31 mars 2020

La Descente aux Limbes, par Mantegna

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Andrea Mantegna fut un des plus audacieux expérimentateurs de l'image picturale, mêlant la perspective et le raccourci avec un sens sans précédent de la mise en scène. Il est nommé en 1460 peintre de cour à Mantoue, où son génie est reconnu par la dynastie des Gonzague.

Le 23 janvier 2003, Sotheby's a vendu pour $ 28,6M incluant premium une Descente du Christ aux Limbes, tempera et or sur toile 39 x 42 cm peinte vers 1470-1475. L'image est partagée par Wikimedia.

Ce thème est rare parce qu'il n'est raconté que dans des écrits apocryphes. Entre la Passion et la Résurrection, le Christ fait une visite aux Limbes où les vertueux patriarches attendent que le Messie leur ouvre les portes du Paradis, fermées depuis la faute d'Adam.

Les personnages sont debout sur deux plans comme par une ingénieuse machinerie de théâtre. Le Christ est vu de dos, penché pour conforter un patriarche qui sort à mi corps de l'abyme. Au même niveau que le Christ dans ce monde des morts, cinq personnages prient, quatre à gauche et un à droite. Ils sont nus à l'exception d'un linge pudique autour des reins.

La composition est conçue avec un équilibre remarquable divisé au centre par le bâton du Christ, créant une forte tension narrative bien que le personnage principal, le Christ, ne soit pas reconnaissable. Mantegna a pu s'inspirer des études formelles de Donatello pour l'interaction entre les personnages. Une fois de plus, les libertés qu'il prend par rapport à l'iconographie chrétienne traditionnelle sont extraordinaires pour son temps.

MantegnaDescentLimbo

Portrait d'Omai par Reynolds

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Omai est originaire de l'île de Raiateia. Il est à Tahiti pendant la visite de Wallis en 1767 et la première visite de Cook en 1769. Il doit ensuite trouver refuge dans une autre île, Huahine. En 1773 un des bateaux de la seconde expédition Cook, le HMS Adventure, accoste à Huahine. Le jeune homme âgé d'environ 22 ans embarque sur l'Adventure, certainement avec une intense curiosité concernant la vie en Europe.

Son arrivée à Londres en octobre 1774 est un évènement social. Omai est beau. Il a de l'esprit et de bonnes manières qui restent exotiques. Fêté comme un prince par l'aristocratie, ce fils d'un paysan Polynésien est en Angleterre le premier symbole vivant du mythe du "noble savage" qui fait écho au "bon sauvage" de Rousseau.

Joshua Reynolds, le président fondateur de la Royal Academy, est un portraitiste mondain. En 1776 à l'exposition de l'Académie, il montre entre autres un portrait d'Omai, huile sur toile 230 x 140 cm. Le jeune homme est debout dans une attitude fière. Les vêtements sont luxueux.

Cette oeuvre inaugure en quelque sorte la peinture orientaliste et son idéalisme. Reynolds réussit un effet spectaculaire, sans recherche de réalisme. L'ample robe est inspirée de la toge romaine et le turban oriental n'a rien de Polynésien. Le paysage derrière lui est grec, avec quelques palmiers.

Cette oeuvre est unique dans l'art de Reynolds, qui l'a probablement créée sans commande spécialement pour l'exposition de 1776 et l'a gardée dans son atelier jusqu'à sa mort. Elle a été vendue pour £ 10,3M incluant premium par Sotheby's le 29 novembre 2001. L'image est partagée par Wikimedia.

Omai est revenu en Polynésie avec le troisième voyage de Cook.

Joshua Reynolds - Portrait of Omai

30 mars 2020

Le Double Aigle de 1933

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La thésaurisation de l'or mettait en péril l'économie américaine. Une des toutes premières décisions prises par le président F.D. Roosevelt, exprimée par le Presidential Order du 5 April 1933, fut la confiscation de l'or.

La crise durait depuis 1924 et la production des aigles et des doubles aigles était considérablement ralentie. La production des 312 500 aigles de 1933 était terminée avant le 5 avril et cette dénomination était légale à ce moment. La production des doubles aigles, qui était en cours, n'a pas été interrompue.

Le 13 septembre 1934 toutes les pièces d'or des stocks fédéraux sont déclarées périmées (uncurrent). Le mois suivant deux doubles aigles 1933 sont transmis au Smithsonian pour inclusion dans la National Collection en tant qu'échantillons non monétisés. 445 469 pièces étaient en stock. Le stock a été fondu en 1937.

Dix pièces ont échappé à la fonte initiale, certainement volées par le caissier de l'usine qui sera mis en prison en 1940 pour une autre escroquerie. Elles seront toutes récupérées et détruites par le gouvernement sauf une que le roi Farouk avait réussi à acquérir en 1944. Le roi avait obtenu pour cette pièce une licence d'exportation émise par le Secrétaire au Trésor, soit simplement par erreur soit pour faire plaisir au roi. Cette licence étant fédérale, le spécimen Farouk est devenu le seul double aigle 1933 avec un statut légal.

Ecarté à la demande du gouvernement américain de la vente des collections Farouk en 1954, le double aigle refait surface en 1996, apporté à New York par un marchand anglais. Il est arrêté en flagrant délit par le FBI pendant sa négociation avec son client américain.

La pièce du marchand anglais était bien le spécimen qui avait été exporté légalement pour Farouk. Un compromis judiciaire est trouvé en 2001. Le double aigle est mis aux enchères le 20 juillet 2002 par Sotheby's et Stack's. Afin de déclarer pour la première fois l'émission officielle de cette pièce spécifique, il a été demandé à l'acquéreur d'acquitter au gouvernement fédéral sa valeur faciale de $ 20 en plus de l'adjudication. Elle a été vendue pour $ 7,6M incluant premium. Voici le lien vers le catalogue sur le site de Stack's Bowers, successeur de Stack's.

Les Artistes Barovier

La période moderne du verre de Venise commence paradoxalement par un retour aux techniques antiques, préconisé par Salviati à Murano en 1859. Les verriers réutilisent la technique des murrine, consistant à créer des couleurs internes par insertion successive d'une tige de verre dans des moules de diamètre croissant. Les tranches de couleurs vives créées dans cette tige sont toutes similaires et peuvent parsemer la surface d'un objet avec un bel effet esthétique.

A Murano, la famille Barovier produit des objets en verre de Venise depuis 1295. Vers 1871 les frères Giuseppe et Benvenuto Barovier parviennent à créer des pièces en verre soufflé incluant des murrine. Cette technique est appelée Mosaico. Vers 1914 Giuseppe commence à réaliser des pièces inspirées des textures sans fin des peintures de Klimt.

Quittant Salviati en 1896, les frères Barovier ont créé la société Vetreria Artisti Barovier. La génération suivante est également constituée de deux frères, Niccolo et Ercole, neveux des précédents.

Le 2 avril à Chicago, Wright vend un vase Mosaico de 33 cm de haut signé par Niccolo vers 1924-1925. Il est estimé $ 300K, lot 160 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

Voici trois résultats incluant premium par la même maison de ventes. Par Niccolo, $ 317K le 24 janvier 2019 pour un vase Mosaico de 38 cm de haut. Par Ercole, $ 257K le 19 mai 2016 pour un vase Mosaico de 35 cm de haut. Pour la période suivante, citons un vase de 24 cm de haut avec des murrine dans des cloisonnements en quartz rouge, fait par Ercole en 1930, vendu pour $ 317K le 20 mai 2014.

29 mars 2020

Le Cabinet Badminton

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Bien que son style architectural soit Florentin, le cabinet Beaufort-Badminton est unique en son genre. Il est de loin le meuble le plus monumental qui ait jamais été fabriqué à la Galleria dei Lavori, les ateliers du grand-duc de Toscane, excédant de plus d'un mètre de haut un meuble réalisé pour l'Electeur Palatin.

En 1726 le 3ème duc de Beaufort, âgé de 19 ans, fait son tour d'Italie. Il est extrêmement riche et veut se constituer une collection d'art. Son séjour à Florence est très bref. Il apparaît comme probable qu'un projet pré-existant pour un meuble monumental lui a été présenté. Il commande cette pièce dont il fait suivre la réalisation par ses agents.

Le meuble lui est livré en 1732. Il sera connu sous le nom de cabinet Badminton, du nom de la résidence où le 3ème duc l'a installée et où il restera jusqu'en 1990.

Il est vendu deux fois par Christie's : le 5 juillet 1990 pour £ 8,6M incluant premium et le 9 décembre 2004 pour £ 19M incluant premium, lot 260 (non illustré en ligne). Il est acquis à cette dernière vente par le prince Hans Adam II von und zu Liechtenstein pour devenir la pièce centrale de la collection d'objets en pietra dura de son musée privé.

Le cabinet Badminton est un meuble à quatre corps superposés en ébène posé sur huit pilastres, pour une hauteur totale de 386 cm incluant le blason des Beaufort en fleuron. Sa largeur est de 232 cm et sa profondeur de 94 cm.

L'assemblage de cet ensemble est un tour de force de menuiserie. Il est somptueusement décoré sur la façade et les côtés latéraux de plaques en pietra dura et pierres semi-précieuses à thèmes floraux incluant des oiseaux. Le segment supérieur est constitué d'une pendule dont le cadran est ultérieur. Les allégories des quatre saisons en bronze doré entourent la pendule.

Adele Bloch-Bauer II par Klimt

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En 1899 Adele Bauer, âgée de 18 ans, épouse Ferdinand Bloch, âgé de 35 ans. Ferdinand est un riche industriel du sucre. Bien introduite dans la société Viennoise, Adele aime réunir dans son salon écrivains, politiciens et intellectuels.

A cette époque Gustav Klimt introduit un luxe sans précédent dans la peinture moderne. Inspiré par la mosaïque de l'impératrice Theodora à la basilique de Ravenne, il offre une nouvelle vision de la femme idéale, somptueusement habillée d'un patchwork de feuilles d'or, d'argent et parfois de platine.

Adele sert de modèle en 1901 pour Judith, qui est un sommet de l'érotisme dans l'art de Klimt. Le mari n'est pas jaloux. En 1903 il commence à acheter des peintures à Klimt et lui commande un portrait de sa femme. Klimt travaille pendant quatre ans à ce portrait. Dans son style sublime, la figuration ne dévoile aucune nudité et les Bloch-Bauer pourront accrocher dans leur salon cette peinture 138 x 138 cm.

Ces relations tripartites restent excellentes. Adele sera la seule femme dont Klimt a peint deux portraits. Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer II, qui rejoint l'opus précédent en 1912 dans le salon des Bloch-Bauer, est une huile sur toile 190 x 120 cm. Adele debout est vêtue en gris et blanc devant un fond richement coloré. L'image est partagée par Wikimedia.

La collection Bloch-Bauer, incluant également trois paysages par Klimt, est spoliée par les Nazis après l'Anschluss. Elle est restituée après un long procès en 2004 à l'héritière légitime, qui la disperse avec l'aide de Christie's.

Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer I est vendu en vente privée à Ronald Lauder en juin 2006 pour $ 135M, le plus haut prix connu pour une peinture à cette époque. Les quatre autres oeuvres sont vendues séparément aux enchères par Christie's le 8 novembre 2006.

Le Portrait d'Adele Bloch-Bauer II est vendu pour $ 88M incluant premium sur une estimation basse de $ 40M. La médiatisation a certainement influencé ce prix élevé. La peinture échappe à Lauder. On saura plus tard qu'elle a été achetée par Oprah Winfrey. Elle atteint un nouveau sommet en 2016 quand Oprah la vend en vente privée pour $ 150M à un collectionneur Chinois.

Les trois paysages ont été vendus respectivement pour $ 40M, $ 33M et $ 31,4M incluant premium sur des estimations basses de $ 20M, $ 15M et $ 18M.

Gustav Klimt 047

28 mars 2020

Garçon à la Pipe par Picasso

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Le misérabilisme de la Période Bleue de Picasso, basé sur la vie difficile des acrobates du cirque, était socialement une impasse. En 1905 il réagit avec de nouveaux thèmes où les personnages imaginent leur avenir sans perdre une attitude coincée ou revêche. Ces oeuvres incluent la Femme à l'éventail et deux enfants, la Fillette à la corbeille de fleurs et le Garçon à la pipe.

La Fillette, huile sur toile 155 x 66 cm, a été vendue pour $ 115M incluant premium par Christie's le 8 mai 2018. Le Garçon, huile sur toile 100 x 81 cm, a été vendu pour $ 104M incluant premium par Sotheby's le 5 mai 2004, lot 7.

Le Garçon à la pipe est un subtil mélange de réalisme et d'onirisme et, à ce titre, restera l'archétype de la Période Rose. Vêtu d'un bleu de travail, l'adolescent morose est dessiné avec un trait fin. La pipe marque son attente de la maturité. Picasso n'a pas dévoilé son identité, parce qu'il est une allégorie. Il est cependant P'tit Louis, un garçon de Montmartre qui passait de longues heures à regarder les artistes travailler au Bateau-Lavoir.

L'inspiration est venue soudain à Picasso après un mois d'interruption de l'oeuvre. Dans le flou d'un rêve, le personnage est positionné devant un papier peint de motifs de roses et porte une guirlande de fleurs dans ses cheveux. Une utilisation simultanée d'une image nette sur un flou floral avait aussi été tentée par Odilon Redon.

Le petit ouvrier devient ainsi un être surnaturel. Une comparaison pertinente a été faite avec le poème de Verlaine intitulé Crimen Amoris. Dans le rêve d'un Orient délicieux où les sept péchés remplacent les cinq sens au milieu des roses, le plus beau des mauvais anges, indifférent aux tentations et aux caresses, est un garçon de seize ans qui porte une couronne de fleurs. Son ambition, annihilée à la fin du poème, était d'être "celui-là qui créera Dieu".

Jeune Femme au Virginal par Vermeer

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La Jeune femme au virginal est une huile sur toile 25 x 20 cm montrant une paisible scène d'intérieur. Elle a dans ses couleurs et dans son thème bien des caractéristiques d'un Vermeer autographe. Cette attribution a été contestée dans le contexte de l'affaire Van Meegeren. Les expertises scientifiques l'ont réhabilitée. Elle a été vendue pour £ 16,2M incluant premium par Sotheby's le 7 juillet 2004, lot 8. L'image est partagée par Wikimedia.

Elle peut former pendant avec La Dentellière. Les deux oeuvres ont le même format, l'un des plus petits utilisés par l'artiste, et peuvent avoir été peintes sur des pièces de toile d'un même drap, trop brut pour être des oeuvres à intention commerciale. Il est possible que chacune d'elles soit le portrait d'une des filles de l'artiste, Maria et Elizabeth.

Les deux filles ont un châle jaune vif. Celui de la Femme au virginal n'était pas convaincant. L'analyse a montré que cette couleur avait été peinte en deux couches superposées, probablement à plusieurs années d'intervalle, peut-être pour réparer une dégradation. Le retrait de cette couche rend à cette image l'intimité tridimensionnelle d'un vrai Vermeer.

Le bleu ultramarine était le pigment le plus cher de son temps, à base de lapis lazuli. Vermeer apparaît comme le seul artiste qui en ait fait un usage intensif, non seulement pour les bleus visibles dans ses compositions mais aussi pour contribuer de façon subliminale à la teinte d'ambiance du mur du fond.

Présent dans ces deux fonctions dans la Jeune femme au virginal, ce bleu est également un des arguments pour authentifier la Ste Praxède peinte par Vermeer au tout début de sa carrière. Le fait que Vermeer n'ait jamais déclaré d'apprenti à la guilde de Delft facilite incontestablement de telles considérations. Ste Praxède, huile sur toile 102 x 82 cm, a été vendue pour £ 6,2M incluant premium par Christie's le 8 juillet 2014.

Chaque année apportait ses changements de mode. La date de 1670 est plausible à la fois pour La Dentellière et pour la Jeune femme au virginal, avec les boucles qui tombent des deux côtés du chignon.

Vermeer - A young Woman seated at the Virginals

27 mars 2020

Portrait de Laurent II de Medicis par Raphael

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Depuis 1513 le chef de la famille des Médicis est devenu pape sous le nom de Léon X. Comme la plupart des papes de cette période, il soutient activement sa famille. Après la mort de son frère Giuliano en 1516, les espoirs des Médicis pour préserver la dynastie se reportent sur leur neveu Lorenzo II, âgé de 24 ans. Le jeune prince est nommé duc d'Urbino, avec comme contrainte de devoir reprendre le duché à la famille Della Rovere.

Il faut donc marier Lorenzo. Le pape promeut une alliance française et le choix se porte en 1517 sur Madeleine de la Tour d'Auvergne, une cousine du roi François I. Le mariage est politique et les futurs époux ne se sont évidemment jamais rencontrés. Des portraits seront échangés pendant la préparation de cette union.

Le portrait de Lorenzo est confié au début de 1518 à Raphael, natif d'Urbino. L'affaire est urgente. L'artiste choisit l'huile sur toile, qui permet une exécution plus rapide que le panneau de bois. Le prince est vu en buste, légèrement tourné vers sa droite, le regard dirigé vers le spectateur. Il est somptueusement habillé de brocart, velours et fourrure. Il tient dans sa main une boîte en or supposée ornée d'un portrait miniature de sa future épouse.

Cette commande est d'une grande importance politique et il n'y a pas de doute que cette peinture est autographe par Raphael. Le portrait de Lorenzo atteint Paris en mars dans un convoi de cadeaux portés par 36 chevaux. Le portrait réciproque de Madeleine était arrivé à Florence le mois précédent. Le mariage est célébré le 2 mai au château d'Amboise.

La peinture originale autographe, 97 x 78 cm, authentifiée par des modifications révélées par photographie infra-rouge, a été vendue pour £ 18,5M incluant premium par Christie's le 5 juillet 2007, lot 91. L'image est partagée par Wikimedia.

La gloire de ce prince était surfaite. Il n'avait pas gagné la guerre contre les Della Rovere. Il meurt en 1519 de la syphilis, peut-être contractée pendant son voyage de mariage. Madeleine était morte quelques jours plus tôt, deux semaines après la naissance de leur fille unique qui deviendra la reine de France Catherine de Médicis.

Portrait of Lorenzo di Medici

Danseuse au Repos par Degas

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Degas s'intéresse au monde de la danse sur l'incitation de son ami Ludovic Halévy. En 1875 l'inauguration de l'Opéra de Paris au Palais Garnier ouvre une nouvelle phase de sa vie et de son art. Il est assidu aux représentations qui ont lieu trois fois par semaine, et son abonnement permet un accès illimité aux coulisses.

Les "petits rats" l'intéressent vivement. Ces très jeunes femmes n'ont pas le besoin d'activité sexuelle qui masque l'authenticité psychologique des prostituées. Leur vie est harassante, à l'entrainement et sur scène, mais la gloire récompensera peut-être leurs efforts.

Degas n'écartait aucune technique. En 1875 il est séduit par l'utilisation du pastel rehaussé de gouache sur papier. Contrairement à l'huile et à l'aquarelle, cette matière opaque permet très facilement les nombreuses retouches voulues par l'artiste au fur et à mesure de la construction d'une oeuvre.

En 1880 à la 5ème exposition impressionniste, Degas expose un pastel et gouache 46 x 67 cm intitulé Deux danseuses, probablement réalisé en 1879. Après un exercice exténuant, deux danseuses en tutu sont assises côte à côte sur un banc. Elles s'ignorent l'une l'autre, cherchant seulement à retrouver leur souffle, le corps penché en avant.

L'artiste a peint dans la même technique une autre oeuvre, 59 x 64 cm, intitulée Danseuse au repos. Elle a été vendue pour $ 37M incluant premium par Sotheby's le 3 novembre 2008, lot 14.

La fille à droite dans les Deux danseuses est exactement dans la même attitude que précédemment, avec la main gauche massant la cheville douloureuse et l'autre main appuyée sur l'autre genou. Avec ses membres frêles et son nez retroussé, cette jeune femme a une ressemblance avec Marie, le modèle de la sculpture intitulée Petite danseuse de quatorze ans réalisée par Degas à la même époque. Dans une composition hardie comme les aimait Degas, sa camarade est presque entièrement hors champ.

26 mars 2020

Vue de Venise par Turner

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Venise a eu du mal à apprivoiser Turner. Son premier tour d'Italie, en 1819, n'a inclus qu'une brève visite à Venise, qu'il évita complètement en 1828. Inspiré par les poètes, il concevait ses vues d'Italie et de Grèce en libérant sa propre imagination à partir de croquis rapportés par ses amis.

Turner avait une confiance énorme dans la justesse de sa vision. Agacé par l'influence posthume de Bonington, il exposa de nouvelles vues de Venise pendant l'été 1833 à la Royal Academy, en tant que modèles d'expression d'atmosphère et de poésie par la peinture, sans avoir revu la Cité des Doges. Il y fit son second séjour à la fin de la même année et envisagea enfin d'inclure Venise dans son travail régulier.

Une séquence d'évènements identique a eu lieu en 1840, avec deux vues de Venise exposées à la Royal Academy avant son départ pour sa troisième et dernière visite, qui dura seulement deux semaines. Cette fois-ci le charme éthéré de Venise a opéré.

Dans les années suivantes, Turner faisait une distinction entre les esquisses à l'aquarelle et les vues de plus grand format, qu'il considérait comme ses seules oeuvres finies, dignes d'être exposées et vendues. Ses vues finies de Suisse sont de grandes aquarelles et ses vues finies de Venise sont des huiles sur toile.

Peintes dans son atelier après son retour, les vues panoramiques de Venise méritaient en effet un format plus grand que les aquarelles. Pour ne rien perdre de la luminosité et de la fraîcheur des couleurs, il peint Venise à l'huile avec les mêmes pigments que ses aquarelles. L'ambiance pré-impressionniste laisse aussi supposer qu'il avait transféré sur ses toiles la technique wet in wet de ses aquarelles, avant d'ajouter le dessin narratif plus réaliste des gondoles.

Le 6 avril 2006, Christie's a vendu au lot 97 pour $ 36M incluant premium une vue de la Giudecca avec La Donna della Salute et San Giorgio. Cette huile sur toile 61 x 92 cm a été préparée par Turner pour l'exposition de 1841 de la Royal Academy. Comme souvent avec cet artiste, la perfection de la composition et l'équilibre des couleurs prévalent sur la réalité topographique.

Une aquarelle 24 x 30 cm montrant la Dogana sous la nouvelle lune a été vendue pour £ 960K incluant premium par Christie's le 10 juillet 2014, lot 209. La clarté évanescente peut être comparée avec l'atmosphère de l'huile sur toile discutée ci-dessus.

La Lionne de Guennol

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La Lionne de Guennol a été vendue pour $ 57M incluant premium par Sotheby's le 5 décembre 2007, lot 30. L'image est partagée par Wikimedia.

Cette figure en pierre très finement ciselée de 8,3 cm de haut a la tête d'une lionne sur un corps humain. Elle provient certainement du plateau Iranien et a été vendue en 1931 à un marchand New Yorkais. Son excavation précède ainsi les fouilles de Tell Agrab, commencées en 1936 par une équipe de l'Université de Chicago intriguée par d'autres trouvailles chez les antiquaires de Bagdad.

Ces représentations hybrides entre humain et félin remontent aux cultures préhistoriques. L'homme-lion en ivoire de la grotte de Hohlenstein-Stadel, daté de 35 000 à 40 000 ans par le radiocarbone, est le plus ancien exemple authentifié d'art figuratif. La grotte Chauvet, peinte il y a 30 000 ans, inclut également un hybride lion-femme.

La Lionne de Guennol a été sculptée il y a environ 5 000 ans. Elle appartient à la culture proto-Elamite, caractérisée par le développement d'une proto-écriture qui n'a pas été décryptée. Elle est antérieure de quelques siècles à l'utilisation du sphinx comme gardien des nécropoles Egyptiennes.

Elle est unique en son genre en ronde bosse, mais est apparentée à des figures similaires qui soulèvent des montagnes ou d'énormes troncs dans l'iconographie sigillaire en deux dimensions. Ces représentations sont donc des symboles d'extrême puissance, confirmés dans la Lionne de Guennol par l'hypertrophie des muscles et la position autoritaire de la tête. La tête est percée, permettant une utilisation en suspension autour du cou d'un éminent personnage.

Son nom et son rôle exact dans la mythologie de l'époque ne sont pas connus. Elle doit être considérée avec sa contrepartie mâle, une tête de taureau sur un corps humain, dont une figure agenouillée est conservée au Metropolitan Museum de New York. Contrairement à la Lionne de Guennol dont les mains sont jointes sur l'abdomen, cet hybride proto-Elamite tient un récipient liturgique.

Guennol est le pseudonyme choisi par le couple de collectionneurs qui l'ont acquise en 1948 et ont confié son exposition pendant presque 60 ans au Brooklyn Museum of Art.

Guennol Lioness

25 mars 2020

Winter Egg par Fabergé

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Le cadeau d'un oeuf à Pâques est une tradition charmante. A partir de 1885 le tsar Alexandre III commande chaque année à Fabergé un oeuf surprise pour son épouse. Après sa mort leur fils Nicolas II a besoin de deux oeufs de Pâques par an, un pour sa mère et un pour son épouse. Bien entendu, tous ces oeufs sont différents.

Les oeufs fournis par Fabergé en 1913 sont le Romanov Tercentenary egg pour la tsarina et le Winter egg pour l'impératrice douairière Maria Feodorovna. Facturé pour 24 600 roubles, le Winter egg est le plus cher de tous les oeufs Fabergé. Par son thème, il est aussi un des plus délicats. Il est le premier oeuf impérial conçu par Alma Theresia Pihl, la nièce du chef joaillier Albert Holmström qui en assura la réalisation.

D'une hauteur totale de 14,2 cm, le Winter egg est en cristal de roche transparent ciselé pour symboliser le gel ou la glace pilée. L'oeuf proprement dit, de 10,2 cm de haut, est détachable de sa base. Il contient la surprise, un panier d'anémones des bois d'une hauteur totale de 8,2 cm. Cette fleur précoce est un symbole de la sortie de l'hiver.

Bien entendu, les matériaux les plus riches ont été utilisés. Le panier est en platine. Sur une mousse en or, les fleurs sont en quartz centré d'un grenat, avec une tige et des étamines en or. Les feuilles sont en néphrite. L'ensemble est pavé de près de 3000 minuscules diamants.

Le Winter egg a été vendu deux fois par Christie's : pour CHF 7,3M incluant premium le 16 novembre 1994, lot 464, et pour $ 9,6M incluant premium le 19 avril 2002, lot 150. Il a été annoncé que l'acheteur était l'Emir du Qatar. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par AP pendant la vente de 2002, partagée sur YouTube par AP Archive.


24 mars 2020

L'Erreur Rouge et Brun

En 1942 la pièce Américaine de 1 cent à l'effigie de Lincoln est réalisée en bronze avec 95 % de cuivre. En 1943 le cuivre, réservé à l'effort de guerre, n'est plus disponible pour les monnaies. Le 1c  Lincoln 1943 est en acier plaqué de zinc galvanisé. Il est 13 % plus léger que son équivalent en bronze et restera la seule pièce magnétique dans l'histoire de la monnaie Américaine.

La qualité de production n'est pas satisfaisante et le 1c en acier est trop facile à confondre avec le dime de 10c. Le cuivre est réintroduit dans le 1c 1944.

Ces changements ont généré des erreurs dans les trois sites de production, Philadelphie, San Francisco (S) et Denver (D), avec deux causes possibles : des essais ont été réalisés avec diverses compositions, et des planchettes de l'année précédente ont pu rester bloquées dans les caissons de chargement de la presse. La première découverte a été faite en 1947 par un adolescent dans le change rendu par un automate de cafeteria.

Le seul exemple connu de 1943-D 1c en bronze a été vendu en vente privée pour $ 1,7M en septembre 2010. Un 1944-S 1c en acier gradé MS66 par NGC a été vendu pour $ 374K incluant premium par Heritage le 31 juillet 2008.

Un 1943 1c sans marque d'usine, provenant donc de Philadelphie, a un alliage atypique, 91,7% de cuivre, 7,5% de zinc et 0,8% d'argent, dont aucune utilisation n'a été identifiée. Gradé MS63 RED par PCGS, il a été vendu pour $ 320K incluant premium par Stack's Bowers le 24 janvier 2013. Ré-inspecté par PCGS et gradé AU55, il a été vendu pour $ 330K incluant premium par Legend-Morphy le 22 mai 2014.

Le 26 mars en webcast, Legend Rare Coin Auctions vend un 1943 1c de Philadelphie avec un alliage de 1942, lot 167 estimé $ 375K. Voici le lien vers le site de la maison de ventes.

Cette pièce gradée MS61 RB (Red and Brown) est la seule de sa catégorie à conserver la nuance orange du cuivre d'origine, avec une patine bleu-violet sur le brun des surfaces lisses. La netteté de la frappe atteste de l'utilisation de matrices neuves en cohérence avec l'hypothèse de la planchette coincée. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par PCGScoin.






22 mars 2020

Tranches de Lune

L'histoire des météorites lunaires commence en 1982 dans l'Antarctique quand un géologue observe les similitudes d'une roche avec les spécimens rapportés par les missions lunaires Apollo. Les comparaisons incluent la minéralogie, la composition chimique et la composition isotopique.

Trouvée en 2007 dans le désert du sud Marocain, NWA 5000 est une des plus grandes et une des plus lourdes météorites lunaires avec une masse de 11 528 grammes en un seul bloc non fragmenté. Sa structure complexe est le résultat conjugué de l'érosion au vent solaire et de plusieurs accidents mécaniques et thermiques majeurs qui s'étendent sur 4,5 milliards d'années. Cette roche de type Lunar Highlands gabbro provient d'une région lunaire inexplorée par Apollo.

NWA 5000 est un cas exceptionnel de roche lunaire avec des inclusions d'un alliage métallique, peut-être dues à l'impact d'un météoroïde. Elle a été éjectée par un impact avec un astéroïde, le phénomène qui génère les cratères lunaires. Captée par la gravitation terrestre, elle a été stabilisée par une très longue durée en orbite en haute atmosphère et a résisté à l'échauffement de l'atterrissage.

NWA 5000 est proche de la perfection pour sa qualité esthétique et son intérêt scientifique. Elle a été confiée à un des meilleurs spécialistes, la Hupé Collection, qui l'a scindée en douze tranches dans la masse. Quatre tranches ont été à nouveau divisées. Six des tranches complètes ont été réparties en ventes privées entre quatre clients.

La septième et dernière tranche complète, surnommée The Perigee, est une des meilleures. Elle pèse 702,89 grammes et mesure 245 x 218 x 8 mm. Elle conserve une croute créée lors de l'entrée dans l'atmosphère. Provenant directement de Hupé, elle est estimée $ 250K dans la vente en ligne par RR Auction qui se termine le 16 avril, lot 8001. Je vous invite à lire le catalogue partagé sur Issuu par la maison de ventes.

18 mars 2020

L'Avenir du Nigeria

L'Afrique est un kaléidoscope de groupes ethniques. Après la seconde guerre mondiale, les espoirs d'indépendance sont accompagnés d'un besoin de renaissance culturelle. Peintre, sculpteur, théoricien et professeur, Ben Enwonwu milite inlassablement pour ce nouveau modernisme. Ses portraits réalistes de très jeunes femmes, peints avec des techniques occidentales, symbolisent l'avenir du Nigeria. Ils constituent les points culminants d'une oeuvre figurative d'une très grande variété de thèmes et de styles.

En 1953 Sefi a tous les atouts pour symboliser la transition entre les traditions et le modernisme. Elle a 20 ans et est la fille du chef traditionnel du groupe Ebira. Son fiancé, le poète Christopher Okigbo, chante avec passion son innocence et sa pureté.

Le 25 mars à Londres, Sotheby's vend un portrait peint par Enwonwu en 1953, huile sur panneau 60 x 50 cm, lot 13 estimé £ 200K. Sefi a reconnu qu'il s'agit d'elle. Elle se souvient avoir posé pour Enwonwu à cette époque. Veuve d'Okigbo tué au combat pendant la guerre du Biafra, elle a fait ensuite une très belle carrière diplomatique guidée par sa passion pour l'éducation post-coloniale.

Sur ce portrait, elle est une très jeune femme au regard droit, souriant avec confiance. Son corsage décoré en indigo et sa coiffe multicolore rappellent que son père encourageait le tissage. L'artiste a ajouté sur chaque joue les petites marques tribales portées par la mère de la jeune femme, apportant ainsi un élément supplémentaire de fierté nationaliste.

Citons deux résultats enregistrés sur d'autres portraits peints plus tard par Enwonwu dans le même style réaliste. Christine, huile sur toile 76 x 61 cm peinte en 1971, a été vendue pour £ 1,1M incluant premium par Sotheby's le 15 octobre 2019 sur une estimation basse de £ 100K. Tutu, huile sur toile 97 x 67 cm peinte en 1974, a été vendue pour £ 1,2M incluant premium par Bonhams le 28 février 2018 sur une estimation basse de £ 200K.

16 mars 2020

Fragments de Kirman

Les tapis Persans ont leur apogée dans les ateliers de Kirman pendant le règne de Shah Abbas il y a 400 ans, à l'époque des Safavides. La technique la plus complexe, tissée sur trois trames superposées, semble être une exclusivité de cette ville. Elle est nommée Vase dans la nomenclature de May Beattie. Les trames externes sont en laine. La trame centrale est en coton, ou en soie pour les pièces les plus prestigieuses. Les fils de tissage sont en coton teint dans une grande variété de couleurs vives.

En 1999 l'expert Christine Klose établit une similitude entre divers fragments éparpillés dans des musées à Londres, Paris, Berlin, Copenhague, St Petersbourg, Boston et Lyon, plus un exemple en mains privées à cette époque. Elle les divise en deux groupes selon l'orientation des figures et suppose qu'ils proviennent tous d'une unique paire de tapis avec une longueur cumulée de 16 m.

Les motifs de fleurs stylisées sont encadrées par une large bordure dans le style classique en Perse des Jardins du Paradis. Tous ces fragments sont en tissage Vase avec une trame centrale en coton. 17 couleurs sont dénombrées. La densité est de 27 à 39 noeuds par cm2.

Depuis cette date, trois éléments supplémentaires ont été découverts, permettant d'établir la cartographie de ce tapis. Une telle reconstitution est exceptionnelle. D'autres tapis Safavides avaient probablement eu également des dimensions monumentales mais aucun d'eux n'est resté complet.

Le premier de ces fragments est le specimen Colville, 296 x 193 cm, qui a permis de comparer la technique de tissage entre les coins et les zones centrales.

Le fragment Rothschild, 205 x 286 cm, a été vendu pour £ 540K incluant premium par Christie's le 19 avril 2016. Il inclut le motif central d'une bordure et ses motifs floraux sont réalisés avec une symétrie parfaite, démontrant que toutes ces sections ne proviennent pas d'une paire de tapis mais bien d'une pièce unique dont la dimension est maintenant estimée à 1460 x 585 cm.

Un fragment 267 x 168 cm vient donc de faire surface, avec une illustration miroir par rapport au fragment de Lyon. Il est estimé £ 400K à vendre par Christie's à Londres le 2 avril, lot 192. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Il est un des mieux conservés, comparable au fragment Rothschild dont il était adjacent. La forme irrégulière du spécimen de Berlin laisse supposer que certaines zones avaient été très abimées, ce qui justifierait la dislocation, et bien que la surface ne soit pas complète les experts n'attendent pas de nouvelle découverte.


15 mars 2020

La Mode des Ballets Russes

En 1909 Diaghilev a choisi Paris pour la toute première saison de ses Ballets Russes. Les chorégraphies sont dirigées par Fokine, et Bakst conçoit les décors et les costumes. L'inspiration exotique mêle la Russie, le Moyen-Orient, l'antiquité. L'audace sensuelle sans précédent de Schéhérazade, sur la musique de Rimski-Korsakov, génère un immense succès. Les costumes créés par Bakst sont réalisés avec des tissus luxueux. Les formes sont amples, avec notamment des culottes bouffantes.

A la même époque Poiret cherche à écarter son style de l'Art Nouveau. La suppression du corset, qu'il propose depuis 1906, va dans le même sens que les costumes de Bakst pour la création de vêtements qui ne suivent pas les lignes du corps. En 1911 il organise dans son hôtel particulier une fête somptueuse sur le thème de la Perse.

La maison de couture Margaine-Lacroix suit cette tendance. Elle s'installe vers 1912 au 19 boulevard Haussmann. L'architecte d'extérieur et d'intérieur est Louis Sue, spécialiste des ateliers d'artistes, qui a réalisé plusieurs projets pour Poiret.

En 1915 Margaine-Lacroix réalise une exposition-vente de poupées sur le thème de l'histoire de la mode. Cette opération n'a pas été documentée mais est unique en son genre. La poupée est un modèle unique de 56 cm de haut préparé et signé par Albert Marque, un sculpteur spécialisé dans les têtes d'enfants.

Les très rares poupées survivantes sont les seules à pouvoir témoigner de cette opération. C'était la guerre et très peu ont été vendues. La meilleure garantie d'authenticité d'un vêtement est l'étiquette de Margaine-Lacroix. Certaines portent sous le pied un titre ou un prénom.

Les costumes des Ballets Russes ont été un des thèmes préférés de la couturière, au côté des reines de France et du régionalisme. La poupée # 21, intitulée Danseur Russe # 2 et habillée en soies et velours, a été vendue pour $ 263K incluant premium par Theriault's le 12 juillet 2009.

Les poupées # 7 et # 8, inspirées des costumes de Bakst pour Schéhérazade, sont embellies par un brocart d'or et par la simulation de perles et de turquoises. Avec leurs cheveux longs, elles sont probablement des filles. Achetées ensemble à Margaine-Lacroix pendant l'exposition, elles ont longtemps résidé dans un musée privé américain et sont dans un état quasiment neuf avec leurs costumes d'origine.

La poupée brune #7 a été vendue pour $ 240K hors frais par Theriault's le 9 janvier 2016. Sa partenaire blonde # 8 est estimée $ 140K à vendre par Theriault's à Annapolis MD le 21 mars, lot 17. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



 

9 mars 2020

Le Stock de Dominique Daguerre

Il n'y a plus de limite au luxe. Louis XVI ne parvient pas à réduire les dépenses de Marie-Antoinette. George III est plus efficace vis-à-vis du jeune et exubérant prince de Galles, futur George IV.

Les deux grands ébénistes de cette période sont des émigrés allemands établis à Paris, Riesener et Weisweiler. Riesener choisit les meilleurs bois et les plus fines marqueteries pour la reine de France et son entourage. Weisweiler prépare pour Daguerre des meubles de finition parfaite que le marchand bijoutier revêtira avec des luxueux ornements de couleurs brillantes. Ces ateliers travaillent aussi pour la haute aristocratie et pour les cours d'Europe.

Weisweiler est le successeur de Carlin, et Daguerre est le successeur de Poirier. Carlin utilisait les plaques en porcelaine et les panneaux de laque du Japon, et plus rarement la pietra dura. Une commode estampillée par Carlin et Weisweiler ornée de panneaux en pietra dura de Florence et des Gobelins a été vendue pour FF 46M incluant premium par Christie's le 11 décembre 1999. Ce prix équivaut à € 7M.

A partir de 1783, le prince de Galles fait construire à Londres sa nouvelle résidence, Carlton House. Daguerre comprend qu'il peut devenir un fournisseur préférentiel de ce client fortuné. A partir de 1787 il fait de longs séjours à Londres où il s'établit de façon permanente en 1789, confiant ses activités Parisiennes à son associé Lignereux. Ils deviennent distributeurs de Wedgwood à Paris et de Sèvres à Londres.

Le 2 avril à New York, Christie's vend un secrétaire en cabinet en ébène portant une estampille partielle de Weisweiler, lot 65 estimé $ 600K.

L'abattant qui ouvre sur quatre tiroirs en acajou est décoré de neuf plaques récupérées dans le stock ou sur des meubles antérieurs. La plaque centrale en pietra paesina montre un chasseur et son chien. Les huit autre plaques sont en pietra dura. Elles ont probablement été effectuées par les ateliers grands-ducaux de Florence un siècle plus tôt pour les thèmes floraux et plus récemment pour deux figures orientalistes et la plaque centrale. Les parois latérales sont ornées de caryatides en bronze doré, probablement par Rémond.

Christie's a conservé dans ses archives une vente aux enchères du stock de M. Daguerre faite par Mr Christie à Londres le 25 mars 1791. Le secrétaire en cabinet correspond à la description du lot 42, vendu pour 105 guinées. Si c'est bien le même meuble, cela signifie que Daguerre ne lui avait pas trouvé directement de client dans sa riche clientèle. Peut-être avait-il tenté de remettre à la mode la pietra dura.

8 mars 2020

Manuscrits Persans sur Papier Chinois

L'ambition de Timur (Tamerlan) avait été de devenir le khan des Mongols et le calife des Musulmans. Il ne pouvait pas obtenir ces titres pour des raisons traditionnelles mais il fut le plus efficace des conquérants et ne fut jamais vaincu. Sa capitale était Samarcande.

L'empire Timuride éclate après sa mort. Son fils Shahrukh règne sur la Perse et transfère la capitale de Samarcande à Herat. Il rétablit les relations avec la Chine par la route de la soie et devient immensément riche. Il ne cherche pas les conquêtes, prend le titre de sultan et protège l'Islam.

Cette accalmie politique a lieu pendant le règne de Yongle des Ming. Une première ambassade Chinoise parvient à Herat en 815 AH (1412 CE). La Chine produit des porcelaines décorées dans le goût musulman pour servir de cadeau diplomatique. La seconde ambassade en 820 AH apporte de nombreux cadeaux incluant des porcelaines mais aussi des soies, des brocarts, des velours et du papier. Cette ambassade est probablement le terminus post quem des manuscrits Persans sur papier Chinois.

Le papier de luxe Chinois est épais, et conçu pour être extrêmement doux et soyeux au toucher. Les ateliers Chinois préparent la feuille sur un fond monochrome dans un grand choix de nuances de couleurs, en bleu, rose, lavande, jaune et vert. Ils ajoutent ensuite une illustration à l'or, avec des réseaux tachetés et parfois des dessins figuratifs, sans représentation humaine pour être conforme aux principes iconographiques de l'Islam. Les ateliers Persans ajoutent leur texte par-dessus cette préparation.

Une douzaine de manuscrits Persans sur papier Chinois sont connus, dont quatre Corans. L'un de ces Corans, récemment découvert, est constitué de 534 folios 23 x 16 cm dont 29 ont été remplacés. Le texte en écriture naskh est inscrit sur chaque page dans un encadrement 14 x 9,4 cm. La reliure est Safavide. Ce livre est estimé £ 600K à vendre par Christie's à Londres le 2 avril, lot 29.




6 mars 2020

Le Regard du Sourd

Dans les derniers mois de sa vie, Andy Warhol trouve encore et toujours des thèmes reconnaissables par tout un chacun. Le portrait de Lénine, en peinture en 1986 et en gravure en 1987, est stylisé à l'extrême. Ensuite vient Beethoven. Après l'Orange Mécanique de Kubrick en 1971, cette série est une référence supplémentaire à la modernité du compositeur.

Warhol utilise le portrait de Beethoven peint par Stieler en 1820, après les quatre premières années de surdité totale du musicien. Le visage est puissant sous la crinière de lion. Le regard est incisif et la bouche fermée est à la fois impatiente et maussade.

Stieler avait montré Beethoven écrivant la Missa Solemnis. La sérigraphie permet une surimpression facile des portées de musique et du portrait. Warhol choisit la Sonate au Clair de Lune.

Son Beethoven consiste en quatre images de couleurs différentes, sur fond noir. Cet ensemble est édité en 1987 en format individuel d'image 102 x 102 cm, en 60 exemplaires numérotés de 1 à 60, 20 exemplaires numérotés de I à XX et 15 épreuves d'artistes.

L'ensemble complet numéro III/XX a été vendu pour £ 300K incluant premium par Phillips le 7 juin 2017 sur une estimation basse de £ 120K. L'ensemble 51/60 est estimé £ 200K à vendre par Sotheby's à Londres le 19 mars, lot 188. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.


4 mars 2020

Au Pied du Volcan

La distillerie Karuizawa produisait un des meilleurs whiskys du monde grâce à une position géographique favorable au centre de l'île principale du Japon et à un choix judicieux des composants. Le climat est de type continental humide, avec des étés chauds et pluvieux et des hivers froids. L'eau est filtrée par la lave du mont Asama qui est un des volcans les plus actifs du Japon.

Karuizawa produisait uniquement du single malt. L'orge était préférentiellement Espagnole et le maltage était Ecossais, et la marque utilisait d'anciens tonneaux de sherry comme faisait The Macallan.

La distillerie a été en opérations de 1955 à 2000. Après la fermeture, les tonneaux en phase de distillation ont changé de mains deux fois.

La plus ancienne distillation restante était le tonneau numéro 5627, rempli en février 1960, qui a fourni 41 bouteilles de 70 cl titrant 51,8 % en 2013 à 52 ans d'âge. De couleur ambre foncée, il a une riche odeur à dominante forestière et un goût fruité et vibrant. Les bouteilles ne sont pas numérotées mais la plupart d'entre elles sont individualisées par un netsuke pendu sous le col.

Une bouteille a été vendue par Ravenel le 30 novembre 2018 pour Tw$ 10,6M incluant premium, valant HK$ 2,7M ou US$ 340K. Le netsuke montre un groupe de voyageurs dans une barque ronde. Le Dragon a été vendu pour HK$ 2,45M incluant premium par Bonhams le 18 mai 2018.

Le 18 mars à Londres, Sotheby's vend la bouteille avec le Rat du zodiaque, lot 87 estimé £ 160K.

A 850 m d'altitude, Karuizawa avait été la distillerie la plus élevée du Japon. 150 m au-dessus, le village du même nom a atteint la notoriété pour une autre raison : c'est le seul lieu au monde à avoir accueilli à la fois les Jeux Olympiques d'été et d'hiver, en 1964 pour les épreuves équestres et en 1998 pour le curling.

3 mars 2020

Scènes du Levant

Après sa formation d'architecte, Gustav Bauernfeind est passionné par les monuments antiques du Moyen-Orient. Il choisit Jaffa comme point de départ de ses excursions. Avec un appareil photo miniature caché sous une boutonnière, il observe la vie quotidienne qui a conservé ses plus anciennes traditions. Entre deux séjours en Palestine, il exploite ces données dans son atelier à Munich.

Une scène de marché peinte en 1887 exprime toute la variété des activités à Jaffa avec un brillant soleil qui éclaire la place et les vieilles pierres. Cette huile sur toile 82 x 109 cm provenant de la collection Najd a été vendue pour £ 3,7M incluant premium par Sotheby's le 22 octobre 2019.

La deuxième vente de la collection Najd inclut une Procession à Jaffa peinte par Bauernfeind à Munich en 1890 après son retour de son troisième séjour en Palestine. Cette huile sur toile de grand format 105 x 135 cm est estimée £ 1,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 31 mars, lot 105. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La composition est globalement similaire au marché de 1887, bien que l'image montre un endroit plus ouvert de la ville, avec vue sur la mer au-delà du minaret de la mosquée al-Bahr. Comme précédemment, la petite rue qui débouche en enfilade sur la place est l'objet d'une activité intense.

La procession très colorée est menée par un derviche qui souffle dans une corne. Les habitants regardent passer les saints hommes, sauf un jeune garçon qui préfère donner un coup de pied au chien.

L'artiste était le fils d'un juif converti au christianisme. Sa procession musulmane est traitée avec sympathie mais l'oeuvre inclut aussi des symboles résolument oecuméniques comme de sceau de Salomon sur un drapeau. Le mur fortifié et la porte monumentale ont été construits par les Chrétiens pendant les Croisades et les maisons à fenêtres suspendues sont Ottomanes. Le mur de l'avant-plan est décoré de la main bénissante de Fatima, la Hamsa.


Les Chasseurs de Renards

New Forest dans le Hampshire est dédié à la chasse depuis Guillaume le Conquérant. John Emms découvre Lyndhurst en aidant Lord Leighton à peindre une fresque pour l'église paroissiale. Il épouse en 1880 la fille d'un gentilhomme local et s'établit de façon permanente dans le village.

Le cerf étant devenu trop rare, les anglais courent le renard. Ils entretiennent plusieurs races de chiens pour leurs qualités spécifiques. Le lévrier greyhound est rapide, le terrier est instinctif et le bulldog est tenace. Le foxhound est un harmonieux mélange de ces trois races et de leurs qualités, et est réputé pour son flair. Comme pour les chevaux de pur sang, les propriétaires des meutes maintiennent la généalogie des chiens.

John Emms aime la chasse. Il se spécialise dans les portraits de chiens, individuels ou en groupes. Selon une tradition familiale, il emmène les bêtes l'une après l'autre dans son atelier pour étudier leurs spécificités physiques, leur caractère et leur comportement.

Apprécié des maîtres de meutes, Emms est un personnage excentrique, toujours vêtu d'un long manteau noir et d'un chapeau à large bord assorti. Après une bonne vente, il emmène sa femme et leurs trois enfants mener la bonne vie dans les grands hôtels de Londres.

Il est très demandé et accepte de se déplacer pour visiter les chenils. En 1896 il peint la meute de foxhounds de Meath en Irlande dans son chenil. Les attitudes des onze chiens sont très différenciées. Cette huile sur toile 111 x 158 cm a été vendue pour $ 480K incluant premium par Bonhams le 16 février 2010, lot 121. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Elle est estimée £ 180K à vendre par Bonhams à Londres le 8 avril, lot 55.

Peinte avec une composition similaire en 1898, une huile sur toile 104 x 158 cm montrant treize foxhounds et un terrier a été vendue pour $ 840K incluant premium par Bonhams le 14 février 2006. Ce portrait collectif d'une meute de Lyndhurst avait été commandée par le maître des chiens et était restée dans sa descendance. La peinture était accompagnée d'une copie d'un document signé par son premier propriétaire identifiant individuellement le nom et l'année de naissance de chacun des foxhounds.

2 mars 2020

Karin et l'Artiste

En 1909 Kämmer und Reinhardt lance une série de Charakterpuppen, des poupées à tête réaliste. Le sculpteur Arthur Lewin-Funcke est chargé de la réalisation des dix premiers moules, numérotés 100 à 109, pour lesquels il utilise notamment comme modèles ses enfants et ses neveux.

La plupart de ces premiers numéros sont très rares : après les prototypes, la série a été limitée à 100, 101 et 109. Le prix aux enchères dépend de la rareté, de la dimension et de l'état.

Le modèle des poupées 103 à 105 est Karin, une des filles de Lewin-Funcke, successivement sérieuse, rieuse et amicale. Le moule 104 a été également utilisé pour un garçon. 108 ressemble à Karin mais avec un visage imitant l'âge adulte.

103 est un portrait classique, où l'on imagine facilement la petite fille posant dans l'atelier. La seule dimension réalisée a 58 cm de haut. Une 103 a été vendue pour $ 120K hors frais par Theriault's le 20 mai 2006 malgré trois doigts cassés. Une tête 103 sur un corps probablement d'une autre origine a été vendue pour £ 50K incluant premium par Bonhams le 24 septembre 2014.

Le 21 mars à Naples FL, Theriault's vend une 103, lot 10 estimé $ 45K. Les yeux ont été peints avec un regard droit, apportant une expression plus naturelle que les deux exemples ci-dessus qui regardent de biais. Elle a les mêmes longs cheveux blonds bouclés qu'une 104 de 48 cm de haut vendue pour $ 65K hors frais par Theriault's le 22 juillet 2019.

Le seul exemplaire connu de la 108, 61 cm de haut, a été vendu pour £ 240K incluant premium par Bonhams le 24 septembre 2014. Dans la même vente, une Karin 105 de 55 cm de haut a été vendue pour £ 170K incluant premium. Un garçon 104 de 51 cm de haut a été vendu pour $ 210K incluant premium par Theriault's le 12 janvier 2013.

1 mars 2020

L'Angélus de Cadaqués

L'oeuvre de Millet passionnait Van Gogh, qui à ses débuts voulait devenir le peintre de la vie rurale. A partir de 1933 Dali, cherchant comment la vertu cache le vice et la honte, tente des interprétations Freudiennes de l'Angélus. Dans Les Atavismes du crépuscule, l'homme a une tête de mort. L'Angélus architectonique de Millet inclut une lance qui joint sexuellement les deux personnages transformés en monuments gigantesques.

Peint en 1936, Couple aux têtes pleines de nuages est un diptyque dont les cadres montrent les contours de deux têtes vues de l'arrière. L'influence de l'Angélus est évidente dans la position des têtes. L'intérieur de l'image est un paysage du désert lisible en continu, avec des symboles Daliniens et un ciel dans le style de Magritte.

Le 26 mars à Londres, Bonhams vend un diptyque de panneaux peint avec le même titre en 1937,  95 x 75 cm pour l'homme et 88 x 66 cm pour la femme, ces dimensions incluant les cadres. Cette oeuvre est estimée £ 7M, lot 14.

Cette réplique signée Gala Salvador Dali a des différences notoires avec le diptyque de 1936. Les têtes sont gentiment penchées l'une vers l'autre, évoquant la passion réciproque de Salvador et Gala et supprimant la référence à l'Angélus. Le paysage est illustré par les formes des rochers de Cadaqués.

Cette oeuvre pourrait être un souvenir de Cadaqués peint pour un ami. Justement le musicien surréaliste Giacinto Scelsi, qui l'a exposée dans son salon pendant plusieurs décennies, affirmait que le premier propriétaire avait été Eluard, l'ancien mari cocufié de Gala.

Dali est resté obsédé par l'Angélus, auquel il a consacré en 1963 un livre entier intitulé Le Mythe tragique de l'Angélus de Millet. Le Louvre réalise une radiographie du tableau. Le regard de la femme est directement dirigé vers un panier qui symbolise paisiblement la récolte. A cette place la peinture d'origine, masquée par un repeint réalisé par Millet, montrait un cercueil d'enfant. L'intuition de Dali était confirmée, démontrant sur ce cas la justesse de son hypersensibilité paranoïaque critique.

L'Encre Verte de Pablo Neruda

La vie du poète Chilien Pablo Neruda était faite de passions amoureuses, pacifistes, patriotiques et communistes. Pendant 25 ans, un admirateur l'a reconstituée avec des documents authentiques. Sa collection de 603 pièces sera vendue en un seul lot estimé € 650K par La Suite à Barcelone le 19 mars.

Dans cet ensemble les manuscrits autographes sont nombreux, souvent à l'encre verte que le poète aimait utiliser. Beaucoup de documents sont inédits. Citons quelques éléments parmi les plus importants ou les plus chargés d'émotion.

Neruda fut un poète érotique précoce. Veinte poemas d'amor y una cancion desesperada est son second recueil, publié en 1924. L'exemplaire de la collection est une édition originale avec une dédicace autographe inscrite en 1971 à Gabriel Garcia Marquez.

Ses plus importants livres sont bien entendu présents, commençant par son premier recueil Crepusculario, publié en 1923. España en el corazón a été publié en 1937 alors que Neruda venait d'être révoqué de son poste de consul du Chili à Barcelone pour son engagement trop visible auprès des républicains espagnols.

Une carte adressée par Pablo à sa muse est une jolie expression de passion : «Olga de miel, Olga de fuego, Olga septiembre, Olga agua, Olga roja, Olga ardiendo, Olga sombra».

Parmi les autographes d'autres mains, une lettre écrite en 1938 par le poète martyr espagnol Miguel Hernandez évoquant la "tierra triste y hermosa" de Neruda apparaît comme prémonitoire par rapport à la citation du prix Nobel de littérature, récompensant Pablo Neruda en 1971 pour "une poésie qui a animé le destin et les rêves de tout un continent".

La collection reflète aussi le soutien actif et amical de Neruda pour Salvador Allende.

J'invite les Hispanophones à lire l'article annonçant la vente par La Razon et à regarder la vidéo partagée par Agencia EFE.