31 oct. 2019

La Chaise des Fantômes

Andy Warhol devient célèbre en 1962 par ses nombreuses peintures de Marilyn Monroe, commencées juste après la mort de l'actrice à partir d'une seule image transférée en sérigraphie. Geldzahler suggère à l'artiste de traiter le thème de la mort de façon plus explicite. Sa série macabre est identifiée sous le nom de Death and Disaster.

Paradoxalement l'image qui choque le plus le public ne montre pas la mort mais seulement son instrument. En 1964 Warhol réalise une sérigraphie d'une image de la chaise électrique de Sing Sing, au milieu de sa grande salle vide, sans présence humaine. Il réalise 32 peintures monochromes 56 x 71 cm, chacune d'une couleur différente, destinées à être exposées ensemble. La version d'un bleu glaçant a été vendue pour $ 11,6M incluant premium par Christie's le 10 novembre 2015.

En 1967 Warhol prépare pour l'année suivante une nouvelle exposition qui sera focalisée sur les deux thèmes extrêmes, la vie et la mort, symbolisées par les fleurs et par la chaise électrique. Il réalise en 1967 et 1968 14 grandes peintures 137 x 188 cm de la chaise électrique basées sur un agrandissement de la partie centrale de l'image d'origine.

Presque toutes ces peintures sont monochromes. L'une d'elle fait exception. Le fond est constitué de trois bandes diagonales qui symbolisent la vie : bleu du ciel, vert de l'herbe, rose de la chair. La chaise est sérigraphiée deux fois, en vert clair et violet foncé, d'autant plus menaçante que le contraste par rapport au fond est très faible.

Cette Big Electric Chair a été vendue pour $ 20,4M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2014. Elle est estimée $ 18M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 20 B.

Toutes les chaises de Warhol sont ultérieures à la désaffectation de l'instrument de Sing Sing, décidée en 1963. Certes d'autres chaises similaires continuent à fonctionner dans le monde, mais on ne saura jamais clairement si Warhol avait une intention militante avec ce thème morbide. En juin 1968 la tentative d'assassinat de Warhol par Valerie Solanas est une rencontre réelle de l'artiste avec la mort.

Les Jeux des Enfants Brontë

Le révérend Patrick Brontë est pasteur à Haworth dans l'ouest du Yorkshire. Sa femme meurt  en 1821, lui laissant six enfants : Maria, Elizabeth, Charlotte, Branwell qui est le seul garçon, Emily et Anne. La soeur de la mère devient la gouvernante de la famille.

Patrick Brontë fait une grave erreur : il envoie ses quatre filles ainées dans une pension qui s'avère insalubre. En 1825 Maria et Elizabeth meurent de tuberculose. Charlotte est traumatisée par ces deux décès. Elle aura besoin de se réfugier dans un monde imaginaire.

En 1827 les quatre enfants survivants commencent un jeu secret dans lequel ils se partagent le monde autour de la capitale Glass Town. Des soldats de plomb sont leurs émissaires, un par enfant. Personnifiant un héros de l'histoire ou un explorateur selon le choix de l'enfant, ces jouets ont un rôle de contacts romantiques avec la vraie vie.

Cette activité secrète prend de l'ampleur. En 1829, inspirés par la culture littéraire du père et par la lecture régulière des histoires gothiques dans le Blackwood's Magazine, Branwell décide que Glass Town a besoin d'un magazine. Charlotte prend la direction de ce nouveau jeu. Ils deviennent écrivains et composent des histoires d'aventures et de voyages.

Un de ces recueils est intitulé Second series of the Young Men's Magazine, No. second for September 1830 edited by Charlotte Brontë. Il est entièrement autographe par Charlotte alors âgée de 14 ans, et daté du 19 août 1830.

Les enfants ont utilisé cinq feuilles, chacune pliée en deux, qu'ils ont cousu dans une couverture de papier brun. Le format de ces vingt pages, 35 x 61 mm, est le plus petit possible pour que le livre et son contenu puisse échapper aux adultes. Charlotte a utilisé de bout en bout un script extrêmement serré imitant les caractères d'imprimerie, avec un total de plus de 4000 mots. L'ensemble est inséré dans un étui 5 x 7 cm.

Ce petit livre inédit a été vendu pour £ 690K incluant premium par Sotheby's le 15 décembre 2011, lot 46. Je l'avais discuté dans cette colonne avant la vente. Il est estimé € 600K à vendre par OVA Aristophil à Paris (Hôtel Drouot) le 18 novembre, lot 11. La vente est dirigée par Aguttes.

30 oct. 2019

Un Bourgeois à Gennevilliers

Gustave Caillebotte est un riche bourgeois Parisien. Après la mort de sa mère, il renonce à la maison de campagne familiale de Yerres et achète une propriété au Petit-Gennevilliers pour y construire sa maison et son atelier. Proche du pont d'Argenteuil, il s'établit ainsi dans un lieu apprécié de ses amis impressionnistes où il pourra s'adonner à sa passion du nautisme.

Caillebotte n'a pas besoin d'argent. Ses oeuvres sont le plus souvent en relation avec sa vie privée, à Paris, Gennevilliers ou Trouville. Au début des années 1880 il veut être un continuateur de l'esprit d'origine des impressionnistes et commence à s'éloigner du groupe, ce qui lui laisse plus de temps pour les loisirs et la peinture.

Il a beaucoup d'amis, parmi lesquels un ancien camarade d'école nommé Richard Gallo dont il a fait depuis 1878 plusieurs portraits de salon. Il parvient à attirer ce jeune citadin pour une visite à Gennevilliers.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend Richard Gallo et son chien Dick au Petit-Gennevilliers, lot 25 estimé $ 18M. L'image est partagée par Wikimedia.

Cette très grande huile sur toile 89 x 116 cm peinte en 1884 a une composition non-conventionnelle comme les aimaient Caillebotte et Degas. La Seine offre toutes ses couleurs et ses reflets. De l'autre côté, les petites maisons clairsemées montrent bien qu'on n'est pas à Paris.

Par contraste la berge du premier plan est mal éclairée. Le bourgeois suit le chien à distance, sans obstruer la vue centrale sur la rivière. Tous deux sont vus de profil en silhouettes. Les deux sont à la mode de Paris, l'homme avec sa redingote, son chapeau et sa canne et le caniche tondu "à la lion".

La rivière semble être le thème principal de cette peinture. Exposée en 1888 avec l'intitulé Portrait de M. R.G., elle était donc considérée par l'artiste comme un portrait de son ami, signifiant peut-être gentiment que le décalage social entre la ville et la campagne n'est pas irrémédiable. Offerte par l'artiste à Gallo, elle n'a donc pas été incluse dans le legs de la collection Caillebotte à l'Etat français.

Gustave Caillebotte Richard Gallo and his Dog at Petit Gennevilliers

L'Homme de Boccioni

Marinetti crée le Manifesto del Futurismo en 1909. Sa stratégie est de choquer, pour mettre fin à l'affaiblissement de la culture italienne et créer de nouvelles formes littéraires adaptées à la civilisation moderne de vitesse et de violence. Le passé doit être oublié.

L'année suivante, un groupe de jeunes artistes publie un autre manifeste, pour appliquer les idées nouvelles à la peinture. Umberto Boccioni est le théoricien du groupe. Peut-être se rend-il compte que l'expression du mouvement par la peinture est difficilement lisible pour le public. Le chien mille-pattes créé par Balla en 1912 est un peu ridicule.

Sans délaisser la peinture, Boccioni s'intéresse désormais à la sculpture, qu'il n'avait jamais pratiquée. Il publie seul en avril 1912 le Manifesto tecnico della scultura futurista. Il est également inspiré par les fragmentations Cubistes de Picasso et Duchamp-Villon.

Boccioni crée en 1913 trois études en plâtre dans lesquelles le mouvement est illustré par une extension musculaire. Il crée ensuite un homme en marche, synthèse de ses théories. Pour bien marquer à quel point son approche est une incitation pour un art nouveau, il intitule cette figure Forme uniche della continuita nello spazio.

La Forme uniche est restée la seule sculpture importante de Boccioni, l'artiste qui allait trop vite, mort piétiné par un cheval en 1916. Elle exprime une énergie humaine extrême tout en abandonnant le réalisme, et ouvre la voie à Giacometti, à Moore et aussi aux transformations successives du Nu de dos par Matisse et aux robots humanoïdes du cinéma. Elle a été choisie en 1998 pour illustrer la pièce italienne de 20 centimes d'euro.

Les quatre sculptures séminales de Boccioni n'ont pas été éditées de son vivant. Les trois premières ont été détruites en 1927. La Forme uniche a survécu. Deux bronzes ont été créés en 1931. L'un d'eux apporte un raffinement, un piédestal sous chaque pied, qui ajoute à l'extrême dynamisme de la figure. Cette configuration a été éditée en dix exemplaires en 1972.

Un bronze de 117 cm de haut à patine dorée de l'édition de 1972 est estimé $ 3,8M à vendre par Christie's à New York le 11 novembre, lot 18 A. Malgré son importance dans l'histoire de la sculpture moderne, cette figure est extrêmement rare sur le marché de l'art : aucun exemplaire n'avait été offert aux enchères depuis 1975.

29 oct. 2019

La Femme au Fauteuil

Pablo Picasso a dit un jour que Dora Maar avait personnifié la guerre. C'est certainement une exagération faisant suite à leur rupture. Il reste vrai que Pablo lisait l'évolution des horreurs de la guerre dans l'attitude et l'expression de l'hypersensible Dora.

Le point culminant des portraits de guerre de Dora est la Femme au Chat, huile sur toile 130 x 97 cm peinte en 1941, vendue pour $ 95M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2006. Dans cette composition, l'élément important est le fauteuil. La femme est coquettement habillée pour sortir mais elle est enfermée dans ce siège comme dans un cercueil. Pourtant elle sourit.

Dora Maar au Chat ne semble pas avoir été datée au mois et jour par l'artiste. C'est dommage parce que la suite des évènements de l'occupation et du régime de Vichy génère une angoisse croissante. Le marchand de Picasso à Paris, Daniel-Henry Kahnweiler, est Juif. Il a perdu la nationalité française par les décrets de juillet 1940. Le 13 juin 1941 le gouvernement français commence la déportation des Juifs. Le 1er juillet 1941, par précaution, Kahnweiler vend sa galerie à la fille de sa femme, Louise Leiris.

Le 20 novembre à Toronto, Heffel vend une Tête, huile sur toile 61 x 38 cm datée de ce sinistre 13 juin 1941, actuellement intitulée Femme au chapeau. L'expression, difficile à lire dans le style à perspectives multiples de Picasso, semble rigide. Le blanc lugubre de la structure du fauteuil domine la composition.

Tête est estimée CAD 8M, lot 136. L'article partagé par CTV News inclut une vidéo avec la participation de David Heffel.


28 oct. 2019

L'Enfant et le Dragon

Né près de Milan, Bernardino Luini commence probablement sa carrière comme assistant de Leonardo da Vinci. Spécialisé dans l'art religieux, il est essentiellement un fresquiste renommé pour ses couleurs vives. Devenu le meilleur peintre de Milan, il imite les figures et le sfumato du maître.

Sa Vierge à l'Enfant avec Saint Georges et un Ange est une oeuvre narrative complexe. Quatre exemples de cette peinture sont connus. Elle a probablement été conçue dans les années 1520, période de plus grande maturité de l'artiste, après la mort de Leonardo.

Quatre personnages sont étroitement groupés à l'avant-plan. L'Enfant sur les genoux de sa mère pose un pied sur la tête du dragon décapité, symbole du Mal, et offre la palme à St Georges. Le visage de la Vierge est dans le style de Leonardo. Tranquille et aimable, elle ne montre pas d'intérêt pour la scène dramatique qui se joue devant elle. Un ange joue du luth. Plus loin le cheval blanc du saint attend à côté du corps acéphale du monstre.

Une huile sur panneau 104 x 80 cm, déjà correctement attribuée à Luini, était depuis les années 1870 dans la collection Cook. En 1900 le collectionneur achète à son expert Charles Robinson un Salvator Mundi par le même artiste. Les experts l'attribueront bien plus tard à Leonardo. Il a été vendu pour $ 450M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2017.

La scène avec St Georges a été vendue pour £ 173K incluant premium par Christie's le 6 juillet 2017. Son nouveau propriétaire l'a débarrassée d'un vernis jaune récent qui ternissait les visages et les vêtements. Les repeints ont été ôtés pour mieux révéler les beaux pigments d'origine et cette pièce apparaît ainsi à nouveau comme une oeuvre originale de Luini.

Elle est estimée € 1,8M à vendre par Aguttes à Paris (Hôtel Drouot) le 14 novembre, lot 60. Voici le lien vers le communiqué de presse partagé par Drouot. Le tweet montre un détail.

Séparation

En 1966 Peter Schlesinger suit un cours de dessin à Los Angeles. Pour cette session, le professeur est David Hockney, un Britannique excentrique avec un costume rouge tomate, des lunettes en carton et un terrible accent du Yorkshire. C'est le coup de foudre.

Leur vie en couple dure plusieurs années, avec des rencontres mondaines et des voyages. La différence d'âge est trop grande et Peter a besoin de nouvelles aventures. Ils commencent à se disputer.

En février 1971 le couple loue une chambre d'hôtel à Marrakech. David fait des croquis de son ami, parfois de dos, sur la grande terrasse ensoleillée. Le mois suivant, revenu dans son atelier, David sent bien que Peter lui échappe. Il peint Sur la Terrasse (le titre est en français), qu'il terminera pendant l'été.

Sur la Terrasse est une mise en scène en trois plans successifs, à la manière des terrasses de Bonnard. Au fond le soleil du matin baigne la végétation luxuriante. Le plan moyen est la terrasse sur laquelle Peter debout, vu de dos, regarde le jardin. Le premier plan est l'entrebâillement de la fenêtre d'où on imagine que David observe Peter.

A cette époque David travaille en présence de Jack Hazan en vue de préparer un biopic. Le cinéaste a ainsi la chance de filmer l'artiste pendant la longue période où il ne parvient pas à surmonter son premier chagrin d'amour. Hazan assistera aussi en 1972 à la préparation de Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) sur le thème de l'intérêt de Peter pour un autre homme.

Sur la Terrasse n'avait pas été exposé au public depuis 1973. Cet acrylique sur toile 275 x 214 cm est estimé $ 25M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 9 B. Portrait of an artist a été vendu pour $ 90M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2018. Le biopic A Bigger Splash est sorti en 1974.

27 oct. 2019

Les Trois Corps de Barbara

Yves Klein est passionné par son bleu saturé IKB qui est un de ses accès privilégiés à l'univers métaphysique. Le risque des oeuvres strictement monochromes est d'exclure l'être humain. En 1958 lors d'une réunion privée, il invite une femme nue à s'enduire d'IKB avant de se trémousser sur une toile posée sur le sol pour créer un monochrome complet sans utiliser un pinceau.

Il réutilise cette idée de pinceau vivant en 1960 avec des pressions qui génèrent des images partielles sur des surfaces murales. Au cours d'un premier essai en février, Restany trouve le mot Anthropométrie pour identifier cette technique sans précédent. Klein est enchanté de cette désignation.

En mars l'artiste applique un processus similaire dans une galerie de la rue Saint-Honoré. Dans ce happening pour un public d'invités, il apparait en smoking dans un rôle de maître de cérémonie et chef d'orchestre.

Ces nouvelles peintures sont exécutées sans qu'il touche lui-même la surface, comme Manzoni avec les Achromes. Le rôle de l'artiste est de concevoir et diriger la création. Les oeuvres réalisées au lance-flamme appliqueront une idée similaire.

En enduisant les femmes des seins aux genoux, il utilise comme pinceau une partie du corps qui n'est pas liée à la pensée consciente. Les ombres bleues qu'elles ont laissées sont un intermédiaire immatériel entre le corporel et le spirituel. Il s'efforce d'expliquer que son approche n'est pas érotique malgré la nudité des modèles.

Les premières Anthropométries incluent plusieurs impressions imbriquées. Le Buffle, IKB sur papier 198 x 270 cm réalisé en 1960 ou 1961 et tendu sur toile, a été vendu pour $ 12,4M incluant premium par Christie's le 11 mai 2010. Il est référencé ANT 93.

Barbara, référencé ANT 113, est le résultat de trois impressions corporelles IKB qui se superposent pour donner l'illusion d'une lévitation. Cette oeuvre 200 x 145 cm, réalisée en 1960 dans la même technique que Le Buffle, est estimée $ 12M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 15 B.

Rothko et l'Atelier Rouge

En 1952 Mark Rothko a besoin de redéfinir sa créativité. Il a désormais un meilleur atelier qui lui permet d'envisager de plus grands formats verticaux. Au même moment la montée en popularité du mouvement expressionniste abstrait génère la jalousie des autres artistes dont Newman et Still. Il est vrai que les blocs de Rothko simulant les confrontations mystiques ne sont réellement compréhensibles que de lui-même.

Le nouvel atelier est à proximité du MoMA. La contemplation de l'Atelier Rouge de Matisse est un nouveau point de départ pour Rothko. Dans cette huile sur toile peinte en 1911, Matisse a limité l'image à une cimaise d'un rouge foncé très saturé qur laquelle quelques petits objets apportent leurs contrastes de couleurs. Malgré la présence de la table, la perspective est presque annihilée.

En 1953 Rothko continue son thème principal d'assemblage de rectangles de couleurs vives. Pourtant quelques peintures sont directement inspirées de l'Atelier Rouge. C'est incontestablement le cas pour Blue over Red, huile sur toile 163 x 89 cm. Sur un fond orange mêlé d'ocre et de jaune, les rectangles séparés par des bandes de lueurs sont peu contrastées, à l'exception d'une bande bleu vif dans la partie haute de l'image qui pourrait être une peinture sur le mur de Matisse.

Blue over Red a été vendue pour $ 5,6M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2005. Elle est estimée $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 26.

Cette influence a été féconde pour l'artiste. Il recherchera désormais les illusions de pulsation de la lumière, c'est-à-dire les forces contradictoires de dilatation et de contraction, et remplacera bientôt les couleurs criardes par des teintes sombres.

26 oct. 2019

Vulnérabilité du Mot

Ed Ruscha a commencé sa carrière dans l'art commercial. Il est influencé par les Targets de Jasper Johns qui dissocient l'art de ses contextes émotionnels et culturels et privilégient les textures difficiles et complexes.

En 1961 Ruscha transforme la peinture d'enseignes en un nouvel art majeur. Au centre, quelques lettres constituent un mot. La typographie, le positionnement, la couleur monochrome des lettres et le fond permettent une infinie variété d'impressions visuelles et de tentatives d'interprétation. Pourtant Ruscha ne propose jamais de corrélation avec la signification brute du mot.

Ruscha est à la bonne place au bon moment : Los Angeles est avide de nouveautés artistiques. En 1962 la Ferus Gallery expose la série complète des 32 peintures de Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol, un jeune artiste qui est venu lui aussi de l'art commercial. Ferus est une courte suite de lettres qui n'ont pas de signification mais sonnent bien. La même année cette galerie organise la première exposition solo d'Ed Ruscha, déjà reconnu comme l'initiateur d'une nouvelle forme Californienne de Pop art.

SMASH, huile sur toile 182 x 170 cm  peinte en 1963, offre son contraste spectaculaire entre les cinq lettres jaune vif à la typographie élégante et le fond monochrome bleu foncé. Cette oeuvre a été vendue pour $ 30,4M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014 sur une estimation basse de $ 15M.

Dans trois oeuvres peintes en 1964, Ruscha montre le caractère fragile et donc éphémère de ses lettres, qu'il attaque avec des pinces tout comme Warhol blessait ses canettes avec des ouvre-boîte. Le froissement créé par l'outil révèle que la lettre est un tissu ou un papier qui n'a pas pu maintenir sa position à plat.

La première est BOSS, un mot que Ruscha avait utilisé dans son intégrité en 1961. Deux pinces écrasent le S final. Cette oeuvre est intitulée 'Not only securing the letter but damaging it as well'.

La seconde, huile sur toile 150 x 140 cm, est RADIO en lettres jaunes sur fond bleu ciel, plus exactement intitulée 'Hurting the word radio #1'. Une pince disloque le O pour le rapprocher du I.

De même format, Hurting the word radio #2 est identique, sauf qu'une pince serre douloureusement le R à l'endroit de son rétrécissement. Cette oeuvre est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 6 B.

25 oct. 2019

La Mariée était en Jaune

Née juste avant la Révolution Culturelle, Guo Pei se passionne pour la couture et la broderie, sans être découragée par la destruction de la garde-robe de sa grand-mère. Le luxe est lentement réadmis  en Chine. Elle termine ses études en 1986 à la Beijing School of Industrial Fashion Design, travaille plusieurs années pour de grands couturiers et crée sa propre entreprise. Elle ouvre plusieurs succursales dont une dans la Rue Saint-Honoré et emploie actuellement environ 500 personnes.

Guo Pei crée des robes de célébration dont le but est de faire rêver, sur des thèmes qui incluent contes de fées et traditions Asiatiques. Elle atteint une gloire médiatique internationale en 2015 quand Rihanna entre dans un gala avec une robe pesant 25 Kg dont la traîne est portée par trois assistants.

Les matériaux les plus spectaculaires sont utilisés par la couturière, tels que la soie, la fourrure ou les cristaux de Swarovski. Sa préférence va à l'or jaune, une couleur de vêtements qui était réservée pour l'empereur sous les Qing.

Le 29 octobre à Londres, Sotheby's vend une robe de mariée de style Asiatique, lot 15 estimé £ 500K, créée en coopération avec la maison de ventes. Ce vêtement a la forme ample d'un costume traditionnel de Singapour et est décoré des auspices Chinois de richesse et bonheur utilisés pour les mariages, comme les paires de poissons et les pivoines sans oublier l'affrontement céleste du dragon et du phoenix.

Mesurant 150 cm de hauteur hors tout, cette pièce est entièrement brodée de fils d'or sur une peau de mouton. L'utilisation de 30 techniques de mailles permet de créer une texture tridimensionnelle avec une très grande densité.

Je vous invite à regarder la courte vidéo tweetée par Bloomberg.

24 oct. 2019

Brouillard sur la Tamise

Au début de l'automne 1899 Claude et Alice Monet sont à Londres. Sous leurs fenêtres au Savoy Hotel, la Tamise coule entre le pont ferroviaire de Charing Cross et le pont routier de Waterloo. L'artiste revient seul l'année suivante dans le même hôtel pour un long séjour, en février et mars. Il applique tous les jours un ambitieux plan de travail avec un emploi du temps de la plus grande rigueur.

En 1891 il avait réalisé 23 peintures de ses Peupliers avec seulement quatre angles de vue pour enregistrer toutes les variations de la journée, passant d'une toile à l'autre quand la lumière change. A Londres, profitant de l'accueil bienveillant de l'hôtel, il prépare plusieurs dizaines de toiles pour traduire en parallèle tous les miroitements du matin sur Waterloo Bridge et du début d'après-midi sur Charing Cross Bridge. Il observe que certains effets de lumière au travers du brouillard ne durent pas plus de cinq minutes.

Au cours de ce séjour il ajoute un troisième thème, la fin d'après-midi sur le Parlement, probablement pour offrir au public une vue plus traditionnelle de Londres que les strictes silhouettes des deux ponts. Cette activité nécessitant l'installation de ses chevalets en plein air est évidemment moins confortable. Monet n'est décidément pas un touriste ni un flâneur : le reste de la ville ne l'intéresse pas.

Le changement de lumière du printemps met fin à cette session. Il revient en 1901 à la même saison pour terminer cette préparation. Les peintures sont terminées dans l'atelier à Giverny. L'artiste inscrit la date de l'achèvement.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend une des 37 huiles sur toile de Charing Cross Bridge,  65 x 100 cm, datée 1903. Elle est estimée $ 20M, lot 8. Cet opus montre un brouillard épais rendu encore plus abstrait par l'absence de perspective de ce pont disgracieux. Les fumées presque imperceptibles de deux trains sont dissoutes dans la brume. Une faible lueur éclaire le centre de l'image.

Cet ensemble de près de cent peintures en parallèle sur seulement trois thèmes était un projet unique dans l'histoire de l'art. La Tamise à Londres dans le brouillard de l'hiver était peut-être le seul endroit au monde permettant un tel exploit. Les brumes de Venise sont moins fugitives, expliquant sans doute le désarroi de Monet au début de son séjour dans la Cité des Doges en 1908.

23 oct. 2019

Sécurité pour la Galaxie

En 1976 Kenner Products obtient les droits pour la production de jouets d'action relatifs à la première trilogie de La Guerre des Etoiles en cours de préparation. La hauteur de 9,5 cm (3,75 inches) choisie par ce fabricant deviendra un standard pour ce secteur de marché.

L'entrée en scène d'un nouveau personnage majeur doit être prise en compte pour satisfaire les clients. En 1979, avant le second film, la société de production annonce Boba Fett le chasseur de primes. Deux variantes sont prévues avec une forme différente de la position de la fusée avant tir dans le dos du personnage, J-Slot et L-Slot. Un prototype est dévoilé au New York Toy Fair.

Une centaine de prototypes destinés à des qualifications sont sous-traités à Hong Kong et envoyés à Kenner. Le système de tir de la fusée ne répond pas aux règles de sécurité, le ressort risquant de se déclencher inopinément. Ces prototypes avec mécanisme font partie des jouets les plus rares de la Guerre des Etoiles. Dans la version commercialisée, la fusée sera fixée.

Quelques prototypes survivants apparaissent parfois aux enchères. Ils sont souvent plus ou moins endommagés par les conditions sévères des essais. Un type L-Slot non peint a été vendu pour $ 113K incluant premium par Hake's le 11 juillet 2019.

Un prototype Boba Fett J-Slot en état presque neuf avec sa fusée conditionnée séparément est estimé au-delà de $ 200K à vendre en ligne par Hake's le 7 novembre, lot 1815 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers. Ce jouet est dans sa configuration de fin de développement incluant la peinture complète et les tampons de copyright.

(Notons que l'apparition de ce personnage dans le tout premier film de la trilogie originale est une insertion ultérieure, réalisée en 1997).

La Lumière de la Corne d'Or

Passionné par la navigation à voile, Paul Signac s'imprègne de l'ambiance des ports. Au printemps 1907, pour visiter Constantinople, il fait exception à sa pratique en faisant le voyage par le train. Il craignait sans doute pour la sécurité d'un bateau privé dans ce port militaire.

Signac avait vu Venise en 1905. Pourtant c'est à Constantinople qu'il intègre les conjonctions extrêmes de lumière et de brume des chefs d'oeuvre Méditerranéens de Turner. Il concentre ses esquisses sur la Corne d'Or et ses minarets qui montent jusqu'au ciel.

De retour en France, Signac veut traduire son éblouissement. Il prend une toile au standard '50', 89 x 116 cm, qui est la plus grande dimension compatible avec l'extrême minutie de sa technique pointilliste. Après un mois d'efforts, surpris par la difficulté inhabituelle de ce travail, il détruit une première peinture et recommence à zéro.

La seconde version est satisfaisante. Signac a retrouvé le plaisir d'exprimer le grand soleil, comme à Saint-Tropez quinze ans plus tôt, mais cette fois-ci il remplace le jaune aveuglant par une subtile palette de roses et de violets. Encore mieux : il a renoncé pour cette vue à une stricte division entre les points de couleurs, acceptant des mélanges inspirés par l'art de Turner.

Cette peinture est de loin la plus achevée des neuf ou dix huiles sur toile de Constantinople peintes par Signac en 1907. En 1937, deux ans après sa mort, elle est rachetée aux enchères par sa fille et son gendre. Elle a été vendue pour £ 8,8M incluant premium par Christie's le 7 février 2012. Elle est estimée $ 14M à vendre par Sotheby's à New York le 12 novembre, lot 21.

20 oct. 2019

Cinq Sonneries sur le Poignet

En 2014, pour célébrer le 175ème anniversaire de la marque, Patek Philippe sort sa première montre-bracelet Grandmaster Chime sous la référence 5175 éditée à sept exemplaires. Ses 20 fonctions ont nécessité 1366 composants pour le mouvement et 215 composants pour le boîtier, surpassant la 6200 Sky Moon Tourbillon. Elle est l'aboutissement de 60 000 heures de développement sur sept ans.

La 5175 est une montre de 48 mm de diamètre et 16 mm de hauteur avec 11 poussoirs et boutons. Son mécanisme central active en parallèle la lecture visuelle sur deux cadrans incluant le calendrier perpétuel, les carillons des heures, quarts, minutes et jour, et l'alarme acoustique réglable à l'avance pour le quart d'heure. La durée de marche de cette montre à remontage mécanique est de 72 heures en mode silencieux et de 30 heures en mode grande sonnerie.

Deux de ces applications sont sans précédent : l'insertion d'une alarme dans une montre-bracelet, et l'indication sonore du jour dans le mois en deux chiffres couvrant 1 à 31 par la dizaine et unité. La montre sonne également à la demande l'heure courante et la minute. Une sécurité empêche l'utilisateur d'actionner deux mécanismes en même temps s'ils sont incompatibles.

La référence 6300G en or gris lancée en 2016 est similaire à la 5175 sauf que les références à la célébration ont été ôtées.

La vente de charité Only Watch est organisée tous les deux ans depuis 2005 au bénéfice de la recherche sur la dystrophie musculaire de Duchenne. L'édition 2019 est organisée par Christie's à Genève le 9 novembre.

Selon les règles applicables à cette opération, chaque fabricant offre une montre pour laquelle il garantit qu'elle est et restera unique. Patek Philippe fournit cette année le seul exemplaire de Grandmaster Chime en acier inoxydable, référence 6300A-010, lot 28 estimé CHF 2,5M. L'utilisation de l'acier améliore la sonorité. Elle est inscrite "The Only One" sur un des cadrans.

Le lot inclut une visite privée d'une journée des ateliers et du musée pour deux personnes et un déjeuner avec Thierry Stern, le président de Patek Philippe.

18 oct. 2019

Un Manuscrit Timouride

Le 25 octobre à Londres, Christie's vend un manuscrit d'un long poème Persan, lot 80 estimé £ 1M. Le texte en script Timouride réparti sur quatre colonnes par page couvre 48 folios 30 x 19 cm en recto verso. Quatre peintures en pleine page sont insérées. La couverture est illustrée d'une scène de chasse en peinture laquée.

Le poème est le Jam-i Jam, signifiant la coupe de Jamshid en référence au mythique roi Perse de ce nom. Il a été composé en 733 AH par Awhad al-Din Isfahani pour un Sultan Ilkhanide. Le scribe a indiqué son nom et daté 863 AH correspondant à 1459 CE, sous la dynastie Timouride.

Les quatre illustrations montrent des scènes animées, peintes en couleurs vives avec un dessin d'une jolie netteté. Elles ont probablement été peintes par un seul artiste. L'une d'elles est signée Bihzad.

Kemal al-Din Bihzad, né à Herat entre 844 et 854 AH, est célèbre pour avoir renouvelé la miniature Persane à la fin de l'époque Timouride. Considérant que les illustrations peuvent être ultérieures au manuscrit, cette attribution est tout à fait plausible. Un colophon du XVIIème siècle CE atteste de leur insertion dans ce volume.

La reliure est un peu plus tardive, de l'époque des Safavides qui ont succédé aux Timourides en 912 AH.

Dissolution du Drapeau

Dans les années 1950 Jasper Johns choisit quelques modèles d'images dont la signification est évidente pour le grand public. Il est avec Rauschenberg un des pionniers du Pop art. Avec ces figures dénuées de toute émotion, Johns varie les techniques, les matériaux, les couleurs. Les messages inscrits sur les couches profondes sont cachés, réduits au mieux à une irisation localisée.

En 1957 à West Islip NY, Tatyana Grosman crée la Universal Limited Art Editions (ULAE), exploitant son propre savoir faire dans toutes les techniques de gravures : aquatinte, eau forte, lithographie, offset, photolithographie, sérigraphie, xylographie.

La créativité inédite de Johns intéresse Grosman. En 1960 elle invite Johns à tester la lithographie. L'artiste comprend que cette technique lui permettra de créer des multiples avec la même complexité de structures que ses peintures.

Dans cette première année, ULAE édite sur des papiers variés les ré-interprétations monochromes par Johns de ses thèmes favoris : trois versions de Flag successivement en noir, blanc et gris, Target, 0 through 9, ainsi que deux variantes de Coat Hanger. Flag I et III sont édités sur papier d'Arches 56 x 76 cm et Flag II sur papier Kraft 61 x 81 cm.

Le 24 octobre à New York, Sotheby's vend quatre feuilles qui démontrent comment Johns a anéanti les éléments visibles du drapeau. Les trois premières sont des essais uniques, la quatrième est un exemplaire de Flag III. Cet ensemble est estimé $ 1,8M, lot 16. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Les trois prototypes uniques ont été respectivement imprimés sur Kraft, papier vergé et vélin. Les essais de Flag II et III sont imprimés en blanc sur blanc. Le Flag I expérimental laisse encore apparaître une mémoire des treize bandes du drapeau Américain malgré cette impression strictement monochrome d'une texture régulière. Pour les autres, le drapeau est réduit à une étape effacée du processus artistique.

17 oct. 2019

Germain Père et Fils

Thomas Germain, nommé officiellement Orfèvre et sculpteur du roi aux Galeries du Louvre, est le plus grand maître de l'argenterie rococo. Jusqu'à sa mort en 1748, il réalise toutes les pièces de prestige de Louis XV. A partir de 1723 il est également le fournisseur direct des cours royales et princières incluant le Portugal, le Brésil, l'Espagne, les Deux-Siciles. En 1742 il est chargé par le gouvernement français de préparer les somptueuses pièces d'argenterie qui seront offertes au Sultan de Constantinople.

Les grandes pièces d'argenterie française sont aujourd'hui extrêmement rares à cause des fontes de la Guerre de Sept Ans et de la Révolution. Le 13 novembre 1996, Sotheby's a vendu pour $ 10,3M incluant premium une terrine pesant plus de 13 Kg fabriquée par Thomas Germain vers 1733 pour le service princier Penthièvre-Orléans. Le couvercle est à lui seul une oeuvre d'art imitant les peintures de natures mortes de préparation d'un repas.

Une terrine à potée plus précisément décrite comme un pot à oille a également survécu. Poinçonnée dans la période 1740-1742, elle est accompagnée de son couvercle et de son plateau d'origine. François-Thomas Germain, fils de l'artiste, travaillait selon les modèles de son père et avait maintenu sa clientèle internationale. Il a racheté cette pièce avant 1764 pour la vendre à Melo e Castro, négociateur portugais pendant la guerre de Sept Ans. Le blason de cette famille a été ajouté pour cette opération.

Cet ensemble pesant plus de 10 Kg pour une hauteur de 30 cm hors tout est estimé $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 25 octobre, lot 690.


Le Son des Minutes

La répétition des heures et des quarts est une complication courante dans les montres de poche. Plus difficile, la  répétition des minutes est testée par Patek Philippe à la fin du XIXème siècle. Le specimen Palmer assemblé en 1898, considéré comme la toute première montre de poche Patek Philippe à grande complication, incluait déjà cette fonction. L'incorporation dans une montre-bracelet n'est pas étudiée avant 1906.

Pendant trois décennies à partir de 1922, Henry Graves Jr achète 39 montres spéciales à Patek Philippe. En 1928 il vient en personne à Genève pour approuver le plan de la montre à 25 complications qui lui sera livrée en 1933.

Pendant ce voyage, Graves achète une montre-bracelet incorporant un mouvement de 1895, qui apparaît aujourd'hui comme le plus ancien exemple de répétition des minutes par Patek Philippe. Le boîtier de 40 mm de long de forme tonneau construit en 1927 est spécialement adapté pour incorporer ce très ancien mécanisme et optimiser l'effet sonore de la répétition. Le blason de Graves est désormais incisé sur cette montre en or jaune.

Cette montre fait surface pour la première fois en 2012 dans la succession du petit-fils de Graves. Elle est vendue par Sotheby's pour $ 3M le 14 juin 2012 sur une estimation basse de $ 600K. Elle est estimée CHF 3M à vendre par Christie's à Genève le 11 novembre, lot 154.

16 oct. 2019

Jane aux Enfers

En 1857 Rossetti est fiancé à Lizzie. Cela ne l'empêche pas de regarder les filles. Il est ébloui par la beauté de Jane, une grande brune aux traits fins et à la peau claire âgée d'à peine 18 ans. Entrée dans le cercle Pré-Raphaélite, Jane épouse William Morris.

Jane n'est pas heureuse avec William mais ce mari n'est pas jaloux. A partir de 1871 Morris et Rossetti louent ensemble une résidence dans la campagne anglaise. Morris est souvent en voyage, laissant sa femme et leurs deux petites filles seules avec Rossetti.

Rossetti est artiste mais il est aussi un poète nostalgique. Il peint Jane en Pandora en 1871, sur le thème de la beauté qui n'empêche pas le déclenchement de la malédiction par une action maladroite. C'est probablement William qui suggère à Rossetti d'interpréter Jane en Proserpine.

Cette période dure environ trois ans. Inquiète à juste titre pour la santé mentale de Rossetti, Jane prend ses distances avec son admirateur. Rossetti continue sa quête de l'expression du malheur. La Proserpine de Rossetti est saisie au moment même où elle réalise avec effarement qu'elle vient de croquer dans le fruit défendu, une grenade qu'elle tient encore dans ses doigts.

La réalisation des peintures se passe mal. Plusieurs huiles sur toile sont endommagées, accroissant l'attachement obsessionnel de l'artiste à ce thème. La septième version, 125 x 61 cm, est enfin achevée en 1874. Elle est conservée à la Tate Britain.

Rossetti recommence plus tard sans modification majeure de la composition mais en variant la technique. Le 28 octobre à New York, Christie's vend une aquarelle et gouache 78 x 38 cm sur papier réalisée en 1878, lot 208 estimé $ 3M. Aucune autre Proserpine de Rossetti n'a été peinte avec cette technique. Les couleurs fortes anticipent les oeuvres sur papier par Burne-Jones.

Le 19 novembre 2013 une Proserpine 120 x 56 cm réalisée avec des craies de couleurs en 1880 a été vendue pour £ 3,3M incluant premium par Sotheby's sur une estimation basse de £ 1,2M. L'artiste revient à l'huile sur toile en 1882 avec la version finale terminée quelques semaines avant sa mort.

Le Bar Ovin

Le rhinocrétaire, oeuvre séminale de François-Xavier Lalanne, offrait dès sa conception une gamme de fonctionnalités : bureau, bar, casier à bouteilles, coffre fort.

Le bar est un élément important tout au long de son oeuvre. Son premier client majeur, Yves Saint-Laurent, fait faire sur mesure un bar non zoomorphe. Il a été vendu pour € 2,75M incluant premium par Christie's dans la succession du couturier en février 2009. Un bar en plateau tenu par deux autruches utilisant une nouvelle technique de porcelaine de Sèvres a été vendu pour € 6,2M incluant premium par Sotheby's le 21 novembre 2017.

L'oeuvre la plus reconnaissable par le grand public reste cependant la banquette en forme de mouton. Un troupeau de 24 sièges quadrupèdes a été vendu pour $ 5,7M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012.

Conçu en 1993, le Grand Mouflon de Pauline est une synthèse de ces deux tendances. En 2006 l'édition originale est un bureau 132 x 122 x 47 cm réalisé en huit exemplaires plus quatre épreuves d'artiste. L'un d'eux a été vendu pour £ 1,45M incluant premium par Christie's le 6 mars 2018 sur une estimation basse de £ 400K.

La version de 2007, réalisée en bronze doré dans les mêmes quantités que l'édition originale, offre un raffinement : deux portes coulissantes ouvrant sur un bar cabinet. Un de ces moutons, 128 x 117 x 43 cm, a été vendu pour $ 1,93M incluant premium par Christie's le 4 juin 2019 sur une estimation basse de $ 1M.

Un Grand Mouflon de Pauline provenant directement de la succession des Lalanne sera vendu par Sotheby's à Paris le 23 octobre, lot 38 estimé € 600K. Ce meuble 130 x 120 x 54 cm provient de l'édition de 2008 en huit exemplaires, qui apportait un excédent de profondeur du bar par rapport à l'édition de 2007. François-Xavier Lalanne est mort en décembre 2008.

15 oct. 2019

Rhino et Chou

Pierre Restany promeut sous le nom de Nouveaux Réalistes un art nouveau qui s'approprie l'objet industriel. En 1964 la Galerie J consacre une exposition à deux sculpteurs, François-Xavier Lalanne et Claude, sa compagne et future épouse.

Leurs conceptions et leurs lignes de produits sont complémentaires. François-Xavier maintient la fonctionnalité de ses meubles même quand ils sont zoomorphes. Claude crée des objets décoratifs pour le salon ou le jardin avec une imagination illimitée. Ils signeront leurs oeuvres conjointement à partir de 1966 : Les Lalanne.

Dans cette exposition séminale, les deux pièces phare sont le Rhinocrétaire de François-Xavier et le Choupatte de Claude. Pierre Bergé et Yves Saint-Laurent sont enthousiasmés par le Rhinocrétaire.

Pendant toute leur très longue carrière, les Lalanne accumulent de nouveaux sujets sans interrompre les anciens thèmes. Le 23 et 24 octobre à Paris, Sotheby's disperse les oeuvres qu'ils avaient conservées dans leur maison et leur atelier près de Fontainebleau.

Le lot 13 estimé € 700K est un Rhinocrétaire de 2,55 m de long en métal soudé. L'ouverture d'un flanc de la bête déplie le bureau. Cette pièce unique réalisée en 1991 a certainement été assemblée pour l'usage personnel de l'artiste. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's dans le tweet.

Le lot 33 estimé € 150K est un Choupatte (Très Grand) 117 x 135 cm d'une édition de 8 réalisée en 2012 en bronze patiné. Une pièce unique de seulement 37 cm datée 1988 a été vendue pour € 610K incluant premium par Sotheby's le 28 mai 2019 sur une estimation basse de € 70K.


14 oct. 2019

Exotisme de Salon

A la fin des années 1870, Rudolf Ernst et Ludwig Deutsch quittent Vienne pour faire carrière à Paris. Ils se spécialisent dans la peinture orientaliste, caractérisée à la fois par un réalisme photographique et une technique picturale de très grande précision. Ernst sera surtout inspiré par le Maroc et la Turquie et Deutsch par l'Egypte.

Deutsch peint des types de personnages pittoresques, basés sur les photos de ses voyages. Il utilise l'huile sur panneau poli pour ses compositions les plus minutieuses.

Le 22 octobre à Londres, Sotheby's vend un panneau 70 x 100 cm peint par Ludwig Deutsch, lot 15 estimé £ 1,5M.

Un dignitaire âgé se dirige vers les marches d'un palais aux murs très luxueusement ornés. Il porte un rouleau fermé qui définit son tribut à un seigneur non visible. Il est suivi à distance par un noble, un soldat, et un esclave portant une grande boîte qui ne peut contenir que des offrandes.

D'autres personnages complètent cette scène inhabituellement complexe pour cet artiste. Un immense soldat Nubien très lourdement armé bloque l'entrée du palais. L'effet dramatique est obtenu par l'incertitude sur l'accueil qui sera fait à la délégation. Sans lien avec l'action, le groupe formé par un marchand des rues et ses clients augmente cet exotisme factice.

Un panneau 62 x 80 cm similaire dans les moindres détails a été vendu par Sotheby's pour £ 2,15M incluant premium le 23 avril 2013 sur une estimation basse de £ 500K. Cette peinture est datée 1897. Il apparaît probable que cet exemplaire a été réalisé par Deutsch pour le Salon de Paris avant de peindre pour un client la copie autographe de la prochaine vente. Curieusement, ces deux oeuvres ne semblent pas être identifiées par des titres en français.

13 oct. 2019

Les Carillons des Qing

La musique Chinoise basée sur une gamme à douze tons a été codifiée à l'époque de Confucius. Le timbre dépend de la matière de l'instrument. Les cloches de bronze ou bianzhong constituent des carillons. Elles sont suspendues à des portiques et frappées avec des maillets. Dans un carillon toutes les cloches ont la même hauteur et c'est l'épaisseur du métal qui génère la variété des tons.

La musique est l'art suprême qui offre une interprétation parfaite de tous les éléments de la nature incluant le yin et le yang. Les bianzhong impériaux sont datés, tout comme les guqin.

A l'époque des Qing, un carillon impérial est composé de seize cloches incluant quatre tons répétés dans les haut et bas octaves. Les cloches en bronze doré sont décorées de dragons en haut relief.

Le 27 mai 2009, Christie's a vendu pour HK$ 45,5M incluant premium une paire de cloches de 30 cm de haut donnant la 4ème et la 11ème note, datés Kangxi wushisi nian shi correspondant à 1715 CE.

Le 16 décembre à Paris (Hôtel Drouot), Tessier et Sarrou vendent une cloche de 21 cm de haut datée Kangxi bing shen nian zhi correspondant à 1716 CE. Elle est réglée pour le huang zhong qui est le ton de base de la gamme. Les dragons sont impériaux, avec cinq griffes par patte.

Une cloche de 27,3 cm de haut qui avait appartenu à William Randolph Hearst a été vendue pour $ 1,2M incluant premium par Sotheby's le 15 septembre 2015, lot 160. Elle fournit la 10ème note qui opère dans les bas octaves et est très lourde, près de 15 kg. Elle est datée de la 8ème année de Qianlong correspondant à 1743 CE. Je l'avais discutée avant cette vente dans cette chronique. Elle est estimée £ 800K à vendre par Christie's à Londres le 5 novembre, lot 85.

Provenant d'un autre carillon de la même année, un bianzhong de 21 cm de haut donnant la 6ème note a été vendu pour HK$ 33M incluant premium par Christie's le 27 mai 2008. La 10ème cloche de ce carillon a été vendue pour HK$ 17,4M incluant premium par Christie's le 3 juin 2015.

Les tweets ci-dessous illustrent la vente de Sotheby's en 2015 et la prochaine vente à Drouot.


11 oct. 2019

Bonnes Lectures avec Hamdy Bey

La carrière de peintre d'Osman Hamdy Bey est indissociable des Tanzimat, le vaste mouvement de réorganisation de l'empire Ottoman démarré en 1830 par le sultan Mahmoud II. Son père est un vizir qui atteindra en 1877 la plus haute responsabilité dans le gouvernement Ottoman.

Osman vient à Paris en 1860 à l'âge de 17 ans pour terminer ses études de droit. Quand il revient à Constantinople en 1869 avec une fiancée française, il est un artiste orientaliste, ancien élève de Boulanger et ami de Gérôme.

Il a appris de ses maîtres français les techniques de figuration réaliste qui s'appuient sur des photographies. Il restera pendant toute sa vie un grand serviteur de l'empire Ottoman. Il dédaigne les scènes de harems factices et observe avec acuité les pratiques religieuses et les costumes luxueux des élites Turques.

Hamdy Bey introduit des éléments progressistes dans son art, avec une très grande subtilité qui ne nuit pas à sa très belle carrière culturelle et administrative. Il se met en scène lui-même avec sa famille, probablement pour éviter les commentaires d'autres modèles. Il est le seul peintre figuratif en Turquie et ses oeuvres n'ont pas été exposées de son vivant dans son pays.

Ainsi la Dame de Constantinople porte bien le voile Islamique mais celui-ci est si transparent qu'il ne cache rien de son joli visage. Cette huile sur toile 185 x 109 cm peinte en 1881 a été vendue pour £ 3,4M incluant premium par Sotheby's le 30 mai 2008. Une version de plus petites dimensions est attendue à Dorotheum le 23 octobre. Ces deux oeuvres ont été discutées dans cette chronique.

La lecture des livres sacrés est un des thèmes préférés de Hamdy Bey. Ses personnages sont sympathiques par leurs passions ou leurs négligences. Ce profond humanisme qui mène la critique sociale jusqu'à une gentille dérision n'a pas d'équivalent dans l'art orientaliste Européen ni a fortiori dans l'art Ottoman.

Peinte en 1878 dans l'ambiance de Topkapi, l'image d'un jeune prince vautré sur un canapé pour mieux se concentrer sur sa lecture est passée à Sotheby's le 24 avril 2012. Une jeune femme trompant son ennui en regardant un grand livre, huile sur toile 41 x 51 cm peinte en 1880, a été vendue pour £ 6,7M incluant premium par Bonhams le 26 septembre 2019 sur une estimation basse de £ 600K.

Le 22 octobre à Londres, Sotheby's vend Instruction Coranique, huile sur toile 80 x 60 cm peinte en 1890, lot 21 estimé £ 3M.

Dans le luxueux intérieur de la Mosquée Verte de Bursa, le maître debout lit le livre à haute voix sans regarder le disciple. Cet homme sérieux a oublié de se déchausser. L'étudiant est un homme déjà âgé qui tient un livre fermé avec une attitude blasée. Il est un auto-portrait de l'artiste, d'après une photographie qui a été identifiée.

7 oct. 2019

Miles dans les Etoiles

Miles Davis était un des meilleurs trompettistes. Son répertoire allait du jazz à la pop. Il avait joué avec Charlie Parker et John Coltrane, aurait bien voulu accompagner Jimi Hendrix et tenta des remakes de Michael Jackson.

Ses instruments préférés étaient les trompettes de marque Committee fabriquées depuis 1939 par la Martin Band Instrument Company. Leur son chaud et doux est incomparable pour jouer le jazz.

En 1975 Miles Davis, malade et épuisé, interrompt sa carrière. L'espoir revient en 1980. A ce moment la Committee est discontinuée depuis dix ans et Leblanc a racheté Martin. A la demande du musicien, Leblanc accepte de fabriquer trois nouvelles trompettes Martin Committee.

Ces instruments sur mesure ont des couleurs de tube différentes avec la Lune et les étoiles en décoration dorée. L'attribution à MILES est inscrite en or à l'intérieur de la cloche.

La trompette noire a été enterrée au côté de Miles Davis dans un cimetière du Bronx. L'exemplaire rouge est conservé par  la famille. La trompette bleu nuit est estimée $ 70K à vendre par Christie's à New York le 29 octobre, lot 1011. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes, dans laquelle l'instrument est joué par Keyon Harrold.

Une anecdote sympathique accompagne la réception de ces instruments apportés au musicien par le responsable du projet chez Leblanc. Il fallait essayer la trompette sans réveiller Cicely Tyson qui dormait dans la pièce à côté. Pour jouer en sourdine, Miles a enfoncé la cloche dans le ventre de son visiteur.

En 1981 Miles reprend sa carrière et épouse Cicely.


6 oct. 2019

Un Bouddha Jin

La dynastie Song ne contrôlait pas l'ensemble du territoire Chinois. Au Nord l'empire Liao s'étendait jusqu'aux steppes mongoles. Le bouddhisme était pratiqué et protégé dans les deux empires rivaux.

Les Jin ont vaincu les Liao et les Song. Ils ont détruit l'empire Liao en 1125 CE. Deux ans plus tard ils conquièrent la partie la plus importante de l'empire des Song qui parviennent cependant à maintenir leur pouvoir dans le sud du pays. La conquête Mongole élimine les Jin en 1234 CE.

Les Jin sont des étrangers : ils appartiennent au groupe ethnique mandchou des Jürchens. Pour consolider leur contrôle sur les territoires conquis, ils abandonnent leur chamanisme traditionnel et adoptent le Bouddhisme et le Taoïsme. Ils deviennent de grands protecteurs du Bouddhisme, commentant et éditant les textes sacrés.

Après la débâcle Bouddhiste qui avait commencé sous les Tang, les Liao et les Song se sont attachés à recréer des lieux de culte accueillants. De grandes statues polychromes en bois figurant les déités ornent les entrées des temples. Les Jin continuent cette nouvelle pratique.

Bouddha, Amitabha et les bodhisattvas doivent être facilement reconnaissables par les fidèles à qui il faut inculquer toutes les variantes de leurs attributions respectives. Seuls de minuscules détails permettent d'évaluer une origine ou une chronologie.

Les artistes suivent le canon qui définit les traits des déités, avec une apparence humaine de grand réalisme associée à une méditation apaisante. Les statues sont parfois plus grandes que nature.

Une Guanyin Song polychrome de 117 cm de haut assise en lotus est restée invendue à Christie's le 2 décembre 2015. Dans une position assise similaire, un Bouddha Shakyamuni Jin de 122 cm de haut avec des traces de la polychromie d'origine est estimé HK$ 16M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 8 octobre, lot 3629.

5 oct. 2019

Gabriel dans le Ciel

Les girouettes sont placées sur le plus haut bâtiment du village. Elles doivent être asymétriques avec une bonne prise au vent et suffisamment grandes pour être visibles d'en bas. En France ce rôle est attribué au coq gaulois perché sur le clocher de l'église.

Le weathervane Américain n'est pas aussi standardisé, laissant libre cours aux fantaisies des artistes locaux. Quand le sujet est un être humain, il est souvent grandeur nature. Les matériaux les plus souvent utilisés sont le cuivre et le fer.

En 2006 une frénésie s'est emparée de cette catégorie de folk art aux enchères. Les trois principaux résultats donnent une excellente idée de la variété illimitée des thèmes. Une Liberté brandissant un drapeau a été vendue le 21 janvier pour $ 1,08M incluant premium par Christie's. En août, une locomotive à vapeur a été vendue pour $ 1,22M par Northeast Auctions. Le 6 octobre un Indien lançant une flèche a été vendu pour $ 5,8M incluant premium par Sotheby's sur une estimation basse de $ 100K.

Le marché n'a pas suivi bien longtemps. En janvier 2009 un pompier au feu que j'avais annoncé dans cette chronique est resté invendu à Sotheby's sur une estimation basse de $ 3M.

Le 10 octobre à New York, Sotheby's disperse une collection de folk art. Les deux plus importantes weathervanes de cet ensemble montrent l'Ange ailé Gabriel planant tout en soufflant dans sa trompette. La différence de dates de leurs création permet d'observer une évolution technique et artistique.

La plus ancienne a été faite en 1822 pour équiper une église neuve à Crown Point NY.  Cet assemblage de plusieurs feuilles de fer forgé mesure 47 x 184 cm. L'Archange est figuré en silhouette plate. Il est estimé $ 750K, lot 15, et illustré à droite dans le tweet ci-dessous.

L'autre Archange a une figuration soignée avec des proportions réalistes. Il été réalisé en cuivre moulé vers 1872 pour une chapelle dans l'Ohio. Il mesure 165 cm de long et est estimé $ 300K, lot 11. Il est à gauche sur le tweet.

4 oct. 2019

Vie Quotidienne à Jaffa

Après avoir admiré les monuments d'Italie, l'architecte allemand Gustav Bauernfeind décide de devenir peintre et installe son atelier à Munich en 1876. En 1880 il embarque pour une première visite au Proche Orient. Il observe avec passion comment la vie quotidienne en habits traditionnels s'intègre harmonieusement avec des monuments et des rues de haute antiquité.

Bauernfeind alterne ensuite les longs séjours au Levant avec des périodes à Munich pendant lesquelles il peint des scènes orientalistes pour ses clients et participe à des expositions. Il travaille d'après photographies avec une profusion de détails qui fait de son oeuvre un irremplaçable témoignage de la vie sociale. Il s'installe de façon permanente en Palestine en 1896.

Délaissée à cette époque par les touristes, Jaffa plait à Bauernfeind à tel point qu'il y partage la vie dure des habitants gênés par la chaleur et une certaine insécurité et menacés par les maladies. Ce port d'attache lui permet aussi de faire fréquemment des visites à Jerusalem.

Le 22 octobre à Londres, Sotheby's vend une scène de marché à Jaffa, huile sur toile 82 x 109 cm peinte en 1887 après trois années passées en Palestine. Le marché est un bon prétexte pour réunir les artisans de toutes spécialités, tapissiers, potiers, armuriers, au côté des marchands d'oranges et de melons. Les femmes prennent l'eau au puits ou préparent le pain. Les chiens reniflent les paniers ou font la sieste en plein soleil, et les enfants sont gentils.

Cette peinture est estimée £ 2,5M, lot 9. L'image est partagée par Wikimedia.

MarktJaffaGustavBauernfeind1887

Le Dinar d'Arabie

La dynastie Omeyyade régnait à Damas. Le cinquième calife, Abd-al-Malik, crée la monnaie Islamique, remplaçant les images par des textes en écriture kufi à la louange de Dieu. Les monnaies cessent aussi d'identifier le calife régnant. Le premier dinar d'or de ce nouveau style est daté 77 AH.

Profitant des conquêtes, les califes exploitent des mines lointaines incluant Ifriqiya en Tunisie de 100 à 122 AH et al-Andalus. Vers 100 AH le calife Umar achète une mine dans le Hedjaz, entre Medine et la Mecque, sur un terrain légué au père des précédents propriétaires par le Prophète lui-même.

Les matrices sont réalisées à Damas. Certaines très rares émissions de prestige mentionnent l'origine de l'or. La plupart des pièces étaient frappées à Damas mais la pratique d'ateliers itinérants était possible : l'outillage nécessaire n'était pas volumineux.

L'utilisation de l'Or du Commandeur des Croyants est indiquée sur une série de dinars en 91 et 92 AH. Le dinar de 105 AH ajoute à cette inscription une localisation explicite au Hedjaz. Il est impossible de savoir si l'or de ces deux séries provient de la même mine.

En 105 AH correspondant à 724 CE, le calife Yazid meurt après une longue maladie. La présence en Arabie de son frère et successeur Hisham est attestée cette année-là. Bien qu'il soit impossible en toute rigueur de définir lequel des deux califes a commandé le dinar d'or, une opération de prestige du nouveau calife coordonnée avec un pèlerinage à la Mecque est probable.

Par son inscription, ce beau dinar du Hedjaz pesant 4,27 g est la plus prestigieuse des monnaies Islamiques Omeyyades. L'un d'eux en état Extremely Fine a été vendu pour £ 3,72M incluant premium par Morton and Eden le 4 avril 2011 sur une estimation basse de £ 300K.

Un autre exemple non circulé de ce dinar a été vendu pour £ 793K incluant premium par Baldwin's le 6 décembre 2012, lot 120. Il était passé précédemment dans la même maison de ventes le 25 avril 2012, lot 17 avec une estimation basse de £ 1,5M. Je l'avais discuté dans cette chronique avant ces ventes. Il est maintenant estimé £ 1,4M à vendre par Morton and Eden à Londres le 24 octobre, lot 11 ici lié sur la plate-forme d'enchères NumisBids.

3 oct. 2019

Gérôme au Désert

Jean-Léon Gérôme est professeur à l'Ecole des Beaux-Arts depuis 1864 et membre de l'Académie des Beaux-Arts depuis 1865. Il se spécialise dans la peinture historique à la mode sous le Second Empire. Il travaille dans son atelier d'après ses propres esquisses et apprécie la photographie qu'il considère comme une source de vérité.

Gérôme est aussi un touriste passionné par la Grèce, la Turquie et l'Egypte. Avec un petit groupe d'artistes, il fait en 1868 une longue excursion dans le désert, traversant le Sinai jusqu'au golfe d'Aqaba. Son beau-frère Albert Goupil est le photographe de cette petite expédition. En 1869 Gérôme fait partie d'une délégation qui assiste à l'inauguration du canal de Suez.

Les peintures de Gérôme interprètent les sables arides et la chaleur accablante, ce que la photographie noir et blanc de l'époque ne pouvait pas faire. Comme pour les thèmes d'histoire, les personnages sont stéréotypés ou pittoresques.

Le 22 octobre à Londres, Sotheby's vend une scène de cavaliers dans le désert, huile sur panneau 41 x 56 cm peinte en 1870, lot 14 estimé £ 3M. Cette image a été éditée en photogravure par Goupil en 1878.

Le premier plan montre trois cavaliers qui s'éloignent des dunes. Le bleu plus vif presque indiscernable au loin est probablement Aqaba. L'image réaliste rappelle la beauté réputée des petits chevaux arabes. Au premier plan, le vieil homme barbu est certainement le chef.

La scène est complétée à l'arrière-plan par des personnages à pied ou sur des chameaux dé-focalisés par la poussière des sables. Tous vont dans le même sens, apportant l'impression dynamique d'un mouvement coordonné. Ils sont tranquilles mais certains portent un sabre.

Gérôme ne peut pas s'empêcher d'ajouter le drame. Avec un cheval mourant de chaleur dans un paysage similaire à l'exemple ci-dessus, un cavalier dans le désert, huile sur toile 60 x 101 peinte en 1872, a été vendue pour £ 1,15M incluant premium par Sotheby's le 30 avril 2019.

2 oct. 2019

Les Longues Courses de Ricky Williams

Ricky Williams est un joueur de football américain qui a fait sa carrière en position de running back. Pendant ses années de collège à Austin de 1995 à 1998, il joue dans l'équipe des Longhorns de l'University of Texas.

Sa saison 1998 est exceptionnelle. Il cumule 2327 rushing yards pendant cette seule année. Il porte ainsi sa performance cumulée des quatre ans passés avec les Longhorns à 6592 rushing yards, battant le record de la NCAA, la fédération du football universitaire. La même année il marque 6 touchdowns dans un seul match.

Après ces exploits, Williams devient professionnel. Jouant de 1999 à 2011 en NFL, il cumule 10009 rushing yards malgré des suspensions de longue durée qui ont occulté deux saisons.

Sa saison 1998 est récompensée par le Heisman Memorial Trophy, le prix le plus prestigieux du sport amateur Américain conçu pour encourager un étudiant prometteur. Le lauréat reçoit un bronze montrant un joueur en pleine action, pesant 16,8 Kg avec sa base.

Rick Williams a vendu son bronze à un collectionneur en vente privée en 2014. Le trophée est maintenant estimé $ 500K à vendre par Heritage en ligne depuis Dallas le 17 octobre, lot 53001.

Ce lot n'est pas seulement exceptionnel par la performance du champion. Depuis 1999 les nouveaux trophées ne peuvent plus être vendus par leurs lauréats. Le club organisateur suit ainsi l'exemple des Oscars du cinéma depuis 1950.

Les bronzes Heisman suscitent un intérêt croissant aux enchères. Voici deux autres exemples des décennies 1980 et 1990. Le trophée 1987 offert à Tim Brown a été vendu pour $ 430K incluant premium par Goldin le 8 décembre 2018. Le trophée 1994 offert à Rashaan Salaam a été vendu pour $ 400K incluant premium par SCP le 20 janvier 2018.

1 oct. 2019

Un Trésor National Mexicain

La très courte période Momoyama, de 1573 à 1603 CE, est caractérisée par une ouverture du Japon, avec un commerce intense et une curiosité toute nouvelle envers les étrangers et leurs bizarres coutumes.

Le Japon se referme en 1638 CE. Entre temps des paravents étaient parvenus au Mexique. Pendant un siècle cette forme d'art sera très appréciée par l'élite créole. Le mot Japonais byobu est hispanisé en biombo.

Vers la fin du 17ème siècle plusieurs luxueux biombos sont réalisés à l'huile sur toile sur les thèmes de la Conquista sur une face et de la vue à vol d'oiseau de la Ciudad de Mexico sur l'autre face. Ils sont articulés en dix éléments. Un de ces biombos est conservé au Museo Franz Mayer à Mexico City. L'illustration est très détaillée.

La face épique montre les évènements sanglants de la conquête de Tenochtitlan de 1519 à 1521. La narration montre pêle-mêle un grand nombre d'épisodes en identifiant les personnages des deux armées. Certains personnages éminents comme Moctezuma et Cortés figurent sur plusieurs scènes. La traitresse Malinche, esclave, maîtresse et interprète de Cortés, n'est pas oubliée. Les chevaux et les armes à feu ont largement contribué à la supériorité Espagnole.

Tenochtitlan était une ville admirable par sa construction géométrique, avec des rues perpendiculaires. Les conquérants ont conservé ce plan d'ensemble quand ils ont transformé la capitale Aztèque en Ciudad de Mexico pour leur usage colonial. Ils étaient fiers de cette ville dont la conception n'avait aucun équivalent dans le monde. L'image des biombos est copiée d'une carte de 1628. Les noms des principaux monuments coloniaux sont indiqués.

Un biombo pliant de dimensions hors tout 2 m x 5,60 m avec des cadres en bois est à vendre par Sotheby's le 11 octobre, lot 1 estimé $ 3M. Il est classé au Patrimoine National du Mexique d'où il ne peut pas être exporté de façon permanente. La vente aura lieu uniquement en ligne. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

Les Couleurs du Football

Nicolas de Staël voulait offrir à l'art pictural un nouveau modernisme, à l'époque où les artistes Américains développaient l'expressionnisme abstrait. Il tente des structures géométriques peintes en diverses nuances de gris parsemées de coups de couteau. Cette période culmine avec un opus monumental 204 x 405 cm intitulé Composition 1950, qui a été vendu pour € 4,2M incluant premium par Sotheby's le 3 juin 2014.

Il comprend que l'abstraction totale ne peut pas exprimer la relation de l'artiste au monde. Il commence à déclarer que l'abstraction et la figuration ne sont pas incompatibles. Un de ses confidents est René Char, le poète qui rendait la liberté aux mots.

Nicolas et sa femme assistent le 26 mars 1952 à un match de football au Parc des Princes. Ce match était un exemple de modernisme, en étant un des premiers à être joué en nocturne sous les projecteurs. Les couleurs saturées sont nouvelles pour le sport. L'ambiance ne réduit pas la vitalité des garçons concentrés sur leur jeu.  Le résultat, 1-0 pour la Suède contre la France, n'a probablement pas intéressé Nicolas.

L'artiste hypersensible a ressenti une empathie durable pour les deux équipes. De retour dans son atelier, il réalise en très peu de temps une série de 25 peintures, donnant son interprétation de la variété des mouvements.

Presque toutes ces peintures de Footballeurs sont en petits formats. Une huile sur toile 200 x 350 cm fait exception. Intitulée Parc des Princes par l'artiste et différenciée des autres par son sous-titre Les Grands Footballeurs, elle a été gardée jusqu'à maintenant par la famille et est estimée € 18M à vendre par Christie's à Paris le 17 octobre, lot 12.

Cette série sur le football modifie pour toujours le style de l'artiste, qui a retrouvé sa sensibilité aux couleurs des paysages, des natures mortes et des fleurs. Un bouquet dans un vase, huile sur toile 147 x 98 cm peinte à la campagne pendant l'été 1952, a été vendu pour € 8,3M incluant premium par Christie's le 7 juin 2018.