son pays en se basant sur le roman pastoral Daphnis et Chloé, précédemment mis en musique par Ravel. Chagall commence par refuser parce que Bonnard avait réalisé un projet similaire.

Pour le peintre de l'amour heureux, ce thème idyllique est bien tentant. En 1952, cinq ans après la mort de Bonnard, il s'imbibe pour la première fois de la lumière éblouissante de l'été Grec. Il retourne en Grèce en 1954. Il prépare en tout 42 images en gouache et pastel.

L'impression réalisée par Mourlot est un exploit technique dont le travail s'étend sur quatre ans, de 1957 à 1961. Chagall ne veut pas d'erreur dans l'impression lithographique sur Arches des 25 couleurs qu'il a utilisées dans sa recherche de la perfection poétique.

Daphnis et Chloé est édité en 1961 par Tériade en portfolio en une édition régulière de 250 exemplaires, 20 épreuves d'artiste et 60 exemplaires "de luxe" à grandes marges signées par l'artiste sur chaque feuille. 16 des 42 images sont des doubles pages pliées. Le format standard d'une image est 44 x 34 cm.

Les exemplaires restés complets sont rares. Un portfolio de luxe complet qui avait été conservé par la famille Tériade jusqu'en 1995 est estimé £ 400K à vendre par Sotheby's à Londres le 27 février, lot 345.

12 févr. 2019

Les Yeux du Bateau

Egon et Wally vivent ensemble depuis la fin de l'année 1911. Il a 21 ans et elle en a 17. Elle est le principal modèle de son art érotique. Les voisins cherchent à protéger leurs filles adolescentes contre l'influence sulfureuse du jeune couple. Egon et Wally quittent successivement Vienne et Krumau et s'installent au village de Neulengbach.

Après une nouvelle plainte, Egon Schiele passe 24 jours dans la prison de Neulengbach, en avril 1912. Sa condamnation s'est limitée à un outrage aux bonnes moeurs pour avoir exposé des dessins érotiques dans un lieu accessible aux enfants.

Une fois sorti de cette épreuve, Schiele ressent le besoin de changer d'air. En mai il passe quelques jours à Trieste, un lieu qu'il aimait bien, dans l'agréable ambiance du port de pèche.

Le 26 février à Londres, Sotheby's vend Triestiner Fischerboot, lot 9 estimé £ 6M, huile sur toile certainement peinte dans son atelier à Vienne vers la fin de 1912.

Sur un format carré 70 x 70 cm, la composition est symétrique et plate. Le bateau est vu de face, dans un dessin plutôt naïf et sans perspective. Les couleurs sont riches et saturées, dans le style morbide que Schiele avait déjà pratiqué.

La perspective est pourtant présente par l'eau qui s'écarte devant le bateau comme si celui-ci fonçait sur l'observateur. A l'avant du bateau deux points d'ancrage augmentent la menace de ce sujet qui aurait pu être paisible. Noirs dans une orbite rouge vif, ils sont de part et d'autre de l'axe principal comme les taotie intimidateurs des bronzes liturgiques Chinois.

La suite logique de Triestiner Fischerboot est la série des paysages hantés de Krumau dans lesquels aucune présence humaine n'est nécessaire pour exprimer les sentiments de l'artiste. Jusqu'en 1912 Schiele aurait pu devenir un artiste maudit. Ce n'est pas le cas : la gloire lui vient dès 1913 avec sa première exposition solo.

11 févr. 2019

Cubisme Gothique par Feininger

Né à New York d'un couple de musiciens, Lyonel Feininger arrive en Europe à l'âge de 16 ans. Intéressé par les arts graphiques, il est d'abord caricaturiste, dans le goût de son temps pour l'allongement des corps et la gesticulation expressionniste.

Pour mieux exprimer ses sentiments, il devient artiste à partir de 1907, à 36 ans. Il réside à Berlin mais trouve son inspiration à Weimar où sa seconde femme Julia vient de terminer ses études. La calme petite ville est leur terre promise, leur découverte commune.

Lyonel s'intéresse à toutes les avant-gardes pour développer son propre style. Il est à la fois proche de Die Brücke, du Blaue Reiter et du cubisme. Contrairement aux cubistes de Paris, son approche n'est pas constructiviste mais émotionnelle. La vue d'un clocher ne l'intéresse que si elle lui permet de traduire ses stimuli psychologiques.

En 1913 Lyonel installe son chevalet sur le pont de style gothique d'Ober-Weimar. Par le cubisme prismatique, le petit pont devient un monument grandiose qui exalte un moment de bonheur. La légèreté des tons contraste avec les couleurs criardes par lesquelles l'artiste a l'habitude d'exprimer sa surexcitation. L'huile sur toile Brücke I est conservée à l'université de St. Louis.

Au début de l'hiver 1914-1915, l'artiste retrouve son pont. Cette fois-ci il exulte de ressentir une plénitude artistique qui répond à ses questions. Brücke II, huile sur toile 81 x 101 cm, est peinte dans un cubisme similaire à Brücke I, avec les mêmes tonalités plaisantes. L'angle de vue est cependant différent : absente de Brücke I, la chaussée est une voie de lumière qui mène à l'espoir.

Brücke II a été vendue pour £ 4,8M incluant premium par Christie's le 4 février 2014 sur une estimation basse de £ 2M. Elle est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 14. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Il est intéressant de comparer Feininger à Kandinsky. Tous deux sont inspirés par la musique pour définir un art absolu. Weimar est le Murnau de Feininger. Après la guerre ils enseigneront pendant de nombreuses années au Bauhaus.

L'Homme Tronçonné

René Magritte transforme tout objet en une illusion. Le mystère de la composition doit attirer et maintenir l'observateur, mais il n'y a pas d'explication. Il y a la même relation entre le monde réel et la peinture qu'entre un objet et sa publicité.

Magritte a patiemment construit son univers avec des images d'objets qui se croisent, se fusionnent, se superposent, se répètent dans un jeu sans fin. Dans la vraie vie, il se fond dans la banalité en revêtant le costume, la cravate et le chapeau melon de Monsieur Tout le monde.

L'homme et la femme ont des rôles différents. La femme est nue, de face, prête à se confondre dans un marbre antique. Contrairement à elle, l'homme au chapeau melon montre très rarement son visage, caché par le passage encombrant d'une pomme ou d'un oiseau. Il n'y a pas d'autoportraits, sauf quand ce thème a été explicitement commandé par un client, parce que l'artiste a aboli toute différence entre lui et les autres.

Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 108 Le lieu commun, huile sur toile 100 x 81 cm peinte en 1964. Le communiqué de presse du 5 novembre annonçait une estimation entre £ 15M et £ 25M. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes.

Dans une composition tronçonnée comme des lés disparates d'un papier peint, l'homme au chapeau melon apparaît deux fois. A gauche il est en pleine face avec son visage banal entièrement visible. A droite, limité à la nuque, l'oreille et le dos du veston, il quitte la scène.

L'homme est bien là, mais il n'est pas là. La portion droite se défile correctement entre le bord du mur et le paysage, mais le portrait gauche est au contraire tronqué par la même pièce de paysage devant un mur similaire. Si l'on ré-assemblait ces deux morceaux, la tête serait complète.

Comme Escher et ses figures impossibles, Magritte abolit la logique tridimensionnelle. Il prépare à la même époque son chef d'oeuvre de ce genre, intitulé Le blanc-seing, montrant un cheval et sa cavalière tronçonnés par la forêt.

10 févr. 2019

Le Jardin Universel de Claude Monet

Le petit jardin d'eau de Claude Monet lui offre une ouverture vers toutes les forces de la nature. Le projet des Grandes Décorations, qui l'occupe de 1914 à 1926, n'est ni un exploit technique ni une topographie étrange : c'est une symbiose entre l'artiste et l'univers.

Monet réalise de nombreuses peintures préparatoires aux Grandes Décorations, pour voir directement les effets de ses innovations. Même quand la touche de peinture est complexe, ces images ont la spontanéité d'un dessin.

Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 11 Saule pleureur et bassin aux nymphéas, une huile sur toile de 180 cm de large dans la hauteur standardisée des Grandes Décorations, 2 m de haut. La composition est similaire à la partie gauche du triptyque Le Matin aux saules, datée 1920-1926 mais dont la gestation dans l'atelier avait commencé dès 1916.

Cette étude est une rencontre entre les éléments de la nature et les principes de la géométrie, avec la verticale montante du tronc solide, la verticale descendante des feuilles suspendues dans l'air, l'horizontale des nymphéas sur l'eau, le miroir intangible des reflets.

L'horizon n'est pas visible mais la dominante d'un bleu intense est fournie par un ciel pur d'été, en opposition avec les teintes pastel de l'aube qui seront appliquées à l'image correspondante des Grandes Décorations. Dans cette oeuvre expérimentale qui dévoile le processus artistique de Monet, chaque motif est peint avec une touche différente, jusqu'à inclure de minuscules surfaces de toile nue dans certains interfaces.

Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par Christie's.

Cette peinture est certainement antérieure à la série de dix opus sur les saules datés 1918-1919, dans lesquels le thème principal de plus en plus proche de l'abstraction est la lumière tamisée par le feuillage.

THE UNIVERSAL GARDEN OF CLAUDE MONET

The small water garden of Claude Monet offers a gate to all the forces of nature. The Grandes Décorations project, which makes him busy from 1914 to 1926, is neither a technical feat nor a strange topography : it is a symbiosis between the artist and the universe.

Monet executed many preparatory paintings for the Grandes Décorations to see in first-hand the visual effects of his innovations. Even when the brush stroke is complex, these images have the spontaneity of a drawing.

On February 27 in London, Christie's sells as lot 11 Saule pleureur et bassin aux nymphéas (weeping willow and water lily garden), an oil on canvas 180 cm wide in the standard height of the Grandes Decorations, 2 m high. The composition is similar to the left part of the triptych Le Matin aux Saules, dated 1920-1926 but whose gestation in the workshop had already begun in 1916.

This study is an encounter between the elements of nature and the principles of geometry, with the rising vertical of the solid trunk, the descending vertical of the leaves hanging in the air, the horizontal plane of the water lilies on the water, the intangible mirror of the reflections.

The horizon is not visible but the dominant is an intense blue provided in reflection by a pure summer sky, in opposition with the pastel shades of dawn which will be applied to the corresponding picture of the Grandes Décorations. In this experimental work that provides inputs into the artistic process of Monet, each motif is painted with a different stroke, up to including tiny surfaces of bare canvas in some interfaces.

Please watch the short video shared by Christie's.

This painting is certainly anterior to the series of ten opuses on weeping willows executed in 1918-1919 in which the main theme, increasingly close to abstraction, is the light sifted by the foliage.

9 févr. 2019

L'Assiette Penchée

Paul Cézanne revient en 1878 s'installer à Aix-en-Provence. Il est seul face aux tourments de sa créativité et n'expose plus en public. Il recherche un art universel, abolissant les différences entre les thèmes les plus disparates : portraits, paysages, natures mortes. Chaque oeuvre est retravaillée sans relâche jusqu'à la perfection multi-sensorielle souhaitée par l'artiste.

La peinture est le seul support possible de son interprétation de la vie, parce qu'elle permet les harmonies de couleurs. Les lois de la perspective elle-même ne sont pas intouchables. L'impressionnisme ne va pas assez loin.

Emile Zola a sans doute compris la profondeur des théories de Cézanne et ses difficultés à les partager. Dans son roman L'Oeuvre publié en 1886, il décrit un peintre incompris dont la passion idéaliste mène à l'échec. Une lettre ultérieure de Cézanne à Zola, trouvée récemment, contredit la légende de leur rupture. Cézanne était évidemment trop imbibé dans ses recherches pour s'indigner de l'inquiétude de son ami de collège.

Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 6 une nature morte de fruits, huile sur toile 38 x 46 cm peinte au milieu des années 1880.

Le thème est modeste et la composition est minimaliste. Sur une table rustique sans aucun ornement dans une perspective légèrement plongeante, une assiette bleu clair contient cinq pêches et une poire. Une autre poire est posée à droite de l'assiette. La subtile variété de la couleur des fruits n'est cependant pas le sujet principal de cette expérience.

Si l'assiette est posée sur la table, son cercle parfait est impossible. Elle est donc inclinée, à la limite du déséquilibre de la pyramide de fruits. Cézanne savait que le réalisme n'existe pas en peinture : la nature est trop complexe pour être imitée et la surface de la toile ne permet pas une illusion de l'espace réel.

Une oeuvre probablement ultérieure donne la clé de l'énigme : vue cette fois-ci de profil, l'assiette est réellement inclinée. Cette huile sur toile 28 x 40 cm a été vendue pour $ 8,1M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2017.

Bien des années plus tard, Matisse tente un axiome selon lequel Cézanne était trop perfectionniste pour se tromper. Il découvre ainsi la dé-construction de la perspective dans les natures mortes les plus apparemment simplistes de Cézanne, un artiste trop en avance sur son propre temps.