31 déc. 2020

Sainte Catherine par Riemenschneider

VENTES PASSEES

Etabli à Würzburg en Franconie, Tilman Riemenschneider est le plus important sculpteur allemand de la période de transition entre le Gothique et la Renaissance. Il sculpte en pierre et en bois des figures de saints pour les autels et les retables. Son art est d'une grande finesse expressive. Les visages sont agréables et les drapés sont très soignés.

En 1998 une paire de statues en bois de tilleul fait son entrée en prêt temporaire au Metropolitan Museum of Art où elles sont analysées en détail. La fine texture du ciselage en font de rares exemples de figures conçues pour rester monochromes. L'étude suppose qu'elles proviennent du même autel, ce qui ne signifie pas qu'elles ont été réalisées en même temps. Le maître était très occupé et traitait de nombreuses commandes en parallèle.

L'une d'elles, 105 cm de haut, est inscrite Katheri sur le vêtement. L'autre, de dimension similaire, a perdu son identification. Elle est probablement sainte Barbara, souvent associée à sainte Catherine dans la dévotion aux vierges martyres. Elles sont debout avec la même attitude souple, légèrement déhanchée. Toutes deux portent un livre. Les mains droites sont manquantes. La sainte Elisabeth de Hongrie du musée de Nuremberg complétait peut-être cet ensemble.

La figure non identifiée a été vendue pour $ 2,97M incluant premium par Sotheby's le 22 mai 2001. Le catalogue de ce lot propose trois dates espacées : vers 1505 pour Catherine, vers 1510-1515 pour Elisabeth et vers 1520-1525 pour la supposée Barbara.

Catherine a été vendue pour $ 6,3M incluant premium par Sotheby's le 24 janvier 2008, lot 31. Le catalogue omet la date pour Catherine mais indique que la production des trois pièces s'est probablement étendue sur quinze ans, à comprendre comme 1505-1520.

30 déc. 2020

Adorations Flamandes

Les triptyques pliants sont très à la mode à Anvers au tout début du XVIème siècle, pour la dévotion privée et les pièces d'autel. Jan de Beer développe de nouveaux thèmes iconographique dont une Adoration des Mages dont il existera de nombreuses variantes, montrant une animation abondante.

Pieter Coecke van Aelst, dont le nom indique qu'il est né à Alost, est apprenti auprès de Jan van Dornicke dont il épouse la fille en 1525. Il apporte dans le style flamand l'influence italienne, avec une action plus dramatique, des éléments d'architecture inspirés par l'antiquité et la qualité vénitienne de la peinture des étoffes. Coecke dirige l'atelier après la mort de son beau-père en 1527.

Le 29 janvier à New York, Sotheby's vend un triptyque flamand à la peinture à l'huile, lot 103 estimé $ 2,5M. Cette pièce est en excellent état dans son cadre d'origine. Le panneau central, 105 x 70 cm, est une Adoration des Mages. Les panneaux latéraux, 105 x 30 cm, sont une Nativité animée par de nombreux anges et une Présentation au Temple incluant d'intéressants détails liturgiques.

Le sujet ne suffit pas à proposer une attribution, bien que la mort de van Dornicke soit probablement le terminus ante quem de cet arrangement des trois thèmes. L'influence italienne fait opter pour Coecke pendant la courte période où il travaillait pour son beau-père.

L'oeuvre de Pieter Coecke van Aelst fut abondante et variée. Il était apparenté à Goltzius par son second mariage. Il traduisit Vitruve en flamand. Sa veuve influencera Pieter Bruegel. Elle eut un grand rôle dans l'art flamand en assurant l'éducation artistique de ses petits-fils Pieter Brueghel le Jeune et Jan Brueghel l'Ancien.

Le Camerino d'Alphonse d'Este

Alfonso d'Este, duc de Ferrare, fait aménager après 1511 un camerino dans son palais. Il obtient pour cette galerie privée la collaboration des meilleurs peintres autour de son thème favori, les scènes mythologiques. Sous le plafond doré, les cimaises en marbre donnent la luxueuse illusion d'une chambre d'albâtre. La dernière oeuvre de Giovanni Bellini, très âgé, est réalisée pour le camerino. Titien collabore après la mort de Bellini.

Dosso Dossi travaille pour le duc depuis 1514. Son frère avait été un assistant de Raphael. Il a retenu les innovations de Giorgione, qui peignait par pentimenti successifs sans dessin préparatoire. 

Un des éléments de base de la décoration du camerino est une frise de dix scènes de l'Enéide qui se font suite, probablement sur tout le pourtour de la pièce. Elles ont été peintes à l'huile sur toile par Dosso Dossi autour de 1520. L'activité y est intense et pittoresque, non sans humour, dans une interprétation très libre du poème de Virgile. Les dix oeuvres ont été séparées au XIXème siècles. Trois d'entre elles n'ont pas refait surface.

Une paire de ces peintures, 58 x 168 cm chacune, sera vendue le 29 janvier à New York par Sotheby's, lot 116 estimé $ 3M.

L'une d'elles traite de la peste à Pergame, dans une opposition totale entre la désolation morbide du premier plan et la cavalerie des émigrants qui fait une démonstration au loin. L'autre est consacrée aux Jeux Siciliens, avec des détails sur les compétitions et les trophées, incluant un boeuf couronné. Un feu d'artifice apparaît derrière une fête de cavalerie. Junon désapprouve.


29 déc. 2020

La Lumière Divine

Rembrandt n'a pas clairement défini son appartenance religieuse. Son inspiration mystique est Biblique et pas seulement Chrétienne, et il a de nombreux amis dans la communauté juive d'Amsterdam. L'absence des auréoles est un moyen de mettre sur un pied d'égalité l'Ancien et le Nouveau Testament. La lumière divine est le phénomène suprême.

Le 28 janvier à New York, Sotheby's vend une huile sur panneau 16 x 21 cm peinte en 1646 par Rembrandt sur le thème d'Abraham et les Anges, lot 9 estimé $ 20M. Elle illustre comme sur une scène de théâtre l'annonce faite à Abraham que Sarah aura un fils de lui dans l'année, Genèse 18: 1-15.

Le trait esquissé et le petit format appellent une comparaison avec les gravures mystiques du maître mais cette image n'a pas été éditée par l'artiste. La peinture a été vendue peu après sa création à un marchand. Elle inspirera plus tard une composition plus classique à Ferdinand Bol.

Devant son chêne, Abraham reçoit trois voyageurs à qui il présente le broc et le bassin pour le lavement des pieds. La scène nocturne est positionnée à l'instant précis où les invités dévoilent qu'ils sont des anges en déployant leurs ailes. Dans cette pénombre, toute la lumière émane de l'ange central, un jeune homme blond, prêt à révéler qu'il est Dieu.

Cet extrait de la Genèse est une parfaite description de l'obligation d'hospitalité dans l'antiquité Biblique. Rembrandt en a rassemblé les symboles, sans oublier Sarah qui attend les ordres sur le pas de la porte, ni le veau "tendre et bon" qui va être préparé pour le dîner. Cette assemblée est sympathique. Dans la Bible, l'Eternel se moque gentiment du désarroi de la vieille femme. Dans l'interprétation de Rembrandt, il est confortablement installé pour la collation.

En 2007 Lucian Freud a vécu pendant trois mois avec cette peinture. Il a conclu qu'il ne pourrait pas égaler Rembrandt.

Abraham and three angels by Rembrandt (1646, Aurora trust, NY)

28 déc. 2020

Bernini Père et Fils

Autour des papes, l'aristocratie romaine retrouve les plaisirs des jardins et salons peuplés de statues de marbre. Les objets antiques constituent la base de ces nouvelles décorations tout en apportant une évidente frustration : le thème dépend du hasard des fouilles, les statues sont incomplètes et requièrent d'importantes et couteuses restaurations.

Pietro Bernini est installé à Rome depuis 1605. Ses principaux clients sont les familles Borghese et Strozzi. Compétent et inventif, il propose de nouveaux thèmes à la mode antique tout en incluant les mouvements exagérés et les multiples angles de vue du maniérisme moderne.

Son fils Gian Lorenzo est extrêmement doué mais trop jeune pour pouvoir recevoir des commandes en son nom. A partir de 1615 il développe la sculpture baroque, qui ajoute la vitalité au maniérisme. Les clients retrouvent dans ce nouveau style la puissance expressive du Laocoon.

Le prince Strozzi prépare sa luxueuse villa, pour laquelle il demande de nombreuses contributions à Bernini. Grand amateur d'antiquités, il commande en particulier deux groupes de quatre statues, tous deux sur le thème des Quatre Saisons. L'un d'eux est composé de deux marbres antiques et de deux ajouts modernes. L'autre est entièrement l'oeuvre de Bernini.

La série complète réalisée par Bernini n'a pas été dissociée. Elle est conservée dans la collection Aldobrandini. De l'autre groupe, les deux statues antiques ont disparu, une autre n'a pas été identifiée, et la quatrième, l'Automne, provenant de la collection Hester Diamond, est estimée $ 8M à vendre par Sotheby's à New York le 29 janvier, lot 121.

Les deux Automnes ont une hauteur comparable, 125 cm pour le marbre Diamond, mais aussi d'importantes différences. L'Automne Aldobrandini, assis, est presque en grandeur nature. L'Automne Diamond est debout. Il a une main sur un tronc sans être adossé, avec une remarquable maîtrise de l'équilibre.

Les détails anatomiques, incluant les muscles saillants, et l'expression de bonheur intense du satyre Diamond, résolument baroques, prouvent que le jeune Bernini en est l'auteur principal. L'antériorité ou non de cette oeuvre par rapport au satyre Aldobrandini ne peut pas être établie. La date de 1616 est proposée. Incontestablement, les styles des deux sculpteurs divergeaient déjà. Ils cessent de collaborer en 1619 après que Gian Lorenzo ait atteint sa majorité.

Rubens, le maître de la peinture baroque, a également traité vers la même époque le thème du satyre porteur de fruits.


27 déc. 2020

Le Porteur d'Image

Botticelli a peint deux oeuvres dans une technique mixte d'une grande originalité. Un homme tient avec ses deux mains une image ronde qu'il montre fièrement aux visiteurs. Ce médaillon est une pièce additive qui a été insérée dans le bois de la peinture.

La plus ancienne est une tempera 58 x 44 cm peinte vers 1474, conservée à la Galerie des Offices. L'élément inséré est une médaille en stuc doré à l'effigie de Cosme de Médicis. La seconde, tempera 58 x 39 cm peinte autour de 1480, sera vendue par Sotheby's à New York le 28 janvier, lot 15. Son élément inséré est une icône d'un vieux saint barbu peint sur fond d'or.

Dans les deux cas, il ne fait aucun doute que Botticelli a conçu et réalisé l'évidement du bois pour placer l'insertion. La position des doigts autour de l'objet rapporté est très précise. On peut cependant légitimement se demander si la pièce actuellement insérée est d'origine.

La médaille de Cosme répond probablement à l'intention d'origine de l'artiste. Les portraits du Quattrocento sont peints avec une grande finesse de physionomie, mais aussi avec des éléments qui symbolisent la position sociale, le caractère ou la vie du modèle. La Dame à l'hermine peinte par Leonardo en 1489 en est un parfait exemple. La médaille insérée dans la peinture de Botticelli est un hommage du modèle au fondateur de la puissance politique des Médicis.

L'image du saint barbu est un fragment authentique d'une peinture Siennoise du Trecento. L'absence d'attribut permettant d'identifier le saint est une anomalie si l'on considère l'importance qui lui est accordée par son porteur. Elle a pu être insérée ultérieurement pour remplacer une autre image détachée ou détériorée.

Au-delà de ces doutes, ces deux peintures sont des témoins directs de l'ingéniosité iconographique d'un des maîtres les plus innovants du Quattrocento.

Le portrait du jeune homme tenant l'icône est dans un état de conservation exceptionnel. Ce prince non identifié est sympathique par son désir de faire admirer son médaillon. Son attitude est droite. Le pigment mauve foncé de la tunique est luxueux et rare. Le communiqué de presse du 4 décembre révèle une estimation au-delà de $ 80M. L'image est partagée par Wikimedia.



26 déc. 2020

L'Aphrodite de Syon

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Les riches Romains décoraient leurs jardins avec des répliques de marbres grecs. Par comparaison, on peut identifier les modèles les plus populaires au temps des Romains et émettre des hypothèses sur l'original perdu.

L'Aphrodite drapée de type Munich-Syon-Pozzuoli est copiée d'une très élégante statue grecque faite vers 420 BCE. Une attribution à Alkamenes a été proposée. L'Aphrodite de Syon a été vendue par Sotheby's le 9 juillet 2014 pour £ 9,4M incluant premium sur une estimation basse de £ 4M, lot 17. Avec 203 cm de haut, elle est plus grande que nature.

Ce spécimen, qui avait perdu ses avant-bras, avait été admiré par Aldrovandi à Rome vers 1550 dans le jardin des cardinaux Cesi. Elle était alors considérée comme une Agrippine. Elle entre en 1773 au côté d'autres marbres monumentaux dans le grand hall de Syon House, la résidence des ducs de Northumberland, identifiée comme une Livia habillée en Junon.

Cette Aphrodite était trop belle, avec son visage ovale, ses lèvres entrouvertes et ses cheveux noués dans un diadème. Elle reste à Syon sans intéresser les experts qui croient que la tête est moderne à cause d'une fissure le long du cou. Quelques restaurations avaient été faites au XVIIIème siècle, incluant la restitution d'une paire d'avant-bras. La découverte de sa jumelle vers 2002 à Pouzzoles finit enfin par confirmer l'admirable état de conservation de l'Aphrodite de Syon. Elle date de l'époque Julio-Claudienne, au début du 1er siècle CE.


25 déc. 2020

To Fellini par Guston

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Au début et à la fin de sa carrière, les peintures de Philip Guston expriment son horreur du racisme et de l'antisémitisme. Il est influencé par le muralisme social de Siqueiros.

Les années 1950 constituent sa période intermédiaire, qu'il reniera. L'expressionnisme abstrait et l'action painting tentent de retrouver les sensations basiques de l'être humain. La peinture est une illusion que Guston veut alors utiliser pour extérioriser sa perception de l'atmosphère. Le titre de l'oeuvre guide le visiteur.

La couleur est posée par blocs qui deviennent de plus en plus clairs quand on s'éloigne du centre. Cette composition centrifuge anticipe et peut-être même inspire les colères parisiennes de Joan Mitchell.

D'autres formes d'art sont aussi des illusions, comme par exemple la projection de lumière filtrée par un film sur un écran de cinéma. To Fellini a été vendue par Christie's le 15 mai 2013 pour $ 26M incluant premium sur une estimation basse de $ 8M, lot 23. Cette huile sur toile 175 x 188 cm peinte en 1958 invite à cette comparaison entre les deux techniques.

Peu après, Guston revient à une figuration caricaturale, souvent avec auto-dérision. Le Ku Klux Klan est sa cible, mais le grand public ne perçoit pas le message subversif caché derrière ses cagoules caricaturées qui ne sont pas menaçantes. Une grande exposition a été annulée en 2020 : les organisateurs n'ont pas pu démêler les ambiguïtés de cet artiste qui a peut-être été un précurseur majeur du street art.


Standing Mobile par Calder

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Alexander Calder, revenu d'Europe en 1933, installe son atelier à Roxbury dans le Connecticut. Il avait développé à Paris ses nouvelles formes d'art, la sculpture figurative en fil de fer puis le mobile abstrait inspiré par la nature.

Alfred H. Barr Jr, le directeur fondateur du Museum of Modern Art, est un pionnier dans les relations artistiques entre l'Europe et l'Amérique. Il commande en 1939 à Calder une oeuvre monumentale pour le grand escalier d'un nouveau bâtiment du MoMA. Réalisé en fils d'acier et feuilles d'aluminium peintes, Lobster Trap and Fish Tail est un mobile dans laquelle le panier est construit en fil d'acier.

Influencé par l'art de Mondrian, Calder utilise des couleurs pures. Pour introduire un effet de scintillement, il fait quelques mobiles dans lesquels les plaques métalliques sont remplacées par du verre de récupération cassé par lui-même dans son atelier.

Les relations entre Calder et Barr sont excellentes, incluant une exposition solo au MoMA en 1943. L'artiste voudrait bien offrir un de ses objets à Barr mais le directeur est réticent, pour des raisons déontologiques. 

Un standing mobile peut enfin être offert à Barr en 1966. Réalisé en 1942, c'est une potence noire de 83 cm de haut mettant en scène un mobile de dix morceaux de verre. Resté dans la famille, il a été vendu par Sotheby's le 11 mai 2016 pour $ 8,3M incluant premium sur une estimation basse de $ 3M, lot 5.

24 déc. 2020

Pierreuse par Lautrec

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Henri de Toulouse-Lautrec admire les jolies gamines de Montmartre. En 1885, il dessine le portrait de Carmen qui a des cheveux d'or. En 1889, il fait faire par un ami des photos du profil grec d'Hélène, sa voisine, âgée de 18 ans.

Deux oeuvres allégoriques peintes en 1889 traitent les deux attitudes extrêmes de ces jeunes adultes, la sagesse et la mauvaise vie. Les formats sont similaires mais la technique est différente. Il restitue l'ambiance des chansons réalistes de son ami Aristide Bruant, qui fait fortune en dévergondant les bourgeois dans son cabaret Le Mirliton. Les deux oeuvres sont signées HT Lautrec, masquant l'origine aristocratique de l'artiste.

La Liseuse, peinture à l'essence sur panneau, 68 x 61 cm, a été vendue pour £ 5,6M incluant premium par Sotheby's le 22 juin 2011, lot 19. Hélène est studieuse, imperturbable dans sa lecture.

Pierreuse, huile sur toile 72 x 48 cm, a été vendue pour $ 9,1M incluant premium par Christie's le 2 décembre 2020 sur une estimation basse de $ 3M, lot 37

Carmen "la Rousse" regarde quelque chose hors champ, avec attention, sans prendre garde à la mêche de cheveux qui descend sur sa joue. Le titre donne la clé : dans le langage de Montmartre, la pierreuse était la prostituée de plus bas niveau qui racole dans les rues. Cette peinture a été possédée à l'origine par Bruant et bien plus tard par Sacha Guitry.

23 déc. 2020

Batman et un Acolyte

L'âge d'or des comic books est dominé par deux super-héros, Superman et Batman. Leurs aventures sont racontées dans les magazines édités par DC Comics, mais ils ne jouent pas ensemble. Superman est le moderne Hercule qui se bat contre les faiblesses du monde. Batman est le vengeur.

Batman est le plus prometteur parce qu'il a plus de facilité à rester humain. Ses super-pouvoirs sont des gadgets, avec humour et diversité. Ses performances dans le magazine Detective Comics plaisent aux lecteurs. Après avoir créé le magazine Superman en 1939, DC mise sur Batman.

Le nouveau magazine, Batman, est annoncé comme trimestriel. Le numéro 1, daté Spring 1940, apporte déjà de nombreux changements. Les adolescents aimeront retrouver les personnages secondaires dans les prochaines éditions du magazine.  Batman va cesser de tuer ses ennemis. Un effort est également fait pour varier les histoires.

Cette nouvelle cohorte inclut deux super-méchants, le maniaque du crime nommé The Joker, et la super-femme nommée The Cat qui sera bientôt Catwoman. Elle inclut aussi un super-gentil, Robin, le Boy Wonder. Les pages de couverture montrent les deux jeunes copains, Batman et Robin, d'un côté planant ensemble au-dessus de la ville, et au dos invitant les lecteurs à ne pas manquer leurs futurs exploits.

Les comic books de cette époque ont été manipulés avec enthousiasme et ne sont pas restés en parfait état. Un Batman No. 1 gradé NM- 9.2 Off White, vendu pour $ 570K incluant premium par Heritage le 1er août 2013, était à cette époque le plus haut gradé par CGC pour cette édition.

Un vrai Near Mint Batman No. 1 vient de faire surface après avoir été gardé pendant 38 ans dans une collection. Il est gradé 9.4 White par CGC. Il sera vendu le 14 janvier à Dallas par Heritage, lot 91027. Il est estimé à plus de $ 1M dans le communiqué de presse du 21 décembre.

Les Couleurs du Dragon

L'édition par Le Petit Vingtième des Aventures de Tintin reporter en Extrême Orient s'est terminée en octobre 1935. L'album sera publié en 1936 par Casterman sous le titre du Lotus Bleu. La bande dessinée est en noir et blanc. 

Hergé prépare pour la couverture un dessin 34 x 34 cm à l'encre de Chine, aquarelle et gouache. Il est très fier de ses nouvelles connaissances en matière de culture chinoise, acquise grâce à une collaboration efficace avec la diaspora chinoise de Bruxelles et Louvain. Il choisit une scène dans le vestibule de la fumerie d'opium, avec l'image d'un dragon en tapisserie et un vase bleu et blanc de dimension monumentale.

Hergé a toute confiance en Casterman mais son dessin de couverture nécessite une maîtrise parfaite de la quadrichromie. Pour la version finale, il enlève les figures trop fines des nuées dans lesquelles évolue son dragon, trop compliquées à imprimer en jaune et rouge sur fond noir et sans relation avec l'histoire. L'album est publié avec cette seconde image collée sur le carton de la couverture, en 6000 exemplaires.

Le même album inclut cinq images hors texte en pleine page couleurs, pour lesquels Hergé n'a pas travaillé en couleurs directes. Le dessin préparatoire en noir et blanc de l'une d'elles a été vendu pour HK$ 9,3M incluant premium par Artcurial le 5 octobre 2015.

Le dessin de couverture inutilisé est donné par Hergé au fils de l'éditeur, qui le plie en six pour le ranger dans un tiroir. Il fait surface en 1988 à Ixelles dans une exposition consacrée au soixantième anniversaire des Aventures de Tintin. Il est estimé € 2,2M à vendre par Artcurial à Paris le 14 janvier, lot 18.

Le dragon fait sa mutation pour la réédition de l'album en 1942. Il devient une silhouette noire sur fond rouge. Sur le vase, son image difficilement lisible est remplacée par un petit oiseau.


22 déc. 2020

A Caipirinha par Tarsila

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Tarsila do Amaral est à Paris en 1923. Elle est enthousiasmée par les envies cosmopolites des avant-gardes artistiques. Elle est la Brésilienne, et plus précisément une caipirinha. Les caipiras sont ces gens de la campagne tropicale qui font la risée des citadins par leur naïveté et par leur accent épouvantable.

Elle est influencée par le cubisme d'André Lhote, où les éléments figuratifs peu déformés sont répartis sur la toile sans considération de leurs distances respectives, avec une géométrie cloisonnée et des couleurs simples.

Le 17 décembre 2020, Bolsa de Arte a vendu A Caipirinha, huile sur toile 60 x 81 cm peinte par Tarsila à Paris en 1923, pour BRL 57,5M incluant premium, valant US $ 11,2M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'artiste exprime le bonheur résolument optimiste de son enfance, quand elle fabriquait sa poupée avec les feuilles ramassées devant la ferme. Cette allusion n'est pas directement visible. Le personnage est adulte et la poupée n'est pas là, mais la feuille symbolique est au premier plan sous la main.

L'iconographie est audacieuse, avec des répétitions sans lien de signification. La main aux cinq doigts parallèles et la palissade aux six planches sont similaires. La porte de la grange de droite est copiée sur la gauche, où elle perd sa signification en passant devant l'arbre.

Dans la même période, Tarsila bouscule aussi les morphologies, sans toutefois se joindre aux surréalistes. Les allusions au Brésil rural parsèment toute son oeuvre, par les détails ethnologiques, la lumière tropicale, la vie à la ferme. Cet art résolument régionaliste anticipe l'école de Mexico.

Társila do Amaral Work at Center of Legal Dispute Sells for Record Price in Brazil https://t.co/lOT6cBhNZk

20 déc. 2020

Cuivre et Argent

Pour la mise en place de la monnaie fédérale, le problème majeur n'est pas le dollar mais le cent, qui sert à toutes les transactions de la vie quotidienne. Dans l'anarchie monétaire de cette époque, il est facile de fondre des pièces de cuivre pour les recréer avec un moindre poids. En 1787 le Fugio cent est une tentative de contrôle fédéral sur cette dénomination.

En 1789 George Washington devient le premier président. Il est grand temps de définir la monnaie fédérale. La même année, le Fugio cent, directement impacté par l'écroulement du prix du cuivre, est stoppé. 

La faisabilité d'utiliser le cuivre pour la petite monnaie est remise en question. Dans l'entourage du Secrétaire d'Etat Thomas Jefferson, un système bimétallique est suggéré, avec une proportion de 3 pour 1 en valeur entre l'argent et le cuivre. Technologiquement, trois solutions sont possibles : l'alliage, la couche d'argent et le plug.

L'usine de Philadelphie est créée en 1792. Les premiers efforts portent sur la définition du cent. Le premier prototype, le Birch cent, est en cuivre pur. Pour préserver l'avenir, le Chief coiner Henry Voigt effectue aussi des essais bimétalliques.

La seule variété utilisable est celle avec le plug. La surface d'argent n'est pas testée et l'alliage est falsifiable. Le 18 décembre 1792, Jefferson fait son rapport au Président. Il y joint un prototype avec un plug et un prototype réalisé par fusion. Sa conclusion est claire : le cent défini par le Congrès sera en cuivre pur. Le risque lié à l'instabilité du prix du cuivre est ainsi accepté de facto. Cette décision est ratifiée par le congrès en janvier 1793 avec une diminution du poids du cent de 264 à 209 grains.

Douze exemplaires du Silver Center Cent ont survécu. Le meilleur, gradé SP67 Brown par PCGS, sera vendu par Heritage à Dallas le 20 janvier, lot 3004.

19 déc. 2020

Premiers Vols de l'Aigle

L'indépendance des Etats-Unis crée le besoin d'un emblème national qui sera apposé par un sceau officiel. Le projet est accepté par le Congrès au bout de six ans, en 1782. Il est double face, pour pouvoir être apposé au bout d'un ruban, mais en pratique seule la face à l'aigle héraldique sera utilisée.

L'iconographie s'empare en 1786 de ce symbole patriotique, avec les gravures préparées par James Trenchard pour les deux premiers numéros du Columbian Magazine. L'aigle aux ailes déployées avec le bouclier aux treize bandes, le rameau d'olivier et les flèches apparait en 1787 sur le revers du Cent et du Half cent du Massachusetts.

La première monnaie d'or illustrée par ces symboles est le doubloon de Brasher de style New York, également en 1787. Le meilleur des sept exemplaires connus, gradé MS65 par NGC, sera vendu par Heritage à Dallas le 21 janvier, lot 3934.

Brasher était un métallurgiste et certainement pas un artiste, ce qui est amplement démontré par son doubloon de style Lima préparé en 1786. Entre temps il s'est associé au designer John Bailey. Son nouveau doubloon est superbement gravé sur les deux faces. Le centrage est très bon, avec une pleine lisibilité sur le pourtour.

Les deux faces sont inspirées de l'emblème officiel. L'aigle a tous ses attributs, incluant la constellation des treize étoiles autour de sa tête. De l'autre côté, l'Oeil de la Providence apporte son éclairage radiant au-dessus d'une montagne pyramidale. L'inscription est conforme au motto fédéral E Pluribus Unum mais la production est localisée à Nova Eboraca (New York).

Les doubloons de Brasher, de type Lima et de type New York, n'ont pas été documentés à l'époque, ce qui montre à quel point leur usage était restreint. L'alliage d'or avait sans doute été récupéré par la fonte de bijoux. Le poinçon d'essayeur EB de Brasher apportait à ces pièces une autorisation de circulation et elles sont considérées comme régulières par les numismates. 

Un demi doubloon est conservé au Smithsonian. Il a utilisé les mêmes matrices avec une planchette plus mince. Contrairement aux doubloons de la même année mais conformément aux deux doubloons connus de style Lima, un rognage a été nécessaire pour ajuster le poids. Ce half doubloon était peut-être une version intermédiaire pour tester les matrices.

18 déc. 2020

Le Savoir Faire d'Ephraim Brasher

Dix ans après l'indépendance, aucune monnaie fédérale n'a encore été créée aux Etats-Unis. Les monnaies espagnoles, anglaises et portugaises restent en usage. Le projet Nova Constellatio de 1783 a été stoppé après des essais en cuivre et en argent.

Les grosses pièces d'or étrangères tentent les faux monnayeurs. Installé à New York, Ephraim Brasher est un essayeur, qui poinçonne avec sa marque EB les pièces dont il garantit la conformité. Il tente de développer la production de pièces américaines.

Le standard de la monnaie d'or est la pièce espagnole de 8 escudos également nommée doubloon, fabriquée à Lima. Deux variétés de doubloons de Brasher sont identifiées, le type Lima et le type New York. Une minuscule usure du poinçon EB sur le type New York permet d'assurer que la meilleure pièce de type Lima est antérieure.

Le type Lima n'a pas été conçu pour circuler. Il est une contrefaçon du 8 escudos de 1742, avec les mêmes inscriptions. Brasher a ajouté son nom en entier. Sur le revers les dessins héraldiques, gravés à la main, sont faibles.

Deux pièces du type Lima ont survécu. Elles ont toutes deux été limées, probablement par l'essayeur lui-même pour ajuster le poids à la valeur de 408 grains publiée en 1786 par la Bank of New York pour la pièce de 8 escudos. Sur la meilleure des deux pièces, cette date a été déchiffrée en 1991 dans le bord rogné. Sur les deux pièces, l'estampille EB est au revers, au centre de la croix de Jérusalem.

Toutes ces maladresses montrent que l'objectif de Brasher était de démontrer son savoir-faire dans la frappe des métaux. Son doubloon de type Lima est la toute première pièce d'or frappée aux Etats-Unis avec des matrices créées localement et un alliage d'or dont la composition est différente de celle utilisée à Lima.

La meilleure des deux pièces, gradée MS61 par NGC, sera vendue par Heritage à Dallas le 21 janvier, lot 3935. L'autre pièce, gradée XF40 par NGC, a été vendue pour $ 690K incluant premium par Heritage le 12 janvier 2005.

17 déc. 2020

Home Jersey de Lou Gehrig

VENTES PASSEES

Dans les années 1920, personne n'imaginait que les uniformes des champions de baseball deviendraient un jour des objets de collection. Après la saison, les maillots étaient donnés à des clubs de Ligue Mineure qui en faisaient un usage intensif.

Les joueurs des New York Yankees disposaient généralement pour toute la saison de deux home jerseys et de deux road jerseys. Le nom du joueur était cousu en lettres rondes à l'intérieur du col à côté de l'étiquette de Spalding. Le réseau serré de stries verticales bleues sur l'avant des home jerseys rend le photo-matching plus facile que sur les road jerseys.

Un home jersey utilisé par Lou Gehrig en 1927, l'année du Murderers Row, a été vendu pour $ 720K incluant premium par Heritage le 5 novembre 2010.

Le 16 décembre 2020, Christie's et Hunt ont vendu au lot 46 pour $ 1,44M incluant premium un home jersey de Gehrig, photo-matché en avril et septembre 1931.

Ce vêtement en épaisse flanelle de laine avait été bien malmené, à commencer par le raccourcissement des manches pendant l'été 1931. L'amincissement de la flanelle aux épaules a été réparé. Au dos, un chiffre 4 d'époque a été recousu à la place du 4 original qui avait disparu depuis longtemps. Par contre, l'absence d'inscription sur le devant est conforme à l'état d'origine. Il a été gradé A6 par MEARS.

Quelques années plus tard, on porte un peu  plus d'attention à la conservation de ces reliques. Donné à un ami par un manager des Yankees, un road jersey de Gehrig de 1937 est resté en excellent état, gradé A9 par MEARS. Il a été vendu pour $ 2,6M incluant premium par Heritage le 17 août 2019.

16 déc. 2020

Le Jeu de la Planchette

Depuis 1864, le matériau utilisé pour fabriquer les pièces de 1 cent était un bronze constitué de 95 % de cuivre, 2,5 % d'étain et 2,5 % de zinc. En 1943 le cuivre est nécessaire pour l'effort de guerre. Le cent 1943 est en acier enrobé de zinc.

Cette décision est maladroite. La nouvelle pièce est facilement mélangée avec le dime et est magnétique. Le cuivre est rétabli en 1944 dans un laiton. Ces modifications ont généré en très petites quantités dans les trois centres de production les deux plus célèbres erreurs de la monnaie américaine du 20ème siècle, le cent 1943 en cuivre et le cent 1944 en acier.

Le dessin n'a pas changé, avec le profil de Lincoln sur l'obvers et les gerbes de blé sur le revers. Le cent d'acier est plus léger, 42 grains au lieu de 48. Il est aussi plus dur, nécessitant une plus forte pression de la machine. Ce réglage augmente la finesse des traits sur les erreurs de 1943.

L'explication technique communément admise, valable pour les trois sites, est que les caissons de chargement de la presse n'étaient pas complètement vides avant le changement de matériau. Le temps alloué à l'inspection était forcément court : le coût de production du cent dépassait sa valeur faciale.

Une seule erreur 1943 est connue concernant le site de Denver. Elle a la meilleure finesse de trait, montrant qu'elle a été faite au tout début de la production, mais quelques souillures de zinc indiquent qu'elle a été précédée par des pièces en acier. Une planchette de cuivre de l'année précédente a sans doute été délibérément introduite dans la machine par un opérateur qui a récupéré le cent à la sortie. 

Si tel est le cas, l'intention n'était que ludique. La pièce n'a pas fait surface avant 1979. Sa provenance a été brouillée par l'histoire fantaisiste inventée par un marchand selon laquelle un opérateur l'aurait fabriquée pour l'offrir à sa petite amie. Un catalogue d'enchères de 1981 a même affirmé que c'était un cadeau de Noël.

Ce cas unique d'un cent 1943-D en cuivre, gradé MS64 Brown par PCGS, sera vendu par Heritage à Dallas le 20 janvier, lot 3005. Il provient de la collection Simpson tout comme la meilleure pièce de San Francisco, gradée MS63 Brown par PCGS, vendue pour $ 500K incluant premium par Heritage en novembre 2020, et la meilleure pièce de Philadelphie inspectée par PCGS, gradée MS62 Brown, qui sera vendue en février 2021 par Heritage à Long Beach.

15 déc. 2020

L'Aigle de Mascate

La variété Plain 4 de l'aigle 1804 est deux fois plus rare que le dollar Class I inscrit avec la même année. Leurs histoires sont indissociables.

Le diplomate Edmund Roberts avait convaincu en 1833 le sultan de Mascate et Oman de l'intérêt de signer un traité d'amitié et de commerce avec les Etats-Unis. En 1834 le président Jackson demande à Roberts de préparer cette mission, à laquelle il ajoute une visite au roi de Siam. 

Parmi les cadeaux diplomatiques, les Américains définissent un coffret qui contiendra un exemple de chacune des dénominations monétaires en circulation. La valeur faciale cumulée des dix pièces est dérisoire : $ 19,415. Le double aigle n'existait pas encore. 

L'objectif est en effet de démontrer la qualité des proof coins produites aux Etats-Unis. Cette finition de prestige était utilisée parcimonieusement depuis 1801 pour l'argent, 1817 pour le cuivre et 1820 pour l'or. Un quart d'aigle 1821 gradé PR64 Cameo par PCGS a été vendu pour $ 240K incluant premium par Heritage en janvier 2007.

Pour les plus grosses pièces d'argent et d'or, respectivement $ 1 et $ 10, le président Jefferson avait suspendu la production en 1804 pour résorber la spéculation, tout en maintenant la circulation. Pour ces deux dénominations, l'usine décide de fournir des pièces marquées 1804 plutôt que 1834 qui serait illégal. Ces pièces seront forcément une nouvelle fabrication, pour offrir la finition proof à l'état neuf.

Deux dollars et deux aigles sont ainsi produits à la fin de 1834. Les aigles utilisent pour l'obvers une matrice neuve sur laquelle la gravure du dernier chiffre de l'année restait encore à faire. Ce 4 dessiné à la façon des années 1830 permet de faire la distinction entre la variété Crosslet 4, produite en 1804, et la variété Plain 4 produite pour la mission Roberts.

En mars 1835, deux autres destinataires sont ajoutés au dernier moment à la mission. Deux aigles et deux dollars 1804 sont à nouveau frappés. Un minime défaut de matrice des aigles a été rectifié entre temps. Il n'y aura aucun autre aigle 1804 Plain 4, confirmant ainsi l'hypothèse récente selon laquelle les quatre dollars 1804 Class I surnuméraires sont des pattern coins sans lien avec la mission Roberts.

Les aigles préparés pour Mascate et Siam sont les deux pièces de la première production. Aucun aigle d'essai n'ayant été identifié, elles sont les deux premiers aigles à avoir été processés en proofs.

Les spécimens Mascate sont les meilleurs dans les deux dénominations. Le dollar est gradé PR68 par PCGS. L'aigle, gradé PR65+ Deep Cameo par PCGS, sera vendu par Heritage à Dallas le 20 janvier, lot 3049.

14 déc. 2020

Moutons de Pierre par Lalanne

VENTE PASSEE

François-Xavier Lalanne a conçu en 1965 son premier troupeau de 24 moutons intitulé Pour Polyphème. Ils sont composés de deux modèles grandeur nature. Le mouton à la tête fièrement dressée est une banquette équipée d'un porte-chapeau et le mouton sans tête est un ottoman. Le but de l'artiste était d'exposer une oeuvre innovante, utilitaire et monumentale.

Tout au long de sa carrière, Lalanne a réédité ses moutons. Les premières séries, revêtues de vraie laine, sont nommés les Moutons de Laine. Voici quelques résultats pour cette variante :

Une paire datée 1969 a été vendue pour € 1,57M incluant premium par Sotheby's le 21 novembre 2017, lot 38. Un troupeau réalisé en 1968-1969, composé de cinq moutons et neuf ottomans, a été vendu pour € 1,75M incluant premium par Christie's le 4 décembre 2012, lot 22. Un troupeau complet composé de sept moutons blancs, un mouton noir et seize ottomans, dont la provenance commence en 1976, a été vendu pour $ 5,7M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012, lot 43.

Le succès suscite de nouvelles variantes : le bélier, la brebis, l'agneau. Le Mouton de Pierre apparaît en 1979 pour être utilisé au jardin. Il est en béton époxy et bronze, sans roulettes et sans laine. Il est d'abord édité en 250 exemplaires numérotés, puis en petites séries de répliques.

Un groupe homogène de dix Moutons de Pierre de la première édition a été vendu pour $ 7,5M incluant premium par Christie's le 17 décembre 2011, lot 303, sur une estimation basse de $ 600K.


13 déc. 2020

Le Frappeur des Red Sox

Embauché en 1914 par les Boston Red Sox, Babe Ruth devient le meilleur lanceur gaucher de la MLB. Il se lasse vite de cette position qui n'est ni assez active ni assez visible. Il frappe encore peu pour son club et les battes utilisées par lui dans cette période sont très rares.

En 1917, les clubs ne peuvent plus maintenir leurs équipes au complet à cause de la conscription. Ruth saisit cette opportunité pour devenir frappeur. Il est doué : dès 1919 il bat avec 29 home runs le record de la MLB pour le nombre de home runs marqués en une seule saison. La transition en 1920 de la Dead Ball à la Live Ball accroit encore sa domination.

En 1915 le pitcher n'avait marqué que quatre home runs. Une batte Spalding utilisée par lui pendant cette saison est la plus ancienne batte connue liée à Ruth. Elle mesure 35,25 inches et pèse 37,5 ounces. Gradée GU 9 par PSA/DNA, elle est passée à Heritage le 10 décembre 2017. Des battes plus lourdes seront plus efficaces. Ruth acquiert en 1916 une Louisville Slugger pesant 44 ounces.

Le 16 décembre à New York, Christie's et Hunt vendent un Louisville Slugger de la période 1916-1918, lot 15 estimé $ 500K. Elle mesure 35,75 inches et pèse 43,6 ounces. Elle est inscrite RUTH sur le canon et sa provenance est impeccable : l'ancien champion l'avait lui-même craquée dans une démonstration en 1944. Elle a été réparée professionnellement et est gradée GU 9.5 par PSA/DNA.

Cette période expérimentale prend fin en 1918 quand Hillerich et Bradsby proposent au champion de faire son choix dans leur gamme de Louisville Sluggers. Identifiée comme le modèle R2, la batte qui convient à Babe Ruth est standardisée entre 36 et 39 ounces. Gradé A 10 par PSA/DNA, le prototype confié à Ruth a été vendu pour $ 540K incluant premium par Heritage le 2 octobre 2009.


12 déc. 2020

La Médaille d'Or de Mark Wells

VENTE PASSEE

En 1980 les Jeux Olympiques d'hiver et d'été ont lieu respectivement à Lake Placid NY et à Moscou, en pleine guerre froide. Une cinquantaine de pays dont les Etats-Unis boycottent les jeux d'été pour protester contre l'invasion de l'Afghanistan par les Soviétiques.

C'est aussi la fin d'une époque. Le dogme de l'amateurisme, requis depuis l'origine par la Charte Olympique, sera abrogé en 1981.

Dans ces conditions, le hockey sur glace prend une valeur hautement symbolique à Lake Placid. L'équipe Soviétique est soutenue par son gouvernement. L'équipe Américaine est composée de jeunes joueurs qui ont très peu d'expérience à ce niveau.

Le match entre les deux équipes n'est pas le match final mais il suscite les passions. Les Américains gagnent sur le score de 4-3. Cet évènement est aussitôt nommé le Miracle on Ice. Deux jours plus tard, les Américains gagnent le tournoi en battant les Finlandais. Chacun des vingt joueurs reçoit une médaille d'or inscrite à son nom.

Le capitaine, Mike Eruzione, qui a marqué le but de la victoire contre les Soviétiques, a vendu aux enchères en 2013 tous ses souvenirs, sauf sa médaille d'or. D'autres s'en sont séparés.

Mark Wells a vendu sa médaille en vente privée pour un montant annoncé de $ 40K. Elle fut peu après la première des vingt à être offerte aux enchères. Elle a été vendue pour $ 310K incluant premium par Heritage le 5 novembre 2010, lot 81421.

Mark Pavelich avait marqué deux des quatre assists du match contre les Soviétiques, y compris la passe décisive à Mike Eruzione. Il est le premier à consigner sa propre médaille aux enchères. Elle a été vendue pour $ 263K incluant premium par Heritage le 16 mai 2014, lot 82422.


10 déc. 2020

Les Boucliers Sassoon

Trois boucliers de Torah ont été exposés à Londres en 1887 et 1906. Leur conception similaire ne laisse aucun doute sur le fait qu'ils ont été réalisés par le même orfèvre. Ils avaient été collectés, très probablement ensemble, par Reuben David Sassoon. Ils sont restés dans la famille jusqu'à leur ventes respectives, en 2000 et 2020.

Dans une synagogue, l'arche de Torah est un haut meuble en bois que l'on ouvre pour accéder au livre de l'enseignement divin au moment de la prière. Elle est illustrée de nombreuses scènes symboliques ou liturgiques, qui peuvent inclure un bestiaire. Le bouclier a un rôle similaire pour la dévotion privée.

Les boucliers Sassoon sont très finement ciselés sur de l'argent repoussé. La face avant centrée par le Décalogue, est en vermeil ajouré. Ils ont la caractéristique rare d'être également illustrés au verso. Leurs dimensions sont similaires, avec une hauteur de 24,7, 20,3 et 18 cm.

Une des pièces est inscrite en hébreu par Elimelekh Tzoref en 1782 à Stanislav. Tzoref est un nom générique désignant un orfèvre. Stanislav est un village. Deux pièces portent un poinçon fiscal ultérieur de Lemberg, actuellement Lviv (Lvov) en Ukraine. Le client était probablement un riche résident de cette grande ville.

Deux des versos sont illustrés d'un plan détaillé du Temple de Jérusalem tel qu'il est traditionnellement reconstitué par le Talmud. Cette scène est animée par des processions de pèlerins et par des animaux menés au sacrifice. En s'approchant de la Torah, les fidèles croient ainsi pénétrer dans le lieu saint. Sur la troisième pièce, les images principales du verso illustrent le sacrifice et la bénédiction d'Isaac.

Le plus grand des boucliers a été vendu pour l'équivalent de $ 800K par Sotheby's à Tel Aviv le 25 octobre 2000. Il a plus tard été donné au Israel Museum à Jérusalem. Les deux autres seront vendus par Sotheby's à New York le 17 décembre, lot 26 estimé $ 600K et lot 27 estimé $ 500K.


9 déc. 2020

Rencontre avec le Chat

Artiste hypersensible, Mary Cassatt conçoit des scènes de bonheur intime entre une jeune mère et des enfants. Sa touche reste impressionniste. Les chapeaux et les robes sont encombrants et colorés à la mode de la Belle Epoque. Les bébés sont trop jeunes pour être perturbés par leur totale nudité.

Ces importantes séries sont des familles recomposées par l'artiste avec des modèles de son voisinage. La petite fille est souvent Sara, reconnaissable à son visage large et à ses cheveux dorés très à la mode à cette époque. Mary n'a pas eu d'enfants.

Children playing with a dog, huile sur toile 100 x 73 cm peinte en 1907, a été vendue deux fois par Christie's, pour $ 6,2M incluant premium le 24 mai 2007 et pour $ 4,8M incluant premium le 11 novembre 2018. La mère tient le bébé et Sara tient le chien par le même geste délicat, exprimant par cette image que l'instinct maternel existe dès l'enfance.

Children playing with a cat, huile sur toile 81 x 100 cm peinte en 1908, a été vendue pour $ 3,4M incluant premium par Sotheby's le 29 novembre 2006 et est estimée $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 11 décembre, lot 48. L'image est partagée par Wikimedia.

Comme dans l'exemple précédent, il est intéressant de comparer les positions : le bébé est sur les genoux de la mère et le chat sur les genoux de Sara. Le bébé, qui avait été intimidé par le chien, tend une main vers la tête du chat par-dessus le coude de Sara.

Cassatt Mary Children Playing with a Cat 1908

8 déc. 2020

Les Travailleuses de la Mer

Winslow Homer commence sa carrière comme illustrateur pour des magazines pendant la Guerre de Sécession. Il s'intéresse plus à la vie quotidienne des soldats qu'à l'activité militaire. Il est à Paris pendant l'Exposition Universelle de 1867 et est très certainement influencé par le réalisme social de Courbet.

Homer traverse à nouveau l'Atlantique en 1881. Loin du bruit des villes, il s'installe dans un village de pêcheurs sur l'estuaire de la Tyne, au nord-est de l'Angleterre, où il restera deux ans. Il est séduit par le maintien des humbles traditions ancestrales et plus particulièrement par le travail des filles.

Les filles des pêcheurs sont actives pendant toute la journée et leur rôle est vital pour le village. Elle préparent le bateau, recousent les filets, ramassent crabes, moules et vers sur la plage, déchargent le bateau et portent les poissons au marché pendant que les pêcheurs se reposent. Elles sont jeunes, fortes, saines et bronzées.

L'oeuvre de Homer à Tynemouth est en quelque sorte un reportage ethnologique, objectif et sans mièvrerie ni narration. Il adopte la pratique des voyageurs anglais de faire des esquisses en plein air avant de peindre l'oeuvre finale en atelier et abandonne la peinture pour l'aquarelle.

Le 11 décembre à New York, Sotheby's vend une aquarelle sur papier 36 x 51 cm peinte en 1881, lot 16 estimé $ 2,5M. Sur la plage, deux filles pieds nus regardent au loin pour guetter le retour de la pêche. Leurs grands paniers sont encore vides.

Le 28 novembre 2007, Sotheby's a vendu pour $ 4,5M incluant premium une aquarelle de même format peinte la même année. Dans une cour, trois filles réparent paniers et filets et nettoient les bottes. Un coq et une poule picorent. Le 9 mai 2018, Christie's a vendu pour $ 4,6M incluant premium une aquarelle de même format peinte en 1883. Trois filles sont montées sur la falaise pour mieux voir le retour des bateaux.


7 déc. 2020

Les Lapidaires de Dresde

Amateurs d'objets raffinés, les électeurs de Saxe cachaient leurs trésors dans le Grünes Gewölbe, la Voûte verte. Auguste le Fort, électeur et mécène bien connu pour le développement de la porcelaine de Saxe, transforme la Voûte en musée public.

Le sous-sol de la Saxe est riche en minéraux. Les orfèvres de Dresde deviennent minéralogistes et lapidaires. Christian Gottlieb Stiehl, qui travaille dans le Mineralienkabinett de l'électeur, est nommé Hofsteinschneider en 1753, à l'âge de 45 ans. Heinrich Taddel, de 6 ans plus jeune, sera conservateur du Grünes Gewölbe. Il laissera cette place en 1769 à son gendre, Johann Christian Neuber.

Ces artistes incrustent des pierre dures dans l'or des boîtes et de divers petits objets dont des montres et des châtelaines. Leur art est didactique : pour leurs boîtes les plus complexes, ils listent soigneusement tous les types de pierres utilisées sur de minuscules cahiers manuscrits, qu'ils insèrent dans un compartiment secret.

Stiehl reçoit en 1765 l'autorisation de miner les agates et les améthystes, ouvrant la période la plus fastueuse des boîtes de Dresde. Ses oeuvres sont très rares : dix tabatières seulement sont authentifiées. Neuber est son imitateur. Plus prolifique, il atteint la renommée autour de 1770. Stiehl ajoure les couvercles pour mettre en valeur la transparence des pierres.

Une tabatière ovale non signée de 8,7 cm de long, attribuée à Neuber, intègre des pierres étrangères au côté des pierres de Saxe : lapis lazuli d'Afghanistan, porphyre d'Egypte, chrysoprase de Pologne. Elle a été vendue pour € 1,8M incluant premium par Sotheby's le 11 décembre 2019 sur une estimation basse de € 500K. 

Une tabatière circulaire par Stiehl, incrustée de 154 pierres, a été vendue pour £ 790K incluant premium par Christie's le 9 décembre 2003 sur une estimation basse de £ 150K. Une tabatière ovale signée par Neuber a été vendue pour £ 830K incluant premium par Sotheby's le 6 juillet 2010 sur une estimation basse de £ 250K.

Le 10 décembre à Londres, Sotheby's disperse une collection de 37 boîtes en or. Les pièces les plus importantes ont été faites à Dresde et à Berlin. Je vous invite à regarder la vidéo montrant tout cet ensemble.

Le lot 12, estimé £ 700K, est un Steinkabinett ovale de 8,8 cm de long par Stiehl, complet avec son livret manuscrit. La date en chiffres Romains, mal transcrite, doit être interprétée comme 1768. Elle est incrustée de 174 pierres en 53 variétés. Elle avait appartenu au roi Farouk.

Le lot 15, estimé £ 350K, et le lot 16, estimé £ 300K, sont des tabatières ovales par Neuber dont le couvercle est centré d'un médaillon, respectivement un portrait de l'empereur Joseph II et un bouquet.



6 déc. 2020

Le Dollar de Stickney

La population totale du dollar 1804 Class I est de 8 spécimens, répartis en trois lots de production : deux pièces en 1834, deux autres en 1835 et quatre d'une année non identifiée. Les deux lots de deux pièces résultent de la décision du Department of State de constituer des coffrets de présentation pour des souverains orientaux. 

1804 avait été la dernière année de production du dollar d'argent. En 1831 le Treasury Department autorise le redémarrage de cette dénomination. Des essais sont effectués en réutilisant des matrices aux dates de 1801 à 1804. La préparation d'un nouveau design par Gobrecht en 1836 est le terminus ante quem de ces essais.

Les quatre pièces diplomatiques avaient fait l'objet de productions spécifiques, pour pouvoir être offertes dans le meilleur état possible. Deux d'entre elles ont été livrées, respectivement au sultan de Muscat et au roi de Siam. Restées à l'état neuf, elles sont au côté du prototype de 1794 les plus beaux de tous les dollars d'argent.

En 1842 deux dirigeants de l'usine, DuBois et Eckfeldt, publient un manuel illustré consacré aux pièces d'or et d'argent. Le collectionneur Matthew Stickney est stupéfait. La planche II inclut entre autres, sans explications, un dollar 1804. Selon les registres officiels, 19570 dollars avaient été produits en 1804. Stickney n'en avait jamais trouvé un seul.

L'année suivante Stickney parvient à obtenir un exemplaire conservé à l'usine en échange d'un lot contenant un cent en or Immune Columbia de 1785.  Ce dollar, gradé PR-65 par PCGS, est un des deux plus beaux 1804 Class I après les exemplaires offerts aux rois. Il a été vendu pour $ 1,8M incluant premium en avril 1997 par Bowers and Merena. Il sera vendu au lot 1094 à Newport Beach le 17 décembre par Stack's Bowers, successeur de Bowers and Merena.

Il est devenu évident après l'intervention de Stickney que des matrices des années antérieures avaient été utilisées en 1804 jusqu'à l'ordre d'arrêt de cette dénomination, et qu'aucun dollar portant la date de 1804 n'a été frappé avant l'autorisation de redémarrage en 1831. L'hypothèse selon laquelle les matrices 1804 avaient été spécialement remises en service pour les cadeaux diplomatiques a été récemment réfutée avec les considérations ci-dessus.


Nouveaux Moteurs pour Brough

La concurrence devient rude en 1936 pour Brough Superior et ses modèles SS100 et SS80. Le record de vitesse est détenu par BMW, dont une moto a été chronométrée à plus de 250 km/h en 1935. Les modèles de production Crocker V-twin et Vincent Rapide atteignent la même vitesse que la SS100, 180 km/h.

Brough utilisait des moteurs JAP depuis 1922. Suite à des difficultés de production, il change de fournisseur en 1935 pour la SS80 et en 1936 pour la SS100. Il choisit son concurrent Matchless, qui avait acheté AJS en 1931, rachètera Sunbeam en 1937 et deviendra AMC en 1938.

Le 11 décembre à Bicester, Bonhams vend une SS100 assemblée en 1936, lot 232 estimé £ 240K. Cette moto a gardé son moteur et son cadre d'origine. Le moteur 982 cc est le tout premier moteur "AMC" de production réceptionné par Brough pour la SS100. Il avait été précédé par un unique prototype.

Brough se maintient dans le haut de gamme. Le record de vitesse est battu en avril 1937 par une SS100 équipée d'un moteur JAP surcompressé, chronométrée à 273 km/h. Ce record est battu deux fois avant la fin de cette même année, par Gilera puis par BMW.

La SS100 de la prochaine vente est en bas à gauche sur le tweet ci-dessous.

5 déc. 2020

Apesanteur

Alexander Calder avait beaucoup d'humour mais l'anecdote de sa visite chez Mondrian en 1930 est sans doute vraie. Il aimerait bien que les petites feuilles accrochées au mur par le maître s'envolent pour occuper l'espace. Il définit une nouvelle forme d'art abstrait, composé de plaques de métal ou de verre qui bougeront au gré du vent.

Son expérience s'accumule au fil des ans. Pour que ses mobiles à pendre soient spectaculaires, il augmente le nombre de plaques et agrandit l'envergure, diminuant proportionnellement la visibilité sur le fil unique qui lie l'objet au plafond. Il donne parfois à l'oeuvre un titre inspiré de la nature et ajoute de la poésie par le choix des couleurs.

Il mène ses mobiles jusqu'à la limite de l'impossible. Il est ingénieur mais sa méthode comporte certainement une grande part d'empirisme. Rien ne doit basculer dans ses structures. Quand une plaque trop lourde est entrainée vers le bas, il fait des trous pour ajuster son poids, tout simplement. Black Lace, 160 x 280 cm, est un exemple de ce processus, réalisé vers 1947. Ce mobile a été vendu pour £ 5,2M incluant premium par Sotheby's le 8 mars 2017.

Un mobile 107 x 213 cm réalisé en 1951 est un exploit par l'alignement de ses plaques autour d'un plan horizontal. Il a été vendu pour $ 4,9M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Réalisé la même année, Mariposa, 317 x 310 cm,  est l'exploit inverse par rapport à l'exemple précédent, avec une hauteur sensationnelle. Le point d'ancrage sépare une grosse plaque d'une arborescence de dix-huit petites plaques dont trois ont été percées. 

La diminution progressive des plaques et leurs couleurs vives peut donner l'idée d'un vol de papillons rouges, blancs, noirs et jaunes. Cette oeuvre a été achetée directement à Calder par le patron des grands magasins Neiman Marcus dont l'emblème est le papillon. Abondamment exposée dans les magasins, elle était restée dans la famille. Elle est estimée $ 6M à vendre par Sotheby's à New York le 8 décembre, lot 4.

4 déc. 2020

Faisans pour Jeanne Lanvin

La vie redémarre à Paris après la guerre. La couturière Jeanne Lanvin crée une agence de décoration, pour laquelle elle collabore avec Armand-Albert Rateau. Elle confie en 1920 à Rateau la décoration intérieure de son appartement privé.

Formé à l'Ecole Boulle, Rateau est à la fois décorateur et sculpteur. Dans le style de François Pompon, il crée un bestiaire en bronze avec des formes simples et des surface lisses, contrairement au style cubiste de Rembrandt Bugatti.

Rateau crée plusieurs oiseaux pour l'appartement de Lanvin. Les pieds du guéridon sont les très longues queues de petits oiseaux. La tige du lampadaire est montée sur quatre faisans à la tête levée. Chaque faisan est monté sur une boule. Pour la table basse pouvant servir de table à café, les faisans à la tête baissée, perchés sur les mêmes boules, sont aux quatre coins en position de caryatide, en tête bêche. Les boules et les queues sont posées au sol.

Rateau reçoit de nouvelles commandes. Il réutilise pour la duchesse d'Alba le modèle du lampadaire et de la table basse. Le guéridon qu'il avait gardé pour son usage personnel, fait vers 1922, a été vendu pour € 3,04M incluant premium par Christie's le 8 juin 2006.

La table de la duchesse d'Alba, faite en 1924, est similaire à la variante Lanvin, avec plateau creux et têtes séparées. Elle mesure 33 cm de haut pour une surface au sol entre les queues de 102 x 50 cm. Elle a été vendue pour € 1,66M incluant premium par Christie's le 23 mai 2013. Dans la même vente, les deux lampadaires de même provenance ont été vendus chacun pour le même prix, € 1,66M.

Une table du type Lanvin-Alba faite en 1924 a été vendue pour $ 1,2M incluant premium par Christie's le 17 décembre 2015, lot 105. Elle est estimée $ 1M à vendre par Sotheby's à New York le 9 décembre, lot 8.

La table exposée en 1925 à l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs est une variante avec un plateau plat. Les têtes sont plus proches l'une de l'autre et jointes par une marguerite. Un exemplaire a été vendu pour € 2,03M incluant premium par Christie's le 8 juin 2006.

Un Paravent à Jean Désert

Eileen Gray est une créatrice. Elle applique très tôt les techniques de la laque japonaise et des tapis de l'Atlas Saharien à la décoration intérieure.

Il n'y a pas non plus de limite dans la variété des objets. Les panneaux qui attirent en 1913 l'attention de Jacques Doucet sont bientôt suivis de paravents pliants à la mode japonaise. Les motifs figuratifs sont vite remplacés par des abstractions de plus en plus minimalistes, selon les tendances de la peinture de ce temps incluant Mondrian et le groupe De Stijl.

L'aboutissement de cette phase est le paravent ajouré Briques, conçu en 1922 ou 1923, qui sera un de ses plus grands succès. Parmi les plus anciens exemples en bois laqué noir, un Briques à onze colonnes de 2,15 m de haut a été vendu pour £ 1,5M incluant premium par Phillips le 27 avril 2016 et un Briques à sept colonnes de 1,96 m de haut pour € 1,35M incluant premium par Christie's le 29 mars 2011.

En 1922 Eileen Gray ressent le besoin d'accroître sa visibilité commerciale. Elle ouvre un magasin rue du Faubourg Saint-Honoré sous le nom de Galerie Jean Désert. Elle n'a pas expliqué comment elle a conçu ce nom.

Une photo publiée en 1924 montre un paravent à Jean Désert. Cette pièce est composée de six panneaux 2 m x 43 cm x 1,5 cm en bois laqué brun foncé avec un décor minimaliste de traits horizontaux irréguliers et de virgules réalisés à la feuille d'argent et par des incisions. Ce modèle, probablement conçu peu avant le Briques, n'a pas eu de succès : une seule réplique est connue, avec une géométrie dans le goût de De Stijl.

Le paravent est resté à Jean Désert jusqu'à la fermeture de la galerie en 1930. Il a été vendu pour $ 1,87M incluant premium par Christie's le 12 décembre 2012, lot 32, et est estimé $ 1,5M à vendre par Sotheby's à New York le 9 décembre, lot 20.

3 déc. 2020

La Blanchisseuse par Toulouse-Lautrec

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Henri, seul fils survivant du comte de Toulouse-Lautrec, a vécu son enfance dans les châteaux de sa famille. Il a envie d'être artiste et arrive à Paris en 1882. Il entre dans l'atelier de Fernand Cormon, un peintre et professeur très influent qui apporte une dimension psychologique à des scènes préhistoriques inspirées de la Légende des Siècles de Victor Hugo.

Toulouse-Lautrec suit son maître quand celui-ci installe son atelier près de Montmartre. Le jeune provincial est subjugué par la différence sociale entre sa famille et la vie humble et laborieuse des classes populaires. Cormon lui apprend à regarder les gens avec sensibilité.

Lautrec fréquente bientôt les cabarets de Montmartre. La mode est aux chansons réalistes dans lesquelles les innocentes jeunes filles sont guettées par les proxénètes pour la plus grande joie des bourgeois qui viennent s'encanailler dans ce monde de mauvaise vie, parmi les voleurs et les rapins.

Une autre mode pour les filles est aux cheveux teints en rouge, avec des chignons abondants. L'exemple le plus connu sera Casque d'Or, quelques années plus tard. En 1885 Lautrec écrit à sa mère qu'il peint le portrait d'une femme dont les cheveux sont d'un or absolu.

Il fait plusieurs esquisses de son nouveau modèle. Bien que très jeune, elle avait précédemment posé pour Alfred Stevens. Elle s'appelle Carmen. Son visage est très reconnaissable avec son nez retroussé, sa mâchoire carrée et les mèches qui tombent devant les yeux.

Lautrec réutilise ces portraits pour montrer "La Rousse" dans des scènes typiques de la vie des bas-fonds parisiens. La Blanchisseuse, huile sur toile 96 x 75 cm peinte en 1886 ou 1887, a été vendue pour $ 22,4M incluant premium par Christie's le 1er novembre 2005, lot 17. L'image est partagée par Wikimedia.

Le thème n'est pas innocent. Travaillant dans la chaleur, les filles sont vêtues de blouses légères qu'elles savent ôter pour gagner quelques sous. Elles ont une réputation de prostituées. Sous le Second Empire, elles étaient les principales modèles des photographies érotiques interdites par la police des moeurs.



2 déc. 2020

Metal Jordan

Les collectionneurs de trading cards contemporaines aiment les rookie cards du baseball et du basketball, Michael Jordan et les plus grandes raretés.

Pour ce qui concerne l'illusion de luxe, l'élan a été donné en 1997 par la très éphémère marque Metal Universe, éditeur des séries Basketball Precious Metal Gems pour les saisons 1997-98 et 1998-99 et Championship Basketball en 1997-98. Dix ans plus tard Upper Deck a tenté de ré-établir la marque.

Les deux premières éditions Precious Metal Gems illustraient 123 joueurs chacune, avec une photo en action sur le recto et un portrait au verso. Le recto était imprimé sur une feuille de métal. L'édition était sérialisée de 1 à 10 avec une image sur fond vert "émeraude" et de 11 à 100 avec un fond rouge.

Cette construction a posé un problème de fragilité, avec une usure sur les bords du métal affectant une grande proportion des cartes. PSA ne donne pas de grade à ces cartes endommagées, même si l'image reste intacte. Cet organisme vérifie toutefois l'authenticité.

La population de dix cartes Michael Jordan 1997 Precious Metal Gem Green attire toutes les convoitises. Deux d'entre elles ont été gradées EX-MT+ 6.5 par PSA et une EX-MT 6.

Deux cartes gradées Authentic par PSA ont été vendues sur eBay, la # 1 en 2015 et la # 6 en 2019. Leurs prix, exceptionnels pour l'époque, peuvent être oubliés suite à l'engouement de 2020 pour tous les artefacts relatifs à Jordan.

Le 10 décembre dans une vente en ligne, Heritage vend au lot 58088 la carte # 9, garantie Authentic (mais pas identifiée comme Altered) par PSA. L'estimation, $ 500K, est déjà dépassée.

1 déc. 2020

Abstraction à Manhattan

En mai et juin 1951, la Ninth Street Exhibition est un évènement marquant de la vie artistique à Manhattan. Organisée par Leo Castelli avec le support de Franz Kline, elle rassemble les oeuvres de 74 artistes. Au côté de Hans Hofmann, Willem de Kooning et Jackson Pollock, les plus jeunes forment déjà la seconde génération de l'expressionnisme abstrait.

Cette exposition révèle Joan Mitchell, âgée de 26 ans. Arrivée de Chicago l'année précédente, elle a vite intégré les cercles artistiques de New York. Dans cette première phase, l'énergie est dominante par rapport à la couleur. Ses surfaces sont parsemées de petites figures abstraites qui apportent des points d'ancrage et un rythme, assez similaires aux compositions de de Kooning à cette époque, inspirées par les plus anciennes abstractions de Mondrian, et anticipant Twombly et Ryman.

Joan a besoin d'être seule dans son atelier pour transférer ses impressions sur la toile. Elle a une très bonne forme physique et n'a pas peur de travailler sur des grands formats. Son art exprime son interprétation de son environnement sans recours à la figuration, modernisant le précepte de Cézanne selon lequel la nature ne peut pas être copiée.

Le 7 décembre à New York, Phillips vend une huile sur toile 205 x 176 cm peinte par Joan Mitchell vers 1953, exprimant sa vision de Manhattan dans un style qui est déjà prémonitoire des grandes phases de sa carrière. Elle est estimée $ 10M, lot 24.

En 1955 et 1956 Joan passe l'été en France. Elle y découvre que les vives couleurs de la campagne constitueront la meilleure source pour son inspiration, avec des variations illimitées. Plus tard à Paris, elle exprimera une violence centrifuge, avant son grand retour à la nature à Vétheuil en 1968.


30 nov. 2020

Les Nativités de Bernardino Luini

La vie de Bernardino Luini est peu documentée. Spécialiste des fresques et de la peinture de dévotion privée, il a presque uniquement travaillé en Italie du Nord. Il a incontestablement été influencé par Léonard de Vinci dans sa technique et par Raphael dans ses compositions. 

En 1550 Vasari reconnait son honnêteté et sa courtoisie mais ne réussit pas à transcrire correctement son nom, ce qui a contribué à le plonger dans l'oubli. Bernardino est cependant un artiste doué, qui atteint sa plus grande maturité dans les années 1520 et meurt en 1532.

Les Nativités sont un de ses thèmes préférés. Le 15 décembre à Londres, Christie's vend une tempera et huile sur panneau 120 x 90 cm, lot 22 estimé £ 3M.

L'oeuvre est composée en deux plans. L'Enfant est adoré par sa mère et par Joseph, en présence du boeuf et de l'âne. L'arrière-plan est une scène de la fuite en Egypte. L'environnement sombre de la crèche met en valeur le corps nu de l'Enfant et les visages des adultes, dans une iconographie plaisante. Une date autour de 1525 est plausible.

Avec un Enfant à peine plus âgé, une présentation par St Georges du dragon massacré est également racontée en deux plans. Cette huile sur panneau 104 x 80 cm a été vendue pour € 2,3M incluant premium par Aguttes le 14 novembre 2019.



La Lumière de Halloween

Co-fondateur en 1932 au côté d'Edward Weston du Group F:64, Ansel Adams se spécialise dans la photographie de paysages américains. L'utilisation conjointe de grands formats et de très petites ouvertures apporte une définition sans précédent à ses négatifs. La préparation des épreuves est un travail d'une grande minutie pour apporter l'effet de lumière voulu par l'artiste.

La possibilité d'appliquer ces techniques pour une photographie décorative murale intéresse le National Park Service, qui est une agence fédérale. En 1941, pendant six mois, Ansel Adams sillonne les Etats-Unis avec son fils et un collaborateur.

Un soir d'automne, après une journée morose, Adams revient vers Santa Fe. La lumière du soleil couchant éclaire les croix d'un cimetière en laissant dans l'ombre le reste du paysage. La pleine lune est visible au-dessus du village.

Interpelé par la beauté de ce spectacle, Adams manque de peu d'envoyer la voiture dans le fossé. Il sort sa caméra 8 x 10 inches, ne retrouve pas son pose-mètre et évalue au mieux le temps de pose. Il fait sa photo. La lumière change dans les secondes qui suivent et ce négatif restera unique. Il reste à identifier le lieu et la date. Le village est Hernandez, New Mexico. Les astronomes définiront d'après la position de la Lune que la photo a été prise le soir de Halloween à 16:05.

Le résultat ne répond pas à la perfection exigée par Adams. Les ombres sont bouchées et le travail de cette image sous l'agrandisseur est long et fastidieux. Les très rares positifs de cette première époque traduisent la vision réaliste de ce crépuscule, avec un contraste romantique sur les croix et des détails dans le ciel. Un tirage 24 x 30 cm, probablement effectué fin novembre 1941, est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 14 décembre, lot 29.

Un tirage 35 x 50 cm rééquilibrant les densités, effectué vers 1946, a été vendu pour $ 360K incluant premium par Sotheby's le 14 octobre 2008. Entre temps l'image a été publiée et la demande est forte. En 1948, Adams retravaille le négatif pour faciliter les futures impressions. Ce nouvel état donne l'illusion fantastique d'un clair de lune. Un tirage 35 x 50 cm a été vendu pour $ 610K incluant premium par Sotheby's le 17 octobre 2006.


29 nov. 2020

Une Ferme dans le Maryland

En voulant exprimer la force, Clyfford Still est l'inventeur de l'expressionnisme abstrait dans les années 1940. Il s'installe à New York en 1950 mais l'agitation de la grande ville nuit à sa créativité. Sa priorité est de construire son oeuvre avec cohérence. Il rompt avec les galeristes et ses expositions se font très rares.

En 1961 il s'installe avec sa femme dans une ferme du Maryland. Face à la nature dans sa grange-atelier comme Pollock à Long Island, il peut enfin créer un vide autour de lui pour régénérer son inspiration. Jusqu'à sa mort en 1980, il peint beaucoup, pour son propre usage. Quand un besoin d'argent l'oblige à vendre des peintures, il choisit en priorité les oeuvres plus anciennes, dont il avait peint des doubles par prudence, pour préserver sa vision globale.

Pour ces raisons, ses oeuvres du Maryland ont été peu étudiées en leur temps, et très peu d'entre elles ont atteint le marché de l'art. Elles montrent pourtant la plus grande maturité de l'artiste. Les couleurs sont en nombre réduit, mais chaque zone est un mélange complexe de nuances proches, comme faisaient aussi Rothko et Soulages. De nouveaux rapports de forces remplacent les éclairs fulgurants des périodes antérieures.

PH-21, huile sur toile 195 x 175 cm peinte en 1962 avec des couleurs brillantes, a été vendue pour $ 21M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Le 7 décembre à New York, Phillips vend PH-407, huile sur toile 290 x 190 cm peinte en 1964, lot 14.  Le communiqué de presse du 23 novembre annonce une estimation autour de $ 17M.

La conception de PH-407 remonte à la période de New York. Le fond rouge sombre est illuminé par un rouge feu plus clair qui descend en flammes du bord supérieur. Dans la moitié inférieure, une force montante apporte une vibration par sa symétrie dans un cinglant contraste noir et blanc. Une petite tache bleue encerclée de blanc peut être imaginée comme étant en avant ou en arrière de la toile, déjouant toute tentative d'interprétation tridimensionnelle.


28 nov. 2020

La Période Rose de Sanyu

Sanyu comprend en 1929 que la peinture à l'huile est la technique la mieux adaptée à sa créativité. Avec ses dessins, il avait appliqué la simplification des formes à des thèmes variés, y compris le nu féminin qu'il avait découvert à Paris. Il peindra directement sur la toile sans esquisse, comme les calligraphes chinois sur le papier.

Sa vision artistique est d'une grande originalité. La précision du trait permet d'augmenter la simplification. Les couleurs sont réduites à l'extrême. L'application aux couleurs du principe chinois des cinq encres permet de réduire aussi les contrastes : avec un seul pigment, la variation des couleurs est obtenue par des différences d'épaisseur.

Dans un premier temps, la couleur rose apporte la meilleure démonstration de ces nouvelles théories. Elle est commune aux plus belles fleurs et à la peau des femmes, et son contraste avec le blanc peut atteindre une grande subtilité. Le bleu marine très foncé ou le noir apporte une tri-dimensionnalité. La plupart des oeuvres de cette période ont appartenu à Roché.

Le 2 décembre à Hong Kong, Christie's vend Chrysanthèmes blanches, huile sur toile 46 x 27 cm peinte en 1929, lot 122 estimé HK$ 10M. Les grosses fleurs et leur pot sont peints en blanc pur sur un fond rose pâle. Les géométries sont simples.

Peinte également en 1929, une étude de roses dans un pichet blanc sur fond blanc, huile sur toile 73 x 50 cm, a été vendue pour HK$ 59M incluant premium par Poly le 5 octobre 2015. Voici trois résultats incluant premium pour des huiles sur toile peintes en 1931 dans un style similaire :

Deux gros hortensias roses dans un vase blanc, 73 x 50 cm, a été vendue pour € 4,1M par Aguttes le 1er juin 2015. Chrysanthèmes roses dans un vase blanc, 100 x 70 cm, a été vendue pour HK$ 55M par Poly le 3 avril 2017 et Bouquet de roses dans un vase blanc, 81 x 50 cm, pour HK$ 47M par Christie's le 22 novembre 2014.

Ces études sont encourageantes. Sanyu introduit désormais de nouvelles couleurs dans ses images de fleurs, mais toujours en nombre limité sur une même toile. Les parties non essentielles de l'image sont réalisées en traits épais très simplifiés.

Bouquet de marguerites, 81 x 45 cm peint en janvier 1931, a été vendu pour HK$ 51M incluant premium par Christie's le 25 novembre 2017. Chrysanthèmes roses dans une corbeille, huile sur toile 92 x 60 cm peinte en 1931 qui n'a pas appartenu à Roché, est estimée HK$ 68M par Christie's dans la même vente que ci-dessus, lot 123.


L'Oiseau à Bascule

François-Xavier Lalanne donne une utilité à l'objet d'art zoomorphe. Parfois il ajoute le mouvement. Il crée en 1974 un Oiseau de jardin à bascule (bird see-saw). 

Cette pièce est un rocking chair 120 x 130 x 190 cm en feuilles d'acier polies et cuivrées. Il a la forme du "piaf", le sympathique moineau qui était un symbole des rues de Paris. L'utilisateur est invité à s'asseoir dans la cavité entre les ailes, posant le dos derrière la tête de l'oiseau, les coudes sur les ailes et étendant les jambes par-dessus la queue.

Ce meuble-animal, annoncé comme une pièce unique, a été vendu le 17 juin 2009 à Bruxelles pour € 550K hors frais par Pierre Bergé et Associés, lot 338, sur une estimation de € 600K. Il était vendu par un collectionneur belge qui l'avait acquis en 1974. Je l'avais discuté avant cette vente.

Un lot identique, annoncé comme provenant d'une édition en deux exemplaires, a été vendu par Sotheby's pour € 360K incluant premium le 7 décembre 2010, lot 18. La provenance est cohérente avec les informations de la vente de 2009, mais sans référence à la Belgique. Il pourrait s'agir du même exemplaire qui serait resté dans la famille du propriétaire d'origine après avoir été invendu ou impayé en 2009.

L'oiseau vendu à Sotheby's est maintenant estimé $ 1,3M à vendre par Christie's à New York le 4 décembre, lot 605. Le premier propriétaire, de 1974 jusqu'à 2010 par descendance, est identifié. Il résidait à Bruxelles, ce qui est cohérent avec la provenance annoncée en 2009. Entre temps la cote des Lalanne s'est envolée, comme un vrai piaf.


27 nov. 2020

L'Incubateur de Poupée

Yoshitomo Nara a passé douze ans en Allemagne, de 1988 à 1994 pour faire ses études d'art à Düsseldorf et jusqu'à 2000 dans son atelier à Cologne. Le trait net plait aux Japonais, habitués des estampes et des mangas.

Pour exprimer sa relation au monde, l'artiste peint des portraits de très petites filles, avec des expressions faciales changeantes. Elles ne jouent pas. Elles sont malicieuses ou perfides. La couleur du vêtement confirme l'expression : bleu clair pour être gentille, rouge vif pour être désagréable ou méchante. La robe de Knife behind back, inspirée par la visite de l'artiste à Auschwitz, est rouge. Cette acrylique sur toile 234 x 208 cm peinte en 2000 a été vendue pour HK$ 196M incluant premium par Sotheby's le 6 octobre 2019.

Le 3 décembre à Hong Kong, Phillips en collaboration avec Poly vend Hothouse Doll - in the White Room III, lot 5 estimé HK$ 50M, illustré par Phillips dans une très courte vidéo.

Peinte en 1995, cette acrylique sur toile 120 x 110 cm est une oeuvre séminale de cette série. Le titre décrit la scène. L'enfant est assise, jambes serrées et bras ballants, comme une poupée qu'on a assise sur le sol. Hothouse a un sens d'incubateur : elle veut exprimer une maturité supérieure à son âge apparent pour donner à penser aux adultes. L'espace qui l'entoure est uniformément blanc. La robe est bleue.

L'artiste a renoncé aux distorsions du visage. Le strabisme divergent des larges yeux en amandes apporte une personnalité à la fois énigmatique et distante que l'artiste réutilisera tout au long de sa carrière.



L'Eneide de Limoges

L'Enéide en émaux de Limoges est une série narrative basée sur les illustrations imprimées en 1502 pour l'humaniste Sebastian Brant. Promoteur de la culture profane, Brant voulait que le chef d'oeuvre de Virgile puisse être aussi apprécié par les illettrés.

Cette série a probablement occupé un peintre émailleur à temps plein pendant plusieurs années dans l'atelier familial de Nouailher ou Pénicaud. Elle n'a pas été documentée en son temps.

L'édition pour Brant était composée de 215 illustrations couvrant les douze chants du poème. 82 plaques de l'Enéide de Limoges ont été retrouvés. L'absence d'images des trois derniers chants montre que l'artiste travaillait dans l'ordre du poème et que le travail a été stoppé. L'absence de double montre qu'il travaillait pour un projet unique.

Les scènes en Limoges suivent de très près l'illustration de Brant. La compréhension de l'action est facilitée par des bulles identifiant les personnages. Enée et ses compagnons, qui sont partis de Troie, ont des costumes orientalistes. Le style est médiéval avec toutefois des traits plus souples que l'image d'origine.

Chaque image est peinte sur une plaque de cuivre 22 x 20 cm. Les blancs épais et les rehauts d'or apportent volume et contraste.

Le terminus post quem est 1520, quand les rectos des plaques de Limoges commencent à être préparées avec une couche d'argent qui avive les couleurs. La face arrière est également protégée par une feuille d'argent. Le terminus ante quem pourrait être 1530 quand le style gothique passe de mode.

Quatre plaques réunies de plusieurs sources par un collectionneur seront vendues par Sotheby's à Londres le 5 décembre, lot 31, lot 32, lot 33, lot 34. Elles illustrent respectivement des épisodes des chants II, III, IV et VIII. Chaque lot est estimé £ 240K.

Le 9 juillet 2014, Sotheby's a vendu pour £ 1,54M incluant premium un groupe de six plaques du chant VIII assemblées en deux rangées dans un cadre unique 65 x 82 cm, lot 2.


25 nov. 2020

Camarade Roi

Après sa première année de gloire, Jean-Michel Basquiat reste très attentif à ses camarades du street art. Le 7 décembre à New York, Phillips vend Portrait of A ONE A.K.A. Kings, acrylique, oilstick et marqueur sur toile 183 x 184 cm peint en septembre 1982, lot 16 estimé $ 10M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Dans le jargon des rues de New York, le King est un tagueur qui a établi sa renommée dans son quartier. Un King acquiert ainsi le droit de signer ses oeuvres avec une couronne. SAMO était un King. Le talent d'A ONE, de quatre ans plus jeune, est tout aussi prometteur. Ce gamin de Manhattan n'a pas eu d'autre formation que son expérience des rues et son style de peinture est authentique et complexe, avec des surfaces très remplies.

Pour faire ce portrait, Basquiat a retrouvé son style de l'année précédente. Devant un fond de graffitis marqués KINGS, le garçon afro-américain a l'attitude des guerriers et des champions caricaturés par Jean-Michel. La tête est un masque rouge surmonté d'une épaisse couronne à trois pointes. Je ne sais pas si A ONE s'est reconnu dans cette image mais ils se sont certainement bien amusés. Basquiat n'a pas oublié d'intégrer sa propre couronne de signature, plus simple.

L'innovation de Basquiat est sans limite. La peinture n'est pas montée dans un cadre mais sur un tréteau de quatre poutres dont les extrémités débordent aux quatre coins de la toile. Il aimait construire ces supports avec des morceaux de bois récupérés on ne sait où.

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