24 févr. 2019

Chaise assistée par Ordinateur

Le meilleur bâtisseur de structures est la nature elle-même. La croissance des végétaux inclut une compensation des faiblesses et la croissance du squelette inclut une élimination des excédents. Les arbres de Calder, qui était ingénieur de formation, montrent bien qu'il avait une compréhension au moins intuitive de ces principes.

La modélisation par ordinateur ouvre une voie nouvelle. En 1998 Opel crée un logiciel basé sur les algorithmes de la nature pour alléger le support du moteur dans ses voitures. Impressionné par les résultats d'Opel, Joris Laarman conçoit des logiciels similaires pour créer des meubles. En 2003 il crée un radiateur dont la forme est basée sur l'optimisation de la conduction thermique.

Pour concevoir sa chaise sur le principe de la croissance des os, il définit la position du dossier et de l'assise et les points de contact avec le sol puis laisse l'ordinateur calculer les détails de la structure. La réalisation en aluminium de ces formes complexes est résolue pour les petites séries par des techniques de moulage en une seule pièce à céramique perdue. L'industrialisation est encore aujourd'hui un défi qui mérite d'être étudié : les sièges assistés par ordinateur de Laarman ont une robustesse très supérieure au mobilier classique.

Après sa chaise, Laarman réalise un fauteuil et une chaise à bascule basés sur le même principe de la nature, une bibliothèque inspirée par les branches, une table utilisant les calculs classiques des piliers de ponts et bien d'autres pièces d'ameublement.

La 'Bone Chair' en aluminium est éditée en 12 exemplaires en 2006. Elle est déjà un icône du mobilier contemporain. Quatre d'entre elles sont conservées dans des musées, incluant le Rijksmuseum et le MoMA.

Le numéro de série 4/12 a été vendu pour £ 345K incluant premium par Phillips le 27 avril 2016. Le 8/12 est estimé £ 400K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 115.

23 févr. 2019

L'Oeil de l'Architecte

Après la première guerre mondiale et la révolution Soviétique, l'art et le rôle de l'artiste sont remis en question de toutes parts. Pendant que Malevitch et Mondrian trouvent une esthétique nouvelle dans une simplification extrême, Dada et Merz s'attachent à démontrer l'absurdité de l'art.

Les Soviétiques sont attirés par le développement d'un art utile. Ancien collaborateur de Malevitch et architecte de formation, El Lissitzky obtient en 1921 une mission d'ambassadeur culturel auprès de la République de Weimar. Il est proche de Moholy-Nagy à Weimar où Gropius vient de créer le Bauhaus, ainsi que du groupe Dada de Hanovre animé par Kurt Schwitters et Käte Steinitz.

La technique photographique plait à la fois aux Soviétiques et aux anarchistes par sa rapidité d'exécution. Elle devient un outil spécifique pour lequel la caméra est parfois inutile. De nouvelles oeuvres d'art sont créées en posant des objets, des textes ou les mains directement sur la surface photosensible. Les photomontages utilisent les expositions multiples pour capter le regard par l'effet du non-sens.

En 1924 Lissitzky montre son auto-portrait dans un collage incluant des photomontages, intitulé Le Constructeur comme pour appuyer un futur programme d'architecture. L'oeil vient en plein centre de la paume de la main qui tient le compas et cet ensemble transparent a pour fond une feuille de papier millimétré. Les lettres XYZ apparaissent en positif et le nom de l'artiste en négatif, démontrant l'utilité de cette technique pour créer des affiches promotionnelles.

La même année il réalise plusieurs photographies de cette maquette. Le plus grand tirage connu, 25 x 28 cm, a été offert par l'artiste à Steinitz. Il est estimé £ 800K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 114. Un tirage 7,7 x 8,8 cm a été vendu pour $ 510K incluant premium par Sotheby's le 12 décembre 2012.

Réalisé la même année par Lissitzky, un photomontage 10,7 x 9,4 cm montrant un double portrait de Schwitters avec l'inscription MERZ a été vendu pour $ 250K incluant premium par Christie's le 14 février 2007 sur une estimation basse de $ 6K.

22 févr. 2019

Bien-Etre dans une Chaise Longue

Spécialisé dans la planche de surf, le designer Australien Marc Newson conçoit de nouvelles lignes de meubles et de pièces d'ameublement. La forme en sablier donne une illusion biomorphique à ses chaises, chaises longues et chiffonniers.

Réalisé en 1988, le prototype de la Lockheed Lounge a été vendu pour $ 2,1M incluant premium par Phillips de Pury le 13 mai 2010. Elle est construite en résine renforcée par de la fibre de verre et couverte par des feuilles d'aluminium rivetées. Un des dix exemplaires de l'édition de 1990 a été vendu pour £ 2,43M incluant premium par Phillips le 28 avril 2015.

L'amélioration suivante consiste à faire disparaître toute séparation dans la couche d'aluminium. S'inspirant des techniques de moulage utilisées pour les planches de surf, Newson crée à partir de 1989 la gamme de produits Orgone. Dans les théories contestées du psychanalyste Wilhelm Reich "orgone" désigne la force qui apporte le bien-être.

En 1993 l'Orgone Chair est équipée d'un dossier. Elle est suivie la même année de sa version basse, l'Orgone Stretch Lounge, qui ressemble un peu à une voiture de Formule 1. Après le prototype, cette chaise longue est éditée en six exemplaires plus deux épreuves d'artiste.

La seconde épreuve d'artiste de l'Orgone Stretch Lounge a été discutée dans cette chronique avant d'être vendue pour £ 420K incluant premium par Sotheby's le 18 octobre 2008. Elle est estimée £ 300K à vendre par Christie's à Londres le 6 mars, lot 124. Entre temps l'autre épreuve d'artiste était restée invendue à Phillips le 15 décembre 2010 avec une estimation basse de $ 350K.

Seize Cylindres à Detroit

La Cadillac Sixteen est dévoilée en janvier 1930 au New York Auto Show. Son développement réalisé dans le plus grand secret avait duré près de quatre ans. General Motors offrait une voiture inspirée des meilleures Européennes dont Rolls-Royce concernant la performance dans la douceur et le silence. Le moteur à seize cylindres est sans précédent.

La Sixteen apparait aussitôt comme la concurrente de la Duesenberg Model J. Contrairement à Cord qui sous-traite ses carrosseries avec un label de préférence, la quasi totalité des carrosseries de la V-16 est confiée à Fleetwood. Cette filiale d'une division de General Motors offrait dès la première année une large gamme avec dix styles de base. GM achève en 1931 le contrôle direct de Fleetwood.

Le premier modèle Sixteen est la Cadillac 452 V-16 avec un moteur de 7,4 litres (452 cubic inches). La plus désirable, qui est aussi la plus chère, est le roadster par Fleetwood.

Le 7 mars à Amelia Island, Bonhams vend un roadster 452 V-16 par Fleetwood, lot 240 estimé $ 1,25M.  Elle a été produite en 1930, anticipant les modifications introduites par Cadillac à la fin de cette année.

Vendue neuve directement par l'usine d'assemblage de Detroit à un client local, elle n'a eu que deux propriétaires dans ses 50 premières années, tous deux résidant à Detroit. Utilisée avec parcimonie, elle est dans un très bel état d'authenticité pour tous ses équipements. Elle a conservé dans un excellent état sa carrosserie Fleetwood d'origine en bois.

La Cadillac Sixteen a traversé la Grande Dépression grâce à la puissance financière de General Motors. En tout plus de 4000 unités ont été produites de 1930 à 1940.

21 févr. 2019

Poissons dans l'Eau

Pour les Taoïstes, le poisson est un symbole de bonheur, passant toute sa vie dans l'eau où il est né en un parfait exemple d'harmonie entre un animal et son environnement. Le couple de poissons appairés en haut relief dans l'intérieur d'un bol en bronze est un ornement apprécié sous les Han.

Le 20 mars à New York, Christie's vend un bol aux poissons réalisé en jade ciselé dans le style archaïque pour l'empereur Qianlong, lot 806 estimé $ 1M.

La base du bol offre un poème incisé en 40 caractères disposés en trois cercles concentriques autour de la marque impériale. Il est signé de deux sceaux de Qianlong comme Fils du Ciel et comme Quotidiennement Assidu, et daté de l'automne de son année bingwu correspondant à 1786 CE. Le plus érudit des empereurs détaille dans son poème l'intérêt culturel de telles répliques.

Le jade utilisé est céladon pâle légèrement tacheté de blanc, approchant la couleur de l'eau conservée pour l'empereur. Avec ou sans eau dans le bol, cette teinte apporte sur les figures de jade l'illusion de l'élément naturel de vrais poissons.

L'empereur indique que ces poissons en haut relief sont dans le style des Han, différent des récipients des Zhou. La modernité n'est pas indispensable mais elle est toutefois utile parce que le jade n'a pas le mauvais goût du bronze.

Mesurant 25 cm de diamètre, ce bol monté sur cinq petits pieds est le plus grand de seulement trois exemples connus. L'un d'eux, 18 cm de diamètre, est inscrit du même poème et de la même date. Le plus petit, 13 cm, n'est pas inscrit.

Bouddhisme au Yunnan

Le contrôle politique de l'ensemble du territoire Chinois était une gageure. Pragmatiques, les Tang fédèrent des ethnies de l'actuel Yunnan dans le royaume du sud, Nanzhao en langue Chinoise. Nanzhao ne tarde cependant pas à se rebeller et sa dynastie dure en tout 200 ans. Après une courte période d'anarchie, le royaume de Dali prend la suite, avec une autonomie similaire.

Le bouddhisme est introduit il y a 1200 ans à Nanzhao par un moine de l'Inde et devient la religion officielle moins d'un siècle plus tard, juste avant la chute du royaume. Dans cette région Chinoise proche de l'Asie du Sud, la dévotion est plus proche de l'Indonésie et de la Birmanie que du Bouddhisme Chinois. En particulier la préférence des Song pour la représentation féminine Guanyin du bodhisattva Avalokiteshvara n'atteint pas Dali.

Ce canon spécifique inclut dès l'époque de Nanzhao une figure d'Avalokiteshvara, ou plus précisément Guanshiyin Pusa, en prédicateur debout avec un corps grand et mince. Un bronze doré de 46 cm de haut fait il y a environ 900 ans à Dali est estimé $ 2M à vendre par Christie's à New York le 20 mars, lot 813.

Guanshiyin Pusa est une émanation d'Amitabha. Parfois à Dali le dieu ou le bodhisattva est montré dans une position assise avec les jambes parallèles et non dans la position classique du lotus.

Dans la même vente que ci-dessus, le lot 814 estimé $ 4M est un très rare Avalokiteshvara assis, bronze doré de 38 cm de haut fait à Dali il y a environ 1000 à 900 ans. Les deux bras principaux avec les mains jointes et deux autres bras réalistement symétriques le long du corps avec les mains sur les genoux ont survécu. Cette pièce inclut des tenons pour attacher d'autres paires de bras, symboles de l'omnipotence du bodhisattva. La rare position verticale du troisième oeil confirme l'origine Dali.

20 févr. 2019

Renaissance après Dada

En 1924 Dada laisse la place au surréalisme. Les artistes les plus iconoclastes continuent à explorer de nouvelles voies. Avec sa série intitulée Peintures, Miro introduit en 1927 des dessins au trait dans ses peintures. L'année suivante il change de style et pastiche avec une grande liberté les intérieurs Hollandais. En 1930 il traduit l'évolution de son art en déclarant qu'il veut assassiner la peinture.

Francis Picabia a rompu avec Dada en 1921 et avec Breton en 1924. Il apparaîtra cependant à Gertrude Stein comme l'archétype de l'artiste surréaliste. Il commence en 1928 sa série des Transparences.

Choisissant dans ses livres d'art des images de statues antiques et de peintures de la Renaissance, il les copie en dessin au trait en les entremêlant. Cette approche plait à Duchamp qui y voit une création non stéréoscopique de la troisième dimension. Le titre dévoile parfois l'origine du modèle principal, par exemple Hera, ou Adam et Eve.

Le 26 février à Londres, Sotheby's vend Atrata, huile et crayon sur panneau 150 x 95 cm peinte vers 1929, lot 38 estimé £ 1,5M. La composition est centrée sur le portrait d'un homme par Botticelli. La vision est très brouillée par les images subsidiaires, sauf l'alignement presque horizontal de quatre yeux qui ont certainement excité Duchamp. Elle est décodée dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

Mélibée, huile sur toile 195 x 130 cm peinte vers 1931, est une exception dans cette série par la relation sans ambiguïté des éléments transparents avec un thème unique, cohérent avec les difficultés personnelles de Picabia lâché successivement par sa femme et par sa maîtresse.

Dans La Célestine, Mélibée est l'amoureuse poussée au suicide par la mort de son amant tombé de l'échelle en passant le haut mur du jardin après leur activité sexuelle. Publiée en 1499 à Burgos sous forme d'un dialogue, cette oeuvre avait bien des atouts pour plaire aux surréalistes : elle n'est ni un roman, ni un poème, ni une pièce de théâtre, l'histoire est torride, et le nom de l'auteur présumé est caché dans la suite des lettres initiales des strophes du prologue.

Dans la peinture de Picabia, le visage copiant une Madone par Piero della Francesca reste très lisible et la surimpression de branches, de feuilles et d'aiguilles de pin est une référence au jardin. L'amant tout nu est recroquevillé dans un coin.

Annoncée par les galeristes Marianne et Pierre Nahon comme leur oeuvre favorite, Mélibée est estimée € 2,5M à vendre par Sotheby's à Paris le 19 mars, lot 10.

Les Transparences ne peuvent pas servir pour l'illustration d'un livre et l'origine de l'inspiration est trop difficile à transmettre au public. Mélibée apparaît comme un achèvement ultime de ce style éphémère abandonné par Picabia en 1933.

19 févr. 2019

Femmes vues par l'Une d'Elles

Pendant ses études, Jenny Saville a naïvement cherché le rôle de la femme dans l'art. Elle a vu de jolies formes créées pour faire plaisir aux Messieurs et déploré l'absence de la femme créatrice. Elle n'a vu nulle part l'aversion réelle des femmes face au risque d'obésité. Sportives à l'excès ou anorexiques, elles cherchent encore à être caractérisées par les hommes.

Les tabous tombent devant cette très jeune femme. Elle greffe sa propre tête sur un corps obèse qui n'est pas le sien. Elle ajoute des mots ridicules qui ne sont que le langage des hommes pour parler des femmes. L'huile sur toile Propped, préparée pour la soutenance de son diplôme en 1992, inclut dans une superposition hermétique une écriture miroir citant une psychanalyste féministe. Propped a été vendu pour £ 9,5M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2018.

Jenny Saville prend désormais pour thème l'intimité du nu féminin réinterprété à une échelle monumentale, avec un humour à la fois sordide et cinglant. Elle enveloppe l'observateur dans un déluge de chairs flasques, consciemment, en s'inspirant des mises en scène abstraites de Rothko.

La tête reste un élément secondaire, comme intrus et incongru. Dans un autoportrait 270 x 210 cm peint en 1993, la tête est penchée, mais pas suffisamment pour éviter d'être tronquée en haut de l'image. Ce corps nu frontal intitulé Plan n'est pas trop exagéré mais inclut les incisions préparant la chirurgie esthétique, une action inutile et psychologiquement dégradante selon les conceptions féministes de l'artiste.

Les détails intimes appellent des formats de plus en plus grands. Dans une huile sur toile intitulée Juncture peinte en 1994, le nu assis à la chair flasque est vu de dos. La tête est coincée en haut à gauche de l'image et le nez vient s'écraser douloureusement sur le bord gauche comme si le format 305 x 168 cm était trop étriqué pour contenir la monumentalité désirée par l'artiste.

Juncture est estimée £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 5.

Fierté Noire

Les arts graphiques Américains sont l'apanage des hommes blancs. Beauford Delaney s'est exilé. Les rares femmes de couleur qui ont osé une carrière d'artiste ont été ignorées ou persécutées, à l'exemple d'Elizabeth Catlett qui a perdu sa nationalité Américaine pendant 40 ans.

Le vent tourne dans le cercle littéraire du Dr Maya Angelou. En 1990 Faith Ringgold et Clarissa Sligh réunissent dans une exposition l'art de 100 femmes noires. Aujourd'hui encore la déségrégation n'est pas terminée malgré les succès incontestables de Julie Mehretu et Kara Walker.

Le thème de la femme peintre ne pouvait pas laisser indifférent Kerry James Marshall. Cet artiste basé à Chicago montre une Amérique réservée aux Noirs dans leur conquête progressive d'un statut social décomplexé dans la vie quotidienne, l'éducation, les loisirs et les émotions.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend le portrait imaginaire d'une jeune femme noire, acrylique sur PVC 73 x 63 cm peint par Marshall en 2008, lot 209 estimé $ 1,8M.

Cette femme est une artiste peintre reconnaissable aux attributs de son travail, la palette bariolée de couleurs et la blouse maculée. Elle est debout, la main énergiquement posée sur la hanche, le regard droit fièrement dirigé vers l'observateur. Les réseaux de lignes sur le mur du fond laissent penser que son art est abstrait.

18 févr. 2019

Les Triangles Verts de Carmen Herrera

Carmen Herrera est passionnée par l'architecture, dans la suite des travaux des Constructivistes et du Bauhaus. Ses peintures rejettent l'illusion d'optique et l'émotion.

Le triangle aigu devient la base de ses figures géométriques. Il est monochrome, sur un fond qui peut être noir ou blanc. Tous les triangles sont d'une seule couleur. La pointe d'un triangle vient toucher la pointe ou le côté d'un autre. Ces figures atteignent le bord de l'image sans se modifier, ouvrant l'accès à l'infini comme les compositions de Mondrian.

Commencée en 1959, la série la plus minimaliste de l'art de Carmen Herrera porte le titre générique de Blanco y Verde. L'utilisation de la langue espagnole est une réminiscence de ses origines Cubaines. La composition est structurée par les horizontales et les verticales, qui correspondent à un bord ou à l'axe de chaque triangle vert. Les angles sont invariants.

Les approches minimalistes de Carmen Herrera ont été comparées à l'art d'Ellsworth Kelly ou Frank Stella. Malgré ses efforts pour exposer ses oeuvres, elle est résolument ignorée par la société artistique New Yorkaise jusqu'en 2008. En 2015, année de son centième anniversaire, un film documentaire lui rend sa place légitime dans l'art abstrait Américain.

Un Blanco y verde peint en 1966, acrylique sur toile 102 x 115 cm mettant en scène deux triangles horizontaux, a été vendu pour $ 2,65M incluant premium par Phillips le 15 novembre 2018 sur une estimation basse de $ 1M.

Le 1er mars à New York, Sotheby's vend une peinture 102 x 178 cm de la même série et de la même technique datée 1966-1967, lot 12 estimé $ 1,5M. Le triangle horizontal est complet. Il assure la jonction sur sa gauche avec un triangle ascendant et sur sa droite avec un triangle descendant.

17 févr. 2019

L'Enseignement du Cercle

Wassily Kandinsky réside comme Meister au Bauhaus de 1922 à 1933. Il enseigne à la fois les bases du design pour les débutants et les théories avancées. Créé en 1919 par Gropius, le Bauhaus s'est d'abord attaché à une synthèse entre l'art et l'artisanat pour une application à l'architecture. En accord avec les progrès de ce temps, la technique prend progressivement la place de l'artisanat.

Kandinsky est pendant toute sa carrière un théoricien à la recherche de l'art absolu. A l'époque du Blaue Reiter, la prédominance des couleurs et des lignes de force l'a mené à l'abstraction. Au Bauhaus il consolide ses théories par une analyse détaillée des formes élémentaires : le plan, la ligne droite, l'angle, le cercle, le demi-cercle.

Le cercle est la projection de la boule sur le plan. Ses multiples interprétations mystiques conviennent évidemment à la sensibilité ésotérique de l'artiste. Il est aussi l'élément de base de toute figuration astronomique. Il est vide ou rempli de n'importe quelle couleur, et peut chevaucher d'autres cercles pour simuler par exemple le chaos de la création du monde.

Avec le titre révélateur Vertiefte Regung signifiant impulsion approfondie, une huile sur toile 100 x 76 cm peinte en 1928 démontre l'effet dynamique des cercles. De diamètres variés, ils se juxtaposent et s'entrechoquent sur une surface noire aux bords complètement irréguliers soulignés d'un halo bleu.
Cette oeuvre a été utilisée comme ornement mural d'un salon des maîtres dans les nouveaux bâtiments du Bauhaus transféré à Dessau.

Vertiefte Regung a été vendue pour $ 6,4M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 13.

16 févr. 2019

Conservateur et Partenaire

Cherchant la liberté sexuelle, David Hockney arrive en Californie en 1964. La vie de débauche ne répond cependant pas à ses questions sur la communication à l'intérieur d'un couple.

Il réalise entre 1968 et 1977 des doubles portraits de très grand format, 214 x 305 cm. Il alterne les couples homosexuels et hétérosexuels et termine la série par ses propres parents, ce qui démontre bien que sa préoccupation n'est plus le sexe mais le dialogue. Les personnages sont le plus souvent identifiés dans le titre et sont très reconnaissables.

Invariablement les deux personnages sont éloignés l'un de l'autre avec des regards délibérément orthogonaux. Dans cette étrange intimité, le peintre est un invisible voyeur social.

Installé à nouveau à Londres en 1968, il ne néglige pas l'Amérique. Le Metropolitan Museum of Art de New York prépare une grande exposition qui dévoilera l'art Américain d'après-guerre au grand public. Le conservateur de cette importante opération culturelle est le très influent Henry Geldzahler.

Hockney arrive dans le salon de Geldzahler à Manhattan avec son carnet de croquis, son polaroid et sa grippe. De retour dans son atelier à Londres, il peint en 1969 'Henry Geldzahler and Christopher Scott'. Cet acrylique sur toile sera vendu par Christie's à Londres le 6 mars, lot 8. Le communiqué de presse du 17 décembre annonce une estimation au-delà de £ 30M.

Les deux hommes ne pourraient pas être plus dissemblables et pourtant leur vie en couple est durable. Robuste et sûr de lui-même, Geldzahler est confortablement assis au milieu d'un très beau canapé digne des plus grandes collections Art Déco. A droite, son jeune partenaire est debout, habillé d'un imperméable trop grand pour lui et aussi raide que le lampadaire. La scène est localisée par les gratte-ciel au-delà de la petite fenêtre.

15 févr. 2019

Guinness est bon pour Freud

La famille Guinness a construit une immense fortune avec laquelle plusieurs de ses membres ont joué et jouent encore un rôle important dans la société et la culture Irlandaise.

Oonagh Guinness est la plus jeune de trois soeurs, blondes aux yeux bleus surnommées les Golden Guinness Girls dans la société Britannique des années 1920. Elle est l'hôtesse de Luggala, une résidence de campagne de Wicklow dont elle fait un espace enchanteur pour les poètes, les musiciens et les artistes.

Lucian Freud visite Luggala avec sa première femme et tombe amoureux d'une cousine de l'hôtesse. ll épouse cette cousine, une très jolie femme-enfant.

Garech Browne est le fils aîné d'Oonagh. Freud entreprend son éducation culturelle, avec un grand succès. Browne continuera la tradition culturelle de sa mère. Ami de toutes les personnalités importantes du show business, il sera aussi une figure majeure de la renaissance et de la préservation de la musique traditionnelle Irlandaise.

Lucian est en dehors de toutes les tendances de la peinture moderne. Prétendant renouer avec une tradition de l'Egypte antique, il pratique déjà une interminable observation de ses modèles, à la recherche du réalisme au détriment de la beauté. L'utilisation de pinceaux très fins en poils de vison donne une précision sans précédent et une vérité psychologique à ses vues rapprochées de visages en très petits formats.

Le portrait de Garech par Lucian, huile sur toile 18 x 18 cm, a été peint en 1956 quand le garçon avait seize ans. Le visage est en introspection. Reconnaissant le rôle important de Lucian dans sa formation culturelle, Garech a conservé cette peinture à Luggala pendant toute sa vie. Elle est estimée £ 4,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 5 mars, lot 14. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.


Rêve sur un Tub

Pierre Bonnard est un rêveur. Très peu intéressé par les activités sociales, il exhibe dans son art les petits moments de sa vie intime. Il observe son environnement par des esquisses ou des photographies avant de réaliser ses peintures dans l'isolement de son atelier. Il confronte ensuite son imagination avec le sujet réel.

Son art n'est pas influencé par les tendances. Il n'est pas impressionniste dans sa technique et son univers n'est ni réaliste ni surréaliste. Le thème est dominé par une illusion traduite par des formes inattendues et une très large palette de couleurs dans une dominante pastel.

Marthe est son principal modèle depuis 1893. Elle construit son propre univers au côté du peintre sans dévoiler son vrai nom et son âge. Ils n'ont pas besoin des conventions sociales. En 1925 Pierre craint à juste titre qu'elle devienne jalouse et malade. Pour stabiliser leur relation, il l'épouse.

Vers 1910 Pierre photographie Marthe accroupie nue sur le tub, une éponge à la main. La tête penchée est dans l'ombre. La toilette est un bon prétexte pour la peinture du nu féminin. Il commence vers 1916 sa série de nus au tub.

Le 27 février à Londres, Christie's vend un Nu au tub, huile sur toile 130 x 81 cm peinte en 1924, lot 17 estimé £ 4M.

Considérée comme l'aboutissement ultime de ce thème, cette peinture montre une femme de rêve, debout de face sur le bassin. Par ses très longues jambes, elle est Marthe. Par son corps jeune et sculptural, elle n'est pas Marthe.

Elle est montrée dans un geste fugitif et intime, comme un instantané créé par l'imagination de l'artiste. Les deux mains un peu floues sont levées comme si elle mimait l'utilisation de l'éponge. Intime sans être érotique, elle est une vision de beauté. La tête est restée dans l'ombre.

14 févr. 2019

La Forêt Tachetée

Au début des années 1860, Monet, Bazille, Sisley et Renoir sont étudiants à l'Ecole des Beaux-Arts dans l'atelier de Gleyre. Pour échapper à l'académisme ils prennent leurs chevalets pour peindre en plein-air en forêt de Fontainebleau.

Loin du réalisme des peintres paysagistes de Barbizon, ils explorent des expressions nouvelles, et surtout de nouvelles utilisations des couleurs. L'ombre peut ne pas être noire, la neige peut ne pas être blanche. Le travail sur la texture apporte un effet de luminosité.

Après la guerre Franco-Prussienne dans laquelle ils perdent Bazille, les jeunes gens reprennent leurs expériences. Le dessin dans le style de Manet reste prépondérant pour le figuratif, tandis que les détails de la verdure se perdent dans une fragmentation brillamment colorée.

Le Salon est de plus en plus réticent face à cette tendance qui échappe au bon goût officiel. En décembre 1873 les trois amis rejoints par Pissarro, Degas et Prins créent une société coopérative pour trouver une clientèle. Pour leur première exposition l'année suivante, ils louent pour un mois l'atelier de Nadar. Avec entre autres Berthe Morisot, Cézanne, Guillaumin et Rouart, ils seront forcés d'accepter le sobriquet péjoratif d'Impressionnistes.

Le 27 février à Londres, Christie's vend une huile sur toile 65 x 54 cm peinte par Renoir, lot 8 estimé £ 7,5M.

Ce sous-bois est composé d'une texture multicolore tachetée d'ombres et de lumières et parsemée de quelques détails réalistes. L'effet de perspective est assuré par le chemin qui part tout droit vers l'infini, ponctué au loin par un minuscule personnage qui symbolise la place humaine dans l'immensité de la nature.

Dans le style typique des trois premières expositions Impressionnistes, cette oeuvre non datée a certainement été peinte entre 1874 et 1877. Elle a été localisée par Dauberville dans la forêt de Fontainebleau.

La Danseuse Fatiguée

De 1883 à 1885 Vincent van Gogh a son atelier dans la maison familiale à Nuenen. Ses portraits et scènes de paysans du Brabant n'intéressent personne. Ses relations sont délétères. Il comprend soudain que son génie auto-proclamé a besoin de prendre modèle sur les grands maîtres. Il découvre au Rijksmuseum d'Amsterdam l'utilisation de la couleur par Rembrandt et l'art du portrait par Hals.

Une fois n'est pas coutume : Vincent prend une bonne décision. A la fin novembre 1885 il vient s'établir à Anvers. ll visite avec frénésie le port, les cafés et les musées où il découvre les talents de Rubens.

Comme toujours les filles sont réticentes à poser pour lui. Avec un peu d'argent envoyé par Theo, il parvient à payer pour une séance de pose une danseuse d'un des principaux cafés-concerts d'Anvers.

Le visage expressif de la fille plait à l'artiste. Elle parle un peu : son métier de danseuse et d'accompagnatrice est fatigant et le champagne la rend triste. Vincent a maintenant tous les éléments pour apporter une profondeur psychologique à un portrait. Avec ce thème hautement apprécié, sa carrière va pouvoir démarrer.

Peint en décembre 1885 à Anvers, Portrait de femme au ruban rouge, profil gauche, huile sur toile 60 x 50 cm, est estimé £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 15. La bouche légèrement ouverte révèle la sensualité d'un chant mélancolique. La séance de pose a été brève et la technique est rapide et spontanée. L'image est partagée par Wikimedia.

Beaucoup d'oeuvres peintes par Vincent à Anvers et attestées par ses lettres à Theo ont disparu, probablement rapidement détruites. Vincent est à juste titre satisfait de son portrait de fille de cabaret qu'il offrira deux ans plus tard au très jeune Emile Bernard, sans doute par échange avec des scènes de bordel.

Le patron de la danseuse n'a pas aimé cette escapade et elle ne reverra pas l'artiste. Vincent n'a pas identifié son nom dans ses lettres à Theo : comme les paysans de Nuenen, elle était pour lui un type pictural, pas une personne. Comprenant qu'il vient de faire son entrée dans l'art moderne, Vincent arrive à Paris fin février 1886 avec l'envie de découvrir la peinture impressionniste.

Van Gogh - Bildnis einer Frau mit rotem Haarband

13 févr. 2019

Le Chemin des Vacances

Martial Caillebotte était un marchand de drap qui avait amassé une fortune considérable comme fournisseur des armées de Napoléon III. Ses fils n'avaient pas besoin de travailler pour gagner leur vie.

Gustave Caillebotte aimait l'aviron, la voile, la peinture, le jardin. En 1875 une peinture montrant des ouvriers est refusée par le Salon : le sujet ne peut pas plaire aux bourgeois. En réaction le jeune artiste entreprend de soutenir les Impressionnistes. Il sera même un garant indéfectible d'une certaine authenticité du premier style Impressionniste.

Gustave a du talent. Le dessin net de ses débuts fait place à un vrai coup de pinceau impressionniste. Dans des compositions hardies, il étudie les effets de plongée et de contre-plongée.

Il passe plusieurs étés près de Trouville, le village balnéaire qui offre ses plaisirs nautiques et son animation sociale estivale aux riches Parisiens hébergés dans des grands hôtels et d'opulentes villas.

Chemin montant, huile sur toile 100 x 125 cm peinte en 1881, a été vendue pour $ 6,7M incluant premium par Christie's le 4 novembre 2003. Elle est maintenant à vendre par Christie's à Londres le 27 février, lot 28. L'image est partagée par Wikimedia.

Un homme et une femme sont vus de dos, à la limite entre l'ombre et un éclatant soleil d'été. Ils avancent lentement, au même niveau, sans se préoccuper l'un de l'autre. Ils ne sont pas reconnaissables, probablement pour protéger l'anonymat de la très jeune femme qui va partager dorénavant la vie de l'artiste. Les connaisseurs de l'ancien Trouville ont reconnu sur le côté gauche la Villa Italienne qui était longée par une sente en forte pente.

L'oeuvre est peinte dans la pleine maturité Impressionniste de Caillebotte, sans doute en atelier d'après des esquisses. Le chemin est aplani pour mieux s'ouvrir sur l'horizon boisé. L'équilibre des couleurs est soigneusement construit, avec le jaune du chapeau et le bleu de la robe et du ciel qui font écho au vert de la végétation tout en étant agrémentés des taches rouge-orangé des volets et de l'ombrelle.

G. Caillebotte - Chemin montant

Lesbos par Chagall

Peintre prolifique, Marc Chagall travaille extrêmement lentement quand il s'agit d'illustration. Deux de ses plus grands projets, La Bible et Daphnis et Chloé, ont été préparés par des voyages, respectivement en Palestine et en Grèce, au cours desquels il s'imprègne des paysages et de l'ambiance du pays.

La Bible est commencée en 1931 sur une incitation de Vollard. Quand Vollard meurt en 1939, Tériade prend la suite. Chagall termine sa préparation iconographique en 1956 et le recueil est publié en 1958.

Tériade est originaire de Lesbos, comme Sappho et Longus. Il aimerait bien que Chagall interprète son pays en se basant sur le roman pastoral Daphnis et Chloé, précédemment mis en musique par Ravel. Chagall commence par refuser parce que Bonnard avait réalisé un projet similaire.

Pour le peintre de l'amour heureux, ce thème idyllique est bien tentant. En 1952, cinq ans après la mort de Bonnard, il s'imbibe pour la première fois de la lumière éblouissante de l'été Grec. Il retourne en Grèce en 1954. Il prépare en tout 42 images en gouache et pastel.

L'impression réalisée par Mourlot est un exploit technique dont le travail s'étend sur quatre ans, de 1957 à 1961. Chagall ne veut pas d'erreur dans l'impression lithographique sur Arches des 25 couleurs qu'il a utilisées dans sa recherche de la perfection poétique.

Daphnis et Chloé est édité en 1961 par Tériade en portfolio en une édition régulière de 250 exemplaires, 20 épreuves d'artiste et 60 exemplaires "de luxe" à grandes marges signées par l'artiste sur chaque feuille. 16 des 42 images sont des doubles pages pliées. Le format standard d'une image est 44 x 34 cm.

Les exemplaires restés complets sont rares. Un portfolio de luxe complet qui avait été conservé par la famille Tériade jusqu'en 1995 est estimé £ 400K à vendre par Sotheby's à Londres le 27 février, lot 345.

12 févr. 2019

Les Yeux du Bateau

Egon et Wally vivent ensemble depuis la fin de l'année 1911. Il a 21 ans et elle en a 17. Elle est le principal modèle de son art érotique. Les voisins cherchent à protéger leurs filles adolescentes contre l'influence sulfureuse du jeune couple. Egon et Wally quittent successivement Vienne et Krumau et s'installent au village de Neulengbach.

Après une nouvelle plainte, Egon Schiele passe 24 jours dans la prison de Neulengbach, en avril 1912. Sa condamnation s'est limitée à un outrage aux bonnes moeurs pour avoir exposé des dessins érotiques dans un lieu accessible aux enfants.

Une fois sorti de cette épreuve, Schiele ressent le besoin de changer d'air. En mai il passe quelques jours à Trieste, un lieu qu'il aimait bien, dans l'agréable ambiance du port de pèche.

Le 26 février à Londres, Sotheby's vend Triestiner Fischerboot, lot 9 estimé £ 6M, huile sur toile certainement peinte dans son atelier à Vienne vers la fin de 1912.

Sur un format carré 70 x 70 cm, la composition est symétrique et plate. Le bateau est vu de face, dans un dessin plutôt naïf et sans perspective. Les couleurs sont riches et saturées, dans le style morbide que Schiele avait déjà pratiqué.

La perspective est pourtant présente par l'eau qui s'écarte devant le bateau comme si celui-ci fonçait sur l'observateur. A l'avant du bateau deux points d'ancrage augmentent la menace de ce sujet qui aurait pu être paisible. Noirs dans une orbite rouge vif, ils sont de part et d'autre de l'axe principal comme les taotie intimidateurs des bronzes liturgiques Chinois.

La suite logique de Triestiner Fischerboot est la série des paysages hantés de Krumau dans lesquels aucune présence humaine n'est nécessaire pour exprimer les sentiments de l'artiste. Jusqu'en 1912 Schiele aurait pu devenir un artiste maudit. Ce n'est pas le cas : la gloire lui vient dès 1913 avec sa première exposition solo.

11 févr. 2019

Cubisme Gothique par Feininger

Né à New York d'un couple de musiciens, Lyonel Feininger arrive en Europe à l'âge de 16 ans. Intéressé par les arts graphiques, il est d'abord caricaturiste, dans le goût de son temps pour l'allongement des corps et la gesticulation expressionniste.

Pour mieux exprimer ses sentiments, il devient artiste à partir de 1907, à 36 ans. Il réside à Berlin mais trouve son inspiration à Weimar où sa seconde femme Julia vient de terminer ses études. La calme petite ville est leur terre promise, leur découverte commune.

Lyonel s'intéresse à toutes les avant-gardes pour développer son propre style. Il est à la fois proche de Die Brücke, du Blaue Reiter et du cubisme. Contrairement aux cubistes de Paris, son approche n'est pas constructiviste mais émotionnelle. La vue d'un clocher ne l'intéresse que si elle lui permet de traduire ses stimuli psychologiques.

En 1913 Lyonel installe son chevalet sur le pont de style gothique d'Ober-Weimar. Par le cubisme prismatique, le petit pont devient un monument grandiose qui exalte un moment de bonheur. La légèreté des tons contraste avec les couleurs criardes par lesquelles l'artiste a l'habitude d'exprimer sa surexcitation. L'huile sur toile Brücke I est conservée à l'université de St. Louis.

Au début de l'hiver 1914-1915, l'artiste retrouve son pont. Cette fois-ci il exulte de ressentir une plénitude artistique qui répond à ses questions. Brücke II, huile sur toile 81 x 101 cm, est peinte dans un cubisme similaire à Brücke I, avec les mêmes tonalités plaisantes. L'angle de vue est cependant différent : absente de Brücke I, la chaussée est une voie de lumière qui mène à l'espoir.

Brücke II a été vendue pour £ 4,8M incluant premium par Christie's le 4 février 2014 sur une estimation basse de £ 2M. Elle est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 14. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Il est intéressant de comparer Feininger à Kandinsky. Tous deux sont inspirés par la musique pour définir un art absolu. Weimar est le Murnau de Feininger. Après la guerre ils enseigneront pendant de nombreuses années au Bauhaus.

L'Homme Tronçonné

René Magritte transforme tout objet en une illusion. Le mystère de la composition doit attirer et maintenir l'observateur, mais il n'y a pas d'explication. Il y a la même relation entre le monde réel et la peinture qu'entre un objet et sa publicité.

Magritte a patiemment construit son univers avec des images d'objets qui se croisent, se fusionnent, se superposent, se répètent dans un jeu sans fin. Dans la vraie vie, il se fond dans la banalité en revêtant le costume, la cravate et le chapeau melon de Monsieur Tout le monde.

L'homme et la femme ont des rôles différents. La femme est nue, de face, prête à se confondre dans un marbre antique. Contrairement à elle, l'homme au chapeau melon montre très rarement son visage, caché par le passage encombrant d'une pomme ou d'un oiseau. Il n'y a pas d'autoportraits, sauf quand ce thème a été explicitement commandé par un client, parce que l'artiste a aboli toute différence entre lui et les autres.

Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 108 Le lieu commun, huile sur toile 100 x 81 cm peinte en 1964. Le communiqué de presse du 5 novembre annonçait une estimation entre £ 15M et £ 25M. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes.

Dans une composition tronçonnée comme des lés disparates d'un papier peint, l'homme au chapeau melon apparaît deux fois. A gauche il est en pleine face avec son visage banal entièrement visible. A droite, limité à la nuque, l'oreille et le dos du veston, il quitte la scène.

L'homme est bien là, mais il n'est pas là. La portion droite se défile correctement entre le bord du mur et le paysage, mais le portrait gauche est au contraire tronqué par la même pièce de paysage devant un mur similaire. Si l'on ré-assemblait ces deux morceaux, la tête serait complète.

Comme Escher et ses figures impossibles, Magritte abolit la logique tridimensionnelle. Il prépare à la même époque son chef d'oeuvre de ce genre, intitulé Le blanc-seing, montrant un cheval et sa cavalière tronçonnés par la forêt.

10 févr. 2019

Le Jardin Universel de Claude Monet

Le petit jardin d'eau de Claude Monet lui offre une ouverture vers toutes les forces de la nature. Le projet des Grandes Décorations, qui l'occupe de 1914 à 1926, n'est ni un exploit technique ni une topographie étrange : c'est une symbiose entre l'artiste et l'univers.

Monet réalise de nombreuses peintures préparatoires aux Grandes Décorations, pour voir directement les effets de ses innovations. Même quand la touche de peinture est complexe, ces images ont la spontanéité d'un dessin.

Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 11 Saule pleureur et bassin aux nymphéas, une huile sur toile de 180 cm de large dans la hauteur standardisée des Grandes Décorations, 2 m de haut. La composition est similaire à la partie gauche du triptyque Le Matin aux saules, datée 1920-1926 mais dont la gestation dans l'atelier avait commencé dès 1916.

Cette étude est une rencontre entre les éléments de la nature et les principes de la géométrie, avec la verticale montante du tronc solide, la verticale descendante des feuilles suspendues dans l'air, l'horizontale des nymphéas sur l'eau, le miroir intangible des reflets.

L'horizon n'est pas visible mais la dominante d'un bleu intense est fournie par un ciel pur d'été, en opposition avec les teintes pastel de l'aube qui seront appliquées à l'image correspondante des Grandes Décorations. Dans cette oeuvre expérimentale qui dévoile le processus artistique de Monet, chaque motif est peint avec une touche différente, jusqu'à inclure de minuscules surfaces de toile nue dans certains interfaces.

Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par Christie's.

Cette peinture est certainement antérieure à la série de dix opus sur les saules datés 1918-1919, dans lesquels le thème principal de plus en plus proche de l'abstraction est la lumière tamisée par le feuillage.

THE UNIVERSAL GARDEN OF CLAUDE MONET

The small water garden of Claude Monet offers a gate to all the forces of nature. The Grandes Décorations project, which makes him busy from 1914 to 1926, is neither a technical feat nor a strange topography : it is a symbiosis between the artist and the universe.

Monet executed many preparatory paintings for the Grandes Décorations to see in first-hand the visual effects of his innovations. Even when the brush stroke is complex, these images have the spontaneity of a drawing.

On February 27 in London, Christie's sells as lot 11 Saule pleureur et bassin aux nymphéas (weeping willow and water lily garden), an oil on canvas 180 cm wide in the standard height of the Grandes Decorations, 2 m high. The composition is similar to the left part of the triptych Le Matin aux Saules, dated 1920-1926 but whose gestation in the workshop had already begun in 1916.

This study is an encounter between the elements of nature and the principles of geometry, with the rising vertical of the solid trunk, the descending vertical of the leaves hanging in the air, the horizontal plane of the water lilies on the water, the intangible mirror of the reflections.

The horizon is not visible but the dominant is an intense blue provided in reflection by a pure summer sky, in opposition with the pastel shades of dawn which will be applied to the corresponding picture of the Grandes Décorations. In this experimental work that provides inputs into the artistic process of Monet, each motif is painted with a different stroke, up to including tiny surfaces of bare canvas in some interfaces.

Please watch the short video shared by Christie's.

This painting is certainly anterior to the series of ten opuses on weeping willows executed in 1918-1919 in which the main theme, increasingly close to abstraction, is the light sifted by the foliage.

9 févr. 2019

L'Assiette Penchée

Paul Cézanne revient en 1878 s'installer à Aix-en-Provence. Il est seul face aux tourments de sa créativité et n'expose plus en public. Il recherche un art universel, abolissant les différences entre les thèmes les plus disparates : portraits, paysages, natures mortes. Chaque oeuvre est retravaillée sans relâche jusqu'à la perfection multi-sensorielle souhaitée par l'artiste.

La peinture est le seul support possible de son interprétation de la vie, parce qu'elle permet les harmonies de couleurs. Les lois de la perspective elle-même ne sont pas intouchables. L'impressionnisme ne va pas assez loin.

Emile Zola a sans doute compris la profondeur des théories de Cézanne et ses difficultés à les partager. Dans son roman L'Oeuvre publié en 1886, il décrit un peintre incompris dont la passion idéaliste mène à l'échec. Une lettre ultérieure de Cézanne à Zola, trouvée récemment, contredit la légende de leur rupture. Cézanne était évidemment trop imbibé dans ses recherches pour s'indigner de l'inquiétude de son ami de collège.

Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 6 une nature morte de fruits, huile sur toile 38 x 46 cm peinte au milieu des années 1880.

Le thème est modeste et la composition est minimaliste. Sur une table rustique sans aucun ornement dans une perspective légèrement plongeante, une assiette bleu clair contient cinq pêches et une poire. Une autre poire est posée à droite de l'assiette. La subtile variété de la couleur des fruits n'est cependant pas le sujet principal de cette expérience.

Si l'assiette est posée sur la table, son cercle parfait est impossible. Elle est donc inclinée, à la limite du déséquilibre de la pyramide de fruits. Cézanne savait que le réalisme n'existe pas en peinture : la nature est trop complexe pour être imitée et la surface de la toile ne permet pas une illusion de l'espace réel.

Une oeuvre probablement ultérieure donne la clé de l'énigme : vue cette fois-ci de profil, l'assiette est réellement inclinée. Cette huile sur toile 28 x 40 cm a été vendue pour $ 8,1M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2017.

Bien des années plus tard, Matisse tente un axiome selon lequel Cézanne était trop perfectionniste pour se tromper. Il découvre ainsi la dé-construction de la perspective dans les natures mortes les plus apparemment simplistes de Cézanne, un artiste trop en avance sur son propre temps.

8 févr. 2019

Les Bienfaits du Soleil

Le pointillisme est le processus fastidieux avec lequel Seurat et Signac appliquent leurs théories divisionnistes : des couleurs entremêlées génèrent mieux qu'un aplat une illusion optique d'homogénéité vibrante. Signac expérimente les couleurs les plus vives et tente de convaincre Seurat. Van Rysselberghe sera cependant le seul à le suivre dans cette voie.

En 1891 Seurat meurt soudain, à 31 ans. Signac, très choqué, essaye sans succès de promouvoir l'art de son ami. La même année Cross s'est installé au Lavandou pour des raisons thérapeutiques. Il conseille à Signac de venir reprendre vigueur sous le soleil du Midi.

Grand amateur de voile, Paul Signac part de Bretagne l'année suivante et atteint la mer Méditerranée par le canal du Midi. Il est ébloui par Saint-Tropez, petit village de pêcheurs qui est à cette époque uniquement accessible par la mer. Il s'y établit de façon durable. La beauté de ce village isolé du reste du monde satisfait sa recherche d'un paradis anarchiste sur terre.

Signac applique aussitôt ses théories artistiques au brillant soleil de Saint-Tropez. Le 27 février à Londres, Christie's vend au lot 26 une huile sur toile 65 x 81 cm peinte en 1892, identifiée dans son répertoire comme l'Opus 236 avec le titre "Le port au soleil couchant".  Les couleurs splendides sont mises en valeur par un dessin de style naïf dans le goût de Seurat.

L'Opus suivant, 237, est intitulé Maisons du port, Saint-Tropez. Signac offre ici un dessin moins poétique où le pointillisme trop visible vient brouiller l'envie de réalisme topographique. Cette petite huile sur toile 47 x 55 cm a été vendue pour $ 10,7M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2016.

7 févr. 2019

Le Défi de Venise

Une photo montre un couple âgé entouré des célèbres pigeons de la Piazza San Marco. Claude et Alice ignorent résolument la façade de la basilique qui est derrière eux : Monet n'est vraiment pas venu à Venise pour faire du tourisme.

Monet arrive à Venise le 1er octobre 1908. Il y séjourne deux mois et demi, avec ses toiles, ses palettes et ses couleurs. Le défi est immense : tous les artistes ont aimé Venise. L'interprétation du soleil au travers de la brume a déjà été faite, par Turner en 1841. Monet se concentrera sur les reflets du ciel et des pierres dans les clapotis des canaux et de la lagune.

La vue du Palazzo Contarini, vendue pour £ 19,7M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2013, peinte au début de son séjour, est intéressante par sa fausse maladresse. La composition strictement divisée en deux zones égales entre le monument et le canal, et sans horizon, repousserait un acheteur de cartes postales. L'attention est d'autant plus attirée sur la beauté des textures et sur les reflets multicolores.

Désormais sûr de la qualité de son art, Monet s'enhardit jusqu'à composer des vues topographiques du plus grand classicisme. Deux images presque identiques du Palais Ducal en vue rapprochée confirment que l'artiste est plus intéressé par l'atmosphère spéciale de Venise, qu'il appelle l' "enveloppe", que par les variations au fil des heures.

L'une d'elles, 81 x 99 cm, est conservée au Brooklyn Museum. L'autre, 81 x 93 cm, est estimée £ 20M à vendre par Sotheby's à Londres le 26 février, lot 6.

Quand Monet est revenu à Giverny, Bernheim-Jeune lui a acheté la plus grande partie de ses vues de Venise. Il a continué à les retravailler jusqu'à leur exposition triomphale en 1912. Après l'exposition il a encore modifié une des vues du Palais Ducal, à la recherche d'un rendu parfait de ses conceptions artistiques.

La peinture qui vient en vente est probablement l'oeuvre qui a été ainsi améliorée en 1912 ou 1913. L'équilibre des nuances est très réussi, sans couleur dominante bien que les détails de la palette soient vifs. La texture de la surface de l'eau est d'une grande régularité. Le majestueux palais apparaît flou, comme dé-focalisé : il n'était pas le thème majeur de l'image.

Je vous invite à regarder la courte vidéo partagée par Sotheby's.

3 févr. 2019

Quelques Milliers de Dollars

Le Gold Certificate de 1000 $ de la Série de 1882 est un type rare du fait de sa forte valeur et malgré une production qui s'étend jusqu'en 1906. Il existe sept combinaisons des signatures du Register of the Treasury et du Treasurer of the United States, numérotées 1218 et de 1218b à 1218g par Friedberg plus la variante 1218a avec la signature additionnelle d'un Assistant Treasurer. Les valeurs supérieures, $ 5000 et $ 10000, sont encore plus rares.

Dans cette série, aucun $ 1000 antérieur à 1218d n'est en mains privées. La découverte d'un trésor incluant un exemplaire de chaque variante 1218d à 1218f a significativement accru le recensement. La pièce la plus rare de cet ensemble était cependant le $ 500 de la même série. Ces quatre billets ont été vendus séparément par Heritage le 10 janvier 2014.

Tous les résultats référencés ci-dessous incluent le premium.

Le $ 500 a été vendu pour $ 1,4M par Heritage. Il a été rediscuté séparément dans cette chronique avant d'être vendu pour $ 900K par Stack's Bowers le 25 octobre 2018 en provenance de la collection Anderson.

Le 1218d a été vendu pour $ 880K par Heritage en 2014. Il est gradé Very Fine 35 par PCGS. Un seul autre exemplaire est en mains privées. Gradé Extremely Fine 45 par PCGS, il a été vendu pour $ 1,1M par Lyn Knight en juin 2006 puis pour $ 720K par Stack's Bowers le 16 août 2018 en provenance de la collection Anderson.

Le 1218e a été également vendu pour $ 880K par Heritage en 2014. Le catalogue incluait une vidéo. Gradé Very Fine 35 par PCGS Currency et provenant maintenant de la collection Anderson, il est estimé $ 400K à vendre par Stack's Bowers à Baltimore le 28 février, lot 4043. Cette variante s'applique aux signatures Rosecrans-Nebeker, de 1891 à 1893.

Un autre 1218e a fait surface encore plus récemment. Gradé Very Fine 30 par PMG, il a été vendu pour $ 600K par Heritage en janvier 2018. Le seul autre 1218e en mains privées, illustré dans les anciennes éditions de Friedberg, n'est pas localisé. Deux 1218e sont dans les collections fédérales.

Le 1218f a été vendu pour $ 294K par Heritage en 2014 et a été rediscuté séparément dans cette chronique avant d'être vendu pour $ 270K par la même maison de ventes le 3 août 2017.

Un 1218g provenant de la collection Anderson a été vendu pour $ 580K par Stack's Bowers le 22 mars 2018. Il est le meilleur de deux exemplaires en mains privées.

Les Duchesses de la Vapeur

Embauché en 1931 à l'usine de Crewe comme Chief Mechanical Engineer du London, Midland and Scottish railway (LMS), William Stainer est chargé de la modernisation des locomotives à vapeur qui tirent les trains express de passagers de la compagnie.

Les locomotives en configuration de roues 4-6-2 répondent à ce besoin. Introduites en 1933 avec les numéros de série 62** pour la LMS correspondant à 462** pour la British Railway, ces machines sont remplacées en 1964 par des locomotives électriques.

Les premières séries forment la Princess Royal Class. Il leur est adjoint à partir de 1937 la Coronation Class, avec des améliorations de performances et de rendement. Le troisième lot de la Coronation Class est composé des numéros 6230 à 6234. En 1939 la Duchess of Abercorn, numéro 6234, établit le record définitif de puissance pour une locomotive à vapeur Britannique. La Duchess of Sutherland, numéro 6233, est une des trois Coronation préservées et est maintenue opérationnelle.

Harry Powell a fait toute sa carrière comme coppersmith à l'usine de Crewe. Pour satisfaire un client exigeant, il réalise un modèle à l'échelle 1/8 de la Duchess of Buccleuch, numéro 6230, et de son tender en réutilisant les plans d'usine.

Ce modèle de gauge 7 1/4 inch mesurant 2,87 m de long est une réplique précise dans tous les détails, incluant couleur extérieure crimson, cuirs marron, inscriptions, plancher en bois, porte coulissante, chaudière en cuivre et tous les équipements. Cette réalisation livrée vers 1970 avait nécessité 18 000 heures de travail sur dix ans. Le modèle de la 6230 a été vendu pour £ 170K incluant premium par Dreweatts le 25 avril 2012.

Un autre modèle identique de la Duchess of Buccleuch avait été fabriqué en même temps par Powell, probablement pour son usage personnel. Il est estimé au-delà de £ 100K à vendre par Dreweatts à Donnington Priory, Newbury, Berkshire, le 12 mars, lot 23.

2 févr. 2019

Les Dollars Rainbow

En 1869 le gouvernement modifie le design de toute la gamme des Legal Tender Notes, de $ 1 à $ 1000. L'appellation Treasury Note qui figure sur ces billets ne doit pas être utilisée aujourd'hui pour éviter la confusion avec les Treasury Notes émis en 1890 pour acheter de l'argent. L'utilisation de papier bleu et d'une palette d'encres vert, bleu et rouge a valu à cette série le sobriquet de Rainbow Notes.

Les Rainbow Notes sont remplacées par de nouveaux designs à partir de 1874. Les $ 500 et $ 1000 figurent parmi les plus grandes raretés de la monnaie fédérale Américaine. Joel Anderson avait réuni un exemple de chaque dénomination. Ces neuf billets seront vendus séparément par Stack's Bowers à Baltimore le 28 février. Ils ont été gradés par PCGS Currency. Dans cet ensemble exceptionnel, seul le $ 1000 n'est pas PPQ.

Le $ 500 et le $ 1000 sont chacun le seul exemplaire de leur design en mains privées. Les deux $ 500 et le $ 1000 conservés dans les collections fédérales sont en moins bon état. Chacun de ces deux billets est estimé $ 1,5M. Le lot 4015 est le $ 500, gradé Choice About New 55. Le lot 4016 est le $ 1000, gradé About New 53.

Les basses dénominations, évidemment moins rares, méritent aussi une visite. Leur grade est supérieur ou égal à Very Choice New 64. Le $ 50 au lot 4012 et le $ 100 au lot 4014 sont le meilleur exemplaire gradé par PCGS pour leurs valeurs respectives. Chacun est estimé $ 300K.

Grâce à ses couleurs nuancées, la série de 1869 participe à la politique de prévention de la fraude. Le papier bleu avait été breveté en 1866 par la famille Willcox qui opéra de 1729 à 1886 dans son Ivy Mills de Pennsylvanie. En 1775 le papier du Continental Note avait été fourni par eux. Une bande polychrome servait déjà à décourager les contrefaçons.

Autour de 1869 le US Treasury encourage aussi le développement pour les timbres postaux et fiscaux d'un papier qui change de couleur quand le fraudeur enlève l'encre de l'oblitération avec un produit chimique. Ce papier est breveté en 1871 par James Willcox sous le nom de Chameleon Paper.

1 févr. 2019

La Liberté avec Marcy

Les intérêts divergent entre les producteurs d'or et d'argent. En 1873 le dollar d'argent est supprimé, sauf pour le commerce avec l'orient. Faisant face aux protestations des spéculateurs de l'argent, le congrès rétablit en 1878 le dollar d'argent et lui associe un certificat de dépôt remboursable en pièces d'argent.

La tendance va bientôt s'inverser. Pour faire face à la surabondance de l'argent, le congrès crée en 1890 le Treasury Note, un certificat de dépôt d'argent qui peut être remboursé soit en pièces d'or soit en pièces d'argent. Les spéculateurs sont alléchés par cette possibilité de jouer sur les deux métaux à la fois avec le même bout de papier.

Une nouvelle série de Silver Certificates est préparée en 1891 pour toutes les dénominations sauf le $ 500. Les plus hautes valeurs du Silver Certificate ne sont en effet plus attractives face à la concurrence du Treasury Note. On estime à seulement 8000 la quantité de $ 1000 imprimés, et à environ 5600 la quantité mise en circulation.

L'effort de redesign du $ 1000 avait pourtant été important. Côté face le portrait de William Marcy est transféré du côté gauche vers le côté droit. Le côté gauche est désormais illustré par une Miss Liberty accoudée sur un bouclier qui affiche la dénomination. En 1848 Marcy, secrétaire à la guerre, avait expédié un échantillon d'or du rush de Californie pour une expertise fédérale.

Cette image de Miss Liberty avait été préparée en 1877 pour une obligation. Pour ce qui concerne les billets, elle est limitée au $ 1000 Silver Certificate de la série 1891, faisant de cette émission la plus rare de toute la monnaie fédérale Américaine en terme d'illustration. Le dos complètement modifié change aussi de couleur d'encre.

Deux billets ont survécu. Le numero de série 1 est conservé au Smithsonian. L'autre, gradé Very Fine 25 par PCGS, est ainsi le seul en mains privées. Il a été vendu pour $ 2,6M le 11 juin 2013 dans une vente privée annoncée par Stack's Bowers. Il est estimé $ 2M à vendre par Stack's Bowers à Baltimore le 28 février, lot 4037.