16 juin 2019

Red 5 et White 6

Le 5 juillet à Goodwood, Bonhams vend au lot 345 une des voitures les plus dominantes de l'histoire de la Formule 1. Cette Williams-Renault FW14B pilotée par Nigel Mansell a en effet gagné en succession les cinq premiers Grand Prix de la saison 1992.

Williams utilisait des moteurs Renault depuis 1989. Cette alliance était prometteuse. Pour la saison 1991, Williams a embauché l'ingénieur Adrian Newey pour mettre au point le modèle FW14. L'année suivante la FW14B corrige les faiblesses de la boîte de vitesses de la FW14 et ajoute la suspension active assistée par ordinateur.

Les numéros en course sont attribués de façon permanente aux équipes. Williams a reçu le 5 et le 6. Pour bien les différencier sur les circuits, le 5 est rouge et le 6 est blanc.

La voiture à vendre a été Red 5 pendant les sept premiers Grands Prix, assurant à Nigel Mansell une avance considérable pour le titre de champion du monde. Mansell a ensuite changé de voiture en conservant le numéro 5. Son ancienne voiture est alors devenue une White 6 pour son coéquipier Riccardo Patrese qui l'a conduite dans six Grands Prix.

Cette Williams est un exemple remarquable de cohérence entre sa technologie et le style de pilotage d'un champion : sa suspension automatique convenait parfaitement à Mansell mais moins à Patrese. Elle a été retirée de la compétition après un accident spectaculaire mais heureusement sans gravité au Grand Prix du Portugal.

Elle est aujourd'hui équipée du moteur utilisé dans son tout premier Grand Prix en Afrique du Sud, un Renault RS3 V10 de 3,5 litres. Elle est en état de fonctionnement. Je vous invite à regarder la vidéo intégrée dans le tweet.


Une Visite à Arezzo

Elève d'Andrea del Sarto à Florence, il Rosso Fiorentino appartient à la génération qui suit Raffaello et Michelangelo. Il développe un maniérisme original avec une profusion de personnages dans des positions contorsionnées.

Après le bref règne de l'austère Adrien VI, l'élection d'un nouveau pape Medicis en novembre 1523 attire immédiatement à Rome les artistes Toscans. Vasari a raconté le passage du Rosso dans la ville d'Arezzo, en route pour Rome en 1524. Originaire d'Arezzo, Vasari a certainement été influencé par cette occasion de mettre en valeur sa ville natale.

A Arezzo, le Rosso rend visite à un peintre nommé Giovanni Antonio Lappoli qui a reçu une commande pour un important autel privé. Lappoli n'est pas un artiste majeur. Le Rosso le tire de l'embarras en réalisant pour lui un dessin préparatoire.

Le dessin 12,6 x 12 cm à la craie noire vient d'être identifié après avoir été non détecté pendant plusieurs siècles à cause d'une attribution incorrecte à Michelangelo. Il est estimé £ 500K à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 307. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Sur le thème de la Visitation, ce dessin montre dix personnages répartis sur un escalier. Ils sont nus selon la pratique habituelle à cette époque pour les dessins préparatoires des peintures. Malgré le petit format, ce dessin est très finement réalisé, avec un effet de lumière qui invite à l'utilisation de couleurs vives dans l'oeuvre finale.

Lappoli a utilisé ce dessin pour sa peinture. Quelques personnages ont été substitués, sans doute à la demande du patron. Elle est restée jusqu'à nos jours à Arezzo.

Le Rosso a apporté un grand soin à ce dessin qui méritait amplement les louanges de Vasari. Il n'a cependant pas créé une oeuvre originale pour son ami : son Mariage de la Vierge peint l'année précédente mettait en scène un groupe similaire sur le même escalier.

14 juin 2019

Vue Intérieure de San Marco

Peintre des vues de Venise, Canaletto a su y incorporer les foules de personnages de la vie quotidienne. Dans ses dessins préparatoires exécutés devant le monument, il cherche une précision absolue dans les détails et la perspective. En utilisant ces dessins comme une sorte de banque d'images, il prend dans ses peintures des libertés par rapport à la topographie pour plaire à ses clients. Il a aussi dessiné beaucoup de capricci, avec une profusion de détails inventés.

Ses dessins sont ainsi les meilleurs témoignages de l'ambiance réelle à Venise en son temps. Par exemple, un dessin 25 x 37 cm montrant le Campo San Giacomo di Rialto a pu être daté après 1758 par la forme du pavage. Il a été vendu pour £ 1,95M incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2012.

L'intronisation d'un nouveau doge donne lieu à d'importantes célébrations. Le 118ème doge est élu en 1763. Canaletto prépare une série de douze dessins sur ce thème dans le but d'une édition par gravure sous le titre Feste Ducali. Aucun d'entre eux n'a été transposé en peinture par Canaletto. Guardi s'en chargera quelques années plus tard.

Ces douze oeuvres, livrées en deux groupes successifs à l'éditeur en 1766, sont des chefs d'oeuvres du dessin Vénitien. Sur un grand format 39 x 55 cm, la finesse des traits de plume et la beauté des trois nuances de lavis de gris avec des rehauts de craie sont incomparables. La trame est à l'encre brune.

La foule festive est au premier plan, de sorte que le groupe avec le Doge est secondaire. L'artiste montre la vie à Venise sans s'intéresser aux célébrités officielles. Ces images ne résultent certainement pas de témoignages directs, ce qui rend plausible le délai de trois ans entre les cérémonies et l'achèvement des dessins.

Le Couronnement du Doge sur la Scala dei Giganti a été vendu pour £ 2,63M incluant premium par Sotheby's le 5 juillet 2017. La Présentation du Doge à San Marco, vue intérieure de la basilique, est estimée £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 juillet, lot 338.

Calculs Vénitiens

Né en Toscane, Luca Pacioli reçoit une éducation orientée vers le commerce. Il rencontre (probablement à Urbino) Piero della Francesca, né dans le même borgo que lui. Piero est un des plus éclectiques esprits de la Renaissance, capable d'intégrer dans ses théories à la fois les mathématiques et l'art pictural.

Luca s'établit de façon durable à Venise dans les années 1470, comme frère franciscain. Venise est la cité des marchands. Il y lit les ouvrages de ses plus importants prédécesseurs dont Fibonacci. Il continue à enseigner et prépare une compilation exhaustive des connaissances en termes d'arithmétique, de géométrie et d'étude des proportions, auxquelles il ajoute les meilleures pratiques de comptabilité du commerce Vénitien.

Luca écrit son manuel en langue Italienne et pas en latin, pour assurer qu'il sera bien compris par les marchands. Dédié au duc d'Urbino, il est édité en 1494 à Venise par Paganinus de Paganinis sous le titre Summa di arithmetica, geometria, proporzioni e proporzionalita.

Un exemplaire annoncé en état superbe de ce premier tirage de la première édition dans sa reliure d'origine sera vendu par Finarte à Rome le 20 juin. lot 507.

Leonardo da Vinci achète l'année suivante un exemplaire du même tirage. Sans doute à sa demande, Luca rejoint la cour de Ludovico Sforza à Milan en 1496. La collaboration du mathématicien et de l'artiste est vite interrompue par les guerres d'Italie mais elle est fructueuse, approfondissant et appliquant le concept de nombre d'or. Paganinus publie leur travail commun en 1509 à Venise sous le titre Divina proporzione.

Un exemplaire du second tirage de la première édition de la Summa, imprimé vers 1502 par Paganinus après quelques rectifications typographiques, a été vendu pour $ 1,21M incluant premium par Christie's le 12 juin 2019.

13 juin 2019

Le Guerrier du Nord

Le trésor de Lewis a été révélé en 1831 par un participant pendant une réunion de la Society of Antiquaries of Scotland. Il était composé de 92 pièces de jeu en ivoire de morse et d'une boucle de ceinture. Les figures constituaient quatre ensembles presque complets de jeu d'échecs. Le reste était composé de pions d'échec et de jetons pour le jeu de table, prédécesseur du jacquet.

Cet ensemble venait d'être trouvé dans l'île de Lewis, à l'extrémité des Hébrides, face au grand large. Il est aujourd'hui réparti entre le British Museum et le National Museum of Scotland.

Les figures sont typiques des sagas Nordiques, depuis la majesté du roi jusqu'à la férocité des gardes qui seront plus tard les tours. Autour de 1200 CE les Normands, successeurs des Vikings, appréciaient le jeu d'échecs : simulation de la guerre, symbolisme de la vie et de la mort par le noir et blanc des cases et le déroulement du jeu.

Une reine similaire à ses homologues de Lewis a été trouvée à Trondheim. Cassée très probablement pendant le ciselage, elle témoigne d'une origine norvégienne de sa production, utilisant l'ivoire d'Islande ou du Groenland. Pour le trésor de Lewis, l'hypothèse la plus probable est qu'il a été perdu par un marchand dans un naufrage.

Le 2 juillet à Londres, Sotheby's vend un garde en ivoire de morse de 8,8 cm de haut qui a toutes les caractéristiques des pièces de Lewis, lot 7 estimé £ 600K. Comme pour le trésor, l'usure est due à un contact prolongé avec l'eau de mer et le sable. Contrairement aux pièces de Lewis, elle n'a pas été nettoyée et conserve des traces vert foncé qui sont peut-être sa couleur d'origine pour le jeu.

Cette pièce est inédite. Elle a été achetée en 1964 pour £ 5 par un antiquaire d'Edinburgh à un de ses confrères et la famille l'a aimée jusqu'à nos jours pour sa mystérieuse beauté d'un autre temps. Elle est la première pièce d'échecs du type de Lewis à être disponible sur le marché depuis la découverte du trésor.

12 juin 2019

Cabinets Baroques à Anvers

Le 4 juillet à Londres, Christie's vend une paire de meubles baroques provenant d'une collection Rothschild, lot 50 estimé £ 1,5M.

Ces deux pièces sont composées d'un cabinet décoré en première partie sur un piètement de caryatides en bois doré, pour une hauteur totale de 2,40 m. Cette première partie est une marquèterie de laiton et étain sur de l'écaille de tortue. Sa décoration surabondante est à l'honneur du roi Philippe V d'Espagne et de ses batailles. Le monogramme du roi est inscrit à plusieurs endroits.

La paire en contre partie, décorée en écaille sur métal, est également identifiée. Elle a été séparée en 1944. Un de ces cabinets a été vendu pour £ 890K incluant premium par Sotheby's le 30 octobre 2002. L'illustration est comme toujours moins fine qu'en première partie.

Une fabrication française est exclue pour deux raisons. Ces piètements à caryatides étaient démodés à Paris où Boulle venait de créer le mobilier moderne. Les illustrations narratives sont très rares dans le mobilier français. Dans ces conditions, une attribution à Hendrick van Soest apparaît comme hautement crédible.

Travaillant à Anvers, van Soest avait précédemment produit des cabinets de forme similaire avec les plus luxueuses marquèteries. Il avait expédié en 1703 à Madrid un groupe de bureaux portant un hommage au nouveau roi. Son inventaire après faillite en 1713 enregistre plusieurs meubles au monogramme de Philippe V, incluant peut-être les deux paires qui font l'objet de la présente discussion.

1713 est aussi la date du traité d'Utrecht qui met fin à la guerre de succession d'Espagne. Ce groupe de cabinets a probablement été créé cette année-là pour célébrer la victoire de la dynastie des Bourbon contre les Habsbourg. Il n'a probablement pas été livré au roi et se trouvait quelques décennies plus tard dans la collection d'un bourgeois flamand.

Un des cabinets de la prochaine vente est illustré sur le tweet.

11 juin 2019

Les Terrains Blancs de L.S. Lowry

La carrière de L.S. Lowry n'est pas exceptionnelle. Il vit avec ses parents dans une banlieue avec des parcs, à Manchester. Il les suit en 1909 dans une banlieue ouvrière. Il ne cache pas qu'il déteste le paysage industriel. Quand il prend sa retraite 43 ans plus tard, il est caissier chef dans une entreprise de Manchester. Il est célibataire et n'a jamais su conduire une voiture.

La courte biographie ci-dessus ne suffit pas pour révéler que cet artiste a été le meilleur témoin de la vie de la classe ouvrière dans le nord de l'Angleterre et qu'il menait sa vie personnelle avec un humour hors du commun. Il se définissait comme un peintre du dimanche qui peint tous les jours de la semaine (après la fin de sa journée de travail).

Il vit pour son art et refuse les honneurs, y compris une élévation à la knighthood proposée par un premier ministre travailliste.

Le fond de ses images est souvent un grand bâtiment terne, qui cache le reste de la ville : il l'avait un jour observé depuis le quai de la gare où il venait de rater son train. Ses personnages constituent des foules actives qui vont et viennent, formant un beau contraste sur un sol blanc. Ce n'est pas de la neige : il avait été vexé par un critique d'art qui trouvait que sa palette était trop sombre. En plus du blanc, il n'utilise d'abord que quatre couleurs. Ses couleurs deviennent plus variées après la seconde guerre mondiale.

Cet observateur social regarde avec acuité les groupes d'enfants, parce qu'ils sont passionnés par leurs jeux et politiquement innocents. Le 18 juin à Londres, Sotheby's vend A Cricket Match, huile sur toile 45 x 61 cm peinte en 1938, lot 16 estimé £ 800K. Les gamins improvisent une partie de cricket sur un terrain vague. Les adultes sont rares : à cette heure-là, ils sont à leur poste de travail. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'artiste n'omet pas d'encourager l'équipe de football locale. Il a peint la même année un groupe de supporters avant le match Manchester City vs Sheffield United. Le dessin de Lowry reste trop caricatural quand ses personnages sont en gros plan. Cette huile sur toile 43 x 53 cm est passée à Christie's le 6 juin 2008 sur une estimation basse de £ 700K.

Egalement peinte en 1938, the Fairground, huile sur toile 45 x 61 cm montrant une animation festive, a été vendue pour £ 1,42M incluant premium par Sotheby's le 13 décembre 2007.


La Colombe est revenue

Sous le titre La Magie noire, René Magritte montre en 1934 une femme nue, debout, vue de face, comme une Venus de Milo qui aurait retrouvé ses bras. La tête et le torse imitent le bleu du ciel, en contradiction avec le bas du corps traité dans la couleur de la chair. Une colombe est posée tendrement sur une épaule, le bec près de la joue.

Une version 73 x 54 cm avec le même titre a été vendue pour £ 1,62M incluant premium par Christie's le 28 février 2017. Le Beau navire, 93 x 70 cm, a été vendu pour £ 3,7M incluant premium par Sotheby's le 3 février 2010. Ces deux exemples ont été peints en 1942. La colombe n'est plus là. La main tient une rose éphémère.

Une version ultérieure de La Magie noire, huile sur toile 81 x 60 cm peinte en 1946 a été vendue pour $ 2,1M incluant premium par Sotheby's le 3 novembre 2008. Elle est estimée £ 2,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 19 juin, lot 17.

Ce remake réalisé pour son frère Raymond inclut les principaux éléments des versions précédentes : la femme bicolore aux yeux vides, une main sur un rocher servant de piédestal. La paix est revenue, la colombe aussi.

Le tweet montre un détail.

10 juin 2019

Le Fils de Jan l'Ancien

Le fils ainé de Jan Brueghel, également prénommé Jan, partage un atelier à Anvers avec van Dyck. Les deux jeunes gens échappent à l'épidémie de choléra qui tue Jan Brueghel l'ancien en janvier 1625 : ils faisaient alors le traditionnel voyage en Italie.

Quand Jan le jeune revient à Anvers quelques mois plus tard, il est le seul capable de reprendre l'atelier familial. Sa fratrie a été décimée et son demi-frère Ambrosius est encore un enfant.

Jan l'ancien laissait une oeuvre originale d'une très grande variété. Jan le jeune propose à ses clients les mêmes thèmes avec d'autres variantes, avec une prédilection pour les scènes avec des animaux. Il continue aussi la pratique très courante à Anvers de coopérer avec d'autres artistes, tout particulièrement avec Rubens qui était son parrain.

L'entrée des animaux dans l'arche de Noé, huile sur panneau 60 x 90 cm par Jan le jeune avec une date illisible qui est probablement 1625, a été vendue pour $ 2,9M incluant premium par Christie's le 27 janvier 2010.

Pan et Syrinx, huile sur panneau 58 x 95 cm, a été réalisée à quatre mains vers 1626. Rubens a peint les personnages et Jan le jeune le paysage, les fleurs et les animaux. Cette oeuvre a été vendue pour $ 3,1M incluant premium par Sotheby's le 22 avril 2015. Ce thème avait fait l'objet d'une coopération similaire entre Rubens et Jan l'ancien, avec une composition différente.

Les séries allégoriques, comme par exemple les quatre saisons, les cinq sens et les quatre éléments, ont intéressé la famille Brueghel. Elles permettent de répartir le savoir faire sur une plus grande surface. L'ensemble des saisons peint en 1624 par Pieter le jeune en quatre panneaux 42 x 57 cm a été vendu pour £ 6,5M incluant premium par Christie's le 7 juillet 2016.

Le 3 juillet à Londres, Bonhams vend l'ensemble des éléments peint par Jan le jeune en quatre huiles sur cuivre 33 x 48 cm, lot 58 estimé £ 800K. Le Dr Ertz a conclu à une oeuvre autographe par Jan le jeune, sans collaboration. L'utilisation de ces cuivres d'assez grand format pour cette technique montre le désir du jeune artiste de fournir des peinture de grande qualité, certainement peu de temps après avoir succédé à Jan l'ancien.

Les collaborations continuent, surtout avec Hendrick van Balen pour les figures. Un autre ensemble d'éléments avec une iconographie beaucoup plus simple en quatre panneaux 58 x 95 cm a été vendu pour $ 2,2M incluant premium par Christie's le 27 janvier 2010. Cette coopération entre Jan le jeune et Frans Francken le jeune est probablement ultérieure à la mort de van Balen survenue en 1632.

La Série du Boulevard Montmartre

Le groupe impressionniste n'a pas survécu à la sécession de Seurat et Signac en 1886. Au fil de leurs rivalités et de leurs disputes, Pissarro est le seul à avoir participé à toutes les expositions.

Durand-Ruel ne se décourage pas. Il avait soutenu le mouvement depuis la première heure et organisé leur seconde exposition dans sa galerie en 1876. Menacé par la faillite, il conserve ses toiles impressionnistes puisque personne n'en veut. Il trouve la solution en organisant des expositions permanentes ou temporaires à Londres et à New York. Les collectionneurs commencent à s'intéresser à Monet et Renoir.

Pendant l'hiver 1890-1891, le thème des Meules par Monet devient une série, sans que cela ait été voulu à l'origine par l'artiste. La grande avancée de cette nouvelle phase de l'impressionnisme est la série des Peupliers en 1891 et les trois séries des cathédrales de Rouen commencées en 1892 : Monet garde la même composition d'une oeuvre à l'autre pour exprimer les variations de la lumière.

Le nouveau succès de l'impressionnisme atteint enfin Pissarro, installé depuis 1884 à Eragny-sur-Epte où il peint inlassablement l'ambiance rurale. Contrairement à Monet, Pissarro ne fuit pas l'animation urbaine. Après une concertation avec Durand-Ruel, il conçoit des séries sur le Paris moderne.

Pour sa première série de vues de Paris, il s'installe en février 1897 au Grand Hôtel de Russie. Jusqu'au printemps, il observe par la fenêtre toute l'enfilade du boulevard Montmartre, avec son interminable double procession de calèches, les passants sur le trottoir, la réapparition des feuilles au début du printemps, les becs de gaz pour illuminer la nuit.

Pissarro a peint environ quinze huiles sur toile dans une topographie identique. Matinée de printemps, 65 x 81 cm, a été vendue pour £ 19,7M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2014 sur une estimation basse de £ 7M. Fin de journée, 54 x 65 cm, est estimée £ 3,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 19 juin, lot 9.

9 juin 2019

Le Copain de Martin

Dans les années 1980, Martin Kippenberger et Albert Oehlen partagent le jazz et l'art avec la même passion, l'envie de vivre intensément, l'opposition à toutes les conventions culturelles, esthétiques, politiques et sociales. Martin construit sa carrière artistique en choquant le bourgeois.

Albert est moins visible, avec des techniques moins diversifiées. Rejetant les analyses et les théories, il peint à grande vitesse, sans plan préconçu, pour se faire plaisir. Ses oeuvres sont souvent abstraites, avec parfois l'apparition d'une figuration incongrue.

Albert aime aussi l'absurde. Son taureau troué qui peut servir de construction modulaire, diptyque 188 x 377 cm peint en 1986, a été vendu pour £ 3,6M incluant premium par Christie's le 4 octobre 2018.

Le 26 juin à Londres, Sotheby's vend un autoportrait peint par Albert Oehlen en 1998, lot 15 estimé £ 4M. Sur cette huile et acrylique sur toile 200 x 144 cm, le personnage à mi-corps, torse nu, est plus grand que nature. Le regard exprime le besoin d'une communication farouche. Les mains se joignent avec les doigts démesurément écartés.

Une des spécialités de Martin avait été l'autoportrait abject ou macabre. L'autoportrait d'Albert est dans le goût des autoportraits dérisoires de son copain. La position des doigts évoque les pattes clouées des grenouilles crucifiées sculptées par Martin. Les mains sont vides pour montrer l'absence de Martin, mort l'année précédente d'un cancer du foie, à 44 ans.

Autoportrait sous la Pluie

L'art de Francis Bacon a d'abord exprimé sa relation psychologiquement difficile avec un monde contestable. Dans une première phase, il regarde la décrépitude de ses contemporains, personnifiés par le pape. La mort est traitée par tous comme un mensonge, à l'exception de l'image de la vieille femme du film d'Eisenstein.

Après un tel début, l'artiste n'a pas le droit de vieillir. Francis prend soin de son apparence physique mais les ravages du temps sont inéluctables. Le suicide sordide de George Dyer en 1971 arrête le vieillissement d'un jeune homme, laissant à Francis les doutes et les angoisses sur la façon de gérer son propre cas.

Pendant cinq ou six ans, Bacon erre, psychologiquement et physiquement. Ses amis de Londres vieillissent aussi, et il cherche de nouvelles relations dans les cercles intellectuels de Paris. Mort en 1972, John Deakin ne lui fournira plus les photographies de leurs amis de Soho. Francis Bacon se regarde dans son miroir, faute d'une meilleure source d'inspiration. Au fil des ans, il y voit une sorte de portrait de Dorian Gray : la vraie image de lui-même.

Un autoportrait peint en 1975 a été vendu pour £ 15,3M incluant premium par Sotheby's à Londres le 1er juillet 2015. Il revient dans la même salle de ventes le 26 juin, lot 9 estimé £ 15M. Cette huile sur toile est en format 35 x 30 cm, très souvent utilisé par l'artiste parce que les études de têtes sont en grandeur réelle.

Comme souvent avec Bacon, les couleurs sont subtiles, mêlant le vert, le violet et le rose sur un fond bleu-violet très sombre appliqué en impasto. Seule la peau est un peu luisante, à corréler avec le fait que l'homme porte un imperméable.

Dans cette ambiance particulièrement sinistre, l'oeil est trop grand, d'autant plus qu'il attire l'attention sur le regard vide ou méditatif. Le mackintosh est souillé d'un résidu illisible de Letraset, considéré par les commentateurs zélés comme une référence aux écrivains Parisiens mais qui n'est peut-être rien d'autre qu'une façon originale de simuler la pluie.

Le tweet ci-dessous montre un détail.

8 juin 2019

Enfants de la Côte d'Azur

C'est la guerre, et la vie à Paris devient difficile. Zborowski décide d'aller à la rencontre de nouveaux clients sur la Côte d'Azur. D'avril 1918 à mai 1919, Modigliani et Jeanne accompagnent Zbo et sa femme, partageant leur temps entre Nice et Cagnes.

Comparé à Montparnasse, le cercle d'amis est plus restreint. Zbo ne tente plus l'expérience du nu, qui avait fait scandale en décembre 1917 à la galerie Berthe Weill et avait été un échec commercial. Amedeo commence à peindre de sages portraits d'enfants et d'adolescents. Zbo l'encourage ou au moins laisse faire.

Avec ces jeunes gens qui appartiennent tous aux classes populaires, Amedeo cherche à nouveau à expliciter une humanité idéale. Comme dans ses têtes sculptées en 1911, chaque oeuvre est différente. La série inclut plusieurs caractéristiques répétitives, répondant partiellement au modèle du Garçon au gilet rouge peint par Cézanne trente ans plus tôt.

L'enfant est vu de face, assis, les mains croisées sur les genoux. Modigliani n'a pas encore résolu la question des yeux : le regard est vide, donnant une impression d'attente tranquille pendant le travail du peintre. La tête est le plus souvent penchée sur le côté, apportant l'expression d'une intimité confiante. La forme des sourcils, des oreilles, du menton est suffisante pour différencier l'enfant. La coiffure et les vêtements ne sont pas standardisés.

Le 19 juin à Londres, Sotheby's vend le portrait d'un jeune garçon non identifié, lot 8 estimé £ 16M. Cette huile sur toile 92 x 60 cm a été peinte en 1918. Vendue par Zbo en 1927, elle n'avait jamais réapparu et n'était illustrée que par des photos en noir et blanc. Sa splendide gamme de couleurs chaudes n'était donc pas connue.

Le Fils du concierge, peint à Cagnes en 1918 dans le même format, a été vendu pour $ 31M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2006. Le Jeune homme roux assis, 100 x 65 cm, vendu pour $ 17,6M incluant premium par Christie's le 6 mai 2014, a été réalisé en 1919 : les yeux remplis en bleu ciel sont une caractéristique des ultimes portraits peints par Amedeo.

7 juin 2019

Au-delà du Bouquet

Ambrosius Bosschaert commence sa carrière à Middelburg avant 1605. A cette époque de fort engouement pour la botanique, il peint des bouquets de fleurs dans des vases en verre. Il est le pionnier de la nature morte en Europe du Nord, juste avant Savery et Brueghel.

Cette nouveauté obtient un grand succès. Bosschaert ne changera jamais son thème mais des variantes apparaissent. Ses oeuvres les plus anciennes sont peintes sur cuivre, qui permet une extrême finesse dans les détails floraux. Ensuite il utilise également le bois pour offrir de plus grands formats.

Les fleurs, certainement peintes d'après des modellos, sont groupées pour leur esthétique, sans se préoccuper de la date de floraison. Progressivement l'iris jaune vif et la tulipe rouge viennent occuper une position dominante. Les fleurs du bouquet n'ont peut-être pas de signification mystique mais sur la table les papillons et les fleurs coupées sont des symboles de la vie éphémère. Un coquillage vide promet la résurrection.

Les premières compositions sont sur un fond sombre uniforme. Autour de 1618 il innove en plaçant le bouquet et la table devant l'arcature d'une fenêtre, avec en toile de fond un paysage lacustre ou fluvial en couleurs ternes, avec quelques monuments difficilement reconnaissables sur un horizon de collines.

Dans la dernière phase il supprime la fenêtre. Deux exemples sont connus, avec une composition florale comparable et encore devant le même paysage. Le terminus ante quem est la mort de l'artiste en 1621. Par la qualité de ses réalisations, l'art autographe d'Ambrosius 'l'ancien' ne peut pas être confondu avec celui de ses trois fils et de son beau-frère qui ont pratiqué des thèmes similaires.

L'une de ces deux peintures est un cuivre 28 x 23 cm. L'autre exemple, qui vient d'être identifié dans une succession où il était considéré précédemment comme une oeuvre de Brueghel de Velours, est une huile sur bois 29 x 19 cm. Elle sera vendue le 19 juin à Paris, Hôtel Drouot, par l'opération conjointe de deux maisons de ventes, Fraysse, et Binoche et Giquello, lot 9.

Un bouquet devant le classique fond sombre, huile sur cuivre 34 x 23 cm avec une date peu lisible qui est probablement 1621, a été vendu pour € 1,7M incluant premium par Gros et Delettrez le 1er juin 2012. Quelques manques étaient signalés au catalogue.

6 juin 2019

Quelques Nénuphars

Monet a créé son jardin d'eau à Giverny pour son plaisir et pour exercer sa passion de jardinier. Les nymphéas aux couleurs variées accaparent progressivement la surface du bassin. L'artiste a trouvé son maître : la nature elle-même, tout simplement.

Autour de 1904, les nymphéas sont devenus un thème préférentiel de l'art de Monet. Rien ne lui échappe du cycle quotidien de l'éclosion à la fermeture de la fleur, ni de la réaction de la plante à la lumière et aux conditions météorologiques. Il traite ce thème comme une série, peignant plusieurs toiles en parallèle comme il avait fait avec les peupliers.

Contrairement aux séries précédentes, Monet a du mal à se résoudre à clore ce thème. Au fur et à mesure de son avancement, il supprime les peintures qui ne lui conviennent plus. C'est probablement pour cette raison qu'il est réticent de quitter son jardin pour son long séjour à Venise, à partir d'octobre 1908.

Au retour de Venise, il ne retrouve pas son obsession. Durand-Ruel peut enfin exposer les Nymphéas, du 6 mai au 5 juin 1909. Cet ensemble de 48 peintures offre la vision complète de l'artiste pour ce thème. Les nymphéas peupleront quelques années plus tard les Grandes Décorations, pour lesquelles Monet sera plus préoccupé par l'ambiance de son bassin.

Pour la première série de nymphéas, Monet supprime le bord du bassin et l'horizon, ce qui lui facilite l'adoption d'un format carré. La perspective est remplacée par les figures souples formées par la flottille des plantes. L'eau claire reflète les grands arbres.

A la fin de cette phase, plusieurs oeuvres se concentrent encore plus sur les plantes, avec de subtils tons pastel, en atténuant le contraste dans les reflets. L'opus 100 x 81 cm non daté numéroté 1735 par Wildenstein est un exemple de cette tendance. Il a été vendu pour $ 34M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015.

Le 19 juin à Londres, Sotheby's vend un exemple similaire, huile sur toile 92 x 89 cm peinte en 1908, numéro Wildenstein 1727, lot 10 estimé £ 25M.

5 juin 2019

Le Drapeau de Couleur

Le Président Lincoln organise simultanément l'armée de l'Union et l'émancipation. En 1862 un acte du Congrès autorise l'incorporation d'anciens esclaves dans l'armée. Trois ans plus tard à la fin de la Guerre Civile, l'armée de l'Union compte 175 régiments d'Africains-Américains, les United States Colored Troops (USCT).

11 régiments USCT ont été créés en Pennsylvanie. Les nouvelles recrues sont rassemblées pendant trois semaines dans un camp d'entraînement. Cette opération se termine par une cérémonie avec présentation des drapeaux le 15 septembre 1864.

La réalisation des drapeaux des USCT de Pennsylvanie a été confiée à un artiste Africain-Américain de Philadelphie, David Bustill Bowser. Ils sont bien entendu tous différents, pour identifier chaque régiments pendant les rassemblements.

Chaque drapeau inclut le numéro du régiment ainsi qu'une devise qui exalte le patriotisme de ces nouveaux Américains : Rather Die Freemen than Live to be Slaves, Let Soldiers in War be Citizens in Peace.

La plupart de ces drapeaux ont été détruits ou ont disparu. Un seul est localisé. Etabli pour le 127th Regiment USCT, il porte la devise We Will Proove Ourselves Men, très significative du besoin vital de la communauté Africaine-Américaine à gagner une reconnaissance nationale. Il est illustré d'un soldat de couleur accompagné d'une allégorie féminine blanche de l'Amérique.

Ce drapeau mesure 1,80 x 1,40 m auxquels s'ajoutent 5 cm de franges dans la hauteur. Il a été restauré et est maintenant dé-accessionné par le GAR (Grand Army of the Republic) Civil War Museum. Il est estimé au-delà de $ 150K à vendre par Morphy à Denver PA le 13 juin, lot 2161. Je vous invite à lire l'interview du CEO de la maison de ventes publiée par Auction Central News.

4 juin 2019

Un Ciel Catalan

Joan Miro est un poète de l'art graphique. Il aurait bien voulu que ses couleurs vives suffisent à exprimer son espoir face aux difficultés sociales de l'Espagne, mais un poète ne peut pas être un guerrier. En octobre 1936, juste après le déclenchement de la guerre civile, il s'exile à Paris.

L'année suivante, son engagement politique devient visible. Dans le pavillon de la République Espagnole à l'Exposition Universelle de Paris, il peint El Segador, un ensemble de panneaux de 5,5m de hauteur totale. Le faucheur est un symbole du nationalisme Catalan. Il hurle son désespoir, non loin du cheval de Guernica.

L'Air est une huile sur toile peinte en 1938. Son petit format, 55 x 46 cm, est sans doute à corréler avec les difficultés du travail en exil, dans un studio exigu.

La composition est divisée en deux registres. La partie basse est rouge et or, les couleurs du drapeau catalan, un peu différentes du rouge et jaune de l'Espagne. Le paysage d'or est occupé par un vilain serpent rouge à l'effigie simplifiée de Franco qui approche d'une structure biomorphique pour la gober ou la spolier.

L'horizon est composé de trois volcans dont deux ont des cratères ouverts. Ils projettent dans le ciel bleu nuit d'autres émanations biomorphiques qui y flottent librement. Dans cet Air d'espoir, un visage humain sourit, à peine visible dans l'oeil d'une sorte de chimère géante.

L'Air a été discuté dans cette chronique avant d'être vendu pour $ 10,3M incluant premium par Christie's le 3 novembre 2010, lot 25. Il est estimé £ 10M à vendre par Sotheby's à Londres le 19 juin, numéro de lot à définir prochainement.

3 juin 2019

Intimité à Mougins

Installé à Mougins avec Jacqueline depuis juin 1961, Pablo Picasso commence une nouvelle vie. Sa femme l'adore. Ils vivent ensemble à l'écart de la société comme un couple ordinaire malgré leurs 45 ans de différence d'âge.

Jusqu'à sa mort en 1973, Picasso exacerbe sa passion pour la création artistique. Il peint très vite, comme s'il était pressé. Parfois il sent qu'il est en train de créer un chef d'oeuvre. Le Peintre et son modèle dans un paysage a été peint en dix itérations de juin à septembre 1963. Cette huile sur toile 130 x 195 cm est restée invendue à Christie's le 5 novembre 2013 avec une estimation basse de $ 25M.

Sorti d'une longue maladie à la fin de 1966, Picasso redémarre son thème le plus charnel, l'expression de la sensualité de la femme amoureuse. La femme exhibe toute son anatomie, comme la fameuse image de Courbet. Dans l'imagination fébrile de Picasso, elle est Jacqueline, bien que Jacqueline n'ait jamais posé pour lui. L'homme est nu à ses côtés, souvent sans les attributs d'un artiste. Dans la même période, Picasso confronte aussi la femme nue avec d'autres émanations de lui-même comme le musicien ou le mousquetaire.

Le 18 juin à Londres, Christie's vend Homme et femme nus, huile et peinture industrielle sur toile 162 x 130 cm peinte en une seule journée à Mougins le 13 novembre 1968, lot 6 estimé £ 10M.

Les deux personnages sont couchés sur le dos comme sur la plage, côte à côte, les corps légèrement entremêlés. La femme regarde l'homme avec une expression extatique. Complaisant et même satisfait de cet assaut, l'homme fume tranquillement sa pipe.

Les Montagnes de Bruxelles

A partir de 1924 René Magritte veut devenir un artiste. Il rencontre les avant-gardes littéraires de Bruxelles avec qui il créera bientôt un groupe surréaliste. En 1925 il conçoit des décors de théâtre, qui sont déterminants pour son inspiration artistique. La perspective n'est pas utile : l'effet de profondeur peut être limité à la scène et au rideau. La fantaisie, incluant les inversions d'échelles entre les objets, devient illimitée.

En 1926 le jeune artiste est prolifique : il construit son nouvel univers. Son image est volontairement simple, pour éviter toute ambiguïté d'interprétation des éléments. Le monde n'est pas peuplé d'êtres humains mais de quilles. Les accessoires sont des tables, des boîtes, des nuages.

La chaîne de montagnes revient plusieurs fois comme toile de fond. La dimension onirique est parfois apportée par un seul élément. Les résultats ci-dessous incluent le premium.

Par exemple dans Les Signes du soir, huile sur toile 75 x 65 cm, le grand cadre est un trompe-l'oeil, laissant le spectateur choisir si l'arbre est dans la peinture ou ailleurs. Cette oeuvre a été vendue pour £ 1,8M par Christie's le 27 février 2018.

Dans Le Toit du monde, 65 x 75 cm, une crosse de violon est fichée au milieu de la table. La scène est gondolée pour imiter les plis de la montagne, et sa surface est trouée comme un fromage de gruyère. Elle a été vendue pour € 2,7M par Sotheby's le 19 octobre 2017.

Dans L'Esprit du voyageur, de même dimension, une grande quille positionnée dans un groupe de trois portiques admire l'immensité de la nature. Le premier plan de la montagne apparaît dans l'espace comme un carton plat. Elle a été vendue pour £ 460K par Christie's le 9 février 2011.

Le 18 juin à Londres, Christie's vend Le Parc du vautour, lot 19 estimé £ 2,5M. Dans un format panoramique 65 x 150 cm inhabituel pour cette série, tout est fait pour le confort d'un éventuel vautour : il pourra se poser sur un portique ou un poteau, ou s'abriter dans une boîte en bois qui contient un grand arbre.

2 juin 2019

Emeraudes Moghol

Les empereurs Moghol ont réuni une inégalable collection de pierres précieuses qu'ils faisaient assembler en bijoux magnifiques.

Pour l'Islam le vert est la couleur du Paradis. L'émeraude est importée de Colombie par Goa. Vers 1610 CE un voyageur Britannique estime à plus de 500 000 carats le poids des émeraudes non montées qui attendent à Agra dans le trésor impérial. Le ciselage des émeraudes est une spécialité Moghol avec deux thèmes principaux, l'inscription coranique et le motif floral. Elle est utilisée comme amulette.

Connue sous le nom de Mogul Mughal, une émeraude pesant 217,80 carats inscrite d'une prière et datée 1107 AH, pendant le règne d'Aurangzeb, a été vendue pour £ 1,54M incluant premium par Christie's le 27 septembre 2001. Le revers est gravé de feuilles et fleurs.

La vente par Christie's à New York le 19 juin inclut plusieurs exemples d'émeraudes ciselées.

La meilleure de ces pierres en termes de pureté, couleur et saturation pèse 84,63 carats. Elle est ornée d'un motif végétal radiant avec deux figures concentriques polylobées. Elle est estimée $ 3M, lot 283.

Le lot 388, estimé $ 1,5M, avait été la pièce centrale du Collier Bérénice exposé en 1925 par Cartier à l'Exposition des Arts Décoratifs. Invendu, le collier a été démantelé. L'émeraude nommée The Taj Mahal par Cartier a été plus tard assemblée en broche par ce joaillier. Elle a été vendue pour $ 800K incluant premium par Christie's le 21 octobre 2009. Elle est hexagonale et pèse 141,13 carats, avec un ornement floral.

Le lot 340, estimé $ 500K, a été inscrit au nom de Shah Jahan dans les années 1620 avant son accession au trône. Cette émeraude cabochon pèse 30,60 carats.

Les Moghols ciselaient aussi des diamants. Le 13 décembre 2011 dans la vente de la collection d'Elizabeth Taylor, Christie's a vendu pour $ 8,8M incluant premium sur une estimation basse de $ 300K un collier assemblé par Cartier en 1972 pour le 40ème anniversaire de l'actrice. Il est centré d'un diamant de forme coeur inscrit à la date de 1037 AH (1627-1628 CE) au nom de l'épouse favorite de Shah Jahan pour qui cet empereur fera plus tard construire le plus somptueux des mausolées, le Taj Mahal.

1 juin 2019

La Femme sans Age

Le rôle de l'artiste est d'exprimer la réalité, même quand elle est triste ou horrible. Otto Dix est traumatisé par sa participation à la première guerre mondiale. Il devra exprimer les ruines et les mutilations.

Sa nomination en 1926 comme professeur à l'université de Dresde lui apporte une stabilité professionnelle qui ne met bien sûr pas fin à ses cauchemars. Il offre sa vision pessimiste de la société allemande tout en pastichant les grands maîtres de l'ancien temps, Dürer, Cranach, Baldung Grien. Pour promouvoir l'objectivité, il récuse la notion de laideur. Ses nus de femmes vieillissantes ne sont pourtant pas beaux.

Sitzender Akt mit blondem Haar, huile sur toile 100 x 80 cm tendue sur panneau peinte en 1931, est un portrait misérabiliste qui évite la caricature et le grotesque. La femme nue est maigre et maladive, et ses yeux trop ouverts ne regardent rien. Elle est sans doute une prostituée. Elle est surtout une allégorie du malaise de l'individu dans la société moderne allemande. Bien que le voile soit tenu par un geste maniériste, cette scène est résolument contemporaine.

Ce nu blond est estimé £ 2,2M à vendre par Christie's à Londres le 18 juin, lot 33. Je l'avais discuté dans cette chronique avant qu'il passe à Sotheby's le 19 juin 2012, lot 34.

Après cette période d'accalmie, de nouvelles épreuves attendent Otto Dix. Ses images en totale opposition avec l'idéologie Aryenne ne peuvent pas convenir au pouvoir Nazi. Son oeuvre devient une cible préférentielle des pourfendeurs de l'art dégénéré. Il change son style pour éviter d'être persécuté pour son art.