30 avr. 2020

Le Grand Canal par Canaletto

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Apparaissant comme un successeur de Carlevarijs, Canaletto cherche très tôt à capter une clientèle internationale. Ses thèmes sont touristiques, avec une grande variété de vues pour montrer Venise dans toute sa diversité historique et sociale.

Vers 1723, il peint deux vues en très grand format, 141 x 204 cm et 144 x 207 cm, certainement en pendants pour un seul client.

Il choisit la vue panoramique de la Piazza San Marco avec la basilique pour illustrer l'architecture grandiose, et la vue du Grand Canal entre le Palazzo Balbi et le pont du Rialto pour montrer la vie sur les gondoles. Le canal tourne à angle droit à cet endroit. Il est vu de front quand on regarde par une fenêtre d'un des trois étages du Palazzo Foscari.

Le 7 juillet 2005, Sotheby's a vendu pour £ 18,6M incluant premium sur une estimation basse de £ 6M une vue du Grand Canal entre Balbi et Rialto, en excellent état, lot 47. Cette huile sur toile 86 x 138 cm est datée autour de 1733 par des considérations de style, et est le tout dernier exemple en grand format peint par Canaletto avec cette position spécifique. L'image est partagée par Wikimedia.

La provenance de cette peinture a été reconstituée avant la vente. Elle avait été listée dès 1736 dans la collection de Robert Walpole, qui était le tout premier homme d'Etat Britannique à exercer la fonction d'un premier ministre. Walpole appartenait au parti whig opposé à l'absolutisme royal et considérait certainement Venise, qu'il n'avait pas visitée, comme un modèle de régime républicain.

Giovanni Antonio Canal, il Canaletto - Venice - The Grand Canal, Looking North-East from Palazzo Balbi to the Rialto Bridge - WGA03851

Jesuiten par Feininger

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Les trois Jesuiten par Lyonel Feininger forment une intéressante démonstration de l'évolution de son style. Sa grande liberté artistique basée sur son intuition est nourrie par un contact étroit avec les avant-gardes Européennes.

Feininger a commencé sa carrière comme illustrateur en 1894. Son trait est simple et ses couleurs sont violentes. Les personnages ont des petites têtes sur des corps très allongés. En 1908 Jesuiten I reste une caricature, avec pour thème l'hypocrisie de la bourgeoisie.

La figure centrale est une prostituée à l'attitude triomphante. Deux ecclésiastiques la regardent avant de décider comment ils vont intervenir. Un troisième Jésuite se désintéresse complètement de cette action. Cette huile sur toile 60 x 55 cm a été vendue pour £ 720K incluant premium par Christie's le 17 octobre 2000, lot 5.

Feininger retravaille la même scène en 1913, pour expérimenter de nouvelles tendances. Jesuiten II, huile sur toile 73 x 60 cm, dissout les formes dans un style futuriste proche de Boccioni. La ronde des Jésuites autour de la femme apporte une musicalité. Pendant toute sa vie Feininger, fils d'un violoniste et d'une chanteuse, a voulu donner une dimension musicale à son art graphique.

Jesuiten III est une huile sur toile 75 x 60 cm peinte en 1915 dans un style mêlant expressionnisme et cubisme. Les ecclésiastiques constituent autour de la prostituée un groupe serré qui rappelle les Strassenszenen de Kirchner à Berlin. Les plis des vêtements forment des ondes musicales. Jesuiten III a été vendu pour $ 23,3M incluant premium par Sotheby's le 8 mai 2007 sur une estimation basse de $ 7M, lot 22.

29 avr. 2020

Interchange par de Kooning

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Pour Willem de Kooning, la femme est un thème obsessionnel et ambigu. Ses personnages sont figuratifs mais excessivement difformes et grotesques. La couleur prévaut sur la forme. Il a dit : "Flesh is the reason oil paint was invented". Les spectateurs voient dans sa série des 'Woman' l'expression au mieux d'un agacement, au pire d'une pulsion sexuelle agressive, dans un impasto fébrile. Woman III a été vendu pour $ 137,5M en 2006 en vente privée.

L'artiste protège jalousement sa propre créativité et refuse de reconnaître les écoles et les influences. Les critiques d'art voient cependant en lui un des maîtres de l'expressionnisme abstrait, ce qui est partiellement justifié par son amitié avec un autre alcoolique notoire, Jackson Pollock.

Woman as Landscape (qui n'est pas Woman in Landscape), commencé en 1954, marque une nouvelle étape dans l'envie de de Kooning de supprimer les frontières entre les thèmes figuratifs. Cette huile sur toile 166 x 125 cm a été vendue pour $ 69M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2018.

En 1955 avec Interchange, un paysage vu d'en haut, centré sur une rivière, reste perceptible. Quand le spectateur s'aperçoit que la rivière a la forme d'un corps féminin, cette peinture considérée comme un des tout premiers exemples de paysage abstrait devient un chef d'oeuvre d'art érotique dissimulé, au côté du Rêve par Picasso.

Interchange, huile sur toile 200 x 175 cm, a été vendue pour $ 20,7M incluant premium par Sotheby's le 8 novembre 1989, le plus haut résultat aux enchères à cette époque pour une oeuvre d'un artiste vivant.

Une transaction privée de $ 500M entre deux milliardaires a été annoncée en février 2016. Elle portait sur deux peintures seulement. La pièce de choix, dont la contribution a été annoncée à $ 300M dans les communiqués, était Interchange. L'autre élément, valant donc $ 200M, était un dripping de 1948 par Pollock numéroté 17A.

La Villa de Pope par Turner

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Le jeune Turner est un grand admirateur des poètes, qu'il désire égaler par son art graphique. Il se spécialise dans les paysages. Suivant l'exemple du Lorrain, il conçoit à partir de 1807 un ensemble d'études qui serviront de modèles pour la suite de son oeuvre et pour les gravures.

Turner veut exprimer la vérité profonde de la nature. Il explore la Tamise et achète un terrain à Twickenham en 1807. Il y fait construire à son goût sa résidence personnelle à partir de 1812.

Un siècle plus tôt, Twickenham accueillait les riches Londoniens désireux d'échapper à la ville. En 1719 le poète Alexander Pope avait fait construire une opulente villa de trois étages au bord de la Tamise, et son jardin était conçu pour abriter les Muses.

La baronne Howe of Langar achète cette propriété en 1807. Le souvenir de Pope attirait encore de nombreux visiteurs. Pour protéger sa quiétude, elle fait détruire la villa. Bien entendu Turner est profondément frustré et irrité de cette décision qui diminue l'attrait touristique de ce village qu'il vient tout juste de choisir.

La vue de la villa Pope par Turner est une huile sur toile 92 x 120 cm peinte en 1808. Il a apporté un grand soin à cette peinture. Prenant déjà comme objectif d'égaler la luminosité des aquarelles, il a enduit la toile d'un primaire blanc.

La scène est pastorale, avec de petits personnages tranquilles, un jeune couple de bergers, quelques moutons, dans la belle lumière d'un soir d'automne. Au-delà de la rivière, le bâtiment est le symbole du caractère éphémère des réalisations humaines : il n'a déjà plus de toit et les fenêtres sont béantes.

Il l'expose dans sa galerie à Londres, qu'il utilise depuis 1804 pour attirer les clients et les critiques d'art. Le succès de cette oeuvre qui exprime une sensibilité poétique avec une grande qualité d'exécution est considérable. A 33 ans, il est le meilleur peintre paysagiste de son temps.

Cette peinture a été vendue pour £ 5,4M incluant premium par Sotheby's le 9 juillet 2008. L'image est partagée par Wikimedia.

Turner Pope villa

28 avr. 2020

Le Rigi Bleu par Turner

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Turner est un grand innovateur de la couleur. Il parvient à appliquer à la peinture à l'huile la technique de chevauchement de couleurs humides qu'il avait précédemment développée pour l'aquarelle. Au retour de son voyage de 1840 à Venise, il offre dans les deux techniques des teintes à mi-chemin entre la brume et le rêve, pour lesquelles il est considéré à juste titre comme un précurseur de l'impressionnisme.

Pour exploiter dans son atelier son voyage de 1841 en Suisse, il considère que la qualité de ses aquarelles est digne de ses oeuvres "finies" de grand format, les seules qu'il offre à la vente. Il prépare en 1842 quinze vues 24 x 30 cm de Lucerne et des environs pour démontrer à ses clients l'effet de lumière, avant de copier chaque esquisse en 30 x 45 cm en un seul exemplaire. Il est probable que cette unicité lui permettait d'argumenter le prix très élevé de ces aquarelles "finies", 80 guinées chacune.

Trois de ces vues montrent le Rigi au-delà du lac de Lucerne, à différents moments de la journée. La montagne est sombre avant l'aube, bleue au lever du soleil et rouge le soir. Ces images précèdent d'un demi-siècle les variations de lumière de Monet sur les Peupliers et sur la Cathédrale de Rouen, bien que Turner ne les ait pas conçues comme une série.

Le Rigi bleu est une des quatre aquarelles "finies" qui sont préparées avant d'inviter les clients. Elle est achetée par le collectionneur Bicknell, qui avait acquis l'année précédente une huile sur toile pré-impressionniste de la Giudecca.

Le Rigi bleu a été vendu pour £ 5,8M incluant premium par Christie's le 5 juin 2006, lot 53. L'image est partagée par Wikimedia.

Pour lui servir de pendant, Bicknell avait commandé une des onze oeuvres restant à réaliser, une vue du lac de Lucerne prise de Brunnen qui sera vendue pour £ 2,05M incluant premium par Sotheby's le 4 juillet 2018. Le goût de ce collectionneur était excellent : son huile sur toile de Venise citée ci-dessus a été vendue pour $ 36M incluant premium par Christie's le 6 avril 2006.

Turner persiste dans son style sans précédent. Une huile sur toile pré-impressionniste peinte en 1845 montrant le bord de mer à Folkestone a été vendue pour £ 7,4M incluant premium par Sotheby's le 5 juillet 1984, le plus haut prix enregistré aux enchères à cette époque pour une oeuvre d'art toutes catégories confondues.

Blue Rigi painting

Une Sieste par Sargent

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Influencé par l'impressionnisme, John Singer Sargent est un des meilleurs portraitistes de son temps. Alors qu'il approche la cinquantaine, il a envie de mieux vivre sa vie. Il sillonne l'Europe depuis sa jeunesse. Il va maintenant recentrer son art sur les paysages de ses voyages et sur les scènes de vacances avec ses amis.

Group with Parasols (A Siesta) est une huile sur toile 55 x 71 cm peinte en 1905. Deux femmes et deux hommes s'adonnent au farniente dans une prairie à l'orée d'un bois des Alpes Suisses.

L'ambiance est très contrastée, dans la lumière tamisée d'une chaude journée d'été. La suppression des détails mène certaines parties de l'image aux limites de l'abstraction.

Un des hommes a la tête posée sur le ventre de sa maîtresse qui somnole paisiblement sous son parasol blanc. La peinture a été dédiée à cet ami. Cette relation extraconjugale ainsi que la position différente de chacun des quatre dormeurs vont dans le sens du profond désir de l'artiste pour une vie libre.

Group with Parasols a été vendu pour $ 23,5M incluant premium par Sotheby's le 1er décembre 2004 sur une estimation basse de $ 9M.

27 avr. 2020

Rhein II par Gursky

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Photographe de la civilisation contemporaine, Andreas Gursky utilise les techniques d'image digitale pour apporter une nouvelle vision des fourmilières humaines, dont les individus sont tous différents tout en jouant des rôles absolument similaires.

En 1996, avec Rhein, il fait exactement le contraire. Par élimination digitale, il vide de tous les éléments humains un paysage fluvial pris à Düsseldorf. Il obtient ainsi un paysage originel qui fait écho aux abstractions minimalistes de la création du monde par Barnett Newman, aux horizons divins de Caspar David Friedrich et aux montagnes éternelles de Hodler.

Rhein est construit comme un ensemble de bandes horizontales : le ciel gris, la rive opposée, le mouvement lent de l'eau du fleuve, le premier plan herbeux divisé par un étroit chemin. L'influence de Gerd et Hilla Becher, les photographes de l'architecture ordinaire, est incontestable. Les Becher enseignaient à Düsseldorf une photographie de plein front sans effet angulaire.

Rhein a été édité en tirage chromogénique monté sur Plexiglas en six exemplaires, 146 x 180 cm pour l'image, 186 x 220 cm en incluant le cadre d'artiste. Les résultats aux enchères, incluant premium, ont été : $ 2,1M par Sotheby's le 10 mai 2011, £ 710K par Christie's le 27 juin 2012, $ 1,92M par Phillips le 16 mai 2013 et $ 1,8M par Sotheby's le 12 novembre 2014.

En 1999 l'artiste retravaille son image qui était trop petite et trop carrée pour apporter l'illusion mystique de l'infini. Le paysage est étiré pour un format plus panoramique et le ciel est éclairci pour une meilleure luminosité. Rhein II est éditée avec les mêmes techniques que la version d'origine, également en six exemplaires, avec un format d'image de 185 x 364 cm et un cadre de 207 x 386 cm. Le numéro 1/6 a été vendu pour $ 4,3M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2011, lot 44.

La Sainte Famille par Gérard David

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Originaire de Hollande, Gérard David fait toute sa carrière à Bruges. Son art est presque exclusivement religieux. Il ne signe pas ses oeuvres mais elles forment un corpus cohérent, qui évolue sur quatre décennies depuis le primitivisme inspiré par les écoles de Bruges et Gand jusqu'à l'intégration des nouvelles conceptions de la peinture par l'école d'Anvers.

Il est le dernier artiste majeur de Bruges. En 1515 il est très probablement l'artiste qui s'inscrit à la guilde des peintres d'Anvers sous le nom de Meester Gheraert van Brugghe. Son atelier reste à Bruges mais une nouvelle période s'ouvre pour la technique et les thèmes. Un conflit juridique en 1519 avec un de ses assistants semble marquer le terminus ante quem de ses oeuvres majeures.

La Sainte Famille, huile sur panneau 41 x 33 cm, est typique de sa période sous l'influence d'Anvers. Le groupe familial est montré dans un cadrage serré. L'attitude joue contre joue de la mère et de l'enfant est tendre et sans mièvrerie. Le dessin est réaliste et bien proportionné, la peinture est aussi douce qu'un sfumato. La dendrochronologie donne un terminus post quem en 1511. L'image est partagée par Wikimedia.

Le futur drame de l'Enfant est symbolisé de façon inhabituelle, par les pommes. Il tient dans sa main une pomme fraîche tandis que Saint Joseph apporte deux pommes pourries sur le couvercle d'un bol. Une composition de style très similaire, la Vierge à l'Enfant à la soupe au lait, inclut également une pomme fraiche, sur la table à côté du pain.

La Sainte Famille a été vendue pour $ 1M incluant premium par Christie's le 24 janvier 2003. Comme souvent pour la peinture ancienne, elle était défavorisée par un vernis jaune. Sa restauration a fait réapparaître les couleurs splendides ainsi que la transparence du voile, dans un excellent état de conservation. Elle a été vendue pour £ 4,8M incluant premium par Christie's le 5 juillet 2018, lot 31.

Gerard David - The Holy Family

26 avr. 2020

La Folle de Cour d'Anne Jagellon

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Le 5 juillet 2017, Sotheby's a vendu pour £ 2,17M incluant premium une huile sur panneau 49 x 34 cm, lot 5. Ce portrait d'une vieille femme n'a pas livré tous ses secrets. La dendrochronologie donne la date de 1507 pour l'abattage du chêne. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Ce portrait s'inscrit dans le contexte de l'intérêt pour les folies et les difformités qui fait suite à l'Eloge de la folie par Erasme. Le visage ridé est ordinaire, peut-être lapon ou gitan. Le dessin simplifié de la robe dans les mêmes couleurs que le chapeau conique de clown et l'imitation d'un brocart d'or sur le col révèlent qu'elle est une actrice. Elle porte un papier dont elle est certainement la messagère. Le sourire amusé suggère qu'elle connaît le contenu.

Des anneaux pendent par groupes sur le collier de corde, probablement par référence à un tour de magie. Une seule autre illustration de la même période montre un bijou similaire. Cette dernière peinture identifie le modèle comme Elisabet Stulta (Elisabeth la Folle).

Le portrait d'Elisabet est une copie qui était déjà dans la collection de l'archiduc Ferdinand du Tyrol, fils de l'empereur Ferdinand de Habsbourg et d'Anne Jagellon. La peinture vendue par Sotheby's a eu des révisions du dessin, révélées par inspection infra-rouge. Elle est un portrait original, peut-être de la même femme, probablement pris sur le vif.

Les fous, les jongleurs et les bouffons avaient un rôle important à la cour mais pas suffisamment pour qu'il soit documenté, à part quelques exceptions notoires comme Triboulet à la même période en France. Elisabet était probablement la folle d'Anne Jagellon qui fut reine consort de Bohême et Hongrie à partir de 1526 et aussi d'Allemagne à partir de 1531.

Par son thème Erasmien, une attribution à Metsys ou à Cranach l'Ancien a tenté les experts au XIXème siécle, mais les mains mal proportionnées n'ont pas été peintes par un grand maître. L'hypothèse actuelle, loin d'être démontrée, est qu'il s'agit d'une oeuvre de Jan Sanders van Hemessen vers 1525 dans sa période de formation, du vivant de Metsys. Metsys et van Hemessen étaient flamands : il faudrait plutôt chercher un peintre à Prague ou Vienne autour de 1535. Jakob Seisenegger a été proposé comme l'artiste original de l'Elisabet Stulta.



Les Tables Grimani

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Les deux tables Grimani, vendues par Sotheby's à Londres le 10 décembre 2015, témoignent de la magnificence des palais Italiens autour de 1600.

A Rome, un usage traditionnel était de récupérer les marbres et les pietre dure dans les villas antiques pour les réassembler dans de nouvelles configurations décoratives. A Florence, Ferdinando de' Medici, grand-duc de 1587 à 1609,  promouvait la réalisation de cette marquèterie précieuse dans ses ateliers.

A Venise, Marino Grimani est Doge de 1595 à 1605. Le Palazzo Grimani di Santa Maria Formosa était remarquable par l'utilisation intensive des marbres et avait abrité la collection de 130 sculptures antiques de son oncle Giovanni.

Le lot 201 est un plateau 150 x 112 x 6 cm entièrement incrusté de pietre dure sur un marbre. Les pierres les plus précieuses sont dominées par le lapis-lazuli disposé dans huit cartouches et plusieurs variétés d'agate. Cette décoration est abstraite à l'exception des quatre coins qui sont ornés du blason des Grimani.

Cette pièce est Florentine : tous les exemples similaires de plateaux armoriés ont été faits dans les ateliers grands-ducaux entre 1597 et 1625. Elle a été vendue pour £ 3,5M incluant premium.

Le lot 202, vendu pour £ 1,62M incluant premium, est un plateau 165 x 116 x 6 cm dans le goût Romain, avec une grande variété de pierres archéologiques.

Les deux plateaux, qui étaient restées au palais Grimani, ont été achetés ensemble en 1829 par le 3ème comte de Warwick après son Grand Tour. Elles ont été montées sur des tables-consoles anglaises en bois doré luxueusement ciselé.

25 avr. 2020

Après le Déjeuner par Berthe Morisot

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Berthe Morisot fréquenta très tôt le cercle des artistes rebelles à l'art académique qui allaient devenir les impressionnistes et fut la belle-soeur d'Edouard Manet. Son style enthousiaste et dynamique est à la fois original et intimiste. Elle privilégie les scènes familiales, avec une sensibilité heureuse.

A partir de 1880 Berthe et son mari Eugène Manet louent une maison avec un jardin à Bougival pour y passer les étés. A cette époque elle est avec Mary Cassatt le symbole du renouvellement de l'impressionnisme par les femmes. Elle juxtapose un trait précis proche d'Edouard Manet avec les taches de couleurs vibrantes dans le style de Renoir dans les tons clairs de Corot.

Après le déjeuner montre une jeune femme nommée Marie dans la véranda de Bougival. Le portrait de cette amie de la famille est clair et délicat, contrastant avec le libre enchevêtrement des fleurs du jardin. Le titre et les couleurs évoquent un bel après-midi d'été.

Cette huile sur toile 81 x 100 cm peinte en 1881 a été vendue pour £ 7M incluant premium par Christie's le 6 février 2013 sur une estimation basse de £ 1,5M, lot 11. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Dans la véranda, huile sur toile de même dimension, a été peinte en 1884 au même endroit, avec les mêmes accessoires et le même environnement : la table, la carafe, les fleurs luxuriantes du jardin au delà des vitres. Le personnage est ici Julie Manet, la fille de Berthe et Eugène, née en 1878, qui est le modèle favori de la fin de carrière de l'artiste. Cette peinture a été vendue pour $ 2,5M incluant premium par Christie's le 14 mai 2015, lot 36C.



L'Oeuf Rothschild par Fabergé

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Chaque oeuf impérial conçu par Fabergé devait apporter une innovation. En 1900 l'oeuf offert par le tsar Nicolas II à l'impératrice Maria Feodorovna est une pendule. La surprise est un coq automate qui apparaît pour sonner les heures.

Fabergé est un entrepreneur qui sait satisfaire les plus riches clients du monde entier, avides de trouver pour leurs femmes les cadeaux les plus somptueux. Deux variantes de l'oeuf impérial au coq sont connues, l'une réalisée en 1902 pour la branche française de la famille Rothschild, l'autre en 1904 pour un noble russe.

L'oeuf Rothschild a été offert comme cadeau de fiançailles par Béatrice de Rothschild à Germaine Halphen qui deviendra sa belle-soeur en 1905. Resté dans la famille, il a fait surface dans une vente par Christie's le 28 novembre 2007. Il a été vendu pour £ 9M incluant premium, lot 55. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Russia Today après la vente.

La pièce de 27 cm de haut en position fermée est en argent massif émaillé en rose transparent sur fond guilloché et pèse 3645 g. Pour marquer les heures le capot s'ouvre pour laisser monter un chantecler multicolore en or émaillé serti de petits diamants. Pendant 15 secondes, l'oiseau bat des ailes, chante en bougeant la tête, ouvre et ferme le bec et termine le mouvement en cognant une cloche avant de redescendre à sa place d'origine.

Cet oeuf est daté, signé par Fabergé et estampillé par le maître orfèvre Perchin. Une photo prise pendant sa préparation montre Perchin avec son assistant Wigström qui lui succédera en 1903.



24 avr. 2020

Douze Paysages par Qi Baishi

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L'art graphique traditionnel chinois est une suite ininterrompue d'imitation des maîtres anciens. L'approche excentrique de Bada Shanren au tout début de la dynastie Qing est une rare exception.

Né dans la province de Hunan dans une famille de paysans pauvres, Qi Baishi est autodidacte. Installé à Beijing à l'âge de 53 ans en 1917, il s'inspire de Bada Shanren pour développer un graphisme vigoureux et spontané, atteignant la poésie par un réalisme libre. Sa plus grande innovation est l'utilisation d'encres de couleurs très vives.

Ses thèmes sont variés tout en étant ordinaires et tranquilles : des paysages, des arbres, d'innombrables petites choses. Il peint selon ses propres observations, ne s'intéresse pas aux symboles et aux allégories et ne suit pas Bada Shanren dans la rébellion. Loin de la politique, il ne sera jamais menacé.

Le 17 décembre 2017, Poly a vendu à Beijing pour RMB 930M incluant premium valant à l'époque US $ 144M une suite monumentale de douze écrans 180 x 47 cm chacun peints par Qi en 1925 en bleu clair, gris, brun et rose sur le thème des montagnes, des villages et des arbres en fleurs.

Ce résultat récompense une oeuvre majeure de la période séminale de l'art moderne chinois dont Qi a été un des plus grands influenceurs. Il s'agit à ce jour (2020) du plus haut prix enregistré aux enchères hors de New York et du plus haut prix pour une oeuvre d'art chinoise.

Les douze panneaux sont illustrés côte à côte dans l'article de CTV News annonçant leur exposition au Poly Culture Art Center à Vancouver en octobre 2017 avec une estimation de US $ 100M.

Il existe un seul autre ensemble similaire par Qi. Peint en 1932, il est conservé dans un musée à Chongqing.

Le Buste d'Antinoüs

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Avec Trajan, l'Empire Romain atteint sa plus grande extension territoriale. En consolidant les fragiles frontières, Hadrien prolonge la pax romana pour un demi-siècle. Il n'y avait pas de chroniqueur sous son règne mais ses voyages ont été raisonnablement reconstitués.

Autour de la Méditerranée, Hadrien se montre passionnément Philhellène, ce qui est politiquement habile puisqu'il faut éviter les sempiternelles rivalités entre les villes grecques. Il est à Athènes en 129 CE et en Egypte en 130.

Un Bithynien âgé d'environ 20 ans, dont la beauté physique correspondait au canon de Dionysos, faisait partie de la suite de l'empereur. Sa biographie ne contient aucun élément vérifiable : en fait il fut plus utile mort que vivant. Sa noyade dans le Nil remémore la légende épique d'Osiris. Il s'appelait Antinoüs. L'empereur le divinise par décret impérial et multiplie les honneurs posthumes.

L'empereur est puissant et les courtisans sont nombreux. L'iconographie d'Antinoüs-Dionysos-Osiris prend une ampleur sans précédent, qui cessera d'être utile à la mort d'Hadrien en 138 CE.

Un buste en marbre plus grand que nature, 84 cm en incluant le socle, est découvert au XIXème siècle à Banias, sur le plateau du Golan. Il a été inscrit en grec par le dédicataire, d'une famille patricienne romaine : "de M. Lucius Flaccus au dieu Antinoüs". Une telle signature est unique dans l'iconographie d'Antinoüs.

En 133 et 134 Hadrien avait mené une guerre très meurtrière en Judée, soulevée par Bar Kokhba. Banias, romanisée sous le nom de Caesarea Philippi, avait une longue tradition païenne qui justifiait un support ostensible à l'empereur.

Le buste est incomplet : les bras manquent, une épaule est détachée et le nez est cassé. Malgré cet état, il a été vendu pour $ 24M incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2010 sur une estimation basse de $ 2M, lot 9.

23 avr. 2020

Oiseau dans l'Espace par Brancusi

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Brancusi n'a aucun désir de représentation figurative de la nature. Le thème de l'oiseau l'intéresse parce que l'envol est un lien ascensionnel de la terre au ciel. L'aboutissement ultime est l'Oiseau dans l'espace, conçu dans les années 1920 dans la suite des Colonnes sans fin. L'abstraction est totale, sauf que si l'oiseau était posé sur le flanc il ressemblerait aux futurs poissons puérils de Calder.

Un exemple précédemment inconnu est sorti de sa caisse, où il avait été installé par sa propriétaire Léonie Ricou en vue d'un déménagement à Bruxelles. Protectrice des artistes et des poètes, Mme Ricou avait été le modèle désigné de la figure abstraite en bois intitulée Portrait de Madame L.R. réalisée par Brancusi entre 1914 et 1917.

Ce nouvel Oiseau en marbre poli gris-bleu à veines blanches sur un socle et un piédestal en calcaire n'est pas le plus grand, avec 85 cm de hauteur pour le marbre et 122 cm hors tout. Ses proportions sont remarquablement équilibrées, avec une pierre superbe qui a été parfaitement préservée par son stockage de longue durée. Il pourrait être le tout premier Oiseau dans l'Espace, avant même l'étude de 137 cm, déjà plus proche du ciel, datée 1922.

Cette pièce séminale a été vendue pour $ 27,5M incluant premium par Christie's le 4 mai 2005 sur une estimation basse de $ 8M, lot 7. Ce résultat était à l'époque le plus haut prix enregistré aux enchères pour une sculpture.

Brancusi et ses Oiseaux étaient très en avance sur leur temps. Une anecdote est célèbre dans l'histoire de l'art. En 1926 un bronze envoyé aux Etats-Unis pour une exposition a été intercepté par les douaniers, refusant la qualification d'oeuvre d'art qui l'aurait exonéré de la taxe d'importation. Il a été reclassé dans la catégorie des ustensiles de cuisine en attente de la décision finale, qui sera fort heureusement favorable à l'artiste et qui fera jurisprudence pour la reconnaissance de la sculpture abstraite.

Artémis et le Cerf

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Artémis et le cerf, qui aurait aussi pu être intitulée Diane et le faon, est un groupe en bronze d'inspiration Hellénistique sans équivalent pour son état de conservation et la finesse de sa ciselure. Il mesure 124 cm hors tout incluant la base qui est d'origine. Comme toujours pour les groupes antiques en bronze, cette statue est constituée d'éléments assemblés par des jointures.

Cette statue a été trouvée par hasard à Rome vers 1930 pendant des travaux de construction à proximité de St Jean de Latran. Elle avait probablement décoré un hall ou un jardin privé dans la période de transition entre la République et l'Empire.

Certains de ses détails iconographiques sont de la plus grande rareté. La déesse est adolescente. Le geste du bras montre qu'elle vient d'envoyer une flèche avec un arc qui est manquant. Le cerf est son animal de compagnie, paisible à son côté sur ses quatre pattes. Il est petit, 43 cm de haut à comparer aux 92 cm de la déesse. De l'autre côté d'Artémis, il y avait une place suffisante pour un autre animal, peut-être un chien de chasse.

Ce bronze a été en exposition permanente à l'Albright-Knox Gallery à Buffalo, qui l'a dé-accessionnée pour se reconcentrer sur l'art moderne. Elle partage ainsi avec la lionne Guennol la caractéristique d'avoir été très appréciée du public pendant de nombreuses années avant sa mise aux enchères.

Artémis et le cerf a été vendu pour $ 28,6M incluant premium par Sotheby's le 7 juin 2007, lot 41, record à cette époque pour une sculpture aux enchères, toutes catégories confondues. Elle a été achetée à cette vente par Giuseppe Eskenazi, agissant pour un collectionneur privé qui l'a prêtée pour une longue durée au Metropolitan Museum of Art. L'image partagée par Wikimedia avec attribution Ana Carina Lauriano ╰★╮ / CC BY montre ce groupe exposé au Met.

Artemis Met Museum

22 avr. 2020

La Robe d'Ascot de My Fair Lady

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Adapté directement de la comédie musicale de même titre, My Fair Lady, produit en 1964 par Warner Bros., est un des plus grands succès du cinéma. Les spectateurs ont adoré l'histoire de la jeune femme cockney, jouée avec beaucoup de charme par Audrey Hepburn, qui voudrait bien qu'on la prenne pour une duchesse.

Cecil Beaton est chargé de réaliser les décors et les costumes pour le film comme il l'avait fait pour la pièce de théâtre. Son travail a été récompensé par un des six Tony Awards attribués en 1957 à la version de Broadway et par un des huit Oscars attribués au film en 1965.

Les courses de chevaux sont un prétexte pour que les dames exhibent les toilettes les plus voyantes.  La grande scène du film a lieu pendant le Derby d'Ascot en 1910. Dans cette foule dont 400 femmes sont costumées individuellement, la robe d'Audrey sera la plus belle.

Audrey porte pour cette action une robe claire à traîne très moulante en soie, velours et broderie, avec quelques ornements et un gigantesque chapeau orné de plumes d'autruche. La scène dans laquelle cette jeune femme somptueusement habillée reprend instinctivement son accent cockney pour encourager un cheval est une des plus cocasses de l'histoire du cinéma.

Cette robe d'Ascot a appartenu à Debbie Reynolds. Elle a été vendue pour $ 4,4M incluant premium par Profiles in History le 18 juin 2011, lot 506 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers. Dans la même vente, la robe 'subway' de Marilyn Monroe dans The Seven Year Itch a été vendue pour $ 5,5M incluant premium.

Le Coran d'Osman

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Les témoins des révélations de Mahomet disparaissaient, décimés par les guerres. Pendant le califat d'Abu Bakr, une version écrite complète du Coran devenait indispensable. Le travail est dirigé par Zayd ibn Thabit qui avait été un scribe du Prophète.

Le risque de divulguer des variantes dialectales qui susciteront de stériles débats théologiques est trop grand. Le calife Uthman (Osman) demande au même expert d'établir une version canonique du Coran dans un seul dialecte Arabique, interdisant désormais toute modification du texte. Les annalistes ne mentionnent pas ce travail qui a été effectué autour de 30 AH (650 CE).

Le 8 avril 2008, Christie's a vendu pour £ 2,5M incluant premium une feuille de coran 36 x 28 cm, lot 20, sur une  estimation basse de £ 100K. L'image est partagée par Wikimedia.

Cette feuille écrite recto-verso est un palimpseste. Le texte d'origine en écriture Hijazi a été effacé avant le 9ème siècle CE pour réutiliser le vélin. Le texte le plus ancien avait laissé une corrosion dans le vélin et il a réapparu au fil du temps.

Il était bien sûr sacrilège d'effacer un texte sacré. Une raison possible de cette action était que le manuscrit d'origine était d'une très grande ancienneté et ne répondait pas entièrement au canon d'Osman.

Une feuille palimpseste provenant du même codex d'origine a été vendue pour £ 163K incluant premium par Christie's le 1er mai 2001.


21 avr. 2020

Les Evangiles de Henri le Lion

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Les princes veulent mériter et gagner la vie éternelle. Henri le Lion, de la dynastie Guelfe, fut un des plus puissants. Cumulant plusieurs héritages, il était duc de Bavière et de Saxe et son territoire s'étendait de la mer Baltique jusqu'aux Alpes. Sa capitale était à Brunswick (Braunschweig) et il fonda entre autres Munich et Lübeck. Il fut déchu de ses titres en 1180 pour avoir refusé d'aider l'empereur Frédéric Barberousse.

Henri fut un bienfaiteur de la cathédrale de Brunswick, qu'il fit construire à partir de 1173 et où il est enterré. Son évangéliaire est un très luxueux manuscrit préparé pour la consécration de l'autel de la Vierge Marie en 1188 dans cette cathédrale.

Cet évangéliaire est un codex de 266 feuilles de parchemin 34 x 25 cm, incluant 50 illustrations en pleine page ainsi que des initiales historiées. Le livre montre dans une suite logique la carrière du duc protégé par le Christ et les saints, incluant par exemple son mariage et son couronnement. Les explications des phylactères complètent les images, permettant d'identifier les très importants personnages impériaux et ducaux de sa famille.

Le livre a été préparé à l'abbaye bénédictine de Helmarshausen et le scribe a identifié son nom. L'écriture est une minuscule caroline modifiée qui anticipe le gothique. Les illustrations en couleurs vives sont composées sur le principe de l'horreur du vide tout en gardant une grande lisibilité. L'image partagée par Wikimedia donne l'exemple d'une page.

Ce chef d'oeuvre de l'enluminure romane est resté intact. Il a été vendu le 6 décembre 1983 par Sotheby's pour £ 8,1M incluant premium, record toutes catégories à l'époque pour une oeuvre d'art aux enchères. Considéré en Allemagne comme un trésor national, il a été acheté à cette vente par un consortium incluant le gouvernement, les provinces de Basse Saxe et Bavière et des donateurs publics et privés.




Juan de Pareja par Velazquez

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La mission en Italie de Diego Velazquez a pour but de constituer une collection d'art pour le roi d'Espagne. Il part de Malaga en 1649, visite Gênes, Milan, Venise et Modène, achète au passage des oeuvres importantes de Titien, Tintoret et Veronese. Au début de 1650 il est à Rome où il peut s'occuper de sa propre carrière.

Il est accompagné de son esclave Juan de Pareja, qui est son préparateur de couleurs. Agé d'environ 44 ans, Juan de Pareja est un métisse avec une dominance Maure.

Velazquez a une intuition géniale. Pour montrer que son savoir-faire répond à sa réputation, il fait le portrait de son esclave, à qui il confie la démonstration du résultat à quelques amis bien choisis. La vérité du portrait est époustouflante. La peinture est exposée au Panthéon le 19 mars 1650 pour la fête de Saint Joseph, un honneur extraordinaire quand on considère que l'oeuvre vient tout juste d'être réalisée.

Velazquez n'était pas seulement un portraitiste mondain. Il savait donner de la dignité aux hommes quelque soit leur condition sociale. Le regard de Juan est fier et droit. Il aura sa récompense : libéré quelques mois plus tard avec une période de probation, il utilisera ses dons pour la peinture pour devenir un des meilleurs assistants de Velazquez.

Le portrait de Juan de Pareja, huile sur toile 81 x 70 cm, a été vendu le 27 novembre 1970 par Christie's pour £ 2,3M incluant premium, valant à l'époque US $ 5,5M. Il a été acheté à cette vente par Wildenstein agissant pour le Metropolitan Museum of Art. Le Met réunit les fonds nécessaires après un appel aux dons des amis du musée et acquiert ce chef d'oeuvre en 1971. L'image est partagée par Wikimedia.

Le portrait de l'esclave a ouvert pour l'artiste toutes les portes du Vatican. Le portrait "troppo vero" du pape Innocent X, peint en août 1650, est une des oeuvres les plus importantes de l'histoire de l'art.

Retrato de Juan Pareja, by Diego Velázquez

20 avr. 2020

Hotel Window par Hopper

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Edward Hopper est un metteur en scène du monde qui l'entoure. Il est timide, laconique et conservateur. Son mariage avec Jo, qui est sociable, ouverte et libérale, durera toute leur vie. Les carnets de notes tenus scrupuleusement par Jo sont souvent la seule entrée pour comprendre la créativité d'Edward.

Jo devient le seul modèle d'Edward, ce qui évite les jalousies, mais il la positionne à contre-emploi de son tempérament. Elle laisse faire, et devient le symbole de la solitude ressentie par l'artiste. En 1942 dans Nighthawks, Edward et Jo sont les dîneurs du restaurant déserté. Cette peinture célèbre est le meilleur exemple d'ambiance d'un thriller dans l'art majeur.

Edward observe attentivement son environnement : les hôtels, les restaurants et les théâtres de New York City, la route qui mène à Cape Cod et les stations service. Il prend des croquis avant de réaliser ses peintures dans son atelier. Souvent la réalisation, comme dans Nighthawks et Hotel Window, dépasse dans le lugubre son intention d'origine.

Hotel Window, huile sur toile 102 x 140 cm, a été peinte en 1955. Dans le hall d'un hôtel, une femme aux cheveux gris regarde avec un air absent la nuit noire au travers de la fenêtre. La pièce est mal meublée et personne ne viendra perturber cette vieille femme qui a les mêmes traits durs du visage que la Jo de Nighthawks, avec 13 ans en plus.

Hotel Window a été vendue pour $ 27M incluant premium par Sotheby's le 29 novembre 2006 sur une estimation basse de $ 10M. L'image est partagée par Wikimedia.

Hotel-window-edward-hopper-1955

Antoine et Cléopâtre par Alma-Tadema

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L'artiste hollandais Lawrence Alma-Tadema s'installe en Angleterre en 1870. Profitant de la mode pré-Raphaélite pour les thèmes antiques, il y fera tout le reste de sa carrière. Son affaire est florissante et méticuleusement gérée, et il est couvert d'honneurs dans l'Angleterre Victorienne et Edwardienne.

Alma-Tadema peint les passions antiques, avec un dessin précis et des couleurs vives qui évoquent l'Orient. Il met en scène les plus belles femmes et leurs amants, languissants jusqu'aux limites de la débauche. Il les entoure d'objets luxueux pour lesquels il établit une solide documentation par ses voyages aux sites gréco-romains, ses visites dans les musées et son abondante collection de photographies.

En 1883 Alma-Tadema s'inspire de Shakespeare pour peindre la Première rencontre d'Antoine et Cléopâtre pour une commande privée. La reine exhibe sa beauté comme dans une vitrine, dans une barge couverte d'un baldaquin. L'amoureux accoste dans une sorte de gondole mue par des soldats romains. Entre les deux, une esclave joue de la flûte.

La composition est hardie, laissant voir au travers des barques la mer et quelques éléments d'architecture antique. Selon les historiens, cette scène a eu lieu à Tarse en 41 BCE. Peu importe : elle donne surtout à l'Angleterre Victorienne l'envie des plaisirs scandaleux auxquels s'adonnaient complaisamment les plus grands personnages de l'antiquité.

Cet Antoine et Cléopâtre est l'opus CCXLVI dans le répertoire chronologique maintenu par Alma-Tadema pour éviter les contrefaçons. Cette huile sur panneau 66 x 91 cm a été vendue pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 5 mai 2011 sur une estimation basse de $ 3M, lot 65. L'image est partagée par Wikimedia.

L'introduction d'un effet instantané dans une action dramatique est une spécialité d'Alma-Tadema et influencera les scénarios et même certains cadrages du cinéma. Il est en quelque sorte un précurseur orientaliste de Norman Rockwell.

Alma-tadema-antony-cleopatra

19 avr. 2020

R2-D2 de Star Wars

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Bien qu'il n'ait pas l'apparence d'un androïde, le robot R2-D2 est un des personnages les plus populaires du cinéma moderne. Cet ovoïde de 1,09 m de haut émet des sifflements qui expriment ses émotions. Il participe à Star Wars depuis le tout premier film en 1977. A l'insu des spectateurs, il est manipulé de l'intérieur par l'acteur nain Kenny Baker.

Rappelons que dans la chronologie de l'histoire, la seconde trilogie se déroule avant la première. La chronologie de sortie des films correspond aux épisodes IV, V, VI, I, II, III puis VII et au-delà.

Les robots ont été maintenus tout au long des films, notamment pour changer les composants périmés. Le 28 juin 2017, un exemple composite réunissant les éléments structurants avec un excellent niveau d'authenticité a été vendu pour $ 2,76M incluant premium par Profiles in History sur une estimation basse de $ 1M, lot 1298 ici lié sur la plate-forme d'enchères Invaluable.

L'élément le plus important est d'origine du tout premier film, épisode IV, en 1977 et a été utilisé dans les trois films suivants : c'est le dôme en aluminium conçu pour l'usage de Kenny Baker. Les autres éléments des trois pieds et du corps sont authentiques des cinq premiers films, bien que le pied droit préparé pour l'épisode I n'ait pas été utilisé à l'écran.

Cet assemblage qui n'inclut aucun élément fonctionnel n'a pas pu être fait avant l'achèvement du cinquième film, épisode II, en 2002.

Un Bouddha Liao

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En 907 CE la chute des Tang crée un morcellement politique de la Chine, ouvrant la période des Cinq Dynasties. La dynastie Liao domine pendant deux siècles un vaste territoire couvrant le nord de la Chine et la Mongolie.

Dans cette période, l'iconographie Bouddhique est inspirée des figures Tang. Progressivement, le retour des prédictions apocalyptiques apporte un besoin de protéger les connaissances et renforce le culte de Maitreya.

Beaucoup de figures sont en bois peint ou en argile. Le bronze doré est très rare et réservé à des pièces du plus grand luxe. Une déité de 21 cm de haut de début de cette période, qui peut être Avalokitesvara ou Maitreya, a été vendue pour $ 2,5M incluant premium par Christie's le 19 mars 2008.

Un Bouddha Vairocana en bronze massif doré de 24 cm de haut a été vendu pour € 13,6M incluant premium par Christie's le 14 décembre 2016, lot 53. Cette pièce réalisée au 11ème siècle CE porte une inscription administrative Liao, malheureusement non datée, qui atteste de son importance.

Cette figure a des caractéristiques exceptionnelles. Vairocana est le Bouddha primordial. Sa haute tiare est centrée d'une image de Bouddha et intègre dans la couronne les cinq Bouddhas cosmiques, les Tathagatas. Ses poings sont joints dans le geste de la connaissance. Il est assis sur un lotus dont les feuilles stylisées sont curieusement débordantes. La figuration de la joaillerie et de la draperie est luxueuse.

18 avr. 2020

Les Coucous par Matisse

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Originaire du nord de la France, Henri Matisse fréquente très tôt les ateliers locaux de tissage. Il sera pendant toute sa vie un créateur de formes sur les supports les plus variés, annihilant les limites entre la figuration et l'abstraction.

Le Fauvisme est une étape brève mais décisive au cours de laquelle il expérimente la force expressive des couleurs pures. Cherchant les solutions exotiques, il voyage en Algérie en 1906 et passe deux mois en Espagne en 1910 à étudier l'art mauresque. A cette époque, des collectionneurs en avance sur leur temps comme Chtchoukine ne veulent plus de la séparation traditionnelle entre l'art et la décoration.

En 1910 à Madrid, Matisse achète à un antiquaire un tapis bicolore en assez mauvais état, dont les arabesques sont naturalistes sans être identifiables. Il est séduit par la force expressive de ce textile anonyme, proche par hasard du nouveau style qu'il a développé pour La Danse en 1909.

En variant les couleurs, il utilise son tapis comme un élément décoratif dans plusieurs peintures. Dans L'Atelier rose, huile sur toile 180 x 221 cm peinte pour Chtchoukine en 1911, il est étendu sur le grand paravent.

Les coucous - tapis bleu et rose, huile sur toile 81 x 66 cm peinte au printemps 1911, apparait comme un travail préparatoire pour L'Atelier rose. Sur la table, le vase de coucous est le prétexte pour cette image, mais le tapis utilisé comme une nappe est bien le thème principal par son invitation à l'abstraction. Le mur turquoise du fond est rehaussé de reflets roses.

Yves Saint-Laurent a vu dans l'image de cette étoffe un précurseur de son propre travail. Cette peinture qui offre un lien entre deux grands concepteurs a été le lot le plus cher de la vente de sa collection par Christie's le 23 février 2009 : elle a été vendue pour € 36M incluant premium sur une estimation basse de € 12M, lot 55.

Les Mosaïques Mystiques de Paul Klee

L'art de Paul Klee est une recherche d'une réalité nouvelle qui permettra d'accéder à la création divine.

Influencé par les rythmes de Delaunay, il donne pendant toute sa carrière la prééminence au mouvement, qui pour lui est l'expression de la nature et mène au musicalisme. Comme Torres Garcia, il mêle la figuration avec une abstraction architecturée. Comme dans les peintures poétiques de Miro, le titre guide un peu le lecteur. Il cherche comme Kandinsky les bases expressives des couleurs tout en étudiant surtout les confrontations de tonalités. Il essaye toutes les textures et toutes les matières.

Juste avant de quitter l'Allemagne où son art sera considéré comme dégénéré, Klee peint des surfaces structurées comme des mosaïques à cases rectangulaires qui peuvent évoquer un urbanisme minimaliste. Stadtburg Kr, huile et tempera sur gesso 36 x 30 cm peinte en 1932, a été vendue pour £ 2,6M incluant premium par Sotheby's le 22 juin 2011.

Revenu en Suisse qui était son pays natal, Klee est atteint d'une maladie incurable. Son isolement et son angoisse lui apportent une nouvelle phase de grande créativité, de 1937 à 1939.

Le 5 juin à Paris, Sotheby's vend Abend in N, huile sur mousseline 60 x 45 cm peinte en 1937, lot 10 estimé € 2M. Considérant la fragilité du support, cette oeuvre est remarquablement préservée.

Le patchwork de rectangles est d'une régularité presque absolue, contrairement à l'exemple ci-dessus qui offrait un rythme un peu boursouflant. Certains éléments sont divisés dans une diagonale. Le titre dirige le spectateur vers la sombre ambiance du crépuscule dans une ville, avec une alternance de couleurs froides et chaudes.

17 avr. 2020

Un Bouddha Kamakura

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En 1185 CE la période de Kamakura succède à la période de Heian. L'aristocratie a perdu le pouvoir et la figuration Bouddhiste est transformée, pour une vision plus monumentale et populaire.

Les principaux artistes de cette transition sont Kokei et son fils Unkei, qui sont originaires de Nara et travaillent pour les principaux temples Japonais. Unkei a commencé sa carrière avant 1176 comme apprenti de son père à qui il succède vers 1195 comme chef d'école de la famille Kei.

Leurs figures sont en bois, assemblant avec des techniques de menuiserie de nombreuses pièces élémentaires. Unkei s'éloigne du canon Bouddhique en réalisant des figures masculines d'une grande puissance expressive. Il innove aussi en insérant des cristaux dans les yeux. Ses statuettes sont creuses pour contenir des reliques, incluant souvent une plaque en bois qui identifie l'artiste et la date.

En 2000, chez un antiquaire quelque part dans la campagne japonaise, un collectionneur est époustouflé par une figure en bois de 66 cm de haut, qu'il parvient à acheter. La pièce n'a pas le poids d'un bois massif. Elle est laquée or avec conservation de pigments, et les ornements de joaillerie sont en métal martelé. Elle a probablement été sortie d'un temple lors de la promotion du Shinto à la période Meiji.

Trois ans plus tard, le conservateur des sculptures du National Museum of Tokyo confirme que cette pièce répond parfaitement au style d'Unkei. Du fait de sa dimension assez importante, les experts considèrent qu'elle peut correspondre à une oeuvre de Unkei réalisée en 1193 pour un mémorial funéraire.

La figure était parfaitement scellée et n'a pas été démontée. Par inspection aux rayons X, trois reliques sont identifiées dans sa cavité : la plaque, qui n'a pas pu être lue, une pagode en cristal à cinq étages symbolisant les éléments de la matière, et une boule de cristal.

Elle répond à l'iconographie de Dainichi Nyorai qui peut être indifféremment considéré comme un Bouddha ou un Bodhisattva. Le geste des deux poings fermés l'un au-dessus de l'autre et joints par l'index de la main inférieure symbolise la connaissance.

Ce Bouddha Japonais a été vendu pour $ 14,4M incluant premium par Christie's le 18 mars 2008, lot 200.

Un Cadeau de Lafayette à Washington

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Le 19 janvier 2002, Christie's a vendu un souvenir historique pour $ 2M incluant premium, lot 463 : une paire de pistolets de selle offerte par Lafayette à Washington, et possédée plus tard par le président Jackson.

L'engagement du marquis de La Fayette dans la révolution américaine est indissociablement lié à son admiration pour George Washington. Les deux hommes avaient fait connaissance en août 1777, deux mois après l'arrivée de Lafayette en Amérique. Le jeune officier français a ensuite participé aux épisodes difficiles de Brandywine et Valley Forge.

Lafayette sait qu'il a les moyens d'aider Washington. Après l'alliance officielle entre la France et les Américains, il revient temporairement en France en 1779 pour contribuer à la propagande et envoyer des renforts, dépensant à ce moment-là $ 200 000 sur sa fortune personnelle.

Les pistolets montés en acier incrusté d'argent et d'or sont signés par Jacob Walster, un armurier opérant à Saarbruck, peu documenté mais dont la compétence est attestée par la fourniture d'une paire de pistolets au roi George III. La Fayette a probablement fait cette acquisition pendant qu'il était en garnison à Metz, entre août 1775 et juin 1776. Le cadeau a probablement été effectué en 1778.

Transféré par héritage de Washington à un des ses neveux, ce souvenir historique est offert par le gendre du neveu à Andrew Jackson en 1824 en témoignage de support à sa première campagne présidentielle, où il est battu par John Quincy Adams. A sa mort, Jackson lègue les pistolets au fils de Lafayette, qui avait aussi été un filleul de George Washington. Ils resteront dans la famille de Lafayette jusqu'en 1958.

16 avr. 2020

Les Perles de Marie-Antoinette

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Pour son mariage avec le futur roi Louis XVI, Marie-Antoinette a reçu en cadeau une impressionnante quantité de diamants, rubis et perles de la part de sa mère, l'impératrice Marie-Thérèse, et du grand-père de son mari, le roi Louis XV. Elle adorait les bijoux et n'a pas cessé d'améliorer sa collection.

Pendant la Révolution, Marie-Antoinette qui est encore reine prévoit de s'enfuir en Autriche. En janvier 1791, aidée de sa femme de chambre, elle prépare une cassette avec ses bijoux préférés. Les bijoux atteignent Vienne mais le roi et la reine sont arrêtés à Varennes en juin 1791.

En 1795 Madame Royale, la seule survivante des enfants du couple royal, est libérée des prisons révolutionnaires et s'exile à Vienne. L'empereur François II lui restitue les bijoux tout en gardant les rubis en compensation d'une pension accordée à la princesse. Dans l'héritage de Madame Royale en 1851, un tiers des bijoux est attribué à sa nièce Louise, duchesse de Parme.

Vers 1930 Marie-Anne d'Autriche, femme du duc de Parme, décrit dans un inventaire quatre bijoux de perles et diamants dont elle atteste qu'ils proviennent de Marie-Antoinette. Ces pièces qui n'avaient jamais été publiées ni exposées ont fait partie de la vente des bijoux royaux de la collection Bourbon-Parme par Sotheby's le 14 novembre 2018.

Le lot 97, un collier de trois rangs de perles avec un fermoir de diamants, a été vendu pour CHF 2,3M incluant premium sur une estimation basse de CHF 200K. Les deux lots suivants, un collier et une paire de boucles d'oreilles, ont été vendus pour CHF 450K chacun incluant premium.

Le lot 100 était une perle 15,90 x 18,35 x 25,85mm de forme goutte assemblée dans un pendant avec un gros diamant en fermoir et un noeud de petits diamants. Cet intéressant souvenir d'une reine qui avait voulu vivre dans un luxe extrême a été vendu pour CHF 36,4M incluant premium sur une estimation de CHF 1M à 2M.

15 avr. 2020

George Washington à Princeton

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Le 14 juin 1774, le Congrès Continental crée une armée pour mener la guerre d'Indépendance. Son commandant en chef est George Washington, un planteur de Virginie qui est aussi un officier et un ancien combattant de la Guerre de Sept Ans.

Washington est imposant par sa haute stature et par son flegme, et surprend ses adjoints par son abnégation et ses vertus. Cela ne suffit pas. Il n'a jamais exercé de commandement sur le champ de bataille et son armée faible et inexpérimentée a tout à apprendre.

Tout semble facile pour les Britanniques en décembre 1776, au point qu'ils décident de prendre leurs quartiers d'hiver dans le New Jersey, attendant les beaux jours pour prendre Philadelphie. Bientôt George Washington ne pourra plus payer ses troupes épuisées. Dans un sursaut héroïque, il surprend les garnisons britanniques à Trenton et à Princeton. Ce sont les premières victoires de l'armée américaine.

La guerre reste indécise, et il faut continuer à donner l'exemple. Le 18 janvier 1779, le Supreme Executive Council of Pennsylvania commande un portrait du général Washington à Charles Willson Peale. Le jeune artiste avait fait un premier portrait du héros à Mount Vernon en 1772. Il avait fait partie des renforts des milices de Pennsylvanie qui avaient contribué aux victoires de Trenton et Princeton, et avait été apprécié des soldats pour les portraits miniatures peints sur le champ de bataille.

L'oeuvre qui répond à la commande de Pennsylvanie est un portrait en pieds, debout grandeur nature, de Washington après la bataille de Princeton. Le héros est représenté dans son attitude habituelle de modestie, sans que le visage ni l'habit n'aient été enjolivés. Il pose la main sur un canon. Les symboles de la victoire incluent un rassemblement de prisonniers Britanniques avec leurs tuniques rouges. Cette huile sur toile 246 x 149 cm est conservée au musée de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts.

Le renforcement de la jeune nation inclut aussi une propagande internationale auprès des nouveaux alliés français et espagnols. Des répliques autographes sont effectuées par l'artiste. L'une d'elles, huile sur toile 244 x 156 cm datée 1779, est convoyée vers l'Espagne par un diplomate américain. Le message politique perd progressivement de sa force et la peinture finit par être léguée à une école de Capucins du Pays Basque, où elle est achetée vers 1918 par un antiquaire de New York.

Ce portrait de Washington à Princeton a été vendu pour $ 21,3M incluant premium par Christie's le 21 janvier 2006, lot 547, sur une estimation basse de $ 10M. Je vous invite à regarder la vidéo préparée en 2015 par la maison de ventes pour garder en mémoire la vente de cette peinture importante, la dernière de son type en mains privées.

14 avr. 2020

Couvertures pour Astérix

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Astérix le Gaulois nait en 1959 de la complicité de deux humoristes de la bande dessinée, le scénariste René Goscinny et le dessinateur Albert Uderzo. Le flot ininterrompu de gags et de jeux de mots plait énormément au public francophone. La pratique en permanence d'un humour au second degré permet de capter à la fois l'enthousiasme des enfants et des adultes.

Les auteurs ajoutent à la vaillance du petit guerrier gaulois une force invincible de super-héros et la lutte astucieuse contre un régime oppresseur, permettant d'habiles sous-entendus sociaux, politiques ou régionalistes.

A la télévision, Pierre Tchernia est le très populaire Monsieur Cinéma. A la fin de 1964, il se rapproche de l'équipe Goscinny-Uderzo, qu'il aidera à partir de 1968 à réaliser des adaptations  d'Astérix en dessin animé. La figure joviale de Tchernia a parfois été gentiment caricaturée par Uderzo pour des personnages secondaires de ses histoires.

La collection de bandes dessinées de Tchernia a été vendue aux enchères par Art Richelieu (Patrick Deburaux) le 13 octobre 2017. Les deux lots les plus importants, estimés € 180K chacun, étaient des dessins originaux avant le titre par Uderzo à l'encre de Chine, gouache et encres de couleurs pour des couvertures d'albums.

Le dessin du Tour de Gaule d'Astérix, 50 x 37 cm, a été préparé en 1964. Il a été inscrit par les deux auteurs "à Pierre Tchernia, le modeste témoignage de sympathie en hommage à l’esprit et à la gentillesse du grand homme de télévision". Il a été vendu pour € 1,45M incluant premium. Cette image marque la toute première apparition du gentil chien Idéfix pour une couverture.

Le dessin du Bouclier Arverne, 41 x 33 cm, a été préparé en 1968. Il a été dédicacé par Uderzo à toute la famille Tchernia. Il a été vendu pour € 1,2M incluant premium.

Lettre avec un Dessin de la Maison Jaune

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Vincent van Gogh écrivait beaucoup. Il a ainsi fourni à la postérité un témoignage direct sur son incomparable créativité, sur ses projets et sur ses problèmes.

Arrivé en Arles le 20 février 1888, Vincent séjourne d'abord à l'hôtel. La ville lui plait et il veut y installer son logement et son atelier. Il est séduit par une maison aux murs jaunes qu'il pourra louer pour pas cher : elle est inoccupée depuis longtemps et passablement délabrée.

Son enthousiasme est croissant. Il aménage son atelier dans la Maison Jaune, attend la connexion du gaz de ville qui permettra des conditions de travail acceptables, et choisit d'inviter un artiste avec lequel il se sent des affinités : Paul Gauguin.

Le 5 novembre 2013, Christie's a vendu pour $ 5,5M incluant premium sur une estimation basse de $ 2,5M une feuille autographe 13,4 x 20,6 cm, lot 16. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Le verso est la fin d'une lettre, incluant un éloge de Gauguin et des voeux d'amélioration de santé pour Theo. Vincent datait rarement ses lettres. Ce document est la cinquième page d'une lettre envoyée vers le 29 septembre 1888.

Le recto est un dessin à l'encre en pleine page, montrant la Maison Jaune avec beaucoup de petits détails et une bonne animation. Cette image est une copie d'une huile sur toile qu'il vient de réaliser. L'artiste n'a pas omis les terrassements tant attendus des gaziers. Il veut montrer à Theo que son nouveau cadre de vie est prêt pour une nouvelle aventure artistique sans précédent.

Gauguin a accepté : il frappe à la porte de la Maison Jaune le 24 octobre 1888.


13 avr. 2020

The Pond par Steichen

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La tendance pictorialiste a pour objet de privilégier la beauté romantique d'une photographie par rapport à son contenu documentaire. Dans le même temps, l'amélioration des processus photo-sensibles permet de nouveaux effets, révélant les plus faibles contrastes et les plus petits rayons de lumière du négatif d'origine.

Eduard 'Edward' Steichen rencontre Stieglitz à New York City en 1900. Il a 21 ans. Ils collaborent étroitement, et Steichen approfondit ses recherches destinées à faire reconnaître la photographie comme un art à part entière.

La réussite d'une image photographique dépend de la qualité de l'ensemble de la chaîne, depuis la prise de vue jusqu'au traitement en laboratoire. Steichen pratique le procédé à la gomme bichromatée, recommandé par Demachy. Ce procédé permet de reproduire une illusion de couleurs, d'une façon plus subtile qu'un simple aquarellage.

Steichen ne recule pas devant les difficultés. Un de ses thèmes favoris est le clair de lune, avec ses couleurs subtiles. Il est peintre et observe ces scènes en imaginant quels pigments il pourra utiliser. En 1904 il saute le pas. Sa photographie d'un étang à New York est l'occasion d'une expérimentation d'un effet d'ambiance par l'application de la gomme bichromatée en couches multiples.

Le travail est long et difficile. Steichen réussit trois tirages de sa photo, à chaque fois avec une configuration différente des produits chimiques et des couches. Cet intéressant effet nocturne, sous-titré Moonlight ou Moonrise, révèle la lune deux fois : sur l'horizon au travers d'un bois clairsemé et par la luminosité blafarde qu'elle apporte à la surface de l'étang.

Un des tirages a été donné par Stieglitz en 1933 au Metropolitan Museum of Art et un autre par Steichen en 1967 au Museum of Modern Art. Le troisième tirage était dans une collection qui a été acquise en bloc par le Met en 2005. Considérée comme un double dans la collection du Met, elle a été remise sur le marché par le musée.

The Pond - Moonlight, tirage à la gomme bichromatée multiple sur platine 40 x 50 cm, a été vendu pour $ 2,9M incluant premium par Sotheby's le 14 février 2006 sur une estimation basse de $ 700K, lot 6.

Der Wasserfall par Franz Marc

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La recherche d'un art nouveau, mystique et dématérialisé, suscite le regroupement de Kandinsky et Marc. Franz Marc aime la force masculine des chevaux sauvages. Kandinsky aime le thème du cavalier. Le bleu est leur couleur favorite. Avec entre autres Macke et Jawlensky, ils créent le mouvement Der Blaue Reiter à Munich en 1911. Cette dénomination était aussi le titre d'une ancienne peinture de Kandinsky.

Comme Kandinsky, Marc évolue progressivement vers une abstraction caractérisée par la force expressive des couleurs. Ses couleurs, symboles des forces panthéistes, perdent complètement le réalisme. Il a expliqué comment il fallait les interpréter : Le bleu est le principe mâle, austère, spirituel et intellectuel. Le jaune est le principe femelle, gentil, aimable et sensuel. Le rouge est un ennemi, matérialiste, brutal et lourd.

A l'appui de ses théories, Marc met en scène une grande variété d'animaux, créations idéales de la nature. Il n'oublie cependant pas que son but est humaniste.

Le 7 novembre 2007, Sotheby's a vendu pour $ 20,2M incluant premium Der Wasserfall, huile sur toile 165 x 158 cm peinte en 1912, lot 41.

Der Wasserfall est un rare exemple de cette période avec des personnages humains. Devant la cascade, quatre femmes nues ont des gestes théâtraux. Les couleurs des peaux sont différentes, exprimant sans connotation raciale la diversité des tempéraments. La cascade est un flot abondant et tourbillonnant dans un bleu très vif, symbolisant la lumière divine. Au fond à gauche, un félin apporte sa contribution au panthéisme.

12 avr. 2020

Le Rêve par Picasso

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Dans sa passion brûlante pour Marie-Thérèse Walter, Picasso était resté prudent. Olga ne trouvait pas encore d'évidence de l'adultère. Le Rêve, huile sur toile 130 x 97 cm peinte le 24 janvier 1932, marque à elle seule le point de non retour. Je vous invite à lire la page consacrée à cette oeuvre sur Wikipedia.

C'est un des tout premiers portraits où la jeune femme blonde est reconnaissable. Picasso l'avait choisie pour la beauté voluptueuse de ses courbes. Elle dort paisiblement dans un fauteuil, la tête penchée sur l'épaule droite. C'est pourtant un rêve. Picasso utilise sa vision traditionnelle en perspectives multiples mais la tératologie est plus rare. Pourtant Marie-Thérèse a ici six doigts à chaque main.

Pour l'artiste, ce rêve est aussi érotique, mettant peut-être fin à une longue période de frustration quand il ne voulait pas être accusé de détournement de mineure. Cette peinture offre en plusieurs endroits une double lecture, paisible et pornographique. Un tel mélange est rare : plus tard Pablo aura plutôt tendance à associer à la pornographie une bestialité complaisamment autobiographique.

Sans avoir d'importants moyens financiers, Victor et Sally Ganz avaient un coup d'oeil absolu. En 1941 Le Rêve est la toute première pièce de leur collection qu'ils limiteront à cinq artistes : Picasso, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Frank Stella et Eva Hesse.

Le 10 novembre 1997, Christie's vend la collection Ganz. Les deux plus hauts résultats sont Le Rêve, vendu pour $ 48M incluant premium, et la version ultime numérotée O des Femmes d'Alger vendue pour $ 32M incluant premium. Les Ganz avaient dépensé environ $ 2M pour l'acquisition de la totalité de leur collection.

Ces deux peintures sont les deux plus importantes oeuvres de Picasso en mains privées. Les Femmes d'Alger ont été vendues pour $ 180M incluant premium par Christie's le 11 mai 2015.

En 2001 Steve Wynn achète Le Rêve en vente privée, dans le but d'en faire l'emblème d'un de ses casinos à Las Vegas. Il renonce à ce projet en 2006 en raison de la xénophobie anti-Européenne qui gagne l'Amérique au moment de la guerre contre l'Irak. Il a un client pour un montant annoncé de $ 139M. En préparant cette négociation, son coude traverse la toile, laissant dans Le Rêve une déchirure de 20 cm de long.

La peinture a été réparée et le client, Steven A. Cohen, n'a pas renoncé. Il a acheté Le Rêve en vente privée à Steve Wynn en 2013 pour un prix annoncé à la presse de $ 155M.

Te Poipoi par Gauguin

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La réponse à la question primitiviste de Gauguin n'est pas en Europe. Pont-Aven, tout au fond de la Bretagne, est encore trop proche de la civilisation viciée des grandes villes. En 1891 il gagne un peu d'argent en vendant quelques peintures et part pour Tahiti.

L'ambiance coloniale de Papeete n'a rien d'authentique. Gauguin trouve enfin dans le village de Mataiea des conditions de vie qu'il peut considérer comme une civilisation non souillée. Il admire les nudités innocentes.

Gauguin peint beaucoup à Mataiea. Il est très inspiré par les couleurs vives de ces paysages ombragés et par les peaux ambrées des femmes. Il voit assez égoïstement la vie sexuelle comme le thème central de son exploration ethnico-mystique. Sa très jeune maîtresse aide certainement cet Européen en exil à comprendre les traditions exotiques.

Te Poipoi, huile sur toile 68 x 92 cm peinte en 1892 au début de l'automne, a été vendue pour $ 39M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2007, lot 18. L'image est partagée par Wikimedia.

Te Poipoi signifie Le matin. Les couleurs très vives peintes en aplats anticipent le fauvisme. Deux femmes, l'une accroupie au premier plan et l'autre debout plus loin, font leurs ablutions dans l'eau bleue. Le paysage est rendu complexe par les reflets des arbres et du feuillage.

Nafea Faa Ipoipo?, signifiant Quand te maries-tu?, est une scène de genre de la même série, montrant une femme protégeant ou présentant une jeune fille. Cette huile sur toile 101 x 77 cm a été vendue en vente privée en février 2015 à la soeur de l'Emir du Qatar. Le prix de $ 300M annoncé à l'époque aurait permis de revendiquer un record. Après une action en justice opposant le vendeur au courtier, le prix de $ 210M a été divulgué en 2019.

Paul Gauguin - Te poipoi (1892)

11 avr. 2020

Portrait d'un Hallebardier par Pontormo

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Jacopo da Pontormo développe à Florence un nouveau style pictural, privilégiant l'expression psychologique et la narration par rapport au réalisme. Il est un précurseur à la fois du maniérisme et de l'art baroque. Elève d'Andrea del Sarto, il est aussi un suiveur de Piero di Cosimo. Il est fresquiste et portraitiste.

Le Portrait d'un hallebardier est une huile (ou huile et tempera) sur bois transférée sur toile 95 x 73 cm. Ce jeune homme arrogant au visage lisse et imberbe qui bombe le torse à outrance ne ressemble décidément pas à un soldat d'infanterie. Il est trop richement habillé : c'est un aristocrate.

Par son thème militaire, cette image entre dans le contexte du siège de Florence par les armées impériales en 1529. Cette date est d'autant plus plausible qu'elle correspond à la période de plus grande créativité de Pontormo, qui cessera bientôt de résister à ses désordres mentaux.

Dans ces conditions, le jeune homme est probablement Francesco Guardi, âgé de quinze ans. Le port de la hallebarde serait un jeu de mot associé à la fonction de gardien évoquée par son patronyme.

Le Portrait d'un hallebardier a été vendu pour $ 35M incluant premium par Christie's le 31 mai 1989. Il a été acheté à cette vente par le J. Paul Getty Museum. L'image est partagée par Wikimedia. Du fait de sa très grande qualité picturale, les experts veulent reconnaître dans ce portrait une oeuvre qui a été spécifiquement admirée par Vasari.

Pontormo (Jacopo Carucci) (Italian, Florentine) - Portrait of a Halberdier (Francesco Guardi?) - Google Art Project

L'Homme au Balcon par Caillebotte

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Avec les travaux d'Haussmann, Paris perd ses dangereuses et malsaines rues médiévales au profit de larges boulevards qui deviennent le symbole de la réussite sociale des bourgeois. Très attirés par le quartier de l'Opéra, les frères Caillebotte emménagent en 1879 au sixième étage d'un luxueux immeuble au 31 boulevard Haussmann.

Gustave Caillebotte n'a pas besoin de vendre ses peintures. Il s'approprie la virtuosité de Monet, qu'il adapte aux scènes de son environnement familier. Il veut ainsi être considéré comme un garant de l'impressionnisme à l'époque où de nouveaux styles, autour notamment de Degas, remettent en question les bases du mouvement.

Dans son appartement, Caillebotte développe le thème du balcon, cet observatoire qui assure la transition entre l'intérieur douillet et l'extérieur grandiose. Le 8 mai 2000, Christie's a vendu pour $ 14,3M incluant premium L'Homme au balcon Boulevard Haussmann, huile sur toile 117 x 90 cm peinte en 1880, lot 8. L'image est partagée par Wikimedia.

Vu de dos, l'homme debout regarde le boulevard au-dessus duquel il a une position dominante. Il est un visiteur : il a gardé son chapeau haut-de-forme selon la mode du temps, tout à fait similaire à celui qu'on voit sur les photos du peintre.

L'équilibre de cette composition en fait un exemple de démonstration, que Caillebotte exposera en 1882 à la Septième Exposition des Artistes Indépendants. Par une belle journée ensoleillée, le feuillage et les immeubles apparaissent entre la grille en fer forgé et l'élégant dais bicolore.

Cette peinture a été donnée par l'artiste à son notaire, qui est probablement le bourgeois de cette scène.

Caillebotte, L'Homme au balcon, boulevard Haussmann - Christie's

10 avr. 2020

Berliner Strassenszene par Kirchner

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Le mouvement Die Brücke est fondé à Dresde en 1905 par quatre étudiants, désireux de définir une vie moderne basée sur la liberté. A partir de 1911 les lumières, les plaisirs et les opportunités de Berlin les attirent comme des papillons. L'échec est total. Le groupe explose en janvier 1913.

Kirchner doit se rendre à l'évidence. La vie à Berlin n'est pas communautaire. Chaque individu est isolé dans la foule. A cette époque les prostituées sont les reines du trottoir berlinois. Elles sont reconnaissables par les clients à des signes étranges qui ne sont pas suffisants pour les faire intercepter par la police des moeurs : la haute plume sur le chapeau, les robes moulantes aux couleurs trop vives.

La série des Strassenszene, commencée à la fin de 1913 et interrompue par la guerre, marque la tentative de Kirchner d'interpréter cette vie citadine dont il ne voulait pas. Une huile sur toile 122 x 91 cm peinte en 1913 ou 1914 a été vendue pour $ 38M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2006 sur une estimation basse de $ 18M, lot 37. L'image est partagée par Wikimedia.

Deux cocottes marchent ensemble au milieu d'une foule dense. Les personnages autour d'elles vont dans toutes les directions, comme dans un tourbillon, sans aucune interaction entre eux. Deux hommes occupent le premier plan, non sans arrogance. Ils sont des proxénètes ou des clients. A l'arrière-plan, le panneau du tram 15 permet de situer la scène en plein coeur de la grande ville.

Cette ambiance anxiogène est également parfaitement transposée par Kirchner dans ses gravures sur bois. Une Strassenszene aux personnages formidablement antipathiques est passée à Sotheby's le 23 octobre 2017. Fünf Kokotten, interprétation grotesque de cette étrange mode, a été vendue pour CHF 920K hors frais par Kornfeld le 15 juin 2012.

Kirchner Berlin Street Scene 1913

Portrait de Sibylle de Clèves par Cranach

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Les dynasties régnantes d'Allemagne se positionnent par rapport à la nouvelle foi de Luther. L'électeur Friedrich III de Saxe parvient à maintenir l'égalité entre les partis. Son frère Johann, qui lui succède en 1525, promeut le Luthéranisme au rang d'église d'Etat. Le duc Johann III de Clèves annexe par son mariage les duchés de Jülich et Berg. Il est un protecteur d'Erasme.

Un mariage va sceller l'alliance entre ces deux dynasties. Les fiançailles sont célébrées en septembre 1526. Johann Friedrich, fils ainé de l'électeur de Saxe, âgé de 23 ans, est un des plus ardents supporters de Luther. Sibylle, âgée de 14 ans, est la fille aînée du duc de Clèves. Le mariage a lieu en juin 1527.

Cranach est peintre de cour des électeurs de Saxe à Wittenberg depuis 1504. Très lié à Luther, il est en 1525 le parrain de son premier enfant.

Deux portraits par Cranach de Sibylle pendant la phase de fiançailles sont connus. Elle porte la couronne des vierges qui garantit sa vertu jusqu'à son mariage. Elle est debout en trois quarts, les mains sagement jointes sur la taille. Le visage est encore juvénile. La peinture 57 x 39 cm conservée au château de Weimar est datée 1526.

L'autre peinture est une huile sur panneau 53 x 38 cm. Le regard plus vif et le sourire mieux marqué montrent une meilleure présence. Les symboles des deux familles sont tissés dans la robe. Elle est signée du serpent, utilisé par Cranach au lieu d'un monogramme pour ses peintures officielles.

Le portrait de Sibylle de Clèves a été vendu pour $ 7,7M incluant premium par Christie's le 15 avril 2008, lot 12. L'image est partagée par Wikimedia.

Lucas Cranach d.Ä. - Porträt der Prinzessin Sibylle von Cleve

9 avr. 2020

Portrait des Enfants Dedreux par Géricault

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Elève de Carle Vernet et de Pierre-Narcisse Guérin, Théodore Géricault veut exprimer les émotions excessives. Il choisit comme thèmes les officiers à cheval des guerres Napoléoniennes et les nus masculins trop musclés dans le style de Michel-Ange.

La chute de l'Empire ouvre une nouvelle phase, qui culminera en 1819 avec Le Radeau de la Méduse, une oeuvre monumentale sans pitié qui symbolise le vrai destin des hommes, dans un héroïsme dénué de signification et d'espoir.

Dans son atelier de la rue des Martyrs, Géricault rencontre régulièrement d'autres artistes dont Carle et Horace Vernet, Delacroix et Dedreux-Dorcy. Il fait quelques portraits des deux enfants du frère de Dedreux-Dorcy.

En 1818 Géricault est obligé malgré lui de s'intéresser aux enfants. Il n'a pas pu reconnaître la naissance de son fils Georges-Hippolyte, résultat de son inceste avec la femme de son oncle et déclaré comme le fils de la bonne né d'un père inconnu.

Le portrait d'Alfred et Elise Dedreux est une huile sur toile 99 x 79 cm peinte en 1818. Le garçon a 8 ans et la fille deux ans de moins. Ils se ressemblent l'un l'autre et sont coiffés et habillés de façon similaire. La fille est debout, dominant cette scène.

A cette époque Géricault cherche à se reconvertir dans un style néo-classique. Le double portrait est glaçant. Le regard des enfants est sans concession pour ce monde des adultes dans lequel ils n'entrent pas. Le paysage derrière eux est quelconque et non identifiable. Deux petites fleurs tombent d'une main de la fille qui n'y porte aucune attention. Cette image est une double tronie, anticipant par sa raideur psychologique les études de malades mentaux de la dernière période de l'artiste.

Le jeune Alfred était passionné par les images de chevaux peintes par Géricault. Il se spécialisera dans ce thème sous le nom d'Alfred de Dreux, usurpant ainsi une particule nobiliaire.

Le portrait des enfants Dedreux est resté jusqu'en 1925 dans la famille d'Elise. Provenant de la collection Saint-Laurent - Bergé, il a été vendu pour € 9M incluant premium par Christie's le 23 février 2009 sur une estimation basse de € 4M, lot 83. Il a été acheté dans cette vente par Liliane Bettencourt. L'image est partagée par Wikimedia.

Géricault - Portrait d'Elise et Alfred Dedreux enfants

Les Courses au Bois de Boulogne par Manet

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Edouard Manet et Edgar Degas ont magistralement bousculé le classicisme. En s'appuyant sur leurs prédécesseurs, ils trouvent des idées nouvelles pour la mise en scène et les couleurs.

Manet s'introduit sans difficulté dans les cercles d'artistes. Il aime la vie mondaine et n'attend pas la reconnaissance des Salons. Ses thèmes sont illimités. Avant lui, Courbet allait déjà complaisamment jusqu'au scandale. Baudelaire puis Zola reconnaissent l'originalité de son approche.

Le 5 mai 2004, Sotheby's a vendu pour $ 26,3M incluant premium Les Courses au Bois de Boulogne, huile sur toile 73 x 94 cm peinte en 1872 par Manet, lot 13, provenant de la collection d'un des plus célèbres propriétaires de chevaux de course, John Hay Whitney. L'image est partagée par Wikimedia.

L'artiste a habilement mêlé l'observation et l'imitation. Il semble que la topographie de l'hippodrome de Longchamp ait été peinte sur place en plein air.

Manet avait démontré quelques années plus tôt dans ses premières scènes de tauromachie que la participation directe à l'évènement n'était pas essentielle, puisqu'il pouvait s'appuyer sur Goya. Ici les chevaux en plein galop volent tous avec les quatre pattes en l'air, comme dans le Derby d'Epsom peint par Géricault en 1821, acquis par le Louvre en 1866. La position imperturbable des jockeys en pleine course n'est pas réaliste : l'effort sportif n'a manifestement pas été compris par Manet.

La peinture de Manet est cependant d'une grande modernité. La piste et la pelouse sont bleu outre-mer, mettant en valeur les contrastes dans une liberté de couleurs qui anticipe l'expressionnisme de plusieurs décennies. L'éloignement des sujets est marqué par un flou croissant, comme si c'était une photographie focalisée sur l'action en cours au premier plan. Cet artifice donne à l'ensemble un effet de profondeur, différent des solutions recherchées par ses amis impressionnistes.

Edouard Manet 052

8 avr. 2020

La Magna Carta

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La Magna Carta contient les germes des régimes politiques modernes et annonce le déclin des absolutismes.

En 1215 les barons anglais sont révoltés contre le roi Jean. Les demandes financières et militaires n'ont pas empêché les échecs cinglants. Dans une situation de guerre civile, le roi est contraint d'accepter la Grande Charte (Magna Carta) par laquelle les barons s'octroient le contrôle des impôts.

La Magna Carta connaît plusieurs modifications, parce que les circonstances politiques changent. Rejeté de facto par le roi Jean, le Conseil des barons, qui est le précurseur d'un régime parlementaire, est annulé en 1216 lorsque l'enfant Henri III accède au trône. En 1225 Henri III simplifie la Magna Carta pour faciliter son application juridique.

L'idée d'un Parlement fait son chemin. Edouard I prend l'habitude de convoquer ses conseillers pour prendre les décisions concernant les impôts et leur recouvrement. Les règles de fonctionnement sont définies à partir de 1283. Il ne reste plus qu'à donner force de loi à la Magna Carta, ce que le roi assisté du Parlement fait solennellement le 12 octobre 1297. Il est stipulé en 1300 qu'un exemplaire sera diffusé dans chaque comté pour être lu quatre fois par an.

17 manuscrits du XIIIème siècle ont survécu. 15 exemplaires sont dans des institutions britanniques et un au Parlement australien.

Le 17ème document est un exemplaire de 1297. Il a été acheté en 1984 par le milliardaire américain Ross Perot, qui l'a confié pour exposition aux Archives Nationales à Washington DC. Il a été vendu pour $ 21,3M incluant premium par Sotheby's le 18 décembre 2007. Son nouveau propriétaire, David M. Rubenstein, l'a retourné aux Archives pour un nouveau prêt à long terme. Je vous invite à regarder la vidéo partagée avant la vente par Reuters.



Magna Carta (1297 version with seal, owned by David M Rubenstein)