30 sept. 2019

Dévotion avec Cimabue

La pratique chrétienne connait des transformations considérables au début du XIIIème siècle. Pour entretenir la foi des fidèles, Dominicains et Franciscains ont besoin d'images. Les figures formalistes des icônes Byzantines ne conviennent pas. Progressivement, les artistes Italiens retrouveront le naturalisme de l'art pictorial antique.

En 1272 à Rome, un acte notarié mentionne comme témoin un peintre florentin nommé "Cimabove". C'est un surnom, signifiant Tête de boeuf. Cette allusion à son opiniâtreté indique que sa maturité était déjà reconnue. Dans son oeuvre qui fut certainement importante, une seule peinture a été documentée de son vivant, en février 1302.

Deux éléments provenant d'une oeuvre de dévotion sont attribués formellement à Cimabue et datés vers 1280 par Wikipedia. Ils sont peints à la tempera à l'oeuf et fond d'or sur une épaisse planche de peuplier. L'analyse des bords a permis de positionner la Vierge à l'Enfant en haut à gauche d'un panneau et la Flagellation en bas à droite.

La Passion du Christ ne peut pas se terminer par la flagellation. Les deux éléments faisaient partie du panneau gauche d'un diptyque qui a été séparé il y a longtemps dans un but mercantile. Tous les éléments de l'hypothétique panneau de droite sont perdus. Les diptyques et polyptyques étaient une pratique courante. De petites dimensions, ils étaient pliés pour être facilement transportés d'un lieu de dévotion à un autre.

Un troisième élément vient de faire surface, sur le thème de la Moquerie du Christ. Ce morceau de bois de 25,8 x 20,3 cm portant une surface picturale de 24,6 x 19,6 cm est l'élément en bas à gauche du panneau de gauche. Les bords joignent parfaitement les deux autres éléments, y compris par les tunnels des vers de bois qui avaient été sectionnés lors de la séparation.

Cette oeuvre est un très bel exemple de composition des tout débuts de la Renaissance Italienne. Les personnages sont humains et les drapés sont souples. Le Christ est serein, contrastant avec l'émotion des autres personnages. Il est un peu plus grand et ses habits sont plus sombres. La perspective est malhabile, avec l'inversion d'un toit : à cette époque, les ingénieurs n'ont pas encore développé cette géométrie.

La foule est dense des deux côtés du Christ, avec un mouvement coordonné incontestable bien qu'à peine perceptible. Les gens de droite, qui incluent le poseur de la couronne d'épine, poussent ensemble tandis que leurs collègues sur la gauche résistent à cette pression pour maintenir le Christ.

Il n'y a aucun historique d'enchères pour une oeuvre authentique de Cimabue. La Moquerie est estimée entre € 4M et 6M à vendre le 27 octobre à Senlis par Actéon, une maison de ventes qui opère principalement à Compiègne. Je vous invite à lire l'article préparé par la plate-forme d'enchères Interencheres et la vidéo partagée par Artcento. L'image est partagée par Wikimedia.


Cimabue Christ Mocked

29 sept. 2019

Honus Wagner en Grade 2

La rareté de la carte de baseball T206 Honus Wagner a fait sa gloire. Les plus riches collectionneurs ont à coeur d'en posséder un exemplaire, comme font les amateurs de voitures pour la Ferrari 250 GTO et les philatélistes pour l'Inverted Jenny.

Elle est seulement connue avec au dos les deux marques de tabac les plus fréquentes  de l'American Tobacco Company, Sweet Caporal et Piedmont, la première étant connue en deux variantes d'usine, 25 et 30. Tous les exemplaires indiquent la série à 150 sujets qui est l'édition originale en 1909, avant les extensions de la série. La cessation de production de la Wagner juste après le lancement de la série est évidente.

Sa population vérifiée comme authentique est d'environ 60 unités. Du fait de la rareté de l'offre, les amateurs se précipitent sur ces cartes même dans les plus bas grades de condition. Une carte Sweet Caporal référençant la rare Factory 30, décrite comme Authentic/Altered par PSA et non gradée parce que les marges avaient été rognées, a été vendue pour $ 550K incluant premium par Heritage le 19 septembre 2019.

Une carte Sweet Caporal Factory 25 gradée Good 2 par PSA sur leur échelle de 1 à 10, parfaitement identifiable par la référence PSA sur son carrier, a changé de mains plusieurs fois en quelques années. Elle témoigne parfaitement de l'appétit croissant pour la T206 Wagner dans le hobby.

Elle n'avait pas dépassé $ 236K aux enchères en avril 2005. Elle a été ensuite vendue aux enchères pour $ 660K par Lelands en 2014 puis pour $ 780K incluant premium par Heritage en novembre 2016. Sa vente privée pour $ 1,2M a été annoncée le 30 mai 2019 par Forbes informé par SCP. Elle est maintenant au lot 1 dans la vente aux enchères en ligne organisée par Mile High Card Company qui se terminera le 10 octobre.

28 sept. 2019

Vol au-dessus de Los Angeles

En 1961, après une brève expérience dans une agence de publicité, Ed Ruscha visite l'Europe. Au-dessus des boutiques, les signes sont composés dans des typographies attirantes. Pour le jeune artiste qui ne comprend pas le français, la beauté de ces mots est plus importantes que leur signification.

Dès lors Ruscha positionne inlassablement des mots sur des images plus ou moins figuratives. Cette association hétéroclite n'a pas de signification mais elle fascine le spectateur, tout comme plus tard les immenses assemblages de mots de Christopher Wool. Ruscha utilise des mots uniques servant de slogans, ou des phrases courtes incluant une contradiction, ou des titres de films.

Ruscha vit à Los Angeles depuis la fin des années 1950. A partir de 1986 sa série City Lights montre des perspectives obliques de haute altitude. Le fond de l'image est un bleu nuit très foncé interrompu par les lumières irrégulières du réseau perpendiculaire des rues et de leurs intersections. Les lettres sont rouges très foncé sur certains opus et blanches sur d'autres. Le titre de la série est un hommage à Chaplin.

I Tried to forget to remember, huile et acrylique sur toile 183 x 244 cm peinte en 1986, a été vendue pour $ 8,2M incluant premium par Sotheby's le 16 mai 2019 sur une estimation basse de $ 5M. Le titre paraphrase le "I Forgot to remember to forget" chanté par Elvis Presley. Les lettres sont rouges.

La série continue en 1987. Whiz kids, 168 x 168 cm, a été vendu pour $ 4,2M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015 et Inferno, 183 x 183 cm, imitant une écriture à la main, pour $ 2,2M incluant premium par Phillips le 12 mai 2011. Dans ces deux oeuvres les mots sont blancs. Avec des lettres rouges, Didja?, 183 x 183 cm, a été vendu pour $ 3,1M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2016.

Le 6 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend Point Blank, acrylique et huile sur toile 183 x 183 cm peinte en 1988, lot 1140 estimé HK$ 25M. Les lettres majuscules sont rouges. Le thriller Point Blank, sorti sur les écrans en 1967, avait été entièrement tourné en Californie.

27 sept. 2019

Le Voile Diaphane

Osman Hamdy Bey est à Paris de 1860 à 1869. Son père voulait qu'il étudie le droit. Il préfère s'imprégner de la peinture orientaliste de Gérôme et Boulanger et des nouvelles modes vestimentaires du Second Empire.

Revenu à Constantinople, il s'intéresse aux costumes traditionnels dont il étudie une possible compatibilité avec le monde moderne. A l'occasion de l'exposition universelle de Vienne en 1873, il prépare les textes pour une importante édition de photographies de costumes populaires de Turquie.

Hamdy Bey mène de front une activité de peintre orientaliste dans le style Européen et d'administrateur culturel pour l'empire Ottoman. Sa carrière sera extrêmement brillante. Il sera un infatigable promoteur et éducateur à la fois de l'archéologie et de l'art moderne.

Le 30 mai 2008, Sotheby's a vendu pour £ 3,4M incluant premium le portrait grandeur nature d'une jeune femme de Constantinople, huile sur toile 185 x 109 cm peinte en 1881. Une petite version presque identique, 120 x 60 cm, datée de la même année, vient de faire surface. Elle est estimée € 1,5M à vendre par Dorotheum à Vienne le 23 octobre, lot 526. Je vous invite à regarder la video partagée par Dorotheum. L'image est partagée par la maison de ventes "for media use" avec copyright à Dorotheum.

La scène est prise dans un intérieur de riches tentures et tapis orientaux. La femme debout est jolie et élégante avec un superbe manteau d'extérieur. Bien qu'elle semble appartenir à l'aristocratie ou à la riche bourgeoisie, elle n'est pas identifiée.

Il existe une seule différence entre les deux peintures. Elle porte un voile oriental ou yasmak d'une telle transparence qu'il ne cache rien du visage, contrairement aux traditions. Le voile monte jusqu'aux sourcils dans la version grandeur nature mais reste sous les yeux dans l'autre peinture. Ce sont des images de mode. La femme est un supermodel de la modernité à Constantinople au temps des derniers Sultans.



Sanyu après la Grande Chaumière

A partir de 1923, Sanyu vit essentiellement à Paris. Il découvre avec délectation à l'Académie de la Grande Chaumière que des jeunes femmes exhibent leur nudité pour les artistes et les étudiants.

Deux évènements marquent sa maturité. Son mariage en 1928 prend fin en 1931. Sa coopération avec le collectionneur et marchand Henri-Pierre Roché dure de 1929 à 1932. Pendant cette période de grande créativité, Sanyu peint des huiles sur toiles sur des thèmes très variés.

Sa vision du corps des femmes change radicalement à ce moment, passant de la sensualité à une idéalisation mystique. Ces femmes restent des modèles comme au temps de la Grande Chaumière. Elles n'ont aucune dimension psychologique, sont le plus souvent allongées sur le dos ou le ventre. Elles offrent la beauté de leur peau nue en dormant, comme Marie-Thérèse pour Picasso. Le réalisme des proportions n'a plus aucune importance.

Ces nus sont blancs puis roses. Ils sont posés sur un tapis de sol comme les étoiles de mer sur la plage. Les tapis sont souvent décorés de petits dessins de style Chinois, probablement pour évoquer l'origine de l'artiste. Les contours du corps deviennent moins appuyés et les contrastes de couleurs prennent des tons pastels.

Sanyu datait rarement ses oeuvres. Un nu couché 81 x 130 cm peint en 1931 est peut-être un des premiers de la série si l'on considère la couleur criarde du tapis. Il a été vendu pour HK$ 16,3M incluant premium par Sotheby's le 3 octobre 2011.

Un nu sur tapis floral sur panneau 46 x 82 cm montre une meilleure maturité. Il a été vendu pour HK$ 59M incluant premium par Poly le 3 octobre 2016. Dans un style très similaire, une huile sur toile 45 x 81 cm intitulée Nu rose sur tissus Chinois est estimé HK$ 35M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 1030. Il a appartenu à Roché, ce qui ne permet toutefois pas d'identifier s'il a été acquis avant ou après la querelle de 1932.

26 sept. 2019

Soeur et Enfant

Hurvin Anderson est né à Birmingham de parents Jamaïcains. En 1998 il termine ses études au Royal College of Art à Londres. Tout comme son professeur Peter Doig, il a des liens personnels ou familiaux avec les Caraïbes et le Canada.

Anderson reçoit une photo envoyée du Canada par sa soeur qui y a émigré. Il transpose cette image en deux huiles sur toile 260 x 190 cm. Chaque élément montre la soeur avec un jeune enfant en chaude tenue d'hiver, debout grandeur nature sur un lac gelé de l'Alberta.

Chaque peinture reproduit exactement la position et les gestes des personnages. Les couleurs sont opposées. Les traits des visages sont omis. L'enfant est noir dans les deux cas. La femme est noire sur une peinture et jaune vif sur l'autre. Les deux vues du lac glacé sont différentes et leurs détails sont probablement imaginaires. L'influence de Doig est flagrante.

A cette époque Anderson ne connaissait pas encore le Canada. Ces vues ne sont donc pas liées à un souvenir personnel. La confrontation des deux éléments apporte une interprétation sociale : les races sont interchangeables dans leurs attitudes et leurs sentiments.

Mount Royal (Lac des Castors) a été vendu pour £ 1,57M incluant premium par Christie's le 6 octobre 2017 sur une estimation basse de £ 400K. Beaver Lake est estimé £ 1,5M à vendre par Phillips à Londres le 2 octobre, lot 11.

Les Ondes de Bridget Riley

La vision ne se réduit pas à une simple géométrie. Les chocs de couleurs génèrent la perception de couleurs complémentaires qui n'ont pas été peintes par l'artiste. Les réseaux serrés de lignes apportent des illusions de déformations tridimensionnelles et même de mouvements. L'Op Art est une suite non figurative du pointillisme.

Bridget Riley peint des formes sans fin. Elle commence par le noir et blanc. En 1967 elle fait plusieurs expériences de couleurs. Chant 2, 231 x 231 cm, est une alternance de bandes verticales  rouge-bleu-rouge et bleu-rouge bleu sans variations de largeur et d'espacement. La magie opère : le spectateur croit voir aussi un jaune-orange qui n'existe pas. Chant 2 a été vendu pour £ 2,9M incluant premium par Christie's le 13 février 2014.

A la suite de sa série Cataract de 1967, une autre phase commence en 1974 quand l'artiste explore plus systématiquement les lignes ondulées qui peuvent se rapprocher ou s'éloigner entre elles mais ne se chevauchent jamais. Si le motif global est totalement identique sur l'ensemble de la surface, le spectateur perçoit  des boursouflures  régulières et cette illusion génère à son tour une instabilité. Peint en trois couleurs, rouge, bleu et vert, Gala, 160 x 160 cm, a été vendu pour £ 740K incluant premium par Sotheby's le 5 février 2009.

A la fin de la décennie avec ses séries Song of Orpheus et Orphean Elegy, Riley augmente le nombre de couleurs dans ses réseaux ondulants.

Le 1er octobre à Londres, Christie's vend Orphean Elegy 7, acrylique sur toile 140 x 130 cm peint en 1979 en rose, orange, jaune, violet et vert, lot 10 estimé £ 1,5M. Un autre opus de la même série en turquoise, bleu, orange, rose et vert a été vendu pour £ 450K incluant premium par Christie's le 20 juin 2007.

Ces illusions d'optique résultent d'une préparation minutieuse. Orpheus Study 14, crayon et gouache 97 x 61 cm réalisé en 1978, a été vendu pour £ 94K incluant premium par Christie's le 22 novembre 2017.

25 sept. 2019

Que la Lumière Soit

A partir du moment où Zao Wou-Ki choisit délibérément l'abstraction, son art devient une quête mystique, inlassable, imperturbable, dans une continuité qui est à peine affectée par le grand drame de sa vie, le départ de sa femme.

La série des Oracle bones connait son point culminant au début de 1957 avec une peinture intitulée selon le second verset de la Genèse : Et la Terre était sans forme. Le chaos primordial est parsemé d'éclats qui annoncent la paléographie Chinoise. Cette huile sur toile 200 x 162 cm a été vendue pour HK$ 183M incluant premium par Poly le 29 mars 2018.

Il calme ensuite son chagrin par un long voyage au cours duquel il rencontre les expressionnistes abstraits Américains. A son retour la prééminence de la pseudo-écriture a disparu. Zao recherche désormais la création de la lumière, troisième verset de la Genèse, certainement plus facile à conceptualiser visuellement.

Dans une huile sur toile 130 x 162 cm peinte en 1958, la nuit est percée par le feu. Le titre, Abstraction, est significatif de l'inutilité des mots pour accompagner une oeuvre. Elle est un des tout derniers opus auxquels l'artiste a voulu apporter un titre descriptif. Abstraction a été vendue pour RMB 90M incluant premium par Sotheby's le 1er décembre 2013.

Deux oeuvres peintes en 1959 dans le même format apportent la naissance de l'aube. La première, datée du 14 avril, montre un paysage à peine distinct dans la pénombre. Tout du long de l'horizon, sous le ciel noir, la lumière cinglante de l'aube primordiale est partiellement obturée par des projections volcaniques accompagnées de quelques résidus amalgamés de la paléographie. Cet opus est estimé HK$ 75M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 1021.

14.12.59 est une composition d'inspiration similaire sauf que la lumière aveuglante a repris la forme d'une boule centrale et que le ciel est rouge incandescent. Cet opus a été vendu pour HK$ 177M incluant premium par Christie's le 26 mai 2018 sur une estimation basse de HK$ 68M.

Réinsertion de Basquiat à New York

Le 3 octobre à Londres, Sotheby's vend au lot 10 Pyro, une peinture 219 x 173 cm de Jean-Michel Basquiat. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

Cette oeuvre a toutes les qualités d'exécution des chefs d'oeuvre de 1981 et 1982. Réalisée en acrylique, encre de sérigraphie et oil stick sur toile, elle est un mélange flamboyant de rouge, jaune, violet et vert tout autour et à l'intérieur du personnage central. Pourtant Pyro est daté 1984.

1984 est la première année difficile pour Basquiat. Au début de l'année, il est à Los Angeles pour son bref second séjour sous la protection de Gagosian. Il s'échappe pour tenter d'installer son atelier à Hawaii dans un ranch isolé et revient à New York City en mars. A la fin de l'année ses amis sont inquiets de sa dépendance croissante à la drogue.

Basquiat cherche encore et toujours à comprendre et exprimer sa relation exacerbée au monde. Le titre Pyro est à corréler avec la furie du personnage central qui ne maîtrise pas sa propre explosion.

Pyro inclut des symboles de New York City comme l'Empire State Building à la place de choix en haut à droite de l'image. La grande pagode est un symbole de la diversité cosmopolite de la grande ville. Les espoirs et menaces de la technologie incluent la navette spatiale et des graffiti évoquant l'industrie du polonium.

L'oeuvre n'est pas localisée. Considérant son historique d'expositions qui commence l'année suivante, elle a probablement été peinte par Jean-Michel peu après son retour à New York.


24 sept. 2019

Le Roi Auto-Proclamé du Tabac

Autour de 1909 l'American Tobacco Company gérait 16 marques de tabac. L'importante série de cartes de baseball éditée de 1909 à 1911 et connue dans le hobby sous la référence T206 porte au dos en plein format une publicité pour l'une ou l'autre de ces marques. Les dos vierges sont rares, probablement des erreurs d'impression. Les cartes étaient insérées à l'intérieur des paquets de cigarettes et de tabac. L'identité et la ville du joueur sont inscrites au recto sous le portrait, sans détail biographique.

La très rare variante Cobb avec dos Cobb a le seul dos portant le nom d'un joueur, dans une évidente intention promotionnelle. Le texte publicitaire complet est "Ty Cobb" king of the Smoking Tobacco World. Elle figure exclusivement au dos de l'image du portrait de Ty Cobb sur fond rouge. Aucune autre carte T206 n'est connue avec ce dos, pas même les trois autres sujets de Ty Cobb de la même série.

La découverte d'un trésor de 7 images identiques dans le sud des Etats-Unis a porté la population totale du dos Cobb à 22 cartes en 2016. Très curieusement 5 images précédemment connues avaient été également trouvées en un seul groupe en Georgie, en 1997. Le carton est plus dur qu'un T206 ordinaire et les taches de tabac sont très rares.

Ty Cobb, surnommé The Georgia Peach, avait tenté de commercialiser une marque de tabac à pipes et à rouler sous son propre nom. Les cartes ont pu être lustrées pour être protégées des souillures du tabac, une amélioration par rapport aux T206 usuelles. L'hypothèse selon laquelle la carte Cobb-Cobb est un plagiat ultérieur pour une opération commerciale qui fut éphémère ou ratée expliquerait toutes les particularités de carton et d'édition ainsi que la rareté.

Les deux meilleures cartes de ce type proviennent du trésor de 2016 désormais connu dans le hobby comme le Lucky 7 Find. La carte gradée VG+ 3,5 par PSA a été vendue pour $ 410K incluant premium par Heritage le 24 février 2018. La meilleure, gradée VG/EX+ 4,5 par PSA avec une surface d'une rare brillance, est le lot 2 dans la vente en ligne par Mile High Card Company qui se clora le 10 octobre.

Le 19 septembre 2019, Heritage a vendu pour $ 144K incluant premium une boîte à tabac portant l'inscription Ty Cobb Granulated Cut Plug ainsi qu'une image stylisée de Cobb avec sa batte sur l'épaule inspirée d'une autre variante T206 de ce joueur.

Le Sourire du Fou

Non loin d'Anvers, Mechelen (Malines) a aussi une activité artistique intense, mais elle est malheureusement très peu documentée. Les oeuvres, non signées et généralement non datées, peuvent difficilement être attribuées à l'un ou l'autre des artistes dont certains, comme le Maître de 1537, sont encore anonymes. La personnalité dominante est Frans Verbeeck, reçu en 1531 à la guilde locale des peintres et mort en 1570.

Ce groupe est cependant important dans l'histoire de l'art. Il assure une transition entre Bosch et Bruegel. Le principal thème est l'illustration des proverbes, souvent personnalisés par les fous. Le thème des fêtes villageoises est une de leurs innovations, précédant Pieter Bruegel.

Une moquerie des folies humaines mettant en scène un marché aux fous a été vendu pour € 3M incluant premium par Dorotheum le 21 octobre 2014. Cette huile sur toile est remarquable par le foisonnement de l'action et par ses grandes dimensions, 135 x 188 cm.

Le 27 septembre à Zurich, Koller vend un proverbe, huile sur panneau 34 x 25 cm peinte dans la décennie 1550 par le groupe de Verbeeck, lot 3012 estimé CHF 500K. L'estimation de date est confirmée par dendrochronologie.

Cette oeuvre est le portrait à mi-corps d'un personnage vêtu du manteau rouge d'un fou du roi affublé d'une capuche avec deux longues oreilles de chien. Le sourire imbécile est dans le style des grotesques et des diableries.

Le proverbe est facilement identifiable : "door de vingers zien", je regarde le monde au travers de mes doigts. Pour éviter d'affronter la réalité, le fou a ôté ses lunettes qu'il tient dans une main, tandis que les longs doigts de l'autre main sont placés sur les yeux. Il maintient avec son bras un grand bâton terminé par la figure d'un fou, probablement un portrait statufié du même personnage.

Le tweet montre un détail de l'image.

23 sept. 2019

Il était une fois dans l'Est

En 2000 Tigre et Dragon, réalisé par Ang Lee, renouvelle le film martial chinois en visant un public international. En 2001-2002 Liu Ye peint une trilogie transposant dans une ambiance de western ses gentilles petites écolières Chinoises qui expriment naïvement leur relation au monde et à l'art.

Les trois peintures sont des acrylique et huile sur toile de format panoramique autour de 180 x 360 cm. Le paysage stylisé est dominé par un ciel de couchant avec plusieurs nuances d'orange vif. Chaque opus montre un élément basique des films de western américain : Gun, Smoke, Sword.

Sur Gun, la petite fille est en position de guet avec un fusil à la main. De son rocher dans le coin en bas à droite de l'image, elle contrôle l'immensité.

Sur Smoke, elle est montrée de face, debout devant un halo du ciel orange, qui peut avoir été créé par la fumée de la minuscule cigarette qu'elle tient à la main. Smoke est estimé HK$ 25M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 6 octobre, lot 1108.

Sword est l'épilogue, très humoristique. Deux écolières jumelles se font face de très loin, comme pour un duel au pistolet, mais tiennent chacune une épée. Sword a été vendu pour HK$ 43M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013.

L'artiste Liu Ye ne doit pas être confondu avec l'acteur de cinéma du même nom, de quatorze ans son cadet.

22 sept. 2019

La Menace des Millennials

En 2000 Yoshitomo Nara revient au Japon après douze ans passés en Allemagne. Son style change. Les têtes de petites filles sont remplacées par des portraits debout. Les dimensions des oeuvres augmentent, les contours sont moins noirs et les tons pastel adoucissent l'image.

Yoshitomo Nara ne veut pas que son art soit politique. Il l'est pourtant en 2000, inspiré par sa récente visite à Auschwitz. Les enfants de cette époque sont déjà les Millennials, qui veulent influencer l'évolution du monde contre les dangers qu'ils ne peuvent pas analyser et encore moins maîtriser. Les titres transcrivent cette révolte imaginaire : Last warrior sous-titré The Unknown soldier, The Little ambassador.

Knife behind back est un des messages les plus forts, accentué par une vue en plongée sans environnement visible. La bouche est sévère et têtue. La main droite est cachée, justifiant l'interprétation du titre comme une menace. Cet acrylique sur toile 234 x 208 cm sera vendu le 6 octobre par Sotheby's à Hong Kong, lot 1142.

Les deux autres exemples cités ci-dessus, également peints en 2000, sont extraits de l'histoire des enchères. The Little ambassador, 198 x 132 cm, a été vendu pour HK$ 24M incluant premium par Sotheby's le 2 octobre 2016. Last warrior, 165 x 150 cm, a été vendu pour HK$ 21,7M incluant premium par Phillips le 28 mai 2017.

Cette petite fille Japonaise est contemporaine de l'invention des emojis. La suggestion d'un objet caché est une idée féconde. Le personnage perd bientôt son agressivité et sourit gentiment. Right hand in back, acrylique sur toile circulaire de 180 cm de diamètre peint en 2002 et monté sur fibre de verre, a été vendu pour $ 2,17M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2017.

Perles de Jadéite Vert Emeraude

La jadéite peut avoir diverses couleurs. La variante vert émeraude vif ou intense était la pierre la plus précieuse pour les bijoux à la cour impériale des Qing, sous forme de perles, cabochons et d'anneaux, sans embellissement superflu. Les plus belles pierres provenaient de Birmanie.

La simplicité des formes nécessite un savoir faire exceptionnel qui a connu son apogée sous le règne de Qianlong. Au siècle suivant l'impératrice douairière Cixi en était friande. Les collections de perles ont souvent été assemblées, ou ré-assemblées, en colliers au siècle dernier avec des fermoirs en diamants.

La variance des couleurs naturelles et la finesse de la texture permettent de distinguer si les pièces proviennent d'une même pierre. Les meilleures perles doivent être homogènes entre elles avec des dimensions comparables. Elles doivent être translucides, dans un vert très vif.

Les quatre exemples de colliers listés ci-dessous sont parmi les meilleurs colliers de jadéite vert émeraude.

Dans l'histoire des enchères, la star absolue dans cette catégorie est le collier de Barbara Hutton, vendu pour HK$ 214M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2014. Il est composé de 27 perles vert brillant de 15,40 à 19,20 mm.

Le 7 avril 2010, Sotheby's a vendu pour HK$ 43M incluant premium un collier de 35 perles vert vif de 12,55 à 15,04 mm.

Le 6 octobre à Hong Kong, Poly vend au lot 2133 un collier de 25 perles vert vif de 16,80 à 17,82 mm. Le catalogue indique une grande densité cristalline et une couleur homogène et saturée avec une grande translucidité. La faible dispersion des dimensions est remarquable.

Le 7 octobre également à Hong Kong, Sotheby's vend un collier de 47 perles vert intense de 10,48 à 12,02 mm, lot 1803 estimé HK$ 25M.

21 sept. 2019

Kimpsons pour Nigo

Brian Donnelly est un street artist. Il commence sa carrière en affublant d'attributs loufoques les affiches des abribus de New York. Il choisit comme nom d'artiste KAWS parce qu'il trouve que l'alignement de ces quatre lettres majuscules est joli.

Il peuple son univers avec des personnages spécifiques, comme avait fait Disney. Comme Koons et Murakami, il exploite des produits dérivés. Ses petits jouets sont très populaires. La plus grande de ses poupées gonflables atteint 37 m et pèse 40 tonnes. Les yeux en X, comme sur les personnages d'outre-tombe de Haring, sont une caractéristique permanente de son art.

KAWS ré-approprie les personnages fictifs reconnaissables par le grand public : Snoopy, Garfield, les Schtroumpfs, Bob l'Eponge, Bibendum, et bien sûr les Simpsons qui prennent une vie parallèle sous le nom de Kimpsons.

Une oeuvre peinte en 2003 montre la famille Kimpson assise sur un canapé. Le chef de famille tient la télécommande du téléviseur. Cet acrylique sur toile 102 x 102 cm peint en 2003 a été vendu pour HK$ 21M incluant premium par Sotheby's le 1er avril 2019 sur une estimation basse de HK$ 4M. Le canapé s'affaisse sans réveiller ses occupants : dans la même vente, une peinture de même date et format a été vendue pour HK$ 20,6M incluant premium.

La rencontre du designer de mode Japonais Nigo, créateur de la marque de vêtements Bape, est décisive pour KAWS. Une oeuvre peinte en 2004 sur une commande de Nigo montre le même canapé mais maintenant les personnages flottent en apesanteur. Cet acrylique sur toile 275 x 244 cm est estimé HK$ 48M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 6 octobre, lot 1136.

Egalement commandé par Nigo et peint en 2005, The Kaws Album montre toute la famille des Kimpsons et leurs voisins en un groupe compact qui est une appropriation au second niveau, directement du Yellow Album des Simpsons et indirectement du Sgt. Pepper des Beatles. Dans la vente du 1er avril 2019 citée ci-dessus, cet acrylique sur toile 102 x 102 cm a été vendu pour HK$ 116M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 6M.

Le Terrible Smilodon

Dans les forêts d'Amérique du Nord, nos ancêtres pouvaient rencontrer le smilodon, une espèce de tigre à dents de sabre. Aussi gros qu'un lion actuel, cet animal était reconnaissable à ses canines supérieures qui pouvaient atteindre plus de 20 cm et dont l'utilisation était facilitée par une ouverture de la gueule à 120°.

Ce prédateur du Pléistocène se nourrissait depuis 2,5 millions d'années des plus gros mammifères, en viande fraiche et en charogne. Les dents étaient utilisées comme poignards et déchiqueteuses quand la mâchoire était ouverte ou comme massue ou brise-glace avec la mâchoire fermée. Il a disparu pendant une glaciation qui avait décimé ses proies.

Cet animal était sociable. Les fossiles groupés dans un seul gisement à Rancho La Brea en Californie ont été datés d'il y a 19000 à 12600 ans au carbone 14. Ces gros minets sont protégés ! Les fouilles privées sont interdites depuis un demi-siècle sur ce site.

Le 28 septembre à Dallas, Heritage vend le fossile d'un crâne de smilodon, lot 72127 estimé $ 700K. Il y est joint une lettre du Los Angeles County Museum of Natural History confirmant son autorisation de circulation.

Ce specimen est exceptionnel. La mâchoire inférieure était proche de la boîte crânienne lors de sa découverte et il est complet à 95 % d'un animal unique. En particulier, le fragile orifice nasal est intact. Il est de grandes dimensions pour son espèce, smilodon fatalis, avec une longueur de crâne de 35 cm et des sabres mesurés à 25 cm par la courbure extérieure.

20 sept. 2019

Des Trous dans l'Espace-Temps

Les horreurs de la guerre ont traumatisé Burri et Fontana. La renaissance de la civilisation demande un art nouveau, complètement différent. Indépendantes l'une de l'autre, les conceptions de ces deux artistes ouvrent la voie au minimalisme, à l'arte povera et à de nouveaux développements de l'action painting.

De 1940 à 1947, le sculpteur argentino-italien Lucio Fontana enseigne l'art à Buenos Aires. Avec plusieurs de ses étudiants, il prépare le Manifesto Blanco qui invite à développer un art inspiré de l'espace-temps des physiciens pour transcender à la fois la peinture, la sculpture, la poésie et la musique.

Revenu en Italie, Lucio Fontana tente avec ardeur de développer un style qui répond à ses conceptions. Son titre générique, Concetto spaziale, fait référence au mystère cosmique. A cette époque l'astronautique n'existe que dans l'imagination de von Braun. Bien plus tard Fontana se laissera complaisamment considérer comme un visionnaire de la conquête spatiale.

Sa première grande avancée est la perforation, qu'il applique à des supports monochromes variés : papier, carton, toile, terre cuite, métal. Sous la lumière, le réseau de trous apporte à l'oeuvre une luminosité variable qui annihile le support. Les incrustations en verre de Murano, également utilisées par l'artiste, apportent un effet similaire tout en ajoutant les couleurs. Après des dessins préparatoires, Fontana perfore la matière par une succession très rapide de gestes violents.

Le 4 octobre à Londres, Christie's vend au lot 109 un Concetto Spaziale réalisé en 1954. La feuille d'acier 60 x 100 cm est décorée de six rangées ondulantes composées de dix à seize trous. Le réseau de trous est limité par un trait fin qui est également visible dans d'autres oeuvres de l'artiste. Comme sur l'écran de télévision, le regard du spectateur ne doit pas s'égarer vers l'extérieur.

A cette époque Fontana pratique encore peu la lacération verticale qui deviendra sa technique la plus connue du grand public. Une nouvelle inspiration lui viendra en 1961 en admirant les gratte-ciel de New York.

Etudes de Jambes Roses

Le nu féminin est un thème favori de Sanyu. Son art est profondément authentique mais s'intègre toutefois dans les tendances Art Déco de sa jeunesse. Les dessins sont souvent érotiques mais les peintures à l'huile sont des études de formes avec une palette volontairement minimale, comme les plantes en pot et les animaux de la même période.

Sanyu n'était pas tenté par l'abstraction totale. La chair est contenue dans un contour dont le trait s'épaissit au fil du temps. Sous l'influence de la photographie, sa composition se libère de l'espace tridimensionnel, donnant dès le début des années 1930 une prépondérance exagérée aux jambes et rétrécissant la tête.

Pendant toute sa vie, Sanyu a exercé sa créativité sans réussir à pousser sa carrière. En 1964 un projet d'exposition solo au National Museum of History de Taipei apporte l'espoir d'une reconnaissance internationale. Il envoie 42 oeuvres, incluant un nouveau Nu 47 x 50 cm à l'huile sur papier.

Le projet se passe mal et Sanyu n'accède plus à ses propres oeuvres. En avril 1965 il compense cette frustration en réalisant une version de plus grand format de son nouveau Nu, une huile sur isorel 123 x 135 cm. La simplicité des formes et la monochromie du corps sur fond blanc donnent une excellente lisibilité à cette oeuvre, comme une affiche publicitaire. Elle est l'élément central d'une exposition privée à Paris en décembre 1965.

Une inscription autographe pathétique au dos de cette peinture témoigne que l'artiste vieillissant ressent avec cette composition la maturité qu'il cherchait depuis plusieurs décennies et regrette le temps perdu pendant les années de misère. C'est trop tard. Il meurt accidentellement dans son atelier en août 1966.

Cet ultime Nu sur isorel sera vendu par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 1029. Le communiqué de presse du 16 septembre annonce une estimation au-delà de HK$ 150M. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.



19 sept. 2019

Du Rose au Violet

Pour les diamants roses, la couleur est soit pure, soit associée à une couleur secondaire : rouge, orange, jaune, bleu vert, brun, violet. Dans toute cette gamme, l'intensité Vivid est préférée par rapport aux plus denses, Intense et Deep, et aux plus douces, Light et Faint.

La désignation Purple Pink ou Pink Purple indique qu'aucune des deux couleurs n'est dominante. Un Purplish Pink est un rose incluant des nuances violettes. Dans les deux cas, une coupe à multiples facettes favorise la mise en valeur des deux couleurs et de leur mélange.

Le 7 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend un Fancy vivid purplish pink internally flawless pesant 10,64 carats. La forme rectangulaire à coins coupés est une combinaison de la coupe émeraude et du scintillement des facettes du brillant. Il est monté sur une bague entre deux diamants blancs. Ce bijou est estimé HK$ 150M, lot 1820.

Une similaire dualité de la coupe a été également appliquée au Pink Star, le Fancy vivid pink de couleur pure de 59,60 carats qui a été vendu pour HK$ 550M incluant premium par Sotheby's le 4 avril 2017. Son contour n'est pas rectangulaire mais ovale.

Annoncé en août 2019 par la société minière Russe Alrosa, le Spirit of the Rose est un internally flawless Fancy vivid purple pink. Il pèse 14,83 carats, avec une coupe ovale qui tient compte à la fois de la meilleure mise en valeur des deux couleurs et d'un rendement optimal par rapport à la gemme brute, extraite en Yakoutie en 2017, qui pesait 27,85 carats.

Le 7 octobre 2014, Sotheby's a vendu pour HK$ 138M incluant premium un Fancy vivid purple pink internally flawless de forme poire pesant 8,41 carats.

A l'extrémité de cette gamme de couleurs, le Purple Orchid annoncé en février 2018 est un exceptionnel Pinkish-Purple taillé en coussin pesant 3,37 carats. Un violet pur dépasse très rarement 3 carats.

18 sept. 2019

Le Secret des Dragons

Pendant le règne de Xuande, la porcelaine blanche est purifiée avec un soin sans précédent, créant une matière inaltérable. Les améliorations du bleu de cobalt associées à une glaçure épaisse apportent aux pièces impériales la brillance du dessin et la qualité tactile. Ces progrès permettent aux potiers de Jingdezhen de créer de nouveaux effets visuels.

La réalisation de différentes nuances de bleu sur une même pièce est obtenue en étalant la couleur comme un traditionnel lavis d'encre sur un papier. L'obtention de nuances de bleu en modifiant la pureté du cobalt sera développée un demi-siècle plus tard pour les bols de palais Chenghua.

Les Chinois ont toujours aimé les lithophanies. La nouvelle pureté de la porcelaine, associée à une minceur des parois qui n'empêche pas la robustesse, permet d'inciser des images cachées observables uniquement par transparence. Cette technique est appelée anhua.

Un modèle de bol sur un haut pied creux inclut toutes ces avancées du bleu et blanc. Ces pièces d'environ 15,5 cm de diamètre sont décorées sur les bords du bol de deux dragons dessinés en bleu foncé avec un pinceau fin, évoluant dans une nuée bleu clair. L'intérieur inclut une paire de dragons en anhua qui encerclent la marque impériale peinte en bleu foncé. Pour ces bols de très haut prestige, ces dragons à cinq doigts par patte sont impériaux.

Ces pièces étaient faites en série, comme souvent pour la porcelaine impériale Chinoise. Quatre d'entre elles sont presque identiques. Un bol a été vendu pour HK$ 113M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 50M par Sotheby's le 4 avril 2012. Un autre sera vendu par Sotheby's à Hong Kong le 8 octobre, lot 3606. Le communiqué de presse du 28 août annonce une estimation au-delà de HK$ 60M.

Quatre pièces existent également dans une variante très similaire, de mêmes dimensions, reconnaissable à un dessin différent des rochers sur le pied. Une d'elles, également avec l'anhua, a été vendue pour HK$ 69M incluant premium par Christie's le 30 novembre 2016. Christie's indiquait que l'anhua est si subtil qu'il avait échappé aux catalogueurs des ventes précédentes de la même pièce.

La Musique Etincelante d'Anna Hu

Au siècle dernier, Cartier avait compris qu'une pierre précieuse devait être assemblée dans un environnement qui la valorise. Les concepteurs contemporains ont une approche similaire.

Née à Taiwan et travaillant à New York, Anna Hu a une vision globale de l'art et de son histoire. Elle avait dû renoncer à une carrière de violoncelliste à cause d'un accident, et apporte à ses créations de joaillerie une intense inspiration musicale. Une broche intitulée Côte d'Azur a été vendue pour CHF 4,2M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013 sur une estimation basse de CHF 2,35M.

Dans une opération coordonnée avec Sotheby's, Anna Hu a créé cinq nouveaux bijoux qui seront vendus séparément à Hong Kong le 7 octobre. Elle introduit ces oeuvres et son travail dans la vidéo partagée par la maison de ventes.

La pièce la plus importante en terme de carats est le Dunhuang Pipa Necklace, lot 1713 estimé HK$ 40M. Elle est construite autour d'un diamant fancy intense yellow, internally flawless, pesant 100,02 carats. Le diamant est un coussin presque rectangulaire centré sur un lit de petits diamants blancs qui prend la forme d'un luth traditionnel Chinois. Le collier de diamants est détachable, permettant l'utilisation du pipa en broche ou en boucle d'oreille.

Un fancy intense yellow n'atteint pas les $ 200K par carat d'un fancy vivid yellow parfait. Un fancy intense yellow de même parfaite clarté pesant 43,51 carats a été vendu pour $ 2,85M incluant premium, $ 66K par carat, le 8 septembre 2011 à Cleveland dans une vente aux enchères de la police. Il avait été saisi chez un gangster qui avait apprécié sa couleur canari saturée.

17 sept. 2019

Images en Négatif pour Xuande

L'empereur Xuande de la dynastie des Ming était passionné par les porcelaines, contrairement à Yongle dont les développements était largement destinés à l'export. Les potiers de Jingdezhen sont invités à mettre au point des techniques de plus en plus raffinées. Le bleu de cobalt atteint sa meilleure brillance avec Xuande.

Les plats à bords creux à thèmes de fleurs ou de fruits sont réalisés sur un très petit nombre de modèles : pivoines, grenades, gardenias. Les couleurs sont le bleu de cobalt sur fond blanc ou jaune et le brun de fer sur fond blanc.

Une variante à couleurs inversées a aussi été testée. Les motifs végétaux sont créés en blanc dans des réserves, le reste de la pièce étant bleu. Le dessin n'est pas retouché à l'intérieur des zones blanches. L'effet visuel en silhouette apparaît trop massif comparé aux dessins bleus sur fond clair de la technique traditionnelle.

Les pièces les plus grandes, à partir de 30 cm de diamètre, sont décorées en externe et en interne, avec la marque impériale de Xuande dans un cartouche horizontal sous le bord. Pour cette dimension la base n'a pas de glaçure, probablement par une conséquence de sa position dans le four.

Ces plats expérimentaux coutaient trop cher à cause de l'importante surface de cobalt, d'un temps de traitement trop long et probablement d'un faible rendement. Une des difficultés consistait à éviter les bavures du bleu sur le blanc. Ils sont très rares. En voici deux exemples :

Un plat à décor intérieur de pivoines et extérieur de chrysanthèmes de 39 cm de diamètre a été vendu pour $ 2,17M incluant premium par Sotheby's le 15 mars 2017. Un plat à décor intérieur de grenades et extérieur de lotus de 30 cm de diamètre a été vendu pour HK$ 17M incluant premium par Sotheby's à Hong Kong le 8 avril 2007 et revient dans la même maison de ventes le 8 octobre, lot 1001 estimé HK$ 25M.

16 sept. 2019

La Planète des Parlementaires

Banksy a commencé sa carrière underground à Bristol. Bien que son identité n'ait pas été révélée, il est très certainement originaire de cette ville ou de sa banlieue.

En 2009 le Bristol Museum consacre une grande exposition à Banksy, incluant plus de 100 oeuvres dont 78 sont nouvelles. Devolved Parliament (Parlement décentralisé), 276 x 446 cm, est une de ses plus grandes huiles sur toile.

L'oeuvre montre une séance plénière de la Chambre des Communes, sans banc vide. Tous les MP sont des chimpanzés. Leur attitude est calme et sérieuse, comme sous le poids d'une responsabilité qui les dépasse. La réalité dépasse la fiction : les vrais élus du peuple ont été récemment surpris à crier, brandir des pancartes, claquer leur pupitre ou menacer le speaker.

Une décennie plus tard vient le Brexit. Devolved Parliament appartient désormais à un propriétaire privé. Cette oeuvre et son titre n'ont jamais été aussi proches de l'actualité. Elle a été prêtée au Bristol Museum pour plusieurs mois d'exposition, de mars à septembre 2019. A l'origine, cette période devait couvrir la date de la sortie du Royaume Uni de l'Union Européenne.

Devolved Parliament est estimé £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 3 octobre, lot 28, quatre semaines avant la nouvelle date du Brexit.

Banksy, comme George Orwell avant lui, n'a aucune confiance envers les politiciens. Sa position vis-à-vis du Brexit est symbolisée par une peinture murale montrant un ouvrier sur une échelle occupé à ôter avec un burin une étoile du drapeau Européen. Cette oeuvre réalisée à Douvres a été blanchie, empêchant Banksy de continuer son projet de montrer l'écroulement du même drapeau après le Brexit.

Banksy commente l'inexorable chaos politique en déclarant "Laugh now, but one day no-one will be in charge", qui paraphrase avec un pessimisme sans précédent une des formules les plus récurrentes de ses bandes de singes.

Les Dinosaures à Pieds d'Oiseau

Il y a un an, Bernard Piguet déclarait à RTS son envie de vendre un squelette complet de dinosaure. Cette vidéo est consultable sur le site de sa maison de ventes. Son désir a été entendu : Maximus est estimé au-delà de CHF 200K à vendre par Piguet à Genève le 24 septembre, lot 338.

Maximus est venu du Sud Dakota où il a été découvert en 2018 dans l'ancien lit d'une rivière aux côtés d'autres dinosaures du Crétacé supérieur. Ces animaux ont certainement péri dans une inondation et les os n'ont pas été déformés pendant la fossilisation.

Il appartient à l'espèce Thescelosaurus neglectus qui était une ultime évolution des ornithopodes juste avant l'extinction soudaine des dinosaures il y a environ 66 millions d'années. L'adaptation de cet herbivore à son environnement incluait la mastication et les pieds d'oiseaux. Sans être un ancêtre direct des oiseaux, ce groupe démontre que cette évolution était inéluctable.

Maximus mesure 3 m de long, dans la partie basse de la gamme de longueurs connues pour son espèce, et était probablement un jeune adulte.

Le genre Thescelosaurus a été décrit en 1915 sur un spécimen incomplet qui avait conservé ses articulations. Il marque l'émerveillement du paléontologue devant cette caractéristique exceptionnelle : en grec ancien, theskelos signifie divin.

15 sept. 2019

Les Délices de Lady Wan

Chenghua, neuvième empereur de la dynastie Ming, n'a pas laissé de trace significative dans l'histoire politique et militaire. Son enfance puis son règne ont été complètement dominés par Lady Wan, de 17 ans plus âgée que lui.

Wan, qui était consorte sans avoir le titre d'impératrice, était autoritaire, jalouse et corrompue. Quand les potiers de Jingdezhen reçoivent l'ordre impérial de faire encore mieux que leurs prédécesseurs pour des pièces de table, ce ne peut être que sur l'initiative et pour l'usage personnel de Wan.

Les chimistes Chinois étaient extrêmement compétents. Ils ont choisi les meilleures matières et purifié le cobalt. Les potiers ont développé des courbes légèrement évasées, assurant la légèreté sans perdre en robustesse, avec un diamètre d'ouverture autour de 15 cm pour les bols. Les inspecteurs ont renforcé leurs contrôles mais la qualité de production était si bonne que peu de fragments ont été retrouvés à Jingdezhen.

La douceur tactile des bols de palais à la marque de Chenghua était sans précédent et n'a jamais été égalée, sauf pour les chicken cups en doucai du même règne. Le bleu de cobalt sous glaçure est utilisé pour la première fois en plusieurs nuances bien que sans atteindre le bleu brillant des porcelaines Xuande.

Le dessin floral est également innovant, avec une composition très aérée qui contraste complètement avec la densité de motifs des périodes précédentes. La minutie des artistes va jusqu'à révéler des défauts dans les fleurs qui sont soigneusement copiés d'une pièce à l'autre de la même variante. Onze designs différents ont été créés, dix fleurs et un fruit, choisis souvent pour leurs qualités odorantes ou gustatives.

Les bols les plus raffinés sont illustrés à l'extérieur et à l'intérieur, avec les mêmes fleurs. Les décorations sont bordées en haut et en bas par des cercles bleu foncé. Un bol à décor de mauves a été vendue pour HK$ 140M incluant premium par Sotheby's le 8 octobre 2013. Un bol avec un décor très pur de lis de jour sera vendu par Sotheby's à Hong Kong le 8 octobre, lot 1002. Le communiqué de presse du 28 août annonce une estimation au-delà de HK$ 50M.

Ces productions de très haute qualité coutaient trop cher malgré les revenus illicites notoires de la concubine. La production de prestige a été ralentie en 1482 et stoppée définitivement en 1485. Sous ce règne, la production ordinaire reste dans le style de Xuande.

14 sept. 2019

Tintin pendant l'Occupation

La guerre, et plus spécifiquement l'occupation de la Belgique, change les habitudes d'Hergé. Les strips paraissent désormais dans Le Soir Jeunesse. Après la suppression de ce supplément hebdomadaire du Soir, les histoires sont transférées dans le quotidien au rythme d'un strip chaque jour.

La publication du Crabe aux Pinces d'Or par Le Soir s'achève en octobre 1941. L'Etoile Mystérieuse prend immédiatement la suite. Une autre innovation attend Hergé. Casterman, qui édite les albums Tintin depuis 1934, prévoit la couleur et demande un changement de format, passant de trois à quatre strips par page avec un total de 62 pages par album.

Cette modification demande un travail supplémentaire à Hergé. En 1942, pour préparer le nouveau format, il réalise des copies de sauvegarde exactes de ses dessins au trait dans l'ancien format. Ces sauvegardes qui ne sont pas destinées à l'imprimeur sont faites sur du papier plus fin à cause des pénuries de la guerre.

Le 18 septembre à Paris, PIASA vend une planche 35 x 47 cm regroupant les strips H13, H14 et H15 de L'Etoile Mystérieuse, qui pourraient constituer les pages 7 et 8 de l'ancien format des albums. En exécutant ce travail, Hergé s'est blessé avec un compas, éclaboussant légèrement le papier. Pour une sauvegarde, il était inutile de nettoyer ou de refaire : les minuscules taches de sang sont encore visibles aujourd'hui. Cette feuille enrichie de l'ADN d'Hergé est estimée € 300K, lot 60. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par EuroNews.

Cette partie de l'histoire est très animée et fustige la stupidité humaine : le vieil astronome est très fier d'être le premier à annoncer l'heure exacte de la fin du monde. Les rats, plus sages que les hommes, fuient les égouts.

A la page suivante, l'apparition du prophète auto-proclamé Philippulus est une autre variante de la même bêtise. La planche de sauvegarde contenant les strips H16, H17 et H18 a été vendue pour € 235K incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2012.

13 sept. 2019

Falangcai sur Verre

Pour transférer la technologie Européenne de peinture à l'émail, l'empereur Kangxi crée un atelier en 1693 CE dans la Cité Interdite. La nouvelle technique sera utilisée sur plusieurs supports : cuivre, argent, porcelaine. Trois ans plus tard Kangxi ouvre au même endroit un atelier de travail du verre.

L'émail sur verre est la technique la plus difficile. Chaque couleur a besoin d'une cuisson différente pour être vive et une petite surchauffe au-dessus de la fusion de l'émail endommage le verre. Le terme utilisé est falangcai comme pour la porcelaine. Les archives impériales ne mentionnent aucun falangcai sur verre avant 1705. Les pièces survivantes des règnes de Kangxi et Yongzheng sont extrêmement rares.

Quand il succède à son père, Qianlong est débordant d'enthousiasme pour toutes les formes d'art. Il attend de ses ateliers des exploits techniques sans précédent avec des décorations de très grandes finesse et originalité.

Le 22ème jour du 1er mois de la 3ème année de son règne, en 1737 CE, les archives enregistrent la présentation à l'empereur par trois eunuques d'un vase en verre en forme de bourse. Ce vase bleu est aussitôt rendu aux ateliers pour être copié. Il n'a pas survécu.

Deux falangcai en verre avec un fond émaillé jaune vif correspondent certainement à cette opération. Différant légèrement dans la forme et complètement dans le décor, ils n'ont pas été conçus en pendants. Tous les autres falangcai en verre de cette forme ont été ratés ou cassés.

Ces deux pièces sont de la plus grande dimension pour cette technique, 18 cm de haut. La forme ovoïde plissée imitant la soie est nouée par un ruban en haut relief qui serre très élégamment la partie haute de la bourse. La marque impériale apparaît dans une fleur.

Les deux objets appartenaient au XIXème siècle à un prince impérial. Ils ont été vendus séparément par Sotheby's en 1988. L'un d'eux, avec un décor dense de douze dragons, appartient au Hong Kong Museum of Art.

L'autre pièce est la mieux réussie. Les couleurs sont plus vives. Le motif de deux phénix virevoltant au milieu des fleurs est très plaisant avec des plumages flamboyants. L'ouverture de la la bourse est crénelée. Nicholas Chow, chairman de Sotheby's Asia, la considère comme l'oeuvre d'art la plus importante en mains privées de la dynastie Qing.

Cette pièce a été vendue pour HK$ 24M incluant premium par Sotheby's le 29 octobre 2000. Le communiqué de presse après la vente l'annonçait comme le record à la fois pour un falangcai et pour un verre Chinois. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 8 octobre, lot 1. Le communiqué de presse du 28 août annonce un prix attendu au-delà de HK$ 200M. Elle est commentée par Nicholas Chow dans la video partagée par The Value.


12 sept. 2019

Bouteilles Plates pour les Qing

La bouteille plate avec un flanc circulaire est une forme très appréciée parmi les porcelaines du début de la dynastie Ming. Connue en anglais sous la dénomination de moonflask, elle est posée sur une base robuste pour servir de récipient de liquide ou d'ornement et surmontée d'un col cylindrique ou bulbeux. L'empereur Yongle l'utilise pour l'export au Moyen-Orient et probablement comme cadeau diplomatique.

Trois siècles plus tard, Tang Ying arrive à Jingdezhen. Pour plaire à l'empereur Yongzheng, il organise la réalisation de pièces de porcelaine imitant le meilleur de la collection impériale, avec une diversité sensationnelle.

Le moonflask en porcelaine réapparait ainsi à l'époque Yongzheng. Il est le plus souvent décoré uniquement en bleu de cobalt qui avait été la couleur la plus fréquente et la mieux maitrisée au temps de Yongle. Poussant toutes les formes de vases jusqu'aux limites extrêmes de faisabilité, Tang Ying fait réaliser des moonflasks de grande dimension. Les motifs Islamiques utilisés sous Yongle sont remplacés par des figures Chinoises de bon augure.

Citons avec la marque de Yongzheng un moonflask de 53 cm de haut vendu pour £ 1,45M incluant premium par Christie's le 6 novembre 2018 et un inhabituel moonflask octogonal de 47 cm de haut à décor d'oiseaux vendu pour € 2,4M incluant premium par Cambi le 26 mai 2015.

Le 8 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 3108 un moonflask de 50 cm de haut portant la marque impériale de Qianlong. Il est décoré avec des symboles mêlant Bouddhisme, Taoïsme et voeux de bonheur et longévité dans une composition à huit cartouches radiants. Le communiqué de presse du 28 août annonce une estimation au-delà de HK$ 40M.

Un moonflask de 49 cm de haut, également avec la marque de Qianlong, a été vendu pour € 5,1M incluant premium par Rouillac le 5 juin 2018. Il n'est pas entièrement en bleu et blanc : les panses renflées ont un décor moulé en monochrome émaillé céladon montrant les huit emblèmes Bouddhistes dans une composition cloisonnée radiante similaire à l'exemple ci-dessus.

11 sept. 2019

Mega Cars par Koenigsegg

La marque Suédoise Koenigsegg, fondée en 1994, poursuit assidument trois records pour lesquels ses seuls concurrents sont Bugatti et Hennessey : la vitesse sur route, le temps 0-300-0 et la puissance du moteur.

En 2014 une variante de la Koenigsegg Agera R est équipée d'un moteur d'une puissance sans précédent : 1360 ch, correspondant à 1 Megawatt. Elle pèse 1360 Kg et cette conjonction de chiffres donne le nom au modèle : One:1. Cette puissance a été dépassée sur les modèles plus récents, Regera et Jesko.

Le 0-300-0, temps mis par le véhicule pour atteindre 300 Km/h sur route et revenir à l'arrêt, montre bien les progrès des technologies développées par Koenigsegg : 29,2 secondes en 2008 par une CCX, 21,19 secondes par une Agera R en 2011, 17,95 secondes en 2015 par une One:1.

L'homologation de la vitesse au Livre Guinness des Records considère une moyenne dans les deux sens pour une voiture de série construite à plus de 30 exemplaires. Il est détenu depuis 2017 par une Koenigsegg Agera RS avec 447 Km/h.

Ce record ne tiendra pas longtemps. Un pré-prototype Bugatti basé sur une Chiron à queue allongée a atteint une vitesse de pointe de 490,484 Km/h, réalisant son objectif de dépasser 300 mph. L'exploit homologué par l'organisme de certification TUV a été révélé le 2 septembre 2019. Koenigsegg a félicité Bugatti et annoncé qu'une Jesko 300 était en préparation. Le prochain seuil est 500 Km/h.

La One:1 a été construite en 1 prototype et 6 exemplaires commerciaux. L'une d'elles faite en 2015 sera vendue sans prix de réserve par Bonhams le 29 septembre au Bonmont golf club au-dessus du lac de Genève, lot 24. Pour cette voiture à l'état comme neuf avec moins de 600 Km au compteur, l'estimation annoncée est CHF 1,8M à 2,3M. Dans un blog post publié le 28 juin, Koenigsegg considère que cette valeur est en-dessous du prix du marché. Cette voiture est en seconde position sur le tweet ci-dessous.

10 sept. 2019

Des Taureaux sur la Route

Depuis 1966 Lamborghini attribue à ses modèles des noms emblématiques de la tauromachie : éleveurs, races, équipements, bêtes exceptionnelles, mais jamais des toreros.

En 1879 Murcielago a été gracié après avoir résisté à 24 coups d'épée. Aventador a été remarqué et même primé pour son courage dans l'arène en 1993.

Lancée en 2011, la Lamborghini Aventador fut un très grand succès. Ce modèle est parvenu à concilier les performances extrêmes, avec une vitesse de pointe à 350 Km/h, et la production en grande série, 5000 véhicules dans les cinq premières années.

Le 2 août 1914 à Sanlucar de Barrameda, Veneno détruit un jeune novillero par un coup en pleine tête.

Dérivée pour l'essentiel de l'Aventador et restant homologuée pour la route, la Lamborghini Veneno marque cependant une nouvelle stratégie pour la marque en intégrant pour la première fois des technologies de compétition. La priorité donnée à l'écoulement d'air et au placage au sol a eu des conséquences sur la forme de la carrosserie, aux dépens de l'esthétique.

La Lamborghini Veneno est un des modèles les plus exclusifs de la marque. Le coupé a été produit en 2013 en un prototype et trois exemplaires commerciaux qui avaient été vendus avant l'annonce du lancement, une pratique courante pour un hypercar de série très limitée. Satisfait de cette opération, Lamborghini fabrique un Veneno roadster en neuf exemplaires en 2014.

Publié après les ventes, le prix du coupé était de $ 4M. Le roadster valait € 3,3M hors taxes. Les clients frustrés de ne pas avoir été choisis payent parfois bien plus cher quand un de ces véhicules devient disponible en seconde main.

Le 29 septembre au golf club de Bonmont au-dessus du lac de Genève, Bonhams vend un roadster Veneno avec 325 Km au compteur, lot 20 estimé CHF 5,2M et vendu sans prix de réserve. C'est la voiture la plus en avant dans le tweet ci-dessous.

9 sept. 2019

Les Draps Pliés de Sam Gilliam

La relation physique de l'artiste avec son oeuvre devient une composante majeure de la créativité après la seconde guerre mondiale. Les plus grands artistes génèrent de nouveaux processus. Parmi les peintres, citons Pollock, Frankenthaler, Shiraga, Klein.

Le groupe de Washington DC est innovant. Sam Francis augmente la brillance et la transparence des couleurs. Morris Louis insère ses couleurs pures dans une géométrie de grande simplicité.

Au milieu des années 1960 à Washington, Sam Gilliam regarde des pièces de linge qui sèchent à leur corde. Le vent modifie la forme. L'artiste expérimente une voie nouvelle en libérant la toile du chevalet et du cadre tendeur. La même liberté s'applique aussi pendant l'installation, avec la possibilité de varier les plis de l'oeuvre pour dynamiser les effets visuels.

Gilliam exécute en 1970 une série intitulée Ray peinte en couleurs chatoyantes sur des toiles pliées et parfois biseautées. Ray VIII, acrylique sur toile 137 x 274 cm, est estimée $ 600K à vendre par Sotheby's à New York le 26 septembre, lot 20.

Comme Kline, Gilliam est sensible à la musicalité de son geste, et tout particulièrement au jazz et au blues. Lady Day II est un hommage à Billie Holiday. Cet acrylique sur toile 272 x 406 cm avec des plis très structurants peint en 1971 a été vendu pour $ 2,17M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2018.

Avec sa série des Seahorses, l'artiste tente en 1975 des formes plus complexes, accentuant l'impression de légèreté par la transparence des couleurs. Il renonce ensuite aux pliages pour explorer de nouvelles voies dans la relation de la toile à l'objet.

Redécouvert en 2015, Sam Gilliam est le plus important peintre abstrait Afro-Américain de son temps.

8 sept. 2019

Narration Prophétique par Cecily Brown

La peinture crée une relation entre l'artiste et le voyeur. L'artiste est un conteur, un metteur en scène. Le spectateur ne demande qu'à être captivé ou titillé. A partir de 1997 Cecily Brown crée un style imbu de mystère à l'extrême limite entre l'abstraction et le narratif. Comme De Kooning avant elle, elle anime ses abstractions avec des formes humanoïdes floues en couleur chair.

Brown a connu ses premiers succès en introduisant dans ses abstractions l'exhibitionnisme de groupe. Au milieu de la décennie 2000 elle change d'inspiration sans modifier son style. Les citations poétiques remplacent les titres de films et les références du music hall. Comme la plupart des artistes contemporains, elle travaille sur de très grands formats.

Recherchant les sources de la communication, Brown n'aime pas l'isolement de l'individu dans le monde moderne. Elle retrouve les passions sensuelles dans la peinture de Bosch ou Bruegel ou le Radeau de la Méduse et tente d'imiter la palette puissante de Rubens ou Delacroix. Elle reste intimidée par la perfection de Titien.

The Sick Leaves, triptyque d'huiles sur lin de dimension totale 260 x 630 cm daté 2009-2011, a été vendu pour £ 1,8M incluant premium par Christie's le 7 mars 2017.

Le 26 septembre à New York, Sotheby's vend un triptyque d'huiles sur toile de dimension totale 210 x 375 cm peint en 2011, lot 210 estimé $ 2M. L'absence de continuité entre les trois éléments peut être interprétée comme une référence aux triptyques de la Renaissance Chrétienne. Le titre est la promesse de bonheur divin du Livre d'Isaïe : Have you not known, have you not heard.

7 sept. 2019

Manjushri au Népal

Une très ancienne tradition attribue à Manjushri la colonisation de la vallée de Katmandou. Le bodhisattva avait asséché un lac pour atteindre une fleur de lotus d'une exceptionnelle brillance. Désormais le peuple Newari a habité cette vallée Népalaise.

Une nouvelle technique d'art s'est développée dans cette vallée riche en cuivre, en conformité avec les canons Bouddhistes. Dans le même temps le Bouddhisme a été introduit au Tibet à la fois par le Népal et par la Chine. Les Newaris ont été les principaux fournisseurs de figures en cuivre pour la dévotion Tibétaine.

Le Bouddhisme médiéval Tibétain a connu deux périodes florissantes. La première prend fin en 838 CE avec le déclenchement de guerres civiles entrecoupées de persécutions. Le renouveau final du Bouddhisme est marqué par la fondation du monastère de Tabo en 996 CE.

Le 7 octobre à Hong Kong, Bonhams vend une statue de Manjushri de 38 cm de haut en alliage de cuivre doré, lot 805 estimé HK$ 20M. L'un des attributs permettant d'identifier ce bodhisattva de la parfaite sagesse est son pectoral en dents de tigre. Il est assis dans une attitude sereine avec les jambes croisées, sans base.

Bien entendu l'iconographie de Manjushri est abondante dans le monde Bouddhiste et ne permet pas à elle seule d'identifier une origine Népalaise. Le modèle est cependant très ancien, avec un mélange parfait de dignité, d'autorité et de compassion. Certaines caractéristiques sont Tibétaines, dont la robustesse morphologique qui peut être une référence à la puissance de leur Empire. Des traces de pigment bleu dans les cheveux proviennent d'une utilisation rituelle Tibétaine.

Les détails semblent en cohérence avec quelques figures trouvées à Dunhuang, réalisées à l'époque où cette place stratégique de la Route de la Soie était une possession Tibétaine, entre 787 et 848 CE. Cette statue peut aussi avoir été créée à l'époque des persécutions.

6 sept. 2019

La Passion de Zhu Yunming

L'éloignement des capitales permet une liberté de pensée philosophique et de critique sociale. Les personnalités atypiques peuvent s'exprimer sans trop craindre les répressions. Hostile à la nouvelle dynastie des Ming, la ville de Suzhou, à 100 Km au nord-ouest de Shanghai, parvient à maintenir une tradition intellectuelle développée sous les Yuan.

Zhu Yunming est un irréductible opposant à l'orthodoxie néo-Confucianiste des Ming. Sa carrière n'est pas spectaculaire. Juste après ses 60 ans, il parvient à y mettre fin vers 1522 CE sous prétexte de maladie. Il peut désormais se consacrer à la poésie et à la calligraphie.

Le 12 septembre à New York, Sotheby's vend une calligraphie réalisée par Zhu en 1525 CE de l'Ode à la Déesse de la Rivière Luo, lot 1028 estimé $ 800K, Le rouleau de 33 x 850 cm est déroulé sur la vidéo intégrée dans le tweet ci-dessous.

Cette histoire est typique des racines les plus anciennes de la poésie Chinoise, sur le thème des amours passionnées entre un mortel, souvent un prince, et une déesse ou une nymphe. Le catalogue n'indique pas quelle est la source du texte copié mais la version la plus connue avait été écrite par Cao Zhi 1300 ans auparavant, à l'époque de l'explosion finale de la dynastie Han. La page de Zhu sur Wikipedia est illustrée par une calligraphie d'un autre poème de Cao Zhi.

Zhu a un tempérament impétueux et un talent spécifique pour l'écriture cursive. Cette Ode est le chef d'oeuvre de la fin de sa vie, privilégiant une rapidité farouche d'exécution pour favoriser l'impression de spontanéité et suivre les variations de rythme du poème.

5 sept. 2019

Déités et Consorts

Dans sa mission de Seigneur du monde, Avalokiteshvara est l'objet de figurations variées. Avec quatre bras et une seule tête, il est Jinasagara, la déité des conquérants. Sa couleur est le rouge. Quand il est Guhyasadhana, il est accompagné d'un consort. Avalokiteshvara est un des deux assistants d'Amitabha, le bouddha suprême qui règne sur la terre de béatitude dans le panthéon Tibétain.

Les figures Ming montrant Amitabha ou Avalokiteshvara étroitement et même tendrement enlacés avec leur consort sont d'une grande rareté. Le consort a un rôle de Prajna, symbolisant l'intercession de sagesse consciente entre le monde réel et les déités.

Un couple disjoint de statues en bois qui formaient probablement pendants pour un autel privé a été identifié. Leurs caractéristiques sont absolument similaires. Le groupe d'Amitabha et son consort est au Pacific Asia Museum à Pasadena. Le groupe d'Avalokiteshvara Jinasagara et son consort a été vendu pour $ 1,2M incluant premium par Sotheby's le 16 septembre 2008.  Il est estimé $ 1M à vendre par Sotheby's à New York le 10 septembre, lot 329.

Ce groupe de 56 cm de haut est en bois doré et gypse avec des traces de pigment rouge dans les cheveux. La figuration de la joaillerie et des robes est abondante pour les deux personnages. Les attributs des mains secondaires du bodhisattva manquent, mais le petit couteau tenu par le prajna sur l'épaule de son ami est remarquablement intact.

Par similitude iconographique avec des bronzes portant la marque impériale de Yongle ou Xuande, une origine du début de l'époque Ming ne fait pas de doute. Les détails de physionomie et de joaillerie font opter pour une origine Xuande.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's. Elle révèle que la pièce est creuse et contient les reliques qui y ont été scellées pour sa consécration. Cette observation résulte d'une inspection aux rayons X qui n'était pas encore effectuée en 2008.

3 sept. 2019

Les Blocs du Colonel Green

Le timbre Air Mail 24 cents est disponible le 14 mai 1918. Dans la matinée, l'administration apprend qu'une feuille complète à figure inversée a été vendue à Washington DC. Les éditions bicolores sont propices à ce type d'erreur. Le découvreur, William T. Robey, s'était précipité à l'ouverture du bureau de poste de Washington DC tandis qu'un de ses amis faisait de même à Philadelphie. Averti après la transaction, l'employé n'avait pas pu l'empêcher.

Dans l'après-midi du même jour, la vente de ce timbre est suspendue pendant deux heures à Philadelphie, New York et Washington pour le contrôle du stock et la destruction des feuilles défaillantes.

La réaction de l'administration avait été extrêmement rapide. Le 21 mai, quand le marchand Eugene Klein achète pour $ 15 000 à Robey cette feuille d'Inverted Jenny payée $ 24 six jours plus tôt, il apparaît déjà que les contrôles supplémentaires ont été efficaces et que cet exemple restera unique.

Quelques heures plus tard, Klein vend la feuille complète au richissime et excentrique collectionneur Colonel Green. La qualité de centrage des timbres par rapport aux perforations n'est pas homogène et le bord droit n'est pas margé. Green n'acceptera que les meilleures positions pour sa collection et confiera la vente du reste à Klein. C'est à ce moment que Klein numérote chaque timbre de 1 à 100 au dos de la feuille pour conserver l'identification de la position d'origine de chaque élément.

Dans les années 1940 les ventes aux enchères de la succession Green révèlent ses préférences : un bloc de huit, trois blocs de quatre, un bloc vertical de deux et quelques timbres individuels. Quelques timbres en mauvais état figurent dans les mêmes ventes : ce sont les timbres invendus par Klein, qui avaient été rendus à Green.

Le bloc de huit était constitué des positions 85-88 et 95-98 avec la marge de bas de feuille marquée de son numéro de série. L'état était inégal. Après la vente Green, le bloc a été séparé en un très beau bloc de quatre, conservant la précieuse marge sérialisée, plus quatre timbres individuels. Ce bloc de quatre avec une trace de charnière a été vendu pour $ 2,97M incluant premium par Robert A. Siegel le 19 octobre 2005.

Le 27 septembre à New York, Spink vend au lot 1 un des blocs de quatre de la sélection de Green, composé des positions centrales 45, 46, 55 et 56 de la feuille d'origine. Cet ensemble est en très bel état avec un petit endommagement de la gomme d'origine qui est fréquent dans la collection Green. La gamme des estimations, $ 2M à $ 3M, est indiquée dans le communiqué de presse du 23 août.

Dans les mêmes séries de ventes, le lot 101 est la position 39. Ce rare exemple d'Inverted Jenny individuel provenant de la sélection de Green avait certainement été retenu par lui pour son centrage parfait. Il est en très bel état avec une très petite trace de charnière.

Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

1 sept. 2019

Les Forces du Ciel

Attiré par l'art abstrait, Zao Wou-Ki commence par exprimer les confrontations des couleurs de la nature. Il y adjoint des accumulations de signes calligraphiques illisibles qui simulent l'apport de la civilisation Chinoise. Vert émeraude, peint en 1950, est un des plus anciens exemples de cette dualité. Cette huile sur toile 127 x 127 cm a été vendue pour HK$ 90M incluant premium par Christie's le 28 mai 2016.

L'artiste hésite encore pendant quelques années entre l'abstraction et une figuration très stylisée. A la fin de l'année 1954, son inspiration devient cosmique, avec des centres de forces très denses qui libèrent des débris centrifuges sur un ciel très coloré. Terminé en janvier 1955, Paysage dans la Lune est un titre révélateur : la Terre ne suffit plus à Zao. Cette huile sur toile 117 x 88 cm a été vendue pour HK$ 47M incluant premium par Sotheby's le 2 octobre 2016.

Le centrage des énergies vient bientôt remplacer la composition volcanique de l'exemple ci-dessus. Ailleurs met en scène trois centres de forces de dimensions égales mais de densités différentes, l'une au-dessus de l'autre sur un axe vertical. Cette huile sur toile 130 x 97 cm peinte en 1955 a été vendue pour HK$ 52M incluant premium par Phillips le 26 mai 2019.

Le 21 septembre à Shanghai, Christie's vend Voie Lactée, huile sur toile 162 x 114 cm datée 9.11.1956, lot 307 estimé RMB 38M. Cette oeuvre est une rencontre entre la nuit et le jour : la Voie Lactée composée d'une myriade de signes pseudo-calligraphiques centrifuges est encerclée par le ciel de jour dans un élégant mélange de lilas, azur, aquamarine et turquoise.

Cette approche progressive du cosmos et de l'éternité, soutenus comme en un filigrane par la culture traditionnelle Chinoise, a un point culminant avec Et la Terre était sans forme. Cette huile sur toile 200 x 162 cm terminée en 1957 juste avant la rupture avec Lan Lan a été vendue pour HK$ 183M incluant premium par Poly le 29 mars 2018.

Pas de S pour Roosevelt

L'édition de Proof sets par le US Mint à l'attention des collectionneurs est une ancienne tradition qui n'a été interrompue qu'une fois depuis 1936, de 1965 à 1967. Les pièces sont rangées dans un coffret marqué United States Proof Set équipé d'une loupe en plastique.

Le redémarrage en 1968 est accompagné de modifications importantes. Les pièces destinées au Proof set sont désormais produites à San Francisco. Les matrices sont réalisées comme précédemment à Philadelphie. Le polissage des matrices, pour apporter la surface brillante et réflective qui n'est pas nécessaire pour les pièces de circulation, est réalisé à San Francisco.

Les pièces du Proof set portent désormais sur le côté face le S identifiant San Francisco. La même usine peut aussi produire en parallèle des pièces de circulation sans S en cas de surcharge à Philadelphie. Des mélanges deviennent physiquement possibles. Tout comme les philatélistes à l'époque des timbres bicolores, les numismates cherchent les erreurs.

Le contrôle de sortie de l'usine de San Francisco est ainsi soumis à la rude épreuve d'une validation par le grand public pour des quantités qui peuvent dépasser 10 millions d'unités, toutes dénominations confondues. Si l'erreur n'est pas détectée en production, plusieurs centaines de pièces non-conformes peuvent être réparties dans les sets. C'est le cas du 1970 no-S proof Roosevelt dime, du 1971 no-S proof Jefferson nickel, du 1983 no-S proof Roosevelt dime et du 1990 no-S proof Lincoln cent.

La plus rare de ces erreurs est le 1975 no-S proof Roosevelt dime, connu en deux exemplaires seulement. L'une de ces pièces est conservée dans son Proof set depuis quarante ans dans la même collection. Elle est gradée PR66 par PCGS.

La meilleure, gradée PR68 par PCGS, a été vendue dans son Proof set pour $ 350K incluant premium par Stack's Bowers le 13 août 2011. Elle est vendue individuellement par Heritage à Long Beach le 6 septembre, lot 4715.