23 oct. 2020

La Vérité sur Ariane

La mythologie grecque est une poésie énigmatique. Le mythe d'Ariane, mêlant vie et mort, passé et présent, vérité et rêve, a inspiré Nietzsche. Petite-fille de Zeus, elle est une princesse mortelle et la demi-soeur du Minotaure. Elle meurt quand Thésée l'abandonne, mais les récits antiques sont contradictoires. Elle est le complément ou l'antithèse de Dionysos qui l'a peut-être épousée. Allégorie de la végétation, elle renaîtra au printemps.

En 1910 Giorgio de Chirico conçoit que la peinture peut montrer l'indiscernable et la révélation. En 1912 et 1913, il consacre huit oeuvres à l'ultime sommeil d'Ariane à Naxos, quand elle ne sait pas encore que Thésée a fui.

La piazza est immense et déserte. Ariane est un gisant de marbre symbolisant la solitude, mais la position des bras évoque le sommeil et la vie. La fin d'après-midi apporte la menace mystérieuse des ombres. La piazza est fermée par une tombe antique en briques mais des symboles personnels de l'artiste, le train et le bateau, sont encore au-delà.

Il Pomeriggio di Arianna, peinte en 1913, est la culmination onirique de la série. Ariane est presque androgyne. La tour de briques, vertigineuse comme un gratte-ciel, est flanquée d'une colonne brisée de hauteur similaire. Cette huile sur toile 135 x 65 cm est estimée $ 10M à vendre par Sotheby's à New York le 28 octobre, lot 115.

De Chirico a apporté une dimension métaphysique au symbolisme. Sa série d'Ariane anticipe le surréalisme dans le fond, par le recours au psychisme, et dans la forme, par les éléments volontairement contradictoires. Spécialement dans Il Pomeriggio, la perspective inversée de la stèle rappelle le raccourcissement du Christ Mort de Mantegna.


22 oct. 2020

Sombres Emotions

En 1957 Mark Rothko est outragé par sa propre gloire. Son interprétation des émotions basiques n'est pas perçue. Bien au contraire le public et les critiques d'art admirent la confrontation théâtrale de ses blocs de couleurs vives, ces rouges, bleus et jaunes auxquels le blanc apporte la fenêtre de lumière transcendantale.

Son style et sa technique changent. La luminosité peut aussi émaner d'une zone sombre s'il intercale des couches de glaçure transparente entre les couches de couleurs. Il maintient sa structure par blocs, mais la monochromie est remplacée par un mélange inextricable de couleurs créées par la diffusion les uns dans les autres de pigments presque similaires. Les bords des blocs ajoutent une confrontation effilochée avec la couleur du fond.

A la fin de l'année, il teste les bleus et les rouges les plus profonds confrontés à de grands blocs noirs. Au début de 1958, sa préférence va à un rouge orienté vers le marron. Four Darks in Red est peint juste avant que lui soit confiée la décoration du restaurant dans le bâtiment Seagram en cours de construction.

Rothko est très enthousiaste pour ce projet qui lui permettra de tester ses nouvelles conceptions sur une très grande surface, comme Monet avec les Grandes Décorations. Malheureusement son rejet délibéré du grand public nourrit sa mégalomanie et il croit que son mysticisme rejoint les fresques sublimes de Fra Angelico.

En parallèle avec ses compositions horizontales pour Seagram, Rothko teste ses nouvelles techniques et leurs effets sur des toiles plus petites. Ainsi le Black on Maroon 267 x 381 cm pour Seagram est accompagné d'un Untitled vertical 183 x 114 cm avec les mêmes nuances.

Rothko abandonne le projet Seagram en 1959 dans un coup de colère qu'il n'expliquera pas de façon crédible. Donné par l'artiste à la Tate Gallery, le Black and Maroon est cosigné en 2012 par un moderne Herostrate.

L'Untitled a été vendu pour $ 27M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013, lot 55, et est estimé $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 28 octobre, lot 13.

21 oct. 2020

Les Gentils Indiens de N.C. Wyeth

N.C. Wyeth est un illustrateur de livres populaires et de magazines. Il travaille essentiellement mais pas exclusivement pour Scribner's. Il interprète pour les lecteurs la vie rurale, les aventures des pirates, le Wild West. Ses images sont enthousiastes.

Il explore l'Ouest en 1904 et 1906. Pour Wyeth, les Indiens sont calmes et sympathiques. Ils vivent avec ingénuité dans ces conditions immaculées dont Frederic Remington venait de constater l'inexorable disparition.

En 1908 Wyeth déclare que la peinture et l'illustration sont deux arts différents qui ne peuvent pas être mélangés. Il craint probablement que sa réputation croissante comme illustrateur nuise aux demandes de ses clients pour des peintures de plus grand format.

Indian Love Call, huile sur toile 117 x 176 cm en format arqué peinte en 1927, est typique du romantisme de Wyeth. Le jeune Indien dans son canoë en bois de bouleau joue de la flûte pour attirer une jeune femme qui écoute au loin, devant son tipi.

Cette oeuvre était une commande privée pour un employé d'une maison d'édition. Conservée dans la famille et non répertoriée, elle a fait surface 80 ans plus tard. Elle a été vendue pour $ 1,83M incluant premium par Sotheby's le 28 novembre 2007, lot 39, et est estimée $ 2M à vendre par Christie's à New York le 28 octobre, lot 15.


20 oct. 2020

Concept Cars au Salon de Turin

Le concept car est une opération de marketing développée après guerre par Harley Earl pour General Motors. Des châssis de production sont équipés de carrosseries futuristes et exposés dans les Salons pour susciter les réactions du public et des journalistes.

Franco Scaglione est un styliste avec une expérience dans l'habillement. La voiture est sa passion. Il a eu avant guerre une formation en aéronautique et a pour projet la conception d'une voiture aérodynamique. Bien entendu il devra coopérer avec un carrossier.

Les carrossiers ont leurs propres bureaux de dessin et leurs sous-traitants et sont réticents à confier ces tâches majeures à un nouveau venu ambitieux. Bertone finit par accepter. Sur le stand Fiat au Salon de Turin en 1952, l'Abarth 1500 Biposto est un concept car conçu par Scaglione et construit par Bertone.

La même année, Alfa Romeo choisit Carrozzeria Touring contre Bertone pour la conception de sa nouvelle voiture de course, la Disco Volante. L'équipe Bertone-Scaglione persévère cependant et développe la B.A.T. (Berlina Aerodinamica Tecnica) sur la base de l'Alfa Romeo 1900.

Trois concept cars sont exposés par Bertone au Salon de Turin : la B.A.T. 5 en 1953, la B.A.T. 7 en 1954 et la B.A.T. 9d en 1955. La B.A.T. 5 a déjà réduit le coefficient de frottement en-dessous de 0,25, permettant de pousser la modeste Alfa à près de 200 km/h. La B.A.T. 7 est une nouvelle amélioration aérodynamique tandis que la B.A.T. 9d répond à une demande d'Alfa Romeo de prévoir une version routière.

Ces performances sont d'autant plus remarquables qu'elles sont uniquement dues au crayon de Scaglione et au savoir faire de Bertone, sans mise au point en soufflerie et bien sûr sans ordinateur. Avec une telle simplification des formes, les trois B.A.T. sont des oeuvres d'art.

Chacun de ces prototypes a été vendu après son Salon. Elles ont été réunies pour la première fois de leur histoire au Concours d'Elégance de Pebble Beach en 1989 en présence de Bertone, à la suite de quoi un collectionneur passionné a réussi à acquérir les trois véhicules. Le trio est estimé $ 14M à vendre le 28 octobre à New York par Sotheby's en coopération avec RM Sotheby's, lot 38.

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Les Tables Squelettes de Carlo Mollino

Architecte et décorateur, Carlo Mollino a mené sa carrière comme une synthèse de ses passions exubérantes : la haute voltige, le ski, la photographie, les femmes. Après la guerre, indépendamment l'un de l'autre, Mollino et Noguchi conçoivent les meubles du futur.

L'architecte constate la solidité de la construction du squelette humain. La structure de ses tables et de ses chaises prend des formes de cage thoracique et de colonne vertébrale. Mollino apporte ainsi une sensualité à ses meubles, qui n'ont pas besoin d'une décoration supplémentaire. Par-dessus cette structure ajourée, le plateau des tables est en verre transparent.

Le 9 juin 2005, Christie's a vendu pour $ 3,8M incluant premium sur une estimation basse de $ 150K une table de salle à manger en chêne 73 x 157 x 86 cm conçue par Mollino en 1948 et fabriquée en 1949 par Apelli e Varesio à Turin.

Après la guerre, l'Italie cherchait des solutions nouvelles pour sa reconstruction. Une exposition intitulée Italy at Work est consacrée par un consortium de musées américains à la renaissance du design Italien. Mollino est invité à concevoir l'ameublement d'une salle de séjour.

Le meuble principal de la participation de Mollino à Italy at Work est une table à dîner, 77 x 250 x 80 cm, conçue en 1949 et fabriquée en 1950 en contreplaqué, érable et laiton par Apelli e Varesio. L'exploit technique s'ajoute à la nouveauté artistique : son utilisation du contreplaqué moulé à grande échelle est sans précédent dans l'histoire du meuble.

La table revient en 1954 au Brooklyn Museum après l'exposition itinérante par un don du gouvernement italien. Elle est estimée $ 2M à vendre par Sotheby's à New York le 28 octobre, lot 16, au bénéfice des collections du musée.


19 oct. 2020

L'Atlas Doria

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Au temps des grandes découvertes, la Cosmographie de Ptolémée devient périmée. Les géographes établissent de nouvelles cartes manuscrites. Des ateliers spécialisés impriment ces documents. Rome fournit les cartes d'Italie et Venise celles du reste du monde.

Contrairement aux compilations basées sur Ptolémée, les nouvelles cartes sont vendues individuellement ou par ensembles composites selon les besoins des clients. Le premier assembleur qui marque son nom sur la page de garde d'un ensemble composite est Lafreri, vers 1570. En 1570 à Anvers, Ortelius conçoit enfin un livre avec un contenu invariable et un format uniformisé. Le mot Atlas est utilisé pour la première fois en 1595 pour une édition posthume de Mercator.

L'Atlas Doria est une collection dans le style de Lafreri, avec des cartes d'origines et formats variés dont les plus grandes ont été pliées plusieurs fois. Il est composé de deux volumes pour un total de 186 cartes. 

Le premier volume est constitué de cartes imprimées dont la date la plus récente est 1570. Le principal contributeur des planches est le Vénitien Ferrando Bertelli, qui a peut-être assemblé l'ensemble de ce volume. La première carte du premier volume, imprimée à Verone en 1566, est une réédition de la mappemonde en forme de coeur préparée par Oronce Fine dit Oronce en 1536. L'image est partagée par Wikimedia.

Dans le second volume les cartes se réfèrent principalement aux intérêts commerciaux, militaires et politiques de la famille Doria et aux guerres de religion en France. L'une des plus récentes est une vue à vol d'oiseau du siège de Mantoue en 1628. Plusieurs cartes sont manuscrites.

Cet atlas a longtemps appartenu à la la famille Doria. On suppose que le premier volume a été assemblé à l'usage de l'amiral génois Giovanni Andrea Doria, petit-neveu et fils adoptif du condottiere Andrea Doria.

L'Atlas Doria a été vendu pour £ 1,46M incluant premium par Sotheby's le 18 octobre 2005, lot 143 (non illustré).


 


18 oct. 2020

Le Baiser par Brancusi

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En 1907 la domination du classicisme et du Louvre sur les arts fait face à l'influence des cultures exotiques et archaïques. Picasso termine Les Demoiselles d'Avignon sans toutefois oser l'exposer, et Matisse peint le Nu Bleu influencé par Biskra.

Brancusi a 31 ans. Il entre dans l'atelier de Rodin, qu'il quitte au bout d'un mois en disant : "Il ne pousse rien à l'ombre des grands arbres". Il prépare Le Baiser, qui est une antithèse totale de Rodin.

Face au plâtre que les sculpteurs transféraient en marbre et en bronze, Brancusi opte pour la taille directe de la pierre. La surface rugueuse s'oppose au classique polissage qui voulait évoquer la texture veloutée de la peau. La géométrie simplifiée des formes remplace le réalisme des corps. La même année, Derain a une approche similaire avec son Homme accroupi sculpté dans un bloc de calcaire, mais il ne persévérera pas.

Le Baiser est la première oeuvre de Brancusi qui accorde un rôle majeur à la matière brute. Elle a été précédée par les sculptures Polynésiennes de Gauguin, mais elle anticipe l'intuition fulgurante de Malevitch pour qui une oeuvre peinte n'est plus que des pigments appliqués sur une toile.

La simplification du Baiser est une grande réussite. Le cube évoque le bloc de pierre d'origine. Les deux personnages face à face sont peu différenciés mais personne ne doute qu'il s'agit de l'étreinte d'un homme et d'une femme. Les têtes sont si proches l'une de l'autre que le spectateur reconstruit dans la conjonction de leurs profils un visage complet avec un oeil cyclopéen, anticipant les perspectives duales de la peinture cubiste.

Pendant sa longue carrière, Brancusi a réalisé environ 40 variantes du Baiser. Une des toutes premières, 32,4 cm de haut sculptée dans le calcaire vers 1908, a été vendue pour $ 9M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2004, lot 8.


17 oct. 2020

Boogie Woogie par Mondrian

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Fuyant la montée du fascisme, Piet Mondrian quitte Paris pour Londres en 1938 et s'installe à Manhattan en 1940. Il est passionné par la géométrie des rues et des gratte ciel et par les clubs de jazz. Il avait toujours aimé les danses populaires, et plus particulièrement le charleston.

Pendant cette dernière période de sa vie, il travaille sur six nouvelles toiles, qu'il modifie inlassablement dans sa recherche du rythme parfait et de l'équilibre des couleurs. Trois de ces oeuvres resteront inachevées. 

La première oeuvre, en 1941, est intitulée New York. Cette huile sur toile 95 x 92 cm composée de verticales et horizontales noires n'est pas assez dynamique et n'intéresse personne. L'artiste comprend que la cause de cet échec est le grand carré vide au centre de la toile. Il la complète en 1942 en ajoutant trois lignes rouges ainsi que quelques ponctuations colorées le long des bords qui sont une première expression des néons de la ville.

Cette transformation mérite un nouveau titre. L'oeuvre devient Boogie Woogie par allusion à ce style de jazz dans lequel le pianiste ponctue d'une main le rythme principal apporté par l'autre main. Ce New York Boogie Woogie a été vendu pour $ 21M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2004, lot 7.

Les deux dernières oeuvres de Mondrian, Broadway Boogie Woogie terminée en 1943 et l'inachevée Victory Boogie Woogie, dynamisent son style en intégrant des petits carrés de couleurs dans ses lignes illimitées. Sa mort soudaine d'une pneumonie en février 1944 met fin à cette courte phase d'intense musicalité qui ouvrait la voie à l'Action painting et à l'Op art.


16 oct. 2020

Mythologies par Picabia

Avec ses Transparences, Francis Picabia tente un nouveau style de peinture surréaliste composée de dessins au trait enchevêtrés sans perspective. Le spectateur cherchera à les percevoir individuellement et à trouver un lien entre eux en s'aidant du titre. L'artiste transcende le temps en se référant simultanément à plusieurs périodes de l'art ancien.

La première exposition a lieu à Paris en 1928. Léonce Rosenberg, propriétaire de la galerie L'Effort Moderne, est convaincu et achète pour son usage personnel plusieurs peintures qui iront décorer son appartement auprès d'oeuvres de Léger et De Chirico.

Minos, huile, aquarelle et crayon sur panneau 151 x 97 cm, est peint en 1929 sur une commande spécifique de Rosenberg. Minos est ce roi de Crète qui enfermait dans le Labyrinthe le Minotaure, un des emblèmes inspirateurs du surréalisme. La statue d'Auguste en Jupiter Capitolin est mêlée aux éléments de la Vierge à l'Enfant avec Cinq Anges par Botticelli. Par la différence d'échelle, Jupiter apparaît comme une poupée dont les pieds sont tenus par deux mains chrétiennes.

Minos est estimé € 2,8M à vendre par Sotheby's à Paris le 21 octobre, lot 10. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Atrata, panneau de dimensions similaires, superpose l'Atlas Farnese dans un portrait d'homme par Botticelli. La signification entomologique du titre Atrata répond à une autre passion de Picabia, impossible à décoder pour la plupart de ses visiteurs. Acheté pendant la même période par Rosenberg, Atrata a peut-être inspiré sa commande pour le Minos, une référence moins hermétique. Atrata a été vendu pour £ 3,7M incluant premium par Sotheby's le 26 février 2019 sur une estimation basse de £ 1,5M.

Picabia a été trop loin dans l'iconoclasme, même pour les surréalistes. Il met fin à cette série de Transparences en 1933.

Un Bikini aux Caraïbes

Dr. No, sixième roman d'espionnage de Ian Fleming, parait en 1958. L'espion James Bond fait une sieste sur une plage paradisiaque des Caraïbes quand soudain une femme nue sort de l'eau comme la Vénus de Botticelli. Elle gagne sa vie en ramassant des coquillages et porte le nom stupide et excitant de Honeychile Rider.

Ce roman est le premier James Bond transposé au cinéma, en 1962. Sean Connery est James Bond. Le budget de production est très faible, laissant la place aux improvisations. Le premier rôle féminin, celui de Honey Ryder, est confié à Ursula Andress parce que ses mensurations sont sexy : 36-24-36.

Pour la scène de la plage, Ursula ne peut pas être nue. Rien n'est prêt. Elle conçoit avec l'aide d'une couturière professionnelle un bikini équipé d'une ceinture portant une gaine pour son couteau de plongée. Ce bikini de couleur ivoire en coton est cousu par une couturière Jamaïcaine sur les sous-vêtements personnels de l'actrice, en un seul exemplaire.

Ce bikini porté par Ursula sur la plage pendant trois minutes est un des éléments qui assurent le succès du film. Dans le contexte de la libération sexuelle, les femmes du monde entier apprécient soudain pour leur propre usage ce maillot de bain tabou qui laisse voir le ventre. Ursula Andress est la toute première Bond Girl du cinéma et sa carrière est lancée.

Le plus célèbre bikini de l'histoire du cinéma est estimé $ 300K à vendre par Profiles in History à Calabasas CA le 12 novembre, lot 253 ici lié sur la plate-forme d'enchères iCollector.


15 oct. 2020

En Souvenir de Nijinski

La région de Yakoutie, devenue la République Sakha, est depuis un demi-siècle un des meilleurs producteurs de diamants roses, exploités par la société russe Alrosa.

Une gemme découverte en 2017 est un diamant rose pourpre d'un poids exceptionnel, 27,85 carats. Préparé en Russie, le diamant a conservé la forme allongée de la pierre brute, permettant un rendement sensationnel de plus de 50 %. Il pèse 14,83 carats et est certifié Fancy Vivid Purple Pink et Internally Flawless par le GIA. Sa taille brillant modifié ovale révèle parfaitement les deux couleurs.

Bien plus rare que le Fancy Vivid Pink ou le Fancy Intense Pink, le Fancy Vivid Purple Pink montre un équilibre parfait entre ses deux couleurs, contrairement au Fancy Vivid Purplish Pink qui a une dominante rose.

La compagnie a donné à la gemme brute le nom de Nijinsky, en souvenir du costume orné de pétales de roses porté en 1911 à Monte Carlo par le danseur russe dans le mémorable ballet Le Spectre de la Rose. Le diamant taillé a été nommé The Spirit of the Rose quand il a été annoncé en août 2019. Il est estimé au-delà de CHF 21M à vendre le 11 novembre à Genève par Sotheby's, lot 204.

Un Fancy Vivid Purple Pink pesant 8,41 carats, également Internally Flawless, a été vendu par Sotheby's le 7 octobre 2014 pour HK$ 138M incluant premium, ce qui fait US$ 2,1M au carat, un des résultats les plus élevés enregistrés dans toute la gamme des diamants roses.

Avec des caractéristiques identiques et une forme optimisée, les plus gros diamants sont plus chers. L'estimation haute du Spirit, CHF 35M, correspond à plus de US$ 2,5M hors frais au carat.

14 oct. 2020

Armoires Wanli

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L'utilisation d'armoires monumentales est une innovation Ming de la période Wanli, entre 1572 et 1620 CE. Les bois les plus précieux sont utilisés avec un soin particulier apporté au choix des couleurs. Les parois extérieures et intérieures sont revêtues des matières les plus riches. Les literati aiment les utiliser comme bibliothèques pour les livres et les rouleaux.

Une paire de cabinets à deux niveaux formant garde-robes et boîte à chapeaux a été vendue par Sotheby's pour $ 1,14M incluant premium le 22 septembre 2005, lot 359. La laque est peinte à l'or, avec des pavillons et des érudits dans des jardins idylliques. Chaque pièce mesure 330 x 160 x 70 cm et porte la marque impériale de Wanli. 

Une paire de bibliothèques à trois niveaux sans porte a été vendue par Sotheby's pour HK$ 11,8M incluant premium le 8 avril 2009, lot 1623. Elles sont faites en nanmu, un des bois les plus rares qui avait la particularité d'être imperméable. Elles sont très richement laquées et dorées sur une ciselure profonde incluant des paires de dragons dans les nuées. Chaque pièce mesure 151 x 91 x 50 cm et porte des traces de la marque impériale.

Une paire de cabinets pouvant servir de bibliothèques a été vendue par Sotheby's pour HK$ 57M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 4M le 9 octobre 2020, lot 75. Ils sont en huanghuali avec des portes, une rangée de tiroirs et un compartiment supérieur ouvert à trois niveaux. Chaque pièce mesure 193 x 141 x 52 cm. Ils sont de style Wanli sans avoir la marque et ne sont ni laqués ni décorés.


Pokemon Charizard

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Les Pokémons (Pocket Monsters) apparaissent en 1998 sous forme de jeux vidéo et en 1999 sous forme de trading cards. Ils constituent un univers complexe qui convient parfaitement aux envies des Millennials. Les monstres sont modifiés par mutations au fil des années.

Les applications sont illimitées, incluant la constitution d'ensembles complets, les combats, les concours. Bien entendu, le tirage de certaines cartes est plus rare. La variation de la rareté existait déjà depuis 1993 dans les cartes de sport, avec les Refractors sérialisés de Topps.

Les cartes Pokémon sont éditées en séries régulières et en cartes exceptionnelles qui sont réservées aux gagnants d'un jeu. Par exemple la carte Trainer a été éditée en japonais en 1999 spécialement pour les sept gagnants d'un Super Secret Battle. Un exemplaire gradé Gem Mint 10 par PSA a été vendu pour $ 90K incluant premium par Heritage en juillet 2020.

En 1999 également, la première série de cartes régulières incluait 103 espèces. Les paquets encore scellés sont avidement recherchés par les collectionneurs qui espèrent y trouver les cartes les plus prestigieuses. La même tendance s'applique aussi aux cartes de sport. Une boîte scellée de la première série Pokémon contenant 36 paquets de 11 cartes chacun a été vendue pour $ 198K incluant premium par Heritage dans la même vente que ci-dessus, en juillet 2020.

Dans cette première série, la plus rare des cartes régulières est la # 4 personnalisant Charizard, un monstre inspiré du dragon européen dont les qualités au combat sont le Feu pour l'attaque et le Vol pour la défense. Une carte gradée Gem Mint 10 par PSA a été vendue pour $ 220K incluant premium par Iconic Auctions le 9 octobre 2020, lot 1.

Les prix montent. Le résultat ci-dessus renvoie à la préhistoire des enchères un ensemble complet des 103 premières cartes régulières, toutes en Mint condition et incluant Charizard, vendu pour $ 104K incluant premium par Goldin le 10 août 2019, lot 103.

13 oct. 2020

La Révolution Mamelouk

La dorure et l'émaillage de récipients en verre apparait en Perse autour de 1200 CE. Ces pièces d'un extrême raffinement sont d'une grande fragilité. Très peu sont datées.

Une bouteille de forme balustre de 28 cm de haut avec un col évasé est conservée par la Furusiyya Art Foundation. Elle est décorée de scènes de la vie d'une communauté monastique Chrétienne. Ce thème Chrétien décorant un objet de conception Islamique est à corréler avec la révolution Mamelouk qui a renversé en 1250 en Egypte la dynastie Ayyoubide incapable de résister à la septième croisade.

La révolution des Mamelouks est sociale : ils sont des soldats d'origine servile. Louis IX s'allie temporairement à eux en 1252 quand ils sont occupés à la reconquête de Damas.

Le 27 octobre à Londres, Sotheby's vend une bouteille de 24 cm de forme et technique identiques au spécimen Furusiyya, lot 449 estimé £ 300K. Des émaux bleu, rouge et blanc ont été appliqués après la dorure sur un verre brun-jaune.

Le corps et le col sont ornés d'une frise inscrite en lettres islamiques en une louange à un sultan qui n'est pas identifié. L'épaulement est décoré d'un motif foliés complexe et de quatre poissons dorés répartis sur le pourtour. Quand le récipient est rempli d'eau claire, cette disposition donne l'illusion de l'évolution des poissons dans un aquarium. La dorure apporte dans ces conditions un effet de scintillement sur les écailles.

Une telle pièce est extrêmement rare. Un autre exemple de même forme est connu, plus petit et en verre bleu. Ces récipients servaient à nettoyer les mains pendant le repas. On versait l'eau au-dessus d'un bassin en laiton incrusté de poissons d'argent.

La Mort des Bisons

Frederic Remington est l'illustrateur du Wild West à l'usage des magazines. Il entretient ce savoir faire par de courts voyages dans l'Ouest. En 1900 il revient déçu : la civilisation a dénaturé la vie dans l'Ouest, qui assurait son fond de commerce. Il décide de ne jamais y retourner et tiendra parole. Il lui reste son imagination et sa production artistique n'est pas ralentie.

Remington fournit les images souhaitées par les lecteurs. Il n'a aucune curiosité ethnologique. L'Indien est un guerrier ennemi avec qui la communication est impossible.

The Buffalo Signal, huile sur toile 102 x 69 cm peinte en 1900, est un rare exemple dans lequel Remington exprime sa nostalgie. Pour faire un signal, un éclaireur Indien cabre son cheval et brandit une peau de buffle très haut au-dessus de sa tête. Un crâne de buffle est posé devant lui sur le sable. Le désert aride et le ciel sans nuage complètent cette ambiance typique qui anticipe les films de westerns.

Deux ans plus tard Remington utilise cette image comme frontispice d'un livre, avec le titre If Skulls could speak, une allusion directe aux cultures révolues de l'Ouest Américain, symbolisées par l'extinction des troupeaux de bisons.

La peinture a été vendue pour $ 4,4M incluant premium par Christie's le 29 novembre 2007. Elle est estimée $ 3M à vendre par Christie's à New York le 28 octobre, lot 16.

12 oct. 2020

Conversation avec les Tulipes

David Hockney revient de Californie en 1968. Dans les derniers mois de son séjour, il a développé une nouvelle spécialité, le portrait réaliste ou, selon ses propres termes, naturaliste. Il choisit ses modèles parmi les promoteurs de la culture. Quand ils sont par deux, homme et femme ou couple d'hommes, ils ne communiquent pas entre eux.

Hockney modernise l'art du portrait. Les personnages sont grandeur nature, et souvent strictement de profil. L'ameublement est contemporain. Le trait est net et précis et les couleurs sont claires et vives.

Sa réputation est désormais assurée. En 1971 il travaille sur une commande du Royal Opera House de Londres qui veut célébrer le départ à la retraite de Sir David Webster, l'Administrateur Général qui a réussi à donner une réputation mondiale au Royal Ballet et au Royal Opera.

L'artiste a besoin de bien connaître ses modèles pour réaliser leurs portraits. Il ne connaissait pas Webster, qu'il rencontre à plusieurs reprises pour ce projet. Cela ne mène à rien et la date de la cérémonie se rapproche. Comme pour une mise en scène de théâtre, Hockney transpose la figure de Webster dans son atelier et l'assied sur sa chaise de Mies van der Rohe. 

Le designer avait été photographié en 1964 sur une chaise similaire. Il fumait un cigare devant une table sur laquelle était posé un cendrier. Hockney ne fait pas fumer Webster et remplace le cendrier par un gros bouquet de tulipes dans un pot, peint avec un grand réalisme. Le personnage est rigide et inoccupé. Il ignore délibérément ce pot de fleurs qui personnifie l'artiste en symbolisant ses efforts avortés de communication empathique.

L'oeuvre répond aux besoins de l'Opera House et est inaugurée en présence du vieil homme, qui meurt quelques semaines plus tard. Après ce portrait psychologiquement glaçant, Hockney refuse ce type de commande.

Les organisations culturelles sont très durement touchées par la crise sanitaire de 2020. La Royal Opera House a un besoin pressant d'argent pour maintenir ses activités. Le portrait de Webster par Hockney, acrylique sur toile 153 x 185 cm, est estimé £ 11M à vendre par Christie's à Londres le 22 octobre, lot 108.

Une Utopie Décrépite

Après la guerre, il fallait reconstruire. Le Corbusier propose un nouveau concept à vocation sociale, l'Unité d'Habitation, plus connue sous le nom de Cité Radieuse. Le premier exemple, la Maison du Fada à Marseille, connait la célébrité.

Sur le même principe de barres d'immeubles abritant plus de 300 appartements, Le Corbusier construit à partir de 1959 en pleine forêt l'Unité d'Habitation de Briey, pour proposer une solution de logement à l'afflux des ouvriers en Lorraine. La récession du bassin minier et divers défauts de construction entraînent l'évacuation finale du bâtiment en 1983.

Le Corbusier est le symbole du modernisme social. Ses façades à la géométrie trop stricte évoquent les compositions de Mondrian. En 1991 l'Unité de Briey n'est plus qu'une oeuvre d'art abandonnée de 110 mètres de long, 56 mètres de haut et 19 mètres de large. Peter Doig visite le site avec un des groupes chargés de proposer une restauration et prend quelques photos au travers des arbres.

Pour le jeune artiste, l'Unité de Briey est une mémoire qui reconstitue un passé révolu. Le thème mêle l'art, le modernisme, la reconquête du site par la nature. Il commence sa série de neuf peintures de grand format intitulée Concrete Cabins. Au travers des arbres sombres, la barre n'a pas de perspective, dans une vision d'ensemble dynamique à la manière de Cézanne. Le mélange de techniques picturales est influencé par Richter.

Un des neuf opus montre une vue différente. A 300 mètres de la structure principale, le bâtiment de la chaufferie avait anticipé la désuétude de l'Unité. On ne se chauffe plus au charbon. La façade à deux niveaux est décrépite et les fenêtres sont béantes. Les cheminées ressemblent à deux cornes au-dessus de cette maison hagarde encore plus sinistre ou pitoyable dans la lumière vive. 

Cabin Boiler House, huile sur toile 200 x 275 cm peinte en 1993, sera vendue par Christie's à New York le 22 octobre, lot 110.

La barre et la chaufferie ont été inscrites à l'inventaire des monuments historiques avec le label Patrimoine du XXème siècle, respectivement en 1993 et 2007.

11 oct. 2020

Pablo dans l'Arène

Picasso a tout dit et tout fait. Dans sa carrière qui dura trois quarts de siècle, il fut le plus prolifique des artistes. Pourtant, sa vie privée est une longue suite de secrets. On ne saura jamais pourquoi en 1901 il a plongé tout d'un coup dans la période bleue, ni pourquoi Guernica a dérivé sur la torture morale de Dora Maar personnalisant la guerre.

Sa rencontre avec Marie-Thérèse en 1927 est un triomphe pour sa virilité. Il choisit une jeune femme par référence à un canon de beauté qui fera concurrence aux odalisques de Matisse, il lui demande de le suivre et elle se donne à lui de façon durable. Il est tellement fier qu'il se représente en une brute sexuelle, le Minotaure, dès le début des années 1930.

Comment a-t-il fait pour ne pas organiser ni même prévoir la suite ? Marie-Thérèse est enceinte et Olga le quitte. Au début de 1935 il est tellement décontenancé qu'il cesse de travailler.

Son redémarrage a lieu en juillet 1935, en pratiquant la gravure sur cuivre avec Roger Lacourière. Il doit se concentrer pour maîtriser cette technique, pour laquelle il conçoit une image qui synthétise ses interrogations sur les trois âges de la vie et sur la mort. Le monstre vient d'entrer dans l'arène, mais la petite fille avec la tête de Marie-Thérèse l'exorcise avec le plus grand calme en brandissant une bougie et apportant un bouquet.

L'état final de la Minotauromachie est le septième, en format 50 x 69 cm sur feuille 57 x 77 cm. Il est imprimé par Lacourière en 50 exemplaires plus environ 25 épreuves d'artistes non numérotés dont Picasso n'osera jamais se séparer, probablement parce que pour une fois il avait dévoilé ses sentiments les plus intimes.

Un exemplaire à pleines marges qui avait fait partie de sa succession a été vendu pour $ 2,1M incluant premium sur une estimation basse de $ 1M par Christie's le 16 novembre 2016, lot 42 B, et est estimé $ 1,2M à vendre par Sotheby's à New York le 22 octobre, lot 33.

10 oct. 2020

Un Monet pour 164 Rats

Banksy utilise la récupération d'images pour fustiger la société de consommation qui détruit l'environnement. Le plus souvent, il surcharge des chromos, comme avait fait Duchamp pour LHOOQ.

Réalisée en 2005, Show me the Monet, huile sur toile dans un cadre d'artiste 143 x 143 cm, est une exception pour l'époque : l'oeuvre a été entièrement peinte par l'artiste. Le titre fustige le détournement de l'art par le capitalisme.

Des symboles de la négligence et du vandalisme modernes ont été ajoutés devant le pont Japonais. Au premier plan, un cône orange fluorescent signale que les ordures de la vie moderne viennent polluer les sites les plus idylliques. Deux caddies de supermarché sont échoués parmi les nymphéas.

Cette oeuvre fut une des pièces maîtresses d'une exposition intitulée Crude Oils, un autre jeu de mots mêlant explicitement le capitalisme et l'art. Une des oeuvres les plus célèbres de Banksy, la Marilyn de Warhol avec le visage de Kate Moss, est également dévoilée à cette exposition.

Crude Oils se tient à Londres en octobre 2005 dans une boutique désaffectée. L'entrée est libre, sauf que les visiteurs doivent signer avant d'entrer leur acceptation de la présence des 164 rats qui errent en toute liberté dans les locaux. Ces rongeurs avaient été loués par l'artiste à une société d'accessoires de théâtre.

Show me the Monet est estimé £ 3M à vendre le 21 octobre à Londres par Sotheby's, lot 106. La maison de ventes affirme qu'aucun rat n'est prévu dans leur exposition. Le cadre d'artiste n'est peut-être pas truqué mais son épaisseur n'est pas indiquée au catalogue.

La Tricherie du Zèbre

En 1964 un critique d'art désigne sous le nom d'Op Art l'application des illusions d'optique à l'art abstrait. L'année précédente avec son oeuvre séminale intitulée Continuum, Bridget Riley enfermait ses visiteurs à l'intérieur d'un mur spiralé décoré de denses réseaux de stries en noir et blanc. 

La perception visuelle n'est pas une simple application de la géométrie. On a récemment découvert que les rayures du zèbre lui servent à brouiller la vision des taons qui ne perçoivent plus leur distance à sa peau. Vasarely a utilisé dès 1938 cet effet. Dans une vue en deux dimensions, le contour séparant deux zèbres disparaît.

Riley étudie sur des esquisses l'effet visuel créé par l'espacement de ses éléments : le carré, la ligne droite ou ondulée, le zig zag. Inspirée par l'art de Pollock, elle ne modifie pas les formes aux limites. Elle sera plus tard une spécialiste de l'interprétation de Mondrian. A partir de 1967 elle brouille de façon similaire la perception des couleurs.

Une de ses dernières oeuvres en noir et blanc, peinte en 1966, montre une onde infiniment répétée sur une surface carrée. L'effet est extrême. Le spectateur voit de loin que les courbes sont parfaitement alignées dans la diagonale mais la perception des axes se transforme en une pulsation dé-focalisée quand il s'approche de l'image.

Cette oeuvre sur panneau 130 x 130 cm a été vendue pour £ 1,18M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2006 sur une estimation basse de £ 300K et pour £ 4,3M incluant premium par Christie's le 30 juin 2016 sur une estimation basse de £ 2,5M. Elle est estimée £ 5,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 21 octobre, lot 123

L'art de Riley suscite depuis vingt ans un intérêt croissant, avec de nombreuses expositions.

9 oct. 2020

Repos Héliographique

En 1851 la photographie n'est plus une simple curiosité technique. Le gouvernement français, représenté par la Commission des Monuments Historiques, veut s'en servir pour enregistrer l'image de monuments avant de les restaurer.

Cinq photographes sont choisis parmi les membres de la Société Héliographique, créée en janvier 1851. Les monuments à photographier leur sont assignés avec une répartition en cinq régions. Le Gray et Mestral regroupent leurs missions et travaillent ensemble.

Ce beau projet suscite l'enthousiasme de la Société Héliographique, très heureuse de cet encouragement aux grands formats avec une confrontation des procédés négatifs, pour lesquels Le Gray, Mestral et Le Secq utilisent le papier ciré, Baldus le papier gélatine et Bayard le verre albuminé. Le Gray est capable d'effectuer 30 photos de haute qualité en un seul jour.

La Commission avait un but d'inventaire et de préservation des monuments et n'est pas sensible à la qualité artistique, créant une intense frustration à la Société Héliographique. En 1965 André Jammes retrouve les négatifs dans les tiroirs du gouvernement. Le projet est désormais identifié sous le nom de Mission Héliographique.

Sur leur parcours, les photographes ont aussi travaillé pour leur usage privé. L'auto-portrait par Le Gray dans le cloître gothique d'Arles-sur-Tech dans le département des Pyrénées Orientales est un des très rares exemples figurant un personnage. Il a certainement été pris avec l'assistance de Mestral.

La technique de Le Gray est la plus avancée mais ne permet pas encore les vues instantanées. L'homme est dans une position de repos entre deux piliers sous la très haute arche. Curieusement le haut du visage est dans l'ombre du chapeau.

Un tirage positif 34 x 25 cm sur papier salé non monté a été vendu pour € 500K incluant premium par Pierre Bergé et Associés le 19 mars 2015, lot 101. Il était à l'époque le seul tirage connu de cette vue. Un autre positif de même technique et dimension a fait surface. La photo dont le bord bas est manquant est montée sur un vélin fort 45 x 31 cm. Elle est estimée € 140K à vendre le 16 octobre à Paris, Hôtel Drouot, par Eric Caudron, lot 14 ici lié sur drouot.com.


8 oct. 2020

Adieu à la Lune

L'alunissage est réussi par la NASA dès la première tentative, avec Apollo 11. La démonstration de la puissance technologique des Etats-Unis est faite. Les restrictions budgétaires vont commencer. Dès 1970 la fabrication de la fusée Saturn V est stoppée et les missions Apollo 18, 19 et 20 sont annulées.

En décembre 1972 la dernière mission du programme, Apollo 17, n'est pas tout à fait comme les autres. La zone d'alunissage est un cratère escarpé d'environ 80 mètres dans lequel l'impact de l'astéroïde a pu révéler un phénomène volcanique. Sous la pression de la communauté scientifique, Harrison Schmitt est le premier et dernier géologue professionnel à marcher sur la Lune.

Cette mission est aussi la plus ambitieuse, avec un séjour de 75 heures sur la Lune incluant trois sorties extra-véhiculaires (EVA) pour un total cumulé de 22 heures, un parcours cumulé du Lunar Roving Vehicle de 36 km, un éloignement maximum de 7,6 km et 9 stations à visiter.

La présence de l'homme sur le sol lunaire s'achève par une petite cérémonie au cours de laquelle Eugene Cernan, le commandant de la mission, lit un message du président Nixon et ajoute ses propres voeux de paix et d'espoir pour toute l'humanité, faisant ainsi un écho final au "grand pas" d'Armstrong.

Les EVA ne sont pas des sorties libres. Elles sont définies par un carnet spiralé avec des pages en plastique, relié au poignet de l'astronaute par une bande velcro, nommé l'EVA cuff checklist. Ce document planifie les actions et leur durée à la minute près. Celles d'Apollo 17 incluent pour la première fois des cartes des sites à explorer.

La cuff checklist de Dave Scott sur Apollo 15 a été vendue pour $ 365K incluant premium par RR en novembre 2012. La cuff checklist des EVA 2 et 3 de Charles Duke sur Apollo 16 a été vendue pour $ 206K incluant premium par Bonhams le 16 juillet 2009.

Cernan avait conservé les trois cuff checklists de sa mission lunaire. Dans une vente en ligne qui se termine le 15 octobre, RR vend la checklist de sa 3ème et ultime EVA, lot 4001 estimé $ 800K, provenant de sa succession.

Cette pièce est constituée de 25 feuilles recto-verso 9 x 6,4 cm souillées par la poussière lunaire et a conservé son velcro noir d'origine. Dans la tradition du programme Apollo, l'équipage de réserve a inclus deux dessins humoristiques : deux chiens astronautes disent "Houston won't believe this" devant un os servant de drapeau. La dernière page qui était blanche a été utilisée par Cernan pour une courte note autographe préparant son message de paix.

Groupe en Schiste du Gandhara

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Au 2ème siècle BCE le Gandhara, dont la capitale était Peshawar, était l'extrémité orientale du monde hellénistique. Dans cette région les cultures grecque et bouddhiste se sont mêlées.

Autour du 1er siècle CE, le Bouddhisme définit les 32 caractéristiques de la représentation figurative de Bouddha pour donner aux fidèles des repères visuels facilitant l'interprétation. Les sculpteurs du Gandhara délaissent progressivement les figures grecques pour illustrer dans le schiste les scènes de la vie de Bouddha. Un Bouddha ascétique de l'épisode du jeûne a été vendu pour $ 4,45M incluant premium par Christie's le 22 mars 2011.

Une stèle en schiste gris 62 x 59 cm a fait surface en 1973. Cinq déités sont abritées sous un luxuriant arbre de Bouddha, avec des échelles variant selon leur importance dans le canon bouddhique. Le personnage central est le Bouddha Shakyamuni de la période de la prédication, assis sur des pétales de lotus. Il est flanqué par les bodhisattvas Avalokiteshvara et Maitreya. Avalokiteshvara est reconnaissable à la minuscule figure de Bouddha lovée dans sa couronne. Derrière eux, deux petits adorants sont respectivement Brahma et Indra.

Tous ces personnages ont été ciselés en relief dans la stèle. La très habile composition donne la parfaite illusion d'une sculpture en ronde bosse. Dans le style grec, les visages sont réalistes et les attitudes sont souples.

Cette stèle porte une inscription. Elle est datée du 5ème jour du mois de Phalguna de l'an 5 d'une période qui n'a pas été identifiée, entre la fin du 1er siècle et le 5ème siècle CE. Le donateur, nommé Buddhananda, a été instruit dans les trois paniers (pitakas), couvrant à cette époque l'ensemble des textes sacrés, et il dédie l'oeuvre à ses parents.

La sculpture est en excellent état, à part le fait que trois des quatre avant-bras porteurs d'offrandes des bodhisattvas sont manquants. Elle a été vendue pour $ 6,6M incluant premium par Christie's le 23 septembre 2020, lot 609.

5 oct. 2020

Les Cultures Perdues d'Amérique du Nord

Le prince naturaliste allemand Maximilian zu Wied-Neuwied a réalisé deux voyages d'exploration. Il étudie les reptiles du Brésil de 1815 à 1817. Son récit de voyage est illustré par lui-même. Surtout, il a observé les tribus avec une curiosité ethnographique.

En 1803 Meriwether Lewis avait descendu le Missouri dans une mission pour le président Jefferson qui venait d'acheter la Louisiane à Napoléon. Pour son second grand voyage, Wied-Neuwied choisit cette région. Les Plaines sont peuplées de tribus semi-nomades dont la vie est déjà transformée par le commerce des fourrures.

Wied-Neuwied veut comparer les tribus Indiennes d'Amérique du Nord à celles du Brésil. Il embauche Karl Bodmer pour illustrer son voyage. Au printemps 1833 l'indispensable collecte des reptiles et des amphibiens est terminée. Wied-Neuwied et Bodmer remontent la rivière Missouri par vapeur puis par keelboat jusqu'au Montana, passent l'hiver 1833-1834 dans le Dakota et reviennent à St. Louis en mai 1834.

Wied-Neuwied n'est pas pressé de publier son voyage et la préparation de son livre est extrêmement soignée. Bodmer réalise à partir de ses esquisses 81 gravures sur bois, 61 x 46 cm incluant les marges, qui formeront un volume séparé. L'impression des planches est réalisée à Paris. Quelques exemplaires sont colorés à la main, en général pour une trentaine de planches sélectionnées, très rarement pour la totalité. Deux versions existent : en allemand de 1839 à 1841 et en français de 1840 à 1843.

Une édition anglaise est préparée en 1843 avec un texte simplifié, en utilisant des tirages encore disponibles des planches originales qui sont mises en couleurs à la main à Londres. Le traducteur note que plusieurs tribus décrites dans l'ouvrage ont été anéanties par la variole en 1837 : le travail de Wied-Neuwied et Bodmer est déjà le témoignage d'un passé révolu.

Un exemplaire entièrement coloré de ce livre intitulé Travels in the Interior of North America est estimé $ 400K à vendre par Sotheby's à New York le 15 octobre, lot 22.


4 oct. 2020

La Prière du 18 Décembre

En 1620 les pionniers du Mayflower étaient des Pèlerins qui voyaient l'action de Dieu dans leur vie quotidienne. L'abondance d'une récolte, une victoire contre une tribu native, la fin d'une épidémie étaient célébrées par des actions de grâce.

Après la Déclaration d'Indépendance, les Britanniques tentent non sans succès de rétablir leur pouvoir. La capitale Philadelphie est assiégée et le Congrès Continental est transféré à York PA. La reddition de l'armée Britannique à Saratoga le 17 octobre 1777 est un retournement décisif de la situation.

Le Congrès organise le remerciement à Dieu, par une proclamation confiée à Samuel Adams. L'acte du Congrès du 1er novembre définit le jeudi 18 décembre 1777 comme une journée nationale de Thanksgiving and Praise.

Les décisions concernant la population sont affichées à cette époque sous forme de broadsides. Un broadside annonçant Thanksgiving a très probablement été émis à York mais aucun exemplaire n'est connu. Les broadsides imprimés à Lancaster PA et dans les états de New Hampshire et Connecticut sont d'une extrême rareté.

Le 27 novembre, le Massachusetts adopte la recommandation du Continental Congrès. Le broadside imprimé à Boston ajoute sous la signature dactylographiée du président du Congrès la résolution du Council Chamber du Massachusetts qui appelle les ministres et le peuple à célébrer ce Thanksgiving à la date requise par le Congrès.

Un exemplaire 42 x 33 cm de ce très rare broadside de Boston est estimé $ 500K à vendre en ligne par Christie's le 16 octobre, lot 36.

3 oct. 2020

Jolies Femmes des Années Folles

Tamara de Lempicka a su se propulser dans la haute société Parisienne par ses talents de portraitiste. Elle exprime résolument l'envie de bien vivre des Années Folles, quand les peaux des femmes commencent à se dévoiler. Les femmes de ses peintures sont nettes et saines, dans des couleurs chaudes et des courbes plaisantes qui attirent les partenaires. Elles sont dans leur époque même quand elles sont nues, par la coiffure au carré, le rouge à lèvres et les ongles, et aussi par la fière assurance de leur attitude.

Elle n'a pas de tabou sexuel et est elle-même une jolie femme que ses admirateurs aiment comparer à Garbo. A côté de ses portraits mondains, elle peint des femmes anonymes qui sont souvent des autoportraits ou des portraits de ses amantes préférées, Ira et Rafaela.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend Les Jeunes femmes, huile sur panneau 73 x 38 cm peinte en 1930, lot 29 estimé $ 6M. Cette oeuvre est aussi intitulée Les deux amies par assimilation avec les couples de femmes par Toulouse-Lautrec.

Elles sont nues. Le léger clair obscur montre qu'elles sont dehors. La brune est accoudée sur une rambarde sur laquelle la blonde est assise, occupant une position dominante. Malgré leur proximité physique, leur intimité n'est pas sexuelle sur cette image. Toutes deux regardent quelque chose qui est en train de se passer sous leur balcon.

La ressemblance de la blonde avec Tamara semble évidente. La brune, dont le visage n'est pas visible, est peut-être Ira.

2 oct. 2020

Réponse de Lincoln à la Pétition des Enfants

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L'abolition de l'esclavage est la question majeure de la présidence de Lincoln et de la Guerre de Sécession. Proclamée par un executive order du 22 septembre 1862, elle est un acte politique basé sur l'interprétation que l'esclavage est une non-conformité par rapport à la Constitution des Etats-Unis. L'application prend du retard et les anti-esclavagistes s'impatientent.

Le Président recevait énormément de courrier qui était soigneusement traité par ses secrétaires. Au milieu des demandes de faveurs, il est ému par une lettre que lui a transmise en avril 1864 Charles Sumner, sénateur du Massachusetts, plus radical que lui pour une émancipation immédiate.

La lettre est une pétition d'enfants établie et annotée par Mrs Mann, une veuve qui avait fondé une école à Concord MA. 195 garçons et filles de moins de 18 ans ont inscrit leur nom sous un texte simple et court : "Children's Petition to the President asking him to free all the little slave children in this country".

Le Président prépare un brouillon autographe, qui est conservé à la Library of Congress. Il répond à Mrs Mann : "Please tell these little people I am very glad their young hearts are so full of just and generous sympathy, and that, while I have not the power to grant all they ask, I trust they will remember that God has, and that, as it seems, He wills to do it".

Cette lettre est très importante pour le Président, qui copie lui-même son brouillon sur une page 8 x 5 inches à en-tête de l'Executive Mansion à Washington. Datée du 5 avril 1864, la lettre est adressée à Mrs Mann à qui elle est transmise par les bons soins du Sénateur. Elle a été vendue pour $ 3,4M incluant premium par Sotheby's le 3 avril 2008, lot 85.

Le 20 avril, Mrs Mann remercie le Président de ses mots aimables à l'attention des enfants, pour qui elle va faire préparer des fac-similés remplaçant par précaution son nom à elle par l'identification du lieu d'origine, Concord MA. Elle insiste dans sa demande abolitionniste en interpelant courtoisement le Président : "You who can hasten it must be the happiest of men, for in saving the colored man you will feel that you are doing equal service to the white man".

1 oct. 2020

Orage sur la Baltique

Les conditions extrêmes exacerbent les sentiments des hommes du Nord. Emil Nolde est né près d'un village du Schleswig-Holstein, dans une zone frontalière entre l'Allemagne et le Danemark. Il n'est pas un coloriste symbolique comme Marc ou Kandinsky : il exprime les couleurs avec une intensité exacerbée par sa foi religieuse, dépassant les Fauvistes. 

La nature est plus belle quand elle est hostile. Ses cieux d'orage sont aussi menaçants que le terrible ciel rouge du Cri de Munch. Les vagues tendent vers l'abstraction comme avaient fait les tempêtes alpestres de Strindberg. Cet extrémisme des formes et des couleurs est aussi inspiré de van Gogh.

Nolde n'a pas réussi à s'intégrer aux mouvements expressionnistes Berlinois. Frustré et déçu, il se retrouve face à la mer Baltique dans sa chère île d'Als. Il peint aux automnes 1910 et 1911 une série de 20 scènes de houle abstraites et cinglantes intitulée Herbstmeer.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend Herbstmeer XVI, lot 10 estimé $ 6M, huile sur toile 74 x 89 cm peinte en 1911, dans son cadre d'artiste 93 x 108 cm. Les nuages forment une spirale jaune déchiquetée sur un fond violet.

L'expressionnisme primordial et vigoureux de Nolde plaisait à Goebbels, d'autant plus que l'artiste appartenait à la section Danoise du National-Socialisme. Il fut cependant un des principaux artistes "dégénérés" vilipendés par Hitler et son art n'échappa pas aux confiscations.


One Man Basketball

Michael Jordan était très attendu pour la saison 1986-87. Il avait été en 1984-85 le meilleur rookie de la NBA depuis Kareem Abdul-Jabbar mais la saison suivante avait été gâchée par une fracture du pied.

Les supporters sont satisfaits : 1986-87 restera comme la meilleure saison de sa prodigieuse carrière. Il rejoint Wilt Chamberlain avec plus de 3000 points marqués en une seule saison. Sa moyenne est de 37 points par match et il marque 40 points ou plus pendant 9 matchs consécutifs. C'est pendant la même saison qu'il devient aussi le meilleur défenseur de tous les temps, avec 200 interceptions et 100 contres.

Le 16 avril 1987, pour le dernier match à domicile, le champion des Chicago Bulls marque 61 points. Cinq jours plus tard, un ami reçoit par la poste son home jersey et son short, encore humides et odorants. Cet uniforme est estimé $ 300K à vendre en ligne par Heritage le 3 octobre, lot 53324.

Le maillot n'est pas un équipement critique pour un joueur de basketball, contrairement aux chaussures. Les joueurs n'utilisent pas plus de deux home jerseys pour toute la saison. 

Le photo-matching ne peut pas être complet pour cette époque parce que les photographies sont moins nombreuses qu'aujourd'hui. L'utilisation de ce maillot a été certifié par les experts de Resolution Photomatching pour cinq matchs du 4 novembre 1986 au 29 mars 1987 et celle du short pour deux matchs, les 4 et 8 novembre 1986. De nombreux autres cas d'utilisation sont probables.

En 1984 Sports Illustrated avait consacré une couverture à Jordan avec le titre A Star is born. Le 17 novembre 1986, le magazine glorifie Jordan par le titre One-Man Gang. La photo de couverture a été prise le 4 novembre pendant le premier des matchs photo-matchés de l'uniforme qui vient en vente.

30 sept. 2020

Claustrophobie

De Guernica à l'Occupation Nazie, Dora Maar est une Cassandre pour Picasso. Il a choisi en 1940 de rester à Paris mais il se sait menacé. Il vit en confinement avec sa muse, qu'il adore physiquement mais qui devient une fois de plus le symbole de la résistance à l'horreur, voire même tout simplement le symbole de l'horreur.

Dora devient par la force des choses son seul modèle et son principal thème. Un dessin 27 x 22 cm vendu pour € 52K incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2016 est typique de cette dérive morbide. Le visage de Dora est une double boursouflure où le nez et la bouche prennent des directions divergentes. Le temps de l'utilisation cubiste d'un double angle de vue pour donner une nouvelle vigueur à l'image est périmé. 

Picasso marque son instabilité d'une façon inhabituelle en changeant la date par une rature, de 7 mai 1941 à 7 juin 1941. Il ne maîtrise plus le temps. On ne saura pas si Dora Maar au Chat, incluant l'animal qui symbolise les dangers du monde extérieur, a été peint avant ou après cette frénésie anxieuse de juin 1941.

La nouvelle configuration du visage répond aux angoisses de Picasso qui a décidément peu de respect pour Dora. Il commence une série d'huiles sur toile sur lesquelles les autres attributs habituels de Dora sont maintenus : la longue chevelure noire, le chapeau tricorne, le sourire malgré l'adversité. Il l'enferme sur un fauteuil qui symbolisera la liberté si un jour elle parvient à s'échapper et qui anticipe les Papes impuissants de Bacon. Le nez, qui prend son autonomie dans ce désastre, a été comparé au museau du chien ou à une trompe d'éléphant.

Tête, 61 x 38 cm, peinte le 13 juin, a été vendue pour $ 9,2M CAD incluant premium par Heffel le 20 novembre 2019. Femme dans un fauteuil, huile sur toile 130 x 97 cm peinte le 19 juin 1941, est estimée $ 20M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 8.

Le malaise persiste avec très peu de variations, ce qui est contraire à la vitalité créative habituelle de l'artiste. Femme assise dans un fauteuil, 92 x 73 cm, 23 octobre 1941, a été vendue pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 2 mai 2012. Femme dans un fauteuil, 92 x 73 cm, 24 avril 1942, a été vendue pour £ 19,4M incluant premium par Christie's le 20 juin 2018. Portrait de femme, huile sur panneau 100 x 80 cm, 5 août 1942, a été vendue pour $ 22,6M incluant premium par Christie's le 6 mai 2014.

Le tweet montre un détail de l'image.

Paysage du Corps

Pour compenser la désillusion de Sanyu après l'annulation d'une exposition solo à Taipei qui aurait pu assurer sa notoriété internationale, Natacha et Etienne Lévy organisent une exposition privée dans leur résidence à Paris du 17 au 21 décembre 1965.

La carte d'invitation est illustrée du Nu le plus novateur de l'artiste. La femme nue est couchée, les jambes au premier plan. La jambe droite est levée, occupant toute la hauteur de l'image comme un pic rocheux dans un paysage traditionnel chinois. Les seins et la tête constituent un horizon de collines. Cette métaphore est perçue plus nettement quand on considère le déhanchement de la jambe levée et l'éloignement apparent de la tête.

Annotée d'un commentaire autographe nostalgique daté avril 1965, cette huile sur isorel 123 x 135 cm a été considérée comme son ultime chef d'oeuvre. Elle a été vendue pour HK$ 198M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2019.

La famille Lévy a conservé des photos de cet évènement. Leur ami Sanyu apparaît sur une photo devant un autre nu de la même femme, peint dans le même style minimaliste et à la même échelle, avec une peau quasiment monochrome dans d'épais contours noirs sur un fond vide.

Dans cette image, la jambe gauche est levée et le pied gauche est posé en fleuron sur le genou droit. Le contour des jambes et des fesses forment désormais un carré, dans un ultime raffinement chinois qui évoque le yin et le yang. Les seins et la tête apparaissent maintenant au travers d'une ouverture triangulaire entre les jambes. Cette oeuvre non datée est très certainement un prolongement de la version d'avril 1965.

Cette huile sur isorel 125 x 95 cm sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre 2020, lot 1016.


29 sept. 2020

Le Roi des Badlands

Les découvertes successives de squelettes fossiles de tyrannosaures permettent de mieux comprendre les caractéristiques de cette bête qui vivait à la fin du Crétacé juste avant la catastrophe finale de cette ère il y a 66 millions d'années. Stan est un des spécimens qui ont apporté le plus d'éléments à ces analyses.

Il faut se rendre à l'évidence : le tyrannosaure, lointain successeur de l'allosaure, avait des caractéristiques bien plus efficaces que l'être humain, en termes de vue et odorat, de vitesse de course, de force et d'appétit. Je n'ai pas d'informations sur son intelligence. 

Les gisements sont surtout concentrés sur la Hell Creek Formation, un continent insulaire aux limites du Montana, des Dakotas et du Wyoming. La répartition de l'espèce était certainement plus vaste, mais les marécages de ces Badlands ont limité à l'origine la dispersion des squelettes et offert de bonnes conditions de fossilisation. Plus de 50 spécimens ont été trouvés.

Hell Creek est connue depuis le début du XXème siècle comme un réservoir de tyrannosaures. C'est un prospecteur amateur qui découvre en 1987 les os de hanche d'un spécimen à qui on donnera son propre prénom, Stan. Une erreur d'interprétation paléontologique retarde les analyses. L'excavation a nécessité 30 000 heures de travail entre 1992 et 1995. Ce tyrannosaure mâle environ 70 % complet en masse est un des plus grands spécimens, mesurant 11,3 m entre le museau et le bout de la queue.

Les traces sur les os donnent de précieux renseignements sur la vie des animaux préhistoriques. Stan porte des lésions créée par les dents d'autres tyrannosaures. Une fracture du cou avait été guérie par fusion des deux vertèbres blessées. Il a mangé juste avant sa mort un edmontosaure et un triceratops. A notre époque il joue les vedettes avec plus de 60 moulages complets utilisés dans les musées et les expositions.

Le fossile comprend 188 pièces originales sur les 350 os d'un animal complet. Le crâne est presque parfait. Les éléments manquants sont représentés par des moulages. Il sera vendu sans prix de réserve par Christie's à New York le 6 octobre, lot 59 estimé $ 6M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Stan mérite une notoriété similaire à Sue, le tyrannosaure mâle de 12,30 m de long trouvé par une lady nommée Sue en 1990, qui a été vendu pour $ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 4 octobre 1997.



28 sept. 2020

Neige avec Mao

En 1949, au moment de la création de la République Populaire de Chine, Wu Guanzhong est à Paris où il étudie l'art moderne et se familiarise avec la peinture à l'huile. Son retour est enthousiaste : il pourra apporter ses nouvelles compétences en Chine.

En 1966 la Révolution Culturelle interdit à Wu de peindre. Un peu plus tard une rééducation lui est imposée. Il ne résiste pas, parce que son ambition n'était pas politique. Quand on a à nouveau besoin de son art, en 1972, il reprend ses pinceaux sans exprimer de rancune.

Le Président Mao vieillit et son régime devient moins restrictif. Wu peut désormais devenir un artiste résolument moderne, par la diversité de ses thèmes, l'équilibre subtil entre le réalisme et la géométrie et entre le goût traditionnel chinois et les techniques picturales occidentales.

Une huile sur panneau 72 x 160 cm peinte en 1973, une grande dimension pour cette période, est peut-être un démonstrateur de son savoir-faire. Par prudence, le thème est résolument Maoïste. Li Keran, qui avait été également persécuté par la Révolution Culturelle, suivra bientôt une trajectoire similaire.

La peinture de Wu, intitulée Paysage de la Chine du Nord, est basée sur Neige, le plus célèbre poème de Mao, qui commence par glorifier la puissance de la nature avant de déclarer que son régime fera mieux que les plus grands empereurs. L'image de Wu est chargée de symboles : la neige immaculée qui couvre les montagnes, la vivacité protectrice du pin, la ligne sans fin de la Grande Muraille. Une locomotive à vapeur, qui n'était pas prévue par le poème, illustre le progrès technique.

Cette peinture a été vendue pour HK$ 32M incluant premium par Christie's le 27 mai 2007. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 1013.

En 1979 Wu est un des artistes commissionnés pour peindre les décorations murales de l'aéroport de Beijing. Il réalise une version de 6 m de large de ce paysage qui restait politiquement correct trois ans après la mort du Grand Timonier.


La Peinture Automatique

Jackson Pollock passe sa jeunesse dans l'Ouest Américain. Sa créativité exacerbée ne retient rien de la peinture conventionnelle. Bien au contraire, il trouve ses influences avec les figures de sable des Navajos, les peintures murales mexicaines et l'écriture automatique des poètes surréalistes français.

Arrivé à New York en 1930 à l'âge de 18 ans, il est attentif à toutes les originalités. Il assiste à une démonstration d'utilisation de peinture liquide par Siqueiros et voit les réseaux de Janet Sobel couvrant toute la surface de l'image sans interruption au cadre.

Peggy Guggenheim ouvre en 1942 à New York sa galerie judicieusement nommée Art of this Century. Elle est vivement intéressée par la synthèse d'influences disparates pratiquée par Pollock. Dans la grande ville, l'artiste ne peut pas résoudre ses problèmes sociaux. Son installation avec sa femme Lee Krasner dans une grange au fin fond de Long Island à la fin de 1945 lui permet enfin de développer son propre langage artistique.

Il améliore sa technique tout au long de 1946, et abandonne sa figuration stylisée. Voulant travailler sur une surface dure, il utilise l'isorel. Il commence à poser le pigment en impasto directement en sortie du tube et renonce progressivement au pinceau. Par commodité, il pose la surface à peindre directement sur le sol. 

L'utilisation de peinture liquide aspergée ou coulante est rendue possible par cette position du support. Sa main acquiert une liberté sans précédent. L'art de Pollock traduit son énergie subconsciente, tout comme la calligraphie chinoise est une transcription directe des émotions de l'artiste. Masson est cité avec Miro parmi les influences surréalistes de Pollock, mais on notera que les dessins automatiques de Michaux étaient influencés par la calligraphie chinoise.

La toute première oeuvre utilisant le dripping est peinte à la fin de 1946. La surface est rouge vif et les apports sont noir et blanc. Intitulée Free form, cette huile sur toile 49 x 36 cm est conservée au MoMA.

L'étape suivante est la diversification des couleurs. Une huile sur isorel 48 x 60 cm datée 1946 est peinte en jaune vif, bleu vif et noir par dripping et éclaboussures sur un fond du même rouge. Elle est estimée entre $ 12M et 18M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 5. Son premier propriétaire avait été Peggy Guggenheim. Elle est dé-accessionnée par l'Everson Art Museum à Syracuse NY pour recentrer sa collection sur la lutte contre les inégalités raciales et sexuelles.

Les danses musicalistes de Pollock autour d'oeuvres de grande dimension viendront peu après.

27 sept. 2020

Une Souriante Abstraction

La femme idéale est une obsession pour Willem de Kooning. Diverses solutions artistiques existent depuis la préhistoire, avec les Vénus paléolithiques et les idoles Cycladiques. Picasso a démontré l'inutilité du réalisme dans la configuration des corps.

De Kooning est un peintre abstrait, sous l'influence d'Arshile Gorky. Pour revenir à la femme et à la chair, il conçoit l'inverse de la déconstruction cubiste : les formes apparaissent en bousculant l'abstraction par des coups de pinceau d'une grande violence.

Woman I est exposée en 1953 après deux ans de travail. Elle suscite le scandale, sans même offrir l'humour dérangeant des Corps de Dames par Dubuffet. La nouvelle idole est debout avec un corps moche, horriblement proche de la réalité, en opposition totale avec les pin-ups de l'après-guerre.

Les réactions négatives confirment a contrario l'impact émotionnel de l'oeuvre. De Kooning continue la série dans la même année jusqu'à Woman VI, ainsi que de nombreux essais réalisés en parallèle. Woman (blue eyes), huile, émail et fusain 71 x 51 cm, a été vendu pour $ 19M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013 sur une estimation basse de $ 12M.

De Kooning est désormais reconnu comme le maître d'une nouvelle tendance figurative liée à l'expressionnisme abstrait. Il réalise de nouvelles expériences en 1955. La dérive de l'abstraction génère aussi le paysage, qui peut venir s'entremêler avec le corps de la femme. 

Woman as Landscape, huile et fusain sur toile 166 x 125 cm, a été vendu pour $ 69M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2018. Dans Interchange, qui contribua en 2016 à une des plus importantes transactions privées du marché de l'art, l'abstraction a généré le paysage qui a dérivé pour évoquer le corps d'une femme. Police Gazette est un paysage abstrait en perspective verticale.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend Woman (green), lot 7 estimé $ 20M. Cette huile et fusain sur toile 77 x 60 cm, sans doute commencée en 1953, a les principales caractéristiques des Woman I-VI. Terminée en 1955, elle humanise le personnage par un gentil sourire tout aussi dérangeant que les rictus grotesques des versions précédentes.

Un Rothko Abyssal

Les collectionneurs millionnaires Texans John et Dominique de Menil ont permis à Rothko d'atteindre l'aboutissement de sa démarche artistique. La Rothko Chapel, commencée en 1964, est conçue comme un lieu de méditation.

Rothko a toujours voulu que le visiteur soit mesmérisé par son oeuvre. Quand on tourne le dos au soleil, on ne l'oublie pas pour autant. Inspiré par les scènes de nuit de Rembrandt, il comprend que les couleurs sombres sont le meilleur vecteur de la méditation transcendantale.

Ce projet nécessite de porter une attention particulière à la lumière. Rothko aménage un nouvel atelier à New York, un peu inquiet toutefois quant à la différence de luminosité entre New York et Houston. Ses exigences concernant la lumière intérieure de la chapelle sont telles que l'architecte Philip Johnson doit renoncer.

Pour ses nuances sombres, Rothko invente des pigments dont personne n'avait eu besoin avant lui. Ses traditionnels mélanges de couches encore humides augmentent la subtilité de ses blocs, qui peuvent apparaître de loin comme monochromes mais ne le sont absolument pas. De Menil décrira cet ensemble comme une impénétrable forteresse abstraite au seuil du divin.

Rothko vieillit. Bientôt il ne peut plus peindre lui-même sur ses grandes toiles et doit superviser des assistants. Contrairement aux Seagram Murals, il va jusqu'au bout de ce projet. La quatorzième et dernière toile pour la Rothko Chapel est prête en 1967. Sa carrière est interrompue au début de l'année suivante par une ruture d'anévrisme dont il guérira partiellement. Les peintures seront installées dans la chapelle en 1971, un an après sa mort.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend une huile sur toile 173 x 153 cm peinte en 1967 dans le style de la Rothko Chapel, lot 11 estimé $ 30M. L'image est composée de deux registres avec diverses nuances de rouge foncé. Le bloc du haut est irradiant. Le bloc du bas, plus petit et plus sombre, absorbe la lumière à une place que l'artiste avait parfois aimé réserver à un blanc aveuglant.


26 sept. 2020

Petit Déjeuner aux Lauves

Paul Cézanne, comme les vieux maîtres hollandais, utilise la nature morte pour exprimer la lumière. Son atelier des Lauves, aménagé en 1902, est bien éclairé par la lumière du matin. Les objets hétéroclites attendent sur une étagère le rôle que le maître voudra bien leur donner. Il ne peut pas travailler par imagination ou par construction spontanée : il choisit à l'avance les éléments de son prochain assemblage et détermine la distance et la perspective.

Il est un perfectionniste de la projection géométrique. Le papier est plat mais les fruits sont des volumes que la lumière atteint par leur milieu. Les ustensiles du petit déjeuner, comme la théière ou le sucrier, sont également convexes.

L'oeuvre commence par un dessin des contours sur une feuille de papier. Chaque surface est remplie par les couleurs qui traduisent les zones d'éclairement sans se chevaucher. Cette phase devrait être intermédiaire mais Cézanne n'est jamais satisfait : le produit fini, qui est l'huile sur toile, devient très rare. Ses rares visiteurs, comme Emile Bernard, sont décontenancés par la complexité et la lenteur de son processus créatif. Sa réinterprétation de la nature est tellement novatrice qu'il a créé l'art moderne.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend au lot 13 une nature morte à l'aquarelle et gouache réalisée dans le plus grand format de papier utilisé par l'artiste, 48 x 62 cm. Le point focal est le melon vert, par sa couleur vive et sa position centrale sur l'image. Il est pourtant posé de l'autre côté de la table, partiellement caché par le pot à lait et le sucrier. Le communiqué de presse du 26 août annonce une estimation autour de $ 25M.

Une aquarelle 32 x 48 cm de la même période a été vendue pour $ 25,5M incluant premium par Sotheby's le 8 mai 2007 sur une estimation basse de $ 14M. Cette nature morte en gros plan est focalisée dans des conditions similaires sur un melon vert derrière un gobelet.

Apesanteur à Bolsena

Cy Twombly aime trouver l'inspiration en Italie. En 1969 il passe l'été dans un palais Renaissance au-dessus du lac de Bolsena, où il s'isole pour approfondir sa recherche sur la génération primordiale de l'énergie humaine par le mouvement. Il travaille à la peinture industrielle, mine de plomb ou graphite, crayon à cire et parfois crayon feutre sur des toiles 200 x 240 cm.

A son arrivée à Bolsena en mai, il tente de réinterpréter ses tableaux noirs sans la pseudo-écriture en boucles. Le résultat est plutôt austère. Un opus a été vendu pour $ 6,2M incluant premium par Phillips de Pury le 10 mai 2012.

Il trouve soudain, comme tout le monde pendant cet été, un intérêt intense pour la mission lunaire Apollo 11. Renonçant temporairement au fond noir, il répartit ses formes flottantes sur un fond crème ou faux blanc. Des rectangles et des chiffres remplacent dans cette cascade ses habituels graffitis des passions antiques.

Quatorze Untitled (Bolsena) répondent à cette nouvelle tendance. L'un d'eux est daté très précisément du 10 juillet 1969, pendant la phase de préparation de la fusée. Il a été vendu pour $ 43M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015. Un autre a été vendu pour $ 15,4M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Un autre opus de la même série est estimé $ 35M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 16.

25 sept. 2020

La Grande Vague par Hokusai

VENTES PASSEES

Hokusai divisait sa propre carrière par périodes. Il considérait que son art devait s'améliorer de façon continue jusqu'à atteindre un niveau divin à l'âge de 110 ans, qu'il n'atteignit évidemment pas. En 1820 CE, quand l'illustration devient sa principale préoccupation, il est Iitsu. Le nom de la phase suivante, qui commence en 1834, montre son enthousiasme : il est Gakyo Rojin Manji, le vieillard fou de dessin.

Commencée en 1831 à l'âge de 71 ans, la série d'estampes 26 x 38 cm intitulée 36 vues du Mont Fuji est son oeuvre la plus ambitieuse, qui inclura non pas 36 planches mais 46. La montagne sacrée est montrée sur toutes ses faces, à toute heure, par tous les temps, en toutes saisons, avec une interprétation de la perspective qui est nouvelle dans l'art japonais. Elle occupe une section plus ou moins grande sur l'horizon et est presque toujours confrontée à une occupation humaine. Cette série ne doit pas être confondue avec la suite, les 100 vues du Mont Fuji, préparées de 1834 à 1840.

La gravure sur bois était effectuée par un artisan spécialisé qui ciselait le bois au travers du dessin. Le dessin d'origine était perdu et les épreuves s'affaiblissaient de façon irrémédiable au fur et à mesure de la production. Les catalogueurs des maisons de vente ne parviennent manifestement pas à détecter les plus fines impressions.

Les trois premiers opus de la première série sont des chefs d'oeuvre, par l'équilibre de la composition basée sur une géométrie stricte, la beauté du bleu de Prusse récemment importé au Japon, et la dimension émotionnelle.

Le tout premier est la Grande Vague au large de Kanagawa. Une vague gigantesque enserre des barques de pêcheurs tout en rejetant l'écume et l'embrun sur toute la surface de l'image. Elle a la forme d'une double virgule simulant le yin et le yang, dans le fond de laquelle le mont Fuji est posé comme une divinité impassible à la perdition des hommes. Cette vague est un monstre naturel qui inspira probablement la Nuit étoilée de van Gogh.

Un exemplaire de la Grande Vague a été vendu pour $ 1,1M incluant premium par Christie's le 22 septembre 2020 sur une estimation basse de $ 150K, lot 117.

Un exemplaire du second opus, le Fuji Rouge, a été vendu pour $ 510K incluant premium par Christie's le 19 mars 2019 sur une estimation basse de $ 90K, lot 235. Sa géométrie simple et efficace anticipe la Montagne Sainte-Victoire par Cézanne.

24 sept. 2020

Bleu Roi de Birmanie

Les pierres les plus exceptionnelles se trouvent souvent dans une seule région. Mogok, en Birmanie (Myanmar), cumule deux merveilles : le rubis sang de pigeon et le saphir bleu roi.

Le saphir birman fait le délice des monarques asiatiques depuis environ un millénaire. La forme classique est le coussin. La couleur bleu roi, intense et très saturée, est parfaitement mise en valeur dans un entourage de diamants. Il n'a pas la texture veloutée des saphirs bleus du Cachemire mais des inclusions d'apparence soyeuse avivent aussi sa luminosité.

Le 7 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1755 un pendant composé d'un saphir birman de forme coussin pesant 118,88 carats entouré de 16 carats de diamants de forme poire. Cette dimension est considérée comme exceptionnelle par les experts. Sa pureté et son homogénéité sont excellentes. Il n'a pas eu de traitement thermique.

Un collier par Boucheron composé d'un saphir birman bleu roi de forme rectangulaire à pans coupés pesant 91,95 carats dans une guirlande de 48 carats de diamants a été vendu pour HK$ 29,5M incluant premium par Poly le 7 avril 2015.

Un anneau composé d'un saphir coussin birman pesant 49,06 carats, sans traitement thermique, entouré de 10 carats de diamants baguette, a été vendu pour HK$ 16,2M incluant premium par China Guardian le 31 mars 2019. Sa couleur est bleu fleur-de-maïs mais il peut devenir bleu roi dans certaines conditions d'éclairage.

23 sept. 2020

La Tourmaline Ovale

Une nouvelle variante de tourmaline est découverte en 1989 dans l'Etat de Paraiba au Brésil. Des inclusions de cuivre lui donnent des couleurs inédites : bleu vert, bleu électrique, vert. Le premier filon, concentré dans une surface de 400 x 200 m, est rapidement épuisé mais d'autres sources apparaissent au Brésil, au Nigeria et au Mozambique. La variante est désignée sous le nom de tourmaline Paraiba.

Miné en 2001 au Mozambique, un cristal brut est aussitôt écarté de la production courante pour ses propriétés exceptionnelles, échappant ainsi au traitement thermique : il pèse 262 carats, sa couleur bleu-verdâtre est rare et plaisante et sa clarté est excellente. Elle est taillée au Mozambique en un ovale facetté joliment équilibré pesant 100,59 carats, pour 33,2 x 23,6 x 16,4 mm. Cette forme met spécialement en valeur la couleur et la brillance.

Elle est acquise par un collectionneur de gemmes complètement naturelles qui prospecte directement auprès des mines tout autour du monde. Nommée le Flawless Jena Blue, elle est estimée $ 700K à vendre par Heritage à Dallas le 5 octobre, lot 72111. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. Les caractéristiques exceptionnelles de ce spécimen ont été confirmées par le GIA et par le Smithsonian.

La tourmaline Paraiba est de plus en plus aimée en joaillerie. Voici deux résultats sur des bijoux basés sur des pierres brésiliennes.

Une paire de pendants d'oreilles avec des tourmalines en forme de poire, respectivement 7,46 et 6,81 carats, dans des entourages de diamants, a été vendue pour HK$ 21,7M incluant premium par Christie's le  29 mai 2018 sur une estimation basse de HK$ 12,8M. Leur couleur bleue avait été avivée par un traitement thermique.

Un anneau Tiffany composé d'une tourmaline de 9,70 carats dans un entourage de diamants a été vendu pour $ 720K incluant premium par Christie's le 26 avril 2017 sur une estimation basse de $ 200K. La couleur résulte certainement d'une amélioration thermique.


22 sept. 2020

Feuilles de Poésie

Essayiste et conférencier influencé par le panthéisme, R.W. Emerson militait pour une nouvelle culture américaine basée sur la relation entre l'âme et la nature. Convaincu par cette incitation, un jeune écrivain décide vers 1850 d'écrire des poèmes en vers libres.

Le nouveau poète publie son premier livre à Brooklyn en 1855 à compte d'auteur. Le titre, Leaves of Grass, est un jeu de mots provocant qui associe à la feuille de papier le grass, une oeuvre mineure selon le jargon des imprimeurs.

Les innovations sont nombreuses. Les poèmes n'ont pas de titre. Le nom de l'auteur n'apparaît pas sur la page de garde : il est remplacé par un portrait en trois quarts. Les poèmes n'ont pas de titre. Leur cadence est vaguement inspirée de la Bible. Surtout, les thèmes sont basés sur la relation du Soi avec le monde, une nouveauté pour l'époque. Il faut atteindre le 500ème vers pour découvrir le nom de l'auteur, Walt Whitman, un Américain charnel et sensuel qui rejette le sentimentalisme et ne prétend pas être modeste ni immodeste.

Leaves of Grass est publié en 795 exemplaires 29 x 21 cm en format folio avec une reliure conçue par l'auteur, ornée d'un titre doré. Certains volumes sont truffés de quatre coupures de presse sur des textes par Whitman plus la copie dactylographiée d'une lettre par Emerson lui-même prédisant une grande carrière à son émule.

Whitman retravaillera ses Leaves of Grass jusqu'à la fin de sa vie. Il résistera aux pudibonds qui confondent sensualité et péché. Il sera soumis à la fin de sa vie à des accusations d'homosexualité, qu'il niera peut-être par simple prudence.

Un livre considéré comme l'exemplaire de travail de Walt Whitman est passé à Bonhams le 12 mars 2019 sur une estimation basse de $ 200K. Un autre, truffé des cinq encarts, a été vendu pour $ 305K incluant premium par Christie's le 18 juin 2014. Un autre, dans un très bel état avec les mêmes documents additionnels, sera vendu en ligne par Doyle le 30 septembre, lot 186 estimé au-delà de $ 150K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Doyle New York.