Gauguin en Martinique

Paul Gauguin participe en mai 1886 à la 8ème et dernière exposition des Impressionnistes mais ce style ne lui convient plus. Cherchant ses racines culturelles, il fait son premier séjour en Bretagne, qui était encore passablement arriérée à cette époque et où la vie n'est pas chère.

Gauguin a abandonné depuis 1884 son emploi d'agent de change mais l'art ne compense pas. Ses difficultés financières et familiales deviennent critiques. Il croit trouver un eldorado par la campagne de publicités exaltantes et mensongères relatives à la construction du canal de Panama par les Français. Avec Charles Laval, un jeune artiste qu'il avait rencontré à Pont-Aven, il part en avril 1887 pour Panama.

Panama n'offre pas la richesse à ses ouvriers mais plutôt la malaria et la fièvre jaune. Nos deux aventuriers sont rapatriés en juin 1887 par un bateau français qu'ils quittent à la Martinique.

Sous les tropiques, Gauguin trouve l'ambiance de société primordiale qu'il n'avait pas assez ressentie en Bretagne. Du fait des différences raciales, il n'est plus handicapé par son tempérament bagarreur et chicanier. Il peint les couleurs vives du paysage et la vie rurale.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Chemin sous les palmiers, huile sur toile 89 x 60 cm, lot 18 estimé $ 6M. Le tweet ci-dessous est le détail du haut de l'image.

Après avoir vécu cinq mois dans une hutte en Martinique, Gauguin rapporte en France son enthousiasme enfin retrouvé, accompagné de dysenterie et de fièvre des marais. Il a développé aux Antilles une théorie de peinture d'imagination qu'il tentera en vain d'inculquer à van Gogh.

Painted in 1887, 'Chemin sous les palmiers' encapsulates Paul Gauguin's life-long interest in depicting the unfamiliar. Discover this highlight from #SothebysImpMod Evening Sale on 14 May in #NYC, on offer from The Levy Family Collection: https://t.co/O6aU6VFdGC pic.twitter.com/iZw703xITN

— Sotheby's (@Sothebys) April 26, 2019

Jeune Mariée et Chien

Picasso change de vie. En mars 1961 il épouse Jacqueline, sa muse depuis 1954. Pablo a 80 ans, elle a 35 ans. En juin les nouveaux mariés quittent Cannes pour s'installer à Mougins.

Dans leur vaste mas provençal, ils essayent d'avoir une vie ordinaire. Tous deux aiment les chiens. Le teckel Lump est rejoint depuis 1960 par un lévrier Afghan nommé Kaboul qui devient le favori de Jacqueline. Pablo réalise pas moins de six peintures à l'huile sur le thème de Jacqueline et de son gentil chien.

Le 14 mai à New York, Sotheby's vend Femme au chien, huile sur toile 162 x 130 cm peinte en 1962, lot 33 estimé $ 25M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

La femme est assise. Kaboul est debout sur ses quatre hautes pattes. Ces deux personnages sont dans une attitude statique. La position des mains de Jacqueline montre une intimité tranquille.

Curieusement leur traitement graphique est différent. Kaboul est presque réaliste, sauf que ses yeux hagards et son léger sourire ne sont pas des marques d'intelligence. Le visage de la femme est déstructuré en quatre angles de vue. L'oeil gauche et la bouche sont insérés dans deux profils contradictoires. L'oeil droit est vu de face et le portrait est complété sur le côté droit par une abondante queue de cheval.

Le Grand Deuil de Lee Krasner

Lee Krasner, la femme de Jackson Pollock, est une artiste d'une très grande créativité. Elle a su révéler le génie de son mari à lui-même et au monde tout en le poussant à travailler dans une grange isolée, protégée des tentations stériles de la grande ville.

Forte de ce succès, elle avait laissé sa carrière s'effacer derrière la gloire de Jackson. Quand il meurt en 1956, elle sait démontrer l'originalité de son art personnel. Inspirée par le biomorphique, son style est plus proche de de Kooning que de Pollock.

La mort de sa mère en 1959 est un évènement insupportable pour cette femme hypersensible. Elle revient s'approprier l'atelier dans la grange pour pouvoir peindre des toiles de très grand format. Ses oeuvres sont sans limites comme celles de Pollock, avec une énergie rageuse comme celle de Joan Mitchell et une obsession de la répétition comme Yayoi Kusama.

Son drame psychologique lui fait perdre le sommeil. Pendant toute la nuit, elle peint. Elle se souvient de son talent de coloriste et regrette d'avoir été amenée à travailler dans l'ombre. Elle choisit judicieusement des teintes neutres et subtiles qui n'ont pas besoin d'être améliorées par la lumière du jour, ambre, crème, sienne. Cette série de 24 peintures exécutées de 1959 à 1961 est intitulée Umber, qui signifie à la fois ombre et sienne.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 234 x 487 cm peinte en 1960, lot 29 estimé $ 10M. Elle est intitulée The eye is the first circle, qui est une citation mystique de Ralph Waldo Emerson recherchant la signification du monde. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Massive Lee Krasner Eyeing Record on Offer at Sotheby’s https://t.co/FBBYRL678d pic.twitter.com/XnlanaHsx9

— Art Market Monitor (@artmarket) April 26, 2019

Le Trône Laqué

L'art de la laque nécessite l'intervention de deux métiers, le laqueur et le ciseleur. Le laqueur couvre la surface de bois tendre de très fines couches de laque, l'une après l'autre, jusqu'à obtenir l'épaisseur désirée. Pour les épaisseurs importantes, ce travail peut durer plusieurs mois. Le ciseleur exécute dans cette épaisseur les figures demandées.

Le 14 mai à Londres, Christie's vend un large fauteuil laqué, lot 60 estimé £ 800K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Ce grand meuble est très finement ciselé sur toutes ses surfaces sauf bien sûr l'assise proprement dite, avec une profondeur de laque qui a nécessité 100 à 150 couches. Dans un extrême raffinement, trois couleurs ont été utilisées, un classique rouge cinabre en surface et de l'ocre et du vert dans les sous-couches atteintes par la ciselure.

Par son opulence et ses dimensions, 111 cm de haut, 115 cm de large et 86 cm de profondeur, ce fauteuil est un trône impérial. Son illustration inclut neuf dragons impériaux à cinq doigts qui poursuivent la perle de feu dans les nuées. La face arrière ajoute d'autres auspices incluant des chauves-souris et une paire de poissons.

Ce type de trônes a été réalisé sous la dynastie Qing, essentiellement pendant le règne de Qianlong. Les archives impériales ont enregistré pendant la neuvième année du règne, 1744 CE, la commande d'un trône laqué avec des dragons qui était destiné à un petit palais utilisé comme une loge de théâtre intime dans la cité impériale. Cette information ne permet pas une identification avec la pièce à vendre mais elle montre que ces meubles fragiles n'étaient pas des trônes de cérémonie.

Le catalogue de la prochaine vente cite en référence un trône Qing similaire, probablement antérieur. Sa laque était constituée de couches rouges, noires et vertes sur un fond brun et contenait des inclusions d'or. Ce lot a été vendu pour HK$ 13,8M incluant premium par Christie's le 29 mai 2007.

Etude pour un Cauchemar

Francis Bacon avait l'habitude de détruire ses propres oeuvres dès qu'elles ne lui convenaient plus. Presque tout a disparu. Une huile sur lin simplement intitulée et datée Painting 1946 a survécu parce qu'elle a été achetée très tôt par la galeriste Erica Brausen pour Graham Sutherland.

Painting est une oeuvre surréaliste. L'artiste avait d'abord voulu montrer un chimpanzé parce que les visiteurs aiment se reconnaître dans une peinture comme dans leur propre miroir. Le singe s'est transformé en oiseau de proie puis en une créature immonde encerclée par une barrière comme dans un musée.

Le succès de Painting a entraîné en 1949 le projet de la série des six Heads, également soutenu par Brausen. Avec une intensité croissante de I à VI, Bacon libère deux de ses obsessions majeures, l'instantané de la mort symbolisé par le hurlement de la vieille femme du Cuirassé Potemkine, et la vanité du pouvoir symbolisée par l'Innocent X de Velazquez.

Pendant plusieurs années Bacon peint des études associant ces hallucinations. Un pape impuissant est pris au piège sur son trône comme dans une cage. La ressemblance avec la scène du film d'Eisenstein est renforcée par le pince-nez cassé devant l'oeil tuméfié. Il n'a plus besoin de singe pour offrir au spectateur le miroir de son horreur.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend Study for a Head, huile et sable sur toile 66 x 56 cm peinte en 1952, lot 9 estimé $ 20M. Ce cauchemar est lourdement inspiré par le personnage du Potemkine. L'inspiration pontificale n'est pas évidente dans cet opus spécifique.

Bacon’s $20m ‘Screaming Pope’ Offered at Sotheby’s in May https://t.co/kyyUMlXYBh pic.twitter.com/RXRhEhRFL7

— Art Market Monitor (@artmarket) March 29, 2019

Elvis après la Soupe

Il y a une place pour l'art contemporain à Los Angeles. En 1957 Walter Hopps fonde la Ferus Gallery. Ferus est un mot qui sonne bien et s'écrit facilement, comme autrefois Kodak pour Eastman. A New York autour de Castelli, le Pop Art devient la merveille du temps. A partir de 1958 Irving Blum rejoint Ferus et assure le lien avec la côte Est.

En 1962 Blum expose à Ferus la série complète des 32 Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol. L'introduction de techniques mécanisées dans un processus artistique est incongrue et même scandaleuse. Les promesses de vente sont si faibles que Blum achète la série complète. Elle n'a pas été disjointe et se trouve actuellement au MoMA.

Blum persévère. En 1963 Ferus consacre à nouveau une exposition aux multiples de Warhol. Cette fois-ci le thème est fourni par le cinéma, la spécialité de Los Angeles. Warhol expose Elvis et Liz.

Dans cette exposition toutes les images d'Elvis Presley proviennent d'une unique coupure de journal de 1960 faisant la promotion pour un film intitulé Flaming Star. Elvis habillé en cowboy est debout de face, le pistolet dans la main droite. Cette image est maintenant identifiée sous le nom d'Elvis - Ferus Type.

Andy a fait toutes ses impressions sur une peinture d'argent évoquant l'écran d'un cinéma. Il a constitué ainsi un rouleau de 2,08 m de haut. Les images sont irrégulièrement espacées et parfois chevauchantes. L'artiste envoie le rouleau non découpé à Ferus avec les cadres, sans autre instruction que de réaliser une exposition très dense de tout cet ensemble. Il a trop de travail pour participer au montage et refuse l'invitation de Blum.

22 Ferus Types ont survécu, avec des figures simples, doubles ou multiples. Un Triple a été vendu pour $ 82M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014. Un étrange Double dont l'une des impressions est très faible a été vendu par Sotheby's le 9 mai 2012 et par Christie's le 17 mai 2018, à chaque fois pour $ 37M incluant premium.

Un Double Elvis dans un chevauchement normalement contrasté, 208 x 122 cm, est estimé $ 50M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 23 B.

Rothko entre Décoration et Méditation

En 1958 Mark Rothko accepte le contrat avec la société Seagram pour une série de peintures murales qui décoreront le nouveau restaurant Four Seasons. Le choix de couleurs sombres conçu par l'artiste est paradoxalement un dégoût de l'ambiance de luxe pour laquelle il effectue ce travail.

L'année suivante, alors que l'achèvement est proche, Rothko rompt brusquement le contrat et rend à Seagram l'argent qui avait été payé à l'avance. Il n'a pas donné d'explications claires concernant cette décision. L'artiste était certes caractériel, mais il faut surtout se demander pourquoi il avait accepté ce contrat qui allait à l'encontre de ses idées sociales.

Le mécanisme qui a abouti à cette colère a cependant une hypothèse plausible. Entre l'acceptation et le rejet du contrat, Rothko a fait un tour d'Europe. En admirant Michelangelo à Florence, il comprend le rôle majeur de l'environnement dans lequel une oeuvre est exposée. Il a une trop haute idée de son art pour devenir un décorateur de restaurant.

Le 16 mai à New York, Sotheby's vend une huile sur toile 175 x 127 cm peinte en 1960, lot 12 estimé $ 35M.

Cette composition est un hybride entre le dialogue de couleurs sombres, ici un rectangle bourgogne et un rectangle marron, et un rectangle blanc crémeux dans le bas de l'image. Cette opposition est rare dans l'oeuvre de Rothko. Elle peut être comparée à un Dark over light peint en 1954, vendu pour $ 30,7M incluant premium par Christie's le 17 mai 2018, pour lequel l'explication rationnelle était la simulation d'une fenêtre de lumière pour happer le spectateur vers cette oeuvre.

En 1962 John et Dominique de Menil découvrent la puissance expressive des tons sombres du style Seagram de Rothko. Ils sponsorisent à partir de 1965 un lieu de méditation qui convient beaucoup mieux à l'artiste qu'un restaurant de luxe et qui deviendra la Rothko Chapel.

Je vous invite à regarder les deux vidéos partagées par Sotheby's, dans les catégories First look et Expert voices.

Heureux comme un Poisson dans l'Air

Les mobiles ont été inventés par Calder. Construites autour d'un tronc ou pendues au plafond par une ficelle, ces oeuvres d'art bougent au gré des courants d'air. Elles sont attirantes par leur humour mais leur équilibre qui peut sembler précaire répond à la précision de conception de l'ingénieur. Les matériaux utilisés sont ordinaires.

Le 15 mai à New York, Christie's vend Fish, mobile à pendre 39 x 112 cm réalisé par Calder vers 1952, lot 14 B estimé $ 12,5M. Le contour de ce gentil poisson est réalisé avec quelques tiges de métal dans le style d'un dessin d'enfant. La bouche est grande ouverte. Le croisement de deux tiges lie le corps et la queue. La signature des initiales CA de l'artiste, réalisée en deux ficelles pliées, pend à cet endroit.

Dans cette armature subtile qui pourrait sembler rudimentaire, l'artiste a positionné un oeil et 33 écailles. Un cercle vide renforce la figure de l'oeil. Un morceau de verre cassé est noué par une ficelle dans chaque écaille. Chaque morceau de verre a une forme différente et les couleurs sont de la plus grande diversité. Le mouvement du mobile modifie l'effet de brillance de ces éléments colorés.

Réalisé en 1957, un poisson à pendre de 2,26 m de long a été vendu pour $ 26M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014 sur une estimation basse de $ 9M. Ce spécimen terrible est entièrement en métal peint en noir. Le corps est monobloc. La proie pend devant la bouche vorace. La queue est un mobile à trois branches dans le style classique de l'artiste avec un total de 14 plaques.

C'était l'Amérique

La vraie vie est un ensemble d'éléments disparates qui parfois surviennent simultanément. Robert Rauschenberg veut exprimer cette complexité. Il participe en 1952 au tout premier happening multidisciplinaire de l'art, organisé par John Cage. Sa frénésie à rassembler des objets hétéroclites de la vie de tous les jours le fait apparaître comme un suiveur de Duchamp.

Autour de mars 1962 Andy Warhol commence à utiliser la sérigraphie pour pouvoir facilement multiplier ses peintures. Après une visite en septembre à l'atelier de Warhol, Rauschenberg voit dans cette technique la possibilité de mêler des images découpées dans les magazines d'actualités avec des photographies de sa vie personnelle.

Rauschenberg réalise ses premiers essais dans cette technique mixte avec des impressions en noir et blanc. Il utilise la quadrichromie à partir du printemps 1963. Deux oeuvres 213 x 152 cm copient entre autres un portrait de Kennedy pendant la campagne présidentielle de 1960, la répétition du détail de son doigt pointé, et une image NASA de septembre 1963 montrant un astronaute flottant dans l'espace avec un parachute. Le titre, Retroactive, est un constat par l'artiste qu'après avoir été capté, un instant appartient inexorablement au passé.

Kennedy meurt en novembre 1963, plongeant ainsi encore plus dans le passé. En 1964 Rauschenberg, sympathisant des Démocrates, réutilise le portrait et le doigt dans une nouvelle composition qui inclut entre autres le logo Coca-Cola, un trousseau de clés et un hélicoptère de la guerre du Vietnam. Reléguée dans un coin, l'image NASA limitée au parachute montre bien que cet exploit technique disparaît progressivement du présent de l'artiste.

Cette huile et encre de sérigraphie sur toile 244 x 184 cm bizarrement intitulée Buffalo II est exposée de juin à octobre 1964 à la biennale de Venise, où Rauschenberg devient le premier Américain à recevoir le Grand Prix International de Peinture. Considérant que son message a été reçu, l'artiste détruit les écrans de ses images élémentaires pour se consacrer à d'autres recherches conceptuelles.

Buffalo II est estimée $ 50M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 5 B. Je vous invite à regarder la video préparée par Christie's dans laquelle cette oeuvre est commentée par le fils de l'artiste.

Rauschenberg’s Buffalo II Leads Mayer Collection at Christie’s https://t.co/PWxCYKncT5 pic.twitter.com/pBQ1lnacqk

— Art Market Monitor (@artmarket) March 1, 2019

Le Président des Salons

La peinture académique était la reine incontestée des Salons où les avant-gardes étaient exclues et vilipendées. Tous les peintres ont besoin d'expositions publiques pour se faire connaître et pour vendre leur art. Ils créent des évènements parallèles : le Salon des Impressionnistes en 1874, le Salon des Indépendants en 1884. Le Salon officiel subit aussi une mutation. En 1881 Jules Ferry, ministre de l'Instruction publique et des Beaux arts, privatise son organisation.

William Bouguereau symbolise l'académisme français. Son dessin et ses couleurs sont impeccables. Les thèmes sont secondaires, simple prétextes pour montrer la beauté de jeunes adultes nus ou presque nus. Il devient en 1876 membre de l'Académie des Beaux-Arts, en 1881 président de la Section Peinture du nouveau Salon et en 1883 Président de la Société des Peintres, Sculpteurs, Architectes et Graveurs.

Monsieur le Président doit montrer l'exemple pour promouvoir sa conception artistique. Pour ses contributions personnelles au Salon, il peint désormais ses personnages en grandeur nature sur des toiles de 3 mètres de haut.

Le point culminant de cette tendance est La Jeunesse de Bacchus, huile sur toile 330 x 610 cm terminée en décembre 1883, datée 1884 et exposée au Salon de 1884. Cette frise met en scène trois groupes dansant au soleil tandis que Silène d'un côté et deux centaures jouant de la flute de l'autre côté restent dans l'ombre du bois. Bacchus est un enfant de quatre ans aux cheveux bouclés comme le petit-fils de l'artiste. Juché sur les épaules d'un homme, il domine la joyeuse bacchanale en brandissant une cymbale.

Après l'Exposition Universelle de 1889, Bouguereau refuse de vendre cette oeuvre. Elle attend dans son atelier Parisien une autre opportunité de soutenir son style de plus en plus périmé. Elle est estimée $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 38.

Je vous invite à regarder les deux vidéos partagées par Sotheby's. L'une d'elles montre la difficulté de sortir cette toile monumentale de l'atelier de l'artiste avec son cadre estimé à 600 Kg. L'image a été trouvée sur Wikimedia.

Un Mangeur de Carotte

Jeff Koons a commencé sa carrière d'artiste en regroupant des moulages et des ready-mades dans des expositions en solo ou en groupe. En 1979 Inflatables assemble des fleurs en vinyle avec des miroirs. Il expose Equilibrium en 1983 et Luxury and Degradation incluant le train Jim Beam en 1986.

Avec Statuary en 1986 et Banality en 1988, Koons pousse le kitsch au rang d'un art majeur : son exploitation sans limite de la société de consommation est ultra-moderniste, dans la suite des objets ordinaires démesurément grandis par Oldenburg.

Statuary regroupe dix sculptures en acier inoxydable. La terrible banalité de cet ensemble est rompue par les deux plus hautes pièces en opposition totale de style : un buste de Louis XIV de 117 cm de haut et un lapin de 104 cm de haut. Avec ce Rabbit, Koons réalise une superbe promotion pour son propre art. L'antécédent le plus proche est son unique Bunny qui s'était glissé dans sa série précédente des fleurs gonflables.

Le nouveau lapin a des formes épurées, sans visage. Il apporte à l'emplacement de sa bouche une carotte dans laquelle certains visiteurs voient un symbole sexuel, une impression renforcée par l'information selon laquelle l'acier a été moulé sur une poupée gonflable. Les spectateurs satisfont leur propre ego en se contemplant dans la surface miroir du lapin. Les déclarations de l'artiste entretiennent complaisamment toutes ces ambiguïtés.

Après ce grand succès de son lapin, Koons comprend que d'autres figures ou jouets très stylisés et démesurément agrandis auront un impact considérable sur le public. Ses Celebrations, conçues à partir de 1994 avec des couleurs variées, offriront un effet de miroir similaire.

Rabbit a été édité en trois exemplaires plus une épreuve d'artiste. Le numéro 2/3 est estimé $ 50M à vendre par Christie's à New York le 15 mai, lot 15 B. L'épreuve d'artiste de Louis XIV a été vendue pour $ 10,8M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015.

Si Newhouse’s Koons Rabbit Leads 11 Works from Collection at Christie’s in May https://t.co/WEg112aIM3 pic.twitter.com/Xk8sP7ZiRP

— Art Market Monitor (@artmarket) March 27, 2019

Un Baby Breveté

En 1837 Samuel Colt fonde avec plusieurs actionnaires la Patent Arms Manufacturing Company pour exploiter son brevet de pistolet à cylindre tournant. L'usine est située à Paterson NJ.

La production commence avec des fusils et avec le modèle No. 1 de revolver. Le No. 1 utilisant le calibre 0.28 inches est le modèle de poche conçu pour l'auto-défense. Il est surnommé le Baby Paterson. Des modèles de plus gros calibres suivent peu après : No. 2 et No. 3 pour la ceinture et No. 5 pour l'étui.

Agé de seulement 23 ans, Colt est très en avance sur son temps pour ce qui concerne la production de chaîne avec des éléments interchangeables. Cela ne suffit pas. Les utilisateurs sont déroutés par le cinq coups. Ils n'apprécient pas qu'il faille démonter partiellement le canon pour recharger, ce qui empêche de faire cette opération à cheval. L'armée n'est pas intéressée.

La production est bien en place mais les ventes sont catastrophiques. Un bilan effectué en juillet 1839 établit que 490 No. 1 ont été assemblés mais seulement 128 ont été vendus. La faillite est inévitable malgré deux améliorations de dernière minute, le très attendu levier de chargement automatique et les épaulements arrondis. En décembre 1842 John Ehlers qui avait été l'actionnaire principal rachète le stock dans une vente aux enchères judiciaire et continue l'assemblage et la vente jusqu'à épuisement du stock.

Le 4 mai à Rock Island IL, RIAC vend un Colt No. 1 en état quasiment neuf avec sa boîte et ses accessoires, lot 1007 estimé $ 450K. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Ce Baby a gardé 98 % de son polissage bleu d'origine. Il a les épaulements arrondis mais n'a pas le levier de rechargement, ce qui permet de dater son assemblage en 1839 ou 1840. Le levier était si indispensable que beaucoup d'exemplaires assemblés ont été modifiés en usine. Les Colt Paterson restant dans leur configuration d'origine sont rares.

Un Baby de présentation ou d'exposition avec une crosse en nacre, une gravure d'usine et un canon extrêmement court a été vendu pour $ 410K incluant premium par RIAC le 25 avril 2015. Un Colt-Ehlers Improved No. 1 a été vendu pour $ 470K incluant premium par la même maison de ventes le 30 novembre 2018. Ces deux revolvers ont conservé leur bleu d'origine à 95 %.

La Beauté d'Antinous

La pax romana n'est pas facile à maintenir. Hadrien sillonne son immense empire pour consolider les frontières. Philhellène convaincu, il joint à sa mission politique une tentative de régénérescence de la culture Grecque.

Hadrien part de Rome en 128 CE pour un tour de la Méditerranée orientale. En 130 il exhibe à ses côtés un jeune homme d'une beauté exemplaire qui a atteint le rang de favori. Né en Bithynie avec des racines Grecques, Antinous a à peine 20 ans. Il avait probablement été formé depuis plusieurs années pour faire partie de la suite personnelle de l'empereur. Sa biographie est limitée à deux anecdotes.

En Libye vers septembre 130, il participe à une chasse au lion au cours de laquelle il est sauvé par l'empereur lui-même. Pourtant Hadrien était malade depuis plusieurs années. Ce premier épisode héroïque pouvait faire comparer Antinous à Hercule.

Un mois plus tard, Antinous meurt en tombant dans le Nil pour une raison inconnue. Pour les Egyptiens superstitieux, son sort est comparable à celui d'Osiris. Sans attendre que le corps soit momifié, Hadrien élève son ami au rang de déité et fait multiplier les lieux de culte dans tout l'empire. L'hypothèse d'un sacrifice prémédité par l'empereur pour promouvoir ses ambitions philhellènes ne peut pas être écartée.

L'iconographie posthume d'Antinous est abondante avec une grande répétitivité du portrait et de la coiffure, répondant probablement à un modèle approuvé par l'empereur. Après la mort d'Hadrien en 138 CE, le culte perdure mais le renouvellement des images n'est plus utile aux courtisans flagorneurs.

La beauté d'Antinous continue aujourd'hui à susciter l'admiration. Un buste en marbre plus grand que nature avec le nez cassé a été vendu pour $ 24M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010 sur une estimation basse de $ 2M.

Les gemmes gravées ont une bien meilleure conservation que le marbre ou la monnaie. Le 29 avril à New York, Christie's vend une intaille de 3,4 cm de long en chalcédoine noire qui est considérée comme le plus beau portrait existant d'Antinous. La tête est complète mais les bords cassés ont été remplacés depuis un temps immémorial par un disque d'or. Ce bijou qui pouvait être utilisé comme un sceau est estimé $ 300K, lot 37.

Entre Moisson et Neige

La série des Meules peinte par Monet après la moisson 1890 n'a pas été préméditée. Les meules de foin sont installées dans les champs comme des sémaphores provisoires qui rompent la surface monotone dépourvue de ses plantes.

Monet aime ce thème qui est typique de la vie à la campagne sans nécessité d'y adjoindre des humains ou des oiseaux. Il commence par cinq paysages dans lesquels deux meules sont éloignées l'une de l'autre.

Selon la chronologie établie par Wildenstein, la sous-série suivante est composée de deux huiles sur toile 73 x 93 cm peintes pendant l'automne 1890. L'alignement de deux meules mène jusqu'aux grands arbres de l'horizon, à contre-jour dans les derniers rayons du soleil couchant. Pour la première fois le reste de l'image est minimisé. La prédominance de l'expression des couleurs sur le thème et la forme ouvre la voie à l'art moderne.

La seconde de ces images, W1273, va encore plus loin en réussissant à éviter les ombres portées des deux meules. Il ne reste plus que la lumière qui joue avec les contours des meules et des arbres et révèle les couleurs chatoyantes du champ. Elle a été datée 1891 par l'artiste, certainement par référence à l'année de la première exposition publique de la série, dans la galerie de Durand-Ruel.

W1273 sera vendue par Sotheby's à New York le 14 mai, lot 8. Le communiqué de presse du 15 mars annonce une estimation au-delà de $ 55M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

La nature profonde d'un paysage ne peut plus être exprimée par un simple instantané. Dans cette série qui se termine en janvier 1891 et totalise 25 peintures, Monet a capté 25 moments de lumière d'une grande variété : matin, soir, plein soleil, neige, brume. Dans les dernières images la couleur vient également sublimer la perspective avec la réduction du thème à une seule meule. Prise également au crépuscule, W1290 a été vendu pour $ 81M incluant premium par Christie's le 16 novembre 2016.

An enduring symbol of Impressionism from Claude Monet's iconic Haystacks series will lead an important private collection of 8 Impressionist works on offer in #SothebysImpMod Evening Sale on 14 May in #NYC. Learn more: https://t.co/B4xVl8QWFA pic.twitter.com/SMDorfOowE

— Sotheby's (@Sothebys) March 15, 2019

Un Masque pour la Réincarnation

Contre les dangers de la forêt humide, plusieurs groupes maintenaient des sociétés secrètes avec un double rôle : terroriser les malveillants et communiquer avec les ancêtres. Citons au Gabon le Ngil des Fang et au Mali l'ethnie Bambara.

Pour les Songye du Congo, cette activité est confiée aux Bifwebe. Ce mot est le pluriel de Kifwebe. L'homme Kifwebe porte un déguisement complet qui le transforme en une créature surpuissante. De son origine humaine, il garde la position debout. Il parle avec une étrange voix de fausset et pousse des rugissements de lion.

Les masques Bifwebe sont ornés d'un réseau de lignes ondulantes, qui n'imite pas le zèbre inconnu dans cette région mais plutôt une antilope. Le nez et la bouche ont des formes intimidantes qui évoquent le museau du crocodile et les épines du  porc-épic.

Des masques de femmes existent également, pour des utilisations différentes. Les Songye croient que c'est la réincarnation d'un ancêtre qui donne la vie au foetus. La femme Kifwebe porte le masque pour faciliter l'accueil de l'ancêtre dans son ventre, et aussi dans certaines applications du rite Lunaire.

Ces rares masques féminins n'ont pas la sévérité de leur contrepartie masculine. L'un d'eux, décrit avant 1930 dans la collection Walschot, est un chef d'oeuvre de l'art Africain par la vitalité des ondes du visage, d'un blanc pur de kaolin contrastant sur la peau sombre. Ce specimen a probablement inspiré directement Calder et les zèbres enlacés de Vasarely. Il sera vendu par Christie's à New York le 14 mai, lot 8.

Bonnard à Grasse

Pierre Bonnard est un inlassable découvreur des campagnes de France, d'Europe et d'Afrique du Nord. Dès qu'il le peut, il s'établit avec Marthe dans une nouvelle villégiature pendant quelques semaines ou quelques mois. Initié en 1909 aux délices et aux couleurs du Midi, probablement par Manguin, il séjourne de janvier à mai 1912 dans une villa à Grasse.

Grasse est une des capitales mondiales de la parfumerie. La période choisie pour ces vacances est propice à la sensation d'une renaissance de la végétation Méditerranéenne.

Le 13 mai à New York, Christie's vend La Terrasse, huile sur toile 125 x 134 cm peinte à Grasse, lot 42A estimé $ 5M.

Cette grande image est typiquement post-Impressionniste. Les couleurs douces et variées sont entremêlées et souvent complémentaires, construisant des formes parfois indistinctes. La composition est divisée en deux parties. Le bas est intimiste : la terrasse ensoleillée est fermée par une balustrade interrompue par une haute arche. En haut, le paysage est à moitié caché derrière un épais bosquet de palmiers et d'orangers.

La Terrasse n'est pas une vue réaliste mais l'interprétation d'un moment ou d'une ambiance, qui immerge l'observateur jusqu'à imaginer qu'il a pris la place du peintre.

La vision des détails est mystérieuse. Le personnage au premier plan à droite est soit l'artiste soit Marthe. Deux petits chats déambulent. Le troisième chat sur un tabouret est raide comme une Bastet. Son énigme est résolue quand une observation plus attentive révèle à côté de son tabouret une tête de chien en plâtre.

La Rolex Stelline

Avec les références 6062 et 8171, Rolex se lance en 1950 dans les montres-bracelets de haute complication. La combinaison inclut un triple calendrier composé de deux guichets et d'une aiguille centrale, ainsi que les phases de la Lune. La principale différence entre les deux références est que la 6062 est une Oyster et que la 8171 n'est pas étanche.

Le 13 mai à Genève, Christie's vend une 6062 faite vers 1952 qui groupe deux caractéristiques désirables : le boîtier en or rose et le cadran stelline. Ce cadran est un des plus élégants avec les chiffres des heures remplacés par huit étoiles, trois flèches et une couronne. En superbe état, elle est estimée CHF 1M, lot 203.

Les 6062 stelline en très bon état obtiennent toujours de très hauts résultats. Les prix ci-dessous incluent le premium.

La Dark Star, ainsi nommée parce que l'oxydation naturelle de son cadran est intacte, a été vendue pour $ 1,57M par Christie's le 6 décembre 2018. Son boîtier est en or jaune.

Phillips a vendu pour CHF 1,26M une montre en or rose le 8 novembre 2015. Une rare et spectaculaire 6062 stelline à cadran laqué noir a été vendue pour CHF 900K par la même maison de ventes le 15 mai 2016.

Le cadran noir de la 6062 spécialement re-dessinée en 1952 pour Bao Dai est peut-être inspiré de la stelline, avec de vrais diamants remplaçant les étoiles. Cette montre a été vendue pour CHF 5,1M par Phillips le 13 mai 2017.

Thérèse grandit

Les frères Klossowski grandissent dans une ambiance intellectuelle. Leur père est historien d'art. Leur mère, élève de Pierre Bonnard, devient après la première guerre mondiale l'amante de Rainer Maria Rilke. Gide encourage les deux garçons. Pierre cherchera à concilier le surréalisme et la pornographie. Balthasar deviendra Balthus.

En 1935 l'autoportrait de Balthus en roi des chats inaugure l'univers étrange de l'artiste. Le jeune homme apparaît comme normal excepté de trop longues jambes auxquelles un chat vient se frotter. Balthus laissera toujours l'observateur identifier la signification de son art. Le chat est venu pour un câlin, ou pour débarrasser sa fourrure de ses puces, ou pour aduler son roi autoproclamé.

L'année suivante l'artiste observe les enfants de ses voisins. Thérèse a 11 ans et Hubert deux ans de plus. La fillette arbore l'expression maussade de la pré-adolescence, cette phase pendant laquelle le corps est encore inachevé. De 1936 à 1939 Balthus réalise dix portraits de ce jeune modèle.

Les groupes d'influence contemporains ont vigoureusement protesté en 2017 contre l'érotisme de ces images d'enfants. Ils ont regardé les cuisses nues et la jupe parfois soulevée jusqu'à laisser entrevoir le sous-vêtement. La fillette effectue des contorsions qui conviennent à son âge. Si l'on met à l'index les portraits de Thérèse par Balthus il faut y joindre les danseuses de Degas. La perversité réside essentiellement dans la perception faite par l'observateur qui doit être protégé contre lui-même. Balthus avait vu juste.

Le 13 mai à New York, Christie's vend Thérèse sur une banquette, huile sur panneau 73 x 92 cm peinte en 1939, lot 8A estimé $ 12M.

Thérèse a encore à 14 ans son corps gracile d'enfant. Insouciante de sa propre attitude, elle est affalée sur la banquette, une main au sol et l'autre main levée pour faire balancer une ficelle. Elle regarde vers le bas. Une fois n'est pas coutume, une autre oeuvre peinte la même année fournit une information supplémentaire : un chaton saute pour attraper la balle qui pend à la ficelle.

The trophy masterpiece by Balthus expected to fetch £9m at Christie's https://t.co/gHmsjcFrLw via @TelegraphLuxury

— Colin Gleadell (@colingleadell) April 9, 2019

Le Superbe Automne

L'arrivée de Vincent van Gogh en Provence marque le début d'une frénésie créative qui n'est interrompue que par ses crises de démence. Il cherche encore et toujours à varier ses thèmes et ses styles pour devenir le meilleur artiste du monde.

La Nuit étoilée, huile sur toile peinte en juin 1889 à l'asile de St-Rémy, est sans précédent dans l'histoire de l'art. Vincent a d'abord voulu peindre les couleurs de la nuit. Pour qu'elles soient bien visibles il a démesurément grossi la Lune et les étoiles qui sont devenus des tourbillons de couleurs.

La Nuit étoilée est aussi un paysage avec le village de St-Rémy et les Alpilles. Il est dominé par un arbre isolé flottant au premier plan, démesuré et asymétrique. Avec sa longévité et ses feuilles persistantes, le cyprès est le symbole de la vie éternelle et l'arbre des cimetières.

En octobre 1889 la nature offre une satisfaction à Vincent : l'automne est superbe. L'artiste peint les couleurs du jardin. Avec une texture constituée de lignes violentes, le coup de pinceau a intégré le style de la Nuit étoilée. Au premier plan deux ou trois troncs minces se tordent. La seule référence verticale dans cet univers qui bascule est le grand cyprès, au loin, avec la même asymétrie que l'arbre de la Nuit étoilée.

Parc de l'hôpital Saint-Paul, huile sur toile 67 x 52 cm, a été vendu pour £ 9M incluant premium par Christie's le 23 juin 2010.

Peinte avec des couleurs éclatantes, Arbres dans le jardin de l'asile, huile sur toile 42 x 34 cm, sera vendue au lot 15A par Christie's à New York le 13 mai. Le communiqué de presse du 27 mars annonce une estimation aux alentours de $ 25M.

Le Temple Inachevé

Modigliani est facilement convaincu par Brancusi que la taille directe de la pierre apporte à l'art sa plus grande pureté. Opposés au réalisme de Rodin, les deux artistes tentent un art conceptuel que leurs détracteurs apparentent au cubisme encore très contesté à cette époque.

De 1909 à 1914 Modigliani est obsédé par un projet unique : construire un temple à la beauté féminine. Pour prévoir un toit à son temple, il dessine inlassablement des figures de caryatides qu'il appelle ses colonnes de tendresse.

Autour de 1911 il exerce enfin ses talents incontestables pour la sculpture avec une série de têtes de femmes en calcaire et en grès. Ces têtes très allongées au long cou sur une base cubique se ressemblent entre elles mais les détails des physionomies sont différents. Les hauteurs variées montrent bien que la conception globale du temple est loin d'être figée.

Tous les critiques d'art ont cherché les modèles et les styles qui ont généré la beauté intemporelle des têtes de femmes de Modigliani. Elles sont en fait une synthèse des conceptions esthétiques de tous les temps et de toutes les cultures.

Modigliani a sculpté environ 25 têtes. En 1911 cinq d'entre elles sont reconnaissables par photographie dans une exposition spécifique organisée avec l'aide de Brancusi dans le vaste atelier d'Amadeo de Souza-Cardoso. En 1912 le Salon d'Automne aligne sept Têtes dans la Salle des Cubistes.

En 1913 Modigliani sent que son projet de temple est prêt. Il choisit d'utiliser le marbre et visite Carrare. Il sculpte alors une unique caryatide. Sa santé fragile ne permettra pas d'en faire plus. Il abandonne son grand projet et redevient un peintre de portraits.

Une Tête haute de 64 cm exposée par Souza-Cardoso et au Salon d'Automne a été vendue pour € 43M incluant premium par Christie's le 14 juin 2010. Une Tête du Salon d'Automne haute de 73 cm a été vendue pour $ 71M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2014. En calcaire comme les deux exemples ci-dessus, une Tête haute de 51 cm sculptée vers 1911-1912 sans historique ancien d'exposition est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 13 mai, lot 31A.

On May 13 we will offer Amedeo Modigliani’s limestone sculpture, 'Tête', circa 1911-1912, in our New York Evening Sale of Impressionist and Modern Art.

Find out more: https://t.co/gMtuCZPqy8 pic.twitter.com/Tia9YIKeZC

— Christie's (@ChristiesInc) April 18, 2019

Les Anges Funéraires de Fugger le Riche

Fugger est une famille de banquiers établis à Augsbourg puis également à Nuremberg. Leur influence culmine avec Jakob Fugger qui parvient à obtenir le monopole du cuivre Européen. Surnommé de façon très appropriée 'le Riche', Jakob est un philanthrope, un amateur d'art et un catholique dévot.

Avec un de ses frères et également au nom d'un autre frère récemment décédé, Jakob le Riche fait construire à Augsbourg de 1509 à 1512 une chapelle dans le goût de l'architecture funéraire Italienne, ce qui est une innovation pour l'époque. Pour la décoration de ce monument grandiose, il fait appel aux meilleurs artistes allemands : Dürer, Burgkmaier, Breu, Hans Daucher. Il meurt en 1525.

L'ameublement de cette chapelle est éparpillé entre 1817 et 1821 sous prétexte de modernisation. Il incluait un alignement de putti en calcaire beige d'environ 30 cm de haut sculptés par Daucher, groupés par paires sur une balustrade de marbre. Le nombre total des putti d'origine n'est pas identifié.

Chaque statuette montre un ange baby-face accoudé sur une sphère qui symbolise la vanité des occupations terrestres. Elle sont toutes différentes pour ce qui concerne l'expression du faciès, la coiffure, la position des jambes, la signification allégorique.

En 1921 la famille Fugger décide de restaurer la chapelle. Les recherches actives permettent de retrouver cinq putti répartis dans plusieurs jardins avoisinants. Ils sont conservés au Maximilian Museum d'Augsbourg.

Deux autres putti viennent d'être retrouvés au château de Beaurepaire à Martinvast près de Cherbourg, où leur présence n'avait jamais été identifiée. La provenance est cependant compréhensible : le château avait été acheté en 1867 par le banquier Arthur de Schickler pour son projet d'une extravagante résidence néo-Gothique avec un parc Mauresque.

Les putti de Martinvast ne forment pas paire entre eux mais séparément avec deux spécimens du Maximilian Museum. Ayant échappé dans leur grenier aux dégradations d'un stockage extérieur, ils ont conservé toute la finesse de la sculpture du maître. Il restent ensemble au lot 35 à vendre par Sotheby's à Paris le 16 mai. Le catalogue propose une date vers 1525-1530.

🔒 Chef-d’œuvre de la Renaissance allemande, un duo de putti provenant des Schickler-Pourtalès est à vendre le 16 mai, chez Sotheby’s à Paris. https://t.co/IRBoqL7yI7

— Le Figaro Premium 🗞 (@lefigaropremium) April 18, 2019

La Vraie Olga

Le fils de Pablo et Olga Picasso, Paulo, est né en 1921. L'artiste émerveillé peint des maternités. Deux ans plus tard les choses ont déjà changé : la mère et l'enfant font l'objet de peintures séparées. Le couple ne va pas bien. Olga est de plus en plus mélancolique et introvertie, ce qui ne convient pas au tempérament de ce quadragénaire qui transfère ses fantasmes sur ses dessins érotiques.

En 1923 Picasso cherche un style. Après les Demoiselles d'Avignon et le Cubisme, il utilisait ses dons de dessinateur pour un néo-classicisme. Les mains et les pieds des personnages sont exagérés pour exprimer la majesté monumentale des déesses antiques. Picasso admirait un seul de ses prédécesseurs, Paul Cézanne. Dans cette même période ses natures mortes lui permettent de persévérer dans un cubisme où il cache des références érotiques qui pourraient déranger Olga.

En avril 1923 il peint trois grands portraits d'Olga, deux à l'huile et un au pastel. Le coup de pinceau d'une très grande finesse est un hommage à la beauté idéalisée de l'ancienne ballerine des Ballets Russes. Les tons d'une grande douceur montrent le besoin d'empathie que Pablo a encore avec sa femme, mais son désir érotique ne se porte plus sur elle.

Le 13 mai à New York, Christie's vend La lettre (la réponse), huile sur toile 100 x 81 cm, lot 64A estimé $ 20M. La jeune femme est assise pour écrire une lettre mais elle est entrée dans sa rêverie et n'utilise pas sa plume.

Ces trois portraits sont parmi les toutes dernières peintures de la période Ingresque de Picasso. L'année suivante, il ré-interprète radicalement le cubisme en remplaçant les aplats en forme de collages par une application aux figures humaines de la dé-construction de l'espace Cézannien. En 1928 le surréalisme permet à Picasso de cesser de différencier Olga et les autres femmes. Leur difficulté de communication mène inéluctablement à la rupture.

Christie’s Has Picasso Portrait from von Furstenberg https://t.co/cOyhrtxWeu pic.twitter.com/aeOecKdLqh

— Art Market Monitor (@artmarket) April 12, 2019

Les Mouvements de la Nappe

Pour Cézanne, l'oeuvre d'art est un défi. Le thème a peu d'importance puisque la nature peut être évoquée mais n'est jamais copiée. A partir du milieu des années 1880, il approfondit la nature morte de fruits sur une table comme un support de ses théories sur les formes, les couleurs et même sur le mouvement.

J'ai discuté récemment dans cette chronique une des premières natures mortes de cette phase, vendue pour £ 21M incluant premium par Christie's le 27 février 2019. La composition semble d'une simplicité naïve jusqu'à ce qu'on perçoive le déséquilibre de l'assiette. L'observateur attend le basculement qui fera rouler les fruits sur la table.

L'artiste va ensuite introduire une complexité croissante. Bouilloire et fruits, huile sur toile 49 x 60 cm peinte entre 1888 et 1890, offre le contraste dynamique entre un lourd pot posé sur la table et les fruits en équilibre précaire dans les plis de la nappe.

Cézanne retravaille chaque peinture inlassablement, cherchant une perfection qui n'existe que dans sa propre imagination. Parfois il s'arrête avant d'avoir fini. L'anse et le corps de la bouilloire sont disjoints. Un citron ou une pomme qui ne convenait pas à l'artiste a laissé quelques traces sans disparaître complètement.

Peu importe : la variété des formes et l'enchevêtrement des couleurs qui constituent les textures sont déjà satisfaisants. Cézanne accepte de vendre à un collectionneur cette oeuvre inachevée.

Bouilloire et fruits a été vendu pour £ 18M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 1999. Cette peinture est listée au lot 18A par Christie's à New York le 13 mai. Le communiqué de presse du 27 mars annonce une estimation aux alentours de $ 40M. Je vous invite à regarder la très courte video partagée par la maison de ventes.

Peinte en 1893 avec une inspiration similaire, Rideau, cruchon et compotier, huile sur toile 60 x 73 cm, a été vendue pour $ 60M incluant premium par Sotheby's le 10 mai 1999. Le compotier n'est pas posé sur la table.

11 works from the Collection of S.I. Newhouse will be offered at Christie's New York this May, led by Jeff Koons's 1986 sculpture, "Rabbit." Read more @nytimesarts https://t.co/bKE4KhdPbH

— Christie's (@ChristiesInc) March 27, 2019

Les Home Run Baseballs de Barry Bonds

Le home run est l'exploit autour duquel les règles du baseball ont été construites. Dans l'histoire moderne de ce sport, les deux plus importants records ont été battus.

Le plus grand nombre de homers en une seule saison était 61 par Roger Maris en 1961. Mark McGwire porte ce record à 70 homers en 1998 et Barry Bonds à 71 en 2001.

Le plus grands nombre de homers marqués dans les ligues majeures pendant une carrière était 755 par Hank Aaron en 1976. Barry Bonds égale puis dépasse ce record en août 2007. Le 5 septembre 2007, Bonds marque son 762ème et dernier homer en ligue majeure. Il est soupçonné de dopage et ne parvient pas à obtenir un contrat pour l'année suivante.

La balle du 70ème homer de 'Big Mac' a été vendue pour $ 3M incluant premium par Guernsey's le 12 janvier 1999.

Réunies dans une seule vente malgré des provenances différentes, les balles des 755ème et 756ème homers de Bonds ont été vendues respectivement pour $ 187K et $ 750K incluant premium par SCP le 15 septembre 2007.

La balle du 762ème homer de Bonds a été offerte aux enchères par SCP le 12 avril 2008. A cette date il y avait encore un doute sur la possibilité du joueur de continuer sa carrière. Elle a atteint $ 376K incluant premium, prix annoncé le jour même à la presse par la maison de ventes mais non confirmé dans la liste de résultats, ce qui pourrait être un impayé.  Elle est listée au lot 61 par Goldin Auctions dans une vente en ligne qui se termine le 11 mai.

Ces deux champions n'ont pas été élus au Baseball Hall of Fame. En 2010 McGwire a confirmé qu'il s'était dopé pendant la plus grande partie de sa carrière. Bonds a toujours nié.

Barry Bonds' home run ball, No. 762, is set to hit the auction block. https://t.co/w6iL1IkAzR

— TMZ Sports (@TMZ_Sports) April 14, 2019

Le Garde-Meuble de la Couronne

Le luxe du mobilier est un des éléments essentiels du prestige des rois de France. Henri IV crée une charge d'Intendant général des meubles de la Couronne. Cette administration organise les nouvelles commandes de meubles et d'objets pour les résidences royales et est responsable des inventaires et de la maintenance.

Des locaux sont dédiés à ces opérations. En 1757 le roi Louis XV décide la construction d'un hôtel spécialement conçu pour le garde-meuble. Opérationnel en 1772 et terminé en 1774, ce chef d'oeuvre d'Ange-Jacques Gabriel est aujourd'hui l'hôtel de la Marine, sur la place Louis XV achevée par le même architecte en 1772 et future place de la Concorde.

Successeur d'Oeben dont il a épousé la veuve, Jean-Henri Riesener est spécialisé dans les meubles de plus grand luxe. Il devient en 1774 Ebéniste ordinaire du mobilier de la couronne.

Les officiers du garde-meuble avaient leurs appartements dans le nouvel hôtel. En 1774 Riesener réalise une élégante commode en bois précieux et marqueterie pour la chambre à coucher de Mme Randon de Pommery, femme du Garde-Général. Cette commode 95 x 167 x 65 cm à ressaut avec trois tiroirs en frise et deux tiroirs sans traverse apparait comme un modèle qui sera réutilisé dans les années suivantes pour trois meubles livrés à des princesses de la famille royale.

Cette commode est estimée $ 700K à vendre par Christie's à New York le 30 avril, lot 51.

Le plus grand luxe est évidemment réservé pour le roi. Deux commodes ont été réalisées respectivement en 1776 et 1778 par Riesener pour le cabinet du roi Louis XVI à Fontainebleau. La seconde a été vendue pour £ 7M incluant premium par Christie's le 8 juillet 1999 sur une estimation basse de £ 1,5M. Ses dimensions et sa forme à ressaut sont comparables au specimen Randon de Pommery.

La commode Randon de Pommery, réalisée pour un officier du meuble, est aussi bien documentée qu'une commode royale. Elle avait été vendue pour 1350 livres. Il est instructif de comparer ce prix avec celui de la commode de 1776 pour Fontainebleau, 6870 livres. Le montant total des ventes par Riesener pour la cour de 1774 à 1784 a dépassé un million de livres.

Un Coran Mamelouk

La période Mamelouk d'Egypte connait paradoxalement son apogée avec un ancien esclave d'origine Circassienne nommé Qaitbay qui règne de 872 à 901 AH. Général nommé commandant en chef par un très éphémère Sultan, Qaitbay avait été l'homme de la situation par sa réputation de piété et par l'immense richesse qu'il avait accumulée depuis son affranchissement.

Pendant 30 ans Qaitbay a résisté avec succès aux ambitions de ses puissants voisins Ottomans. Malgré sa réputation conservatrice, il savait prendre des initiatives diplomatiques. La girafe qu'il envoya à Florence fut  la seule de son espèce à être vue en Europe entre l'antiquité et 1826 CE.

Il fut un grand bâtisseur. Comme ses prédécesseurs, il dotait ses établissements religieux avec des donations inaliénables identifiées en droit Islamique sous le nom de waqf. Les plus luxueux Corans de son règne sont calligraphiés dans le très grand format 107 x 80 cm appelé Baghdadi.

Le 2 mai à Londres, Christie's vend un Coran complet sur 311 folios sur papier crème semi-Baghdadi 68 x 45 cm, lot 11 estimé £ 500K. Ce Coran n'est pas un waqf et on ne sait pas pour quelle fondation il a été créé mais il est luxueusement dédié au Sultan Qaitbay. Son écriture est grande, facilitant la lecture à haute voix sur un lutrin.

Ce manuscrit est signé du nom personnel et du nom de courtoisie du scribe. Le surnom, al-Maliki al-Ashrafi, atteste d'une double allégeance à un haut personnage non identifié, peut-être simplement pour indiquer qu'il travaille dans l'atelier royal.

Il est daté du 21 Jumada I 894 AH, correspondant au 30 avril 1489 CE. Quelques détails de la réalisation montrent qu'il a été fait dans la plus grande urgence, avec des erreurs ôtées par un simple grattage de l'épais papier et même des omissions dans l'illustration. Cette hâte pourrait être liée à des problèmes de santé du Sultan vieillissant.

Tiges Spiralées pour Soliman

Le 1er mai à Londres, Sotheby's vend un plat creux en céramique d'Iznik de 28 cm de diamètre, lot 130 estimé £ 300K. Le large fond est entièrement décoré de cinq grandes spirales et quatre petites spirales de tiges foliées. Le bord extérieur est décoré plus classiquement de palmettes et de fleurs dans le style d'Iznik et Kutahya.

Le style de la décoration d'intérieur est identifié sous le nom de poteries de la Corne d'Or depuis la découverte de nombreux fragments à Istanbul entre 1905 et 1909 dans les fondations d'un nouveau bureau de poste. Des fragments retrouvés à Iznik en 1984 confirment que ce style a été utilisé dans ce site de production, ce qui n'exclut pas que des pièces similaires aient été faites à Kutahya.

Une bouteille fragmentaire conservée au British Museum est précieuse pour les historiens parce qu'elle est un des très rares exemples de céramique ancienne d'Iznik à porter une date. Cette date correspond à 1529 CE, neuf ans après le début du règne de Soliman le Magnifique. La décoration en spirale foliée est utilisée à la même période comme enluminure pour le fond décoratif du monogramme ou tughra de ce Sultan.

Les plats en poterie de la Corne d'Or ont des proportions variées, à la fois pour la largeur du bord et la profondeur du centre, sans doute sous influence Vénitienne, et le motif folié rappelle les marges enluminées dans les manuscrits chrétiens.

La décoration du plat à vendre est entièrement en bleu de cobalt. Une date vers 1530 ou légèrement antérieure est probable. Les pièces ultérieures incluent souvent du turquoise, du vert olive et du noir. Le style 'Corne d'Or' disparaît des poteries d'Iznik et Kutahya avant la fin du règne de Soliman.

Les pièces intactes sont extrêmement rares aux enchères. Un tondino décoré de huit spirales sur son large bord et d'une spirale sur son fond étroit a été vendu pour £ 210K incluant premium par Bonhams le 16 octobre 2003.

La Beauté Eternelle de Lucrezia d'Este

Antonio Canova a mis au point un traitement de surface qui donne à ses marbres le toucher velouté de la peau. Ses Teste Ideali, commencées en 1811, sont soit associées à la préparation d'une figure en pied ou d'un groupe, soit composées de façon autonome. Admirateur de Phidias, l'artiste apporte un grand soin à la symétrie du visage et à l'originalité de la coiffure.

Canova commence à travailler pour des clients anglais avant la fin de l'Empire Napoléonien. Un buste de la Paix sculpté en marbre en 1814 pour être offert à son meilleur patron britannique a été vendu pour £ 5,3M incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2018.

Dans sa figuration de l'idéal féminin de beauté, Canova ne se limite pas à des allégories. Il inclut aussi des figures littéraires, mythologiques ou historiques.

Une de ses toutes dernières oeuvres, vendue en 1822 à un banquier anglais, est un portrait de Lucrezia d'Este, la duchesse d'Urbino qui émerveillait ses contemporains par son visage dont les traits restaient juvéniles. Deux siècles et demi plus tard ses affaires extra-conjugales étaient pardonnées.

Ce portrait copie le triangle des joues et la petite bouche des images d'époque de la duchesse. La chevelure symétrique est tirée vers l'arrière pour former un gros chignon en forme de couronne, dégageant le haut front selon la mode de son temps. Des boucles de cheveux tombent sur les tempes.

Ce buste en marbre de 42 cm de haut sera vendu par HVMC à Monte Carlo le 27 avril, lot 121. L'image est partagée par Wikimedia avec attribution : ThéodoreBasbous [CC BY-SA 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)]

One of Canova’s Last Busts to Sell in Monaco https://t.co/kQ2fUgLmBc pic.twitter.com/49TpoCD8of

— Art Market Monitor (@artmarket) April 10, 2019

Les Légumes de Luis Melendez

Francisco Melendez était peintre miniaturiste au service de Felipe V. Quand le roi créa la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, don Francisco fut invité à participer. Il se souvient inopportunément qu'il avait suggéré au roi une telle institution quelques années plus tôt et revendique d'en être considéré comme son fondateur. Expulsé de l'académie en 1748, il entraîne son fils Luis dans sa disgrâce.

Luis Melendez était un artiste doué mais comme son père il était arrogant. Les grands thèmes et les portraits de cour lui étant maintenant interdits, il se spécialise dans les natures mortes avec des clairs-obscurs dans la tradition de Zurbaran.

Luis Melendez a réalisé une série de 44 peintures pour le cabinet d'histoire naturelle du prince des Asturies, futur roi Carlos IV, sur le thème unique de la glorification des fruits et légumes produits par le sol espagnol, accompagnés d'ustensiles locaux. 39 d'entre elles sont conservées au musée du Prado.

Ces éléments sont disposés harmonieusement sur une table devant un fond sombre, avec un grand soin apporté au dessin, à la texture et à la lumière. L'artiste a également peint des variantes pour son commerce. Une huile sur toile 37 x 50 cm typique de ce thème a été vendue pour £ 3,5M incluant premium par Christie's le 9 février 2012 sur une estimation basse de £ 2M.

En 1771 et 1772 pour le même prince, Melendez réalise quatre peintures plus ambitieuses, de 80 cm de large, dans lesquelles il dispose les fruits et légumes en premier plan très rapproché dans un paysage espagnol stylisé. Ces oeuvres sont également au Prado.

L'artiste peint dans le même style et probablement à la même période d'autres compositions d'inspiration similaire qui ne sont pas livrées au prince quelqu'en soit la raison. Une huile sur toile 62 x 83 cm montrant neuf artichauts accompagnés de tomates, poires et pois est estimée $ 2M à vendre par Christie's à New York le 1er mai, lot 106.

A nouveau en disgrâce pour son arrogance vers 1776, cette fois-ci après avoir réclamé des prix excessifs pour son art, cet artiste trop doué meurt dans l'indigence en 1780.

Archive 3620 par Vacheron Constantin

En 1992 Carole Lambelet et Lorette Coen publient un livre intitulé "L'Univers de Vacheron Constantin" pour lequel elles ont eu accès aux archives du fabricant de montres suisses fondé en 1755.

Une photo dans ce livre attire l'attention des plus enthousiastes : la montre-bracelet de forme tonneau qui répond au numéro d'archive photo 3620 et à la date de 1936 a des caractéristiques uniques. Le design du cadran offre une lisibilité superbe. La photo n'est pas suffisante pour que le fabricant retrouve la traçabilité.

La montre réapparait il y a quelques années après avoir passé plus de 60 ans dans une voûte en Amérique du Sud. Le cadran est différent de celui de la photo d'archive mais la montre a les mêmes caractéristiques rares : le calendrier rétrograde, le déclencheur de répétition sur la droite, la couronne tout en haut. On découvre alors que c'est une montre en or jaune 18K et qu'elle porte le monogramme de son propriétaire, FR.M.LL.

Avec les numéros du mouvement et du boîtier, Vacheron Constantin retrouve les courriers échangés par leur client, qui ont abouti à cet exploit unique de réunir dans une montre-bracelet la date rétrograde, c'est-à-dire une aiguille qui passe automatiquement de la position 31 à la position 1 en fin de mois par relâchement d'un ressort, et la répétition des minutes. Le client avait commandé deux cadrans, ce qui explique la différence avec la photo d'archive.

Le client direct était un détaillant de Madrid dont le nom est inscrit sur le cadran. Le client final, qui fournit à partir de décembre 1935 les schémas de ses exigences, est un Espagnol qui a fait fortune dans les mines du Chili. Son prénom est Francisco et sa montre est maintenant identifiée comme la Vacheron Constantin Don Pancho. Il ne savait peut-être pas que les combinaisons de complications dans une montre-bracelet constituent un exploit technique. La montre a nécessité quatre ans de développement et de mise au point. Elle a été livrée en janvier 1940.

A la sortie de la voûte, la montre Don Pancho était dans sa configuration d'origine mais endommagée par les mauvaises conditions de stockage. Vacheron Constantin a restauré le mécanisme en réutilisant au mieux les composants d'origine. Le cadran est refait à l'identique avec seulement le remplacement du radium par un autre matériau pour le remplissage des chiffres.

Accompagnée de son cadran d'origine et de duplicatas des documents d'archive, la montre Don Pancho est estimée CHF 400K à vendre par Phillips à Genève le 11 mai, lot 109. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes en association avec Bacs et Russo.

Geneva Watch Auction: NINE | Vacheron Constantin from Phillips on Vimeo.

Donnez la Balle à Wilt Chamberlain

Pour Wilt Chamberlain, la saison NBA 1961-1962 est celle de tous les records. Jouant dans l'équipe des Philadelphia Warriors, il marque en moyenne plus de 50 points par match pour un total approchant 4000 points. En 1986-1987 Michael Jordan ne marquera que 3041 points.

Le 8 décembre, Wilt avait marqué 78 points contre les Lakers de Los Angeles, battant le record du nombre de points marqués dans un seul match NBA établi l'année précédente par Elgin Baylor. Les observateurs sentent bien que Wilt "the Dipper" peut faire encore mieux avec ses 2,16 m et ses 25 ans.

Le 2 mars 1962 à Hershey près de Philadelphie, les Warriors reçoivent les Knicks de New York. Le match promet d'être banal. La salle est à moitié vide et la presse n'a pas daigné se déranger. Wilt apparaît en pleine forme. A la mi-temps son coéquipier Guy Rodgers dit : "Let's get the ball to Dip. Let's see how many he can get". Surexcitée par le speaker, la foule chante "Give it to Wilt".

Dans ce match sans prolongation, Wilt Chamberlain marque exactement 100 points, le dernier d'entre eux 46 secondes avant la fin du match sur la passe d'un coéquipier qui avait renoncé pour cela à un point facile. C'est le plus grand exploit de l'histoire de la NBA. Encore aujourd'hui personne d'autre n'a approché un tel résultat en un seul match. Kobe Bryant marquera 81 points le 22 janvier 2006.

Le match de Hershey est gagné par les Warriors sur le score épique de 169-147. Peu de souvenirs ont survécu mais une partie du terrain de jeu a été coupé en petits morceaux offerts aux supporters pour le 50ème anniversaire de l'exploit en 2012.

Le 11 février 2012, Grey Flannel a vendu pour $ 108K incluant premium la feuille de match officielle, agrémentée de la signature autographe du champion.

Dans une vente en ligne qui se termine le 27 avril, SCP Auctions vend au lot 355 une autre feuille de match, établie par le "statisticien" des Warriors. Ce document identifie clairement les 100 points marqués par le champion, dont l'enregistrement empiète largement sur la ligne prévue pour Rodgers. Ce document aussi est signé par Wilt Chamberlain.

Tucked away for 50 years, this signed scorecard from Wilt's 100 point game is coming to @SCPAuctions --->>> https://t.co/dzkjl1Sw17 pic.twitter.com/bJjgDx7UTf

— Sports Collector (@SportsCollector) February 13, 2019

Modèles Nucléaires

L'histoire de la physique est une suite de modèles destinés à expliquer les phénomènes expérimentaux. Un modèle est considéré comme validé quand son application ouvre la voie à de nouvelles découvertes. Les prix Nobel de physique attribués à Niels Bohr et à son fils Aage Niels Bohr permettent d'admirer l'immense chemin parcouru au XXème siècle, de la physique atomique à la physique nucléaire.

Les publications basiques de Niels Bohr, faisant suite aux travaux de Rutherford, décrivent l'atome comme un noyau autour duquel les électrons gravitent avec des variations d'énergie qui génèrent les photons. Cette théorie ouvrant la voie à la mécanique quantique est une des plus fécondes de l'histoire de la physique. Il a reçu le prix Nobel en 1922.

Dans les décennies qui suivent, les physiciens cherchent les propriétés intimes du noyau. Les premiers modèles sont essentiels pour affiner les théories mais restent incomplets. Le modèle de la goutte liquide proposé par Gamow avait le mérite d'expliquer la fission.

Les physiciens recherchent les exceptions de symétries. Le prix Nobel 1963 est attribué à Wigner, Goeppert Mayer et Jensen. En 1975 il récompense les travaux effectués entre 1950 et 1953 par Aage Bohr, Ben Mottelson et James Rainwater sur le mouvement des nucléons, aboutissant à la déformation ellipsoïde du noyau par une force centrifuge.

La médaille d'Aage Bohr est la toute première médaille Nobel offerte dans l'histoire récente des enchères. Accompagnée de plusieurs documents concernant les célébrations de ce Nobel, elle a été vendue pour kr 280K par Bruun Rasmussen le 13 novembre 2012. Cet ensemble sera vendu par Heritage à Chicago (Schaumburg) le 26 avril, lot 31879. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Heritage.

La médaille de Ben Mottelson a été vendue aux enchères par Bruun Rasmussen le 2 mai 2013 et listée par Pantbanken Sverige le 25 mars 2015.

Dernières Lueurs de l'Ancien Régime

Le roi Louis XV aimait les femmes. En 1769 il promeut comme favorite royale une jolie roturière, 33 ans plus jeune que lui. Pour respecter l'étiquette de la cour, il lui fallait un titre nobiliaire : elle devient comtesse du Barry par un mariage blanc.

En 1770 Marie-Antoinette devient dauphine de France. Elle est ouvertement hostile à la nouvelle comtesse. Malgré de bonnes prédispositions, Madame du Barry ne retrouvera pas le rôle de mécène et d'arbitre des modes qui avait été brillamment tenu plus tôt dans le même règne par Madame de Pompadour.

Louis XV meurt en 1774. Madame du Barry se retire peu après à son château de Louveciennes. En 1771 elle y avait fait construire pour ses réceptions le pavillon de musique qui est un chef d'oeuvre du classicisme français construit par Ledoux.

Madame Vigée Le Brun est devenue peintre officiel de Marie-Antoinette en 1778. Très habile dans les relations sociales, elle fait de jolis portraits des courtisans et de charmants portraits des femmes. Elle ne néglige pas la favorite déchue dont elle fait deux portraits, en 1781 et 1782.

En septembre 1789, Vigée Le Brun vient à Louveciennes. Elle commence un portrait de la comtesse. Le son du canon révolutionnaire interrompt cette activité. La tête a été peinte et le corps a été esquissé.

Trop proche de l'Ancien Régime, Vigée Le Brun doit s'exiler. Du Barry est guillotinée en 1793. L'artiste revient à Paris en 1802. Le comte de Narbonne-Lara lui restitue le portrait inachevé. Les Souvenirs de Vigée Le Brun attestent que l'achèvement de cette peinture est autographe mais la date n'est pas révélée.

Ce portrait posthume de Du Barry assise avec une robe élégante devant un paysage, huile sur toile 130 x 98 cm, est estimé $ 1M à vendre par Christie's à New York le 1er mai, lot 33. L'image est partagée par Wikimedia.

Le Glaive de Judith

La violence et la souffrance sont des thèmes usuels de la peinture chrétienne. Autour de 1598, quand Caravage développe le chiaroscuro, les martyres chrétiens et les scènes les plus atroces de l'Ancien Testament sont propices à une intensité dramatique sans précédent. Pour ce qui concerne les meurtres au couteau et à l'épée, il met en scène Isaac juste avant le sacrifice, et les figures décapitées d'Holopherne, Goliath et Jean-Baptiste.

Sa première version de Judith et Holopherne est une huile sur toile 145 x 195 cm peinte avant 1600. Son image, montrant les puissants soubresauts du général mourant avec l'épée profondément enfoncée dans la gorge, est très innovante.

La réalité rejoint la fiction. En 1606 Caravage tue un jeune aristocrate et s'enfuit de Rome où il est condamné par contumace à la mort par décapitation. Il peint peu après sa deuxième version de Judith et Holopherne que l'artiste-marchand Louis Finson tente de vendre en 1607.

Cette peinture était connue par une copie 140 x 160 cm attribuée à Finson, avec une technique soigneuse qui ne pouvait pas être confondue avec la touche fougueuse et spontanée du maître. En comparaison avec la première version, l'homme est presque identique mais Judith et sa vieille servante ont un role bien différent.

La première version montrait Judith écoeurée, proche du vomissement, mais qui conservera le courage de terminer son action. Dans la seconde version, elle est orgueilleuse et autoritaire, symbolisant l'application implacable de la justice. Ses habits sont devenus sombres pour mieux mettre en valeur l'expression du visage qui devient le thème principal de l'image.

La servante a changé de position pour mieux encourager Judith. Avec la laideur de son réseau de rides, elle restera intraitable jusqu'à la mort du condamné, à ce moment de la vie de l'artiste où il doit trouver une stratégie contre une décision de justice.

Un autre exemple de la seconde version a été découvert en 2014 dans un grenier à Toulouse par le commissaire-priseur Marc Labarbe. Le nettoyage de cette huile sur toile 144 x 174 cm, incluant le retrait des vernis opaques, a révélé les qualités qui manquaient à la copie par Finson. Authentifiée sous la direction du Cabinet Turquin comme étant l'original identifié en 1607, ce chef d'oeuvre sera vendu par Marc Labarbe à Toulouse le 27 juin.

La préparation de cette vente fait l'objet d'un site web dédié préparé par Labarbe et Turquin. L'image est partagée par Wikimedia.

Contour Breveté pour Coca-Cola

Les bouteilles de Coca-Cola étaient droites comme toutes les autres. En 1915 la Coca-Cola Bottling Company veut renforcer le succès du breuvage par une nouvelle forme qui pourra être reconnue au toucher dans le noir. Plusieurs verriers sont sollicités pour soumettre leur projet avec un échantillon.

Le concours est gagné en août 1915 par la Root Glass Company. Son concepteur Earl R. Dean a imité la forme ovale d'une fève de cacao dont les stries verticales apparaîtront embossées et non rainurées. La demande de brevet est déposée sous le nom de A. Samuelson le 18 août et acceptée le 16 novembre. C'est le tout premier brevet accordé par le Patent Office pour une forme de bouteille.

Le premier prototype n'était pas utilisable avec un convoyeur à bande, nécessitant une modification des diamètres. Deux prototypes de cette seconde version identifiée par Coca-Cola comme la 'classic contour bottle' ont fait surface récemment.

L'un d'eux, provenant de la succession d'Earl R. Dean, était accompagné de l'esquisse autographe réalisée en 1915 par l'inventeur pour montrer la face avant de la bouteille avec le logo Coca-Cola. Le dessin de la face arrière, envoyé à Washington comme pièce jointe à la demande de brevet, est perdu. Les deux lots ont été vendus par Julien's le 3 décembre 2011 : $ 240K incluant premium pour la bouteille et $ 230K incluant premium pour le dessin.

L'autre exemple avait été conservé par un employé de Coca-Cola qui avait précédemment travaillé pour Root Glass. Ce prototype intermédiaire est caractérisé par la localisation à Atlanta figurée sur le talon. Il est peut-être antérieur au spécimen qui avait été conservé par Dean. Cette bouteille à l'état neuf est estimée $ 100K à vendre par Morphy à Las Vegas le 14 avril, lot 2285 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

L'Esprit Kavakava

Les missionnaires chrétiens de l'île de Pâques avaient besoin d'argent. En 1868 ils rassemblent les figures en bois des cérémonies indigènes. La frégate HMS Topaze achète un grand nombre de pièces. Profitant d'un moment d'inattention des officiers, les matelots échangent la plus grande partie de ce trésor dans les bars de Valparaiso.

Un moai kavakava rapporté en Angleterre par un lieutenant de la Topaze est estimé € 700K à vendre par Christie's à Paris le 10 avril, lot 63. Je vous invite à regarder la video préparée par la maison de ventes. Cette figure de 44 cm de haut a été superbement sculptée dans un bois très dur qui n'existe plus aujourd'hui à cause de la déforestation. Les yeux en obsidienne et os sont hypnotiseurs.

Le mot Moai signifie image. Il est utilisé aussi pour les très célèbres mégalithes anthropomorphes de l'île. Kavakava désigne les figures mâles aux côtes saillantes dont le corps est très allongé et émacié, comme un hybride entre l'être et son squelette.

Bien que ces pièces répondent à un canon, de petites variantes démontrent qu'ils ne sont pas strictement anthropomorphes. Le specimen Rosenthal, vendu pour $ 610K incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2008, a une petite queue de lézard. Un kavakava conservé au musée de La Rochelle est bicéphale.

Les pieds ne sont pas conçus pour être posés. Par comparaison avec les figures Mbole du Congo qui ont une caractéristique similaire, on peut supposer que l'iconographie du kavakava symbolise le moment précis où le défunt devient un esprit. Des témoins oculaires ont observé que les danseurs les suspendaient à leur cou ou les portaient dans leurs mains.

La Vente aux Enchères de l'Empire Romain

Le 29 avril à New York, Christie's vend un buste Romain en marbre haut de 71 cm dans un état superbe avec son polissage d'origine, lot 191 estimé $ 1,2M.

Cette figure est le portrait plus grand que nature d'un homme d'âge mûr portant une barbe abondante et des cheveux bouclés, dans la mode de la période de transition entre les Antonins et les Sévères. C'est un militaire, portant une cuirasse par-dessus sa tunique.

La comparaison avec les monnaies permet d'identifier Didius Julianus, reconnaissable à sa bosse sur l'arête du nez et à sa lèvre supérieure proéminente. Cet homme a été empereur pendant 9 semaines en 946 Ab urbe condita correspondant à 193 CE avant d'être assassiné ou exécuté. Il a été exécré dès son accession au pouvoir et ce buste ne peut pas être posthume.

L'empereur Pertinax venait d'être assassiné par la garde prétorienne pour avoir tenté de réorganiser les finances après le règne catastrophique de Commode. Les gardes attendaient une rétribution de la part de tout nouvel empereur. Le beau-père de Pertinax, Sulpicianus, promettait à chaque homme une prime correspondant à huit ans de salaire. Arrivant sur ces entrefaites pour tenter sa chance, Didius Julianus cède à la pression des gardes et promet encore plus que son rival.

Cette façon honteuse de prendre le pouvoir est considérée par les armées comme une vente aux enchères de l'Empire Romain. Elle déclenche aussitôt la guerre civile qui sera gagnée par Septime Sévère.

Elevé par la mère de Marc-Aurèle, Julianus avait fait une belle carrière. L'histoire de son court règne a été racontée par Dion Cassius qui travaillait pour les Sévères. Elle n'est certainement pas objective.

Les Rois du Caramel

Les cartes de sport publiées en 1932 à Boston par la United States Caramel Co. ressemblent à des photos d'identité. Sur un fond rouge, le champion est vu le plus souvent de face, en buste, hors de l'action, presque toujours sans les équipements de son sport.

Cette série annonce 32 vues : 27 joueurs de baseball, 3 boxeurs et 2 golfeurs. Sa diffusion a été locale et elle est rare. La dernière de la série, Babe Ruth, est la plus fréquente, probablement parce que la notoriété du super-champion a incité les jeunes consommateurs à conserver son image.

Le dos des cartes inclut une offre d'envoyer une balle ou un gant à tout amateur qui renverra respectivement au bureau un ou trois ensembles complets, qui lui seront restitués avec le cadeau.

On peut se demander comment la US Caramel faisait pour éviter qu'un ensemble lui soit envoyé plusieurs fois. C'est tout simple et parfaitement malhonnête : la vue numéro 16 montrant selon PSA un énigmatique Charles Lindstrom est douteuse et n'a certainement jamais été intégrée dans un paquet de caramel. L'année suivante Goudey fera de même dans ses paquets de chewing gum en omettant sans l'annoncer le numéro 106. La découverte de la supercherie amènera Goudey à combler cette lacune par l'édition tardive de la carte Nap Lajoie.

Dans une vente en ligne depuis Dallas qui se termine le 18 avril, Heritage disperse une série complète des 31 vraies cartes de l'US Caramel. 27 d'entre elles ont le plus haut grade enregistré par PSA pour leur numéro de carte. Voici le lien filtré vers cet ensemble.

La carte de Babe Ruth vendue au lot 51351 est gradée Mint 9 par PSA avec un seul autre exemplaire à ce niveau et aucun au-dessus. Estimée $ 200K, elle a dépassé cette valeur 14 jours avant la clôture.

Cet engouement pour les cartes des années 1930 est nouveau dans le hobby. Le 24 janvier 2019 la dispersion par Heritage de la meilleure série connue par PSA de cartes de baseball Goudey 1933 a rapporté $ 3,65M pour 240 cartes, incluant $ 580K incluant premium pour Gehrig et $ 530K incluant premium pour Ruth, toutes deux en état Mint 9.

#WhatsOnYourDesk
The hobby’s finest 1932 US Caramel set#jobperk pic.twitter.com/wkenjxCbH3

— Heritage Auctions Sports (@Heritage_Sport) March 15, 2019

Les Complications de George Daniels

La maîtrise de la mécanique d'horlogerie par George Daniels égalait celle de Breguet, qu'il admirait. En 1980, 157 ans après la mort du maître, il est le premier inventeur à breveter une innovation basique : son échappement coaxial réduit les frottements à tel point que les montres mécaniques n'ont plus besoin de lubrifiant.

Daniels fabriquait ses montres entièrement lui-même, à la main. Sa compréhension de la mécanique était telle qu'il faisait très peu de dessins préliminaires pour réaliser une nouvelle complication. Sans compter les horloges ni une petite série de 58 montres en 1999, il a construit pendant sa carrière 23 montres de poche et 4 montres bracelets.

Son efficacité était hors pair. Les montres équipées de l'échappement coaxial ont atteint une précision inférieure à 1 seconde par mois, meilleure que toutes les montres à quartz de son temps.

Construite en 1987, la Grand Complication apparaît comme l'aboutissement extrême des montres de poche de George Daniels, avant qu'il étudie une nouvelle étape de miniaturisation pour créer des montres-bracelets.

Daniels travaillait avec son intuition sans autre influence que Breguet. La Grand Complication inclut des mécanismes entièrement inventés par lui pour le calendrier annuel et pour la répétition des minutes. Construite sur un tourbillon d'une minute à échappement coaxial, elle offre aussi les phases de la Lune, l'indicateur de réserve d'énergie, l'équation du temps et même un thermomètre bimétallique, le tout dans un boîtier de 62 mm de diamètre. Le cadran est d'une grande lisibilité.

Daniels est mort en 2011. Dans la vente de sa collection par Sotheby's le 6 novembre 2012, le plus haut prix a récompensé la Space Travellers watch, vendue pour £ 1,33M incluant premium sur une estimation basse de £ 400K. Revenue dans la même salle de ventes le 19 septembre 2017, elle a atteint £ 3,2M incluant premium.

Dans la vente de 2012 la Grand Complication avait été estimée £ 500K, étant ainsi annoncée comme la plus importante des montres prototypes de Daniels. Elle avait été vendue pour £ 915K incluant premium, lot 10. Elle vient maintenant en vente chez Phillips à Genève le 11 mai, lot 34.

La Grand Complication est montrée en opération dans une courte video insérée dans un article préparé par la maison de ventes, illustré de nombreuses photos. L'image ci-dessous est partagée par Wikimedia avec attribution Andrewrabbott [CC BY-SA 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)]

Damas hors du Temps

Gustav Bauernfeind travaille dans un cabinet d'architectes. En 1880 sa soeur et son beau-frère installés à Beyrouth l'invitent à visiter le Moyen Orient.

Au cours de son second séjour qui commence en 1884, Gustav est subjugué par l'ambiance dans les rues de Damas, une ville qui a su résister au modernisme. La présence de cet étranger amuse les habitants qui l'appellent le Père La Casserole à cause de la forme de son chapeau.

A son retour à Munich, il peint une scène pittoresque dans laquelle il a attiré un attroupement serré de curieux. Cette huile sur panneau 51 x 68 cm a été vendue pour $ 1,08M incluant premium par Christie's le 19 avril 2006.

Désormais passionné d'art Islamique, Gustav revient à Damas en 1888 pour admirer la mosquée Omeyyade qu'il avait seulement entrevu lors de son voyage précédent. Ce monument est une des merveilles de l'Islam. Le site précédemment utilisé pour un temple Araméen, un temple Romain et une cathédrale chrétienne a un retentissement à la fois grandiose et mystique.

Les difficultés commencent. Fils d'un juif converti au christianisme, l'artiste n'est pas musulman. Pour faire ses dessins, il pourra atteindre les portiques extérieurs en soudoyant les gardes mais l'accès aux salles lui est formellement interdit.

Gustav sent bien que l'ambiance animée et colorée autour des façades richement décorées de marbres et de mosaïques sera le thème de ses chefs d'oeuvre. En 1890 à Munich, il peint deux huiles sur panneau montrant dans des angles différents la préparation d'une célébration avec au premier plan l'ombre apaisante du portique. Il apporte ainsi le rare témoignage direct d'un visiteur Européen concernant ce site ravagé par le feu en 1893.

L'une d'elles, 121 x 97 cm, a été vendue pour £ 2,5M incluant premium par Christie's le 2 juillet 2008. L'autre, 121 x 92 cm, sera vendue au lot 10 par Christie's à Londres le 29 avril. Le communiqué de presse du 6 mars annonce une estimation aux alentours de £ 3M. Je vous invite à regarder la courte video partagée par la maison de ventes.