31 janv. 2020

Le Sultan et le Prétendant

Pendant la saison 1927, les New York Yankees ont ce qu'on appellerait aujourd'hui un dream team, soigneusement constitué par le propriétaire du club, Jacob Ruppert, et le general manager, Ed Barrow. Six joueurs reçoivent collectivement le surnom de Murderers' Row : Combs, Koenig, Ruth, Gehrig, Meusel et Lazzeri.

Babe Ruth est le Sultan of Swat, signifiant que ses frappes sont dignes d'un roi. Pourtant il trouve dans sa propre équipe un jeune rival aussi talentueux que lui : Lou Gehrig. Les Yankees sont invincibles mais cette amicale rivalité interne rend la saison 1927 indiscutablement la plus passionnante de l'histoire du baseball.

Les fans comptent les home runs. A fin août, Gehrig mène avec 45 homers. En septembre, Ruth est déchaîné. Au milieu du mois, il apparaît clairement que sa performance sera imbattable. Il réussit le 30 septembre son 60ème homer de la saison, un remarquable record qui durera jusqu'en 1961, treize ans après sa mort.

Les journalistes sont là. Le 15 septembre, le Wide World Photos, service du New York Times chargé des photos d'actualité, prend une photo de Gehrig félicitant Ruth. Les deux joueurs sont en uniforme de baseball. Ruth tient une batte.

Le 22 février en ligne depuis Dallas, Heritage vend au lot 50032 un tirage dédicacé de cette photo en format 20 x 25 cm. Les deux signatures, inscrites par les joueurs sans commentaire superflu sur l'image de leurs pantalons, ont été gradées Auto 9 par PSA/DNA.

Un papier dactylographié a été collé au dos pour fournir les renseignements nécessaires à la publication. Il indique pour quelle raison ce moment est historique : "The King Still Reigns. New York : Lou 'Buster' Gehrig, pretender to the home-run crown, congratulates 'Babe' Ruth, who retained his title of 'Sultan of Swat' by outdistancing his younger rival in making round-trip hits".

Buster était alors un surnom attribué à Gehrig, après l'erreur d'un chroniqueur malentendant qui avait cru que Ruth appelait ainsi son jeune confrère. Ruth aimait ré-utiliser ce nom pour se moquer de l'incompétence des journalistes.

Un Meurtre

Quand il était adolescent, Keith Haring était impliqué dans les mouvements évangéliques chrétiens. Il s'engagea ensuite dans le street art, et se fit connaître par des figures de grandes dimensions dans le métro. Le jeune homme désire interpréter la vie et la mort avec des personnages récurrents qui interagissent et dansent. Le bébé, symbole d'espoir, est irradiant.

Le 13 février à Londres, Phillips vend une oeuvre du début de la carrière de l'artiste. Un large trait noir bordé de rouge sur ses deux côtés construit deux personnages. Des coulures de peinture rouge sur le fond jaune accroissent l'intensité dramatique. Ce vinyl sur bâche 245 x 245 cm peint en novembre 1981 est estimé £ 3M, lot 10.

Les deux personnages sont en opposition totale, simulant un meurtre. La jambe de l'assaillant traverse la victime par un grand trou ovale au milieu du ventre. La victime est innocente. Les bras sont levés en parallèle dans l'alignement des jambes et du corps. La croix chrétienne qui remplace le visage indique que ce personnage debout est dans le monde des morts.

Les oeuvres de Haring, comme celles de Basquiat, étaient codées pour une interprétation facile dans sa communauté. Cette oeuvre sans titre est liée à deux faits traumatisants : d'une part le meurtre de Lennon l'année précédente, d'autre part la "gay plague" de New York qui ne s'appelle pas encore le SIDA.

Le 29 juin 2017, la même maison de ventes a vendu pour £ 2,33M incluant premium une peinture au trait d'or et fond d'émail noir sur métal 152 x 146 cm réalisée en 1984, qui met en scène deux figures similaires. Dans leur rixe, les bras de chaque combattant traversent la tête et le corps du partenaire. Le X a remplacé le symbole chrétien pour indiquer que les deux personnages sont déjà morts, renforçant le message pacifiste de cette oeuvre.

30 janv. 2020

Cyclo-Cubisme

Une nouvelle tendance apparaît en 1910 au Salon d'Automne. Plusieurs jeunes peintres confrontent leurs visions sur un style qui promeut la forme et l'imagination aux dépens du réalisme et de la couleur. Le Fauconnier, qui connaît Kandinsky, est sans doute le plus avancé à cette étape.

Albert Gleizes et Jean Metzinger deviennent les théoriciens du groupe. Les nouvelles conceptions offrent une géométrie non-rationnelle, qualifiée de non-Euclidienne, et expérimentent la perspective multiple.

En 1911 la participation de ces artistes au Salon des Indépendants fait scandale, notamment parce que leur style diminue la lisibilité de l'image. Le mot Cubisme résulte du commentaire d'un détracteur. Pour mieux préparer l'avenir, Gleizes et Metzinger publient en 1912 un livre intitulé Du Cubisme, illustré d'oeuvres de onze artistes. Cézanne apparaît comme le précurseur et Léger comme le plus important artiste au côté des deux auteurs.

Des innovations séminales sur la visualisation du temps dans la peinture sont effectuées en 1912. Le mouvement est décomposé par Duchamp dans Le Nu descendant un escalier et par Balla dans Dinamismo di Un Cane.

Ce rapprochement de Duchamp avec les idées du Futurisme déplait aux cubistes. Metzinger, qui apparaît comme le meilleur fédérateur du cubisme grâce à ses relations avec Braque, Picasso et Apollinaire, tente cependant de nouvelles expériences.

Peint en 1912 par Metzinger, Au Vélodrome, huile sur toile 130 x 97 cm, montre le vainqueur de la course cycliste Paris-Roubaix dans l'effort du sprint final. Ce sport est bien adapté à cette nouvelle recherche esthétique parce que l'action de l'homme sur le vélo évoque immédiatement le mouvement, contrairement au conducteur dans l'automobile.

Au Vélodrome revient à la perspective unique mais perd l'unité de temps. Le personnage a fugitivement masqué l'arrière-plan sans l'annihiler. L'image offre les deux vues dans un effet de persistance rétinienne, comme si le cycliste était transparent.

Le Cycliste, peint la même année avec une surimpression similaire, montre un autre cycliste dans l'attitude d'un tour d'honneur. Les experts croient reconnaître la moustache d'Octave Lapize, trois fois vainqueur de Paris-Roubaix de 1909 à 1911. Cette huile et sable sur toile 100 x 81 cm est estimée £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 février, lot 5.

Braque et Picasso sont absents des expositions publiques en application d'un contrat d'exclusivité avec Kahnweiler. Ils prétendront à partir de 1914 avoir été les créateurs du Cubisme.

28 janv. 2020

La Grand-Mère du Roi

L'époque où Bugatti était invincible dans les Grands Prix est terminée. Face aux Alfa Romeo Tipo B soutenues par le gouvernement italien, les Types 51 et 54 ne sont pas compétitifs. Pour stopper cette décadence, Bugatti développe le Type 59. Six voitures sont construites en 1934.

La 59 ne gagne que deux Grands Prix : à Spa parce que les Alfa Romeo ont été accidentées et, de façon plus méritoire, en Algérie. La traçabilité des Bugatti de Grand Prix est basée sur les moteurs et pas sur les châssis, et il est impossible de discriminer les participations individuelles des voitures dans les compétitions.

Ces résultats décourageants auraient pu être anticipés : la 59 est trop lourde, trop rigide, pas assez puissante, avec une boîte de vitesses périmée et de mauvais freins. Elle ne sera pas remplacée : suite au succès du Type 55, haut de gamme des voitures de sport, Jean Bugatti donne la priorité aux roadsters.

En 1935 quatre 59 sont vendus à des clients anglais. La voiture portant le moteur n° 5 entreprend une longue série de modifications en usine. Habitués à sa présence dans leurs locaux, les mécaniciens la surnomment affectueusement Grand-Mère.

Grand-Mère est dorénavant une Bugatti 59 Sports, carrossée en deux places pour les compétitions sur les routes françaises où les Alfa Romeo ne viennent pas. Pilotée par Wimille, elle obtient de nombreux succès en 1937. Significativement, son nouveau châssis est numéroté comme une 57, effaçant définitivement la page des 59.

Grand amateur de voitures de luxe et important patron de la marque, Léopold III de Belgique acquiert en 1938 cette 59 Sports unique en son genre. Redécouverte dans l'ancien garage royal en 1967, elle est restée authentique dans la configuration de sa livraison par Bugatti au roi.

Grand-Mère est estimée au-delà de £ 10M à vendre par Gooding à Londres le 1er avril, lot 10. Voici le lien vers le communiqué de presse. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. Son image à Goodwood en 2012 est partagée par Wikimedia avec attribution : David Merrett from Daventry, England [CC BY]







Bugatti Type 59 at Goodwood Revival 2012 (1)

27 janv. 2020

L'Enfer du Caoutchouc

L'art de Jean-Michel Basquiat est politique, et il est un remarquable connaisseur de l'histoire de l'esclavage. En 1981 et dans la plus grande partie de 1982, il avait aussi été un amuseur, basant beaucoup de ses oeuvres sur la vie dans les rues, incluant les pieds de nez des vagabonds aux policiers.

Dès le début, il utilise des mots à l'imitation des tags. Les bourgeois y voient un complément encanaillé à l'illustration, mais le message est souvent ciblé et profond. Pollo Frito, dès 1982, est une allusion directe aux conditions de vie des esclaves dans le sud des Etats-Unis. Ce diptyque a été vendu pour $ 25,7M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2018.

En 1983 il internationalise sa vision en fustigeant l'esclavage antique des Noirs en Egypte, un fait social délibérément oublié par les historiens. Le mot NILE est à moitié biffé, comme un mensonge qui génère une question plus importante : la société d'aujourd'hui, basée sur la consommation, a-t-elle créé de nouvelles formes d'esclavage également niées par les bourgeois ?

Dans la dernière phase de sa très courte carrière, le thème de l'esclavage prend une place de plus en plus grande.

Le 11 février à Londres, Sotheby's vend Rubber, acrylique, oil stick et collage sur toile 220 x 173 cm réalisé en 1985, lot 8 estimé £ 6M.

Les couleurs dominantes sont un rouge et un orange violents, et les flammes de l'enfer apparaissent de façon répétitive. Le seul mot est RUBBER, inscrit avec une grande clarté. Dans les décennies 1880 et suivantes dans toute l'Amazonie, la fièvre du caoutchouc (ciclo da borracha) marque une résurgence de l'esclavage dans ses conditions les plus atroces, pour satisfaire les nouveaux besoins de la société de consommation.

Rubber est dominé par une tête noire très stylisée aux yeux vides, montée sur un fût qui peut servir de lampe. Il n'a ni bras ni jambe mais la flamme la plus proche de la tête a la forme d'une main qui sort d'un bain de lave incandescente.

Jim Crow, allusion directe à la discrimination raciale au Mississippi, montre un personnage similaire, sauf que le fût a retrouvé deux bras impuissants et trois paires de côtes. Cet acrylique et crayon gras sur bois parqueté 205 x 244 x 4 cm réalisé en 1986 a été vendu pour € 15M incluant premium par Christie's le 20 octobre 2017.

26 janv. 2020

La Tournée des Champions

Au temps de Marilyn, les acteurs et actrices de cinéma cristallisaient les admirations et les jalousies du grand public. En 1977 le collectionneur d'art Richard Weisman s'efforce de convaincre Andy Warhol que les temps ont changé. Les téléspectateurs plébiscitent désormais les transmissions en direct d'évènements sportifs, et l'ère du marketing sportif a déjà commencé.

Richard sélectionne dix champions qui dominent leur sport. Il ira les visiter avec Andy et leur équipe. Andy prend les photos avec son Polaroid. Revenu dans son atelier, il fait peindre les toiles à l'acrylique par ses collaborateurs, ajoute lui-même des griffures expressives dans la peinture encore humide et fait réaliser la sérigraphie.

La série des Athlètes, terminée en 1979, est composée de dix portraits de champions dans un format standardisé 40 x 40 inches (102 x 102 cm). 8 séries ont été réalisées. Les images sont multicolores, avec des variations d'une série à l'autre. Ce regroupement de dix éléments pour constituer une série était également standardisé par Andy pour ses gravures depuis 1967.

Ces rencontres entre deux mondes qui s'ignoraient réservent des surprises. O.J. Simpson a une barbe de cinq jours, Jack Nicklaus est furieux de l'incompétence sportive d'Andy. La rencontre avec Muhammad Ali commence par un interminable préambule au cours duquel il semble impossible d'arrêter le champion de parler.

Un ensemble de dix peintures a été vendu par Christie's pour $ 5,7M incluant premium le 11 mai 2011. Deux autres ensembles proviennent de la succession de Weisman. L'un d'eux a été séparé par Christie's à New York les 13 et 14 novembre 2019. L'autre sera séparé à Londres le 12 février, également par Christie's.

La comparaison de ces groupes apporte une information supplémentaire : le premier ensemble Weisman incluait Vitas Gerulaitis, tandis que les deux autres ensembles incluaient le joueur de hockey sur glace Rod Gilbert. Weisman a sans doute voulu cette substitution pour éviter que le tennis, déjà illustré par Chris Evert, soit représenté deux fois.

Muhammad Ali a été le seul à contrôler que son portrait correspondait bien à l'image de lui qu'il voulait laisser, tout aussi intrépide dans son militantisme que dans son sport. Il est le seul des onze dont le sport n'est pas symbolisé par un artefact : ses poings nus sont brandis vers l'artiste.

Le 13 novembre 2019, le portrait de Muhammad Ali a été vendu pour $ 10M incluant premium sur une estimation basse de $ 4M. Le portrait à vendre en février a été terminé en 1978. Il est estimé £ 3M, lot 8. Derrière le champion de boxe, le greatest est Pelé, vendu pour $ 860K incluant premium le 14 novembre 2019 et estimé £ 300K dans la prochaine vente, lot 27.

25 janv. 2020

Apocalypse Yesterday

Adrian Ghenie est un humaniste de notre temps. Son art prend référence à des personnages dérangeants, pour le bien ou pour le mal, de notre civilisation : Darwin, Van Gogh, Duchamp, Rothko, les singes, les dictateurs, Elvis. Il considère le XXème siècle comme une période d'humiliation qui perdure aujourd'hui. Il consacre son art à questionner comment on a pu en arriver là, incluant des auto-portraits situés dans des périodes où il n'a pas vécu.

Josef Mengele, le médecin SS d'Auschwitz, occupe une place de choix dans l'art de Ghenie. Il est le personnage réel de l'horreur absolue, comme le bushranger Ned Kelly peint par Sidney Nolan.

Au tribunal de Nuremberg, le Dr Mengele n'a pas été inquiété parce que les Alliés croyaient qu'il était mort. Il a vécu en Amérique du Sud, parvenant même à obtenir un passeport allemand avec sa propre identité en 1956. Mort au Brésil en 1979, il n'avait jamais exprimé de remords et n'avait pas été pris.

Le 11 février à Londres, Sotheby's vend The Arrival, huile sur toile 210 x 165 cm peinte par Ghenie en 2014, lot 5 estimé £ 2,5M. Une ambiance trouble est apportée par une fragmentation des surfaces dans le style de Boccioni.

Dans une jungle, un homme arrive avec une valise d'un jaune vibrant. Le visage est brouillé, comme pour les personnages les plus sinistres des peintures de Ghenie sur le thème de la nomenklatura. La moustache est la même que sur le passeport de 1956. Le personnage est Mengele et la jungle symbolise l'Amérique du Sud.

La figure a perdu son mystère pour générer la répulsion : son arrivée est une annonce de terribles projets. La valise est une allusion à la fuite de Mengele quand les Alliés ont libéré Auschwitz. Il avait emporté deux caisses d'échantillons et de documents de ses expériences qui démontraient selon lui la supériorité de la race Aryenne. Il est difficile de faire plus abject.

24 janv. 2020

La Vénus IKB

Dans sa recherche d'un art universel, Yves Klein cherche à exprimer la vie.  En 1958, dans une expérience qui n'a pas de suite immédiate, un modèle prend un bain de peinture bleue IKB avant d'apporter son empreinte sur une toile posée sur le sol.

L'année suivante Klein regarde Arman qui lance sur une surface blanche des objets préalablement encrés. Yves Klein imagine à nouveau de remplacer ces objets par des femmes nues. Le processus testé en 1958 n'est pas suffisant. Un rituel invoquant l'énergie vitale permettra de motiver les modèles ainsi que les participants à des happenings privés.

La première expérience a lieu le 23 février 1960 dans l'atelier de Klein à Montparnasse. Il enduit d'IKB son premier pinceau vivant, sa collaboratrice Rotraut Uecker, qu'il épousera deux ans plus tard. Restany, qui est présent, déclare avec enthousiasme : "Ce sont les anthropométries de la période bleue." Ce mot restera pour désigner les oeuvres réalisées par cette technique.

L'artiste persévère. Le 27 février, au même endroit, un photographe est invité à effectuer un reportage. Réalisée ce jour-là par Elena, une jeune femme qui avait travaillé au pair pour Arman, l'oeuvre cataloguée sous la référence ANT 132 est visible au mur sur plusieurs photos.

ANT 132 est composée de deux empreintes bien séparées, décalées pour apporter une illusion d'envol. Cet IKB sur papier tendu sur toile 150 x 96 cm est estimé £ 6M à vendre par Sotheby's à Londres le 11 février, lot 21.

Pour réaliser les Anthropométries, seuls le tronc et les cuisses sont enduits. Yves Klein y voit l'expression d'une force primordiale libérée de la pensée. En 1962 il peindra en IKB des modèles en plâtre de la Victoire de Samothrace et d'une Vénus décapitée.

23 janv. 2020

Etude pour un Ectoplasme

Lassé des exagérations sadiques de Peter Lacy, Francis Bacon rompt en 1959. Il dira plus tard : "I couldn't live with him, and I couldn't live without him." Son art offre désormais une horreur de la chair, comme par exemple l'épouvantable portrait de Muriel sur un canapé. Cette huile sur toile 165 x 142 cm peinte en 1961 a été vendue pour $ 28M incluant premium par Phillips le 14 mai 2015.

La mort sordide de Peter au printemps 1962 survient dans cette période déjà difficile pour Francis. Sous le titre Study for Portrait of P.L., il peint un portrait posthume de son ancien amant, assis jambes croisées sur le canapé. Cette huile sur toile 198 x 145 cm est passée à Sotheby's le 14 mai 2013.

Le thème de la mort continue à hanter Francis. Figure Turning, peint en 1962, est un nu aux jambes pliées dont la forme globale imite une volute de fumée. La texture du personnage est livide, et l'ombre au sol contribue à l'idée de l'au-delà. Cette huile sur toile 198 x 145 cm a été vendue pour $ 22,6M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014.

Turning Figure, huile sur toile 198 x 148 cm peinte au début de 1963, apparaît comme une synthèse de ces éléments morbides. La volute biomorphique réapparaît avec son ombre, encore plus déshumanisée. Les jambes sont croisées comme sur le portrait de P.L. Un peu plus loin, une autre forme occupe l'angle d'un caniveau, comme une menace rampante pour les vivants.

Turning Figure est estimée £ 6M à vendre par Sotheby's à Londres le 11 février, lot 23. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Francis Bacon réagit à la fin 1963 en renversant son rôle dans le couple sado-masochiste. Pour cette nouvelle phase de sa vie, il jette son dévolu sur un jeune voleur physiquement fort et psychologiquement faible nommé George Dyer.



22 janv. 2020

Deux Jours après le Miracle

Aux Jeux Olympiques de Lake Placid en 1980, l'épreuve de hockey sur glace oppose douze équipes nationales, chacune composée de vingt joueurs. La compétition commence par un premier tour de deux groupes de six équipes. Les Etats-Unis se qualifient laborieusement mais ils ont le meilleur gardien de but, Jim Craig.

Pour la phase finale, les Etats-Unis rencontrent l'Union Soviétique le 22 février. Personne ne conteste la suprématie des Soviétiques. Face à cette équipe expérimentée, les Etats-Unis alignent de jeunes joueurs universitaires qui n'avaient jamais joué ensemble. Les Etats-Unis gagnent sur le score de 4-3. Le commentateur de la radio ABC hurle dans son micro : "Five seconds left in the game. Do you believe in miracles ? YES !". Ce match extraordinaire est désormais identifié comme le Miracle on Ice.

Cette victoire ne suffit pas pour gagner le tournoi. Les deux derniers matchs sont joués le 24 février. L'URSS écrase sur le score de 9-2 la Suède, qui avait fait match nul 2-2 avec les Américains au premier tour.

Malmenés par la Finlande, les jeunes Américains finissent par gagner ce match sur le score de 4-2 et par conséquent gagnent le tournoi. C'est un grand jour pour Steve Christoff, qui a marqué le but de l'égalisation 1-1 et a assisté le but final marqué par Mark Johnson. Chacun des vingt joueurs reçoit une médaille d'or inscrite à son nom.

Le maillot porté par le capitaine Mike Eruzione a été vendu pour $ 660K incluant premium par Heritage le 23 février 2013. La médaille d'or qui avait été décernée à Mark Wells a été vendue pour $ 310K incluant premium par Heritage en novembre 2010. La médaille qui appartenait encore à Mark Pavelich a été vendue pour $ 263K incluant premium en mai 2014, également par Heritage.

En 2006 et 2007 Christoff a successivement vendu par l'intermédiaire d'un courtier spécialisé sa médaille d'or et son maillot du match décisif contre la Finlande. Ces deux lots sont maintenant listés par Goldin dans la vente en ligne qui se termine le 22 février, lot 2 et lot 3.

Beaucoup d'Hommes qui marchent

La scène racontée par Giacometti a lieu dans l'immédiat après-guerre, peut-être en 1945. Il va au cinéma à Montparnasse. Sur le boulevard, il voit des hommes qui marchent et des femmes debout. Chacun sait la raison de sa propre action, qui n'est pas connue des autres. Cette foule est un ensemble de personnages solitaires. Alberto n'est plus inspiré par le cinéma, qui n'est rien d'autre qu'une projection de lumière sur un écran. Il décide que son art sera plus proche de la vraie vie.

Il crée son univers en 1947 avec des personnages aussi filiformes que les fûts des lampes qu'il réalisait avant guerre pour Frank. Sa trinité séminale inclut l'homme au doigt qui ne réapparaitra jamais, comme le Godot de son ami Beckett.

A partir de 1948 il essaye des variantes d'attitude comme l'Homme qui marche sous la pluie ou l'Homme qui chavire. Elles sont aussi éphémères que l'Homme au doigt, parce qu'elles ne traitent pas le mystère de la solitude de l'individu dans le groupe.

En 1948 il positionne son homme qui marche en plusieurs exemplaires sur des plateaux, comme un enfant qui joue avec des soldats de plomb. Les Trois hommes qui marchent sont réalisés en deux versions, identifiées I et II, dans lesquelles ils se rapprochent ou s'éloignent les uns des autres. La Place, mettant en scène quatre hommes qui marchent et une femme debout, est également conçue en deux versions. Les mouvements cessent d'être incohérents : un groupe est en train de se former.

Ces quatre variantes fournissent la réponse la plus authentique à la recherche existentialiste de l'artiste. En 1950 sa créativité est plus fantaisiste, avec le regroupement de personnages d'échelles variées.

Les bronzes sont réalisés par la société Alexis Rudier.

Trois Hommes qui marchent I, 72 cm de haut, est édité en six exemplaires en 1950. L'exemplaire 2/6, terminé avec une patine brun foncé, a été vendu pour £ 9,4M incluant premium par Sotheby's le 25 juin 2008. Il est estimé £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 5 février, lot 14.

Un exemplaire édité en 1948 de Trois hommes qui marchent II, 76 cm de haut, a été vendu pour £ 10,7M incluant premium par Sotheby's le 22 juin 2011.

21 janv. 2020

La Corne Fauviste

Paul Signac avait été auprès de Seurat un des inventeurs du pointillisme, ou divisionnisme, une nouvelle façon de peindre basée sur la révélation d'une couleur par la juxtaposition de ses couleurs complémentaires. Il est aussi très engagé dans les cercles d'artistes. Co-fondateur en 1884 de la Société des Artistes Indépendants, il en sera le président de 1909 à 1934.

Henri Matisse était membre de cette Société depuis 1901. En juillet 1904, la famille Matisse rend visite à Signac dans sa maison de Saint-Tropez. Matisse n'est pas intéressé par les théories physiologiques des couleurs, et les deux artistes se disputent. Après ce séjour, leur influence réciproque deviendra flagrante.

Avec Luxe, Calme et Volupté peint à l'automne 1904 et acquis par Signac, Matisse essaye les couleurs pures de l'arc en ciel avec une touche divisionniste. Les vues de la Corne d'Or peintes par Signac en 1907 après son séjour à Constantinople appliquent des principes similaires Fauvistes tout en ajoutant sur plusieurs oeuvres la recherche d'une extrême luminosité.

Le chef d'oeuvre de cette série de la Corne d'Or est une huile sur toile 89 x 116 cm qui fut rachetée par sa famille après sa mort et a été vendue pour $ 16,2M incluant premium par Sotheby's le 12 novembre 2019.

Le 4 février à Londres, Sotheby's vend une vue de la Corne d'Or par Signac, récemment restituée par le gouvernement français aux héritiers d'un collectionneur spolié en 1940. Exemplaire par la confrontation de la brume matinale rose et violette avec les couleurs vives des barques et des chalets, cette huile sur toile 73 x 92 cm avait été choisie par l'artiste en 1908 pour être exposée au Salon des Indépendants. Elle est estimée £ 5M, lot 12.

Voici deux résultats incluant premium sur d'autres huiles sur toile de la même série : £ 6,2M par Christie's le 20 juin 2012 (73 x 93 cm), $ 4,7M par Sotheby's le 7 novembre 2007 (81 x 66 cm avec une composition différente, centrée sur un grand voilier), Une vue 73 x 92 cm peinte en 1909 a été vendue pour £ 4,8M incluant premium par Christie's le 18 juin 2007.

Connivence avec la Lune

Le surréalisme de Magritte est une juxtaposition incongrue d'éléments ordinaires facilement reconnaissables. Après guerre, il est célèbre et les spectateurs cherchent une interprétation surréaliste. Quand il n'y en a pas, comme dans L'Empire des lumières, l'artiste atteint une nouvelle dimension. Il devient un poète.

La Lune est un élément récurrent de l'art de Magritte. Complète ou en croissant, elle brille sur le crépuscule ou la nuit. En 1955 Le Maître d'école est un exemple de la nouvelle prépondérance de la poésie dans son art. Dans la lumière douce du crépuscule, l'homme au chapeau melon nous tourne le dos pour regarder un terrain vague bordé de quelques maisons. Le croissant lumineux est juste au-dessus du chapeau. Une gouache 33 x 25 cm a été vendue pour $ 6,7M incluant premium par Sotheby's le 5 novembre 2015.

La Lune est la reine de la nuit noire. En 1956 Le Seize septembre montre le croissant au-dessus d'un pré dominé par un grand arbre. On regarde de plus près : la Lune est en plein milieu de l'arbre au lieu d'être dans le ciel. Une version 162 x 130 cm peinte en 1957 a été vendue pour $ 19,6M incluant premium par Christie's le 11 novembre 2019.

Il n'y a rien d'impossible dans A la rencontre du plaisir, huile sur toile 46 x 55 cm peinte en 1962, sans relation avec des oeuvres antérieures de même titre. Probablement composée pour son cercle d'amis, cette peinture regroupe plusieurs éléments traditionnels de l'artiste. Elle est estimée £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 5 février, lot 32.

La pleine Lune brille au-dessus d'une clairière dans le ciel encore bleu d'un crépuscule bien avancé. L'homme au chapeau est dans la même position que dans Le Maître d'école, mais presque indiscernable dans cette ambiance encore plus sombre que dans L'Empire des lumières. A gauche, la composition est complétée par le rideau de théâtre, symbole d'un monde factice.

20 janv. 2020

Un Champion au Paddock

L'Aga Khan engage trois chevaux dans le Derby en juin 1936. Alfred Munnings assiste aux derniers préparatifs et prend des croquis. A 100 contre 8, Mahmoud n'est pas le favori mais son lad a confiance dans sa vitesse. La mère de sa mère avait été surnommée The Flying Fillie pour sa vitesse inégalée.

Les pur sang, tout comme les athlètes, sont capables d'exploits exceptionnels. Le printemps avait été sec et le sol très dur convenait parfaitement à Mahmoud. Il gagne le Derby avec une dernière ligne droite sans faute, battant le record de l'épreuve en 2 minutes 33,8 secondes. La deuxième place de son compagnon d'écurie Taj Akbar complète le triomphe de l'Aga Khan en un doublé qui reste unique dans l'histoire du Derby.

Le prince commande deux peintures à l'artiste. La plus grande, pour son usage personnel, est une huile sur toile 98 x 130 cm. Elle sera vendue par Sotheby's à New York le 31 janvier, lot 442. La plus petite est une huile sur panneau offerte à l'entraîneur du cheval. Elle a été vendue pour $ 3,8M incluant premium par Sotheby's le 1er juin 2000. Les deux pièces ont une composition identique. Un timbre copiant cette image a été émis par la Royal Mail en 1979.

Dans le paddock d'Epsom, Mahmoud se fait seller. Son attitude est tranquille, avec les oreilles couchées. C'est un beau cheval gris clair, avec toute la finesse d'un pur sang arabe. A gauche au second plan, Taj Akbar est plus fringant. Les deux chevaux sont entourés de personnages actifs, parfaitement identifiés, de l'équipe de l'Aga Khan.

Mahmoud continue sa carrière comme étalon, pour l'Aga Khan à Newmarket jusqu'en 1940 puis pour C.V. "Sonny" Whitney dans le Kentucky. Whitney acquiert également l'huile sur toile du Derby, à une date non documentée. La peinture a appartenu ensuite à sa veuve Marylou, récemment décédée, connue pour son brillant engagement dans les courses de chevaux américaines.

Sonny était le cousin de J.H. "Jock" Whitney, qui fut également un grand propriétaire de chevaux de course. Sa collection de peintures, vendue par Sotheby's le 5 mai 2004, incluait deux chefs d'oeuvre sur ce thème. The Red Prince Mare, huile sur toile 102 x 152 cm peinte par Munnings en 1921, a été vendue pour $ 7,8M incluant premium. Les Courses au Bois de Boulogne, huile sur toile 73 x 94 cm peinte par Manet en 1872, six ans avant la décomposition du galop par Muybridge, a été vendue pour $ 26,3M incluant premium.

19 janv. 2020

Danse Macabre à Berlin

Né à Berlin, George Grosz a 21 ans en 1914. Ecoeuré par les atrocités de la guerre, il est réformé deux fois de l'armée allemande. Il échappe ainsi en 1917 à une probable exécution parce qu'il est considéré comme aliéné.

La société civile le dégoûte tout autant. Pendant que les cadavres pourrissent sur les barbelés, les survivants s'adonnent à tous les vices dans Friedrichstrasse. Les prostituées règnent sur cette décadence de plus en plus misérable. La guerre sera perdue mais personne n'y fait attention.

Grosz proteste par une caricature prolétaire, violemment antimilitariste et anti-bourgeoise. Il tentera sans succès de s'approcher des mouvements révolutionnaires et dadaïstes et son art sera censuré par tous les régimes. Pour les Nazis, il sera le pire Bolcheviste culturel. Beaucoup de ses oeuvres ont été détruites.

Le 5 février à Londres, Christie's vend Gefährliche Strasse (la rue dangereuse), huile sur toile 47 x 65 cm peinte en juillet 1918, lot 6 estimé £ 4,5M.

L'image juxtapose deux scènes cauchemardesques qui symbolisent le sexe et la mort. Une prostituée hilare, nue sous ses vêtements transparents, excite une foule lubrique. Au premier plan, un austère soldat aux joues émaciées tourne résolument le dos au reste de l'histoire. Les hurlements de Grosz sont dignes des désastres de Goya.

L'action est montrée dans une ambiance nocturne aux couleurs sombres, avec une fragmentation futuriste dans le style de Boccioni. En bas à droite, la silhouette d'une tête exprimant la répulsion ou la colère est considérée comme un auto-portrait de l'artiste.

L'Hédonisme Caché de la Californie

En 1964 le jeune David Hockney cherche un Paradis sur terre. Son avion survole San Bernardino. Sa première vision de la Californie est le réseau des piscines cachées derrière les bungalows, qui permettent aux habitants de pratiquer en toute discrétion toutes les formes d'hédonisme sous un soleil éclatant.

Revenu en Californie en 1966, David est très excité par une photo instantanée en couleurs en couverture d'un manuel de construction de piscines. Le premier plan est un plongeoir. L'eau est agitée par les éclaboussures que vient de provoquer un plongeur invisible.

L'artiste copie la photo en une première version de peinture, A Little Splash, 40 x 50 cm. La peinture libère le thème de son aspect documentaire. Cette scène où aucun personnage n'est visible symbolise avec beaucoup plus de force la joie de vivre. Les quatre bords de la toile ne sont pas peints, afin d'imiter l'encadrement d'une photo.

L'effet est spectaculaire. David réalise avec une grande minutie deux acryliques de grande dimension, The Splash, 183 x 183 cm, avant la fin de l'année, et A Bigger Splash, 242 x 244 cm, l'année suivante. L'artiste s'est plus tard amusé d'avoir consacré deux semaines à l'expression d'une éclaboussure qui n'a pas pu durer plus de deux secondes.

The Splash a été vendu pour £ 2,9M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2006, un prix très élevé pour cet artiste à cette époque, et est estimé £ 20M à vendre par Sotheby's à Londres le 11 février, lot 16.

Hockney offre dans son art l'interprétation de sa fantaisie, sans recherche du réalisme. Par exemple, l'horizon reste inspiré par le modèle photographique mais est prolongé au travers du bungalow sans que l'on puisse statuer s'il s'agit d'une perspective ou d'un reflet. Une illusion surréaliste similaire figure dans une oeuvre de la même période, Beverly Hills Housewife, vendue pour $ 7,9M incluant premium par Christie's le 13 mai 2009.

Une architecture minimaliste représente mieux les habitations Californiennes. Le toit du Splash tel qu'il avait été photographié par le spécialiste des piscines était encore trop classique. Il sera supprimé dans le Bigger Splash et le BH Housewife.

18 janv. 2020

La Route de l'Elégance

Pour rester compétitif en Grand Prix, Bugatti remplace la Type 35 par la Type 51 en 1931. La Type 55 est la version routière de la 51 avec le même moteur 8 cylindres en ligne 2,3 litres légèrement désaccordé.

La production de la 55 commence en 1932. Un des tout premiers clients est Guy Bouriat, qui vise le Mans. Sa voiture, prête juste à temps pour cette compétition, est vue comme la meilleure représentante de l'industrie française face à l'Alfa Romeo 8C 2300 qui a le même déplacement moteur et est également surcompressée.

Un caillou de la route perce le réservoir, mettant fin à cette première sortie. Bouriat vend aussitôt après la voiture à Jacques Dupuy. Le nouveau propriétaire est le fils de feu Paul Dupuy, un patron de presse qui organisait des évènements de sports mécaniques dans les années 1910 pour Le Petit Parisien et a créé en 1920 l'hebdomadaire Miroir des Sports.

Jacques ne veut pas conserver la carrosserie qui avait été construite spécialement pour répondre aux règlements pointilleux du Mans. Il ne veut pas non plus du roadster sans porte conçu par Jean Bugatti. Sa voiture est carrossée selon ses plans en supersport deux places par Figoni.

Jacques Dupuy mène sa 55 jusqu'en 1936 dans des évènements pittoresques typiques de cette époque : courses routières par étapes, courses de côtes, kilomètre départ arrêté, freinage. Il remporte la compétition composite Paris-Nice en 1933.

Sans oublier les concours d'élégance féminine. Avec cette Bugatti conduite par un mécanicien en livrée et accompagnée de deux chiens, la comtesse de Rivals-Mazères gagne un phonographe au Concours d'Elégance du Bois de Boulogne sponsorisé par les journaux Fémina et L'Intransigeant.

Cette 55 Figoni unique en son genre a gardé une très bonne authenticité malgré un grave accident en 1994. Elle est équipée du moteur d'origine d'une autre 55. Après 56 ans consacrés au plaisir d'un propriétaire enthousiaste, elle est estimée € 4M à vendre par Bonhams à Paris le 6 février, lot 268.

17 janv. 2020

Pissarro joue avec le Feu

Camille Pissarro a pu être considéré comme l'ultime garant du mouvement impressionniste. Il est le seul artiste dont des peintures ont été incluses dans les huit expositions du groupe. Il pourrait tout aussi bien être considéré comme leur fossoyeur : le refus de Monet, Sisley, Renoir et Caillebotte de participer à la huitième et dernière exposition en 1886 est une protestation contre le support apporté par Pissarro à ses nouveaux amis Seurat et Signac.

Pissarro s'est éloigné de la région Parisienne en 1884 pour s'installer à Eragny-sur-Epte, près de Gisors et pas bien loin de Giverny. Il observe la vie paysanne authentique dans un agréable paysage champêtre. C'est là que, pour mieux s'approprier l'ambiance tranquille du lieu, il utilise les techniques divisionnistes. Seurat est très fier de cette apostasie de l'impressionnisme par un des ses plus célèbres promoteurs.

Le divisionnisme, ou pointillisme, est une technique laborieuse, qui s'avère difficilement compatible avec l'envie de spontanéité et d'humanisme de Pissarro. Au moment de la mort prématurée de Seurat en 1891, il déclare que cette technique ne lui convient plus. La peinture hachurée au couteau des oeuvres pointillistes de Pissarro ouvre cependant la voie à la touche précise et minutieuse de la suite de sa carrière.

Signac avait réussi à convaincre Seurat que le pointillisme prenait tout son avantage pour exprimer une lumière intense. Cette remarque est superbement appliquée par Pissarro dans sa peinture Gelée blanche sous-titrée Jeune paysanne faisant du feu, huile sur toile 93 x 93 cm conçue au printemps 1887 et terminée en juillet 1888.

Par un matin ensoleillé d'hiver, une paysanne aidée d'un jeune garçon alimente un grand feu de bois dans un pré. Elle est courbée sous le vent qui pousse sa jupe, imitant la position de la femme dans l'Angelus de Millet comme un pied de nez de l'anarchiste à la scène religieuse de son prédécesseur. Les chauds vêtements du garçon confirment l'ambiance de froid très vif.

L'exploit technique de cette oeuvre est l'extrême luminosité de la fumée, constituée d'un réseau de hachures bleues croisées progressivement entrecoupées de larges traits blancs dans un effet de contraste qui apporte une illusion tridimensionnelle.

Cette peinture brillante est un tour de force peut-être unique de la courte période pointilliste de Pissarro. Elle a été saisie en 1940 à Paris chez un collectionneur juif. Restituée en 2018 à ses héritiers après avoir été confiée pendant dix-huit ans au Musée d'Orsay, elle est estimée £ 8M à vendre par Sotheby's à Londres le 4 février, lot 11.

Les Métamorphoses de Rodin

Dans sa recherche de l'expression d'une sensualité extrême, Rodin observe les plus beaux corps, nus et musclés dans toutes les contorsions de la gymnastique. L'Age d'airain, vers 1877, est un homme debout. Le Torse d'Adèle, vers 1882, est une femme couchée avec le dos très cambré.

Cette approche sans précédent dans l'histoire de la sculpture lui apporte en 1880 la commande par la direction des Beaux-Arts d'une porte monumentale destinée au futur Musée des Arts Décoratifs. Il travaillera sans relâche sur ce projet, avec comme fil conducteur l'Enfer de Dante. Il ajoute et retire continuellement des thèmes, et fait réaliser des bronzes et des marbres de ses figures.

Ainsi l'Eternel Printemps, un de ses plus célèbres groupes, est disqualifié pour la Porte quand Rodin vient à considérer que ce couple engagé dans une étreinte charnelle n'est pas tragique.

Conçue en 1887, la Faunesse, également nommée la Satyresse, a une place incontestée dans la Porte. Elle est à genoux avec les pieds croisés. La position des mains en parallèle entre les omoplates permet de cambrer le corps mince, comme une version redressée du torse d'Adèle.

Baudelaire avait considéré Venus comme l'avatar ultime des diablesses, faunesses et satyresses. La Faunesse à genoux de Rodin a un corps humain parfait mais le museau bestial d'une chèvre, attendant sans retenue le moment du péché charnel. Conscient de cette brutalité qui convient parfaitement pour l'Enfer, l'artiste conçoit vers 1890 deux versions douces avec une tête humaine, Le Réveil et La Toilette de Venus.

Rodin a dédicacé pour son ami Puvis de Chavannes un exemplaire en marbre de Carrare blanc de la Faunesse à genoux. Bien que cette sculpture ne soit pas identifiée explicitement dans la correspondance entre les deux artistes, elle est probablement l'objet d'un remerciement envoyé par Puvis de Chavannes à Rodin en août 1890.

Ce marbre de 54 cm de haut a été vendu pour € 720K incluant premium par Cornette de Saint Cyr le 6 juillet 2011, lot 23. Je l'avais discuté dans cette chronique avant la vente. Il est estimé £ 1M à vendre par Christie's à Londres le 5 février, lot 21.

16 janv. 2020

Les Femmes de la Génération Perdue

Tamara de Lempicka organise sa carrière avec l'habileté d'une femme d'affaires. Pour que son style de portrait devienne facilement reconnaissable, elle conçoit une synthèse entre les traits précis des Maniéristes italiens et les longs corps dénudés d'Ingres. La forme et la couleur doivent rester simples et naturels, à l'opposé de l'impressionnisme. Pour l'ambiance du fond, elle s'inspire du cubisme de Lhote.

Après les premiers succès, elle gagne son autonomie. En 1928 elle achète un appartement à Paris. Après l'avoir fait aménager dans le style moderniste par Mallet-Stevens, elle l'utilise comme atelier, salle d'exposition et salon mondain. Elle n'a plus besoin de son mari. En divorçant, elle apparaît comme une femme libérée qui influe sur le style de vie.

Les jeunes hommes ont été décimés par la guerre et les survivants ont perdu leurs repères. Ils constituent la "génération perdue". Les relations sociales se transforment à l'avantage des femmes les plus entreprenantes pour lesquelles Greta Garbo devient la référence.

La crise financière de 1929 accentue ces bouleversements. Les aristocrates excentriques qui avaient constitué sa première clientèle sont ruinés. Les nouveaux riches cherchent des signes ostentatoires de la pérennité de leur pouvoir. Ils achètent des voitures de luxe et épousent les plus jolies femmes. Lempicka peint les portraits de ces jeunes dames, avec une intimité favorisée par sa bisexualité. Son seul concurrent à Paris est Van Dongen.

Les portraits de femmes peints à cette époque par Lempicka montrent une attitude dominatrice et inaccessible, avec un regard dans l'ombre et un petit sourire narquois. Les drapés sont d'une grande variété, sans forcément s'appuyer sur la mode du moment.

Cette phase cesse en 1934 quand elle épouse un riche baron Hongrois. Elle n'a plus besoin de ses clients et ses thèmes deviennent plus allégoriques sans toutefois changer de style.

Peint en 1932, le portrait de Marjorie Ferry est une huile sur toile 100 x 65 cm. Marjorie est une chanteuse de cabaret anglaise qui a épousé un riche financier. Le mari est le commanditaire de l'oeuvre, qui a été gardée dans la descendance jusqu'en 1995.

La jolie blonde est nue au-dessus de la ceinture, et enveloppée d'une ample draperie satinée qui la fait comparer à une déesse antique. Le dos bien éclairé est sensuel et le regard tourné vers le spectateur est un peu insolent. Elle est debout derrière un banc de bois qui peut être un accessoire de théâtre et le fond Hollywoodien est constitué de colonnes grecques. Elle baisse la tête pour rester dans le cadre, comme le flamant rose d'Audubon.

Cette peinture a été vendue pour $ 4,9M incluant premium par Sotheby's le 5 mai 2009. Elle est estimée £ 8M à vendre par Christie's à Londres le 5 février, lot 8.

14 janv. 2020

Un Trop Long Règne

George III est atteint en 1810 d'une maladie mentale incurable, et son état de santé s'aggrave au fil du temps. Le prince de Galles, futur George IV, assure la régence.

Pendant cette période, la victoire finale sur l'empire Napoléonien mène le Royaume-Uni au bord de la ruine financière. La réforme de 1816 définit une nouvelle monnaie, nommée souverain ou livre, par référence à un étalon or. La monnaie d'argent est dévaluée et la guinée devient périmée.

Pour graver la nouvelle monnaie, la Royal Mint embauche Benedetto Pistrucci, un médailliste Italien récemment arrivé à Londres. Le souverain d'or montre sur l'obvers la tête laurée d'un ancien portrait du roi, et sur le revers une image dynamique de St George terrassant le dragon.

Il faut maintenant préparer les plus hautes dénominations. Le 5-sovereigns succède au 5-guineas, dont la dernière émission datait de 1753. La création d'un double sovereign est également décidée. Ces deux pièces ont le même dessin, basé sur le sovereign de 1817 avec un rajeunissement du visage du roi et le remplacement de la lance brisée du saint par une épée.

Au début de 1820, les matrices sont prêtes pour les deux nouvelles dénominations. La mort du roi le 29 janvier oblige à annuler le projet de ces émissions. La production est limitée à 25 pièces d'or de 5 livres et 60 pièces d'or de 2 livres. Chacune de ces valeurs existe en deux variantes : le bord est lisse ou inscrit en relief d'une référence à la 60ème année de ce trop long règne.

Un pattern five pounds à bord gravé, gradé PR63 Deep Cameo par PCGS malgré une rayure derrière la queue du cheval, avec une riche couleur peau d'orange, a été vendu pour £ 300K hors frais par Spink le 14 mai 2015 sur une estimation basse de £ 100K. Elle est estimée $ 425K à vendre le 19 janvier à New York par Baldwin's of St James's, lot 169 ici lié sur la plate-forme d'enchères NumisBids.

Le lot 170 de la prochaine vente, estimé $ 70K, est le meilleur exemplaire du pattern two pounds, gradé PR64 Ultra Cameo par NGC. Il a également le bord gravé.

Le double souverain d'or de George IV est mis en circulation en 1823, suivi deux ans plus tard du five sovereigns.

La participation de William Wyon en 1820 aux retouches du dessin de Pistrucci est possible. Toujours est-il que la Una and the Lion de Wyon qui symbolisera en 1839 le nouveau règne de Victoria est incontestablement une féminisation de cet héroïque St George.

12 janv. 2020

La Tête dans le Vent à 355 km/h

Le Salon de l'auto de Genève en mars 2013 marque le début d'une ère nouvelle. Trois constructeurs proposent des coupés capables de vitesses extrêmes sans perdre l'homologation routière. Avec un prix de $ 4,6M annoncé à Genève, la Lamborghini Veneno sera trois fois plus chère que ses concurrentes, la Ferrari LaFerrari et la McLaren P1.

L'objectif industriel n'est cependant pas le même. La production commerciale du coupé Veneno est limitée à trois exemplaires. Très active pour célébrer sa 50ème année, Automobili Lamborghini dévoile en octobre 2013 son projet de roadster Veneno à construire en neuf unités. Le prix annoncé est € 3,3M hors taxes, soit $ 600K de plus que le prix final estimé du coupé.

Cette réalisation d'une voiture sans toit qui maintient jusqu'à 355 Km/h la sécurité légalement requise et le respect des normes anti-pollution est un exploit technique, pour lequel Lamborghini a trois ans d'avance sur la LaFerrari Aperta. L'argument de vente est la sensation de dominer la route.

Basée sur l'Aventador dont une version roadster est également lancée en 2013, la Veneno est spécialement étudiée pour l'optimisation des circulations d'air et la stabilité dans les virages. Le renforcement du châssis rend le roadster Veneno 50 Kg plus lourd que le coupé mais les performances sont identiques.

La production des neuf roadsters est effectuée comme prévu. Le premier exemplaire est dévoilé à Abu Dhabi en décembre 2013. Titré 2014, le septième a été vendu pour CHF 8,3M incluant premium sur une estimation basse de CHF 5,2M par Bonhams le 29 septembre 2019, avec 325 km au compteur. Avec 450 km au compteur, le second roadster Veneno, titré 2015, est estimé € 4,5M à vendre par RM Sotheby's à Paris le 5 février, lot 153.

La Mercedes-Benz Super Sport

Après la fusion de Daimler et Benz, Ferdinand Porsche introduit en 1927 la gamme de voitures de sport Mercedes-Benz Typ S avec moteur surcompressé. Les premiers modèles sont le S400 (4 litres) et S630 (6,3 litres). Le S680 (6,8 litres) est développé à la fin de la même année.

Mercedes-Benz maîtrise désormais la technologie qui lui permettra de gagner les compétitions. En 1928 la SSK, code interne W06, est équipée d'un moteur de 7,1 litres. La vitesse de pointe est 190 Km/h, une performance exceptionnelle à cette époque.

Le W06 est également offert pour la route, sous la référence 710 SS 27/140/200. SS, signifiant Super Sport, est une nouvelle désignation pour identifier le modèle. Les trois nombres qui suivent indiquent en cv la puissance fiscale et la puissance réelle sans et avec le compresseur.

Mercedes-Benz vise aussi l'exportation. Un châssis roulant assemblé en 1929 est envoyé à New York. Le châssis a été partiellement chromé, probablement avant d'être exposé sur le stand de la marque au salon de New York en 1930.

Ce châssis vient ensuite temporairement en France pour recevoir une carrosserie en Sport Tourer à quatre portes par Fernandez et Darrin. Travaillant à Paris pour une clientèle américaine, Darrin est un spécialiste de Hispano-Suiza et Duesenberg. Son modèle grand tourisme est une carrosserie sans marche-pied qui accentue l'apparence sportive du véhicule.

Cette Mercedes-Benz du plus haut de gamme de la période Ferdinand Porsche est estimée € 6M à vendre par Artcurial à Paris le 7 février, lot 45. Son authenticité est certifiée par Mercedes-Benz Klassik.

10 janv. 2020

Les Dragons d'Argent de Luigi Giorgi

La standardisation de la monnaie est indispensable pour le maintien de l'unité politique de la Chine. La production est centralisée à Tianjin et le dollar vient remplacer le système compliqué basé sur des fractions du tael.

L'usine de Tianjin survit aux changements de régime : la chute des Qing est suivie de la république, proclamée le 1er janvier 1912, interrompue en 1915 par l'auto-proclamation de son président Yuan Shikai comme empereur et rétablie après sa mort en 1916.

De 1910 à 1920 le concepteur principal et graveur en chef de l'usine de Tianjin s'appelle Luigi Giorgi. Il réalise plusieurs projets de monnaies d'argent dont certaines sont signées de son nom. Ses pièces sont dessinées et gravées avec une grande finesse. Son One Dollar au Dragon dans les nuages daté de la 3ème année de l'empereur enfant Xuantung, 1911 CE, est la dernière monnaie impériale des Qing.

Conçu la même année par Giorgi, le dollar d'argent au Dragon aux longues moustaches n'a pas été accepté pour circulation. La meilleure pièce survivante est gradée SP-65 par NGC. Elle a été vendue pour $ 430K incluant premium par Bowers and Merena le 4 décembre 2010 sur une estimation basse de $ 50K. Elle est estimée $ 400K à vendre le 17 janvier à New York, lot 20246. par Stack's Bowers successeur de Bowers and Merena.

La chute des Qing rend obsolète le dragon, symbole impérial bientôt remplacé par le portrait de Yuan Shikai. Les dollars d'argent à cette effigie datés de l'an 3 de la République, 1914 CE, ont également été préparés à Tianjin par Giorgi.

9 janv. 2020

La Signature de John Hancock

John Hancock, très riche marchand de la Nouvelle-Angleterre, était particulièrement pénalisé par les nouvelles lois fiscales de la puissance coloniale. Son engagement dans les évènements sanglants de la résistance à Boston le rendait populaire auprès des patriotes. Il devient président du second Congrès Continental, ouvert en mai 1775, après une défaillance de santé du président initialement nommé.

Le Congrès débat de la stratégie à adopter face à l'Angleterre : réconciliation équitable ou séparation. Les partisans de l'indépendance forment un comité pour préparer une déclaration qui est rédigée par Jefferson.

Hancock préside la séance du 4 juillet 1776 au cours de laquelle les délégués acceptent le texte du comité d'indépendance. Désormais le temps presse. John Adams dira plus tard : "We were all in haste". Le document préparé par Jefferson est signé par Hancock et attesté par le secrétaire du Congrès, Charles Thomson. Il est aussitôt fourni à John Dunlap, l'imprimeur officiel des documents du Congrès.

Dans la nuit du 4 au 5 juillet, Dunlap imprime un broadcast en environ 200 exemplaires. Pour accompagner le broadcast, Hancock prépare une lettre incitant à sa proclamation publique. La lettre est écrite par un clerc en treize exemplaires les 5 et 6 juillet, et envoyée à une personnalité ou à une assemblée dans chacune des treize colonies. Un envoi similaire est fait à deux chefs de guerre dont Washington.

Chaque lettre est signée par Hancock. Sa puissante signature, d'une grande lisibilité et soulignée d'un petit monogramme, est restée proverbiale aux Etats-Unis.

Le 27 janvier à New York, Sotheby's vend une des lettres signées par Hancock, lot 2271 estimé $ 600K. Le nom de l'état destinataire a été gratté. Elle n'est pas une des neuf lettres aux états dont le destinataire a été identifié. Par élimination, elle est l'annonce de la Déclaration par Hancock pour l'usage en Georgie, Caroline du Nord, Caroline du Sud ou Virginie. Parmi les neuf lettres dont le destinataire est documenté, cinq sont actuellement perdues.

Les délégués présents à la séance du 4 juillet n'ont pas été invités à signer avec Hancock et Thomson. Le manuscrit d'origine est perdu, sans doute détruit par Dunlap après usage. Le 19 juillet, le Congrès décide de préparer une nouvelle copie pour recevoir toutes les signatures.

8 janv. 2020

Abstraction par Henry Moore

Après Cézanne, les peintres ont exploré le dynamisme des formes. Les sculpteurs cherchent des voies similaires. Brancusi atteint la simplicité, qu'il ne définit pas comme un but mais comme l'ultime expression du réel.

Mieux que les peintres, les sculpteurs ont à leur disposition l'infinie variété des pierres et des bois. Les objets d'art avec lesquels les civilisations primitives cherchaient leur vérité mystique avaient déjà des lignes simplifiées. Les argiles naturalistes de Rodin sont passés de mode, et les avant-gardes préfèrent la taille directe.

Dans les années 1920, Henry Moore trouve ses modèles de têtes humaines et animales dans l'art pré-colombien.  Il observe l'asymétrie structurelle des masques, qui offrent à la fois la vue convexe et la vue concave du visage. Un masque en albâtre de 19 cm de haut sculpté en 1929 a été vendu pour £ 3,25M incluant premium par Bonhams le 14 novembre 2018 sur une estimation basse de £ 1M.

Pour Moore, l'étape suivante est l'asymétrie de la tête, avec une simplification des traits qui efface l'expression faciale. Une Tête de 27 cm de haut en pierre de Hopton Wood du Derbyshire, sculptée en ronde bosse vers 1935, a été vendue pour £ 4,6M incluant premium par Christie's le 19 juin 2018 sur une estimation basse de £ 2M.

Sans doute inspiré par Giacometti qu'il a rencontré pour la première fois en 1933, Moore tente une abstraction parsemée de détails qui peuvent être interprétés comme biomorphiques. Le 21 janvier à Londres, Christie's vend Square Form, sculptée en 1936, lot 8 estimé £ 3M.

Square Form est une plaque en pierre brune de Hornton, un calcaire de l'Oxfordshire qui est une des pierres préférées de l'artiste par son grain tacheté qui ressemble à un bois. Le carré de 54 cm de large aux bords irréguliers peut évoquer un visage.

La pierre est percée de part en part d'un trou circulaire pouvant être un unique oeil, qui est un très bon exemple de l'influence réciproque de Moore et Hepworth, Les deux faces plates ont des incisions différentes : deux balafres verticales et une horizontale sur la face avant, un arc de cercle concentrique au faux oeil sur la face arrière.

7 janv. 2020

Un Maillot pour la Triple Couronne

Les progrès de Mickey Mantle sont spectaculaires. Pendant sa première saison complète en MLB en 1952, il avait réussi 23 home runs avec un batting average de .311. En 1956 il est le Most Valuable Player avec 52 home runs et un average de .353. Egalement le meilleur pour les Runs Batted In, il gagne pour la seule fois de sa longue carrière la Triple Couronne de la MLB.

A cette époque le photo-matching des maillots des New York Yankees est facile. Le logo sur la poitine est composé d'un N et d'un Y aux branches incurvées, cousues individuellement à la main. Chaque pièce est facilement reconnaissable sur les photos par la position respective des deux lettres et par leur positionnement sur les rayures verticales du vêtement.

Dans une vente en ligne qui se termine le 23 janvier, Mile High Card Company vend au lot 1 un home flannel jersey Spalding daté 1955, sur lequel la barre centrale du N forme un angle très étroit avec la barre supérieure gauche du Y. Il est commenté dans l'article partagé le 1er janvier par Sports Collector Daily.

Ce vêtement est photo-matché avec toutes les photos de Mantle dans le Yankees Stadium de mars 1956 à juillet 1956, sans utilisation antérieure. La maison de ventes estime à 17 le nombre de homers réussis par Mantle avec ce maillot.

Ce maillot est entièrement authentique sauf le grand chiffre 7 du dos qui n'est pas d'origine. Cette modification était une pratique courante quand un maillot remplacé par un joueur était offert à un club de ligue inférieure. Il est gradé A7 par MEARS.

Les uniformes corrélés aux exploits sportifs les plus significatifs sont les plus recherchés dans le hobby. Pour ce qui concerne Mantle, le maillot porté sur deux homers de la World Series 1964 a été vendu pour $ 1,32M incluant premium par Heritage le 18 août 2018, et le maillot de l'avant-dernier homer de sa carrière en MLB a été vendu pour $ 486K incluant premium par Heritage le 25 février 2017.

2 janv. 2020

La Jeune Tête

L'Angleterre lasse de la dynastie des Georges découvre avec enthousiasme en 1830 que l'héritière de William IV est une petite fille. Le Chief engraver de la Royal Mint, William Wyon, prend son portrait de profil en 1834. Elle a 15 ans. Elle monte sur le trône en 1837, ouvrant l'ère Victorienne.

Le nouveau règne s'organise. Victoria est couronnée le 28 juin 1838 et se marie le 10 février 1840. En 1839 la Royal Mint commémore le nouveau règne par une édition de prestige incluant les quinze valeurs monétaires entre le farthing et le five pounds.

La plus grosse dénomination est le chef d'oeuvre de la monnaie Britannique, à la fois pour l'esthétique et pour l'importance politique. Wyon a visé juste. L'obvers est la jeune tête. Le revers montre Una conduisant le lion. La jeune Una a les traits de la nouvelle reine. Le lion est le symbole traditionnel de la Grande Bretagne. Un dicton tiré des Psaumes (117:133) promet un régne délivré du péché.

Ces pièces n'ont pas circulé. Les Five pounds inspectés par PCGS ou NGC sont tous des Proofs, gradés entre PR60 et PR66. Le contraste doit être également pris en compte pour leur comparaison.

Le 26 septembre 2015, Baldwin's a vendu pour £ 500K incluant premium un set complet des quinze dénominations, dans un état insurpassable. Les huit plus hautes dénominations ont toutes été gradées PR66 ou mieux par NGC. La Five pounds est le seul exemplaire connu en PR66, et son contraste est Ultra Cameo.

Pour ce qui concerne les ventes de pièces à l'unité, Baldwin's of St James's a vendu le 22 septembre 2017 pour £ 340K hors frais une Five pounds gradée PR65 Ultra Cameo par NGC. Le 13 janvier à New York, Heritage vend une Five pounds gradée PR64 Deep Cameo par PCGS, lot 32248 estimé $ 200K. Avec le même grade et le même contraste, une autre pièce a été vendue pour $ 260K incluant premium par Heritage le 5 janvier 2015.