30 juin 2019

Un Groupe de Quatre Beatles

Le rock and roll tourne la tête des jeunes musiciens, au sens propre et au sens figuré. Les groupes de garçons sortant tout juste de l'adolescence se créent et se dissolvent au gré des fantaisies de leurs membres. Les Beatles atteindront le plus haut sommet de la gloire.

Pour survivre, ces groupes doivent obtenir des concerts et trouver un nom. The Beatles est un hybride entre le scarabée, qui est une réponse aux Crickets de Buddy Holly, et la Beat generation qui est un symbole de liberté intellectuelle et sexuelle. Quatre contrats jalonnent la montée des Beatles au firmament du music hall.

Le premier est un contrat d'enregistrement en allemand, signé à Hambourg en juin 1961. Personne ne connaît ces garçons en dehors de Liverpool et Hambourg. Le producteur refuse leur nom de groupe considéré comme imprononçable. Ils sont ici les Beat Brothers. Un exemplaire original signé a été vendu pour $ 94K incluant premium par Heritage le 19 septembre 2015.

De retour à Liverpool, John, Paul, George et Pete acceptent l'offre de Brian Epstein d'agir comme leur manager. Le 24 janvier 1962, le contrat est signé par les artistes, chaque signature oblitérant un timbre taxe de 6 pence. Epstein, qui dirigeait la réunion, refuse de signer. Un exemplaire original dans cette configuration de signatures est estimé £ 200K à vendre par Sotheby's à Londres le 9 juillet, lot 168. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La troisième étape, en mai 1962, est un contrat d'enregistrement avec EMI Parlophone. Le producteur a trouvé que Pete, le batteur, était mauvais. Il est remplacé par Ringo. Le contrat de janvier, qui était nominatif, devient caduc. Un disque d'essai a été vendu pour £ 77K incluant premium par Omega le 22 mars 2016.

Le contrat de management engageant pour cinq ans les Beatles dans leur configuration finale avec Epstein est signé par tous le 1er octobre 1962. Il est également signé par les pères de George et Paul qui sont encore mineurs. Un exemplaire original signé a été vendu pour £ 365K incluant premium par Sotheby's le 29 septembre 2015.

Quand il s'est lancé dans cette fructueuse aventure, Epstein n'avait aucune expérience similaire. Il a donné plus tard des explications fallacieuses pour son refus de signature de janvier. En fait il avait compris trop tard qu'un document signé par des teenagers était illégal en Angleterre.



Du Mans à Brooklands

Les prototypes de voitures de course ont souvent un historique très compliqué. L'exemple de la première Bentley 4,5 litres est typique : il ne lui reste rien de sa configuration d'origine. Modifiée pour gagner par des pilotes passionnés, elle a cependant gardé jusqu'à ce jour le surnom affectueux que lui avait donné Woolf Barnato : Mother Gun.

En 1927 pour Le Mans, 4,5 litres est incontestablement un bon compromis. Bentley avait gagné en 1924 avec une 3 litres. Plus puissante, la 4,5 litres reste fiable. Pour son premier engagement au Mans, Mother Gun bat le record de circuit dans le second tour mais abandonne un peu plus tard dans un accident.

Barnato avait vu juste : elle est imbattable et victorieuse en août 1927 au Grand Prix de Paris, une épreuve de 24 heures sur le Circuit de la Sarthe. Conduite par Barnato et Rubin, elle gagne les 24 heures du Mans en 1928 malgré une rupture du cadre du chassis.

Bentley continue son développement. Les 24 heures du Mans 1929 et 1930 sont gagnées par une Speed Six. Malgré une 2ème place méritoire en 1929, Mother Gun change de propriétaire et d'objectif : elle sera une des grandes vedettes des réunions de Brooklands jusqu'à la fermeture définitive du circuit en 1939.

Brooklands offrait un badge prestigieux pour les voitures chronométrées à plus de 120 mph, et plus tard 130 mph. Pour rester la meilleure à Brooklands, Mother Gun est équipée d'un moteur 6,5 litres en 1936 et subit sa plus importante transformation en 1936-1937, réalisée par Jackson avec une carrosserie monoplace entièrement en aluminium sur un châssis très modifié. Son meilleur tour à Brooklands est effectué en 1938 à 135 mph (217 km/h). Elle est chronométrée en ligne droite à 238 km/h en 1939.

Restaurée dans les années 1980 cette Bentley Jackson Special est actuellement équipée d'un moteur 8 litres. Elle sera vendue par Bonhams à Goodwood le 5 juillet, lot 358. L'image est partagée par Wikimedia avec attribution Palauenc05 [CC BY-SA 4.0], via Wikimedia Commons .

Il serait fastidieux d'énumérer toutes les transformations de Mother Gun, parfois aussi nommée Old Mother Gun, de 1927 à nos jours. Signalons cependant qu'un châssis de remplacement installé sur cette voiture après les problèmes techniques du Mans 1928 a été transféré quelques mois plus tard sur une 4,5 litres récemment accidentée. Ce châssis est resté sur cette voiture. Carrossée en tourer par Vanden Plas en 1933, elle est disponible dans la même vente que ci-dessus, lot 332 estimé £ 600K.

Bentley Mother Gun 1927

29 juin 2019

L'Armure de Joute

Les chevaliers aiment jouer à la guerre. A partir du XIème siècle les tournois deviennent fréquents. Ils regroupent divers jeux incluant plusieurs formes de combats. Dans ces rencontres, la joute équestre devient prédominante à la fin du XIIIème siècle. Il s'agit d'exploser sa lance contre le casque ou le bouclier de son adversaire. Le vainqueur est celui qui a cassé le plus grand nombre de lances.

Les bonnes âmes du clergé s'offusquent de ces plaisirs mortels. Petit à petit des règlements apparaissent pour apporter quelque sécurité. En France les concurrents sont séparés par une barrière qui évite le choc frontal des deux chevaux au galop. Le bouclier est remplacé par un renforcement de l'armure. Le heaume est prolongé par une spectaculaire bouche de grenouille qui réduit le risque de pénétration de la lance mais obstrue presque complètement le champ de vision du jouteur. Les bouts des lances sont recourbés et émoussés.

Maximilien de Habsbourg qui deviendra l'empereur Maximilien I est passionné de joutes. Il aime être surnommé le Dernier des chevaliers. Deux styles sont pratiqués. Le Gestech est le style européen traditionnel. Le Scharfrennen qui est une spécialité allemande a pour objet de désarçonner l'adversaire.

L'armure de joute connaît son apogée sous le règne de Maximilien, et plus particulièrement à l'occasion des fêtes de son troisième mariage en 1494. L'équipement du Gestech, nommé Stechzeug, est la plus lourde armure du moyen-âge, en raison de l'accumulation des règles de sécurité très au-delà de la souplesse nécessaire pour les armures de guerre.

Pour assurer le succès de ses tournois, Maximilien fait préparer les pièces d'armures qui ne seront donc pas à la charge de ses invités. Plusieurs ateliers en Allemagne du Sud incluant Augsbourg et Nuremberg se spécialisent dans l'un ou l'autre des équipements.

Dans les années 1930 le Zeughaus, un musée lié à l'arsenal de Berlin, assemble un Stechzeug complet constitué d'éléments originaux du milieu des années 1490. Faisant double emploi dans le musée, il est vendu en 1938. Il est estimé £ 500K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 8.

28 juin 2019

Wet in Wet par Turner

Dès ses débuts, Turner avait bien compris que l'aquarelle pouvait apporter des effets comparables à l'huile, et même meilleurs pour les levers et couchers du soleil. Il sera tout au long de sa vie le plus grand expérimentateur de cette technique.

Il a des prédécesseurs et des amis. L'utilisation d'un vernis stoppeur pour limiter l'expansion d'une couleur a été utilisée avant lui. Girtin obtient l'atmosphère et la lumière par des lavis réalisés sur des grandes surfaces. Cozens adapte à l'aquarelle les techniques de l'huile pour obtenir des clair-obscur spectaculaires.

Le grand apport de Turner à l'art de l'aquarelle est son utilisation quasiment systématique du wet in wet autour de 1815. La couleur diluée sur un papier préalablement mouillé permet de préparer facilement le fond de l'image, offrant par de simples mouvements du papier et du pinceau les couleurs progressives qui feront la beauté de l'oeuvre finale. Après le séchage, il restera bien sûr à dessiner et colorer les figures qui animent la scène. Cette technique permet de réaliser des aquarelles de très grand format.

Par contre son ambition de concilier l'extrême subtilité des contrastes avec les techniques de l'impression a certainement déconcerté ses éditeurs les plus bienveillants.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend une aquarelle 43 x 65 cm peinte en 1822, lot 417 estimé £ 800K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette vue de Margate au lever du soleil montre une forte animation de pêcheurs dans le goût des scènes anglaises de l'artiste. Elle était conçue comme un élément d'une série de Vues de Marines qui n'a pas été publiée suite à un désaccord entre Turner et son éditeur. Une mezzotinte de cette image spécifique de Margate avait cependant été réalisée en 1825.

Cuivres Intimes par Wtewael

Fils d'un verrier d'Utrecht, Joachim Wtewael apprend la peinture sur verre, qui nécessite la maîtrise des couleurs vives et la finesse de trait d'un miniaturiste dans un polissage brillant. Il devient vite un des meilleurs praticiens de la peinture sur cuivre qui demande des talents similaires.

L'iconographie disponible est abondante, avec les gravures risquées de Goltzius souvent copiées de Spranger. La mode est aux cabinets intimes, prédécesseurs des boudoirs. Jusque vers 1612, Wtewael fournit à ses clients des petites peintures sur cuivre qui n'ont pas vocation à être exposées en public et peuvent même être cachées dans la reliure d'un livre. En parallèle, ses formats plus grands sur toile ou bois sont plus convenables.

Les groupes de nus sont inspirés par la mythologie. L'érotisme maniériste qui allonge le corps des femmes lui convient. Il retravaille souvent les mêmes thèmes, cherchant à améliorer la lisibilité. Pour ses miniatures les plus complexes, il organise l'action en plusieurs registres avec des différences de luminosité.

Wtewael prend soin à ce que chaque dieu de l'Olympe soit identifiable par son attribut, même dans la foule des banquets. Avec des modèles qui vont de la lubrique Vénus à la chaste Diane, il est décidément plus un amuseur qu'un moraliste. Il fait toute sa carrière dans sa ville natale où il devient un riche marchand de fibres de lin. Il ne crée pas d'atelier et n'a pas d'apprenti.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend Diane et Actéon, huile sur cuivre 16 x 21 cm peinte en 1608, lot 14 estimé £ 4M. Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Sotheby's compare ses qualités picturales avec la monumentale Madeleine de Johann Liss précédemment discutée dans cette chronique.

Cette scène extrêmement narrative montre le moment où Diane vient tout juste d'envoyer son sortilège au chasseur. Elle est identifiée par le croissant de lune au-dessus de sa tête. Maintenant que le gêneur est neutralisé, ces dames reprennent leurs activités comme si rien ne s'était passé, exhibant en pleine lumière leur nudité tranquille.

Pour Actéon, rien ne va plus. Sa haute silhouette dans la pénombre est déjà munie des bois du cerf. Ses chiens s'agitent. Quelques instants plus tard, quand la métamorphose sera complète, ils le dévoreront.

27 juin 2019

La Lumière de l'Angleterre

La lumière est le thème principal de l'art de Turner tout au long de sa carrière. Il maîtrise successivement l'aquarelle et l'huile et devient illustrateur pour propager sa vision auprès d'un public élargi. La lumière n'existe pas sans le paysage et la mer. Les inspirateurs de Turner sont d'abord des poètes qui ont chanté la beauté de la nature comme James Thomson ou Lord Byron.

Il admire le Liber Veritatis du Lorrain. Une série de 71 images gravées par Turner entre 1807 et 1819 sous le titre Liber Studiorum réunit des études de paysages qui pourront être utilisés par les clients pour commander des "oeuvres finies".

Le temps passe. Turner est célèbre malgré son tempérament excentrique. Sa créativité artistique reste intacte. Il est conscient que son art est sans précédent et léguera des centaines de pièces à la nation Britannique. Avide d'une reconnaissance posthume, il fuit cependant la célébrité contemporaine, passant ses dernières années à Chelsea sous le nom de Mr Booth qui était le patronyme de sa compagne Sophia.

Dans ses dernières oeuvres les paysages sont littéralement enveloppés dans la lumière, avec un effacement progressif des détails figuratifs. Il travaille à nouveau sur ses anciens thèmes du Liber Studiorum, qu'il réédite en 1845 en quinze exemplaires avec les plaques d'origine sous l'influence de Ruskin.

Le corpus des peintures tardives réalisées par Turner en relation directe avec son Liber inclut neuf oeuvres de grand format. Une seule est restée en mains privées. Cette huile sur toile 88 x 118 cm est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 11.

Cette peinture est inspirée par l'image du Liber intitulée The Bridge in Middle Distance. Une confusion avec les vues d'Italie, peut-être due à la lumière des vues de Venise peintes après le voyage de 1840, a longtemps masqué le thème topographique de cette image, le double pont de Walton sur la Tamise, un des sites préférés de Turner. Les paysages de J.M.W. Turner sont universels.

26 juin 2019

Portrait d'un Pharaon

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend au lot 110 une figure fragmentaire en quartzite brune de 28 cm de haut. Cette tête est coiffée de la double couronne qui est un attribut du principal dieu, Amon, qui est l'équivalent du futur Zeus des Grecs. Le communiqué de presse du 3 juin annonce une estimation au-delà de £ 4M.

Un jeune homme avec un tel attribut est forcément un pharaon régnant. Amon est un dieu multiple qui n'a pas de figuration personnelle. Le pharaon est son incarnation.

Le roi hérétique Akhenaton avait remplacé le culte d'Amon par celui du cercle solaire Aton, certainement pour des raisons politiques. Il échappait ainsi à l'emprise des prêtres Thébains. Il avait établi sa capitale en plein désert, sur un site dont le nom Arabe sera Amarna. Cette révolution religieuse s'est accompagnée d'une révolution artistique. Les artistes Amarniens ont pour la première fois cherché une représentation naturaliste. Nefertiti était une femme d'Akhenaton.

La tête à vendre est ciselée avec réalisme, attestant de la période post-Amarnienne. Le seul candidat est Toutankhamon, le fils d'Akhenaton, revenu au culte d'Amon dans la troisième année de son règne vers 1330 BCE par une transition d'évènements peu documentés qui ressemble à un immense désordre. Les deux derniers pharaons de sa XVIIIème dynastie sont des dignitaires âgés, Ay et Horemheb. La XIXème dynastie, celle des premiers Ramses, apporte un style différent.

Par chance, l'effigie de Toutankhamon est particulièrement bien connue. La tête en quartzite est reconnaissable par la dépression maladive entre les yeux et les sourcils et par la faiblesse de la lèvre inférieure, résultant de la consanguinité de ses parents.

La Métamorphose de l'Aiglon

En 1816 Antonio Canova revient à Rome après un long séjour à Londres où son art a enthousiasmé quelques riches anglais. Il rapporte en Italie quelques oeuvres confisquées par Napoléon et est accueilli triomphalement.

La même année son modèle pour une figure de St Jean Baptiste est prêt : il négocie avec un graveur l'édition de cette image. Le premier marbre, réalisé l'année suivante, est acheté par l'ambassadeur de Louis XVIII au Saint-Siège après la défection d'un client anglais.

Le très jeune garçon est nu, assis sur un tabouret entièrement couvert d'une peau d'agneau dont la tête pend sur un côté. Curieusement il a quelques ressemblances avec le Roi de Rome, que Canova n'avait pas rencontré mais dont le portrait par Gérard avait été très largement divulgué.

St Jean est-il l'Aiglon ? On ne saura jamais. Une telle métamorphose n'a pas été documentée par l'artiste, mais une allégorie de la Concorde a perdu une référence à l'impératrice Marie-Louise au moment de la chute de l'Empire. Considérant que l'agneau est l'Agnus Dei, il apparaît que les deux inspirations se sont mêlées. Une référence de cet ovin au berger qui a découvert les jumeaux primordiaux Romains semble trop compliquée.

Le banquier Baring, qui deviendra Lord Ashburton en 1835, commande plusieurs statues à Canova. Ces marbres de la fin de carrière de l'artiste bénéficient pleinement de son savoir-faire exceptionnel, apportant au marbre un toucher sensuel qui évoque une vraie peau.

L'un d'eux est un buste de Lucrezia d'Este considérée comme une allégorie de la beauté. Il a été vendu pour € 2,5M incluant premium par HVMC le 27 avril 2019. L'enfant St Jean, marbre de 65 cm de haut presque identique à la version sculptée en 1817, est estimé £ 600K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 35. Considérant la dégradation de la santé de Canova en 1822 suivie par sa mort le 13 octobre, il est possible que ce second et dernier St Jean ait été terminé par ses assistants dans son atelier.

Baring possédait aussi par Canova un buste de Beatrice d'Este et un buste de la Paix. Il était aussi un patron de Thorvaldsen.

25 juin 2019

Plaisir des Sens par Ribera

Né près de Valence, Ribera est attiré par l'Italie. A Rome, il est intéressé par les physionomies des pauvres gens, très certainement par l'influence des Caravagistes d'Utrecht. Il peint une première série des Cinq Sens, non sans humour. L'Odorat est un mendiant en haillons qui épluche un oignon.

En 1616 Ribera âgé de 25 ans arrive à Naples qui est alors une possession Espagnole. Il ne retournera jamais dans son pays mais tient à affirmer son origine en signant ses oeuvres Jusepe de Ribera - español. Il est également surnommé Lo Spagnoletto.

Il peint une seconde série des Sens en 1637 avec des allégories complètement différentes de sa série antérieure. L'Ouïe est une jeune fille qui joue du tambourin avec une expression de profond bonheur, personnifiant le plaisir des sens. Cette huile sur toile 60 x 46 cm est estimée £ 5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 24.

Cette oeuvre a été peinte par Ribera à la fin de sa phase ténébriste, avec un fond noir dans le goût de son ami Velazquez. Dans la série des types populaires, elle apparaît ainsi dans la continuité de la pittoresque Femme à barbe (Mujer barbuda) peinte en 1631.

Faisant pendant avec la Fille au tambourin, le Goût est un ivrogne hilare, de dimensions similaires. Des candidats ont été proposés pour l'Odorat et le Toucher mais la Vue reste non identifiée, sans évidence que cette série ait un jour été complète.

Retour sur le Futurisme

En 1961 Look Mickey abolit toutes les définitions préalables de l'art, mettant en valeur la récupération et abolissant la différenciation entre l'image populaire et l'art des musées et des galeries. Dès 1962 Roy Lichtenstein ajoute à son répertoire des ré-interprétations des femmes cubistes de Picasso.

Roy est devenu un grand artiste, puisque tout le monde le lui dit. En 1969, âgé de 46 ans, il a une rétrospective au Guggenheim Museum. Tous les plus grands artistes dont Picasso ont voulu prendre référence sur leurs plus illustres prédécesseurs. Roy ne manque pas d'humour : il fera pareil. En 1972 il commence à peindre des natures mortes.

En 1974 il récupère la décomposition des mouvements par les Futuristes italiens. Imitant une oeuvre créée en 1913 par Carlo Carra, The Red horseman est un cheval au galop avec huit pattes et deux têtes, monté par un jockey en pleine action à quatre têtes.

Le 27 juin à Londres, Phillips vend The Conductor, huile et acrylique 188 x 137 cm peinte par Roy Lichtenstein en 1975, lot 10 estimé £ 4M. Cette oeuvre est une adaptation très libre du mouvement d'une ballerine peint en 1914 par Gino Severini et appartenant à la collection Peggy Guggenheim.

Roy a certainement été intéressé par le fait que Severini a soi-disant été inspiré par Le Chahut peint par Seurat en 1889-1890, montrant l'alignement des jambes de quatre danseuses de French cancan. Il crée ainsi un lien entre le pointillisme post-Impressionniste et ses propres points d'imprimerie, utilisés notamment dans The Conductor.

Roy continue à musarder dans l'histoire de l'art. En 1975 le purisme de Le Corbusier et Ozenfant lui permet d'intégrer dans son art des petits objets de la vie de tous les jours, bouteilles ou dés.

24 juin 2019

Olimpia au Vatican

Quand Velazquez arrive à Rome en mai 1649, il a la réputation d'être le meilleur portraitiste et devient de facto le peintre officiel au Vatican. Son portrait d'Innocent X est un chef d'oeuvre. Le pape gêné par sa propre image commente : "Troppo vero". Le maître réalise aussi les portraits des principaux notables de l'entourage du pape, prolongeant sa mission jusqu'en novembre 1650 pour consolider ses relations Romaines.

Pendant tout le pontificat d'Innocent X, de 1644 à 1655, le Vatican est géré par une femme avide et corrompue. Donna Olimpia est la veuve du frère aîné du pape. Elle prend toutes les décisions, cherchant en permanence à augmenter ses gains financiers et pratiquant un népotisme éhonté. Son pouvoir est illimité : Innocent X ne l'a jamais désavouée.

Elle est surnommée la Papessa ou plus vulgairement la Pimpaccia, un jeu de mots sur Olim Pia (autrefois pieuse) suggérant que la religion n'avait plus d'importance pour elle. Cette femme hyperactive a aussi oeuvré en faveur des femmes prostituées de Rome et a commandé au Bernin les fontaines de la Piazza Navona.

La Papessa pose pour Velazquez en juillet 1650. Cette image a été gravée dès 1653. La peinture originale vient d'être authentifiée après près de trois siècles dans l'anonymat. Cette huile sur toile 77 x 61 cm restée sur sa toile d'origine n'est pas en parfait état. Elle est estimée £ 2M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 28.

Cette femme âgée de 59 ans apparaît austère et sans contrainte tout comme son beau-frère est faible et sournois, complétant l'image des maîtres du monde sur lesquels Velazquez appliquait sans pitié sa vision objective. Cette peinture est un exemple typique de la maîtrise de la couleur noire par Velazquez.

Sultans Ottomans

Mehmed Fatih appelé par les Européens Mehmet II le Conquérant, est un des plus glorieux Sultans Ottomans, célèbre pour la prise de Constantinople en 1453. Pendant tout le reste de son règne il mena en parallèle les campagnes militaires et la diplomatie, menaçant en permanence l'hégémonie commerciale de Venise.

Ce Sultan avait une personnalité atypique. Il suivait de très près les progrès artistiques et scientifiques de la Renaissance Italienne, connaissait plusieurs langues et acceptait que son effigie soit utilisée. Une médaille montrant Mehmed âgé d'environ 30 ans est passée à Baldwin's le 25 avril 2012.

La paix avec Venise est signée en 1479. Mehmed demande qu'un bon artiste lui soit envoyé. Le Doge confie cette mission à son portraitiste officiel, Gentile Bellini.

Le séjour de Bellini à Constantinople, qui dure plusieurs mois, est un grand succès. Le Sultan est ravi de la qualité de ses portraits sur lesquels son nez en bec d'aigle est parfaitement reconnaissable. L'atelier de Bellini fera plus tard des copies de ces images. Une huile sur panneau a été vendue pour £ 470K incluant premium par Sotheby's le 24 octobre 2007.

Un seul double portrait est connu. Le Sultan Mehmed fait face à un jeune homme imberbe dont l'identité n'a pas été identifiée. La similitude des turbans montre que les deux personnages sont de même rang. La pratique d'un double portrait était encore très rare à l'époque de la visite de Bellini à Constantinople et cette oeuvre ne peut être qu'une interprétation d'atelier. L'attention portée aux vêtements est Vénitienne.

Mehmed est mort en 1481, peut-être empoisonné. Son fils Bajazet le Pieux qui lui a succédé était un iconophobe selon la tradition musulmane. Une hypothèse possible est que le portrait du jeune homme provient d'un croquis réalisée par un autre artiste quelques années avant la mission de Bellini et que les deux images d'origine ne sont pas contemporaines l'une de l'autre. Le jeune homme pourrait ainsi être Bajazet vers l'âge de 20 ans, mis en face de son défunt père pour un patron Vénitien qui n'avait pas d'image plus récente pour honorer le nouveau Sultan.

Cette huile sur panneau 33 x 45 cm a été vendue pour £ 970K incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2015 sur une estimation basse de £ 300K. Elle est estimée £ 600K à vendre par Christie's à Londres le 4 juillet, lot 39.

Quand il monte sur le même trône en 1520, Soliman est iconophile. Son portrait dans le goût du portrait de Mehmed par Bellini, huile sur panneau 33 x 28 cm, a été vendu pour £ 5,3M incluant premium par Sotheby's le 1er mai 2019 sur une estimation basse de £ 250K.

23 juin 2019

L'Equation des Astronautes

Pendant toute sa carrière, George Daniels a imité et amélioré les complications les plus audacieuses des montres de poche, prenant très souvent exemple sur Breguet. Pour l'heure sidérale, son modèle était George Margetts, un contemporain de Breguet qui travaillait à Londres. Daniels n'a cependant pas imité une autre remarquable spécialité de Margetts, l'indicateur de l'heure des marées.

L'équation du temps est la différence entre l'heure apparente, qui peut aussi être lue sur un cadran solaire, et l'heure sidérale qui prend sa référence sur la position des étoiles fixes. Cette différence est un cycle annuel dû à l'obliquité de la Terre et à l'ellipticité de son orbite.

La première montre de poche dans laquelle Daniels a inclus l'équation du temps est son neuvième opus, Elsom II, en 1975.

George Daniels était connu pour son humour. En 1979 il déclare que la précision de mesure obtenue par Margetts, 1,8 secondes par an, n'est pas suffisante pour le contrôle du temps par un astronaute en route pour Mars. Un astronome de Cambridge University calcule pour lui un ratio entre les deux roues d'échappement qui réduira la variance à 0,4 seconde par an.

La première montre de poche intégrant ces nouvelles données est le quinzième opus de George Daniels, le Space Traveller, qui offre également le calendrier annuel et les phases de la Lune. En 1982, peu après avoir terminé son Space Traveller, Daniels le vend à un collectionneur, sans doute pour respecter un engagement préalable.

Frustré d'avoir laissé partir le Space Traveller I, Daniels réalise en 1983 le Space Traveller II, sur lequel il a ajouté un chronographe et un thermomètre. Il ne lâche pas ce specimen qui lui permet de se comporter comme un astronaute de salon. Sa quatrième et dernière montre de poche qui inclut l'équation du temps est la Grand Complication, en 1987.

Le Space Traveller I est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 2 juillet, lot 143. Space Traveller II a été vendu pour £ 3,2M incluant premium par Sotheby's le 19 septembre 2017. Grand Complication a été vendu pour CHF 2,4M incluant premium par Phillips le 11 mai 2019.

Panorama en Haute Engadine

Giovanni Giacometti et son jeune cousin Augusto sont les peintres locaux des Grisons. Giovanni a essayé en vain de trouver l'inspiration en dehors de ses montagnes. Revenu dans son canton, il est convaincu par Segantini de la beauté picturale des montagnes suisses.

St. Moritz dans la haute vallée de l'Inn est depuis trois décennies la pionnière des stations de sports d'hiver, attirant la haute société. En 1897 Giovanni et Segantini attendent la commande d'un grand panorama circulaire pour promouvoir le tourisme Suisse à la future Exposition de 1900 à Paris. Giovanni prépare des croquis pour une vue de montagne au-dessus de St. Moritz.

Le projet est abandonné. Giovanni trouve un autre client. Il peint en 1898 un polyptyque pour la salle à manger d'un chalet de St. Moritz-Bad appartenant à une très ancienne famille de la noblesse locale.

Cette oeuvre monumentale est une huile sur toile composée de quatre parties sans interruption de la vue topographique, pour une dimension totale de 67 x 510 cm. Devant la chaîne de montagnes de la Haute Engadine, un berger garde ses moutons éparpillés sur les quatre panneaux. Un lac très bleu sépare l'alpage et les sommets rocheux.

Intitulée Panorama de Muottas Muragl, cette peinture est estimée CHF 2,8M à vendre par Koller à Zürich le 28 juin, lot 3050. Je vous invite à lire l'article partagé par Barnebys. Le tweet ci-dessous est un détail du troisième panneau.

22 juin 2019

Maternité

L'observation de la chair est l'unique but des peintures de Jenny Saville. Ses oeuvres de jeunesse marquent une réprobation contre la représentation artificielle que les femmes construisent de leur propre corps. Elle tourne à une vision d'horreur les transformations volontaires mais néanmoins mutilantes de la chirurgie esthétique.

Les relations entre plusieurs corps l'intéressent aussi. Son chef d'oeuvre de cette seconde phase, Shift, est aussi une référence aux Demoiselles d'Avignon. Cette huile sur toile 330 x 330 cm terminée en 1997 a été vendue pour £ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 28 juin 2016.

Dans son observation des corps, Jenny Saville finit par réduire la différence entre l'homme et la femme, entre le normal et le pathologique, entre le naturel et l'artificiel, entre l'immobilité et le mouvement. Elle admet le trans-genre comme un troisième état dont la population augmente dans le monde contemporain.

L'être humain n'existe pas sans corps mais l'individualité est mise en question par une relation intime indispensable à la continuation de l'espèce humaine, la grossesse. Jenny Saville est bouleversée psychologiquement par ses deux maternités, en 2007 et 2008 : elle a créé de la chair à l'intérieur de son propre corps.

A partir de cette étape son art change. La tête, souvent un auto-portrait, était renvoyée à l'arrière-plan dans ses oeuvres précédentes. Elle devient le thème majeur. Les yeux et la bouche sont le principal support de la communication d'un être humain avec le monde. Le reste du visage n'est qu'une sorte de cadre pour lequel toutes les couleurs peuvent être utilisées en un lourd impasto comme faisait souvent Francis Bacon.

Comprenant cette tendance, Gagosian a organisé à Londres en avril 2019 une exposition sur le thème de l'influence d'un autoportrait de Rembrandt sur la création artistique contemporaine. Le self portrait (after Rembrandt) peint en 2019 par Jenny Saville explique magistralement l'évolution de sa vision.

Le 26 juin à Londres, Sotheby's vend Shadow Head, lot 8 estimé £ 3M. Cette huile sur toile 270 x 220 cm est monumentale quand on considère que l'image est limitée à un visage. Terminée en 2013, cette oeuvre a été datée 2007-2013 par l'artiste pour montrer qu'elle doit être attachée à la phase de sensibilité maternelle de son art.

L'Invention du Surréalisme

André Breton considère qu'avant lui la littérature n'exprime pas la pensée subconsciente. Il tente en vain de fédérer les avant-gardes littéraires autour de ses propres conceptions. Les écueils sont nombreux, incluant le risque pour la santé mentale des auteurs. Il ne suffit pas de transcrire une part de subconscient pour attirer des lecteurs.

En 1924 Breton réunit 32 historiettes qu'il a composées en écriture automatique, écartant à la fois la volonté, la cohérence et même la beauté du style. Il a choisi le titre de ce recueil : Poisson soluble.

Malgré sa confiance dans le progrès littéraire et même social qui découlera de son propre génie, Breton sait que ses détracteurs sont nombreux. Il ressent le besoin d'expliquer son système sous forme d'une Préface pour Poisson Soluble. Il définit le surréalisme comme un automatisme psychique pur. La Préface est intitulée Manifeste du Surréalisme.

Les principaux manuscrits autographes de cet ensemble avaient été conservés par sa première femme. Ils ont été vendus le 21 mai 2008 par Sotheby's, incluant entre autres documents le Manifeste pour € 1,9M incluant premium et la version finale de Poisson Soluble pour € 900K incluant premium. Cet ensemble acheté par Aristophil a été classé Trésor National en décembre 2017 avec un délai de trente mois pour que l'Etat Français confirme son acquisition.

Le 3 juillet à Paris, Christie's vend un document provenant d'une autre source, lot 140 estimé € 200K. Il s'agit du jeu d'épreuves complet du Manifeste et de Poisson Soluble, incluant de la main de l'auteur les corrections d'erreurs typographiques ainsi que les instructions pour la maquette.

Un poème-collage mettant bout à bout des phrases extraites de journaux a été inséré par Breton dans ce dossier, pour servir d'exemple de la nouvelle technique littéraire dans la Préface-Manifeste. Il sera inclus dans l'édition originale après avoir été légèrement écourté par Breton.

21 juin 2019

La Synthèse Baroque de Johann Liss

Johann Liss est né à Oldenburg près de Lübeck. La tradition artistique est presque inexistante en Holstein. Prêt à capter toutes les nouvelles tendances, le jeune homme commence son voyage vers 1615. A Haarlem il est attiré par l'érotisme de Goltzius. Plus tard il sera surnommé Pan. Vers 1618, âgé d'à peine plus de 20 ans, il intègre le style et certains thèmes de Rubens et Jordaens.

Comme tant d'autres incluant les Caravagesques d'Utrecht, il arrive en Italie. Il partage son temps entre Rome et Venise. Il ne terminera pas cette classique tournée d'apprentissage : il meurt à Vérone dans l'épidémie de peste qui s'est déclenchée à Venise en 1629.

Sandrart, qui l'a bien connu à Venise en 1629, indique sa prédilection pour cette ville où il apprécie les couleurs expressives de Titien et Véronèse. Il a aussi raconté la créativité impulsive de Liss, capable de chercher l'inspiration pendant plusieurs jours avant de se précipiter pour faire une nouvelle oeuvre sans manger ni dormir. Ce cycle immuable se termine par une errance pendant laquelle il vide sa bourse on ne sait pas où.

Ste Marie Madeleine entre le Vice et la Vertu est un thème emprunté à Jordaens. La jeune femme en extase a choisi le gentil jeune Ange qui lui apporte la palme des repentis. Elle tient un crâne, symbole habituel de la vanité, et ignore la vieille femme qui lui apporte les trésors de l'Orient.

Cette oeuvre a été composée au début des années 1620. L'éclairage contrasté, lumineux sur le Bien et inexistant sur le Mal, est Caravagesque. L'influence Vénitienne, par laquelle on attend le luxe des vêtements et le choc des couleurs, est évidente mais pas encore dominante.

Deux huiles sur toile identiques existent. Elles peuvent être toutes deux autographes. L'une d'elles, 114 x 135 cm, est conservée au musée de Dresde. L'autre, 99 x 126 cm, a fait surface plus récemment. Elle a été vendue pour £ 1M incluant premium par Christie's le 9 décembre 1994 et est estimée £ 4M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 8. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Photos Sales par Gilbert and George

Gilbert et George réalisent leurs premiers assemblages de photographies en 1971. A partir de 1974 ces compositions deviennent géométriquement structurées, dans des formats rectangulaires.

A leurs débuts Gilbert et George s'exhibaient eux-même sur scène comme des sculptures vivantes, avec une fantaisie délibérément choquante. Résidant dans le East End, ils prennent progressivement en horreur la société punk et la saleté qui envahit Londres.

Ils réalisent en 1977 deux grandes séries de photographies dont le message est ouvertement politique. Ils veulent attirer l'attention du grand public et des politiciens par ces illustrations sordides et décadentes de la vraie vie moderne. Ils insèrent presque toujours dans ces assemblages leurs selfies habillés en hommes d'affaires de la City.

La première de ces séries, intitulée Red Morning pour fustiger le communisme, est une prophétie de désastres sociaux. Elle est composée de 17 pièces de 4 x 4 ou 5 x 5 images élémentaires, avec pour titres les mots les plus dérangeants. Hate, 240 x 200 cm, a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

La série suivante est intitulée Dirty Words Pictures. Pour les titres individuels de ces 26 oeuvres, les artistes mêlent les insultes argotiques et le vocabulaire sexuel. Bummed, 355 x 255 cm en 25 parties, a été vendu pour £ 960K incluant premium par Sotheby's le 30 juin 2014.

Bugger, 300 x 250 cm également en 25 parties, signé George et Gilbert, est estimé £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 26 juin, lot 13. Les deux colonnes extérieures sont des photos de journaux froissés et souillés.

Le tweet ci-dessous montre un détail.

19 juin 2019

Ecritures à Trianon

Le domaine de Trianon a été créé par Louis XIV à proximité immédiate du palais de Versailles pour offrir à la famille royale un lieu d'intimité avec des jardins. Attiré par la vie de plaisirs, Louis XV amplifie cette tendance en faisant construire le château de Trianon, désigné plus tard comme Petit Trianon tandis que le Trianon de Marbre de son prédécesseur deviendra le Grand Trianon.

Quand Marie-Antoinette devient reine de France en 1774, ses ressources financières sont grandioses. Elle utilise beaucoup le château de Trianon. Le Hameau, incluant une Maison de la Reine, est construit à proximité à partir de 1783 dans un style champêtre.

Lorsque Riesener est évincé en 1784 du Garde-Meuble de la Couronne parce que ses prix sont trop élevés, il continue à fournir des commodes et des bureaux pour la Reine et son entourage, aux Tuileries, à La Muette, à Versailles, Compiègne et Marly. Pour Marie-Antoinette, rien n'est trop cher. Elle fait créer à ce moment-là le label de Garde-Meuble de la Reine. Les archives concernant ces dépenses exorbitantes seront détruites pour éviter qu'elles tombent entre les mains des Révolutionnaires.

Les tables à écrire réalisées par Riesener répondent à un modèle standardisé. Les formes sont simples, dans le goût néo-classique qui s'oppose désormais au rococo. Les bronzes dorés sont luxueux.

Livré en 1783, la table à écrire personnelle de Marie-Antoinette au Hameau, 111 x 63 x 76 cm, est revenue à Versailles en 2011 après avoir été acquise pour € 6,75M par l'Etat Français avec le soutien de mécènes.

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend une table à écrire 81 x 48 x 76 cm, lot 20 estimé £ 400K. Elle porte à la fois les marques du Garde-Meuble de la Reine et du château de Trianon signifiant qu'elle a été livrée au Petit Trianon pour l'usage personnel de la reine. L'absence de la marque du garde-meuble officiel indique qu'elle a été réalisée après 1784. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

18 juin 2019

Le Son des Pink Floyd

Le 20 juin à New York, Christie's vend la collection de guitares de David Gilmour, constituée de plus de 120 instruments. Passionné de guitares depuis son enfance à Cambridge, David rêvait de jouer une Fender Stratocaster. Il explique aujourd'hui qu'une Strat met en valeur la personnalité de son joueur.

A la fin des années 1960 la musique psychédélique prend la suite du rock and roll. Pour atteindre la gloire, les groupes doivent désormais proposer au public des sons à la fois dynamiques et différents. David devient le guitariste des Pink Floyd en 1968 pour pallier à l'incapacité de Syd Barrett victime de troubles mentaux.

Le lot 27 est la Black Strat de David Gilmour. Fabriquée en 1969, elle est achetée neuve par David en 1970 chez Manny's à New York. Jusqu'en 1983 elle est son instrument favori, sans cesse modifié par lui pour extraire de nouveaux sons sensationnels. Cet instrument est un élément basique du laboratoire de son des Pink Floyd à leur meilleure période. Elle est notamment jouée par David en 1973 dans l'album qui restera le plus grand succès du groupe, The Dark Side of the Moon.

Cette guitare de travail qui était à l'origine une Strat ordinaire est devenue un instrument culte de la musique populaire dans sa phase post-Beatles. Prêtée pendant dix ans pour exposition au Hard Rock Café à Dallas, elle a ensuite été restaurée. Des répliques ont été créées par Fender à partir de 2006 en deux modèles dont l'un nommé The Relic copiait son état d'usure avant restauration..

En 2005 quand les membres historiques du groupe se réunissent en concert à Londres après une très longue interruption, David Gilmour joue à nouveau sa Black Strat. Fréquemment modifiée pendant un demi-siècle par son prestigieux propriétaire, elle est offerte avec une estimation raisonnable de $ 100K à 150K. Je vous invite à lire l'article par Christie's racontant sa longue histoire.

17 juin 2019

La Montre aux Trois Vertus

Mort à Paris en 1644, Jean Toutin avait inventé un procédé de peinture à l'émail coloré sur une couche d'émail blanc. La mise en oeuvre était laborieuse mais elle intéressait les miniaturistes par la réalisation directe du dessin, contrairement au traditionnel champlevé basé sur un retrait de matière. Cette cuisson avait aussi l'avantage de ne pas créer de fissure.

Toutin appliqua son procédé à des boîtiers de montres qui furent appréciés à la cour de Louis XIII mais aussi en Angleterre. Aucune pièce créée par Jean Toutin n'a subsisté mais sa technique a un peu essaimé et est connue sous le nom d'émaux de Blois.

Six montres de poche ont survécu avec une décoration bleu turquoise en style de Blois réalisée vers 1650. Une certaine similitude peut laisser supposer que ce camaïeu a été réalisé par un seul artiste mais les cadrans sont signés par six horlogers différents, trois à Londres, deux à Paris et un à Bordeaux.

La montre signée par un dénommé Jehan Cremsdorff à Paris utilise plusieurs techniques d'émail. L'extérieur de son boîtier est décoré en émail sur or repoussé, avec un motif de fleurs en relief champlevé sur fond turquoise. Une des faces est cloisonnée. Les deux faces intérieures du capot et du fond et le cadran sont décorées en camaïeu bleu. Ces trois figures sont des reproductions d'allégories de Vertus éditées en gravures par Abraham Bosse vers 1636. Elle est également incrustée de diamants.

Ce spécimen Cremsdorff est une montre à échappement à verge de 6 cm de diamètre, 7,6 cm de hauteur totale en incluant le pendant. Elle a une seule aiguille ce qui est normal pour son époque : l'aiguille des minutes apparaîtra sur les montres à partir de 1687.

Elle a été vendue pour CHF 1,8M par Christie's le 13 mai 1986, un très haut prix pour une montre de poche à cette époque (pour information, 1 CHF valait entre 0,48 et 0,62 USD en 1986). Elle est estimée £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 4.

Gainsborough à Bath

Pendant toute sa carrière, Thomas Gainsborough a cherché un compromis entre sa passion pour le paysage et le besoin de gagner sa vie par le portrait mondain. Il n'est pas à l'aise avec les académies mais les clients ne montrent guère d'intérêt pour les vues de paysages anglais.

De 1758 à 1774 il vit et travaille à Bath où il trouve une nouvelle clientèle et se rapproche de la nature. La société anglaise est en pleine transformation à cette époque, aux dépens des classes pauvres. Cet artiste facilement irritable est un sentimental qui fait en sorte d'apporter la charité.

Le 3 juillet à Londres, Sotheby's vend Going to market, early morning, lot 22 estimé £ 7M.

Cette huile sur toile de grande dimension, 122 x 147 cm, est un équilibre parfait entre le paysage et la mise en scène de personnages et d'animaux. Un groupe à cheval atteint le sommet d'une colline au-dessus de la plaine dans la superbe lumière froide de l'aube.

Cette oeuvre n'est pas narrative mais sociale, montrant les occupations des pauvres gens. Le groupe est mené par une jolie jeune femme avec de gros paniers de marchandises. Elle est admirée par un jeune paysan. Ils sont suivis par trois charbonniers qui vont à la mine pour l'embauche journalière. Assise sur le bord du chemin, une femme avec deux très jeunes enfants espère une charité.

Going to market a été vendu en 1773 par Gainsborough au banquier Henry Hoare. Patron des arts, Hoare était surnommé Henry the Magnificent. Avec ce chef d'oeuvre, Gainsborough a certainement désiré partager sa sensibilité sociale avec son influent client.

Cette attention apportée par Gainsborough aux transformations rurales est contemporaine des peintures de la révolution industrielle anglaise par Wright of Derby.

16 juin 2019

Red 5 et White 6

Le 5 juillet à Goodwood, Bonhams vend au lot 345 une des voitures les plus dominantes de l'histoire de la Formule 1. Cette Williams-Renault FW14B pilotée par Nigel Mansell a en effet gagné en succession les cinq premiers Grand Prix de la saison 1992.

Williams utilisait des moteurs Renault depuis 1989. Cette alliance était prometteuse. Pour la saison 1991, Williams a embauché l'ingénieur Adrian Newey pour mettre au point le modèle FW14. L'année suivante la FW14B corrige les faiblesses de la boîte de vitesses de la FW14 et ajoute la suspension active assistée par ordinateur.

Les numéros en course sont attribués de façon permanente aux équipes. Williams a reçu le 5 et le 6. Pour bien les différencier sur les circuits, le 5 est rouge et le 6 est blanc.

La voiture à vendre a été Red 5 pendant les sept premiers Grands Prix, assurant à Nigel Mansell une avance considérable pour le titre de champion du monde. Mansell a ensuite changé de voiture en conservant le numéro 5. Son ancienne voiture est alors devenue une White 6 pour son coéquipier Riccardo Patrese qui l'a conduite dans six Grands Prix.

Cette Williams est un exemple remarquable de cohérence entre sa technologie et le style de pilotage d'un champion : sa suspension automatique convenait parfaitement à Mansell mais moins à Patrese. Elle a été retirée de la compétition après un accident spectaculaire mais heureusement sans gravité au Grand Prix du Portugal.

Elle est aujourd'hui équipée du moteur utilisé dans son tout premier Grand Prix en Afrique du Sud, un Renault RS3 V10 de 3,5 litres. Elle est en état de fonctionnement. Je vous invite à regarder la vidéo intégrée dans le tweet.


Une Visite à Arezzo

Elève d'Andrea del Sarto à Florence, il Rosso Fiorentino appartient à la génération qui suit Raffaello et Michelangelo. Il développe un maniérisme original avec une profusion de personnages dans des positions contorsionnées.

Après le bref règne de l'austère Adrien VI, l'élection d'un nouveau pape Medicis en novembre 1523 attire immédiatement à Rome les artistes Toscans. Vasari a raconté le passage du Rosso dans la ville d'Arezzo, en route pour Rome en 1524. Originaire d'Arezzo, Vasari a certainement été influencé par cette occasion de mettre en valeur sa ville natale.

A Arezzo, le Rosso rend visite à un peintre nommé Giovanni Antonio Lappoli qui a reçu une commande pour un important autel privé. Lappoli n'est pas un artiste majeur. Le Rosso le tire de l'embarras en réalisant pour lui un dessin préparatoire.

Le dessin 12,6 x 12 cm à la craie noire vient d'être identifié après avoir été non détecté pendant plusieurs siècles à cause d'une attribution incorrecte à Michelangelo. Il est estimé £ 500K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 307. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Sur le thème de la Visitation, ce dessin montre dix personnages répartis sur un escalier. Ils sont nus selon la pratique habituelle à cette époque pour les dessins préparatoires des peintures. Malgré le petit format, ce dessin est très finement réalisé, avec un effet de lumière qui invite à l'utilisation de couleurs vives dans l'oeuvre finale.

Lappoli a utilisé ce dessin pour sa peinture. Quelques personnages ont été substitués, sans doute à la demande du patron. Elle est restée jusqu'à nos jours à Arezzo.

Le Rosso a apporté un grand soin à ce dessin qui méritait amplement les louanges de Vasari. Il n'a cependant pas créé une oeuvre originale pour son ami : son Mariage de la Vierge peint l'année précédente mettait en scène un groupe similaire sur le même escalier.

14 juin 2019

Vue Intérieure de San Marco

Peintre des vues de Venise, Canaletto a su y incorporer les foules de personnages de la vie quotidienne. Dans ses dessins préparatoires exécutés devant le monument, il cherche une précision absolue dans les détails et la perspective. En utilisant ces dessins comme une sorte de banque d'images, il prend dans ses peintures des libertés par rapport à la topographie pour plaire à ses clients. Il a aussi dessiné beaucoup de capricci, avec une profusion de détails inventés.

Ses dessins sont ainsi les meilleurs témoignages de l'ambiance réelle à Venise en son temps. Par exemple, un dessin 25 x 37 cm montrant le Campo San Giacomo di Rialto a pu être daté après 1758 par la forme du pavage. Il a été vendu pour £ 1,95M incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2012.

L'intronisation d'un nouveau doge donne lieu à d'importantes célébrations. Le 118ème doge est élu en 1763. Canaletto prépare une série de douze dessins sur ce thème dans le but d'une édition par gravure sous le titre Feste Ducali. Aucun d'entre eux n'a été transposé en peinture par Canaletto. Guardi s'en chargera quelques années plus tard.

Ces douze oeuvres, livrées en deux groupes successifs à l'éditeur en 1766, sont des chefs d'oeuvres du dessin Vénitien. Sur un grand format 39 x 55 cm, la finesse des traits de plume et la beauté des trois nuances de lavis de gris avec des rehauts de craie sont incomparables. La trame est à l'encre brune.

La foule festive est au premier plan, de sorte que le groupe avec le Doge est secondaire. L'artiste montre la vie à Venise sans s'intéresser aux célébrités officielles. Ces images ne résultent certainement pas de témoignages directs, ce qui rend plausible le délai de trois ans entre les cérémonies et l'achèvement des dessins.

Le Couronnement du Doge sur la Scala dei Giganti a été vendu pour £ 2,63M incluant premium par Sotheby's le 5 juillet 2017. La Présentation du Doge à San Marco, vue intérieure de la basilique, est estimée £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 338.

Calculs Vénitiens

Né en Toscane, Luca Pacioli reçoit une éducation orientée vers le commerce. Il rencontre (probablement à Urbino) Piero della Francesca, né dans le même borgo que lui. Piero est un des plus éclectiques esprits de la Renaissance, capable d'intégrer dans ses théories à la fois les mathématiques et l'art pictural.

Luca s'établit de façon durable à Venise dans les années 1470, comme frère franciscain. Venise est la cité des marchands. Il y lit les ouvrages de ses plus importants prédécesseurs dont Fibonacci. Il continue à enseigner et prépare une compilation exhaustive des connaissances en termes d'arithmétique, de géométrie et d'étude des proportions, auxquelles il ajoute les meilleures pratiques de comptabilité du commerce Vénitien.

Luca écrit son manuel en langue Italienne et pas en latin, pour assurer qu'il sera bien compris par les marchands. Dédié au duc d'Urbino, il est édité en 1494 à Venise par Paganinus de Paganinis sous le titre Summa di arithmetica, geometria, proporzioni e proporzionalita.

Un exemplaire annoncé en état superbe de ce premier tirage de la première édition dans sa reliure d'origine sera vendu par Finarte à Rome le 20 juin. lot 507.

Leonardo da Vinci achète l'année suivante un exemplaire du même tirage. Sans doute à sa demande, Luca rejoint la cour de Ludovico Sforza à Milan en 1496. La collaboration du mathématicien et de l'artiste est vite interrompue par les guerres d'Italie mais elle est fructueuse, approfondissant et appliquant le concept de nombre d'or. Paganinus publie leur travail commun en 1509 à Venise sous le titre Divina proporzione.

Un exemplaire du second tirage de la première édition de la Summa, imprimé vers 1502 par Paganinus après quelques rectifications typographiques, a été vendu pour $ 1,21M incluant premium par Christie's le 12 juin 2019.

13 juin 2019

Le Guerrier du Nord

Le trésor de Lewis a été révélé en 1831 par un participant pendant une réunion de la Society of Antiquaries of Scotland. Il était composé de 92 pièces de jeu en ivoire de morse et d'une boucle de ceinture. Les figures constituaient quatre ensembles presque complets de jeu d'échecs. Le reste était composé de pions d'échec et de jetons pour le jeu de table, prédécesseur du jacquet.

Cet ensemble venait d'être trouvé dans l'île de Lewis, à l'extrémité des Hébrides, face au grand large. Il est aujourd'hui réparti entre le British Museum et le National Museum of Scotland.

Les figures sont typiques des sagas Nordiques, depuis la majesté du roi jusqu'à la férocité des gardes qui seront plus tard les tours. Autour de 1200 CE les Normands, successeurs des Vikings, appréciaient le jeu d'échecs : simulation de la guerre, symbolisme de la vie et de la mort par le noir et blanc des cases et le déroulement du jeu.

Une reine similaire à ses homologues de Lewis a été trouvée à Trondheim. Cassée très probablement pendant le ciselage, elle témoigne d'une origine norvégienne de sa production, utilisant l'ivoire d'Islande ou du Groenland. Pour le trésor de Lewis, l'hypothèse la plus probable est qu'il a été perdu par un marchand dans un naufrage.

Le 2 juillet à Londres, Sotheby's vend un garde en ivoire de morse de 8,8 cm de haut qui a toutes les caractéristiques des pièces de Lewis, lot 7 estimé £ 600K. Comme pour le trésor, l'usure est due à un contact prolongé avec l'eau de mer et le sable. Contrairement aux pièces de Lewis, elle n'a pas été nettoyée et conserve des traces vert foncé qui sont peut-être sa couleur d'origine pour le jeu.

Cette pièce est inédite. Elle a été achetée en 1964 pour £ 5 par un antiquaire d'Edinburgh à un de ses confrères et la famille l'a aimée jusqu'à nos jours pour sa mystérieuse beauté d'un autre temps. Elle est la première pièce d'échecs du type de Lewis à être disponible sur le marché depuis la découverte du trésor.

12 juin 2019

Cabinets Baroques à Anvers

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend une paire de meubles baroques provenant d'une collection Rothschild, lot 50 estimé £ 1,5M.

Ces deux pièces sont composées d'un cabinet décoré en première partie sur un piètement de caryatides en bois doré, pour une hauteur totale de 2,40 m. Cette première partie est une marquèterie de laiton et étain sur de l'écaille de tortue. Sa décoration surabondante est à l'honneur du roi Philippe V d'Espagne et de ses batailles. Le monogramme du roi est inscrit à plusieurs endroits.

La paire en contre partie, décorée en écaille sur métal, est également identifiée. Elle a été séparée en 1944. Un de ces cabinets a été vendu pour £ 890K incluant premium par Sotheby's le 30 octobre 2002. L'illustration est comme toujours moins fine qu'en première partie.

Une fabrication française est exclue pour deux raisons. Ces piètements à caryatides étaient démodés à Paris où Boulle venait de créer le mobilier moderne. Les illustrations narratives sont très rares dans le mobilier français. Dans ces conditions, une attribution à Hendrick van Soest apparaît comme hautement crédible.

Travaillant à Anvers, van Soest avait précédemment produit des cabinets de forme similaire avec les plus luxueuses marquèteries. Il avait expédié en 1703 à Madrid un groupe de bureaux portant un hommage au nouveau roi. Son inventaire après faillite en 1713 enregistre plusieurs meubles au monogramme de Philippe V, incluant peut-être les deux paires qui font l'objet de la présente discussion.

1713 est aussi la date du traité d'Utrecht qui met fin à la guerre de succession d'Espagne. Ce groupe de cabinets a probablement été créé cette année-là pour célébrer la victoire de la dynastie des Bourbon contre les Habsbourg. Il n'a probablement pas été livré au roi et se trouvait quelques décennies plus tard dans la collection d'un bourgeois flamand.

Un des cabinets de la prochaine vente est illustré sur le tweet.

11 juin 2019

Les Terrains Blancs de L.S. Lowry

La carrière de L.S. Lowry n'est pas exceptionnelle. Il vit avec ses parents dans une banlieue avec des parcs, à Manchester. Il les suit en 1909 dans une banlieue ouvrière. Il ne cache pas qu'il déteste le paysage industriel. Quand il prend sa retraite 43 ans plus tard, il est caissier chef dans une entreprise de Manchester. Il est célibataire et n'a jamais su conduire une voiture.

La courte biographie ci-dessus ne suffit pas pour révéler que cet artiste a été le meilleur témoin de la vie de la classe ouvrière dans le nord de l'Angleterre et qu'il menait sa vie personnelle avec un humour hors du commun. Il se définissait comme un peintre du dimanche qui peint tous les jours de la semaine (après la fin de sa journée de travail).

Il vit pour son art et refuse les honneurs, y compris une élévation à la knighthood proposée par un premier ministre travailliste.

Le fond de ses images est souvent un grand bâtiment terne, qui cache le reste de la ville : il l'avait un jour observé depuis le quai de la gare où il venait de rater son train. Ses personnages constituent des foules actives qui vont et viennent, formant un beau contraste sur un sol blanc. Ce n'est pas de la neige : il avait été vexé par un critique d'art qui trouvait que sa palette était trop sombre. En plus du blanc, il n'utilise d'abord que quatre couleurs. Ses couleurs deviennent plus variées après la seconde guerre mondiale.

Cet observateur social regarde avec acuité les groupes d'enfants, parce qu'ils sont passionnés par leurs jeux et politiquement innocents. Le 18 juin à Londres, Sotheby's vend A Cricket Match, huile sur toile 45 x 61 cm peinte en 1938, lot 16 estimé £ 800K. Les gamins improvisent une partie de cricket sur un terrain vague. Les adultes sont rares : à cette heure-là, ils sont à leur poste de travail. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'artiste n'omet pas d'encourager l'équipe de football locale. Il a peint la même année un groupe de supporters avant le match Manchester City vs Sheffield United. Le dessin de Lowry reste trop caricatural quand ses personnages sont en gros plan. Cette huile sur toile 43 x 53 cm est passée à Christie's le 6 juin 2008 sur une estimation basse de £ 700K.

Egalement peinte en 1938, the Fairground, huile sur toile 45 x 61 cm montrant une animation festive, a été vendue pour £ 1,42M incluant premium par Sotheby's le 13 décembre 2007.


La Colombe est revenue

Sous le titre La Magie noire, René Magritte montre en 1934 une femme nue, debout, vue de face, comme une Venus de Milo qui aurait retrouvé ses bras. La tête et le torse imitent le bleu du ciel, en contradiction avec le bas du corps traité dans la couleur de la chair. Une colombe est posée tendrement sur une épaule, le bec près de la joue.

Une version 73 x 54 cm avec le même titre a été vendue pour £ 1,62M incluant premium par Christie's le 28 février 2017. Le Beau navire, 93 x 70 cm, a été vendu pour £ 3,7M incluant premium par Sotheby's le 3 février 2010. Ces deux exemples ont été peints en 1942. La colombe n'est plus là. La main tient une rose éphémère.

Une version ultérieure de La Magie noire, huile sur toile 81 x 60 cm peinte en 1946 a été vendue pour $ 2,1M incluant premium par Sotheby's le 3 novembre 2008. Elle est estimée £ 2,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 19 juin, lot 17.

Ce remake réalisé pour son frère Raymond inclut les principaux éléments des versions précédentes : la femme bicolore aux yeux vides, une main sur un rocher servant de piédestal. La paix est revenue, la colombe aussi.

Le tweet montre un détail.

10 juin 2019

Le Fils de Jan l'Ancien

Le fils ainé de Jan Brueghel, également prénommé Jan, partage un atelier à Anvers avec van Dyck. Les deux jeunes gens échappent à l'épidémie de choléra qui tue Jan Brueghel l'ancien en janvier 1625 : ils faisaient alors le traditionnel voyage en Italie.

Quand Jan le jeune revient à Anvers quelques mois plus tard, il est le seul capable de reprendre l'atelier familial. Sa fratrie a été décimée et son demi-frère Ambrosius est encore un enfant.

Jan l'ancien laissait une oeuvre originale d'une très grande variété. Jan le jeune propose à ses clients les mêmes thèmes avec d'autres variantes, avec une prédilection pour les scènes avec des animaux. Il continue aussi la pratique très courante à Anvers de coopérer avec d'autres artistes, tout particulièrement avec Rubens qui était son parrain.

L'entrée des animaux dans l'arche de Noé, huile sur panneau 60 x 90 cm par Jan le jeune avec une date illisible qui est probablement 1625, a été vendue pour $ 2,9M incluant premium par Christie's le 27 janvier 2010.

Pan et Syrinx, huile sur panneau 58 x 95 cm, a été réalisée à quatre mains vers 1626. Rubens a peint les personnages et Jan le jeune le paysage, les fleurs et les animaux. Cette oeuvre a été vendue pour $ 3,1M incluant premium par Sotheby's le 22 avril 2015. Ce thème avait fait l'objet d'une coopération similaire entre Rubens et Jan l'ancien, avec une composition différente.

Les séries allégoriques, comme par exemple les quatre saisons, les cinq sens et les quatre éléments, ont intéressé la famille Brueghel. Elles permettent de répartir le savoir faire sur une plus grande surface. L'ensemble des saisons peint en 1624 par Pieter le jeune en quatre panneaux 42 x 57 cm a été vendu pour £ 6,5M incluant premium par Christie's le 7 juillet 2016.

Le 3 juillet à Londres, Bonhams vend l'ensemble des éléments peint par Jan le jeune en quatre huiles sur cuivre 33 x 48 cm, lot 58 estimé £ 800K. Le Dr Ertz a conclu à une oeuvre autographe par Jan le jeune, sans collaboration. L'utilisation de ces cuivres d'assez grand format pour cette technique montre le désir du jeune artiste de fournir des peinture de grande qualité, certainement peu de temps après avoir succédé à Jan l'ancien.

Les collaborations continuent, surtout avec Hendrick van Balen pour les figures. Un autre ensemble d'éléments avec une iconographie beaucoup plus simple en quatre panneaux 58 x 95 cm a été vendu pour $ 2,2M incluant premium par Christie's le 27 janvier 2010. Cette coopération entre Jan le jeune et Frans Francken le jeune est probablement ultérieure à la mort de van Balen survenue en 1632.

La Série du Boulevard Montmartre

Le groupe impressionniste n'a pas survécu à la sécession de Seurat et Signac en 1886. Au fil de leurs rivalités et de leurs disputes, Pissarro est le seul à avoir participé à toutes les expositions.

Durand-Ruel ne se décourage pas. Il avait soutenu le mouvement depuis la première heure et organisé leur seconde exposition dans sa galerie en 1876. Menacé par la faillite, il conserve ses toiles impressionnistes puisque personne n'en veut. Il trouve la solution en organisant des expositions permanentes ou temporaires à Londres et à New York. Les collectionneurs commencent à s'intéresser à Monet et Renoir.

Pendant l'hiver 1890-1891, le thème des Meules par Monet devient une série, sans que cela ait été voulu à l'origine par l'artiste. La grande avancée de cette nouvelle phase de l'impressionnisme est la série des Peupliers en 1891 et les trois séries des cathédrales de Rouen commencées en 1892 : Monet garde la même composition d'une oeuvre à l'autre pour exprimer les variations de la lumière.

Le nouveau succès de l'impressionnisme atteint enfin Pissarro, installé depuis 1884 à Eragny-sur-Epte où il peint inlassablement l'ambiance rurale. Contrairement à Monet, Pissarro ne fuit pas l'animation urbaine. Après une concertation avec Durand-Ruel, il conçoit des séries sur le Paris moderne.

Pour sa première série de vues de Paris, il s'installe en février 1897 au Grand Hôtel de Russie. Jusqu'au printemps, il observe par la fenêtre toute l'enfilade du boulevard Montmartre, avec son interminable double procession de calèches, les passants sur le trottoir, la réapparition des feuilles au début du printemps, les becs de gaz pour illuminer la nuit.

Pissarro a peint environ quinze huiles sur toile dans une topographie identique. Matinée de printemps, 65 x 81 cm, a été vendue pour £ 19,7M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2014 sur une estimation basse de £ 7M. Fin de journée, 54 x 65 cm, est estimée £ 3,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 19 juin, lot 9.

9 juin 2019

Le Copain de Martin

Dans les années 1980, Martin Kippenberger et Albert Oehlen partagent le jazz et l'art avec la même passion, l'envie de vivre intensément, l'opposition à toutes les conventions culturelles, esthétiques, politiques et sociales. Martin construit sa carrière artistique en choquant le bourgeois.

Albert est moins visible, avec des techniques moins diversifiées. Rejetant les analyses et les théories, il peint à grande vitesse, sans plan préconçu, pour se faire plaisir. Ses oeuvres sont souvent abstraites, avec parfois l'apparition d'une figuration incongrue.

Albert aime aussi l'absurde. Son taureau troué qui peut servir de construction modulaire, diptyque 188 x 377 cm peint en 1986, a été vendu pour £ 3,6M incluant premium par Christie's le 4 octobre 2018.

Le 26 juin à Londres, Sotheby's vend un autoportrait peint par Albert Oehlen en 1998, lot 15 estimé £ 4M. Sur cette huile et acrylique sur toile 200 x 144 cm, le personnage à mi-corps, torse nu, est plus grand que nature. Le regard exprime le besoin d'une communication farouche. Les mains se joignent avec les doigts démesurément écartés.

Une des spécialités de Martin avait été l'autoportrait abject ou macabre. L'autoportrait d'Albert est dans le goût des autoportraits dérisoires de son copain. La position des doigts évoque les pattes clouées des grenouilles crucifiées sculptées par Martin. Les mains sont vides pour montrer l'absence de Martin, mort l'année précédente d'un cancer du foie, à 44 ans.

Autoportrait sous la Pluie

L'art de Francis Bacon a d'abord exprimé sa relation psychologiquement difficile avec un monde contestable. Dans une première phase, il regarde la décrépitude de ses contemporains, personnifiés par le pape. La mort est traitée par tous comme un mensonge, à l'exception de l'image de la vieille femme du film d'Eisenstein.

Après un tel début, l'artiste n'a pas le droit de vieillir. Francis prend soin de son apparence physique mais les ravages du temps sont inéluctables. Le suicide sordide de George Dyer en 1971 arrête le vieillissement d'un jeune homme, laissant à Francis les doutes et les angoisses sur la façon de gérer son propre cas.

Pendant cinq ou six ans, Bacon erre, psychologiquement et physiquement. Ses amis de Londres vieillissent aussi, et il cherche de nouvelles relations dans les cercles intellectuels de Paris. Mort en 1972, John Deakin ne lui fournira plus les photographies de leurs amis de Soho. Francis Bacon se regarde dans son miroir, faute d'une meilleure source d'inspiration. Au fil des ans, il y voit une sorte de portrait de Dorian Gray : la vraie image de lui-même.

Un autoportrait peint en 1975 a été vendu pour £ 15,3M incluant premium par Sotheby's à Londres le 1er juillet 2015. Il revient dans la même salle de ventes le 26 juin, lot 9 estimé £ 15M. Cette huile sur toile est en format 35 x 30 cm, très souvent utilisé par l'artiste parce que les études de têtes sont en grandeur réelle.

Comme souvent avec Bacon, les couleurs sont subtiles, mêlant le vert, le violet et le rose sur un fond bleu-violet très sombre appliqué en impasto. Seule la peau est un peu luisante, à corréler avec le fait que l'homme porte un imperméable.

Dans cette ambiance particulièrement sinistre, l'oeil est trop grand, d'autant plus qu'il attire l'attention sur le regard vide ou méditatif. Le mackintosh est souillé d'un résidu illisible de Letraset, considéré par les commentateurs zélés comme une référence aux écrivains Parisiens mais qui n'est peut-être rien d'autre qu'une façon originale de simuler la pluie.

Le tweet ci-dessous montre un détail.

8 juin 2019

Enfants de la Côte d'Azur

C'est la guerre, et la vie à Paris devient difficile. Zborowski décide d'aller à la rencontre de nouveaux clients sur la Côte d'Azur. D'avril 1918 à mai 1919, Modigliani et Jeanne accompagnent Zbo et sa femme, partageant leur temps entre Nice et Cagnes.

Comparé à Montparnasse, le cercle d'amis est plus restreint. Zbo ne tente plus l'expérience du nu, qui avait fait scandale en décembre 1917 à la galerie Berthe Weill et avait été un échec commercial. Amedeo commence à peindre de sages portraits d'enfants et d'adolescents. Zbo l'encourage ou au moins laisse faire.

Avec ces jeunes gens qui appartiennent tous aux classes populaires, Amedeo cherche à nouveau à expliciter une humanité idéale. Comme dans ses têtes sculptées en 1911, chaque oeuvre est différente. La série inclut plusieurs caractéristiques répétitives, répondant partiellement au modèle du Garçon au gilet rouge peint par Cézanne trente ans plus tôt.

L'enfant est vu de face, assis, les mains croisées sur les genoux. Modigliani n'a pas encore résolu la question des yeux : le regard est vide, donnant une impression d'attente tranquille pendant le travail du peintre. La tête est le plus souvent penchée sur le côté, apportant l'expression d'une intimité confiante. La forme des sourcils, des oreilles, du menton est suffisante pour différencier l'enfant. La coiffure et les vêtements ne sont pas standardisés.

Le 19 juin à Londres, Sotheby's vend le portrait d'un jeune garçon non identifié, lot 8 estimé £ 16M. Cette huile sur toile 92 x 60 cm a été peinte en 1918. Vendue par Zbo en 1927, elle n'avait jamais réapparu et n'était illustrée que par des photos en noir et blanc. Sa splendide gamme de couleurs chaudes n'était donc pas connue.

Le Fils du concierge, peint à Cagnes en 1918 dans le même format, a été vendu pour $ 31M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2006. Le Jeune homme roux assis, 100 x 65 cm, vendu pour $ 17,6M incluant premium par Christie's le 6 mai 2014, a été réalisé en 1919 : les yeux remplis en bleu ciel sont une caractéristique des ultimes portraits peints par Amedeo.

7 juin 2019

Au-delà du Bouquet

Ambrosius Bosschaert commence sa carrière à Middelburg avant 1605. A cette époque de fort engouement pour la botanique, il peint des bouquets de fleurs dans des vases en verre. Il est le pionnier de la nature morte en Europe du Nord, juste avant Savery et Brueghel.

Cette nouveauté obtient un grand succès. Bosschaert ne changera jamais son thème mais des variantes apparaissent. Ses oeuvres les plus anciennes sont peintes sur cuivre, qui permet une extrême finesse dans les détails floraux. Ensuite il utilise également le bois pour offrir de plus grands formats.

Les fleurs, certainement peintes d'après des modellos, sont groupées pour leur esthétique, sans se préoccuper de la date de floraison. Progressivement l'iris jaune vif et la tulipe rouge viennent occuper une position dominante. Les fleurs du bouquet n'ont peut-être pas de signification mystique mais sur la table les papillons et les fleurs coupées sont des symboles de la vie éphémère. Un coquillage vide promet la résurrection.

Les premières compositions sont sur un fond sombre uniforme. Autour de 1618 il innove en plaçant le bouquet et la table devant l'arcature d'une fenêtre, avec en toile de fond un paysage lacustre ou fluvial en couleurs ternes, avec quelques monuments difficilement reconnaissables sur un horizon de collines.

Dans la dernière phase il supprime la fenêtre. Deux exemples sont connus, avec une composition florale comparable et encore devant le même paysage. Le terminus ante quem est la mort de l'artiste en 1621. Par la qualité de ses réalisations, l'art autographe d'Ambrosius 'l'ancien' ne peut pas être confondu avec celui de ses trois fils et de son beau-frère qui ont pratiqué des thèmes similaires.

L'une de ces deux peintures est un cuivre 28 x 23 cm. L'autre exemple, qui vient d'être identifié dans une succession où il était considéré précédemment comme une oeuvre de Brueghel de Velours, est une huile sur bois 29 x 19 cm. Elle sera vendue le 19 juin à Paris, Hôtel Drouot, par l'opération conjointe de deux maisons de ventes, Fraysse, et Binoche et Giquello, lot 9.

Un bouquet devant le classique fond sombre, huile sur cuivre 34 x 23 cm avec une date peu lisible qui est probablement 1621, a été vendu pour € 1,7M incluant premium par Gros et Delettrez le 1er juin 2012. Quelques manques étaient signalés au catalogue.

6 juin 2019

Quelques Nénuphars

Monet a créé son jardin d'eau à Giverny pour son plaisir et pour exercer sa passion de jardinier. Les nymphéas aux couleurs variées accaparent progressivement la surface du bassin. L'artiste a trouvé son maître : la nature elle-même, tout simplement.

Autour de 1904, les nymphéas sont devenus un thème préférentiel de l'art de Monet. Rien ne lui échappe du cycle quotidien de l'éclosion à la fermeture de la fleur, ni de la réaction de la plante à la lumière et aux conditions météorologiques. Il traite ce thème comme une série, peignant plusieurs toiles en parallèle comme il avait fait avec les peupliers.

Contrairement aux séries précédentes, Monet a du mal à se résoudre à clore ce thème. Au fur et à mesure de son avancement, il supprime les peintures qui ne lui conviennent plus. C'est probablement pour cette raison qu'il est réticent de quitter son jardin pour son long séjour à Venise, à partir d'octobre 1908.

Au retour de Venise, il ne retrouve pas son obsession. Durand-Ruel peut enfin exposer les Nymphéas, du 6 mai au 5 juin 1909. Cet ensemble de 48 peintures offre la vision complète de l'artiste pour ce thème. Les nymphéas peupleront quelques années plus tard les Grandes Décorations, pour lesquelles Monet sera plus préoccupé par l'ambiance de son bassin.

Pour la première série de nymphéas, Monet supprime le bord du bassin et l'horizon, ce qui lui facilite l'adoption d'un format carré. La perspective est remplacée par les figures souples formées par la flottille des plantes. L'eau claire reflète les grands arbres.

A la fin de cette phase, plusieurs oeuvres se concentrent encore plus sur les plantes, avec de subtils tons pastel, en atténuant le contraste dans les reflets. L'opus 100 x 81 cm non daté numéroté 1735 par Wildenstein est un exemple de cette tendance. Il a été vendu pour $ 34M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015.

Le 19 juin à Londres, Sotheby's vend un exemple similaire, huile sur toile 92 x 89 cm peinte en 1908, numéro Wildenstein 1727, lot 10 estimé £ 25M.

5 juin 2019

Le Drapeau de Couleur

Le Président Lincoln organise simultanément l'armée de l'Union et l'émancipation. En 1862 un acte du Congrès autorise l'incorporation d'anciens esclaves dans l'armée. Trois ans plus tard à la fin de la Guerre Civile, l'armée de l'Union compte 175 régiments d'Africains-Américains, les United States Colored Troops (USCT).

11 régiments USCT ont été créés en Pennsylvanie. Les nouvelles recrues sont rassemblées pendant trois semaines dans un camp d'entraînement. Cette opération se termine par une cérémonie avec présentation des drapeaux le 15 septembre 1864.

La réalisation des drapeaux des USCT de Pennsylvanie a été confiée à un artiste Africain-Américain de Philadelphie, David Bustill Bowser. Ils sont bien entendu tous différents, pour identifier chaque régiments pendant les rassemblements.

Chaque drapeau inclut le numéro du régiment ainsi qu'une devise qui exalte le patriotisme de ces nouveaux Américains : Rather Die Freemen than Live to be Slaves, Let Soldiers in War be Citizens in Peace.

La plupart de ces drapeaux ont été détruits ou ont disparu. Un seul est localisé. Etabli pour le 127th Regiment USCT, il porte la devise We Will Proove Ourselves Men, très significative du besoin vital de la communauté Africaine-Américaine à gagner une reconnaissance nationale. Il est illustré d'un soldat de couleur accompagné d'une allégorie féminine blanche de l'Amérique.

Ce drapeau mesure 1,80 x 1,40 m auxquels s'ajoutent 5 cm de franges dans la hauteur. Il a été restauré et est maintenant dé-accessionné par le GAR (Grand Army of the Republic) Civil War Museum. Il est estimé au-delà de $ 150K à vendre par Morphy à Denver PA le 13 juin, lot 2161. Je vous invite à lire l'interview du CEO de la maison de ventes publiée par Auction Central News.

4 juin 2019

Un Ciel Catalan

Joan Miro est un poète de l'art graphique. Il aurait bien voulu que ses couleurs vives suffisent à exprimer son espoir face aux difficultés sociales de l'Espagne, mais un poète ne peut pas être un guerrier. En octobre 1936, juste après le déclenchement de la guerre civile, il s'exile à Paris.

L'année suivante, son engagement politique devient visible. Dans le pavillon de la République Espagnole à l'Exposition Universelle de Paris, il peint El Segador, un ensemble de panneaux de 5,5m de hauteur totale. Le faucheur est un symbole du nationalisme Catalan. Il hurle son désespoir, non loin du cheval de Guernica.

L'Air est une huile sur toile peinte en 1938. Son petit format, 55 x 46 cm, est sans doute à corréler avec les difficultés du travail en exil, dans un studio exigu.

La composition est divisée en deux registres. La partie basse est rouge et or, les couleurs du drapeau catalan, un peu différentes du rouge et jaune de l'Espagne. Le paysage d'or est occupé par un vilain serpent rouge à l'effigie simplifiée de Franco qui approche d'une structure biomorphique pour la gober ou la spolier.

L'horizon est composé de trois volcans dont deux ont des cratères ouverts. Ils projettent dans le ciel bleu nuit d'autres émanations biomorphiques qui y flottent librement. Dans cet Air d'espoir, un visage humain sourit, à peine visible dans l'oeil d'une sorte de chimère géante.

L'Air a été discuté dans cette chronique avant d'être vendu pour $ 10,3M incluant premium par Christie's le 3 novembre 2010, lot 25. Il est estimé £ 10M à vendre par Sotheby's à Londres le 19 juin, numéro de lot à définir prochainement.

3 juin 2019

Intimité à Mougins

Installé à Mougins avec Jacqueline depuis juin 1961, Pablo Picasso commence une nouvelle vie. Sa femme l'adore. Ils vivent ensemble à l'écart de la société comme un couple ordinaire malgré leurs 45 ans de différence d'âge.

Jusqu'à sa mort en 1973, Picasso exacerbe sa passion pour la création artistique. Il peint très vite, comme s'il était pressé. Parfois il sent qu'il est en train de créer un chef d'oeuvre. Le Peintre et son modèle dans un paysage a été peint en dix itérations de juin à septembre 1963. Cette huile sur toile 130 x 195 cm est restée invendue à Christie's le 5 novembre 2013 avec une estimation basse de $ 25M.

Sorti d'une longue maladie à la fin de 1966, Picasso redémarre son thème le plus charnel, l'expression de la sensualité de la femme amoureuse. La femme exhibe toute son anatomie, comme la fameuse image de Courbet. Dans l'imagination fébrile de Picasso, elle est Jacqueline, bien que Jacqueline n'ait jamais posé pour lui. L'homme est nu à ses côtés, souvent sans les attributs d'un artiste. Dans la même période, Picasso confronte aussi la femme nue avec d'autres émanations de lui-même comme le musicien ou le mousquetaire.

Le 18 juin à Londres, Christie's vend Homme et femme nus, huile et peinture industrielle sur toile 162 x 130 cm peinte en une seule journée à Mougins le 13 novembre 1968, lot 6 estimé £ 10M.

Les deux personnages sont couchés sur le dos comme sur la plage, côte à côte, les corps légèrement entremêlés. La femme regarde l'homme avec une expression extatique. Complaisant et même satisfait de cet assaut, l'homme fume tranquillement sa pipe.