26 déc. 2019

Picasso a cassé son Jouet

Picasso ne parvient plus à maintenir un équilibre dans sa vie sexuelle. L'artiste tente de capter ses sentiments par l'image gravée. Conçue en décembre 1934, la planche 97 de la Suite Vollard est un Minotaure aveugle guidé par une fillette dans la nuit, confrontation entre la brutalité sexuelle de l'artiste et l'innocence perdue de sa maîtresse Marie-Thérèse.

La situation empire en 1935, que Picasso considérera comme la pire époque de sa vie. Marie-Thérèse est enceinte. Olga est furieuse. Picasso conçoit la Minotauromachie, une de ses compositions les plus complexes. Il concentre dans une seule image trois âges de la femme et deux âges de l'homme.

Le héros le plus visible est l'énorme brute mythologique à tête de taureau sur un corps humain, le Pablo d'aujourd'hui. Il vient tout juste de vaincre la femme enceinte, une torera agonisante sur un cheval étripé. Dans une loge de théâtre, deux jeunes femmes regardent cette étrange corrida, avec un reste d'espoir symbolisé par deux colombes. La petite fille innocente arrête le taureau avec une lumière et un bouquet. Le vieil homme, Picasso demain, fuit sur une échelle qui ne mène à rien.

La Minotauromachie est l'oeuvre la plus intime de toute la carrière de Picasso, qui consacre plusieurs sessions de travail à sa réalisation dans l'atelier du graveur Roger Lacourière. L'état final est le septième. Picasso destine ces images à ses meilleurs amis, hors du commerce. La quantité totale de cet état dépasse sans doute 55 exemplaires.

Ces images sont distribuées par l'artiste avec parcimonie. Il en reste environ 25 exemplaires dans sa succession. Ces copies non numérotées, imprimées à pleines marges sur un format de feuille 57 x 77 cm, sont les plus recherchées.

Citons trois résultats sur des pièces de cette provenance : £ 1,02M par Sotheby's le 23 juin 2014, $ 2,1M par Christie's le 16 novembre 2016, $ 1,33M par Christie's le 13 mai 2019. Ces prix incluent le premium. Un autre exemplaire de la même provenance est estimé £ 800K à vendre par Phillips à Londres le 23 janvier, lot 1.

Les personnages tragiques de la Minotauromachie reviennent deux ans plus tard dans Guernica, ouvrant la voie à une interprétation certainement erronée selon laquelle la Minotauromachie reflète les inquiétudes de Picasso concernant la situation politique en Espagne.

25 déc. 2019

Une Histoire à l'Atelier

Fils d'un brodeur de Leyde, Jan Lievens est un enfant prodige. Il termine son apprentissage auprès de Pieter Lastman à Amsterdam en 1619 et ouvre son propre atelier dans la maison de son père. Il a à peine 12 ans.

Le garçon n'est pas influencé par les thèmes épiques de Lastman mais par la truculence et les effets de clair-obscur des Caravagistes d'Utrecht, que Lastman ne pouvait pas ignorer. Une allégorie des cinq sens peinte par Lievens vers 1622 met en scène quatre hommes et une femme. Un des hommes tient dans ses bras cette jeune femme potelée aux seins nus qui sourit béatement.

Un peu plus tard un jeune homme aux cheveux châtain très bouclés apparait dans les compositions de Lievens. Il est à ce moment le faire-valoir de Lievens et son aîné d'un an. Il est aussi peintre et ses thèmes allégoriques sont moins audacieux. Il s'appelle Rembrandt van Rijn.

Rembrandt est ainsi très probablement le personnage central éclairé en pleine face des Joueurs de cartes, peints par son ami vers 1624-1625. Cette huile sur toile 98 x 106 cm a été vendue pour € 1,77M incluant premium par Sotheby's le 8 mai 2007 sur une estimation basse de € 150K.

La femme délurée revient pour une embrassade encore plus fougueuse dans une huile sur toile 97 x 84 cm. Son compagnon est maintenant le jeune homme aux cheveux bouclés. Cette oeuvre ne peut pas être ultérieure à 1626, date à laquelle Lievens âgé de 19 ans abandonne le style Caravagesque.

Cette peinture a été vendue pour NLG 2,36M incluant premium par Christie's le 6 mai 1998. Ce prix correspond à € 1,07M. A ce moment le voile de la chemise couvre les seins. Cette figuration pudique n'est qu'un repeint qui a été enlevé avant une exposition en 2008. Elle a maintenant retrouvé son érotisme post-caravagesque d'origine et la peinture est estimée $ 4M à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier, lot 35. L'image est partagée par Wikimedia.

Rembrandt a été aussi un élève de Lastman mais c'était autour de 1625, longtemps après Lievens. L'atelier partagé à Leyde pendant plusieurs années par Lievens et Rembrandt n'est pas documenté et est probablement une légende entretenue par la rivalité amicale entre les deux artistes. Visitant Leyde en 1628, Constantijn Huygens, le secrétaire du Stadholder, préfère les audaces de composition et les personnages plus grands que nature de Lievens tout en reconnaissant que l'art de Rembrandt est plus pénétrant.

PaintingJanLievensYouthEmbracingAYoungWomanCirca1627to1628

Le Cercle de Famille

Peter Paul Rubens revient à Anvers en 1608 après avoir passé huit ans en Italie. Par un heureux hasard, la paix entre l'Espagne et les Provinces Unies est signée quelques semaines plus tard. Il reçoit des commandes pour de monumentales pièces d'autel pour la cathédrale d'Anvers. Il ouvre un grand atelier et ses affaires deviennent prospères.

Sa vie familiale change aussi. La mort de sa mère avait été le prétexte de son retour. Il se marie en 1609 et est désormais entouré de nouveaux-nés : sa fille Clara Serena née en 1611 ainsi que les enfants de son frère ainé Philip, Clara née en 1610 et Philip né en 1611. La mort du frère en 1611 rapproche ses deux bébés du cercle familial de l'artiste.

Le thème de la rencontre de la Sainte Famille avec St Jean Baptiste et sa mère apparait dans son oeuvre à cette époque. Imaginé dans une homélie franciscaine, ce groupe est fréquent dans l'iconographie Italienne et a notamment été peint par Raphael vers 1518.

L'action n'est pas unique : l'artiste exprime avec vivacité son environnement familial, symbole du futur. Les bébés sont exubérants quand ils jouent avec la colombe tandis que l'agneau a un effet apaisant.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une Vierge à l'Enfant avec Elisabeth, Jean et l'agneau, huile sur panneau 122 x 96 cm. Cette version est probablement la première de ce modèle, et une date entre 1611 et 1614 est confirmée par dendrochronologie. Les deux enfants sont sans doute montrés à leur âge réel à la date de création de l'oeuvre.

Cette peinture est estimée $ 6M, lot 19. Le tweet ci-dessous montre un détail.

L'absence de St Joseph permet une composition originale et dynamique où les quatre têtes forment un cercle. L'Enfant Jésus regarde sa mère avec une expression d'admiration intense. Dans une réplique légèrement plus grande, le vêtement de la Vierge cache pudiquement la pointe de son sein. La gravure exécutée dans les années 1620 sur demande de l'artiste pour protéger ses droits d'auteur est un mélange des deux versions.

24 déc. 2019

Le Jardin Anglais

Canaletto arrive en Angleterre en 1746. Depuis plus de 20 ans, il fournissait des peintures de vues de Venise aux aristocrates anglais qui faisaient le Grand Tour de l'Italie. L'extrême qualité de son travail était très appréciée et il est très bien accueilli. Il y restera jusqu'en 1755, à l'exception d'un séjour de quelques mois à Venise en 1750-1751.

L'Angleterre est en plein dans la révolution industrielle tout en restant fermement attachée à ses traditions culturelles. L'artiste n'est pas du tout dérouté par cette architecture qui laisse la place à de vastes espaces, si différente de l'accumulation des palais autour des canaux de Venise. Il est tellement passionné par les transformations de St James's que ses vues peuvent être datées en fonction des modifications des bâtiments.

Dès son arrivée il est choyé par les jeunes nobles qui veulent moderniser leur résidence. Le 8ème baron Brooke est l'un d'entre eux. Il a hérité du très prestigieux château historique de Warwick, et se fera décerner la recréation du titre de comte de Warwick quand celui-ci deviendra vacant en 1759. Il a été nommé en 1746 Earl Brooke of Warwick Castle.

Canaletto visite Warwick Castle au moins deux fois. La première visite, en 1748, est attestée par un paiement pour ses dessins. A cette époque Lord Brooke vient de commencer le réaménagement intérieur dans le goût néo-gothique, confié à l'architecte Daniel Garrett. Il est probablement déjà en relation avec Capability Brown, l'inventeur du jardin anglais, à qui il confiera bientôt la transformation en un jardin paysager des rives de l'Avon qui jouxtent le château.

Canaletto travaille en trois phases. Il prend des esquisses sur place, puis réalise de grands dessins montrant l'ensemble de la perspective, avant de faire les peintures. Il n'hésite pas à anticiper les constructions, comme par exemple au pont de Westminster.

Le 28 janvier à New York, Christie's vend une vue de la façade sud de Warwick Castle, lot 75 estimé $ 800K. Ce grand dessin 32 x 58 cm précédant trois peintures a probablement été réalisé à l'occasion du premier séjour en 1748.

Le château médiéval est montré avec un réalisme quasiment photographique. De paisibles promeneurs profitent du vaste jardin traversé par la rivière, anticipant peut-être le travail de Brown. Les contrastes et les ombres traduisent très habilement un vif ensoleillement.

23 déc. 2019

Les Triomphes de Mantoue

A partir de 1460, Andrea Mantegna est au service des marquis de Mantoue, de la dynastie Gonzague. Son génie très en avance sur son temps est reconnu par ses patrons, lui donnant une facilité pour de nouvelles expériences sur les proportions et la perspective.

La série des Triomphes de César est un de ses plus importants projets. Neuf peintures à la tempera ont été réalisées sur un format unique 268 x 278 cm. Une dixième image est connue par une gravure. La réalisation a duré plusieurs années. Elle était suffisamment avancée en 1486 pour faire l'admiration du duc de Ferrare.

Ces peintures étaient conçues comme une suite narrative, avec une homogénéité de la position de la lumière. On ne sait cependant pas dans quel ordre elles ont été peintes. Acquis par Charles I, cet ensemble monumental est exposé à Hampton Court.

Un dessin préparatoire pour le deuxième opus vient de faire surface. Mesurant 26,6 x 26,6 cm, il est exactement à l'échelle 1:10. Le héros à cheval passe entre deux statues monumentales qui sont un Esculape debout sur un chariot et une tête de Cybèle.

Ce dessin a un rôle de présentation avant la réalisation de la peinture. Les inscriptions identifiant Esculape en haut du chariot et Alexandrie sous la tour ronde n'ont pas été maintenues dans l'oeuvre finale. Les textes des bannières ont changé. Divo Iulio Aug... est devenu Imp Iulio Caesari ob Galliam devict, une allusion directe à la première guerre d'Italie. Capitaine compétent, le marquis François II était en 1495 le gouverneur général des armées de la Ligue de Venise contre le nouvel envahisseur "Gaulois".

L'inspection infra-rouge du dessin, réalisée par Sotheby's, a révélé d'importants repentirs habilement masqués dans le trait, confirmant que l'oeuvre est autographe. Le grand Esculape masque ainsi un Apollon provisoire dont la dimension beaucoup plus petite pouvait se confondre avec les personnages de l'action. L'invocation d'Esculape dans un triomphe, maintenue dans la peinture, est fantaisiste.

Ce dessin est estimé au-delà de $ 12M à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier, lot 19. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's dans laquelle le dessin est commenté par la spécialiste Cristiana Romalli, découvreuse des repentirs.

22 déc. 2019

Le Rosaire Vénitien

Au temps des Védutistes, Giovanni Battista Tiepolo se spécialise dans la peinture religieuse. Il prend pour modèles ses grands prédécesseurs Vénitiens dont Tintoret et Véronèse. Son style personnel est théâtral et très chargé, typique du goût rococo.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend une monumentale pièce d'autel peinte par Tiepolo en 1735, huile sur toile 246 x 156 cm, lot 61. L'article publié le 4 décembre par la maison de ventes annonce une estimation au-delà de $ 15M.

Le thème est une Vierge au rosaire avec des anges. La composition simple et efficace, inhabituelle pour l'artiste, et la vivacité des couleurs rappellent Titien, et l'attitude est maniériste.

L'artiste a voulu que cette Vierge apparaisse avec la plus grande majesté. Elle est debout sur un piédestal de pierre, pour être adorée comme une statue. Sa jeunesse et son élégance sont mises en valeur par une position déhanchée. Le manteau rouge est un symbole de royauté.

Le rosaire complètement déplié est pendu dans sa main tendue comme une offrande pour un utilisateur hors champ. Cet accessoire apporte un modernisme à l'image : son utilisation dans la prière Mariale a été recommandée par le pape Benoît XIII, un ancien Dominicain mort en 1730.

L'artiste a construit une intéressante symétrie entre le rosaire tenu par la Mère et la croix tenue par l'Enfant. Le regard de la Mère est introverti, tandis que celui de l'Enfant est dirigé vers la main qui tient le rosaire.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's. L'image est partagée par Wikimedia.

Madonna of The Rosary with Angels by Giovanni Battista Tiepolo, 1735

21 déc. 2019

La Paix d'Isaïe

Né dans un bourg du Bucks County et élevé dans la croyance Quaker, Edward Hicks hésite longtemps entre la prédication et la peinture. Les Quakers sont austères et refusent toute collusion avec le luxe. Autour de 1820 Hicks commence sa série de peintures intitulée Peaceable Kingdom dont 62 opus sont connus.

Chaque opus montre le pays saint des prophéties messianiques d'Isaïe. A l'arrière-plan William Penn négocie la paix avec les Indiens Delaware. Fondateur du Bucks County, Penn est le héros local et l'exemple à suivre. Premier Quaker d'Amérique, il a su par sa bonne volonté obtenir cette entente durable entre deux communautés qui étaient considérées comme inconciliables.

Les exemples anciens du Peaceable Kingdom incluent fréquemment un sermon en huit vers directement inspiré d'Isaïe 11:6-7 qui établit la relation spirituelle entre les deux éléments :
When the great Penn his famous treaty made
With indian chiefs beneath the Elm tree's shadeThe wolf did with the lambkin dwell in peace
His grim carnivorous nature there did cease
The leopard with the harmless kid laid down
And not one savage beast was seen to frown
The lion with the fatling on did move
A little child was leading them in love

En 1827 un cousin de l'artiste nommé Elias Hicks génère la première grande scission de la communauté, en une réaction rurale contre l'embourgeoisement des Quakers de Philadelphie. Les banderoles et les poèmes disparaissent des peintures d'Edward, sans doute par protection contre les interprétations factieuses.

Le détail de la composition évolue. L'enfant messianique avec une tête et une sagesse d'adulte est relégué au second plan, laissant la place d'honneur au léopard couché. Soudain dans une image créée en 1844 le léopard se lève sur ses quatre pattes, fait le gros dos et hurle pour inciter sa femelle à l'action.

Le 24 janvier à New York, Christie's vend un Peaceable Kingdom peint entre 1844 et 1847 avec la même attitude militante du léopard. Cette huile sur toile 60 x 80 cm est estimée $ 1,5M, lot 211.

Cette énergie du félin n'est pas irrémédiable. Un Peaceable Kingdom 66 x 75 cm peint entre 1846 et 1848 avec à nouveau le léopard de sérénité a été vendu en 2010 par Sotheby's en vente privée pour $ 7M après l'annulation pour défaut de paiement des enchères du 22 mai 2008 qui avaient atteint $ 9,7M incluant premium.

A la fin de sa vie, Edward Hicks avait peut-être des doutes métaphysiques. Daté vers 1849, Washington at the Delaware relate certes un épisode glorieux de l'histoire locale, mais ce thème résolument militariste semble être en opposition totale avec le pacifisme Quaker.

20 déc. 2019

La Peau de l'Ours de Preston Tucker

Preston Tucker est exubérant, mégalomane et enthousiaste. Dans les années 1930 il est associé et proche ami de Harry Miller, constructeur de voitures de compétition innovantes pour l'Indianapolis 500. Ses travaux militaires incluent une voiture de combat, refusée par l'armée américaine parce qu'elle est trop rapide.

Les idées d'innovation ne manquent pas, parce qu'elles n'intéressent pas les grands constructeurs préoccupés par la rentabilité. La guerre est finie. Miller est mort en 1943. Tucker publie en décembre 1946 sa conception de la Voiture de Demain, nommée provisoirement Tucker Torpedo.

L'enthousiasme encourage le bluff. Avant même que le projet soit démarré, Tucker vend sa société par actions pour $ 20M à la bourse de Chicago. Il loue le plus vaste hangar de production du monde, le Chicago Dodge Plant, désaffecté par la cessation de production des avions de guerre. Il achète une société de production de moteurs d'hélicoptères. Il vend 2 000 concessions de revente en annonçant un objectif de production de 300 voitures par jour et embauche 1 900 employés.

La voiture de ses rêves inclut des améliorations réelles pour tous les constituants majeurs. La présentation du premier prototype en juin 1947 est cependant un fiasco technique : il est évident que le développement n'est pas terminé.

Tucker mise sur un modèle unique, la 48, ainsi désignée par référence à son année de production. Elle est réellement différente des autres voitures de son temps. C'est une berline dont la forme aérodynamique reste compatible avec un agencement intérieur spacieux. Le phare cyclope central qui s'allume dans les virages n'aura pas d'imitateur mais le pare-brise de sécurité qui n'explose pas sous un impact, la ceinture de sécurité et l'anti-vol sont des progrès durables. Promis en 1946, le volant en position centrale et les portières qui s'enfoncent dans le toit n'ont pas été retenus.

Le US Securities and Exchange Commission a des doutes sur la réelle volonté de la production de masse qui avait permis l'émission des actions. L'usine est fermée par décision de justice en mars 1949. 58 châssis seulement avaient été produits, numéros 1001 à 1058, et 36 voitures avaient été terminées. Tucker fait assembler 14 exemplaires supplémentaires. Il sera acquitté en janvier 1950 mais sa société est morte. 23 voitures étaient encore en stock lors de la liquidation en octobre 1950.

Preston Tucker avait vendu la peau de l'ours avant de l'avoir tué. Les cinquante Tucker 48 démontrent cependant la viabilité de ses visions. Des progrès restaient à faire, notamment pour la maintenabilité, mais presque toutes ont survécu. Parmi les quatre voitures détruites ou démantelées, citons la 1042 détruite par un créancier furieux.

La 1034 est restée dans un très bon état d'origine sans avoir été restaurée. Elle a même conservé son cuir et ses tapis. Elle a été repeinte dans sa rare couleur Waltz Blue Metallic d'origine. Avec 5 200 miles au compteur, elle a été vendue pour $ 1,32M incluant premium par Gooding le 9 mars 2012. Je l'avais discutée dans cette chronique avant la vente.

Son nouveau propriétaire l'a utilisée. Avec maintenant 6 300 miles cumulés, elle est estimée $ 1,75M à vendre par Gooding à Scottsdale le 18 janvier, lot 121. Voici le lien vers le communiqué de presse. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

15 déc. 2019

Le Naufrage de l'Atocha

Depuis 1566 la Flota de Indias a pour mission d'importer par convois en Espagne les richesses de l'Amérique. Les marchandises les plus précieuses étaient embarquées dans des galions lourdement armés. La perte d'un convoi était catastrophique pour la prospérité de l'Espagne.

Le galion Nuestra Señora de Atocha est construit à La Havane en 1620. En 1622, pour son second voyage, la quantité de marchandises est trop ambitieuse et l'embarquement est trop long. Quand la flotte de 28 bateaux quitte La Havane, la saison des ouragans a déjà commencé.

Les bateaux les plus importants sont en fin de convoi pour assurer une protection par l'arrière contre les pirates. Les cinq bateaux de queue, dont l'Atocha et le Santa Margarita, sont pris dans la tempête et jetés contre des récifs entre La Havane et Key West.

Utilisant des esclaves, la Flota tente de récupérer la cargaison. Les plongeurs échouent à ouvrir les écoutilles de l'Atocha, bien que l'épave soit encore visible. Les recherches continuent. Une partie significative de la cargaison de la Santa Margarita est récupérée quelques années plus tard.

Les épaves englouties sont oubliées jusqu'au XXème siècle. Mel Fisher retrouve des débris des trésors et des canons à partir de 1969 puis les coques de la Santa Margarita en 1980 et de l'Atocha en 1985.

La richesse du convoi de 1622 est confirmée. La cargaison récupérée d'or et d'argent est estimée à 400 millions de dollars. Selon les registres d'embarquement, la marchandise transportée incluait aussi du cuivre, de l'indigo et du tabac.

La découverte apporte également quelques surprises, dont les bézoards et les chaînes de monnaie. Les riches espagnols étaient friands des bézoards, déjections pétrifiées supposées apporter un antidote contre l'empoisonnement à l'arsenic pratiqué contre eux par leurs serviteurs.

La chaîne de monnaie est un assemblage de maillons ovales d'or, non soudés pour être facilement séparés. C'étaient des objets de contrebande destinés à éviter le paiement du quinto, la taxe royale de 20 % sur l'importation du bouillon d'or, non applicable aux bijoux.

La plus longue chaîne retrouvée dans ce naufrage provient du Santa Margarita. Elle est composée de 407 maillons identiques en or de 24 karats. La chaîne mesure 3 mètres de long et pèse 1790 grammes. Elle a été vendue pour $ 115K incluant premium par Heritage le 29 mai 2009. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Elle est estimée $ 90K à vendre par Heritage à New York le 13 janvier, lot 32297.

Une chaîne de 172 maillons provenant de l'Atocha, mesurant 1,70 mètres et pesant 645 grammes, a été vendue pour $ 60K hors frais par Guernsey's le 6 août 2015.

14 déc. 2019

Une Course Poursuite Mémorable

Steve McQueen est un personnage hors du commun. Extrêmement individualiste, il commence sa carrière au bon moment, quand les cinéphiles réclament des expressions modernes de la liberté. Il est aussi un passionné de sport automobile. Après les premiers succès, Bullitt est son chef d'oeuvre personnel.

Préparé en 1968, Bullitt est co-produit par Solar Productions, qui appartient à McQueen, et par Warner Bros. Il n'est pas un simple successeur des innombrables films opposant des policiers à une bande d'assassins. Il est surtout le prétexte à une course-poursuite entièrement conçue par McQueen.

Le lieutenant Bullitt joué par McQueen conduit une Ford Mustang verte, contre une équipe de deux tueurs dans une Dodge Charger noire dans les petites rues tortueuses de San Francisco. Le King of Cool n'est jamais bavard. Pendant dix minutes, aucune parole n'est prononcée, valorisant les conditions extrêmes de cette conduite automobile.

Dans cette scène, la conduite de la Ford est assurée par McQueen, doublé par un cascadeur dans les actions dangereuses. Les caméras sont réparties astucieusement, pour que le spectateur ait l'impression de vivre l'action dans le dos du pilote, ou d'observer son état de concentration et sa manipulation du volant depuis le siège du passager, et parfois de face au travers du pare-brise.

Pour ce rôle, Ford a prêté deux Mustang GT Fastback à moteur V8 390 CI. L'une d'elles a été extensivement utilisée pendant les trois semaines de tournage de la séquence, après une adaptation du moteur, des freins et de la suspension aux conditions extrêmes de la poursuite.

Cette voiture est achetée sur petite annonce en 1974 par un connaisseur qui refuse de la rétrocéder à Steve McQueen. Une lettre insistante et émotionnelle envoyée en 1977 par l'acteur a été conservée.

Cette voiture supposée perdue refait surface dans la même famille en 2018, avec 65 000 miles au compteur. Elle a encore les supports des caméras soudés derrière les sièges et le mastic utilisé pour renforcer la portière après l'accident volontaire final du scénario. Elle sera vendue sans prix de réserve par Mecum à Kissimmee le 10 janvier, lot F150. Je vous invite à regarder la video partagée par la maison de ventes.

13 déc. 2019

La Baraka

Elève de Bouguereau, Etienne Dinet découvre l'oasis de Bou Saada en 1885 à l'occasion d'une expédition entomologique. Il consacrera toute sa carrière à la vie rurale et aux croyances dans le sud de l'Algérie, aux limites du Sahara.

Erudit, illustrateur des anciens contes, il s'installe définitivement à Bou Saada en 1905 tout en conservant un atelier à Paris. Il annonce rétroactivement en 1908 à ses amis Européens qu'il est converti à l'Islam et choisit en 1913 son patronyme musulman, Nasr ed-Din. Il pratique cependant la représentation figurative interdite par l'Islam, incluant les jeunes filles nues dans la pureté de l'oued.

Le 30 décembre à Marrakech, Artcurial vend Le Fils d'un Saint M'rabeth, huile sur toile 72 x 80 cm peinte en 1900, lot 50 estimé 8,8M dirhams valant € 800K. L'image est partagée par Wikimedia.

La scène située sur la grande place d'une ville, peut-être Biskra, montre un tumulte de foi collective. Un jeune garçon est porté sur les épaules d'un homme, sans doute pour atteindre un sanctuaire. La composition est dominée par la tête du garçon au milieu de la foule, comme le Christ au-dessus des autres personnages dans l'iconographie chrétienne.

Le garçon a le pouvoir de transmettre la baraka, la bénédiction divine, et il le sait. La foule extrêmement dense l'entoure avec des attitudes variées de passion dévote. Au milieu de l'enthousiasme qu'il génère, il est fier et un peu inquiet. Son porteur parvient avec une énergie farouche à écarter les fidèles.

Dans un livre publié en 1928, l'artiste a exprimé la passion émanant de cette scène : "Qu'il est beau, cet Aiglon, il est la clef de nos coeurs !"

Le fils d'un Saint M'rabeth by Etienne Dinet

Thompson et Thompson

En 1960 Mickey Thompson atteint 654 km/h sur un seul sens aux Salt Flats de Bonneville sur un streamliner nommé Challenger équipé de quatre moteurs Pontiac. Il bat ainsi le record de John Cobb. Le retour est un échec, empêchant l'homologation.

Thompson construit Challenger 2 en 1968 avec le support financier de Ford et la collaboration de Kar Kraft. Le streamliner de 9,75 m de long et 92 cm de large est équipé de deux moteurs Ford 427 SOHC. A Bonneville, il atteint environ 640 km/h en vitesse de pointe au cours des essais mais la tentative de record est annulée par la pluie. Ford retire son support et Mickey Thompson n'inscrira pas son nom dans le livre des records. La même année, Ford cesse aussi la production de la GT40.

Mickey Thompson meurt assassiné en 1988. En 2010 son fils Danny commence la restauration de Challenger 2. Il équipe le streamliner avec deux moteurs à essence V-8 Brad Anderson 500 CI chacun.

Entre temps, Don Vesco avait atteint 737 km/h avec un moteur à turbine à gaz, en 2001 à Bonneville.

A Bonneville le 12 août 2018, Danny Thompson sur Challenger 2 atteint 722 km/h (448 mph) sur 1 mile. Son record est homologué par la SCTA (Southern California Timing Association) dans la catégorie AA/FS (Fuel Streamliner à pistons de conception spéciale). Deux mois et demi plus tard le recordman fête ses 70 ans.

Le 11 janvier à Kissimmee, Mecum vend Challenger 2, lot S130 estimé $ 900K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

8 déc. 2019

Les Académies de Madame Le Brun

Louise-Elisabeth Vigée dirige parfaitement sa carrière. Avant d'avoir 20 ans, elle est membre de l'Académie de Saint-Luc, ce qui lui permet d'exercer une activité professionnelle. Elle épouse en 1776 Le Brun qui est marchand et restaurateur de tableaux, antiquaire et peintre. La même année, une commande du comte de Provence, frère du roi Louis XVI, lui donne accès à la cour.

Désormais connue sous le nom de Madame Le Brun, elle vise l'admission à l'Académie Royale de Peinture et Sculpture, dans la spécialité de peinture d'histoire. L'enjeu est difficile, parce qu'elle est une femme et parce qu'elle est l'épouse d'un marchand d'art.

Les clients suivent. Le comte d'Artois, le plus jeune frère du roi, est à cette époque un libertin qui aime les scènes légères dans le genre de Boucher, mort quelques années plus tôt. Vigée-Le Brun lui présente comme modello à l'huile sur toile une scène tirée de l'Iliade, Junon demandant à Vénus de lui prêter sa ceinture magique. Le prince accepte le projet pour le prix exorbitant de 15 000 francs.

L'huile sur toile finale 147 x 114 cm, signée Louise Le Brun et datée 1781, est exposée au Salon du Louvre en juin 1783. Les connaisseurs admirent le contraste entre l'altière Junon, reine des dieux, et la blonde Venus assimilée à une grisette, pour la plus grande satisfaction de la famille royale. Les deux femmes ont les seins nus. La plus dénudée est Vénus, avec la même couleur de peau que les jeunes femmes de Boucher.

Cette peinture est estimée € 1M à vendre par Sotheby's à Paris le 11 décembre, lot 3.

Ce thème centré sur le symbole érotique de la ceinture ne pouvait pas convenir pour l'Académie, pour laquelle Vigée-Le Brun a préparé une Paix ramenant l'Abondance. En mai 1783, Louise-Elisabeth Vigée-Le Brun et sa concurrente Adélaïde Labille-Guiard sont reçues en même temps à l'Académie Royale.

La Paix ramenant l'Abondance est une peinture faible, et Vigée-Le Brun n'est pas reconnue comme peintre d'histoire. Elle exploite désormais sa meilleure spécialité, les portraits des personnalités de la cour peints avec une grande sensibilité.

7 déc. 2019

Le Maniérisme Cinétique de Giambologna

Giambologna apporte une dimension cinétique à la sculpture Maniériste. L'élan de la composition est dirigée vers le haut. Le spectateur prend plaisir à tourner autour de la statue pour admirer avec des angles de vue variés la légèreté du mouvement. Conçu en 1563, son Mercure est une des oeuvres les plus connues et les plus souvent copiées de l'histoire de la sculpture.

Son chef d'oeuvre est le groupe de trois personnages de 4,10 m de haut taillé dans un seul bloc de marbre, installé en 1582 à la Loggia dei Lanzi à Florence. L'action est verticale. Un homme musclé soulève une jolie femme dont il piétine le vieux mari. Ce groupe de trois nus est traditionnellement considéré comme l'Enlèvement d'une Sabine. La tension dramatique est similaire au Laocoon, sculpture antique conçue pour un point de vue unique. Cette oeuvre annonce déjà le style Baroque.

Les clients demandent des bronzes, qui sont bien sûr réalisés en réduction. Le maître approuve ces réalisations tout en laissant une grande autonomie à ses bronziers. Les plus belles copies sont faites par son collaborateur Antonio Susini, réputé pour la beauté de son ciselage de finition.

Un Enlèvement d'une Sabine de 59 cm de haut a été vendu pour £ 3,7M incluant premium par Christie's le 10 juillet 2014. L'extrême qualité de cette fonte est confirmée par le constat de l'épaisseur régulière des parois par l'inspection aux rayons X. Il porte une rare marque identifiant l'atelier de l'artiste et a été fait entre 1587 et 1598.

Le 11 décembre à Paris, Sotheby's vend un bronze du même modèle, fait par Susini autour de 1600. Il figure en 1689 dans l'inventaire de la collection de bronzes Italiens créée par Louis XIV pour le Grand Dauphin. Sa mise en couleurs par une patine brune a été faite par Gouthière pour Louis XVI. Il est estimé € 2,5M, lot 14.

Dans la même vente, le lot 15 estimé € 1M est une Fortuna de 47 cm de haut, également attribuée à Susini d'après Giambologna et ayant appartenu à la même collection royale française. Ce bronze a probablement été fait avant 1587, date à laquelle Susini a commencé à ciseler les iris dans les yeux de ses personnages.

Une Allégorie de l'Architecture de 35 cm de haut a été vendue le 27 mars 2019 par Artcurial pour € 3,75M incluant premium. Sa qualité de réalisation est dans le style pratiqué par Susini dans les années 1580. Ce bronze est une copie d'un marbre original fait en 1565 par Giambologna.

Plus Vite, Plus Fort, Plus Haut

En 1888, le publiciste Pierre de Coubertin âgé de 25 ans décide de concentrer tous ses efforts à l'insertion du sport dans les systèmes éducatifs. Traumatisé par la guerre franco-prussienne de 1870, il voit dans le sport un moyen pour assurer la paix dans le monde. Le moment est bon : l'essor du chemin de fer a favorisé les confrontations sportives inter-villes dans plusieurs pays, et le télégraphe facilite les préparations.

Avec une remarquable ouverture d'esprit, Coubertin compare les progrès sportifs de plusieurs pays. En Angleterre, le pays du fair play, le football est un sport d'équipe pratiqué dans les collèges, notamment à Rugby, et l'établissement de règles officielles permet les compétitions. En Suède le bienfait mental de la gymnastique est officiellement reconnu. Aux Etats-Unis le sport ouvre la voie à la pratique de loisirs collectifs. Il aime moins l'utilisation du sport pour l'entrainement militaire en Allemagne mais reconnait son caractère héroïque.

L'époque est également favorable aux réunions en clubs thématiques, en Angleterre et en France. Ils seront le support du développement du projet de Coubertin. En 1891, il promulgue une devise : citius, fortius, altius. Coubertin donne l'exemple : le 20 mars 1892, il est l'arbitre de la finale du premier championnat de France de rugby.

Prenant comme prétexte le cinquième anniversaire d'un club de course à pied, une grande conférence est organisée à la Sorbonne le 25 novembre 1892, avec trois orateurs. Bourdon et Jusserand racontent l'histoire du sport. Coubertin, chargé de traiter le sport moderne, conclut son exposé en proposant le rétablissement des Jeux Olympiques.

Dans ce texte séminal, la vision de Coubertin est universelle. Les nations les plus développées aideront les autres. Il est question de pratiquer des sports en commun entre athlètes de toutes les nations avec une recherche de l'excellence individuelle, mais pas encore de compétition internationale ni de récompenses.

Le brouillon autographe de l'exposé de Coubertin, largement modifié par l'auteur dans la phase de préparation, est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 18 décembre, lot 173. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Très remarquablement, malgré des visions forcément différentes de ses interlocuteurs internationaux, c'est Coubertin lui-même qui concrétisera son concept. Un document autographe de janvier 1894 définissant le stade et les sports est passé aux enchères chez Goldin le 29 octobre 2016. En juin 1894, il crée le Comité International Olympique.

6 déc. 2019

Le Champion de la Live Ball

En 1920 un joueur de baseball meurt après avoir été frappé à la tête par une balle. La MLB modifie immédiatement son règlement pour une meilleure visibilité des balles. Ce changement a un impact direct sur le taux de réussite des frappes et indirect sur le nombre de home runs. Il sépare l'histoire du baseball en deux périodes, le Dead Ball era et le Live Ball era.

Au moment de cette transition, Babe Ruth a déjà six ans d'expérience en MLB où il est un des meilleurs frappeurs. Avec son physique imposant qui n'empêche pas une bonne vitesse de course, il détenait déjà le record avec 29 home runs en une seule saison. Il augmente considérablement cette performance avec le nouveau règlement. C'est ainsi que cette course loin de la balle devient pour le public l'action la plus spectaculaire du jeu.

Dans une seule saison, Babe Ruth réussit 59 home runs en 1921 et 60 en 1927. En cumulé, il est le premier à atteindre 300, 400, 500, 600, 700 home runs en MLB.

Babe Ruth commence 1929 avec un cumulé de 470 home runs. A cette date, aucun autre joueur n'a dépassé 250. Le public est passionné par l'approche des 500. Ruth est cabotin et aime annoncer ses exploits à l'avance. Le 11 août 1929 à Cleveland il annonce et réalise le 500ème home run de sa carrière. Il a frappé la balle avec une telle force qu'elle est sortie du stade.

La Louisville Slugger de l'exploit de Cleveland a d'abord été gardée par Ruth, puis donnée dans les années 1940 à un de ses compagnons de golf, de bowling et de dîner. Cachée par cette famille pour éviter d'attirer les cambrioleurs, cette batte glorieuse restait inconnue dans le hobby. Elle vient de faire surface et est estimée $ 1M dans la vente en ligne par SCP Auctions qui se termine le 14 décembre, lot 2. Elle est gradée GU10 par PSA/DNA.

La batte utilisée en 1927 par Babe Ruth pour son record du 60ème home run en une seule saison a été vendue pour $ 660K incluant premium par Heritage le 17 mai 2018.

5 déc. 2019

Les Yeux de la Négresse

A Londres et à Genève au début des années 1780, d'habiles mécaniciens créent des objets qui sont à la fois des automates, des horloges et des boîtes à musique. La fantaisie des thèmes répond à la mode du temps.

En 1784 à Paris, le baron de Ville d'Avray achète la charge d'Intendant du Garde-Meuble de la Couronne. Dans la boutique de l'horloger Furet rue Saint-Honoré, une tête noire coiffée d'un turban de princesse Nubienne amuse le public. Ville d'Avray achète cette pièce pour 4000 livres.

Ce buste en bronze dissimule une ingénieuse pendule, et son socle renferme un orgue mécanique. L'ensemble mesure 72 cm de haut. La femme porte une paire de pendants d'oreilles. L'un d'eux déclenche l'apparition du chiffre des minutes à la place de l'iris de l'oeil droit et du chiffre des heures à l'oeil gauche. L'autre pendant déclenche la musique.

Ville d'Avray attend une bonne opportunité pour placer cette pendule. Elle s'encrasse très vite par la coagulation des huiles, et il la fait réviser à deux reprises. Il intervient aussi pour diversifier la musique. La pendule est enfin offerte à la famille royale parmi les cadeaux d'étrennes du 1er janvier 1792. La reine Marie-Antoinette décide de ne pas laisser cette pièce fragile dans les mains du Dauphin.

La Négresse n'était pas une pièce unique. L'exemplaire royal a été authentifié en 1956 à l'occasion d'une exposition à l'Orangerie par Pierre Verlet, conservateur en chef des Objets d'art du Musée du Louvre. Elle porte deux plaques au nom de Furet et Godon, qui étaient associés de 1784 jusqu'à la faillite de Furet en 1786.

Appartenant depuis 1937 à la collection des comtes de Ribes, la "Négresse de Marie-Antoinette" est estimée € 1M à vendre par Sotheby's à Paris le 11 décembre, lot 10.

Daté 1817 par un ancien fournisseur de Godon, probablement après une réparation, un exemplaire incomplet du même modèle a été vendu pour € 810K incluant premium par Delorme Collin du Bocage le 23 novembre 2007. Trois autres exemples sont connus.

4 déc. 2019

Trois Décennies de Victoires

Grâce à la télévision, le golf trouve une audience populaire qui se passionne pour les tournois. Rivaux sur le cours et amis dans la vie, Arnold Palmer, Gary Player et Jack Nicklaus sont de grands champions.

Nicklaus est le plus jeune des trois. Il devient professionnel en 1962. Son palmarès est inégalé, bien qu'approché par Tiger Woods. En 1966 il est le 4ème joueur à avoir gagné au moins une fois chacun des quatre tournois du Grand Chelem. Il est le premier à avoir gagné chacun de ces tournois deux fois, en 1971, puis trois fois, en 1978. A 46 ans, il gagne son 6ème Masters. Entré plus tard dans les circuits Senior, il gagne sa 100ème et dernière victoire en 1996.

En 1966 pendant un tournoi à Tokyo, Rolex offre un cocktail où les trois amis participent.  La marque, toujours désireuse de parrainer les sportifs, travaille déjà avec Player. Nicklaus, qui n'avait pas utilisé de montres jusque-là, définit sa montre spéciale.

Nicklaus reçoit son cadeau en 1967 : une Rolex Day-Date référence 1803 en or jaune avec un cadran couleur champagne, une marque des heures en forme de club de golf et un bracelet à maillons de type President.

Le champion utilise cette montre jusqu'à ce jour dans les compétitions et dans la vie de tous les jours. Il la porte dans les 12 tournois du Grand Chelem qu'il gagne après cette acquisition. Pour Rolex, c'est un démonstrateur remarquable d'élégance et de robustesse.

La Rolex est à son poignet quand il brandit le trophée du British Open à St Andrews en 1978. Cette photo est choisie en 2005 par la Royal Bank of Scotland pour illustrer le billet de banque de £ 5. Cet Américain de l'Ohio devient ainsi la première personnalité non royale à avoir son portrait de son vivant sur un billet Britannique.

Jack et Barbara se sont mariés en 1960. Ils soutiennent depuis 1976 le National Children's Hospital à Columbus, Ohio, et créent en 2004 en Floride la Nicklaus Children’s Health Care Foundation.

Le temps des succès sportifs est passé et la bienfaisance devient prioritaire. Nicklaus vend sa Rolex au bénéfice exclusif de sa Fondation. La vente sera faite par Phillips à New York le 10 décembre, lot 18.

3 déc. 2019

La Foulée de Jesse Owens

Jesse Owens est passionné par la course à pied. A l'âge de 15 ans, il rencontre Charley Paddock, champion olympique sur 100 mètres à Anvers en 1920. Paddock compensait une morphologie ordinaire par une stratégie de course innovante, terminant le sprint par un bond sur la corde.

Owens n'a pas non plus un physique exceptionnel. Il met au point une foulée rapide avec un contact minimal des pieds sur la piste. Cette innovation est très efficace pour le sprint, le saut en longueur et la course de haies. Il atteint le plus haut niveau en mai 1935, gagnant quatre épreuves en 45 minutes, au cours desquelles il bat ou égalise six records du monde.

Il est bien sûr qualifié pour les Jeux Olympiques de Berlin en 1936. L'enjeu est tout d'abord sportif. Les Jeux Olympiques sont la meilleure place pour démontrer qu'il est l'homme le plus rapide du monde. Le public attend un exploit de sa part.

L'état mental de Jesse Owens en compétition est exceptionnel. Ses records de 1935 avaient été obtenus malgré un dos très douloureux suite à une chute accidentelle. A Berlin, il parvient de façon similaire à faire abstraction de la pression psychologique. Il gagne sans difficulté quatre médailles d'or : 100 mètres, saut en longueur, 200 mètres et relais 4 x 100 mètres.

Hors de la piste, il est un Afro-Américain au temps de la discrimination raciale. La doctrine amateuriste dans le sport est sans pitié. Dès son retour des Jeux de Berlin, il cherche des compensations financières et est exclu de toutes les compétitions amateurs. Sa carrière sportive est terminée.

Sa participation aux Jeux de Berlin était exemplaire et a fait l'objet de récupérations politiques, s'appuyant sur le fait que Hitler attendait la victoire d'un Aryen aux épreuves les plus importantes auxquelles il assistait personnellement. Contrairement à Joe Louis ou Jackie Robinson, Jesse Owens ne trouvera pas une position charismatique contre le racisme, rejetant puis soutenant le salut black power de Smith et Carlos aux Jeux Olympiques de 1968.

A l'époque des Jeux de Berlin, les médailles des vainqueurs sont frappées selon un modèle unique, sans identification du sport ni a fortiori du nom du vainqueur. Les médailles d'or sont en argent plaqué or. Des répliques ont également été frappées pour des utilisations louables. L'authentification d'une médaille des Jeux de Berlin nécessite une provenance irréprochable et une analyse par un expert spécialisé.

Deux médailles de Jesse Owens ont été confirmées comme authentiques par James Greensfelder, auteur d'un guide de référence des médailles Olympiques. L'une d'elles, qui avait été donnée par le champion au danseur de claquettes Bojangles, a été vendue pour $ 1,47M incluant premium par SCP Auctions le 7 décembre 2013.

Une autre sera vendue au lot 1 dans la vente en ligne par Goldin qui se termine le 7 décembre 2019. Elle avait été donnée par Owens à un haltérophile, pour le remercier de son aide à prendre la parole dans des réunions publiques dans les années 1950 et 1960.

2 déc. 2019

La Descente aux Enfers de Paul Gauguin

Paul Gauguin est revenu à Tahiti en 1895 après avoir passé deux ans en France. Rien ne va plus. Il est malade et criblé de dettes. Sa femme a rompu définitivement. Sa seule fille, Aline, qu'il n'a pas vue depuis 1891, meurt en 1897 à l'âge de 20 ans.

Dégoûté de la civilisation Européenne, il cherche de nouvelles racines. Il écrira un peu plus tard qu'il avait voulu se suicider. Il s'engage avec acharnement dans l'oeuvre qu'il considérera comme la plus importante de sa carrière : D'où venons-nous Que sommes-nous Où allons nous, sans point d'interrogation comme s'il voulait se persuader lui-même qu'il apporte des réponses. Ce chef d'oeuvre immense, 140 x 375 cm, à lire de droite à gauche, montre les trois âges de la vie joués par des personnages Tahitiens.

Dans la même période, il réalise huit autres peintures, qui ne sont pas des esquisses mais plutôt un support pour clarifier sa pensée. L'ensemble complet est envoyé en 1898 pour une exposition solo à la Galerie Ambroise Vollard. Le succès ne vient pas. Cette activité est cependant un point de non retour dans l'art pictural de Gauguin, remplaçant l'exotisme pittoresque par un mysticisme allégorique.

Le 3 décembre à Paris, Artcurial vend la seule des neuf oeuvres encore en mains privées, lot 15 estimé € 5M. Cette huile sur toile 73 x 92 cm intitulée Te Bourao par l'artiste et datée 1897 a parfois été intitulée Paysage bleu. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Le bourao est l'hibiscus de Tahiti, considéré comme la création conjointe de la Terre et du Paradis. Il fournit la fleur d'ornement des jeunes femmes, portée sur l'oreille gauche si la fille est mariée et sur l'oreille droite si elle est célibataire.

Te Bourao est entièrement peint en bleu foncé et vert Véronèse, à la limite de la lisibilité. Cette harmonie de couleurs sourdes est unique dans ce corpus de neuf oeuvres. La seule présence humaine est un cavalier qui avance furtivement vers le coin en haut à gauche, là où Gauguin inscrira le titre de l'oeuvre finale, D'où venons-nous Que sommes-nous Où allons nous. Le bleu est un symbole de l'au-delà et l'oiseau au premier plan exprime la futilité des mots.