30 nov. 2019

Le Duc des Mers

Robert Dudley était le fils illégitime d'un autre Robert Dudley, 1er comte de Leicester,  qui avait été le favori de la reine Elizabeth. Leicester était le fils du Grand Amiral John Dudley, 1er comte de Warwick et 1er duc de Northumberland, déchu de son duché et décapité pour avoir poussé Jane Grey sur le trône.

Le jeune Robert commença sa carrière pour l'Angleterre par une expédition aux Antilles. En 1605, n'ayant pas réussi à faire reconnaître sa légitimité, il s'exila à Florence où il pouvait impunément utiliser les titres anglais qui lui avaient été refusés. Au service du grand-duc de Toscane, il fut un très important expert naval, ingénieur, mathématicien et cartographe.

A partir de 1610 Robert Dudley rédige un traité de navigation qui inclura tout son savoir concernant la navigation, la longitude, l'architecture navale, auxquelles il joint une proposition pour standardiser en cinq classes les dimensions des bateaux militaires. Il établit des cartes autographes de toutes les mers du monde dans le style graphique des anciens portulans, basées sur les cartes de ses prédécesseurs incluant Hudson, sur les observations de Cavendish et sur sa propre expérience.

La préparation de l'édition est un travail colossal, confiée au graveur Lucini. Le livre paraît en Italien en six parties réparties en trois volumes publiés à Florence entre 1646 et 1648 sous le titre Dell'Arcano del Mare. L'auteur est identifié comme Roberto Dudleo, Duca di Nortumbria e Conte di Warvich.

Ce livre est le premier atlas marin couvrant toute la planète et le premier atlas à utiliser uniquement la projection de Mercator. Il inclut d'autres innovations comme les vents et courants dominants et la déclinaison magnétique et promeut la circumnavigation.

Ce très beau livre a un défaut. Les trois volumes ont des dimensions inégales, et les cartes destinées aux plus petits volumes sont plusieurs fois pliées. Pour réparer cette bévue, Lucini continue le travail en standardisant le livre entier aux dimensions du grand atlas, 56 x 42 cm. Dell'Arcano del Mare est réédité en 1661, douze ans après la mort de Dudley. Le contenu semble similaire mais la comparaison des cartes entre les deux éditions mérite d'être étudiée en considérant la pratique courante à cette époque d'assembler des atlas composites.

Un exemplaire complet de la seconde édition est estimé £ 500K à vendre par Christie's à Londres le 11 décembre, lot 13. Un autre exemplaire avait été annoncé comme vendu par Christie's le 16 avril 2007 pour $ 820K incluant premium sur une estimation basse de $ 250K. Il n'est plus accessible dans le catalogue en ligne, ce qui signifie probablement qu'il n'a pas été payé.

29 nov. 2019

Sympathie avec le Rubidium

Les progrès de l'horlogerie incluent les complications, bien sûr, mais aussi la recherche de la meilleure précision. Au siècle dernier, pour George Daniels, Abraham-Louis Breguet restait la référence absolue pour l'horlogerie mécanique. Urwerk, marque suisse créée en 1997, prend la suite.

Une des conceptions les plus avant-gardistes de Breguet était la Breguet Sympathique, une montre de poche qui ne nécessitait pas d'être touchée pour être remontée, mise à l'heure et régulée. Lorsque sa réserve approchait l'épuisement, elle était insérée dans une horloge à laquelle elle était couplée mécaniquement. Le mot Sympathique est une évocation du couplage, par son étymologie signifiant 'fonctionnant par affinité'.

L'obtention de tous les réglages simultanément était un exploit mécanique qui a été réussi par son atelier pour le duc d'Orléans en 1835, douze ans après la mort de l'inventeur. Remis en fonctionnement par Daniels dans les années 1970, le système complet a été vendu pour $ 6,8M incluant premium par Sotheby's le 4 décembre 2012.

Le système AMC (Atomic Mechanical Control) dévoilé en 2018 par Urwerk à Baselworld Miami est une adaptation de la Sympathique aux technologies modernes. Sans application immédiate identifiée, cet exploit technique ouvre la voie à de nouveaux développements.

La référence de temps est fournie par une horloge atomique 45 x 30 x 18 cm pesant 35 Kg. Elle utilise les transitions d'énergie quantique de l'atome de rubidium, connue par les physiciens pour offrir la meilleure stabilité avec une erreur de 1 seconde pour 317 ans quand elle est associée à un grenat d'yttrium et de fer. Elle assure par couplage la stabilité d'une montre-bracelet, sans remontage manuel, sans quartz, sans batterie.

Urwerk avait annoncé la production du système en trois unités. Un prix de $ 2,7M avait été annoncé sur le web par un site spécialisé. La montre mécanique en titane avec le numéro de série 001 associée à son horloge atomique est estimée au-delà de $ 1M à vendre par Phillips à New York le 10 décembre, lot 8.

La Foule des Rapa

L'île de Pâques est découverte en 1722. La civilisation locale est d'une grande originalité du fait de l'isolement de l'ile. A partir de l'expédition Cook de 1774, des objets en bois sont rapportés en Europe. A cette époque l'obsession anti-païenne empêche les interprétations ethnologiques.

Il faut attendre 1868 pour qu'un chirurgien de marine en escale dans l'île fasse les premières observations de terrain. L'objet en bois couvert d'un enduit noir consistant en deux pales plates reliées par une poignée d'haltère était connu depuis Cook. Son utilisation dans les danses rituelles et son nom dans la langue indigène, le rapa, sont enfin connus. L'abondance de l'artefact et de ses représentations peintes, sculptées ou tatouées montre son importance rituelle. La poignée a une patine d'usage.

Il est déjà trop tard. Cependant en 1886 le rite est mimé pour un visiteur. La description ethnographique devient plus précise. Chaque danseur utilise une paire de rapa, un dans chaque main, qu'il fait tournoyer à très grande vitesse. La danse des rapa chasse les esprits maléfiques, mais les détails du rite sont déjà perdus. Qui sont-ils ? Comment sont-ils appairés ? Quelle est leur relation mystique avec les moai, les ua et les ao ?

Les rapa forment une foule homogène répondant à un unique modèle anthropomorphique mais avec des hauteurs variées. Le visage est dessiné par une double arche incisée et blanchie formant une superbe continuité du trait entre le nez, le sourcil et l'oreille. Les cheveux, les yeux, la bouche et les membres sont absents. L'autre extrémité, non incisée, figure l'abdomen, prolongé par le phallus pour le rapa mâle et par une protubérance sexuelle minuscule pour la femelle.

Cet objet est unique au monde par son usage. La simplification anthropomorphique est d'une grande efficacité esthétique, d'autant plus remarquable que ce peuple était totalement isolé du reste du monde. L'équilibre des masses doit être excellent pour assurer la perfection de la danse.

Un lot de deux rapa pouvant former paire, 78 cm hors tout pour le mâle et 71 cm pour la femelle, a été vendu pour € 3,9M incluant premium par Sotheby's à Paris le 12 décembre 2017. Un mâle de 82 cm de haut avait été vendu pour € 1.9M incluant premium dans la même salle de ventes le 10 décembre 2014. Le 4 décembre à Paris, Sotheby's vend au lot 10 un rapa mâle de 86 cm de haut.

28 nov. 2019

Champs Norvégiens

En 1891 Harald Sohlberg passe plusieurs mois dans une ferme appartenant aux Pettersen, une riche famille de marchands de Christiania. Il vient de terminer ses études d'art et de design. Les Pettersen lui commandent une peinture montrant leur propriété.

Sohlberg commence à préparer des études montrant la ferme en hiver mais il ne se précipite pas. Il utilise ce thème pour développer son style personnel. En 1895-1896 il est à Paris. Son huile sur toile 73 x 116 cm est terminée en 1898. Elle est intitulée Modne Jorder (Ripe Fields), signifiant probablement qu'elle exprime la lumière de la fin de l'été.

Ce paysage est structuré en quatre distances. Le fond est une montagne éclairée par la lumière de l'aube. La partie habitée est dans la pénombre, séparée du champ par une clôture. Les premières lueurs comencent à lécher la surface du champ. Le premier plan est un talus de bouleaux, formant une sorte d'encadrement de feuilles peintes en impasto. Aucun personnage n'est visible.

Modne Jorder annonce le style qui sera pratiqué par Sohlberg pendant toute sa carrière. Il restera fasciné par la nuit et par les moments extrêmes de l'aube et du crépuscule. Il peint d'humbles paysages dans lesquels il cherche à exprimer une sensibilité. Il a probablement été influencé par l'art de Gauguin. Les couleurs extrêmes de ses paysages sont similaires aux scènes symbolistes d'Alphonse Osbert.

Modne Jorder est estimé £ 1M à vendre par Sotheby's à Londres le 11 décembre, lot 15. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.

Fiskerens hus (la maison du pêcheur), huile sur toile 94 x 121 cm peinte en 1921, a été vendue pour £ 1,2M incluant premium par Sotheby's le 14 décembre 2016.

Sohlberg-Modne jorder

27 nov. 2019

En attendant le Maharadjah

L'Exposition des Arts décoratifs à Paris en 1925 ouvre de nouvelles voies pour le luxe. Les créateurs attribuent de nouvelles formes aux meubles traditionnels, cherchent dans le monde entier les plus splendides matériaux et rêvent de se confronter aux richesses légendaires de l'Inde.

L'année suivante, l'un des plus riches souverains Hindous, le Maharadjah d'Indore, démissionne après un scandale de moeurs. Son fils et successeur, âgé de 18 ans, est assisté d'un conseil de régence. En attendant d'exercer ses responsabilités, il parcourt l'Europe. Il s'appelle Son Altesse le Maharajadhiraj Raj Rajeshwar Sawai Shri Yeshwantrao II Holkar XIV Bahadur.

Le jeune homme est passionné par le modernisme et veut meubler une résidence d'avant-garde dont il confie la conception à Eckart Muthesius. Tous les créateurs Parisiens espèrent sa clientèle.

Au Salon des Artistes Décorateurs en 1929, Ruhlmann expose un important ensemble de mobilier sous le titre de Studio-Chambre du Prince Héritier d'un Vice-Roi des Indes, qui ne laisse aucun doute sur l'identité du client visé. Ses innovations sont l'utilisation de laque noire et de bronze chromé, et le remplacement des pieds de plusieurs meubles par des planches à extrémité courbée figurant une paire de skis.

Le Maharadjah visite l'exposition mais ses conseillers, Roché et Muthesius, ne se précipitent pas. Parmi le mobilier Ruhlmann de ce Salon, il commande seulement un exemplaire du bureau et de son fauteuil ainsi que des casiers bibliothèque. Ce désaveu partiel fait le bonheur du président des Artistes Décorateurs, le premier ministre André Tardieu, qui achète plusieurs pièces originales. Le Bureau Tardieu accompagné de son fauteuil a été vendu pour € 2,3M incluant premium par Christie's le 29 mars 2011.

Ces meubles ont fait l'objet de conceptions ingénieuses en termes de fonctionnalité. La chaise longue aux skis offre quatre inclinaisons possibles du dossier et un chauffage électrique du repose-pieds. La chaise de la chambre du Salon est le seul exemplaire complet de ce modèle qui est ainsi une des productions les plus rares de Ruhlmann. Le seul autre exemplaire connu, incomplet, n'est pas localisé.

Ruhlmann était bien informé : le jeune prince avait besoin d'une chaise longue. Il a choisi le modèle de Charlotte Perriand.

La chaise longue aux skis de Ruhlmann a été vendue pour € 2,86M incluant premium par Christie's en 2011 dans la même vente que le bureau Tardieu. Son interdiction de sortie du territoire français a été levée en 2013. Elle sera vendue par Sotheby's à New York le 11 décembre, lot 26. D'abord indiquée à $ 2M dans l'article publié par la maison de ventes le 26 septembre, l'estimation basse est annoncée à $ 1,5M au catalogue.

26 nov. 2019

L'Artiste Ailé

A partir de 1959 Kazuo Shiraga prend comme thème favori les 108 Etoiles du Destin, un roman épique Ming dont la lecture en traduction Japonaise l'avait passionné pendant son enfance.

Ce thème est fondamentalement rebelle. 108 bandits forment une armée après avoir été bannis par un dieu. Dans une stricte hiérarchie numérotée, ils sont divisés en 36 esprits célestes dominants et 72 démons terrestres exécutants. Il est attribué à chacun d'eux un rôle spécifique dans l'armée, une arme et un fétiche.

Shiraga pose la toile à plat sur le sol comme faisait Pollock. Il verse la peinture à grands seaux, s'accroche à une corde qui pend du plafond et repousse la couleur avec ses pieds, créant des formes et des bourrelets jusqu'à l'épuisement physique. Il utilise désormais des toiles de grandes dimensions qui lui permettent d'amplifier le mouvement libre des jambes et des pieds, dans l'expression extrême des énergies martiales mythiques.

Cette méthode est personnelle et unique. Elle vient au bon moment dans l'histoire de l'art, désormais ouvert à toutes les expressions gestuelles et aux happenings comme l'action du bras de Franz Kline et le couteau de Lucio Fontana, et avant les Anthropométries d'Yves Klein.

Le 4 décembre à Paris, Sotheby's vend une huile sur toile peinte en 1960 dans le plus grand format utilisé par l'artiste, 182 x 273 cm, lot 4 estimé € 5M. Elle est réalisée en monochrome noir, avec une très grande épaisseur de peinture qui devient presque une sculpture avec ses puissants mouvements en arc de cercle. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Shiraga nous offre ici sa réincarnation du 25ème esprit céleste, le Tigre ailé, nommé Lei Heng en Chinois et Tentaisei Soushiko en Japonais. Il est dans la légende un chef d'infanterie, armé d'un sabre long nommé podao en Chinois utilisé dans les batailles pour trancher les pattes des chevaux.

Plus bas dans la hiérarchie, Chikisei Sesuisho, le 44ème personnage et 8ème démon, a été peint la même année. Cette huile sur toile 130 x 193 cm a été vendue pour HK$ 20,8M incluant premium par Christie's le 30 mai 2016. 

Peinte en noir et rouge en 1959 sur le thème d'une montagne Japonaise avec une tradition ascétique, Takao, huile sur toile 182 x 273 cm, a été vendue pour € 8,7M incluant premium par Sotheby's le 6 juin 2018 sur une estimation basse de € 1,8M.

25 nov. 2019

Un Peacemaker pour l'Empire Britannique

Le revolver Colt Single Action Army (SAA) a connu un succès sans précédent, avec 357 000 exemplaires fabriqués entre 1873 et 1941. Il est surnommé le Peacemaker et aussi le Long Colt. Il avait été conçu pour l'armée américaine avec un calibre .45. Dès la première année, il est adapté pour l'export, en commençant par la Prusse et l'Angleterre.

Cette arme est faite pour l'utilisation, pas pour le prestige. La première opportunité pour créer des SAA à panneaux gravés est la Centennial Exhibition qui se tient à Philadelphie en 1876. La vitrine de la Colt's Fire Arms Co est décorée d'une extraordinaire rosace de revolvers de la marque, centrée par seize SAA.

L'un d'eux au calibre .45 en état superbe a été vendu pour $ 700K incluant premium par Julia en mars 2009. L'abondante gravure est attribuée à Herman Ulrich. Les panneaux latéraux sont illustrés respectivement d'un loup et d'un ours en action dans un paysage de montagne. Le reste de l'arme est presque entièrement embelli d'arabesques foliés, plus quelques panneaux secondaires à motifs floraux.

Un SAA gravé est estimé $ 375K à vendre par RIAC à Rock Island IL le 6 décembre, lot 31. Son calibre est .455 dans le standard Britannique pour utilisation avec des cartouches de poudre noire. Son numéro de série permet d'identifier qu'il a été fabriqué en 1879. Les panneaux latéraux sont illustrés respectivement d'une chasse à l'ours et d'une chasse au buffle, et un troisième panneau montre un Indien à cheval.

Tous les éléments convergent pour assurer qu'il s'agit d'un exemplaire d'exposition. Inconnu jusqu'à ce jour, il ne figure pas dans les registres de ventes de Colt. Il est dans un état presque neuf avec 95 % de sa finition d'origine. La qualité de l'illustration réalisée par Herman Ulrich ou par Gustave Young est similaire à l'exemple de Philadelphie décrit ci-dessus.

La meilleure hypothèse est que ce revolver a été préparé pour la Melbourne International Exhibition de 1880, à laquelle la société Colt a participé, et qu'il n'a jamais été réintégré dans le stock. Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Kevin Hogan, président de la maison de ventes, raconte son investigation.

24 nov. 2019

La Croix de la Contre-Réforme

A l'époque de la Contre-Réforme, l'art catholique a besoin de se redéfinir, pour mieux attirer l'attention des fidèles. Le réalisme des corps et la souplesse des drapés sont appréciés, même dans les scènes les plus extrêmes de l'hagiographie.

Très actif à Séville au début du XVIIème siècle, Pacheco est un des théoriciens. Il deviendra même plus tard le représentant officiel de l'Inquisition dans cette ville, chargé d'éliminer les images non-conformes. Très influent, il est le maître de Velazquez.

Pacheco est cependant un peintre médiocre. La meilleure application de ses prescriptions est le Christ en Croix grandeur nature peint par Zurbaran à Séville en 1627, 290 x 168 cm. Zurbaran, âgé de 29 ans, n'est cependant pas un élève direct de Pacheco.

Le corps du Christ est brillamment éclairé sur un fond noir, attestant de l'influence du Caravage et de l'affinité avec Velazquez. La croix est un quelconque assemblage de poutres de bois. Les pieds sont cloués séparément sur un support en bois, plus crédible que le clou unique traditionnel traversant les deux pieds. Il est seul dans son ultime souffrance, sans les effets narratifs des soldats, des larrons et des pleureuses.

A la demande de ses clients, Zurbaran réalise plusieurs variantes autographes sur ce thème. Le 4 décembre à Londres, Sotheby's vend un Christ en Croix, huile sur toile 267 x 189 cm peinte vers 1635, lot 12 estimé £ 2,5M. Contrairement au modèle d'origine, les yeux tournés vers le ciel marquent la résignation et l'espoir. La croix est invisible à part la barre transversale. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La plus ancienne provenance connue de cette peinture est à Lima au XIXème siècle. Ce n'est pas un hasard. Une des principales activités de Séville était le commerce avec l'Amérique du Sud. Autour de 1640 les modes changent. Les Espagnols préfèrent la souplesse bienveillante de Murillo à l'ascétisme dramatique de Zurbaran pour qui la clientèle Américaine, restée plus traditionnelle, devient prépondérante.

Dans la Jungle avec Brando

Rolex lance en 1955 sa gamme de produits GMT Master à l'usage des pilotes d'avion et des grands voyageurs. Une lunette réglable permet de lire simultanément l'heure sur deux créneaux horaires différents.

Les montres Rolex sont aimées des baroudeurs en tous genres qui apprécient leur robustesse. Marlon Brando porte une Rolex dans plusieurs films : une Moonphase dans The Fugitive Kind, une Datejust dans Last Tango in Paris.

L'acteur a possédé deux GMT Master référence 1675. En 1976 il travaille sur le tournage d'Apocalypse Now, qui sortira en 1979. Il refuse de quitter sa seconde GMT qui sera donc visible dans le film.  Brando était trop indispensable pour que ses exigences soient refusées, et d'ailleurs le metteur en scène était plus préoccupé à masquer l'obésité de l'acteur.

Son argument concernant la montre est connu : "Si les spectateurs regardent la montre, c’est que je ne fais pas mon travail d’acteur". Il accepte toutefois d'enlever la lunette qui est inutile pour son personnage de colonel fou qui crée la terreur au fond de la jungle.

Après Apocalypse Now, cette GMT Master a un usage strictement familial. Brando la donne en 1995 à sa fille adoptive Petra en récompense pour un diplôme. Elle vient de refaire surface et sera vendue par Phillips à New York le 10 décembre, lot 30. Cette montre en acier inoxydable fabriquée en 1972 est dans son état d'origine en dehors du bracelet, du nom de l'acteur incisé assez maladroitement par lui-même au dos, et bien sûr de l'absence de la lunette.

23 nov. 2019

La Piste et la Lune

La qualité des chaussures améliore la performance en course. Cela semble évident aujour'hui. Pourtant, avant Roger Bannister, les athlètes y accordaient peu d'attention. Après avoir aminci le cuir et meulé les crampons, Bannister est le premier à courir un mile en moins de quatre minutes, en 1954. Ses chaussures ont été vendues pour £ 266K incluant premium par Christie's le 10 septembre 2015.

La médaille d'or d'Abebe Bikila, le coureur aux pieds nus, au marathon des Jeux Olympiques de Rome en 1960, contredit temporairement cette tendance. Pourtant quatre ans plus tard pour sa seconde victoire olympique, il porte des chaussures Japonaises.

En 1964 dans l'Oregon, un coureur à pied et son entraîneur fondent une affaire d'importation et de vente de chaussures de course d'une autre marque Japonaise. Quand le fabricant modifie sa stratégie d'exportation, ils décident de créer leur propre ligne de produits . En 1971 ils fondent Nike, du nom de la déesse grecque de la victoire.

Les deux créateurs attirent l'attention sur leur nouvelle marque par l'innovation. En 1972 la Nike Moon Shoe est spécialement préparée pour les épreuves de sélection des Jeux Olympiques. La semelle en caoutchouc est un réseau imitant la gaufre, assurant sans crampons une meilleure adhérence au sol et laissant derrière elle une empreinte qui rappelle vaguement les pas de l'homme sur la Lune.

La première série de Moon Shoes est limitée à douze paires assemblées à la main. C'est ce modèle qui déclenche la gigantesque réussite de Nike. Une d'elles, probablement la seule restée non portée, a été vendue pour $ 440K incluant premium par Sotheby's le 23 juillet 2019.

Une autre paire sera vendue par Goldin dans une vente en ligne qui se termine le 7 décembre, lot 7. Elle est la seule paire de la première série à avoir un rembourrage additionnel de la semelle. Elle est en excellent état et les lacets d'origine sont intacts.

22 nov. 2019

L'Epicier de Louisville

En 1807 deux jeunes français ouvrent un bazar à Louisville, Kentucky. Jean-Jacques Audubon n'arrive pas à se concentrer sur son travail. Il est passionné par la chasse et par l'observation des moeurs des oiseaux. Il prend la nationalité Américaine en 1812 et anglicise son prénom en John James.

Il est très tôt formé à la taxidermie et participe à une des toutes premières tentatives d'étude par le baguage. Sa méthode est sans précédent. Il tue son spécimen d'un coup de fusil et le redresse dans une pose naturelle avec un fil de fer. Ensuite il le dessine grandeur nature, souvent avec sa femelle ou sa proie. Il ne dessine jamais un oiseau empaillé.

Audubon fait faillite en 1819. Contre l'avis de ses amis mais avec le support de sa femme, il décide de publier son travail. Les sociétés savantes Américaines repoussent cet homme des bois qui avait ridiculisé un de leurs honorables confrères. En 1826, en plein dans la période romantique, il débarque en Angleterre avec sa collection d'images.

Le travail à effectuer est colossal. Il veut maintenir le format 97 x 66 cm de ses feuilles de dessin mais jamais un aussi grand livre n'avait été imprimé. Les planches devront être colorées une par une à la main. La seule solution est la souscription. Il trouve en 1827 à Edimbourg un imprimeur, Lizars, pour réaliser le travail. Un premier fascicule de 10 planches, numérotées de I à X, est préparé.

Il n'y aura pas de second fascicule par Lizars, suite à une grève des coloristes. L'affaire est désormais confiée à Havell à Londres, jusqu'à la 435ème et dernière planche en 1838. Les cinq volumes de textes sont publiés séparément en format octavo entre 1831 et 1839.

Le 18 décembre à New York, Sotheby's vend un ensemble complet, en très bon état malgré les rognures de quelques légendes à cause de la reliure. Il a été constitué par la souscription de la Yorkshire Philosophical Society enregistrée par Audubon en avril 1827. Les planches I, III, et V à X sont dans le premier état imprimé par Lizars.

Ce lot a été vendu pour £ 1,76M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 1990. Il est maintenant estimé $ 6M, lot 1. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

L'exemplaire complet assemblé vers 1838 pour le duc de Portland avec du stock restant inclut toutes les dix premières planches dans l'édition de Lizars et est dans un état parfait. Il a été vendu pour $ 9,7M incluant premium par Christie's le 14 juin 2018. Un ensemble complet dans sa reliure d'origine, résultant d'une des toutes premières souscriptions, a été vendu pour £ 7,3M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010.

Réalisme Gothique

Le prince Venceslas, héritier du royaume de Bohême et filleul du roi de France Charles IV, est à Paris de 1323 à 1330. C'est l'époque du premier grand enlumineur Parisien, Jean Pucelle. Rentré à Prague, Venceslas exerce fréquemment la régence pour son père, le roi-chevalier Jean l'Aveugle, à qui il succède en 1346 sous le nom de Charles IV. Il sera le premier prince de la dynastie des Luxembourg à devenir empereur, en 1355.

A l'Ouest la Guerre de Cent Ans éclate en 1337. Ce conflit international aggravé par le risque de schisme entre Avignon et Rome est une très bonne opportunité pour Charles IV pour faire de Prague une des villes les plus importantes d'Europe, siège d'un archevêché à partir de 1344.

Charles fait d'abord reconstruire la cathédrale. Pendant la seule année 1348, il crée à Prague la première université germanique, lance un grand projet d'urbanisme pour moderniser sa capitale et fait construire pour son usage personnel le château impérial de Karlstein.

Cette activité attire les artistes de toute l'Europe. La plupart sont restés anonymes, à l'exception de Maître Theodoric qui est le peintre attitré de Charles IV tout au long de son règne. Un important ensemble de peintures réalisées par ce maître pour la chapelle de Karlstein a été conservé.

La peinture sur bois du règne de Charles IV est souvent effectuée sur de très petits formats, avec une évidente recherche d'humanisme dans les portraits princiers et dans la spontanéité des attitudes. La minutie du trait montre que ces peintres étaient aussi des enlumineurs.

Une peinture à l'oeuf 22 x 20 cm sur bois de 14 mm d'épaisseur vient de faire surface. Cette Vierge à l'Enfant entrônée est dans le style de Bohême, petite et précieuse. L'Enfant est habillé d'une légère tunique. Ses gestes sont innocents. Les doigts d'une main agrippent un pied tandis que l'autre main tient gentiment le pouce de la mère. Leurs regards communiquent.

Cette scène est entourée d'une peinture noire parsemée d'étoiles en papier, réalisée probablement au XIXème siècle. L'inspection radiographique a révélé que l'environnement d'origine était un grand ensemble architecturé, plus conforme aux objectifs ostentatoires de l'art de Charles IV.

Les experts ont reconnu une similitude dans le raffinement de cette peinture avec le corpus restreint d'un artiste anonyme désigné comme le Maître de Vissy Brod, actif en Bohême autour de 1350.

Elle est estimée € 400K à vendre par Cortot à Dijon le 30 novembre, lot 52. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Artcento.


21 nov. 2019

L'Ebéniste et le Dinandier

Eugène Printz, ébéniste, a travaillé avec Chareau. Jean Dunand, décorateur, est laqueur et dinandier, spécialiste des surfaces brillantes et déjà réputé pour ses panneaux et ses paravents.

Leurs talents sont complémentaires et leur collaboration fructueuse dure de 1928 jusqu'à la mort de Dunand en 1942. Leurs production commune consiste surtout en meubles bas : buffets, enfilades, bahuts. Le style répond aux canons de l'Art Déco : simplicité géométrique des formes, beauté des surfaces.

Le 26 novembre à Paris, Sotheby's vend une enfilade 133 x 220 x 40 cm, lot 47 estimé € 400K, qui avait ébloui les visiteurs du Salon d'Automne en 1928.

Ce meuble est un bahut en placage de palmier avec un intérieur en palissandre de Rio. Il est monté sur deux élégantes traverses métalliques centrées d'un arc. La façade entièrement faite de métal noirci au feu est constituée de bandes argentées de longueurs inégales sur un fond de dinanderie. Les quatre portes et le tiroir concave deviennent à peine perceptibles dans ce brillant environnement.

Par la même équipe, un cabinet 125 x 160 x 30 cm réalisé en 1930-1931 a été vendu pour € 1,26M incluant premium par Christie's le 27 novembre 2007 sur une estimation basse de € 350K. Une enfilade 93 x 200 x 44 cm réalisée vers 1937 a été vendue le 4 juin 2019 pour $ 5,5M incluant premium sur une estimation basse de $ 300K, également par Christie's. Ces deux meubles utilisent également du bois de palmier.

La Princesse du Rock and Roll

Lady Diana épouse le Prince Charles en 1981. Elle a 20 ans et est photogénique. Elle apporte une grande attention à ce que son habillement soit en cohérence avec ses engagements, et sa garde-robe est d'une grande variété. Son style de jeune femme moderne plait au public.

Elle aime définir ses robes. Chez Victor Edelstein, elle voit une robe longue en velours aux épaules dénudées et commande le même modèle en bleu nuit qui est une de ses couleurs favorites.

En 1985 le prince et la princesse de Galles font une visite officielle de quatre jours aux Etats-Unis où ils sont reçus à la Maison Blanche par le Président et Mrs Reagan. Lors du dîner d'Etat, elle porte pour la première fois la robe d'Edelstein, avec des gants de satin et un collier choker.

Une grande surprise pour les invités a été préparée par Nancy Reagan à la demande de la princesse : à minuit John Travolta invite Diana à danser le rock and roll. Pendant vingt minutes, sur une musique extraite de Grease et de Saturday Night Fever, Diana devient avec une grande aisance une icône du disco. Joliment virevoltante dans cette danse, sa robe est désormais identifiée sous le nom de Travolta dress. L'image partagée par Wikimedia est dans le domaine public en raison du caractère officiel de ce gala.

La princesse de Galles porte encore cette robe en cinq occasions, de 1986 à 1991. Le 25 juin 1997, elle est incluse dans une vente de charité organisée par Christie's à New York, pour laquelle Lady Diana a elle-même choisi dans sa collection 79 robes de soirée et de cocktail. Cet évènement au bénéfice d'organisations combattant le SIDA et le cancer a généré $ 2,5M par la vente du luxueux catalogue et des tickets d'entrée à l'exposition plus $ 3,3M aux enchères menés par les $ 225K de la Travolta dress.

Cette robe est passée aux enchères à Waddington's en juin 2011. Elle a été vendue pour £ 240K incluant premium par Kerry Taylor le 19 mars 2013. Je l'avais discutée dans cette chronique avant ces ventes. Elle est estimée £ 250K à vendre par Kerry Taylor à Londres le 9 décembre, lot 237.

John Travolta and Princess Diana

20 nov. 2019

La Suprématie des Couleurs

Dans toute l'Europe, les avant-gardes artistiques et littéraires du début du XXème siècle partent du constat d'évolution rapide de la société et des conditions de vie. Le passé doit être annihilé, aucune tolérance n'est acceptée.

Ivan Kliun rencontre Malevitch dès 1907. Autour de 1914, il peint des oeuvres Cubo-Futuristes, apportant des couleurs vives au style Cubiste analytique de Braque et Picasso. Il est un des premiers artistes Suprématistes, participant en 1915 à Petrograd à l'exposition 0,10 où Malevitch dévoile son Carré Noir.

La peinture n'est plus une représentation de la nature mais un objet autonome. Les Suprématistes promeuvent la simulation du mouvement par les formes et les couleurs, avec une disparition totale de la perspective.

Vers 1921 Kliun réintroduit la lumière. Son art reste non-objectif mais il utilise dans sa nouvelle recherche la projection de sphères sur le plan, dévoilant les reflets. Malevitch considère cette nouvelle approche comme un retour en arrière. En 1932 le gouvernement Soviétique met fin au Suprématisme en interdisant l'art abstrait.

Peu d'oeuvres majeures de Kliun ont survécu. Le 26 novembre à Londres, Sotheby's vend une huile sur panneau 102 x 70 cm, lot 51 estimé £ 2,5M. La source de lumière est montrée en haut à gauche. Typique du Suprématisme sphérique, elle est probablement un des trois exemples de cette variante du suprématisme qui ont été exposées à Moscou en 1925. Le tweet montre un détail.

Les Seize Garçons de l'Empereur Jiajing

L'empereur Zhengde des Ming meurt en 1521 CE dans des circonstances scandaleuses, avant d'atteindre 30 ans, sans enfant survivant. Son cousin qui lui succède n'était manifestement pas prêt. Son nom de règne sera Jiajing signifiant 'admirable tranquillité'. Il ne s'intéressera jamais à l'exercice du pouvoir.

Pendant la 11ème année de son règne, 1532 CE, l'empereur Jiajing est inquiet. A 25 ans, il n'a encore aucune descendance. Sa première impératrice était morte de ses brutalités pendant qu'elle était enceinte. Il délaisse la seconde parce qu'elle est poussée par un clan. Il fait organiser un rituel Taoïste dans le jardin impérial pour susciter la naissance de garçons impériaux. On ne sait pas bien ce qui se passa dans cette cérémonie mais un premier prince nait d'une concubine l'année suivante.

Le prince meurt à l'âge de six semaines. L'empereur trouve enfin la solution. Sur une période de cinq ans commençant pendant la 15ème année du règne, neuf concubines lui donnent sept fils et quatre filles.

Pour ce qui concerne les porcelaines, la nouveauté de cette période est la jarre couverte de grande dimension, offrant une surface importante pour le dessin.

Une jarre bleu et blanc du plus grand modèle, 47 cm de haut incluant son couvercle d'origine, a été vendue pour HK$ 30,6M incluant premium par Christie's à Hong Kong le 27 novembre 2007. Elle revient dans la même maison de ventes le 27 novembre 2019, lot 3007. Elle faisait partie d'une paire de jarres identiques qui a été séparée en 1985.

Son thème iconographique des cent garçons est traditionnel. Il provient de la légende d'un empereur Zhou qui, incapable d'avoir son centième garçon, adopta un orphelin. 

En continu dans toute la circonférence, seize garçons jouent à des jeux divers dans un jardin. Ils sont tous semblables, avec la tête rasée. Un groupe représente l'éducation, avec le plus grand des enfants qui joue au maître d'école et le plus petit qui ne sait pas encore marcher mais cherche déjà à attraper le livre.

Toutes ces occupations forment plusieurs rébus, selon le jeu traditionnel des homophonies. Leur signification va dans le sens des voeux pour la prochaine naissance d'un ou plusieurs garçons et d'un auspice de longévité.

Une jarre plus petite montrant exactement les mêmes jeux est passée chez Bonhams le 10 novembre 2011. Une jarre de 26 cm de haut avec une autre composition de jeux a été vendue pour HK$ 11,8M incluant premium par Christie's le 27 mai 2009. Ces deux exemples n'ont pas de couvercle.

19 nov. 2019

L'Univers Bleu de Kim Whanki

Après la guerre de Corée, Kim Whanki veut réaliser une synthèse entre l'art contemporain et les traditions de son pays. A Paris de 1956 à 1959, il apprend que la diversification des supports permet de nouveaux effets picturaux. Il s'installe définitivement à New York en 1963.

Son art figuratif schématisé est progressivement immergé dans des à-plats d'une unique couleur avec différentes nuances de densité. Le bleu du ciel et de la mer est sa couleur préférée. Influencé par l'art de Barnett Newman, il abandonne toute référence figurative en 1970 et utilise des formats de plus en plus grands.

Il veut exprimer comme Newman les forces basiques qui se confrontent dans l'univers, mais sans perdre de vue les concepts Asiatiques comme le yin et le yang. Comme Yayoi Kusama, le champ semble se propager au-delà du cadre. Il admire Rothko et apporte de fines variations dans son apparente monochromie.

Ses oeuvres sont désormais des réseaux de points qui brillent sur un fond de la même couleur avec une régularité géométrique réalisée avec la plus grande minutie. C'est dans cette phase que Kim Whanki devient un précurseur direct du dansaekhwa, le mouvement d'art abstrait Coréen qui sera créé en 1975, un an après sa mort prématurée.

Les oeuvres principales de Kim Whanki portent un numéro de registre et une date. Il n'oublie pas le soleil. 12-V-70 # 172, 173 x 200 cm, est constituée de points jaunes sur fond jaune. Elle a été vendue en novembre 2016 par Seoul Auction pour 4,6 milliards de won incluant premium, valant à cette date $ 5,4M.

Les oeuvres qui représentent un aboutissement dans la démarche mystique de Kim Whanki ont un titre. Le 23 novembre à Hong Kong, Christie's vend le plus ambitieux, Universe, 05-IV-71 # 200 composé de points bleu de cobalt sur un fond bleu nuit, lot 17 estimé HK $ 48M,.

Cetthe huile sur coton est le seul diptyque et le plus grand opus de la série, de dimension totale 254 x 254 cm. Elle est aussi la seule oeuvre basée sur des géométries concentriques : chaque élément est construit sur une spirale sans fin, simulant ainsi deux fois les forces du ciel étoilé.

19-VII-71 #209 est un réseau de points dans des lignes obliques, avec une technique et des nuances de bleu similaires au # 200. Cette oeuvre 253 x 202 cm a été vendue pour HK$ 31M hors frais par Seoul Auction le 5 octobre 2015.

Mozart à Vérone

Wolfgang Theophilus Mozart est un enfant prodige. Il est peut-être le seul dans l'histoire de la musique à posséder de naissance trois dons exceptionnels : l'oreille absolue, la mémoire absolue, la capacité à construire l'harmonie parfaite et à la transcrire dans le geste de l'instrumentiste et dans la composition.

Le père, Leopold, est musicien. Il veut donner des leçons de clavier à sa fille Nannerl âgée de sept ans. Le garçon, âgé de trois ans, approche et commence à jouer sans faute avec un plaisir visible. Son premier instrument sera un clavecin.

De 1763 à 1766 la famille Mozart fait une grande tournée de concerts en Europe du Nord incluant de très longs séjours à Paris et Londres. Le jeune musicien est très réceptif au style des compositeurs locaux.

Il reste aux Mozart à conquérir l'Italie où la réputation du jeune prodige les a précédés. C'est pour ce voyage commencé en décembre 1769 qu'il change Theophilus pour sa traduction latine, Amadeus. Il aura 14 ans le 27 janvier 1770.

La première étape importante est Vérone. Le concert d'orgue du 5 janvier 1770 est un succès total, acclamé par la presse locale. Il est pendant deux semaines l'hôte du représentant officiel local de la République de Venise, Pietro Lugiati.

Il faut garder un souvenir de ces moments merveilleux. Lugiati fait poser Wolfgang Amadeus dans son salon de musique, pour un peintre local qui n'a pas été identifié. L'adolescent est assis, avec les mains sur le clavier d'un clavecin ancien qui appartient très probablement à Lugiati. Il est tourné pour regarder l'artiste, ce qui permet un remarquable portrait presque en pleine face. La feuille de musique sur le clavecin est parfaitement déchiffrable mais n'a pas été identifiée.

Cette huile sur toile 70 x 57 cm est restée à Vérone jusqu'en 1856. Elle provient maintenant de la collection du pianiste Alfred Cortot, mort en 1962. Elle est estimée € 800K à vendre par Christie's à Paris le 27 novembre, lot 217. L'image est partagée par Wikimedia.

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18 nov. 2019

Pauvres Milliardaires

Takashi Murakami exploite la société de consommation tout en apportant à son art un style typiquement Japonais basé sur les monstres des mangas. Il n'y a pas de limite dans son approche du luxe. Il collabore depuis 2002 avec Louis Vuitton, sur une initiative de Marc Jacobs.

Murakami porte la plus grande attention à ce que son art soit immédiatement reconnaissable avec des personnages récurrents inventés par lui comme Kaikai, Kiki ou Mr Dob. Il varie les techniques, et ses objets utilisent toute la gamme depuis le microscopique jusqu'au monumental.

Pharrell Williams est un musicien et un producteur. En 2003 il lance la marque de vêtements BBC (Billionaire Boys Club) en collaboration avec Nigo. Nigo est également célèbre dans l'art contemporain pour sa collaboration avec KAWS.

The Simple Things est une installation par Murakami et Pharrell, exposée à Art Basel en 2009 sur le stand de la Galerie Emmanuel Perrotin. La sculpture 78 x 110 x 101 cm en acier et fibre de verre montre un Mr Dob avec la gueule grande ouverte et les crocs multicolores, prêt à gober tout ce qui est consommable. L'arrière inclut un autoportrait stylisé de l'artiste.

L'intérieur de la gueule est aménagé comme une scène de théâtre éclairée par quatorze spots, où sont positionnés sept modèles d'objets choisis par Pharrell dans sa vie quotidienne. Tous sauf le cupcake ont une marque célèbre. La chaussure de sport est une publicité directe pour BBC. Avec une canette de boisson, une lotion pour bébé, un flacon de ketchup, un paquet de chips et une boîte de préservatifs, cet ambitieux milliardaire donne à tout un chacun une vue sur la simplicité de sa vie.

Les objets ont nécessité environ un an de travail au joaillier Jacob and Co. Ils sont en or blanc, jaune et rose incrusté de 26 000 pierres précieuses : rubis, saphirs, émeraudes, diamants.

The Simple Things est estimé HK$ 20M à vendre par Christie's à Hong Kong le 23 novembre, lot 58.

17 nov. 2019

Un Sourire Perfide

Né dans la région d'Aomori, Yoshitomo Nara est un provincial. Il fait ses études d'art à Düsseldorf et commence sa carrière en Allemagne. Il est un étranger pour qui le monde est une menace insidieuse. Il transpose cette impression dans l'attitude et l'expression de très jeunes enfants, avec un trait stylisé qui ne conserve que l'essentiel à la manière des caricatures et des bandes dessinées.

Vues de loin, ses petites filles restent des symboles de pureté et d'innocence. Un détail révèle la menace. Sleepness night, peint en 1999, montre une tête de petite fille avec des yeux de chat et un croc de chaque côté de la bouche. Cet acrylique sur toile 120 x 110 cm a été vendu pour HK$ 35M incluant premium par Christie's le 25 mai 2019.

Le monde est encore pire que ce que l'artiste avait imaginé. Juste avant de rentrer au Japon, il visite Auschwitz. Sa petite fille devient militante. Knife behind back, acrylique 234 x 208 cm peint en 2000, a été vendu pour HK$ 196M incluant premium par Sotheby's le 6 octobre 2019.

Par les nuits sans sommeil, son personnage devient un être maléfique. Portant sur sa tête la croix chrétienne, Midnight vampire, acrylique 73 x 61 cm peint en 2010, a été vendu pour HK$ 17,5M incluant premium par Christie's le 25 novembre 2017. La petite fille ferme tranquillement les yeux mais a les crocs du chat.

Tout va de pire en pire dans le monde réel. L'accident nucléaire de Fukushima, en 2011, a lieu a proximité de sa ville natale. Nara, qui connaissait certaines victimes, est d'abord tétanisé. Le redémarrage de la vie par-dessus la dévastation encourage sa créativité.

Le 23 novembre à Hong Kong, Christie's vend au lot 54 A un acrylique sur toile 193 x 183 cm peint en 2012. Les yeux de chat préparent un gentil clin d'oeil et l'expression est souriante, mais un croc sort d'un côté de la bouche. Le titre de l'oeuvre est la menace immédiate d'un vampire, confirmant le malaise perfide du monde moderne : Can't Wait 'til the Night Comes.

Human Torch en Haut de l'Echelle

Le prix d'un comic book de l'âge d'or dépend de son prestige et de son état. La première apparition d'un super-héros est plébiscitée : Superman en 1938 dans Action Comics # 1, Batman en 1939 dans Detective Comics # 27, Green Lantern en 1940, Captain America en 1941. Les plus grands succès ont généré des titres dédiés : 'Superman' avec un # 1 en 1939 et 'Batman' en 1940.

Superman et Batman sont les figures de proue de la société Detective Comics. Leur principal concurrent est Timely Publications qui publie Marvel Comics avec un # 1 en octobre 1939 et Captain America Comics à partir de 1941. Le premier super-héros de Marvel est The Human Torch.

Les lecteurs avides ont souillé les pages. Par ailleurs la fabrication n'était pas exempte de défauts et le temps a jauni le papier. Les exemplaires non restaurés restés dans un état parfait sont extrêmement rares.

La référence est donnée par l'échelle d'évaluation en 10 points utilisée par CGC. VF/NM 9.0 accepte encore des défauts mineurs. Les grades supérieurs son bien plus exigeants. Jusqu'à NM 9.4, seul les petitsdéfauts restent acceptés. 9.2 et 9.4 sont différenciés par l'état d'usure. A 9.6 les défauts mineurs sont peu nombreux, sans usure. Plus haut les défauts sont négligeables (9.8), imperceptibles (9.9) ou absents (10.0).

Parmi les éditions les plus prestigieuses citées plus haut, un Captain America # 1 gradé 9.4 avec des pages entre off-white et white a été vendu pour $ 915K incluant premium par Heritage le 1er août 2019.

Un Marvel Comics # 1 gradé NM 9.4 off-white pages par CGC est estimé $ 1M à vendre par Heritage à Dallas le 21 novembre, lot 91090. Cet exemplaire a le plus haut grade attribué par CGC dans cette édition. Deux exemplaires ont été gradés 9.0. L'un d'eux dont la couverture et 7 pages avaient été utilisés par l'éditeur pour sa comptabilité de paiement aux artistes a été vendu pour $ 227K incluant premium par Heritage le 25 février 2010.

16 nov. 2019

Le Double Lotus

Pendant la 57ème année de Kangxi correspondant à 1718 CE, les ateliers qui produisent le falangcai changent d'emplacement dans le palais impérial pour renforcer le contrôle direct par l'empereur.

Kangxi intervient à deux points-clés, d'abord pour approuver la pièce en porcelaine blanche fournie par Jingdezhen, et ensuite pour accepter la pièce terminée. Pour cet empereur, le développement technologique est plus important que la production et les falangcai portant sa marque son très rares. La plupart sont marquées Kangxi yuzhi signifiant qu'ils ont été fabriqués pour l'usage personnel de l'empereur.

Le falangcai est la "couleur des étrangers", suite à un transfert de technologie des émaux Européens sur cuivre en 1693 CE. Un quart de siècle plus tard, les émailleurs Européens côtoient encore les artistes Chinois mais la technologie a déjà considérablement changé, d'abord parce que la porcelaine est avant tout une spécialité Chinoise, ensuite parce que les couleurs Européennes n'atteignaient pas la pureté et la brillance requises par l'empereur.

Les thèmes sont le plus souvent floraux. Un bol décoré de fleurs dans un style inspiré des ouvrages de botanique Européens a été vendu pour HK$ 240M incluant premium par Sotheby's le 3 avril 2018. Les fleurs sont réparties en quatre cartouches lobés sur un fond rose rehaussé d'or colloïdal.

A la fin de sa vie, Kangxi a besoin d'un peu de calme qu'il trouve dans la contemplation de ses bassins aux lotus. Il donne à cette fleur l'interprétation Confucianiste évoquant la simplicité et la droiture d'un parfait gentilhomme. Capable de montrer simultanément les boutons, les fleurs épanouies et les cosses de graines, le lotus est aussi le symbole du temps passé, présent et futur.

Pendant la 61ème et dernière année de son règne correspondant à 1722 CE, Kangxi admire un bouquet de lotus en encre et couleurs qui a été préparé à sa demande par l'artiste Jiang Tingxi. Le bouquet inclut entre autres un double lotus rose, symbole d'harmonie dans le couple. Le double lotus avec deux têtes de fleur sur une tige est une rareté de la nature que les jardiniers ne savent pas créer artificiellement, tout comme le trèfle à quatre feuilles.

Un bol falangcai de 11 cm de diamètre avec la marque Kangxi yuzhi a certainement été réalisé pour faire suite à l'admiration de Kangxi pour la peinture. La circonférence du bol, contrairement au bouquet, permet une observation déroulante. Les fleurs ont une grande similitude avec le modèle et incluent trois fleurs doubles. Le réalisme est extrême, incluant le vieillissement des bords de feuilles ainsi que des trous faits par les insectes.

Les couleurs splendides sont désormais complètement différenciées des émaux importés d'Europe. Les trois couleurs fondamentales sont le rouge rubis utilisé pour le fond, le blanc et le jaune. Le reste de la palette, rose, bleu et vert, est obtenu par des adjonctions chimiques et par des mélanges.

Ce bol a été vendu pour HK$ 74M incluant premium par Sotheby's le 8 avril 2013, lot 101. Je l'avais discuté dans cette chronique avant la vente. Il sera vendu par Christie's à Hong Kong le 27 novembre, lot 2988.

15 nov. 2019

Le Moonwalk de Pasadena

Le 25 mars 1983 au Pasadena Civic Auditorium, la société Motown Records fête ses 25 ans par un grand spectacle en public. Michael Jackson participe deux fois, avec le groupe familial Jackson 5 et en danseur solo. Sa danse accompagne sa chanson Billie Jean qui est un des plus grands succès de son album Thriller.

Pour cette interprétation, Michael innove à la fois par le pas de danse et par la tenue de scène. C'est son premier moonwalk dansé en public. Il n'a pas inventé le moonwalk, un pas sautillant pratiqué par les mimes pour donner l'illusion d'un mouvement contradictoire entre le corps et les jambes, mais il l'intègre ici dans une chorégraphie complexe. MJ a raconté qu'il avait été intéressé par ce mouvement en voyant des gamins de Harlem le danser dans la rue.

Il est habillé d'une veste et d'un pantalon noir qui contrastent avec la chemise blanche à paillettes. Il porte à la main gauche un gant blanc entièrement couvert de strass tandis que la main droite reste nue. C'est sa première utilisation spectaculaire du gant blanc. On saura bien plus tard qu'il ne voulait pas attirer l'attention du public sur la maladie qui décolorait sa peau.

Le gant porté par Michael à Pasadena a été vendu pour $ 430K incluant premium par Julien's le 21 novembre 2009. Les chaussettes étaient assorties au gant. Portées dans les chaussures noires, elles étincelaient pendant les mouvements virtuoses de la danse. La paire de chaussettes est estimée $ 1M dans la vente en ligne organisée par Gotta Have Rock and Roll qui se termine le 22 novembre, lot 1. Le communiqué publié par TMZ le 6 novembre a été amendé le 7 novembre pour annoncer une contestation concernant l'utilisation de cette paire lors de l'évènement Motown-NBC.

Le moonwalk Billie Jean de Pasadena a été retransmis à la télévision par NBC le 16 mai 1983. MJ se démarquait dans cette prestation de ses clips vidéo précédents comme Thriller dont le scénario était compliqué. Il gagnait une popularité considérable dans les night clubs par cette nouvelle danse dont il avait démontré que les variations étaient illimitées.

Après ce succès il réutilise systématiquement le gant blanc dans ses concerts, avec des variantes de matière : cristaux de Swarovski, éclairage électrique. Pour le plus grand plaisir des spectateurs, il danse fréquemment le Moonwalk et utilise ce mot comme titre de son autobiographie en 1988.

13 nov. 2019

Heures à l'Usage de Milan

Patek-Philippe commence en 1937 à assembler des montres bracelets à Heures Universelles (HU) avec un mouvement breveté et fourni par Louis Cottier. Un anneau marqué de 0 à 23 tourne en synchronisation avec les aiguilles mais en sens inverse. Un autre anneau identifie environ 40 villes ou lieux. L'heure partout autour du monde est lue directement par la position de ces inscriptions en face de l'anneau tournant.

En 1953 la référence 2523 remplace la 1415 après une modification du calibre Cottier permettant de changer le fuseau horaire de référence. La 2523 est une montre de luxe, le plus souvent équipée d'un cadran émaillé. 26 exemplaires ont été produits. Le cadran le plus habituel de la 2523 est un émail cloisonné montrant la carte d'un continent. Une Amérique du Nord a été vendue pour CHF 2,8M incluant premium par Christie's le 14 mai 2012.

La 2523 est à son tour remplacée en 1957 par la variante 2523-1 avec une simplification des cosses et un cadran métallique. La production des mouvements HU cesse en 1965. Une 2523-1 en or rose a été vendue pour HK$ 19,5M incluant premium par Phillips le 31 mai 2016.

Une 2523 en or rose en excellent état sans aucun signe de réparation a fait surface en 2010. Elle a été vendue pour CHF 2,7M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2010, lot 114. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Le cadran et le mouvement ont été faits en 1953 et le boîtier en 1954.

Le centre de son cadran n'est pas en émail cloisonné mais en émail uniformément bleu marine d'une belle transparence. La montre a été vendue à Gobbi à Milan en 1957. Elle est la seule 2523 à avoir une double signature de Patek Philippe et d'un détaillant sur le cadran, une caractéristique qui est avidement recherchée actuellement par les collectionneurs de montres. Elle est estimée HK$ 55M à vendre par Christie's à Hong Kong le 23 novembre, lot 2201. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes.

12 nov. 2019

Cinq Demoiselles

En se fâchant avec Roché en 1932, Sanyu perd ses chances d'une reconnaissance commerciale de son art. Après la seconde guerre mondiale, ses oeuvres deviennent plus expérimentales, à la recherche d'une perfection qui mêlerait les traditions picturales de l'est et de l'ouest. La plupart de ses peintures de cette période sont faites sur isorel, qui avait l'avantage d'être peu couteux.

Cinq Nus, huile sur isorel 120 x 172 cm, est un des plus grands formats peints par l'artiste. Le style est reconnaissable avec ses à-plats de couleurs délimités par des courbes simplifiées. L'ambiance nonchalante est confirmée par un chien et un chat, tous deux dormant. Cette oeuvre a cependant plusieurs caractéristiques uniques.

Les cinq femmes forment le plus important groupe peint par Sanyu dans sa carrière, et le seul groupe de plus de deux personnages en position debout. Elles sont exhibées côte à côte avec une position différente des jambes qui évoque quatre phases successives d'une danse avant un retournement final. Les corps ne sont pas déformés bien que les têtes soient petites.

Les quatre couleurs de cheveux des femmes d'Europe sont utilisées : blond, noir, brun, roux. Les visages sont différents l'un de l'autre. Sinon, rien n'empêche d'imaginer cinq images alignées d'un  modèle unique.

La dimension exceptionnelle montre bien que Sanyu voulait en faire une oeuvre de référence qui pourrait être comparée aux peintures les plus célèbres de l'art moderne. Les Demoiselles d'Avignon par Picasso et La Danse par Matisse sont les deux exemples historiques qui exhibent cinq femmes nues, impossibles à différencier l'une de l'autre dans le cas de Matisse.

Les Cinq Nus par Sanyu sont réalisés en trois couleurs, pâle pour la chair, rouge foncé pour le fond et jaune vif pour le tapis, qui évoquent aussi les travaux de Matisse sur l'expression des couleurs. Matisse est mort en 1954. Antoine Chen, auteur d'une monographie sur Sanyu, date les Cinq Nus de 1955.

Cinq Nus a été vendue pour HK$ 128M incluant premium par Ravenel le 30 mai 2011. Je l'avais discutée avant cette vente dans cette chronique. Elle est estimée HK$ 250M à vendre par Christie's à Hong Kong le 23 novembre, lot 7. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Christie's.


11 nov. 2019

Noir sur Ocre sur Blanc

Les peintures de Pierre Soulages sont abstraites, titrées seulement par le format et la date. Il cherche à offrir un art intemporel qui rejoigne sa perception de l'art pariétal. Il visite New York en 1957 et rencontre Motherwell et Rothko.

Sa technique consiste à superposer les couches de peinture. La première couche est blanche. La couche intermédiaire, qui couvre partiellement la surface, est colorée. La couche supérieure est d'un noir profond au brou de noix. C'est elle qui définit la forme globale de l'image. Avant qu'elle soit sèche, l'artiste l'arrache en quelques endroits avec une spatule pour faire apparaître la couleur ou le blanc au travers du noir.

L'artiste a fêté ses 40 ans le 24 décembre 1959. L'huile sur toile 186 x 143 cm peinte la veille a été vendue pour $ 10,6M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2018. La masse noire forme une bande horizontale avec des bords effilochés. La couleur intermédiaire est rouge sang en référence à l'art de Lascaux. Au travers du noir, le blanc est limité à une petite balafre.

Peinture 200 x 162 cm, 14 mars 1960,  sera vendue par Tajan à Paris le 27 novembre, lot 8 estimé au-delà de € 4M. Le noir diagonal est élégamment bordé de poutres dans le goût de Franz Kline. Le blanc apparaît en trois petites lucarnes plus une incision. L'ocre qui avait certainement été déposé en plusieurs couches offre une belle variété de transparence et de luminosité. L'ocre est également une des couleurs de Lascaux.

Pierre Soulages fêtera ses 100 ans le 24 décembre 2019.


10 nov. 2019

Les Dernières Zondas

La Zonda est le modèle historique de la marque Pagani. Pour maintenir une offre au plus haut niveau des performances, la Huayra est dévoilée en 2011 et l'obsolescence de la Zonda est annoncée en 2013 avec une dernière édition spéciale, la Zonda Revolucion.

Ce n'est pourtant pas la fin des Zondas car il reste des châssis qui peuvent être utilisés avec des spécifications client, chacune en un exemplaire unique. Ces voitures équipées d'un moteur AMG V-12 7,3 litres 749 cv constituent la gamme Zonda 760. Les exemplaires les plus récents bénéficient généralement des innovations technologiques de la Huayra.

La Zonda Aether est une 760 roadster créée en 2017 pour un client enthousiaste de la conduite classique et de la puissance moderne. Sa principale spécificité est la boîte de vitesses manuelle, qui avait été abandonnée par la marque à partir de la variante Zonda Cinque en 2008. Une autre curiosité est la fermeture des portes par une sangle en cuir et pas par poignée. Aether est une allusion à son aspiration naturelle. Elle est sans doute la dernière Zonda avec cette caractéristique.

Cette voiture a 1400 km au compteur, ce qui prouve qu'elle a été raisonnablement utilisée alors que tant d'autres hypercars de la même génération sont restées confinées au garage. Elle est estimée $ 4,5M à vendre par RM Sotheby's à Abu Dhabi le 30 novembre, lot 124.

La dernière merveille de la marque Pagani, révélée cet été à Monterey, est aussi un roadster, la Huayra BC, qui développe 800 cv avec un moteur AMG V-12 6 litres. Elle est planifiée à 40 exemplaires et sera vendue pour environ $ 3,5M.



Petit Déjeuner à Tokyo

Au Japon la culture Otaku s"applique à un aspect contradictoire de la vie contemporaine. Le geek est seul chez lui, acharné aux jeux vidéo et à la lecture des comics qui lui offrent un univers de fantaisie sexuellement chargé. Les premières sculptures de Takashi Murakami sont une traduction de l'otaku en personnages de dimensions humaines. Elles donnent aussi une suite Japonaise à la Pink Panther de Jeff Koons.

La toute première oeuvre de ce style, en 1997, est Miss ko², peinte à l'huile et acrylique sur fibre de verre et résine synthétique. Elle a été éditée en 3 exemplaires plus une épreuve d'artiste, légèrement différentes l'une de l'autre pour les détails de la peinture de style manga et Playboy.

La figure est directement inspirée des tenues sexy des serveuses du restaurant Anna Miller à Tokyo. La jeune fille tend le bras comme pour offrir le petit-déjeuner, avec un sourire commercial aguichant.
Elle est mince avec des gros seins, porte une mini-jupe couverte d'un petit tablier et des panties. Paradoxalement cette geisha moderne a aussi la cravate des écolières et un gros noeud juvénile dans les cheveux. Avec des jambes très allongées au-dessus de talons aiguille, elle atteint 1,83 m de haut.

L'exemplaire 3/3 a été discuté dans cette chronique en 2010. Il a été vendu pour $ 6,8M incluant premium par Phillips de Pury le 8 novembre 2010, lot 10. Au même moment, un autre exemplaire participait à l'exposition de Murakami au château de Versailles qui a horrifié les traditionalistes français. Ensuite l'attention a baissé. Le même exemplaire a été vendu pour HK$ 23M incluant premium par Sotheby's le 2 avril 2017 et est estimé $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 14 novembre, lot 46.

Immédiatement après Miss ko², Murakami réalise son couple obscène inspiré plus directement du pop art et de la contre-culture américaine : Hiropon, la femme, en 1997, et My Lonesome Cowboy, l'homme, en 1998. Un exemplaire du cowboy a été vendu pour $ 15.2M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008.

9 nov. 2019

Michael Schumacher avec Ferrari

Deux fois champion du monde des pilotes avec Benetton, en 1994 et 1995, Michael Schumacher gagne son troisième et quatrième championnat en 2000 et 2001 avec Ferrari. Il gagne neuf des dix-sept grands prix en 2000 avec le modèle F1-2000 et neuf des dix-sept grands prix en 2001 avec le modèle F2001. La F2001 avec laquelle il a gagné à Monaco et en Hongrie a été vendue pour $ 7,5M incluant premium par RM Sotheby's le 16 novembre 2017.

Pour 2002 Ferrari prépare la F2002. Inspirée de la F2001, elle est largement modifiée avec une carrosserie plus légère, une nouvelle spécification du moteur V-10 3 litres et des améliorations significatives de la boîte de vitesse, de l'aérodynamique, du refroidissement, de l'équilibre des masses.

Le développement de la F2002 prend un peu de retard. Schumacher conduit une F2001 dans les deux premiers grands prix, gagnant l'un d'entre eux. Pour les quinze grands prix du reste de la saison, il utilise la F2002 avec laquelle il enregistre dix victoires. Le même modèle apporte quatre victoires à son coéquipier Rubens Barrichello. Le seul échec de la F2002 dans cette phase est le grand prix de Monaco où Schumacher termine 2ème derrière une McLaren-Mercedes.

Le 30 novembre à Abu Dhabi, RM Sotheby's vend une F2002, lot 117 estimé $ 5,5M. Cette voiture a gagné en 2002 les grands prix de Saint-Marin, d'Autriche et de France. La victoire à Magny-Cours assure le titre de champion du monde à Schumacher alors qu'il reste encore six compétitions pour terminer la saison. Une telle domination d'un modèle de voiture et d'un champion est unique dans l'histoire de la Formule 1.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia avec attribution :  I, SilverArrows [CC BY-SA 3.0], via Wikimedia Commons

L'année suivante ce modèle est déjà périmé. Schumacher gagne quand même avec une F2002 le quatrième grand prix de la saison, qu'il continuera avec la F2003-GA.

 Mschumacher 2002

Le Canapé des Années Folles

Tamara de Lempicka sait que le succès est le résultat d'initiatives personnelles. Elle commence sa carrière de portraitiste à Paris, incluant une escapade mondaine à Milan en 1925, en exhibant ses envies bisexuelles. Une certaine liberté apportée par les films de Hollywood rend déjà possible ce type d'attitude.

Son mari s'appelle Tadeusz Lempicki. Certaines des premières peintures de Tamara sont signées T. de Lempitzki, probablement pour marquer ses tendances viriles. Elle cherche les plus belles femmes et les invite à poser sur son canapé, nues ou habillées.

Tamara rencontre Rafaëla au bois de Boulogne. Elle racontera plus tard qu'elle avait vu comment les passants regardaient intensément la jeune femme. Rafaëla est jolie et potelée, et coiffée à la mode de Louise Brooks. Ses portraits par Tamara sont charnels, dans le style aux lignes nettes de l'artiste, révélant une empathie amoureuse entre les deux femmes.

Le Rêve, huile sur toile 81 x 59 cm peinte en 1927, est également intitulé Rafaëla sur fond vert. Le modèle torse nu est assis, les bras croisés sur la poitrine et la tête bien appuyée sur le dossier du canapé. Comme les meilleurs nus de Modigliani, elle attend paisiblement les instructions de l'artiste. Cette oeuvre a été vendue pour $ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 2 novembre 2011.

Le 12 novembre à New York, Sotheby's vend La Tunique rose, huile sur toile 73 x 116 cm peinte la même année, lot 43 estimé $ 6M. Allongée sur le même canapé vert, Rafaëla porte une petite robe pas plus couvrante qu'une combinaison de nuit. L'expression est jolie, avec un contraste entre l'ombre sur les yeux et la lumière sur la bouche rouge.

8 nov. 2019

La Mauvaise Caresse

Michael Sweerts est né à Bruxelles. Sa carrière commence à Rome. A une date non identifiée, il devient un catholique zélé après une illumination. Revenu dans sa ville natale en 1655, il repart pour la France puis pour Amsterdam avant de tenter à Goa un prosélytisme à la manière de Vincent de Paul.

Sa période Bruxelloise ne dure pas plus de trois ans mais est très prolifique. Il ouvre un atelier de peinture et publie quelques gravures. Il enseigne le dessin, donnant l'exemple par des thèmes très variés incluant des tronies d'expressions et de tempéraments.

Le 15 novembre à Paris (Hôtel Drouot), Mirabaud Mercier vend une huile sur toile 75 x 60 cm peinte vers 1656, lot 27 estimé € 400K, un rare exemple de peinture moralisante qui parvient à mêler un des cinq sens avec un des sept péchés capitaux. Elle est restée très fraiche malgré des restaurations anciennes annoncées au catalogue. L'humidité dans les yeux et les lèvres du personnage est bien préservée. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Hôtel Drouot.

Un jeune homme innocent avec un sourire béat tient un chat tigré dans sa main gauche. Avec l'autre main, il caresse l'oreille du petit fauve qui n'aime pas du tout cette initiative et commence à feuler. Cette image est une allégorie chrétienne. Il faut se méfier du toucher, le plus dangereux des cinq sens, qui mène de façon sournoise à la luxure et à l'érotisme.

Cette oeuvre fait partie d'une série sur les cinq sens, connue par des photographies noir et blanc des années 1950. Les quatre autres vues sont moins dramatiques. Le même nigaud tend une friandise à un singe pour l'allégorie du goût et caresse l'aigrette d'un hibou pour la vue. Le cor et la chandelle caractérisent les deux autres sens.




L'Or de Warin

L'édit du 31 mars 1640 modernise la monnaie française. Le louis remplace l'écu comme unité de monnaie d'or. Cette réforme a pour objectifs de réduire la circulation en France de la pistole espagnole et de rendre plus difficile les contrefaçons. La frappe au balancier, remplaçant le marteau, permet d'obtenir une excellente régularité des pièces. La tranche est cannelée pour éviter les rognures. L'opération est confiée au Contrôleur général des monnaies, Jean Warin.

Les pièces de circulation sont le double-louis, le louis et le demi-louis. Pour lancer cette opération, des pièces de 10 louis, 8 louis et 4 louis sont également éditées, en très petites quantités. Elles entrent dans la catégories des 'pièces d'hommage' ou 'pièces de plaisir'. Elles n'ont pas été documentées et la seule utilisation supposée est à la table du jeu du roi. Une telle opération ne sera jamais répétée et ces pièces sont les plus prestigieuse de l'histoire de la monnaie française.

Le cardinal de Richelieu, ministre de Louis XIII, était l'instigateur de cette réforme. Il en profite pour réduire habilement le titrage d'or de 0,958 à 0,917.

Elles montrent sur une face le portrait de Louis XIII de profil et la date de 1640. Le buste est nu pour les 4 et 8 louis et drapé pour la 10 louis. L'autre face montre les attributs de la royauté, couronnes, fleurs de lys, des L entrelacés qui forment une croix, et la lettre A qui désigne l'atelier de Paris.

Une 8 louis pesant 53,68 g a été vendue pour € 210K incluant premium par Rouillac le 11 juin 2017. Une 4 louis pesant 26,86 g a été vendue pour € 290K incluant premium par Briscadieu  le 20 septembre 2019.

Le 19 novembre à Genève, NGSA (Numismatica Genevensis) vend un exemplaire de la plus lourde monnaie d'or française, une 10 louis pesant 67,49 g, avec une enchère de départ de CHF 500K, lot 657 ici lié sur la plate-forme d'enchères Biddr.


7 nov. 2019

L'Esprit des Totems

Née à Victoria en British Columbia, Emily Carr tente de faire des études d'art à San Francisco puis à Londres, sans grand succès. Excentrique, elle a plutôt le tempérament d'une exploratrice. En 1907 avec une de ses soeurs, elle atteint l'Alaska au terme d'une randonnée intrépide au travers de la forêt sauvage, à pied, à cheval et en canoe.

Elle découvre les mâts totémiques au cours de ce premier voyage. Hypersensible, elle veut comprendre pourquoi et comment ces gigantesques poteaux sculptés ont été créés, et ce qu'ils signifient.

Son art pourra divulguer cette culture menacée qui est unique au monde. Elle fait plusieurs séjours à Alert Bay, un village qui a l'avantage d'être assez proche de Vancouver. Entièrement dévouée à cette nouvelle vocation, elle part en 1910 pour Paris pour être initiée aux dernières tendances de la peinture moderne. Elle découvre comment les couleurs saturées du Fauvisme peuvent renforcer le message pictural.

De retour au Canada, elle traduit en huiles sur toile ses aquarelles d'Alert Bay. Cela ne peut pas la satisfaire du point de vue ethnographique. Alert Bay a certes les plus hauts mâts totémiques, mais ils sont récents et ne peuvent donc pas fournir à Emily l'empathie avec l'esprit des ancêtres.

Elle réalise une nouvelle expédition en 1912, visitant quinze villages en six semaines. Le site abandonné de Skedans dans les Queen Charlotte Islands répond à sa recherche avec un grand alignement de mâts totémiques en bord de mer. La plupart ont été creusés pour insérer un cercueil. Ils sont de hauteurs variées, et superbement sculptés d'effigies humaines et de têtes d'animaux.

Le 19 novembre à New York, Sotheby's vend une vue rapprochée de l'alignement de Skedans peinte par Emily Carr en 1912, lot 18 estimé $ 3M. Le format de cette huile sur toile, 90 x 148 cm, est très grand pour cette artiste. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Emily Carr était trop en avance sur son temps. Découragée par l'échec d'une exposition en 1913 à Vancouver, elle abandonne jusqu'en 1927 sa carrière artistique. La phase suivante revisite dans un style puissant les symboles les plus typiques de ses découvertes mais sans la fraîcheur enthousiaste des premiers voyages.


Apaisement

Gaitonde apporte la lumière sur le néant de ses toiles, par un travail minutieux des couches de peinture transparentes ou opaques qu'il vient poser ou retirer sur un fond peint en blanc. Il n'est pas un alchimiste et n'a pas de formule. Chaque opus est différent. Une oeuvre est terminée quand l'artiste est satisfait de l'extrême subtilité des variations de couleurs, après un processus de création qui peut être très long.

Il a été très tôt inspiré par Rothko. Il crée une dynamique de bandes horizontales à peine discernables sur un format qui est souvent vertical. Autour de 1971 il commence à ajouter des cercles qui ne sont pas les bindus de Raza mais viennent fixer le regard pour offrir méditation et sérénité, atteignant le sommet de l'effet d'apaisement par l'art pictural.

Le 15 novembre à Mumbai, Sotheby's vend au lot 22 une huile sur toile 153 x 102 cm peinte en 1974. Dans un suprême raffinement, les cinq points sont alignés sur une verticale strictement centrale. Le jaune strident alterne avec un noir profond. Le point du milieu est plus petit. Le fond est un mélange d'ocre et de sienne brûlée.

Cette peinture n'avait jamais été documentée ni exposée. Elle est vendue par l'actrice Sabira Merchant, qui avait rencontré Gaitonde. Elle explique dans la vidéo partagée par Sotheby's l'importance de cette oeuvre dans sa collection. L'assimilation de la ligne de cercles à un lever de soleils et de lunes a peut-être été suggérée par l'artiste.


6 nov. 2019

Le Paysage Mental de Joan Mitchell

New York City ne convenait pas à la créativité de Jackson Pollock. Il en est de même pour Joan Mitchell à Paris, où elle a installé son atelier en 1959. Pourtant elle y développe un style original basé sur l'explosion centrifuge des couleurs vives sur un fond blanc, qui assure sa gloire.

Elle réagit en 1964. Son art est trop violent. En exploitant ses propres colères, elle oublie son thème principal qui est l'expression des couleurs de la nature. Le titre, parfois topographique, guide à peine le spectateur pour comprendre ce qu'elle a voulu faire.

Elle trouve la solution en 1968 en s'installant à Vétheuil, ce village tout au fond d'une boucle de la Seine où Monet avait vécu avant Giverny. Son atelier dans un ancien bâtiment de ferme permet d'augmenter la largeur des toiles tout en maintenant la très grande hauteur qui avait été sa spécialité à Paris.

Son style change totalement. La surface est totalement remplie. Le sol sans fin est composé de blocs comme s'il était vu d'avion, avec les couleurs chatoyantes qui expriment les différentes cultures. Elle ne veut pas montrer un paysage mais exprimer son sentiment. Paradoxalement, elle retrouve à Vétheuil le souvenir des immenses champs de maïs de son enfance entre le Saskatchewan et les Grands Lacs.

Blueberry, huile sur toile 200 x 150 cm peinte en 1969, annonce déjà cette transition. Elle a été vendue pour $ 16,6M incluant premium par Christie's le 17 mai 2018 sur une estimation basse de $ 5M.

Plowed Field, peint en 1971, est un aboutissement de cette phase de quiétude méditative, avec une grande diversité de couleurs chaudes dans les blocs qui simulent les champs imaginaires. Ce triptyque d'huiles sur toile de dimension totale 285 x 540 cm est estimé $ 12M à vendre par Christie's à New York le 13 novembre, lot 25 B.

Un Tetradrachme Sicilien

Syracuse est une des principales villes du monde grec antique. Le processus grec de fabrication des monnaies d'argent y est transféré il y a 2500 ans. La plus haute dénomination est le decadrachme. Les premiers tetradrachmes de Syracuse sont illustrés au revers par la tête de la nymphe Aréthuse de profil et de l'autre côté par un quadrige avec son conducteur et une victoire ailée qui apporte les lauriers.

Vers 415 BCE l'image devient dynamique. Les chevaux qui étaient précédemment statiques sont désormais montrés en plein galop et la victoire vient couronner l'homme plutôt que les chevaux. A la même époque les modèles prestigieux commencent à être signés, certainement pour apporter une garantie sur la pureté de l'argent. Ces essayeurs de l'ancien temps sont assez nombreux mais les plus belles pièces sont l'oeuvre de Kimon ou Evainète.

Le chef d'oeuvre de Kimon est un tetradrachme frappé en haut relief entre 405 et 400 BCE. Chacune des faces est connue avec deux variantes de matrices et trois de ces matrices sont signées. Aucune de ces matrices n'a été appairée pour une autre utilisation, ce qui confirme que cette émission est une monnaie de prestige.

Sur les deux faces, la clarté du style graphique est remarquable. Cette pièce est une des très rares monnaies Siciliennes de cette époque à montrer une effigie en pleine face. L'action brutale du marteau fragilise le revers. Kimon transfère Aréthuse du côté face pour améliorer le portrait.  La perfection de ce modèle sera admirée par Goethe.

Le plus beau spécimen connu du tetradrachme de Kimon, parfaitement centré, a été vendu pour CHF 2,3M hors frais par NAC le 26 mai 2014. Il sera vendu le 18 novembre à Genève par NGSA (Numismatica Genevensis), lot 1 ici lié sur la plate-forme d'enchères Biddr.

5 nov. 2019

Un Beau Sacrifice

Artemisia Gentileschi est une artiste majeure de la période post-Caravagesque. Comme les autres femmes peintres de son temps, elle a besoin pour pouvoir exercer son métier de thèmes où elle n'est pas en concurrence avec les hommes. Elle choisit les femmes héroïques et les auto-portraits allégoriques.

Lucrèce est la femme violée qui a refusé la souillure et dont le suicide exemplaire a mené à la chute de la monarchie Romaine et à la création de la république. Cette légende est peinte tout au long de la carrière d'Artemisia. Les féministes de notre temps aiment faire un parallèle entre la femme Romaine et la vie de l'artiste mais cette assimilation n'est pas confirmée par des documents de l'époque.

Artemisia a très tôt peint des nus féminins. Son style atteint sa plus grande maturité à partir de 1630 quand elle travaille à Naples. Les corps deviennent plus charnels, moins schématisés. Dans le cas de Lucrèce, elle fait regretter au spectateur qu'une aussi belle femme ait choisi la mort.

Une huile sur toile 133 x 106 cm a été vendue pour € 1,9M incluant premium par Dorotheum le 23 octobre 2018. Une autre variante, 97 x 75 cm, est estimée € 600K à vendre par Artcurial à Paris le 13 novembre, lot 36.

Ces deux peintures ont bien des similitudes. Le modèle est probablement la même femme. La composition diagonale avec un corps bien éclairé devant un fond noir donne un élan caravagesque à cette action dramatique. La tête tournée pour éviter qu'une perception perturbe le sacrifice est classique dans l'imagerie de Lucrèce.

Il y a aussi des différences. Le riche vêtement qui couvre le bas du corps est caractérisé par ses vives couleurs sur le spécimen de Dorotheum et par la finesse de la broderie blanche sur le spécimen d'Artcurial. Le mouvement de la Lucrèce de Dorotheum est théâtral : la lame est encore loin, tenue par un bras tendu à l'horizontale. L'attitude de la Lucrèce d'Artcurial est plus naturelle, avec un bras plié qui pose la pointe sur la peau juste avant l'enfoncement fatal.

L'huile sur toile à vendre par Artcurial est dans un état de conservation exceptionnel. Dans la vidéo partagée par la maison de ventes, l'expert Eric Turquin montre que l'émotion mouille les cils de l'héroïne, un effet très rare qui est à mon avis digne de Rubens.