7 juil. 2020

La Fête d'Antan

Cecily Brown observe que la peinture n'a pas fondamentalement changé depuis la Renaissance : avec des couleurs à l'huile sur une toile, les artistes expriment les sentiments et les passions. Libérée par sa renommée croissante d'une sorte d'obligation d'offrir des scènes sexuelles, elle se tourne vers les grands maîtres du passé.

Elle sent des affinités avec les artistes au style foisonnant, Bosch et Bruegel. Elle a aussi interprété Michel-Ange et aime Titien et Delacroix.

Ainsi le Combat de Carnaval et Carême, huile sur bois 118 x 165 cm peinte par Bruegel en 1559, n'est plus que l'interprétation d'une fête flamande qui met en scène des foules de personnages bigarrés dans des occupations pittoresques et désuètes, et personne ne se préoccupe des intentions moralisantes d'antan.

Le 10 juillet à Londres, Christie's vend Carnival and Lent, huile sur lin 246 x 262 cm peinte par Cecily Brown en 2006-2008, lot 45 estimé £ 4M.

L'artiste a manifestement pris un grand plaisir à ce travail. Elle a copié la suite circulaire des personnages des deux groupes dans une perspective plongeante. Quelques détails dont des têtes émergent dans cette luxuriance abstraite. L'équilibre des couleurs est également inspiré par l'original.

Un "vrai" Carnaval et Carême, huile sur toile 119 x 171 cm peinte par Pieter Brueghel le Jeune, a été vendu pour £ 6,9M incluant premium par Christie's le 6 décembre 2011. Qui va gagner le combat des enchères entre les Anciens et les Modernes ?

Magma et Fumée

Dans l'art de Zao Wou-Ki, les années 1959 à 1972 sont identifiées comme la période des Hurricanes. L'artiste a cessé de prendre référence à la création du monde. Sa violence intérieure est cependant intacte. Il l'exprime par des paysages imaginaires dont les illuminations émergent du sol, une source de feu qui ne peut plus être de la roche et prend les ondulations d'un magma.

Dans sa forme aboutie, ce paysage a un horizon. 9.1.63, 130 x 195 cm, vendu pour HK$ 76M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2017, est une scène nocturne. Une version diurne dans la même dimension, 14.11.63, a été vendue pour HK $ 39M incluant premium par Christie's le 8 mai 2011.

Dans la même période, l'artiste imagine aussi les détails de son feu.

21.10.63, 200 x 180 cm, ressemble à une coulée de lave dans un canal horizontal. Bien que Zao ait réduit sa palette dans cette phase, les oeuvres à dominante rouge vif sont rares. Cette huile sur toile sera vendue au lot 9 par Christie's à Hong Kong le 10 juillet. Le communiqué du 5 juin annonce une estimation au-delà de US $ 10M.

Le 8 juillet à Hong Kong, Phillips vend deux huiles sur toile d'une même provenance qui évoquent une colonne de fumée volcanique montant vers le ciel. La fumée est parsemée de cendres comme au temps des Oracle bones.
22.6.63, 146 x 89 cm avec un fond rouge, est estimée HK$ 38M, lot 8.
24.10.63, 194 x 97 cm, est estimée HK$ 45M, lot 9.
Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Phillips.

29.9.64 agrandit démesurément un détail du magma en incluant une source d'incandescence. Cette huile sur toile 230 x 345 cm a été vendue pour HK$ 153M incluant premium par Christie's le 27 mai 2017.





5 juil. 2020

L'Etincelle Prodigieuse

Clyfford Still perçoit le monde comme un rapport de forces : la vie et la mort, l'horizontal et le vertical, le blanc et le noir. Ces notions ne sont pas indépendantes : la vie est verticale, le paysage et la mort sont horizontaux.

ll voudrait que les spectateurs de son oeuvre découvrent de nouvelles forces en eux-mêmes. L'art figuratif ne peut pas contribuer à cet objectif ambitieux : Clyfford Still est l'inventeur de l'expressionnisme abstrait.

En 1944 il ajoute l'énergie créatrice sous forme d'un éclair brillant qui traverse l'image de haut en bas. Tous les éléments cèdent à ce phénomène, créant des formes effilochées qui glissent dans un espace bidimensionnel tout en tentant de conserver leur position dominante. Des formes jaunes et rouges apportent un contre-poids à l'invasion noire. L'éclair en zigzag est sa force de vie ou ligne de vie, selon sa propre expression.

Une huile sur toile datée 1946-1947 est typique de cette exploration abstraite du monde. Le format est vertical, 136 x 71 cm. L'éclair est visible, ce qui est déjà rarement le cas à cette époque. Il traverse une masse noire pour fertiliser une sorte de terre tout en bas de l'image.

Still a rarement exprimé aussi complètement sa conception de la création. Il a longtemps conservé cet opus avant de le donner à sa fille Sandra en 1976, quatre ans avant sa mort. Cette peinture, numérotée PH-306 dans la nomenclature de ses oeuvres, est estimée HK$ 54M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 9 juillet, lot 1122.

Conçu en 1946, PH-306 préfigure les espaces sans limites de Pollock, les franges des blocs de Rothko, le zip de Newman et les couleurs flottantes de de Kooning.

Un autre opus donnant le rôle principal à la force transcendantale est 1949-A-No.1, 236 x 200 cm, vendu pour $ 62M incluant premium par Sotheby's le 9 novembre 2011.

4 juil. 2020

L'Héritage d'une Orpheline

De nouvelles formes d'art pictural sont développées en Californie autour de 1960 pendant que le pop art naît à New York. Ce n'est pas un hasard si les oeuvres de Warhol et Lichtenstein sont exposées très tôt à Los Angeles. Les innovations de Diebenkorn, Thiebaud et Ruscha ont un effet pérenne.

Ed Ruscha est d'abord influencé par Jasper Johns dont les Targets rigoureusement symétriques ont mis fin à un des grands tabous de la peinture. Par ailleurs Barnett Newman a osé utiliser de larges aplats monochromes délimités par des rectangles parfaits.

Ruscha perçoit l'importance de la typographie pour attirer l'attention du public. Les lettres de l'alphabet prennent pour cette raison les formes les plus variées, dessinées pour un besoin spécifique par des artistes anonymes. Elle peuvent représenter l'élégance dans les images publicitaires, le suspense dans les comics. Ruscha a l'habileté de peindre des mots complets et non des alignements de lettres mais leur signification n'a plus aucune importance.

En 1962 il récupère la typographie la plus récente du titre des pages de Little Orphan Annie. Les lettres sont très reconnaissables : elles sont épaisses et jointives avec des bords noirs ondulants et des orifices minimisés, sans oublier le point ovale oblique sur le i.

Son utilisation du mot ANNIE agrandit sans modification la typographie de la bande dessinée. Le mot peint en rouge vif, désormais isolé de son contexte, est placé comme un titre dans un rectangle de fond doré, séparé par une étroite bande blanche d'un rectangle entièrement vide de même dimension avec un fond bleu.

Une telle rigueur géométrique est l'antithèse de Rothko : un art nouveau est en train de naître. Plus tard les sources éventuelles des typographies utilisées par Ruscha ne seront plus directement identifiables.

Cette ANNIE, huile et graphite sur toile 181 x 170 cm, est estimée $ 20M à vendre par Christie's à New York le 10 juillet, lot 68.

3 juil. 2020

Les Délices de Wayne Thiebaud

Dans les années 1950 Wayne Thiebaud est professeur d'art en Californie. Il fait un long séjour à New York à une époque où le pop art n'est pas encore en gestation. Il rencontre de Kooning, Kline, Rauschenberg, Jasper Johns.

Ses oeuvres sont influencées par les traits simplifiés de la caricature et par les couleurs criardes des publicités. Son intention n'est pas conceptuelle et il est encore gêné soixante ans plus tard quand on le considère comme un artiste.

Il construit son monde avec des objets de tous les jours, quelques années avant Warhol. Chaque type d'objet représente un désir simple : la gourmandise, le gain au jeu. Ils n'ont pas été créés par la nature et il peut les imaginer avec des couleurs excessives. Il aligne ses pâtisseries à l'infini sur des comptoirs ou dans des vitrines, tout en introduisant d'un élément à l'autre des différences qui captent l'attention du visiteur. Il n'aime pas la reproduction mécanique de Warhol.

La géométrie est à la fois rigoureuse et fausse, avec des perspectives et des ombres qui n'apportent pas la distance. Il est très attentif aux avant-gardes minimalistes : Frank Stella, Jasper Johns, Sol LeWitt.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend Four Pinball Machines, huile sur toile 173 x 183 cm peinte en 1962, lot 63 estimé $ 18M.

Vue de loin, la composition d'ensemble est plate comme deux rangées de fenêtres. Les plateaux des machines sont entre ces deux zones, avec une variété de couleurs qui expriment la diversité du jeu. La vitre du fond n'est pas l'image clignotante qui attire habituellement le client sur le flipper mais une géométrie basique du nouvel art minimaliste, sans doute un clin d'oeil à ses collègues pour sa première exposition à New York.

Dans l'exemple ci-dessus, le titre est faux. Il n'y a pas quatre machines alignées de front mais cinq, et les deux machines extrêmes sont tronquées. Tout est délicieusement factice dans l'art de Wayne Thiebaud : il rejoint Roy Lichtenstein dans l'interrogation sur la signification de l'art. Ses gâteaux n'existent pas mais son art est joyeux.

2 juil. 2020

La Croisière de l'Olympia

Paul Signac utilise les principes divisionnistes pour montrer les bords de mer sous le plus vif ensoleillement. Après la Bretagne, il valide ses théories en Méditerranée en passant le printemps 1889 à Cassis. Une vue du Cap Canaille a été vendue pour $ 14M incluant premium par Christie's le 6 novembre 2007.

La mort prématurée de Seurat en 1891 est un choc. Signac et Van Rysselberghe organisent deux expositions à sa mémoire, à Bruxelles et à Paris. Après l'ouverture de l'exposition de Paris en mars 1892, ils décident de se changer les idées en faisant une croisière en Méditerranée.

Les deux amis se retrouvent à Bordeaux sur l'Olympia, le bateau à voile que Signac a acheté l'année précédente. Ils atteignent la Méditerranée par le canal du Midi. Théo van Rysselberghe peint quelques huiles sur toile dans le style de Signac, en faisant bien sûr un grand usage du bleu de cobalt. Une vue du port de Cette (Sète), 60 x 70 cm, a été vendue pour $ 7,2M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2017.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend une vue de la côte, probablement près de Cette, intitulée Barques de pêche, 63 x 84 cm incluant le cadre peint par l'artiste, lot 59 estimé $ 7M. L'image est partagée par Wikimedia.

La Grande Bleue est montrée avec un réseau de lignes obliques qui simulent les vagues, tandis que plusieurs rangées de voiles s'éloignent dans une composition habilement équilibrée. L'utilisation des couleurs complémentaires, orange et bleu, jaune et violet, est conforme aux préceptes de Seurat.

Le cadre d'artiste est fréquent dans l'oeuvre de van Rysselberghe à cette période. Il est peint comme une abstraction décorative qui attire l'attention sur le pointillisme. Il est également présent sur la vue de l'Escaut, peinte la même année probablement après l'excursion en Méditerranée, vendue pour £ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2017.

La croisière s'est terminée début mai à Saint-Tropez, le petit port qui n'était pas encore accessible par la route. Paul est ébloui par la découverte de son paradis personnel. Théo repart après un séjour de quelques semaines. Deux vues de Saint-Tropez peintes en 1892 par Signac ont été vendus respectivement pour £ 19,5M incluant premium par Christie's le 27 février 2019 et pour $ 10,7M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2016.

Barques de pêche-Méditerranée by Théo van Rysselberghe

1 juil. 2020

Les Méandres Colorés de Brice Marden

Brice Marden est un coloriste, sans narration ni interprétation. Son but est de capter et maintenir l'attention du visiteur. Il commence sa carrière par un style minimaliste, juxtaposant des rectangles monochromes pour révéler leurs contrastes en une approche qui rappelle Albers et Klee.

Marden découvre en 1984 que la calligraphie chinoise ou japonaise est un art à part entière qui suit les mouvements de la main de l'artiste. Il commence désormais à peindre sur ses fonds monochromes des lignes sinueuses entrelacées avec fluidité qui atteignent toute la périphérie comme les drippings de Pollock.

La calligraphie a déclenché ce changement majeur dans l'art de Marden mais elle disparaît au bout de quelques années. Les lignes sont peintes une couleur après l'autre, dans un ordre logique par rapport au spectre chromatique. Elles peuvent passer d'un panneau à l'autre sur un polyptyque de monochromes. Leur largeur est très régulière, démontrant qu'elles résultent d'une construction rigoureuse et non d'une gestuelle.

The Attended, huile sur toile 208 x 145 cm datée 1996 1999 a été vendue pour $ 11M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013. Elements (Hydra), huile sur lin 190 x 136 cm datée 1999 2000 2001 a été vendue pour $ 9,2M incluant premium par Phillips le 14 mai 2015.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend Complements, daté 2004 2007, lot 55 estimé $ 28M. Complements est un diptyque jointif d'huiles sur toiles pour une dimension totale de 183 x 244 cm. Les panneaux sont monochromes, orange incandescent à gauche et bleu foncé à droite. Les lignes  sont successivement vert, bleu, brun et rouge sur le panneau de gauche et rouge, orange et vert sur le panneau de droite.

Un exemple sur papier de la même période, Butterfly Wings with Green, 28 x 38 cm réalisé en 2005, est estimé $ 1,2M, lot 69 dans la même vente.

29 juin 2020

Les Petites Versions des Femmes d'Alger

Henri Matisse meurt le 3 novembre 1954. Bavard sur son propre art mais secret sur ses réactions affectives, Picasso ne communique rien mais il semble que la mort de son vieux rival l'ait profondément choqué.

Picasso conçoit une oeuvre qui pourra apparaître comme la suite des scènes orientalistes de Matisse. Sa nouvelle muse, Jacqueline, ressemble à une des odalisques des Femmes d'Alger de Delacroix. Le nouveau projet sera un amalgame de ce Delacroix et du Nu bleu de Matisse.

Du 13 décembre 1954 au 18 janvier 1955, Picasso peint six esquisses 46 x 55 cm, parfois limitées à un détail. La veille de la fin de cette première phase, il peint une huile sur toile 54 x 65 cm qui préfigure l'oeuvre finale par sa composition d'ensemble, ses couleurs brillantes et l'imbrication post-cubiste des formes.

La phase suivante est consacrée aux formats plus grands, incluant des peintures en grisaille qui permettent de mettre au point les détails du dessin. La version finale, 114 x 146 cm, est peinte le 14 février 1955. Le résultat répond à l'objectif sans doute principal de Picasso de faire un contrepoids moderne aux Demoiselles d'Avignon.

Les quinze peintures sont exposées ensemble pour être vendues en un lot. Pour cela il ne faut pas les considérer comme quatorze esquisses et une peinture finale mais comme quinze versions sur un même thème, numérotées de A à O dans l'ordre chronologique de leur réalisation.

Ainsi la dispersion ne sera pas faite sous le contrôle de l'artiste ou de ses marchands mais par le couple Ganz qui achète l'ensemble en 1956 pour posséder la version finale (O). Les Ganz conserveront aussi pour leur collection une des esquisses les plus complètes (C), un style typique de l'époque de Marie-Thérèse (H) et deux grisailles de la phase finale (K et M).

La sélection des Ganz est extrêmement judicieuse. Elle n'inclut pas la version achevée 54 x 65 cm de la première phase (F), probablement parce qu'elle n'apporte pas grand chose à côté de la version O. La version F sera vendue par Christie's à New York le 10 juillet, lot 52. Le communiqué de presse du 15 mai consacré à une vue générale de la vente ONE annonce une estimation autour de $ 25M.

28 juin 2020

L'Expiation de Barnett Newman

Pour Barnett Newman, la création n'est pas un vain mot. Les atrocités de son temps rendent l'art figuratif inapproprié et indécent. Il développera un art expiatoire pour redéfinir le sublime.

Il trouve la solution en 1948 en couvrant la toile avec une peinture monochrome centrée d'une bande collante enduite d'une autre couleur. Cette zone sera plus tard appelée le zip. Pour exprimer au mieux les forces mystiques qui régissent l'univers, elle est rigoureusement verticale, axiale et complète du haut en bas de l'image.

Quand le zip est étroit, il est perçu comme un rassemblement des côtés gauche et droit et non comme une séparation. Pour sa première oeuvre zippée, Newman construit le néologisme Onement, une aphérèse d' "atonement" (expiation) qui évoque la globalité.

Onement II, III et IV sont des variations peintes en 1948 et 1949. En 1949 il peint sa première oeuvre avec deux zips verticaux, opportunément intitulée Galaxy. Cette huile sur toile 63 x 51 cm a été vendue pour $ 10M incluant premium par Sotheby's le 16 mai 2018. D'autres titres inviteront plus tard à une interprétation biblique.

Onement V est peinte en 1952, qui correspond par hasard ou par raffinement intellectuel à la cinquième année de la série. Le contraste est minimal entre le monochrome bleu et le zip vert-cyan. Son processus à cette date inclut un arrachement fulgurant de la bande collante.

Onement V, huile sur toile 152 x 96 cm, a été vendue pour $ 22,5M incluant premium par Christie's le 8 mai 2012, lot 24. Elle est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 10 juillet, lot 66.

Avec la même logique, l'apothéose de la série est Onement VI, peint pendant la sixième année de la création. Cette grande huile sur toile 300 x 260 cm est à nouveau bleue mais elle est centrée d'un lumineux zip blanc. Elle a été vendue pour $ 44M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2013.

Barnett Newman a le même but que Rothko d'intégrer le visiteur dans son espace mais son processus de réalisation est beaucoup plus simple. Son art minimaliste anticipe les monochromes d'Yves Klein et les lacérations de Lucio Fontana.

Musique Intime

Roy Lichtenstein s'approprie des images éditées ou peintes par d'autres. En les transformant, il leur donne une signification qui peut être totalement contraire à l'origine. L'agrandissement maintient la simplicité des traits qui était indispensable pour la lisibilité du minuscule original. Il atteint les fondements de l'art, sans verbiage et sans perdre son humour.

Roy offre aussi sa vision de l'histoire de l'art. Il aime les lignes pures des corps nus de La Danse de Matisse. Peinte en 1974, Artist's Studio - The Dance expose ce chef d'oeuvre d'un autre artiste sur le mur du fond, au-delà d'un grand fouillis. Sur le mur à droite, une image tronquée montre quelques notes de musique sur une portée.

En 1994 Roy redémarre un de ses thèmes les plus personnels : la jeune femme copiée d'une case de bande dessinée, colorées avec des points qui imitent les réseaux d'imprimerie. Dorénavant la femme est nue, parfois en présence d'une autre femme nue, jamais avec un homme.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend au lot 58 Nude with Joyous Painting, huile et acrylique 178 x 135 cm peinte en 1994. Le communiqué de presse du 15 mai annonce une estimation autour de $ 30M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Dans la bande dessinée, la jolie blonde avait un chagrin d'amour. Maintenant elle est nue et le texte explicatif n'est plus disponible : elle attend simplement quelque chose de non défini qui n'est probablement pas un partenaire. Elle est peut-être en train de terminer sa toilette après avoir mis un bandeau dans ses cheveux.

Le Joyous Painting annoncé par le titre est l'image d'une portée de musique qui forme des volutes, comme dans le pastiche de La Danse. Ce symbole musical apporte une sympathique impression d'intimité innocente.


27 juin 2020

La Vallée Secrète

La Grande Vallée est une série de peintures réalisées par Joan Mitchell en 1983 et 1984, exprimant des souvenirs d'enfance. Mais ces souvenirs ne sont pas ceux de l'artiste.

Les enfants adorent avoir un lieu secret à l'écart des adultes, où ils peuvent personnaliser leur univers. Gisèle Barreau passe son enfance en Bretagne, du côté de Nantes, où elle s'approprie une vallée cachée, utilisée pour faire paître les vaches au milieu de bois intouchés, avec des granges abandonnées et des fleurs sauvages.

Gisèle est musicienne. Elle devient l'assistante de Joan à Vétheuil pour les travaux de la vie de tous les jours.

Gisèle partageait son secret avec son cousin Jean-Philippe. Le jeune homme meurt en 1982 sans avoir pu revoir sa vallée. La même semaine, Joan perd sa soeur Sally Perry.

Depuis les années 1950 Joan est inspirée par les couleurs de la campagne française. Pour faire face au double deuil et conjurer la mort, elle imagine avec toutes les couleurs vibrantes du bonheur cette Grande Vallée qu'elle ne connaîtra jamais.

La série est constituée d'un unique triptyque, 5 diptyques et 15 toiles uniques. Cette ensemble a été construit avec une diversité de composition comparable aux Grandes Décorations de Monet. La présence de Monet à Vétheuil de 1878 à 1881 a certainement influencé l'installation de Joan dans le même village en 1968. Joan exprime la confrontation des couleurs vives dans des paysages abstraits qui ne s'appuient sur aucune réalité topographique, mais la tendance à l'abstraction dans les dernières oeuvres de Monet ne pouvaient pas la laisser indifférente.

La Grande Vallée VII, diptyque 260 x 260 cm de dimension totale peint en 1983, est estimée $ 10M à vendre par Christie's le 10 juillet dans sa vente mondiale ONE, lot 61.

L'opus XIV, qui est le seul triptyque, est au Centre Pompidou. Dominé par les couleurs des fleurs, l'opus XIII, 280 x 200 cm, a été vendu pour € 3,6M incluant premium par Sotheby's le 3 décembre 2013. L'opus XI à dominante bleue, 200 x 180 cm, a été vendu pour £ 2,6M incluant premium par Sotheby's le 27 février 2008.

26 juin 2020

Les Couleurs du Karmapa

L'empereur Yongle a besoin du Bouddhisme tibétain pour affirmer sa légitimité. En 1405 CE, après seulement trois ans de règne, il invite un des principaux dignitaires, le 5ème karmapa, pour une visite de prestige au cours de laquelle des miracles seront annoncés. Le jeune Bouddhiste est accueilli triomphalement à Nanking en 1407 par 10 000 moines. Il a 23 ans.

Rien n'est trop beau pour un visiteur d'une telle importance. Yongle introduit dans l'art bouddhiste un luxe sans précédent, avec une attention toute particulière pour la vivacité des couleurs. Un thangka emporté au Tibet avec la marque de présentation de l'empereur a été vendu pour HK$ 350M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2014.

Les récipients rituels sont également requis avec les couleurs les plus vives, qui ne sont pas encore développées pour la porcelaine. Ils seront faits en métal peint en cloisonné avec des émaux, une technique récemment importée en Chine probablement de Byzance. Les pièces survivantes sont extrêmement rares.

Le 3 avril 2018, Sotheby's a vendu pour HK$ 21,7M incluant premium un vase d'autel en cloisonné Ming de 25,5 cm de haut, avec un corps ovoïde et un bord agrémenté d'une collerette pendante qui imitent une forme rituelle tibétaine.

Le 11 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend une aiguière de 22,5 cm de haut avec son couvercle, lot 3626 estimé HK$ 20M. Le bec horizontal est conçu pour le versement facile d'un liquide chaud et l'ajustement du couvercle est parfait. Au côté des cinq couleurs classiques de l'arc-en-ciel Bouddhiste, l'obtention du rose par un mélange d'émaux blancs et rouges est exceptionnelle. Le fond est turquoise.

Cette théière a la forme d'une aiguière rituelle tibétaine. Son bord dit en chapeau de moine évoque la couronne noire qui est un des symboles majeurs du karmapa. Cette forme avait peut-être déjà été importée en Chine sous les Yuan mais la référence directe à la visite à Yongle est séduisante. Le vase d'autel cité ci-dessus était plutôt attribué à la période Yongle qu'à Xuande pour la finesse des détails. Cet argument peut certainement s'appliquer aussi à l'aiguière.

Le Bébé Eprouvette

L'embryologiste Robert Edwards était tout d'abord motivé par la prévention des syndromes anormaux du développement. Il entre à Cambridge en 1963 dans un laboratoire spécialisé dans les mécanismes de reproduction dans le but de contrôler la fertilité. Il fait équipe à partir de 1967 avec l'obstétricien Patrick Steptoe et l'ancienne infirmière Jean Purdy.

Les études post-doctorales d'Edwards l'avaient amené à considérer la fécondation in vitro pour les rongeurs. Avec sa nouvelle équipe, il met au point l'application pour les humains. Les risques de créer de nouveaux types d'anomalies sont importants et heurtent notamment l'éthique catholique.

Edwards, Steptoe et Purdy fiabilisent les différentes étapes : prélèvement de l'ovocyte et du sperme, fécondation dans une boîte de Petri, observation du début de développement de l'embryon. La clé du succès est d'insérer l'embryon dans l'utérus au moment le plus favorable dans le cycle hormonal de la mère porteuse.

Un couple est volontaire pour l'expérience. Mrs Brown est affectéee d'une obstruction de ses trompes de Fallope, qui est un des cas les plus fréquents d'infertilité des femmes. Louise nait le 25 juillet 1978. Cette toute première tentative d'obtenir une naissance après une fécondation in vitro est un succès total. Le bébé pèse 2,6 Kg et est en parfaite santé, sans anomalie.

Quatre ans plus tard les Brown donnent une soeur à Louise par le même processus de fécondation. La validation que l'équipe de Cambridge n'a pas créé de monstres est confirmée quand les deux soeurs, en 1999 et 2004, ont des enfants par fécondation naturelle.

Le prix Nobel de physiologie ou médecine est attribué en 2010 à Edwards, seul survivant de l'équipe. Sa médaille accompagnée du diplôme est estimée £ 500K, à vendre par Christie's dans une vente en ligne qui se terminera le 16 juillet, lot 58.

A sa mort trois ans plus tard, Louise Brown a dit : "(Their) work has brought happiness and joy to millions of people all over the world by enabling them to have children."

25 juin 2020

Investissement dans le Basketball

Les collectionneurs de cartes de sport n'ont pas cessé d'aimer les anciennes gloires. Les cartes les plus recherchées sont des raretés dans leur propre série, comme la T206 Wagner ou la Topps 1952 de Mickey Mantle. Les cartes conservées dans le meilleur état attirent depuis quelques années les investisseurs.

Les éditeurs modernes comme Upper Deck et Topps ajoutent des goodies qui permettent d'offrir des petites variantes sérialisées. Cet apport est souvent l'insertion dans la carte d'un élément qui appartenait auparavant à une autre catégorie de collection, comme l'autographe du joueur ou un morceau de son maillot. Il peut aussi être seulement une très petite variante dans le design de la carte.

Le nouveau collectionneur-investisseur voudra constituer pour un modèle de son choix un ensemble complet de toutes les variantes, et dans le meilleur état possible.

Le basketball a rejoint le baseball comme sport favori de l'Amérique. En 2003 Upper Deck inaugure sa marque Exquisite Collection sans omettre une identification Exquisite Rookie Patch pour les rookies. Le recto inclut une photo du joueur, sa signature, le morceau de son maillot et le numéro de série relatif à l'édition de la variante spécifique. Le verso inclut une autre photo, la garantie d'authenticité par Upper Deck de la signature et du maillot, et le logo de la NBA.

2003-2004 est aussi la saison rookie de LeBron James. Son Exquisite Rookie Patch est le haut de gamme de toutes les cartes de basketball, d'autant plus que Upper Deck avait débordé Topps et Fleer en obtenant l'exclusivité pour cette saison de son autographe sur une carte.

La version de base de l'Exquisite Rookie Patch de LeBron James est éditée en 99 exemplaires. La carte 05/99, gradée Mint 9 par BGS, a été vendue pour $ 264K incluant premium par Heritage le 22 février 2020.

Une variante très similaire identifiée comme Rookie Patch Parallel est plus rare avec seulement 23 exemplaires. La carte 16/23, gradée NM/MT+ 8.5 par BGS, a été vendue pour $ 264K incluant premium par Goldin en octobre 2019.

La carte 14/23, gradée Gem Mint 9.5 par BGS, est la meilleure du groupe. Elle est le lot 12 dans la vente en ligne par Goldin qui se terminera le 18 juillet. 23 jours avant la clôture, l'enchère est à $ 750K.

Avec une autre photo du joueur et sans pièce de maillot, la carte unique 1/1 Upper Deck Ultimate Collection, gradée Mint 9 par PSA, a été vendue pour $ 312K par Goldin en 2016.

24 juin 2020

Un Vase Longquan pour la Salle d'Audience

L'empereur Qianlong promouvait l'imitation des meilleures oeuvres d'art du passé avec les techniques les plus récentes afin que les réalisations de son règne apparaissent comme le sommet de la civilisation.

Le surintendant Tang Ying faisait faire à Jingdezhen les plus sensationnelles porcelaines capables de susciter une approbation personnelle de l'empereur. Une des réussites les plus remarquables de Tang Ying fut la mise au point des émaux de type yangcai, concurrençant pour moins cher le falangcai qui était fait dans un petit atelier du palais impérial.

Le double vase en porcelaine a été développé dans les fours de Longquan 350 à 400 ans avant Qianlong, à l'époque de transition entre les dynasties Yuan et Ming. Le vase extérieur céladon est percé pour offrir une visibilité sur le vase intérieur. Les potiers de Longquan souhaitaient sans doute produire des pièces de prestige pour concurrencer l'influence grandissante de Jingdezhen.

Tang Ying tente d'imiter ce double vase, qui sera identifié comme vase Longquan dans les archives impériales. La plus ancienne référence d'un vase Qianlong de type Longquan est la présentation d'une pièce à l'empereur par un eunuque pour l'usage de la très prestigieuse salle d'audiences et de banquets du palais. Cet évènement est daté du douzième jour du huitième mois de la septième année de Qianlong, 1742 CE.

Une seule pièce correspond à la description de ce premier vase dans les archives impériales. Le vase extérieur de 31,4 cm de haut est en forme de poire surmontée d'un col, avec deux anses dorées en forme de dragon. Une collerette est pendue à l'ouverture du col. Il est en yangcai incisé de sgraffiato sauf la partie réticulée qui est céladon. Le vase intérieur est un bleu et blanc de style Xuande.

Ce vase a été vendu pour £ 44 par Sotheby's en 1954. Il vient d'être redécouvert par un consultant basé à Amsterdam, dans une maison de campagne où il n'avait jamais attiré l'attention d'innombrables générations de chiens et de chats. Il est estimé HK$ 70M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 11 juillet, lot 1. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

En 1743 CE Tang Ying annonce dans un rapport officiel que la production des vases Longquan a un rendement extrêmement faible. L'empereur accepte d'arrêter ce style tout en demandant de réaliser un second exemplaire pour faire paire avec quelques vases déjà livrés. Le vase pour la salle d'audience, qui avait la forme la plus complexe, était sans doute le tout premier, réalisé avant que Tang Ying constate les difficultés techniques. La paire n'a probablement pas été constituée.


23 juin 2020

Il n'y a plus rien à gagner

Le succès de Warhol était un modèle pour Basquiat. Andy accepte d'aider son jeune collègue et ils créent des peintures à quatre mains en 1984 et 1985. L'échec d'une exposition de ces oeuvres sépare durablement les deux artistes.

Basquiat va mal. Les effets de la drogue sont déjà visibles en 1985 par des taches sombres sur son visage. Sa notoriété est un facteur aggravant. L'ancien artiste des rues ne sait pas quoi faire de son argent. Comme Rothko au plus haut de sa gloire, il observe que ses admirateurs ont cessé de décoder ses messages. Par réaction Jim Crow, peint en 1986, est une protestation sans ambiguïté contre l'esclavage.

La mort soudaine de Warhol en février 1987 a un effet catastrophique sur Basquiat. Le jeune homme comprend dorénavant que l'expression de sa révolte sociale par son art ne servira jamais à rien.

En 1981 ses thèmes avaient été dynamiques et truculents avec un sympathique enchevêtrement de couleurs vives. En 1986 il remplace le street art des adolescents par un street art de hobos, pour lequel il s'inspire d'un manuel de sémiotique, le Symbol Sourcebook par Henry Dreyfuss. Les hobos (homeless boys) sont les ouvriers journaliers itinérants, qui communiquent entre eux en dessinant sur les murs les symboles identifiant les dangers.

Victor 25448, acrylique, oilstick, cire et crayon sur papier tendu sur toile 183 x 333 cm, a été vendu pour $ 3,5M incluant premium par Christie's le 13 mai 2008 et est estimé $ 8M à vendre par Phillips à New York le 2 juillet, lot 10.

Cette oeuvre désespérée a été réalisée en 1987. Le personnage est défiguré, éborgné et écartelé, dans un monde sans espoir marqué à trois endroits du tag IDEAL sur des objets publicitaires qui symbolisent l'oppression capitaliste.

Dans le coin en bas à gauche, Basquiat a regroupé plusieurs des symboles hobos collectés par Dreyfuss avec leur signification. On trouve par exemple le très décourageant "Nothing to be gained here", que Basquiat a aussi utilisé la même année dans Riddle Me This Batman, et "A beating awaits you here".

Basquiat ne pouvait pas se passer de musique et il possédait 3000 disques. 25448 est la référence dans le catalogue de l'éditeur Victor d'une chanson enregistrée en 1936 par Al Bowlly.

22 juin 2020

Boîte Magique et Vinaigrette

Dans la décennie 1800, les mécaniciens suisses réalisent pour le marché chinois des boîtes à automates d'une complexité croissante. Le Théâtre est un bon thème pour supporter des animations. Une montre musicale faite vers 1800 probablement à Neuchâtel a été vendue pour HK$ 4,1M incluant premium par Christie's le 27 novembre 2013.

Ces mécanismes sont également intégrés dans d'autres types de boîtes, souvent décorées de lignes de perles. Une pièce à sept mouvements, en forme de bouclier, a été vendue pour CHF 750K incluant premium par Christie's le 9 mai 2010. Faite vers 1820, une boîte à tabac animée par les énigmes d'un magicien a été vendue pour CHF 1,2M incluant premium par Sotheby's le 8 juin 2016.

Le 14 juillet à Londres, Sotheby's vend une boîte à tabac de 8,4 cm de long qui contient plusieurs surprises. Elle est estimée £ 500K, lot 27. Elle avait été vendue dans la même salle de ventes le 9 novembre 2000 pour £ 640K incluant premium sur une estimation basse de £ 120K.

Elle a la forme d'un petit livre dont la couverture décorée d'un léopard s'ouvre pour découvrir un Temple de la Musique. Le déclenchement du mouvement ouvre la porte centrale du temple, actionnant le jeu d'un musicien avant que le fond de la scène coulisse pour révéler un sanctuaire abritant un autel enflammé.

Le dos du livre est divisé en quatre segments. Les deux parties du milieu s'ouvrent ensemble pour faire un compartiment de rangement pour une clé. Les parties haute et basse cachent respectivement une montre et une vinaigrette qui servait aux dames à renifler un parfum pour éviter la pâmoison.

Le boîtier a été fait par Sené et Neisser, deux bijoutiers qui étaient associés entre 1805 et 1808 à Genève. Le mouvement a peut-être été fait par Puyroche, un assembleur (ou établisseur) de Genève qui a signé un de ses composants.

Miss Mitchell en Ville

Joan Mitchell est passionnée par les couleurs des paysages, et par le traitement de la couleur par les grands maîtres, Turner, Monet et Van Gogh. Comme Pollock, elle exprime son sentiment de la nature par l'abstraction. Cet engagement d'une femme dans l'expressionnisme abstrait surprend les critiques d'art : ils l'appellent Miss Mitchell.

Joan est attirée par l'art européen et par les paysages de France où elle fait de fréquents séjours avant d'installer son atelier à Paris en 1959, dans un quartier excentré pour éviter d'autres influences sur sa créativité.

Pourtant les temps sont difficiles pour Joan, très affectée par la mauvaise santé de ses parents. Elle délaisse les impressions de la nature pour une abstraction d'une grande violence. Elle s'en souviendra plus tard comme d'une période de très grande colère.

En fait cette colère était contrôlée. Les oeuvres, souvent de très grande dimension, restent l'objet d'une minutieuse préparation. Les gestes qui créent l'illusion d'une explosion centrifuge ne débordent pas de l'esquisse préliminaire. Contrairement aux autres peintres abstraits, elle utilise toutes les techniques pour obtenir sur la toile l'effet désiré : lavis, impasto, projection, traits fins au pinceau, et probablement aussi les doigts. Le vert reste sa couleur préférée.

Pendant cette période parisienne, les titres des oeuvres sont définis a posteriori, seulement en cas de besoin et le plus souvent sans réelle signification. Certains confirment l'intérêt de l'artiste pour la poésie.

Un Untitled 250 x 204 cm peint en 1960 a été vendu pour $ 12M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014. Peint la même année, 12 Hawks at 3 O'Clock, 296 x 200 cm, dont le titre est une promotion pour la protection des rapaces dans une réserve naturelle américaine, a été vendue pour $ 14M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2018.

Noël, 205 x 200 cm peint en 1961 ou 1962, est estimé $ 9,5M à vendre par Phillips à New York le 2 juillet, lot 5. Garden Party, 165 x 130 cm peint à la même période, est estimé $ 4M à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin, lot 7.

21 juin 2020

Tournesols contre la Mélancolie

Henry Geldzahler meurt en 1994 d'un cancer du foie, à l'âge de 59 ans. David Hockney, qui a deux ans de moins, perd son plus efficace soutien en Amérique. Très choqué par cette disparition prématurée et inquiet pour la santé de sa propre mère, David réagit. En 1995 il peint une série de portraits de ses chiens qui n'ont aucune raison de suivre sa mélancolie.

Sa tristesse est profonde et ce premier remède n'est pas suffisant. Il cherche à prendre exemple sur ses prédécesseurs les plus illustres, en commençant par une exposition Monet à Chicago. Il fait un aller et retour à La Haye pour l'exposition Vermeer, dans laquelle il est subjugué par la transparence intacte des couches de couleurs.

Galvanisé par ces exemples, il réalise en 1996 une série de 25 peintures de fleurs. L'une des deux plus grandes montre 30 fleurs de tournesols réparties en cinq bouquets. Cette huile sur toile 183 x 183 cm a été vendue par Phillips de Pury le 12 mai 2011 pour $ 2,55M incluant premium, un très bon prix pour une oeuvre de Hockney à cette époque. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 9 juillet, lot 1118. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette peinture suit l'exemple de Monet en 1881 et de van Gogh en 1888 en réunissant plusieurs phases de la floraison, tandis qu'un tournesol fané sur la table à l'avant-plan rappelle Nature Morte à l'Espérance, la peinture tragique réalisée par Gauguin en 1901, deux ans avant sa mort.

Hockney a expliqué un jour le choix de ce thème : “I have always painted flowers for friends who were ill.” Sa capacité à la résilience s'est encore exprimée cette année pendant la crise sanitaire du Covid-19. Une peinture montrant des jonquilles dans un pré est intitulée "Do remember they can't cancel the spring".


20 juin 2020

L'Envol de la Shelby Mustang

En 1964, la vénérable Ford Motor Company fait une entrée fracassante dans le monde moderne. La nouveauté est la Ford Mustang, le "pony car" qui offre aux jeunes conducteurs américains la double utilisation en voiture de rue et en petite voiture sportive.

Les ambitions s'aiguisent. La Mustang de 1964 n'a pas été conçue pour la compétition, mais on sent bien qu'elle peut être modifiée. Ford retrouve une fois de plus Carroll Shelby et sa société Shelby American. Shelby avait mis son partenaire sur les circuits en installant un moteur Ford sur le chassis AC Cobra. En 1964 il avait re-conçu la Ford GT, future GT40, dont les premiers prototypes étaient inutilisables.

Ford laisse Shelby signer ses deux premiers modèles de Mustangs spéciales, la GT350R (Racing) et S (Street).

Le second prototype de la Shelby GT350R est dévoilé à la presse en janvier 1965. Cette voiture fait sa première sortie en compétition à Green Valley TX le mois suivant. Avec Ken Miles au volant, elle est photographiée avec les quatre roues à 30 cm au-dessus du sol, avant de gagner la course. Cet exploit lui vaut le surnom de Flying Mustang.

Revenue en usine, la Flying Mustang fait une belle carrière de mule d'essai pour le modèle GT350R. Elle sera vendue le 17 juillet par Mecum à Indianapolis, lot F140. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, incluant la première annonce de la vente par son président-fondateur Dana Mecum.



Tourbillon pour un Roi

Le régulateur à tourbillon, breveté par Breguet en 1801 après la réalisation d'un prototype, est une des plus importantes inventions de l'histoire des garde-temps. L'instrument, désormais protégé contre les variations de sa position et les fluctuations de la gravitation, peut être utilisé dans les voyages sans perte de précision.

Breguet développe après 1806 les applications de son tourbillon. La rotation en quatre minutes, remplaçant la rotation d'une minute, améliore la stabilité d'une façon décisive.

Les plus grands amateurs d'horlogerie sont informés de ce progrès. La France est en guerre contre l'Angleterre. Le roi George III utilise discrètement les services d'un intermédiaire nommé Recordon pour obtenir une de ces montres.

Breguet a retrouvé la référence de cette pièce dans ses archives. Vendue le 29 juin 1808 à Recordon pour le roi d'Angleterre, elle apparait comme le tout premier tourbillon à avoir été commercialisé. Elle inclut un thermomètre, qui est certainement une exigence spécifique du roi, et un échappement Robin que Breguet utilisait rarement. Pour pallier au risque d'interception par les douanes, la marque Breguet n'apparaît pas extérieurement et le cadran est signé par Recordon. Le paiement des 4800 francs a été terminé en 1813 par le Prince Régent.

Restée dans sa configuration d'origine, la montre Breguet de George III a été vendue pour £ 550K incluant premium par Sotheby's le 9 novembre 1999. Elle est estimée £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 14 juillet, lot 28.

Une montre de la même période, avec un échappement Breguet et sans thermomètre, est sans doute la toute première à avoir incorporé le tourbillon à quatre minutes. Vendue pour 4600 francs le 12 février 1809 pour le comte Potocki, elle a été vendue pour CHF 820K incluant premium par Christie's le 12 mai 2014.

19 juin 2020

L'Expression des Ouragans

A la fin des années 1950 Zao Wou-Ki visite New York. Son marchand Samuel Kootz, qui représentait aussi Pierre Soulages, lui fait rencontrer les artistes de l'expressionnisme abstrait. Sa créativité est considérablement modifiée.

Auparavant il voulait représenter l'origine mystique du monde en complétant ses peintures par des traces pseudo-calligraphiques souvent centrifuges qui évoquent les plus anciens témoignages de la culture chinoise. Ce style est identifié comme la période des Oracle Bones.

Zao comprend intelligemment que les Oracle Bones ne pouvaient pas représenter un langage universel. Sa nouvelle série des Hurricanes offre une synthèse sans précédent de l'expressionnisme abstrait et de l'action painting, sur des toiles de grande dimension qui favorisent l'amplitude et la violence du geste.

La transition n'a pas été instantanée. 14.12.59, 130 x 162 cm, vendu pour HK$ 177M incluant premium par Christie's le 26 mai 2018 sur une estimation basse de HK$ 68M, est un des derniers chefs d'oeuvres de la série des Oracle Bones. Les exemples ci-dessous sont des Hurricanes.

Dans un format vertical, 3.4.60-1.2.69 évoque un tourbillon sans fin. Cette huile sur toile 195 x 130 cm a été vendue pour HK$ 71M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013 sur une estimation basse de HK$ 20M. Egalement verticale, 15.12.60 conserve des traces d'oracles. Cette huile sur toile 130 x 96 cm a été vendue pour HK$ 49M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2018 sur une estimation basse de HK$ 18M.

Le 8 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend deux Hurricanes, dans des formats horizontaux qui préfigurent les panoramas abstraits de la phase suivante, de 1963 à 1966. Avec une dominante bleu intense, 19.11.59, huile sur toile 114 x 146 cm, est estimée HK$ 60M, lot 1018. Avec les couleurs du feu, 20.03.60, huile sur toile 130 x 162 cm, est estimée HK$ 65M, lot 1017.

20.03.60 est illustré dans le tweet ci-dessous :

18 juin 2020

Les Cinq Premiers Eléments

Chu Teh-Chun arrive à Paris en 1955. Loin de renier son origine chinoise, il désire s'inspirer de la peinture occidentale pour moderniser l'art chinois. Il décide d'utiliser l'art abstrait.

La Révolution Culturelle avait brisé les liens entre la Chine et sa diaspora. La libéralisation rompt l'isolement culturel de Chu : il rencontre à Paris son ancien professeur Lin Fengmian en 1979 et son vieil ami Wu Guanzhong en 1982. En 1983 Chu Teh-Chun et Zao Wou-Ki font séparément un voyage en Chine. Zao rencontre Zhang Daqian.

La tendance est aux peintures monumentales, pouvant prendre la forme de polyptyques. Le triptyque 2,80 x 10 m peint en 1985 par Zao a été vendu pour HK$ 510M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2018.

Le 8 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1014 un pentaptyque 162 x 650 cm d'huiles sur toiles par Chu Teh-Chun. Il est daté 1983-1984, période de revigoration de la culture Chinoise de l'artiste. Ses oeuvres les plus importantes sont le résultat d'un développement qui peut durer plusieurs mois, voire plusieurs années. Il n'a pas l'impétuosité créatrice de Zao et aime travailler en écoutant l'Hymne à la joie de Beethoven.

Le titre, Les Eléments confédérés, explique cette division en cinq parties qui est unique dans l'art de Chu. Les cinq éléments qui constituent la nature dans la conception chinoise, bois, terre, eau, métal et feu, sont basiquement distincts, mais rien ne permet d'attribuer l'un d'entre eux à un panneau spécifique. Ils créent ensemble une harmonie indifférenciée, comme le yin et le yang dans un diptyque. Le vert et le bleu, couleurs traditionnelles des paysages dans l'art chinois, sont dominants.

Un des cinq éléments est facétieux : l'eau, qui peut se transformer en neige tombante et blanchir les paysages. En décembre 1985 le train dans lequel Chu traverse les Alpes Suisses est pris dans une tempête de neige. L'artiste traduira dans son art cette révélation de la complexité du monde, qui n'est pas limité à une simple confrontation des cinq éléments. Vertige neigeux, diptyque 2 x 4 m daté 1990-1999, a été vendu pour HK$ 92M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2016.

La Jungle Libérée de Wifredo Lam

Wifredo Lam vit en Espagne de 1923 à 1938. Il se sent proche de la révolte sociale de Goya et participe à la guerre d'Espagne. Entre la défaite des Républicains et la défaite de la France en juin 1940, il est à Paris où il s'approprie l'intense désir de liberté et de poésie des avant-gardes artistiques.  Picasso, qui n'aimait pourtant pas avoir des rivaux, approuve ouvertement le jeune artiste.

Il décide alors de rentrer dans son île natale, Cuba. Il fait escale à Fort-de-France où sa rencontre avec Aimé Césaire renforce son rejet du colonialisme et de l'esclavage.

Le Cubain athée aux ascendances Chinoises, Congolaises et Espagnoles peindra désormais la liberté du Tiers-Monde. Il met en scène son univers surréaliste personnel dans une jungle touffue qu'il peuple avec des dieux à la morphologie étrange. La Jungla, gouache 240 x 230 cm peinte en 1943, dissimule quatre êtres déshumanisés dans un dense réseau de cannes à sucre.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend Omi Obini, huile sur toile 183 x 125 cm peinte également en 1943, lot 1008 estimé $ 8M. Le titre désigne la déesse Yoruba de l'eau chargée de fertiliser la terre. La lisibilité n'est pas immédiate, marquant l'influence du cubisme analytique ou du futurisme.

Dans la jungle colorée, quelques zones plus pâles apparaissent, constituant une forme humanoïde éthérée. La tête est un croissant de lune et on ne saura pas si la figure du premier plan est un animal familier ou une chaise. Deux petits fruits ont chacun une paire d'yeux qui sont des menaces ou des reflets.

17 juin 2020

La Gloire Posthume de Sanyu

Les années 1950 sont très difficiles pour Sanyu. Revenu à Paris en 1950, il vit avec de petits travaux : peinture de meubles, charpenterie, promotion du ping pong. Il ne perd pas de vue qu'il est avant tout un artiste. Il n'a plus de client mais il sent en lui une nouvelle maturité. L'érotisme succède à l'innocence. Il est très isolé et ses oeuvres de cette période sont généralement impossibles à dater avec précision.

Sanyu meurt d'une intoxication au gaz en août 1966. Il n'a pas d'héritier et son atelier est dispersé le mois suivant aux enchères à l'Hôtel Drouot. Fort heureusement, un habitué de cette salle des ventes nommé Yves Bideau a le bon coup d'oeil : il achète plusieurs lots importants. Cet évènement marque le début de la renommée posthume de cet artiste qui a introduit la sensibilité chinoise dans l'art occidental.

Bideau a acheté notamment Léopard rose, Cinq nus et l'ultime Nu daté 4.1965. Les résultats récents incluant premium enregistrés sur ces oeuvres ont été respectivement HK$ 49M par Sotheby's le 31 mars 2018, HK$ 304M par Christie's le 23 novembre 2019 et HK$ 198M par Sotheby's le 5 octobre 2019.

Le 8 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1024 Quatre Nus, huile sur isorel 100 x 122 cm achetée à l'origine par Bideau à la même vente.

Les quatre femmes sont allongées côte à côte sur un fond vert émeraude qui évoque une sieste tranquille sur l'herbe par une chaude journée d'été. Deux d'entre elles bavardent, rompant avec l'habituelle inactivité des femmes de Sanyu.

Par comparaison avec les femmes debout des Cinq Nus évoqué ci-dessus, la couleur de la peau est chaude. La même volonté de montrer la diversité des couleurs de cheveux des femmes d'Europe indique que ces deux oeuvres ont été conçues pour une même série. Les yeux sont maladroits : Sanyu ne pouvait pas expliquer de façon convaincante pourquoi tant de ses femmes n'ont qu'un oeil. Ces deux oeuvres sont à rapprocher de la tendance au dévergondage du cinéma dans les années 1950.

Pendule au Rhinocéros par Saint-Germain

VENTE PASSEE

L'atelier Saint-Germain, à Paris, est une affaire familiale. Le père, Joseph de Saint-Germain, est nommé maître ébéniste en 1750. Le fils, Jean-Joseph de Saint-Germain, devient maître fondeur et ciseleur en 1748 à l'âge de 29 ans.

Jean-Joseph suit la mode du règne de Louis XV pour le luxe et le rococo. Il se spécialise dans les bronzes figuratifs qui équipent des pendules dont son père réalise les socles. Les thèmes sont souvent exotiques : rhinocéros, lion, éléphant, indien.

Le rhinocéros est à cette époque un animal un peu mystérieux. Avant 1747 Saint-Germain prend pour modèle l'image de Dürer. Une jeune femelle nommée Clara prélevée en Inde en 1741 fait un tour d'Europe triomphal qui durera jusqu'en 1758. Saint-Germain prend comme second modèle pour ses rhinocéros une porcelaine de Meissen faite lors du passage de Clara à Dresde.

Clara passe cinq mois à Paris en 1749 après avoir été reçue à Versailles par le roi lui-même. Les artistes, dont Oudry, font son portrait. La troisième série de rhinocéros par Saint-Germain est basée sur ces observations directes. Dans un souci de réalisme, l'animal est montré barrissant, la tête levée.

Le 16 juin 2020, Sotheby's a vendu pour €490K incluant premium sur une estimation basse de € 150K une pendule au rhinocéros du troisième type signée par Saint-Germain, lot 10.

Le rhinocéros en bronze patiné porte l'horloge qui est surmontée d'une figure de jeune indien en bronze doré. L'animal est monté sur une terrasse de style rocaille en bronze doré posée sur un socle qui contient un carillon activé par la pendule. Les mécanismes sont signés par Gille l'Ainé, reçu maître horloger en 1746. La hauteur totale est de 83 cm.

Voici deux résultats pour des pendules de construction très similaire attribuées à Saint-Germain avec une version antérieure du rhinocéros : £ 230K incluant premium par Christie's le 6 juillet 2006, lot 151 ; £ 300K incluant premium par Sotheby's le 3 juillet 2019, lot 16.

16 juin 2020

Le Printemps du Yunnan

Le Yunnan est une des provinces les plus reculées de la Chine. En 1905 la population totale est seulement d'environ 85 000 habitants. Le développement de cette région montagneuse est indispensable. Une usine de production de monnaie est installée à Kunming, la capitale régionale. De 1908 jusqu'à la chute des Qing en 1912 elle émet des dollars d'argent identifiant le nom de l'empereur.

La région est limitrophe du Tonkin. La ligne de chemin de fer reliant Haiphong à Kunming est un projet entièrement français avec l'autorisation du gouvernement chinois. Le rail atteint Kunming le 1er avril 1910 après sept ans de travaux dans des conditions extrêmement dangereuses.

Une pièce d'argent de 1 dollar fait surface en 1920. Ses caractéristiques sont inhabituelles. Une inscription en quatre caractères chinois au revers indique qu'elle a été faite au printemps d'une année correspondant à 1910, définie dans le cycle calendaire de 60 ans et pas par l'année du règne. C'est le seul cas connu d'une monnaie chinoise nommant une saison. Une inscription anglaise du côté du dragon rappelle la valeur chinoise de 7 mace et 2 candareens et la production dans la province de Yun-Nan.

Cette pièce était considérée comme unique, après que trois séries de contrefaçons aient été identifiées. Gradée AU55 par NGC, elle a été vendue pour US $ 1,06M incluant premium par Champion Hong Kong le 22 août 2010.

Quelques mois plus tard, un autre exemplaire a été authentifié. NGC et Champion ont attesté qu'elle avait été frappée avec les mêmes matrices. Gradée AU58 par NGC elle a été vendue pour $ 550K incluant premium par Heritage le 8 septembre 2011. Elle revient dans la même maison de ventes à Hong Kong le 11 juillet, lot 30141.

Les deux exemples ci-dessus sont certifiés Almost Uncirculated par NGC. Cette variété a ainsi les caractéristiques d'un pattern coin qui n'a pas été suivi d'une production. Champion soutient l'hypothèse très plausible d'un projet de pièce de présentation pour célébrer l'achèvement de la liaison ferroviaire.

Le nouveau catalogue de Heritage annonce une population totale de trois pièces certifiées par NGC et indique que la pièce qui revient en vente est la plus belle.

La Menace de l'Homme Bleu

En 1981 Jean-Michel Basquiat bénéficie de nouvelles conditions de travail qui le mènent immédiatement à la notoriété. Il s'amuse, et nous amuse, avec des thèmes inspirés de la rue.

Jean-Michel est un grand artiste parce qu'il maîtrise parfaitement la composition et la couleur et parce que sa connaissance de l'histoire de l'art le guide dans une direction féconde : l'important pour une figuration humaine, c'est la tête, qui révèle le psychisme et apporte les menaces.

1982 est l'année des têtes, avec tous leurs excès expressifs et jusqu'à leur décomposition. Peinte en janvier, une tête noire monumentale flottant dans l'espace, 183 x 173 cm, a été vendue pour $ 110M incluant premium par Christie's le 18 mai 2017. Peinte en mars, une composition panoramique 239 x 500 cm centrée sur la tête d'un diable noir a été vendue pour $ 57M incluant premium par Christie's le 10 mai 2016.

Il est un infatigable créateur. Au côté de ses peintures sur toile, il fait beaucoup de peintures sur papier, qui ne sont pas à proprement parler des esquisses mais plutôt un moyen de tester différents effets. Ce corpus inclut une série de 15 têtes de fous.

Un des plus grands, oilstick sur papier 109 x 78 cm peint en cinq couleurs en 1982, a été vendu pour $ 12M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013 sur une estimation basse de $ 7M et pour £ 6,2M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2016. On notera que le fou de Basquiat est de race blanche.

La Tête 76 x 56 cm à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin ne fait pas partie de la série des fous mais est de la même année que l'exemple ci-dessus, 1982. Ici l'artiste ne prend aucune position raciale : la peau est bleu vif. Il a utilisé sur papier la gamme de techniques de ses peintures sur toile, oilstick, encre et acrylique. Cette oeuvre à mi-chemin entre le dessin et l'oeuvre achevée est estimée $ 9M, lot 103.

15 juin 2020

Les Têtes Pahouines

Pour répondre au besoin de communiquer avec les morts, les sculpteurs du sous-groupe ethnique Fang-Betsi du Gabon ont produit des chefs d'oeuvres. Deux types de figures ont coexisté. Les statuettes en pied avaient un rôle rituel, tandis que les têtes, plus rares, servaient à une dévotion familiale.

Les têtes ont cette caractéristique remarquable d'apporter une individualisation des détails sur une forme générale qui est invariante : le front est large et bombé, les lèvres sont serrées, le menton est minimisé, le cou est un cylindre. Les artistes ont créé un superbe polissage sur des courbes géométriquement parfaites.

Au début du XXème siècle, quand plusieurs de ces têtes Fang, dites Pahouines à cette époque, ont pu être décrites et exposées ensemble, c'est bien l'observation simultanée de leurs similitudes et de leurs différences qui a bouleversé pour toujours l'art moderne européen.

Pour la famille qui conservait la tête, le défunt était identifiable à la fois par les traits du visage et par un attribut. Il est néanmoins impossible pour un observateur moderne de statuer si une tête est masculine ou féminine, malgré la diversité des coiffures.

Une tête Fang-Betsi de 23 cm de haut a été vendue pour $ 3,64M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2014 sur une estimation basse de $ 600K. Le nez est inhabituellement gros et les yeux sont rapprochés. L'attribut spécifique est un bâton qui traverse les narines.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend une tête Fang-Betsi de 28 cm de haut, lot 116 estimé $ 2,5M. Les grands yeux apportent une expression hypnotisante. L'attribut spécifique est une paire d'ailes posées sur les oreilles et qui débordent largement derrière la nuque.

14 juin 2020

Une Fenêtre sur la Californie

Richard Diebenkorn passe sa jeunesse à San Francisco. Il termine ses études à la California School of Fine Arts où il est l'élève de Clyfford Still. Pendant toute sa carrière, il voudra s'inspirer de l'expressionnisme abstrait tout en transmettant son admiration pour les paysages de la côte ouest,  dont il exprime avec une grande subtilité les nuances de couleurs.

Peinte en 1955, Berkeley #32 est une oeuvre paysagiste, avec une succession de champs et de bois qui mènent à la mer. Cette huile sur toile 150 x 145 cm a été vendue pour $ 10M incluant premium par Christie's le 15 mai 2019 sur une estimation basse de $ 6M.

Diebenkorn trouve dans les paysages peints par Matisse la solution de sa recherche. La vue au travers d'une fenêtre apporte une illusion de proximité. L'effet de distance n'est pas nécessaire, permettant de minimiser les détails topographiques. Peint en 1959, Ocean through the window a été vendu pour $ 4M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 1998.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend View from a Porch, huile sut toile 177 x 168 cm également peinte en 1959, lot 113 estimé $ 9M. La véranda masque partiellement l'avant-plan du paysage et son poteau central apporte une symétrie qui banalise le reste de l'image.

De 1967 à 1985 à Santa Monica, Diebenkorn peint sa série de 140 opus intitulée Ocean Park. La Californie n'est plus exprimée que par ses couleurs et le paysage est remplacé par un assemblage de triangles et de quadrilatères, mais une partie de la fenêtre reste souvent visible.

Par exemple, sur Ocean Park #20, le montant vertical central sépare de façon surréaliste le bleu clair du ciel et le bleu plus profond de la mer. Cette huile sur toile 236 x 203 cm peinte en 1969 a été vendue pour $ 10,2M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2014.

L'Orage Intérieur de Clyfford Still

En 1944 Clyfford Still peint un éclair rouge sur fond noir. Cette huile sur toile 268 x 235 cm est sans antécédent dans l'histoire de l'art. Comme un éclair d'orage dans une nuit profonde, la balafre occupe une surface limitée et exclut la ligne droite. Cet orage est pourtant imaginaire : l'éclair est composé de couleurs vives, posées au couteau avec des variations d'épaisseur qui apportent des effets de lumière.

Cette image semble spontanée, mais elle résulte en fait d'une composition rigoureuse. Elle a été précédée d'une étude à l'huile sur papier et suivie d'une autre huile sur toile quasiment identique, 264 x 220 cm.

En 1946 Still devient professeur à la California School of Fine Arts. Il donne l'exemple par ses représentations picturales de l'énergie, totalement non figuratives. Les éclairs disparaissent, remplacées par des formes aux bords déchiquetés, toujours créées au couteau.

L'huile sur toile 174 x 150 cm identifiée sous les références PH-144 et 1947-Y-NO.1 dans la double nomenclature des oeuvres de l'artiste montre l'envahissement d'une zone claire par des figures bicolores noir et rouge sang. L'artiste préparait lui-même ses pigments, et la partie claire est composée de plusieurs nuances de blanc équilibrées par une éclaboussure jaune.

Still renouvelle ici son exploit de créer une oeuvre quasiment identique, malgré la complexité complètement non-figurative des formes. Elle est référencée PH-584 et 1947-Y-NO.2.

Still, Rothko et Pollock tentaient avec des techniques complètement différentes d'exprimer leur implosion intérieure, ce qui explique aussi leurs tempéraments irascibles. A l'époque leur entente était bonne. Pendant l'été 1949 Mark Rothko vient enseigner au côté de Still, qui lui prête 1947-Y-NO.1 pour décorer son logement à San Francisco puis à New York.

1947-Y-NO.1 est estimé $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin, lot 109. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. 1947-Y-NO.2 a été vendu pour $ 31,4M incluant premium par Sotheby's le 9 novembre 2011.

13 juin 2020

Eternelle Modernité d'Eschyle

Francis Bacon a longtemps cherché sa voie pour illustrer les faiblesses humaines et la souffrance. L'influence majeure de son art est l'Orestie d'Eschyle. Quand il découvre cette trilogie, il cesse de détruire ses propres productions. Ce n'est certainement pas un hasard si son oeuvre séminale, réalisée en 1944 à l'âge de 35 ans, est un triptyque.

Cette peinture est intitulée Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion. Par défi envers le christianisme, il ne montre pas la Passion mais des images des Furies qui poursuivent éternellement de leur vengeance le coupable Oreste.

En 1962 Bacon conçoit un nouveau format pour ses oeuvres achevées : le triptyque d'huiles sur toile de dimension 198 x 148 cm pour chaque élément. Il en réalisera 28. Eschyle continue à le hanter. Un triptyque peint en 1976 montrant sur le panneau central Prométhée dévoré par l'aigle en présence des Furies a été vendu pour $ 86M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend Triptych inspired by the Oresteia of Aeschylus, peint en 1981, lot 105 estimé $ 60M. Je vous invite à regarder la vidéo First Look partagée par la maison de ventes.

Contrairement au Prométhée de l'exemple ci-dessus, l'artiste évite tout aspect narratif dans son Oresteia pour mieux se concentrer sur les sensations. La figure principale de chacun des trois éléments est constituée de fragments de nudités contorsionnées. Homosexuel, sado-masochiste et athée, Francis Bacon clame sa différence en prenant Eschyle comme référence d'interprétation des passions humaines et de l'impossibilité d'échapper aux Furies du destin.


Le Théâtre Rouge

Liu Ye finit ses études à Berlin en 1994. Inspiré par le surréalisme, il crée son monde dans lequel les enfants jouent sans rire le rôle des adultes. Son père était auteur de livres d'enfants et dramaturge. Le lourd rideau montre qu'on est au théâtre, un endroit où la fantaisie a remplacé la réalité. Les enfants sont parfois ailés.

Les couleurs sont des symboles : rouge pour le soleil et pour le drapeau chinois, bleu pour l'océan et le ciel. La lumière apportée par un éclairage de scène délimite une zone circulaire principale au centre de l'image.

Sur une oeuvre datée 1997-1998, un enfant marin écarte le rideau, dévoilant derrière la scène un immense bateau de guerre. A l'avant-plan à gauche, un garçon et une fille également habillés en marins ignorent la menace, le visage caché dans un livre ouvert. Cette huile sur toile 170 x 200 cm a été vendue pour HK$ 13M incluant premium par Sotheby's le 4 octobre 2008.

Le 8 juillet à Hong Kong, Phillips vend Choir of Angels, huile sur toile 170 x 200 cm peinte en 1999, lot 7 estimé HK$ 20M.

Onze filles ailées forment un choeur, sur deux rangs comme pour la photo d'une équipe de football. Elles sont toutes identiques, sans individualisation, et chantent à l'unisson avec la même position de la bouche. Elles tiennent la partition, sauf la fille à gauche au premier rang qui joue de l'accordéon : peut-être est-elle le chef. Derrière elles le rideau rouge est fermé. On ne saura pas pour quel public est cette représentation, ni ce que cache le rideau.

L'artiste a réutilisé le même groupe l'année suivante, devant un rideau bleu et sans éclairage de scène. Une petite peinture à l'acrylique, 38 x 45 cm, a été vendue pour HK$ 11,3M incluant premium par Christie's le 24 novembre 2019. Cette image plus paisible a été imprimée en 100 exemplaires en 2001.

12 juin 2020

La Femme en Bleu par Léger

VENTE PASSEE

L'art a besoin d'un renouveau qui soit compatible avec les progrès techniques. Chacun des peintres de cette avant-garde imagine des solutions différentes, mais ils ont besoin de se regrouper dans les expositions pour rencontrer et séduire le public. Ainsi le cubisme est un mouvement disparate, farouchement opposé à l'impressionnisme.

Fernand Léger est un rebelle. En 1910 il veut pousser plus loin que Cézanne la construction d'une composition sur des éléments géométriques. Les critiques narquois le qualifient de tubiste. Il faut qu'il trouve autre chose. Il ne veut pas du futurisme, parce que l'expression d'un mouvement ne répond pas à son désir d'une peinture pure.

Le cubisme analytique de Picasso et Braque réduit la lisibilité de la figuration pour tenter de promouvoir une émotion. De 1911 à 1913, Léger prépare trois oeuvres majeures inspirées par ce style : les Fumeurs, la Femme en bleu, le Modèle nu dans l'atelier.

La Femme en bleu est une suite de trois huiles sur toile. La première, 131 x 99 cm, datée 1912, est intitulée Esquisse pour La Femme en bleu. Selon les principes du cubisme analytique, les éléments constituant une femme assise sont reconnaissables. La nouveauté par rapport à ce style est la grande surface bleu vif du vêtement. La Femme en bleu proprement dite, datée de la même année, est un agrandissement à 193 x 130 cm avec une perte significative de la lisibilité.

En 1913 Kandinsky, Kupka et Mondrian dépassent aussi les frontières de la figuration, chacun avec des motivations différentes. Léger est le premier cubiste à tenter une abstraction totale basée sur le rythme des couleurs, avec ses Contrastes de formes. Une huile sur toile de jute de cette série a été vendue pour $ 70M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2017.

Il retravaille sa Femme en bleu dans ces circonstances. Le troisième opus également intitulé Esquisse pour la femme en bleu n'est pas daté 1913 mais 12-13 pour marquer la date de la conception initiale. Les traits du visage et le verre à dents à côté de l'évier, proches de la première Esquisse, anticipent le retour définitif de Léger à la figuration. Cette ultime version, 130 x 97 cm, a été vendue pour $ 39M incluant premium par Sotheby's le 7 mai 2008, lot 16.

Les Sculptures Pendues de Ruth Asawa

Ruth Asawa nait en Californie dans une famille d'émigrés japonais. La vie est difficile. Le père est maraîcher et l'enfant, déja attirée par la création artistique, observe les formes oblongues des légumes. L'entrée en guerre du Japon génère des persécutions.

La jeune femme développe une technique nouvelle, inspirée par le minimalisme d'Albers et par les paniers d'osier. Elle apporte la troisième dimension en remplaçant le crayon par un fil métallique qu'elle crochète en une multitude de boucles.

Les sculptures d'Asawa sont des alignements de structures oblongues.qui pendent au plafond. Chaque élément peut contenir une ou deux formes intérieures successives sans perdre leur transparence. Ils sont reliés entre eux par des rétrécissements qui peuvent être limités à un fil linéaire unique.

Le 1er juillet à New York, Bonhams vend l'oeuvre enregistrée sous la référence S.408 par le Ruth Asawa Estate. Réalisée vers 1954, elle aligne cinq lobes en deux groupes reliés par une chaîne, pour une hauteur totale de 127 cm. Le lobe supérieur de chaque groupe intègre une autre forme oblongue. Elle est estimée $ 1M, lot 9.

S.387, réalisée vers 1955, assemble trois lobes en un seul groupe. Chaque lobe intègre deux petits éléments en forme de poire positionnés l'un dans l'autre. Cette oeuvre de 84 cm de hauteur totale a été vendue par Christie's le 14 novembre 2019 pour $ 4,1M incluant premium sur une estimation basse de $ 700K.

Dans la phase suivante, les formes élémentaires sont imbriquées. S.437, réalisée en 1956, 260 cm de haut, a été vendue par LAMA (Los Angeles Modern Auctions) pour $ 1,43M incluant premium le 23 février 2014, record à cette époque pour une oeuvre d'Asawa aux enchères.

11 juin 2020

Beautés du Bain

François-Xavier Lalanne joint la forme animale à la fonctionnalité du meuble. Pour les toilettes, il choisit La Mouche. Il conçoit en 1968 pour Marcel Duchamp une baignoire intégrée dans un hippopotame grandeur nature en résine bleue, en commentant que le cheval de fleuve est mieux approprié qu'un zèbre pour cette application.

La baignoire de Duchamp est un échec opérationnel. Elle est trop grande pour être installée dans la salle de bains, et Teeny, la veuve de Marcel, la laisse dans son salon. En 1969, Lalanne réalise une  baignoire-hippopotame en laiton et cuivre. Cette pièce unique 128 x 84 x 290 cm a été vendue pour $ 4,3M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2019.

Le sculpteur suisse Edouard-Marcel Sandoz avait aussi choisi comme thème principal les animaux dans une ambiance sympathique et heureuse. Son petit-fils fait connaissance de la fille des Lalanne, qui participe alors à l'ambiance festive soixante-huitarde du "Grand Magic Circus et ses animaux tristes". Vingt ans plus tard il demande à François-Xavier de réaliser une famille d'hippopotames pour sa salle de bain.

Il faut une baignoire, un bidet et une toilette. François-Xavier objecte sur les deux petits équipements parce que les hippopotames n'ont pas de jumeaux, mais il finit par accepter. L'ensemble de ces trois pièces réalisées en 1992 est vendu en un seul lot par Sotheby's à Paris le 25 juin, lot 115 estimé € 2M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette fois-ci l'ensemble est utilisable. Les bêtes sont en bronze patiné, cuivre et métal doré, avec des éléments amovibles. Voici les dimensions : 122 x 75 x 245 cm pour la maman baignoire et 61 x 40 x 123 cm pour chacun des deux bébés.



10 juin 2020

Tête Sculptée de Dora Maar

VENTE PASSEE

Au début de 1941 Picasso transfère à son atelier de la rue des Grands Augustins sa série de bustes de Marie-Thérèse réalisée dix ans plus tôt à Boisgeloup. Il réalise la même année une tête en plâtre de Dora Maar de 80 cm de haut. Cette oeuvre dominatrice, plus grande que nature, est dans un style idéalisé qui est en opposition totale avec les portraits dramatiques ou allégoriques de Dora qu'il peint à la même période.

Ce plâtre est édité en bronze en deux exemplaires par Susse en 1958 plus deux exemplaires par Valsuani à une date non documentée.

Picasso avait une dette d'honneur envers Guillaume Apollinaire, mort en 1918. Il avait reçu une commande pour le monument funéraire de son ami au Père Lachaise mais aucun de ses projets n'avait été accepté. Au milieu des années 1950 il offre de fournir la statue de Dora comme symbole de la femme idéale pour un monument à Apollinaire dans le square de l'église de Saint-Germain des Prés.

Un des bronzes de Valsuani est installé dans le square en 1959. L'autre est conservé par l'artiste, ce qui laisse supposer que l'édition par Valsuani a été effectuée spécialement pour le projet Apollinaire.

L'exemplaire qui avait été conservé par Picasso a été vendu pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2007 sur une estimation basse de $ 20M, lot 22.

Les Illustrateurs de New Rochelle

New Rochelle, dans la banlieue nord de New York, développe une intense activité culturelle. Une société de production cinématographique y est créée dès 1909. Plusieurs illustrateurs et affichistes y ont leur atelier. Leyendecker, qui est alors le plus prolifique fournisseur de dessins de couverture pour le Saturday Evening Post, y installe son atelier en 1914.

Norman Rockwell rejoint cette confrérie informelle en 1915. Agé de 21 ans, il est déjà l'éditeur artistique du magazine des Boy Scouts of America. En 1916 le Post publie pour la première fois une de ses images en couverture, en impression duotone. Le thème, Boy with Baby Carriage, est familial.

Le thème des occupations innocentes dans le respect des valeurs familiales convient aux lecteurs. Désormais publié souvent par le Post, Rockwell travaille aussi pour plusieurs autres magazines.

Le 1er juillet à Dallas, Heritage vend Mother Tucking Children into Bed, également intitulée Mother's Little Angels, publiée le 29 janvier 1921 en couverture du Literary Digest. Restée jusqu'à ce jour dans la famille de l'éditeur, cette huile sur toile 72 x 62 cm est estimée $ 1,8M, lot 68161.

L'artiste a habilement associé tradition et modernisme. L'image circulaire est inscrite dans un carré qui simule un patchwork quilt. La scène est éclairée par une lumière électrique, qui rappelle que Rockwell fournit à la même époque des images publicitaires pour Edison Mazda Lightworks.

Pour la jeune mère attendrie et attentionnée qui se penche sur les deux chérubins endormis, Rockwell a pris comme modèle sa propre femme, Irene. La réalité familiale s'arrête là : Norman et Irene n'ont pas réussi à avoir des enfants et divorceront en 1930.

La couverture du Literary Digest est multicolore. Le Post, qui assure la gloire de Rockwell, aura sa première couverture en pleines couleurs en 1926.