31 mai 2020

Les Bases de la Peinture

Les bases mêmes de la peinture peuvent devenir une oeuvre picturale à part entière. Roy Lichtenstein est un grand questionneur de la signification profonde, disons plutôt de la signification éventuelle, de l'art.

Sa série des Brushstrokes est constituée de quinze oeuvres à l'huile et acrylique sur toile réalisées en 1965 et 1966. Un ou plusieurs coups de pinceau ont laissé des balafres de peinture blanche, rouge, jaune ou verte grossies démesurément par-dessus un fond bleu construit avec un réseau de points d'imprimerie.

N'importe quel peintre voudrait que son coup de pinceau soit parfait. Roy montre qu'il n'en est rien. Les défauts incluent des sillons, des franges, des transparences, des coulures et des taches.

Les Brushstrokes de Lichtenstein n'incluent aucun élément narratif direct. Cette peinture opaque appliquée avec une grande énergie peut cependant cacher une autre figure. Dans la bande dessinée qui a inspiré Roy, un peintre furieux masque avec une croix rouge le portrait qu'il vient de réaliser.

Avec son humour habituel proche de l'auto-dérision, Roy n'omet pas de préciser que l'exécution minutieuse de sa propre peinture n'a rien à voir avec cette trace violente. Personne n'a été voir une peinture avec un tel grossissement. Le doute vient alors sur la constitution des angles, par une rotation du poignet ou par la reprise d'un nouveau coup de pinceau.

Red and White Brushstrokes forme une sorte de drapeau avec deux coups de pinceaux et leurs coulures à l'emplacement du manche, peut-être un clin d'oeil pour Jasper Johns. Cette oeuvre 122 x 173 cm peinte en 1965 a été vendue pour $ 28M incluant premium par Christie's le 17 mai 2017.

White Brushstroke I montre trois segments en chevauchement qui constituent une sorte de Z ou de N aux coins arrondis. Cette peinture 122 x 142 cm est une des toutes premières de la série. Elle est estimée $ 20M à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin. L'article partagé le 29 mai par la maison de ventes intègre le catalogue complet de ce lot en format livre.

Maternité par Gauguin

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Loin de sa famille Européenne, Paul Gauguin est désespéré par l'annonce de la mort de sa fille Aline, en 1897. Il tente probablement de se suicider et peint à Tahiti son testament existentialiste, D'où venons-nous Que sommes-nous Où allons nous.

Il parvient à reconstruire une famille à Punaauia, un village proche de Papeete, avec une vahiné nommée Pahura, bien trop jeune selon les standards Européens. La naissance d'un garçon en avril 1899 est un moment de grande joie.

Gauguin peint des scènes de maternité, avec des couleurs chaudes. Femmes sur le bord de la mer, identifié plus tard sous le titre Maternité (I), montre une jeune mère assise allaitant son nouveau-né. Elle est entourée par deux femmes debout qui apportent des fruits et des fleurs, symboles d'abondance et de beauté. Des pêcheurs et un chien complètent l'ambiance. Cette huile sur toile 94 x 72 cm est conservée au Musée de l'Hermitage à Saint-Petersbourg.

Maternité (II), limitée au groupe des femmes, est de ce fait une interprétation plus directe du thème de la fertilité. Cette huile sur toile de jute 95 x 61 cm a été vendue pour $ 39M incluant premium par Sotheby's le 4 novembre 2004, lot 15. L'image est partagée par Wikimedia.

Avec Gauguin, l'interprétation mystique, à la fois religieuse et anticléricale, est toujours sous-jacente. Par exemple, une Nativité peinte en 1902 montre un groupe Polynésien plus important simulant la Crèche. La tête du nouveau-né est ornée d'une auréole radiante. Cette huile sur toile 44 x 62 cm a été vendue pour $ 5,9M incluant premium par Sotheby's le 5 mai 2015.

Gauguin - Maternite II

30 mai 2020

Bois de Bouleaux par Klimt

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Gustav Klimt est le meneur du Sezessionsstil, ou Sécession Viennoise, qu'il a créée en 1898 pour la promotion d'un art nouveau incluant les arts utilitaires. Il est l'ami d'Emilie Flöge, qui dirige avec ses soeurs une maison de couture avant-gardiste. L'art de Gustav est composé de très riches textures qui peuvent être appliquées aux robes d'Emilie. Helene Flöge est la veuve du frère cadet de Gustav.

Le symbolisme de Gustav est chargé d'un érotisme qui choque les Viennois. Il ne craint pas le scandale mais a besoin de repos. Il passe les étés à Litzlberg sur l'Attersee, où il est l'hôte de la famille Flöge.

Dans cette ambiance tranquille, Gustav crée un art différent. Il peint en plein air des paysages de bois, de clairières et d'étangs sur des formats carrés, comme Monet à la même époque. Il ne perd pas de vue l'application aux vêtements des femmes, pour lesquels la profondeur et l'horizon ne lui servent à rien.

Une huile sur toile 110 x 110 cm peinte en 1903 a été vendue par Christie's le 8 novembre 2006 pour $ 40M incluant premium sur une estimation basse de $ 20M, lot 51 provenant de la restitution aux héritiers de la famille Bloch-Bauer. L'image est partagée par Wikimedia.

Les bouleaux forment un réseau illimité de stries verticales. La largeur variable des troncs ôte toute illusion de distance et de perspective. Les feuilles au sol sont peintes par des taches inspirées du pointillisme qui apportent un scintillement des couleurs. L'attention apportée par Klimt aux arts appliqués l'a mené au-delà du post-impressionnisme jusqu'aux limites de l'art abstrait, qui sera développé par d'autres quelques années plus tard.

Gustav Klimt 006

Saint Jacques le Majeur par Rembrandt

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Les portraits inspirés à Rembrandt par le Nouveau Testament sont des figures de l'entourage de l'artiste, dans un souci de réalisme. A Séville, Murillo a une approche similaire.

Autour de 1648 Rembrandt est dans une de ses nombreuses périodes financièrement et socialement difficiles, et il aimerait que ses Pèlerins d'Emmaüs, peinture moderne sur un thème biblique, relancent sa carrière. Les portraits d'un jeune homme en Christ sont des études peintes en parallèle ou pour la préparation de ce chef d'oeuvre. Une huile sur bois 25 x 21 cm a été vendue pour £ 9,5M incluant premium par Sotheby's le 5 décembre 2018.

L'artiste est incontestablement satisfait de cette personnification du Christ. Le même jeune homme apparait dans un Christ à mi corps aux bras pliés, huile sur toile 110 x 90 cm généralement datée entre 1657 et 1661.

En 1661 Rembrandt peint une série d'Apôtres, cherchant à nouveau à quoi pouvaient ressembler certains des compagnons du Christ. Cet ensemble d'huiles sur toile est homogène par son format, autour de 92 x 75 cm, par sa richesse chromatique, et par la présence d'une mince bordure noire qui n'a pas toujours été conservée.

Ce corpus de six oeuvres incluant un autoportrait en Saint Paul n'a pas été documenté en son temps. Elles ont été peintes dans une nouvelle phase difficile pour l'artiste et peuvent avoir été conçues comme un nouveau démonstrateur de la qualité toujours croissante de son art.

La foi de Rembrandt était complexe. Son père était d'une famille juive convertie à l'église réformée et sa mère était catholique. Son réalisme exclut une identification du rôle social du personnage par une auréole. Le portrait à mi corps d'un vieux pèlerin en habits négligés entre par ses caractéristiques picturales dans la série des Apôtres, et l'histoire différenciée des compagnons du Christ après la Passion le fait attribuer à Saint Jacques le Majeur.

Ce portrait d'un homme au visage concentré sur sa prière, dont les très larges mains jointes forment le point focal de l'image, est une allégorie de la foi qui transcende les apparences, directement liée aux Evangiles et sans aucune référence aux ordres mendiants.

Cette peinture a été vendue pour $ 26M incluant premium par Sotheby's le 25 janvier 2007, lot 74. L'image est partagée par Wikimedia.

Rembrandt - Sankt Jakobus der Ältere

29 mai 2020

La Grande Jatte par Seurat

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Georges Seurat cherche à définir une nouvelle technique de peinture qui soutiendra son idéal anti-bourgeois. La composition est basée sur l'équilibre des proportions. Les couleurs perçues ne sont pas celles de sa palette mais une reconstruction du spectre par l'opposition des complémentaires.

Il veut que ses démonstrations soient parfaites. Ses peintures achevées sont très rares. Les phases de préparation sont très longues, avec des dessins et avec des esquisses à l'huile. En 1884 il expose au Salon des Indépendants sa première oeuvre majeure, Une Baignade à Asnières, huile sur toile 2 x 3 m.

Seurat commence aussitôt un autre projet, sur le même thème social de la vie aberrante des bourgeois. Il choisit un coin verdoyant en bord de Seine dans le parc de loisirs de l'île de la Grande Jatte, à la limite entre Neuilly et Levallois.

Trois esquisses à l'huile sur toile sont commencées en parallèle en mai 1884. L'une d'elles est un Paysage vide de personnages, 65 x 79 cm, sur lequel il met en place les éléments théoriques de sa composition. La seconde est une version complète 70 x 104 cm, au tiers du format de l'oeuvre finale. La troisième est une étude pour le couple du premier plan.

Contrairement à la Baignade à Asnières, les couleurs sont ternes, avec une trop grande place accordées aux ombres du premier plan. Signac parviendra à convaincre Seurat que les lumières les plus vives apportent un bien meilleur effet à la technique divisionniste, mais pour Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte, qui sera terminé en 1886, il est déjà trop tard.

Le Paysage préparatoire a été vendu pour $ 35M incluant premium par Sotheby's le 10 mai 1999.

L'Aube des Heures Universelles

Au milieu des années 1930 Louis Cottier invente une nouvelle complication horlogère destinée aux montres bracelets, les Heures Universelles. La montre est équipée de deux disques tournants, dont l'utilisateur règle la position sur l’heure locale affichée par les aiguilles centrales. L'heure dans toutes les villes du monde est une lecture directe de l'interface entre deux disques.

Patek Philippe, qui a livré en 1933 à Graves sa montre Supercomplication, est avide de toutes les inventions. Des essais d'intégration des Heures Universelles (HU) sont effectués en 1937 avec l'aide de l'inventeur.

Ces premières réalisations sont expérimentales. Elles réutilisent des mouvements anciens, peut-être selon les disponibilités du magasin. La 96 HU Calatrava et au moins une des 515 HU rectangulaires sont assemblées avec des boîtiers dans la même gamme de numéros de série. La 96 HU est connue en deux exemplaires et la 515 HU en trois exemplaires. Les deux types réfèrent 28 villes.

La rotation du disque des villes n'était pas compatible avec la 515 mais Patek Philippe n'abandonne pas. La 542 HU, assemblée en cinq unités, est le dernier modèle de prototypes avant la commercialisation à partir de 1939 sous les références 1416 HU et 1415 HU. Une 1415 HU a été vendue par Antiquorum le 13 avril 2002 pour CHF 6,6M incluant premium, valant à cette date $ 4M. Elle est le seul exemple connu en platine pour cette référence.

La 96 HU a longtemps été considérée comme une pièce unique, attisant la frustration des experts par le fait qu'aucune photo n'était disponible malgré une vente aux enchères en 1969. Elle a été vendue pour CHF 410K incluant premium par Christie's le 14 novembre 2011.

L'autre exemplaire a fait surface en 2011. Non restaurée, elle a été vendue en l'état par Sotheby's le 6 décembre 2011 pour $ 480K incluant premium, lot 386. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Elle est estimée CHF 300K à vendre par Phillips à Genève le 27 juin, lot 64.

28 mai 2020

Art Moderne sur Papier par Pollock

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1949 est l'apogée dans la vie de Jackson Pollock. Sa méthode sans précédent de peinture avec dripping, qu'il a inventée deux ans plus tôt, est opérationnelle. Sa femme, Lee Krasner, et sa galeriste, Betty Parsons, gèrent sa carrière, lui épargnant ces relations sociales dans lesquelles il est si mal à l'aise. Depuis la fin de 1948 et jusqu'en novembre 1950, il ne boit pas d'alcool.

Avec ces circonstances favorables, Jack peut se consacrer à son art, qu'il conçoit depuis toujours comme l'expression de son subconscient. Les commentaires élogieux de certains critiques d'art ne l'étonnent pas : il déclare à Lee qu'il n'y a pas d'autre exemple de créativité dans leur pays, à l'exception du Bebop de Dizzy Gillespie et Charlie Parker.

Il a des détracteurs, qui considèrent que son geste créateur est aléatoire et donc sans signification. Motivé par cette opposition, il prépare une série de peintures qui seront exposées ensemble à la fin de l'année par Betty Parsons pour démontrer sur un format unique la diversité de ses effets picturaux.

Il choisit l'huile et émail sur papier, qui n'altère pas les couleurs des pigments, ajoutant sur certaines oeuvres un effet de phosphorescence avec de la peinture aluminium. Le format du papier, 78 x 57 cm, n'est pas comparable aux toiles gigantesques de l'année précédente, mais il a un avantage opérationnel : le mouvement saccadé du poignet est suffisant pour effectuer un dripping d'une grande précision sans avoir recours à une danse gesticulatoire tout autour de l'oeuvre.

Cette série de 16 oeuvres montées sur isorel est exposée en novembre 1949 par Betty Parsons au côté d'invendus de l'exposition précédente.

Number 32, 1949, est un des 8 exemples qui ont utilisé l'aluminium. Cette oeuvre, qui a été discutée avant sa vente dans cette chronique, a été vendue pour $ 34M incluant premium par Sotheby's le 16 mai 2018.

Les numéros 12, 16 et 17 apparaissent comme des filets enchevêtrant les lignes noires et colorées par-dessus un fond ocre. Ce réseau centré qui atteint à peine le bord de l'image renonce à l'effet de champ infini, qui n'était donc pas essentiel dans la créativité de Pollock, tout en maintenant l'absence totale de troisième dimension.

Dé-accessionné du MoMA, Number 12 a été vendu pour $ 11,7M par Christie's le 11 mai 2004, lot 17. Number 16 a été vendu pour $ 32,6M par Christie's le 12 novembre 2013, lot 39. Number 17,  57 x 72 cm, a été vendu pour $ 23M par Sotheby's le 11 novembre 2015, lot 9. Ces résultats incluent le premium.

27 mai 2020

Study for Bullfight par Bacon

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La vie est une lutte qui doit inclure des risques. Michel Leiris cherche un rituel pour expliquer sa conception de la littérature. Il trouve la tauromachie, ce jeu en public entre l'homme et la bête dont un des deux mourra. Il publie en 1938 un essai intitulé Miroir de la Tauromachie.

Francis Bacon, artiste existentialiste, connaissait bien le travail de Leiris, célèbre pour son influence réciproque avec Sartre. En 1966 Leiris envoie à Bacon une copie de son Miroir. Bacon y voit un nouveau thème pour son art, avec une allusion sexuelle dans le rapprochement physique entre l'homme et le taureau. Il trouve des photos dans le livre de mémoires du matador Antonio
Ordóñez.

En 1969 Bacon prépare des toiles 200 x 148 cm, probablement pour un projet de triptyque. Deux versions, Study for Bullfight No. 1 et No. 2, montrent l'action instantanée au moment où le taureau passe la cape du matador. L'arène est une zone circulaire sans arrière-plan, avec un haut paravent concave dans lequel l'artiste installe la foule des spectateurs.

L'excitation sexuelle n'est pas atteinte dans ces images trop réalistes. Il peint la Second Version of Study for Bullfight No. 1, avec deux modifications majeures. Le paravent est devenu vide, accentuant l'intimité des deux protagonistes de l'action. Au premier plan, un spermatozoïde est démesurément grossi, et libéré d'une ombre humaine sur laquelle elle avait été posée.

Second Version of Study for Bullfight No. 1 a été vendue pour $ 46M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2007, lot 29.

Bacon n'est ni Hemingway ni Picasso. Il se rend probablement compte qu'il est illusoire de traiter ce thème avec son expérience trop limitée des corridas. Son matador au visage noirci ne peut pas intéresser les aficionados. Il ne fera pas le triptyque.

26 mai 2020

Rideau, Cruchon et Compotier par Cézanne

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En 1886 Paul Cézanne hérite de son père. Il trouve le confort au Jas de Bouffan, se marie, et commence la phase la plus expérimentale de son art, qui inclura la déconstruction géométrique des vues de la Montagne Sainte-Victoire et des natures mortes. Dans ses tables garnies, il casse progressivement les lois de la perspective afin de modifier les volumes respectifs des objets.

Cézanne n'a plus besoin de son art pour gagner sa vie et ne date pas ses oeuvres. La chronologie de ses natures mortes peut seulement s'appuyer sur l'évolution de leur complexité. Sa vision affaiblie par un diabète identifié en 1890 l'a peut-être incité à chercher ces nouvelles solutions.

Il modifie inlassablement la position des mêmes objets, avec les mêmes variétés de fruits, en cherchant l'extrême limite de l'équilibre. C'est seulement par une inspection très attentive que l'observateur découvre qu'une coupelle n'est pas posée sur le plateau de la table mais penchée sur un support caché.

La nappe blanche froissée devient un élément essentiel de la composition, apportant l'impression de la chute imminente des objets et fruits qui sont placés dessus. Les arrangements deviennent de plus en plus complexes.

En 1893 ou 1894, Cézanne peint deux compositions similaires, avec les mêmes accessoires, pichet et coupe sur pied, sur la même table et le même rideau.

Pichet et fruits sur une table est la moins dramatique parce qu'elle n'inclut pas la nappe. La confusion visuelle est apportée par une coupelle dont la position réelle par rapport à la table n'est pas discernable parce qu'elle est à moitié cachée par le pichet. Cette huile sur papier 42 x 72 cm a été vendue pour £ 11,8M incluant premium par Sotheby's le 3 février 2010.

Rideau, cruchon et compotier répartit dangereusement les fruits dans les plis de la nappe. La coupe, avec un empilage spectaculaire de fruits, est ici cachée derrière une remontée de la nappe. Tout cela va tomber par terre dans quelques instants. Cette huile sur toile 60 x 73 cm a été vendue pour $ 60M incluant premium par Sotheby's le 10 mai 1999. L'image est partagée par Wikimedia.

La Corbeille de pommes, huile sur toile 65 x 80 cm conservée à l'Art Institute of Chicago, met en scène des conceptions similaires : le bas de la coupe est cachée par quelques fruits. Ici la position très tiltée du panier est expliquée partiellement par une épaisse cale dont l'utilité dans la vraie vie n'est pas évidente.

Rideau, Cruchon et Compotier, par Paul Cézanne, Yorck Project

25 mai 2020

Cristo della Minerva par Michel-Ange

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La révélation progressive de la sculpture antique suscite l'enthousiasme des mécènes. Michel-Ange devient le grand spécialiste du nu masculin. Sur ce thème, David, terminé en 1504 quand l'artiste n'a pas encore 30 ans, est son chef d'oeuvre. Cette statue monumentale est aussi un exploit technique, réalisé dans un bloc de marbre dont les dimensions gigantesques avaient découragé ses prédécesseurs.

A partir de 1505, Michel-Ange est à Rome. Son mécène, avec qui les relations sont souvent difficiles, est le pape Jules II, qui reconstruit la basilique Saint-Pierre autour du projet de son tombeau monumental dont l'exécution est confiée à Michel-Ange. C'est également à cette période que Michel-Ange peint le plafond de la chapelle Sixtine.

Jules II meurt en 1513. En attendant les instructions de ses héritiers pour continuer ou pas de travailler sur le tombeau, Michel-Ange accepte de travailler pour d'autres clients.

En 1514 il reçoit une commande pour un Christ rédempteur grandeur nature qui ornera un autel funéraire dans l'église Santa Maria della Minerva à Rome. Ce Christ sera debout, haussant passionnément la croix dans une nudité totale qui attestera de sa pureté.

Michel-Ange est très enthousiaste, évidemment, pour ce projet qui convient parfaitement à sa conception fervente mais quelque peu offensante de la piété chrétienne. Selon sa pratique habituelle, il commence à préparer des dessins d'une grande précision graphique pour anticiper les formes et les lumières. Un grand nombre de ces esquisses ont été détruites par l'artiste lui-même parce qu'elles donnaient trop d'informations sur son savoir-faire.

Un dessin  24 x 21 cm double face entremêlant des figures préparatoires pour le Cristo della Minerva a survécu. La face communément considérée comme le verso est certainement la première. Elle inclut une étude de jambes et pieds. Sur l'autre face, le corps sert de support pour une étude hachurée des textures de l'abdomen. Ce dessin a été vendu pour £ 8,1M incluant premium par Christie's le 4 juillet 2000, lot 83.

Deux statues en marbre de ce vigoureux Christ ont été réalisées. La première, autographe, a été abandonnée après que le ciselage de la joue gauche ait révélé une veine noire dans le marbre. La seconde, endommagée par des apprentis maladroits, a fini par être garantie comme authentique par Michel-Ange, non sans réticence. Elle a été qualifiée de mirabilissima par Vasari. A l'époque de la Contre-Réforme, les catholiques ajouteront les stigmates, ainsi qu'un linge en bronze pour cacher les organes sexuels.

Bassins aux Nymphéas par Monet

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Monet avait interrompu sa série de Bassins aux Nymphéas en 1908. En 1914 il redémarre ce thème sur de grands formats en observant son effet décoratif. Il réaménage son atelier l'année suivante pour peindre entièrement en intérieur ses plus grandes toiles, autour de 2 x 2 m, qu'il consacre à des agrandissements de petits détails.

Cette ambition décorative l'amène en 1917 à tester des formats panoramiques, autour de 130 x 200 cm, la plus grande dimension pour laquelle il est capable de peindre en plein air à l'aide d'un système de cordes et de poids. Il multiplie les essais avec selon sa bonne habitude la plus grande variété de couleurs exprimant les différentes lumières de la journée.

Sous l'influence de Clémenceau, le projet devient un symbole patriotique, intitulé Les Grandes Décorations, qu'il achèvera en 1926.

Dès le début de la phase de préparation, Monet attache la plus grande importance à la cohérence de l'ensemble. Pourtant en 1919 il peint pour le commerce quatre oeuvres achevées avec une qualité particulièrement soignée, qu'il vend en novembre de la même année à Bernheim-Jeune.

Une de ces peintures est au Metropolitan Museum. Une autre a été vendue par Christie's le 11 novembre 1992 pour $ 12M incluant premium, un bon résultat pour cette période de récession du marché de l'art. La troisième a été coupée en deux avant 1944. La moitié gauche est au Musée de Tel Aviv. La moitié droite a été vendue pour $ 27M incluant premium par Christie's le 12 mai 2016.

La quatrième peinture, huile sur toile 100 x 200 cm, a été vendue par Christie's le 24 juin 2008 pour £ 41M incluant premium valant à cette date $ 80M, lot 16. Les groupes de feuilles forment un encadrement autour des reflets des arbres dans l'eau bleue. L'image est partagée par Wikimedia.

Le bassin aux nymphéas - Claude Monet

24 mai 2020

Grand Triptyque par Francis Bacon

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En 1976 Francis Bacon prépare une exposition de nouvelles oeuvres à la Galerie Claude Bernard à Paris. La pièce majeure est un triptyque à l'huile et pastel sur toile, 198 x 148 cm pour chaque élément. Elle a été vendue pour $ 86M incluant premium par Sotheby's le 14 mai, 2008, lot 33.

Ce triptyque réunit une synthèse de la carrière de Francis, comme avait fait Picasso vingt ans plus tôt avec la série des Femmes d'Alger.

Cinq ans après le suicide de George Dyer, Francis confirme que les inspirations majeures de son art et de sa vie sont la souffrance, la culpabilité et la punition. La figure principale du panneau central est un Prométhée sans tête, torturé par l'aigle, dans une composition similaire au Painting 1946. Les autres symboles de ce panneau incluent les Furies déguisées en pélicans et un calice débordant de sang.

Dans les années 1930 et 1940, le jeune artiste détruisait son oeuvre au fur et à mesure. Cette phase d'insatisfaction créatrice a pris fin après la révélation des deux personnages les plus tragiques du théâtre grec, Prométhée et Oreste par Eschyle.

La toute première oeuvre qu'il a considérée comme achevée, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion, en 1944, triptyque d'éléments 94 x 74 cm, est une interprétation des pleureuses inspirée par les Furies d'Oreste. Painting 1946, 198 x 132 cm, a été commenté par Bacon : il avait commencé à peindre une figure de singe, alter ego de l'humanité, quand l'aigle punisseur est arrivé dans son subconscient.

Dans la dernière phase de sa carrière, les triptyques de panneaux 198 x 148 cm sont le format choisi par Bacon pour les oeuvres qu'il considère comme les plus achevées. Three Studies of Lucian Freud, peint en 1969, a été vendu pour $ 142M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013. Three Studies for a Portrait of John Edwards, peint en 1984, a été vendu pour $ 81M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014. La vente de Triptych inspired by the Oresteia of Aeschylus, peint en 1981,  prévue initialement pour mai 2020 par Sotheby's, a été retardée.

23 mai 2020

D'Incroyables Comics

En 1961 les héros traditionnels de DC Comics paraissaient encore avoir un bel avenir. Leur concurrent Atlas Comics fait un retour en force et devient Marvel Comics. Stan Lee et Jack Kirby sont chargés d'inventer un nouveau genre de super héros, visant une classe d'âge plus large. L'âge d'argent des comic books est lancé.

L'imagination des auteurs est exacerbée par le succès immédiat de leurs Fantastic Four. Ils créent des monstres en contraste total avec la perfection de Superman. Ils sont à la fois terribles et ridicules, et sujets à toutes les faiblesses humaines.

The Incredible Hulk est un des premiers, en mai 1962. Après six numéros, le magazine de ce nom est suspendu, peut-être pour éviter de concurrencer Spider-Man, introduit en août 1962, dont le succès est considérable. Hulk reviendra vite. Il est le plus exagéré des humanoïdes, sans aucune prétention de réalisme, et cela plait au public.

Le # 1 de The Incredible Hulk est rare en parfait état. Parmi les exemplaires non restaurés, CGC a gradé un exemplaire en 9.4, 6 en NM- 9.2 et 14 en VF/NM 9.0. La couleur du papier est également une caractéristique majeure pour apprécier la qualité d'un exemplaire.

Un 9.2 White a été vendu pour $ 336K incluant premium par Heritage le 15 novembre 2018. Un 9.2 Off White to White a été vendu pour $ 326K par Comic Connect le 27 août 2014. Un 9.0 Off White to White a été vendu pour $ 275K par ComicLink le 17 août 2016.

Le 27 mai en ligne, ComicLink vend un White dans un état quasiment impeccable, avec toutes ses caractéristiques méritant 9.6 sauf une petite fissure et une petite éraflure dans la région de l'agrafe supérieure. Gradé 9.0 par CGC après ces observations, il a été reconnu comme exceptionnel pour ce grade par CVA.

22 mai 2020

Femme aux bras croisés par Picasso

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A partir de 1900, Picasso réside alternativement à Barcelone et à Paris. Il s'installera de façon durable à Paris en avril 1904. On peut croire que son art a influencé sa mélancolie, et pas l'inverse, à corréler avec le fait qu'aucun évènement de sa vie sentimentale n'a été identifié pour expliquer le déclenchement de la période bleue.

Le terminus post quem de la période bleue est l'exposition à la galerie Vollard, qui commence le 24 juin 1901. Picasso apparaît comme un brillant coloriste, avec une grande variété de thèmes autour de la vie mondaine et une spontanéité juvénile. Le terminus ante quem du changement d'humeur est une visite de Sabartes dans son atelier à la fin de l'automne de la même année : les couleurs vives sont parties, toutes les peintures ont une dominante bleue.

Les thèmes aussi ont changé, avec trois dominantes misérabilistes : les saltimbanques, l'alcool dans les cafés, les femmes de Saint-Lazare. Sabartes a confirmé que Picasso a voulu délibérément transformer son art pour intégrer des caractéristiques humanistes comme la tristesse et la douleur.

Saint-Lazare est la prison-hôpital où les femmes prostituées vivent une déchéance sans espoir. Picasso y trouve des modèles à peu de frais, et c'est à ce moment que ses idées deviennent lugubres. Un matin, en route une fois de plus pour Saint-Lazare, il conçoit L'Enterrement de Casagemas, l'huile sur toile 150 x 90 cm qui est souvent considérée comme le tout premier exemple de la période bleue.

Le 8 novembre 2000, Christie's a vendu pour $ 55M incluant premium la Femme aux bras croisés, lot 43. Cette huile sur toile 81 x 58 cm est incontestablement le portrait d'une prisonnière de Saint-Lazare. La femme famélique n'attend rien et ne regarde rien. La position des bras est protectrice, mais elle n'a rien à protéger. Picasso considérera plus tard les femmes comme des machines à souffrir.

Il est difficile de dater avec précision certaines oeuvres de la période bleue : l'artiste réutilisait souvent ses toiles, soit pour de nouvelles compositions, soit pour d'importante retouches, ce qui a été le cas pour la Femme aux bras croisés. Considérant les visites de Picasso à Saint-Lazare en 1901 et cette interprétation très allégorique de la misère, cette peinture tragique a probablement été commencée à Paris au déclenchement de la période bleue.

L'Histoire de Ge Hong

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La culture Chinoise relève d'une très forte tradition littéraire mêlée de mysticisme. Au XIème siècle CE, Mi Fu ouvre la voie aux thèmes du paysage de lettré, et pendant plusieurs siècles les arts graphiques seront très souvent consacrés à ces histoires antiques.

Le 4 juin 2011, Poly a vendu pour RMB 400M incluant premium un rouleau peint à l'encre et lavis vers 1350 CE par Wang Meng sur le thème de la migration de Ge Hong dans les montagnes sacrées. La provenance de cette oeuvre a été établie sur six siècles.

Né dans une famille d'artistes, Wang Meng est considéré comme un des quatre maîtres literati de la dynastie Yuan. Son style graphique est d'une grande densité, avec l'énergie d'un calligraphe.

Ge Hong, également nommé Ge Zhichuan, vivait 1000 ans avant Wang sous la dynastie des Jin Orientaux. Surnommé le Petit vieillard immortel, il était un alchimiste, un médecin et surtout un maître Taoïste. Il partait étudier les secrets de l'immortalité dans les monts Luofu. Il y resta huit ans. L'image de Wang montre Ge et sa suite passant dans une vallée sous un paysage rocheux très mouvementé. Sept poèmes ont été ajoutés.

Le Palace Museum de Beijing possède un rouleau 139 x 58 cm du même artiste sur le même thème, daté autour de 1360, avec un paysage différent dans une perspective oblique, montrant dans la meilleure tradition graphique chinoise la petitesse du grand sage dans la nature immense.

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21 mai 2020

Cloud pour Prince

Le musicien multi-instrumentiste Prince apparaît en 1983 comme un rival de Michael Jackson. Il prépare le film Purple Rain où il joue le rôle principal.

L'instrument préféré de Prince est la guitare électrique. Pour le film, il veut une guitare asymétrique imitant une guitare basse. Une équipe de luthiers travaillant dans une boutique de Minneapolis crée pour son besoin un nouveau modèle qui sera nommé le Cloud.

Prince est très satisfait de ce modèle que Purple Rain rendra iconique. Dans la première phase, quatre Clouds ont été créées, de 1983 à 1985. Elles sont utilisées continuellement jusqu'en 1993 par Prince, qui change fréquemment la couleur. En 1993 un autre luthier, Andy Beech, commence une production en série.

Fabriquée en 1984, la seconde Cloud a été jouée par Prince tout au long du Purple Rain Tour qui a suivi la sortie du film. Elle vient de refaire surface en bleu électrique, telle que Prince l'avait laissée vers 1994 après un usage intense. Elle a gardé son surnom de Blue Angel qui fait référence à sa couleur bleu clair de 1988.

Elle est estimée $ 400K à vendre par Julien's à Beverly Hills le 19 juin, lot 386. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Rolling Stone News pour confirmer l'importance de cet instrument spécifique.

Une Cloud fabriquée par Beech pour Prince vers 1990 et jouée en scène par le musicien a été vendue le 4 novembre 2017 pour $ 700K incluant premium sur une estimation basse de $ 60K, également par Julien's.

L'Atlas d'Agnese

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Le cartographe Battista Agnese réalise à Venise des cartes manuscrites qui constituent des atlas composites, dont la composition varie pour différents clients.

Bien que ses cartes marines utilisent intégralement la représentation classique des portulans, ses clients semblent avoir surtout été des princes souverains et des grands prélats. Par exemple il réalise vers 1542 sur commande de l'empereur Charles Quint un atlas pour l'usage du prince Philippe, futur Philippe II.

Agnese est attentif à intégrer les plus récentes découvertes. Quand Ulloa observe en 1540 que la Basse Californie est une péninsule et non une île, Agnese intègre aussitôt cette information tout en incluant les nouveaux noms de lieux définis par l'explorateur. Les cartes sont enluminées des figures joufflues des vents aux quatre points cardinaux et aux quatre ou six points intermédiaires.

Le 10 avril 2012, Christie's a vendu un atlas d'Agnese pour $ 2,77M incluant premium sur une estimation basse de $ 800K, lot 159.

Cette collection reliée au début du XVIIIème siècle a la très rare caractéristique de pouvoir être considérée comme complète. Elle est constituée de 15 planches en vélin en bifolium 18 x 25 cm sans écriture au verso, dont douze cartes.

Les dix premières cartes sont des portulans des trois océans (Pacifique, Atlantique et Indien) et des mers, sans oublier la Mer Noire. La onzième carte est une mappemonde en projection ovale, qui incluent les parallèles et les méridiens et le tracé de la circumnavigation de Magellan. La dernière carte montre l'Atlantique Nord en projection globulaire.

Elle n'est pas datée mais est dédiée à Adolf von Schaumburg pendant la très brève période où il est administrateur de l'archidiocèse de Cologne, en 1546. Il sera nommé en janvier 1547 archevêque électeur de cette ville.

20 mai 2020

Bridle Path par Hopper

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Edward Hopper était un misanthrope qui exprimait dans son art ce que les mots ne pouvaient pas dire. Il fut pourtant un fin observateur de la société de son temps, dont il n'approuvait pas forcément les évolutions : il préférait le monde factice du théâtre. Il cherchait son inspiration autour de lui, à New York City et sur la route qui menait à sa résidence estivale de Cape Cod.

Ses personnages s'ennuient dans leur solitude psychologique, même quand ils sont en groupe. Leur attitude est statique, souvent sans aucun mouvement. Bridle Path, huile sur toile 59 x 107 cm peinte en 1939, est une exception, et aussi un très rare exemple de surréalisme à cette époque dans son oeuvre.

La scène montre trois cavaliers en pleine action, sur un large chemin qui mène tout droit à un tunnel. Le lieu est reconnaissable : on voit à l'arrière-plan le Dakota building, reconnaissable à son incongrue architecture néo-Renaissance à la limite de Central Park.

L'artiste joue sur une confusion entre bridle (la bride) et bridal (relatif à la mariée). Les trois cavaliers ne sont pas au même niveau. L'homme et une des femmes sont presque dans l'entrée du souterrain, en quelque sorte un trou de l'enfer. L'homme, très certainement un autoportrait, réagit face au danger imminent en tirant sur la bride, ce qui fait cabrer son beau cheval blanc.

Pour une fois, les carnets de Jo Hopper n'aident pas à décoder bien qu'elle indique son enthousiasme pour cette oeuvre. Le thème du danger du mariage était peut-être encore sensible pour ce couple hors de toutes les normes. Le galop des deux femmes vers l'enfer et la tentative ultime de l'homme pour y échapper sont sans doute aussi une référence aux évènements internationaux anxiogènes, en avril 1939.

Bridle Path a été vendue pour $ 10,4M incluant premium par Sotheby's le 17 mai 2012 sur une estimation basse de $ 5M, lot 10.

Le Grunge Acoustique

Dans les années 1990, les jeunes gens veulent avoir une vie authentique et décontractée, opposée à l'orthodoxie de leurs ainés. Leur principale sous-culture est le grunge, mélange de hard rock et de heavy metal pour la musique, et de hippie et de punk pour un habillement volontairement décalé.

Cette tendance assure la gloire au groupe Nirvana, créé en 1987, et à son meneur, chanteur, guitariste et co-fondateur Kurt Cobain. Le grunge est souvent nommé la musique de Seattle.

En 1989, la chaîne de télévision musicale MTV crée Unplugged, une séries d'émissions où les groupes sont invités à réinterpréter leurs meilleurs morceaux en abandonnant tous les équipements électroniques à l'exception des microphones.

Nirvana accepte l'invitation de MTV pour un enregistrement qui sera effectué le 18 novembre 1993. Ils ont besoin de cette émission pour relancer les ventes de leur album In Utero qui n'a pas le succès attendu. Kurt Cobain se montre excessivement nerveux dans la phase de préparation, sentant probablement un risque de récupération de son art par l'establishment. Il impose ses solutions à l'équipe de MTV, incluant un décor morbide.

Pour l'émission, Nirvana joue quatorze morceaux d'affilée. Conformément à son engagement, Cobain utilise une guitare acoustique. Il a choisi une Martin D18-E de 1959. Cet instrument est une des vedettes du spectacle : dans la dernière séquence, Cobain la pose avec révérence sur son socle et quitte la scène.

Kurt est un irréductible perfectionniste. Il n'a pas pu se résoudre à offrir dans cette émission un son exclusivement acoustique. Un pickup caché dans la Martin a été utilisé pour au moins une des chansons.

Le disque intitulé MTV Unplugged in New York édité un an plus tard est un des plus grands succès de Nirvana, posthume pour Cobain. La Martin est estimée $ 1M dans la vente organisée par Julien's à Beverly Hills les 19 et 20 juin, lot 742. Le cardigan vert olive porté par le chanteur blond pour cette émission a été vendu pour $ 334K incluant premium le 25 octobre 2019 par la même maison de ventes.

19 mai 2020

Gide l'Immoraliste

André Gide cherchait une vérité qui transcende les morales traditionnelles, pour soutenir la culture contre la barbarie. Il s'exprime par la littérature et n'est pas tenté par le militantisme politique malgré un bref enthousiasme pour le Stalinisme en 1936. Le titre d'un de ses premiers livres, L'Immoraliste, est un néologisme créé par Nietzsche qui décrit parfaitement la recherche inlassable de Gide. Sartre peut être considéré comme son héritier spirituel.

Gide ne veut pas que la société lui impose des tabous. Il accepte et pratique l'homosexualité et la pédophilie. Il n'a pas peur des polémiques et des haines. Il a dit "Il est bon de suivre sa pente pourvu que ce soit en montant". Sa réputation d'incitation à la dépravation de la jeunesse l'accompagnera au-delà de la tombe : l'ensemble de son oeuvre est mise à l'Index par le Vatican en 1952.

Son animation de la vie littéraire française est tout aussi importante. En contribuant passionnément à la Nouvelle Revue Française, il offre aux écrivains francophones de toutes tendances une opportunité de faire entendre leur voix. Il cherche aussi des modèles dans les littératures étrangères, Shakespeare, Kierkegaard, Dostoïevski, pour démontrer qu'une élite restreinte peut avoir raison contre le plus grand nombre.

En 1947 l'Académie Royale de Suède attribue le Prix Nobel de Littérature à André Gide. Les débats ont été passionnés. Le jury a retenu sa recherche intrépide de la vérité et sa profondeur psychologique.

Agé de 78 ans, le lauréat est malade et ne peut pas assister à la cérémonie. Il envoie et publie une lettre de remerciements très chaleureuse dans laquelle il revendique "l'esprit de libre examen, d'indépendance et même d'insubordination" tout en mettant en garde contre la perfidie culturelle des dictatures.

La médaille et le diplôme Nobel d'André Gide ont été mis en vente par Christie's à Paris le 22 avril 2016, lot 177, avec une estimation basse de € 200K. Le résultat annoncé à l'époque, € 360K incluant premium, n'est plus accessible sur le site de la maison de ventes. Il revient dans la même salle de ventes le 27 mai, lot 128, probablement après un défaut de paiement : le catalogue indique que ce lot appartient "en totalité ou en partie" à Christie's.

Red Refractor pour Mike Trout

Le souvenir du sport n'est plus seulement un artefact du passé. Les éditeurs américains de trading cards rendent les cartes visuellement plus attractives. Les très petites séries incluent la signature autographe du joueur, et parfois un petit morceau du maillot, une mèche de cheveux et une courte vidéo. Les sports les plus populaires sont actuellement le baseball et le basketball.

L'engouement des collectionneurs pour cette gamme de produits est très récent. Comme pour les anciennes cartes, les saisons rookies des plus grands joueurs dans les ligues majeures sont spécialement recherchées. Un rookie patch de LeBron James édité par l'Upper Deck Company pour la saison 2003-2004 de la NBA a été vendu pour $ 264K incluant premium par Goldin en octobre 2019.

En 1993 Topps introduit le Refractor, qui est une appellation protégée de la marque. La photo du joueur est encadrée par une bande chromée dont la couleur dépend du tirage. Le Red Refractor donne ainsi au collectionneur l'information visuelle selon laquelle le tirage total de la carte est seulement de cinq exemplaires. Les cartes à tirage unique sont les SuperFractors, avec diverses possibilités de design.

On n'attend même plus qu'un joueur prometteur ait commencé sa carrière professionnelles. En 2009 le joueur de baseball Mike Trout, âgé de 18 ans, vient tout juste d'être sélectionné comme Drafted prospect par les Los Angeles Angels. Sa carte éditée par Topps sous la marque Bowman Chrome est un Red Refractor.

La carte sérialisée 5/5 est dans un état proche de la perfection, gradée Gem Mint 9.5 par BGS (Beckett Grading) et 10 pour la signature autographe, également par Beckett. Elle est à vendre par Goldin au lot 218 dans une vente en ligne qui aurait dû être close le 17 mai mais a été mise en pause pour un problème de serveur Internet.

Mike Trout est resté avec les Angels. Il a signé en 2019 pour douze ans le contrat le plus cher de toute l'histoire du sport américain, $ 426M.

18 mai 2020

In the Box par Mary Cassatt

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Passionnée par l'art Européen, Mary Cassatt s'établit définitivement en France en 1874. Ses peintures de style classique étaient régulièrement acceptées au Salon de Paris depuis 1868. Sa rencontre avec Degas en 1875 est un tournant dans sa carrière.

Les chefs de file de l'impressionnisme promouvaient le paysage. Avec Degas et avec Berthe Morisot, Mary Cassatt intéresse les plus blasés des critiques d'art avec ses scènes de genre et ses portraits. Elle met en scène la femme moderne avec une sensibilité accrue par ses positions politiques résolument égalitaristes.

A partir de 1878, Mary observe l'ambiance élégante dans les loges de l'Opéra de Paris, sans se préoccuper du spectacle en cours. Pour ces fraiches et actives demoiselles que l'on surnomme alors les débutantes, l'Opéra offre une bien meilleure discrétion que l'Hippodrome et les cafés. Cette phase créative sera brutalement stoppée en 1882 par la mort de sa soeur Lydia qui lui avait souvent servi de modèle.

In the Box a été préparée juste à temps pour la Quatrième exposition impressionniste, en 1879, mais trop tard pour être incluse au catalogue. Deux jeunes élégantes en robes claires et gants blancs sont au balcon à l'Opéra. La débutante observe le public au travers de jumelles de théâtre, à la recherche de beaux Messieurs qui voudront certainement l'admirer. Le sourire naissant et le regard fixe attestent qu'elle croit avoir trouvé ce qu'elle cherchait.

L'image est focalisée sur les deux femmes au premier plan, dans une composition décentrée digne de Degas. L'impressionnisme dans le style de Renoir maintient le réalisme des visages et des expressions.

In the Box, huile sur toile 44 x 62 cm, a été vendue pour $ 4,1M incluant premium par Christie's le 23 mai 1996. L'image est partagée par Wikimedia.


Air Jordan 1 par Nike

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Michael Jordan commence sa carrière en NBA en 1984 avec les Chicago Bulls. Dès les premières semaines, il est considéré comme un des plus grands joueurs de basketball de tous les temps par sa réussite au panier et ses sauts très aériens. Il sera surnommé His Airness. Pour la saison 1984-1985, Jordan porte des chaussures Nike Air Force One.

Le succès de Jordan amène Nike à promouvoir le basketball en concevant des chaussures sur mesure pour les plus grands champions. Jordan est aidé par l'agent sportif David Falk, spécialiste des promotions commerciales des joueurs de la NBA.

Nike produit pour l'usage de Jordan des paires de chaussures taille 13 pour le pied gauche et 13.5 pour le pied droit, avec des semelles à coussin d'air. Elles sont aux couleurs des Bulls, blanc, noir et rouge, une non-conformité par rapport aux règles d'uniformité vestimentaire de la NBA. Avec une ingénieuse intuition publicitaire, Nike annonce : "La NBA les a exclues du jeu mais ne peut pas vous interdire de les porter".

Nike crée avec Falk l'appellation Air Jordan pour cette ligne de produits. Le succès sera considérable. Avec un renouvellement de ses modèles chaque année, Nike a actuellement à son catalogue l'Air Jordan XXXIV. Les ventes cumulées Nike Jordan ont atteint 100 millions de paires. Michael Jordan est plus globalement un des joueurs les mieux commercialisés de l'histoire des sports, derrière Tiger Woods.

Le 17 mai 2020, Sotheby's a vendu pour $ 560K incluant premium sur une estimation basse de $ 100K une paire de chaussures Nike Air Jordan 1 Player Sample aux couleurs des Bulls fabriquée entre février et avril 1985, lot 1. La chaussure droite a été signée par le champion avec un marqueur noir.

La NBA avait en effet cédé. MJ a porté ces chaussures dans tous les matchs jusqu'en octobre 1985 quand sa carrière est temporairement interrompue par une fracture du pied. La mode des chaussures colorées était lancée dans le basketball.

17 mai 2020

Large Color Print par William Blake

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Depuis son enfance et pendant toute sa vie, William Blake prétend avoir des visions de Dieu et des Anges. Pour plaire aux archanges, il écrit des poèmes sur l'autre monde, qu'il illustre par des gravures colorées à la main. Ce monde accueille les morts, avec qui il communique également.

D'origine modeste, fils d'un bonnetier, il suit une voie originale, souhaitant l'union de toutes les religions, en réaction hostile contre les philosophes de la Raison. Pour construire ses livres enluminés, il développe en 1788 une technique de gravure en relief.

En 1795 Blake est tenté par l'utilisation des techniques de la gravure pour des images de plus grand format. Il reprend douze thèmes de son oeuvre précédente, inspirés par la Bible, Shakespeare et Milton, sans oublier les figures célèbres de Newton et de Nabuchodonosor. Cet ensemble est connu sous le nom de Large Color Prints. Il a retouché la finition de plusieurs impressions vers 1805.

Pour cette série il prépare ses dessins sur des matrices en carton enduit de plâtre, avec peut-être une exception sur cuivre. Chaque matrice peut être utilisée deux à quatre fois. La technique n'a pas été documentée en son temps, mais ces images ne devraient pas être assimilées à des monotypes. Le coloriage à l'aquarelle peut être très différent pour des oeuvres provenant de la même matrice.

La  production totale survivante pour les 12 thèmes est de 30 exemplaires, dont trois en mains privées. Le 5 mai 2004, Sotheby's a vendu un Large color print pour $ 3,9M incluant premium, lot 5. Le thème du Bon Ange et du Mauvais Ange luttant pour la possession d'un enfant est inspiré de Swedenborg. Cette image 44 x 58 cm est brillamment colorée.

16 mai 2020

Le Second Frère Ainé

Zhang Xiaogang est né en 1958, quelques années avant la Révolution Culturelle. Il commence sa carrière avec des thèmes symbolistes comme la signification de l'humanité. En 1989 le massacre des intellectuels sur la place Tiananmen ouvre une nouvelle période de l'art chinois.

En 1992 Zhang fait un séjour de trois mois en Allemagne. Décontenancé par la vénalité de l'art Européen, il décide de consacrer son art à une expression plus profonde de la Chine contemporaine. Il sera cependant influencé par le traitement de photos banales par Richter.

Rentré en Chine, il trouve chez ses parents des photos de famille de l'époque de son enfance. Il réalise en 1993 une première peinture qui montre son frère ainé entre ses parents. Le visage est rouge clair. Le lien de parenté est marqué par deux minces fils rouge sang qui lient le bébé à chacun de ses parents. L'éclairage incohérent des visages maintient une fantaisie qui est un hommage à Magritte.

Le second opus est conceptuellement et politiquement plus ambitieux bien que la composition soit similaire. Le bébé avec un visage jaune vif est ici le second frère ainé. Si la politique de l'enfant unique en vigueur en 1993 avait été applicable, cet enfant n'aurait pas dû exister, et a fortiori l'artiste non plus. Les fils rouges deviennent plus visibles. L'enfant n'apporte aucune joie. Zhang a voulu montrer un être laid, avec un strabisme qui ne correspond pas à la photo d'origine.

Après ces deux oeuvres, Zhang définit le titre de cette nouvelle série, Bloodline - Big Family, pour l'étendre à une représentation globale du peuple Chinois appliquant avec une docile indifférence les règles trop strictes de la nouvelle société.

Le second opus devient ainsi Bloodline - Big Family: Family No 2. Cette huile sur toile 110 x 130 cm a été vendue pour HK$ 52M incluant premium par Sotheby's le 2 avril 2012, lot 810. Je l'avais discutée dans cette chronique avant cette vente. Elle sera vendue par Sotheby's en vente silencieuse à Hong Kong le 23 mai, lot 6002. Le résultat de la vente ne sera pas publié par la maison de ventes.

15 mai 2020

Paper Pools par Hockney

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En 1978 David Hockney revient en Californie pour s'y établir de façon durable. Passant par New York, il travaille pendant six semaines avec Ken Tyler à expérimenter la création artistique avec des pulpes de papier coloré que ce papetier-imprimeur avait inventée pour Ellsworth Kelly.

Le papier mouillé est manipulé par l'artiste à l'aide d'une louche dans des moules en métal cloisonnés pour créer des figures simples. L'oeuvre est ajustée à la main après le retrait des moules, avant d'être pressée à plat. Chaque image est unique, comme pour les monotypes de l'ancien temps.

Hockney réalise avec Tyler deux séries de paper pulps. La première, pour essayer la technique, est sur le thème des tournesols. Ensuite les Paper Pools, pour lesquelles il juxtapose plusieurs nuances de bleu, mettent en scène des piscines, le plus souvent avec un tremplin. Steps with shadow (Paper Pool 2), 130 x 85 cm, apparaît comme expérimentale. Elle a été vendue pour $ 2,4M incluant premium par Sotheby's le 17 mai 2019, lot 140.

Il conçoit ses Paper Pools comme des assemblages d'éléments préparés indépendamment. Les jonctions sont visibles. Il réalise avec cette technique deux oeuvres de grand format à douze éléments, les Paper Pools 18 et 27, 183 x 434 cm chacun.

Voici des résultats incluant premium pour trois oeuvres en format total 183 x 217 cm :
Day Pool with Three Blues, Paper Pool 7, en 6 petits et 3 grands éléments, vendu pour $ 10,5M par Christie's le 15 mai 2019, lot 24 B.
Sprungbrett mit Schatten, Paper Pool 14, en 6 éléments, vendu pour $ 7,3M par Christie's le 15 novembre 2018, lot 14 C.
Piscine de Medianoche, Paper Pool 30, en 6 éléments, vendu pour $ 11,7M par Sotheby's le 16 mai 2018, lot 11.

La série des Paper Pools a fait l'objet d'éditions en lithographie à grand tirage en 1980.

Après sa session de 1978 avec Tyler, Hockney ne réutilisera pas la pulpe de papier mais la fragmentation inspirera certainement ses paysages gigantesques à l'huile sur toile des années 2000, composés d'éléments ajustés par ordinateur.

14 mai 2020

Autoportrait au Cor par Beckmann

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Max Beckmann n'accepte pas que son art soit qualifié de dégénéré par Hitler. Peint en 1936, son autoportrait à la boule de cristal est un message poignant : il voudrait réagir mais n'a pas la solution. Il n'a que 52 ans mais il comprend certainement que son vieillissement prématuré et son attitude revêche ne l'aideront pas. L'ombre sur les yeux n'incite pas au dialogue. Cette huile sur toile 110 x 65 cm a été vendue pour $ 16,8M incluant premium par Sotheby's le 3 mai 2005.

En 1937 c'est bien pire. Les Nazis confisquent 500 de ses oeuvres dans les musées et en incluent plusieurs dans l'Exposition d'art dégénéré à Munich. Menacé d'emprisonnement et de castration, Beckmann fuit l'Allemagne et s'installe chez sa belle-soeur à Amsterdam.

Ses oeuvres marquent une envie de vengeance, avec maintenant une critique cinglante du régime Nazi. Hölle der Vögel, huile sur toile 120 x 160 cm terminée en 1938, a été vendue pour £ 36M incluant premium par Christie's le 27 juin 2017.

Le 10 mai 2001 Sotheby's a vendu pour $ 22,5M incluant premium un Autoportrait au cor, huile sur toile 110 x 100 cm peinte en 1938.

L'instrument n'est pas joué mais brandi à la hauteur de la bouche fermée comme un défi impuissant. La bouche maussade exprime l'angoisse et une fois de plus les yeux sont dans l'ombre. La veste rayée ressemble à un habit de forçat ou d'Arlequin.


Study from Innocent X par Bacon

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La critique de la religion est une inspiration pour Francis Bacon. En 1944 il mêle le christianisme aux horreurs de la guerre avec Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion, qu'il considère comme sa première oeuvre achevée. Cette image lui a assuré un succès de scandale. Pour alimenter son art plutôt que la polémique, il opte ensuite pour un amalgame socialement moins destructeur entre le Portrait du Pape Innocent X par Velazquez et le cri du Potemkine d'Eisenstein.

Pendant les années 1950 Francis retient d'Innocent X la psychose d'un être humain à qui a été confié un rôle prééminent bien au-delà de ses capacités. Ses Papes hurlants de cette époque, en buste ou à mi corps sur un fond sombre, sont irrémédiablement enfermés sur leurs trônes.

Autour de 1960 ses envies changent. C'est la bonne vie à Soho. Il interprète les mochetés de ses meilleurs amis en utilisant les photos de John Deakin. Ses Papes deviennent plus rares.

Francis ne connaissait l'Innocent X de Velazquez que par des chromos, mais il sait que la palette de couleurs participe grandement à l'effet psychologique. Seated Figure, huile sur toile 153 x 119 cm peinte en 1960, est plus directement inspirée de Velazquez pour la position du personnage pétrifié et pour sa nouvelle dominante rouge. Elle a été vendue pour $ 45M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2014.

Une huile sur toile 198 x 142 cm peinte en 1962 est encore plus explicite. Le titre, Study from Innocent X, a même perdu cette ambiguïté que Francis aimait tant. La composition est élargie par rapport à Velazquez et à Seated Figure, montrant la scène dans sa totalité dans une pièce vide. L'homme recroquevillé est enfermé avec son siège dans la cage filiforme que Francis utilise depuis toujours pour montrer les humains aux singes.

Study from Innocent X a été vendu pour $ 53M incluant premium par Sotheby's le 15 mai 2007, lot 22.

13 mai 2020

La Table Goodyear par Noguchi

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Isamu Noguchi est un sculpteur. Formé à Paris en 1927 par Brancusi, il ne veut pas faire de différence entre les beaux arts et les arts utilitaires. Dans un premier temps il réalise des décors de scène et des costumes de théâtre, dans un style qui tend vers l'abstraction.

En 1939 il réalise deux projets pour des sculptures devant servir de fontaines monumentales, qui restent peu appréciées. La qualité de son travail attire cependant l'attention d'A. Conger Goodyear, président du MoMA, qui lui commande une table assortie à son salon.

Noguchi n'avait jamais créé de meuble. La table Goodyear est donc son chef d'oeuvre au sens étymologique du terme. Il emboîte deux pièces en palissandre sculptées avec des courbes abstraites quelque peu biomorphiques, sur lesquelles il pose un plateau en verre.

La table Goodyear, 73 x 210 x 87 cm, a conservé son plateau d'origine. Elle a été vendue le 16 décembre 2014 par Phillips pour $ 4,45M incluant premium sur une estimation basse de $ 2M, lot 12.

La fin de la guerre permet le retour des projets. En 1948 la société Herman Miller édite la table Noguchi, une table à café 40 x 127 x 91 cm directement inspirée de la table Goodyear. Le piètement est désormais constitué de deux éléments identiques en position opposée. Le succès est considérable : la table Noguchi est depuis 72 ans au catalogue de Herman Miller, avec seulement deux interruptions entre 1973 et 1984.

11 mai 2020

Le Palimpseste d'Archimède

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Le parchemin coûtait cher et les écrits religieux devaient cependant être divulgués sur un support durable. Les copistes du Moyen-Age faisaient des palimpsestes, qu'on pourrait aussi appeler des cannibalisations. Ils effaçaient le texte d'origine en le grattant ou en le mouillant puis ils écrivaient par-dessus. Beaucoup de textes anciens ont ainsi été perdus parce que leur support était encore en bon état.

Parfois le texte ancien réapparait au bout de plusieurs siècles parce que l'encre d'origine avait imprégné le parchemin. L'écriture du dessous d'un palimpseste sur vélin qui était conservé dans une bibliothèque religieuse à Constantinople est correctement attribuée en 1906 à un traité scientifique d'Archimède.

Le manuscrit du dessus est un ouvrage liturgique en grec copié au 12ème siècle. Le scribe a soigneusement réutilisé un épais codex sur lequel il a inscrit son texte à 90° par rapport au texte d'origine avant de plier chaque page en un bifolium 20 x 15 cm de 177 feuilles. L'image ci-dessous donne l'exemple d'un bifolium déplié sur lequel les deux écritures sont parfaitement visible, à 90° l'une par rapport à l'autre. Le copyright de cette image partagée par Wikimedia est détenu par le Walters Museum de Baltimore avec référence à son site dédié au palimpseste.

Le palimpseste d'Archimède a refait surface en 1996 en assez mauvais état, avec trois pages manquantes et quatre pages rendues illisibles par des illustrations modernes. Il a été vendu pour $ 2,2M incluant premium par Christie's le 29 octobre 1998, lot 1.

Les textes d'origine ont été étudiés dans le plus grand détail d'abord avant la vente, et depuis la vente avec les moyens d'imagerie les plus modernes par une équipe du Walters Art Museum où son nouveau propriétaire l'a déposé.

Ecrit en grec très probablement à Constantinople dans la seconde moitié du Xème siècle, il est constitué de sept traités scientifiques d'Archimède dont deux étaient précédemment inconnus, auquel ont été ajoutés quelques pages d'un orateur grec.

Les textes inédits d'Archimède donnent une vision nouvelle et incomparable sur sa méthode scientifique, en particulier pour comparer les volumes et les surfaces, constituant des puzzles didactiques qui anticipent de près de deux millénaires les méthodes modernes d'analyse.


La Carte d'Abel Buell

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Abel Buell, imprimeur et graveur établi dans le Connecticut, était trop habile et trop malin. Il est condamné à la prison en 1764 pour contrefaçon de la monnaie papier coloniale. La sentence est accompagnée d'une ablation partielle d'une oreille et de la langue et d'une marque d'infamie au front, qui sont appliquées sans excès par le bourreau en raison de son jeune âge, 22 ans.

Le Traité de Paris, signé le 3 septembre 1783, met fin à la guerre d'indépendance et définit les nouvelles frontières extérieures. Il est ratifié le 14 janvier 1784 par le Congrès américain et devient applicable le 12 mai.

Pour Buell, cette reconnaissance des Etats-Unis est une opportunité. Il imprime une carte murale en quatre feuilles à jointure verticale pour une dimension totale de 115 x 129 cm, qu'il annonce le 31 mars 1784. La carte de McMurray, qui se réfère au même traité, est manuscrite et plus petite, 67 x 96 cm.

La carte de Buell est la première carte des Etats-Unis imprimée par un américain sur le sol américain, et un des tout premiers documents américains à recevoir un copyright. Elle est intitulée A New and Correct Map of the United States of North America. Le cartouche pour le titre inclut le drapeau américain à treize étoiles.

Buell n'est pas un géographe. Sa carte utilise les travaux des cartographes coloniaux. Les frontières entre les treize états ne sont pas encore figées, et il en profite pour prolonger son état, le Connecticut, jusqu'au Mississippi.

Cette carte n'a été imprimée qu'en deux variantes successives, avant et après l'inscription du copyright. Le premier état est connu en un seul exemplaire conservé à la New York Public Library.

Un des six exemplaires survivants du second état a été vendu le 3 décembre 2010 par Christie's pour $ 2,1M incluant premium, lot 32. Il a été coloré à la main et est un des meilleurs exemplaires malgré quelques manques sur les bords des feuilles. L'image de cette copie spécifique est partagée par Wikimedia.

L'acquéreur, David M. Rubenstein, a confié sa conservation à la Bibliothèque du Congrès. Ce philanthrope avait acheté trois ans plus tôt le dernier exemplaire en mains privées de la Magna Carta pour la prêter aux Archives Nationales.

Abel Buell Map of the United States of North America 1783 (four sheets stitched together)

10 mai 2020

Le Broadside Dunlap

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Le broadside Dunlap est le plus ancien exemple survivant du texte final de la Déclaration d'Indépendance des Etats-Unis d'Amérique.

Le 4 juillet 1776, le manuscrit original de la Déclaration est signé par John Hancock, président du Congrès Continental et plus particulièrement de cette séance mémorable, et par Charles Thomson, secrétaire du Congrès. Désormais il faut faire le plus vite possible pour propager l'information dans les treize colonies et à l'armée. On n'a pas le temps de recopier proprement ce brouillon modifié pendant les débats ni a fortiori de le faire signer par les délégués qui viennent d'approuver le texte.

Le manuscrit est transmis à John Dunlap, l'imprimeur opérant à Philadelphie qui est le contractant habituel des documents officiels du Congrès. Le broadside est imprimé dans la nuit du 4 au 5 juillet. Le manuscrit n'a plus d'importance : il est perdu dans cette opération. Hancock organise la distribution du document tout en pressant chaque destinataire de divulguer le texte par tous les moyens adéquats.

La quantité de copies du broadside Dunlap n'est pas connue bien que le chiffre de 200 semble réaliste. 25 exemplaires ont survécu. Presque tous sont dans des institutions américaines ou des musées.

L'un d'eux a été trouvé en 1989 par un chineur dans le dos du cadre d'une peinture déchirée qu'il venait d'acheter. Il a été vendu pour $ 8,1M incluant premium par Sotheby's le 29 juin 2000, record à l'époque pour une vente aux enchères sur Internet.

L'acheteur était le producteur de télévision Norman Lear soutenu par l'entrepreneur Internet David Hayden. Lear n'est pas un collectionneur. Il organise aussitôt le Declaration of Independence Road Trip, une organisation sans but lucratif chargée de montrer ce document historique au plus grand nombre par des tournées de ville en ville.

Nature Morte au Lilas par Petrov-Vodkine

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Kuzma Petrov-Vodkine voue la plus grande partie de sa carrière à l'enseignement artistique tout en cherchant des solutions nouvelles. Ses peintures ont souvent un but didactique. Il est aussi décorateur de théâtre et portraitiste.

Il est influencé par La Danse de Matisse, avec ses couleurs pures et aussi avec la suppression de la perspective qui crée une poésie nouvelle en éliminant l'information de la dimension du sujet et de son éloignement. Après la Révolution d'Octobre, il est un des principaux organisateurs de l'enseignement de l'art en Union Soviétique.

Cézanne et Matisse avaient utilisé la nature morte pour expérimenter des cadrages audacieux. Petrov-Vodkine choisit dès 1918 de représenter des tables garnies vues de biais dans une plongée presque verticale.

Ses oeuvres sont très rares en mains privées. Le 3 juin 2019, Christie's a vendu pour £ 9,3M incluant premium sur une estimation basse de £ 1M une Nature morte au lilas, lot 84. Cette peinture avait été achetée vers 1932 par un critique d'art italien.

Cette huile sur toile 80 x 65 cm peinte en 1928 est une synthèse des études de l'artiste sur ce thème. L'angle est audacieux et seules les couleurs primaires sont utilisées. La branche de lilas fraîchement coupée est placée dans un verre transparent, et l'absence de perspective permet une vision luxuriante sur ses fleurs. Le reste de la composition est occupé par divers objets qui sont des symboles de la vie personnelle de l'artiste.

A la fin de 1928, Petrov-Vodkine est atteint de tuberculose. Il ralentit considérablement son travail de peintre pour des raisons médicales et commence à écrire ses mémoires. Il ne renonce pas à l'enseignement et devient en 1932 le tout premier président de l'Association des peintres de Leningrad, tout juste créée pour mettre fin à tous les groupes littéraires et artistiques de la période post-révolutionnaire.

9 mai 2020

No 11 1957 par Rothko

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En 1954 Mark Rothko est très irrité parce que son exposition solo à l'Art Institute of Chicago est un grand succès. Le public est toujours influencé par les journalistes et il craint que dorénavant personne ne comprenne plus la signification mystique de son art ou, pire, le considère comme un coloriste ou comme un décorateur. L'année suivante Yves Klein aura une réaction similaire pendant la première exposition de ses monochromes.

L'opinion de Rothko est difficile à anticiper. En 1955 il est furieux contre un critique d'art qui a déclaré qu'il est un meneur de l'art d'après-guerre parce qu'il maîtrise parfaitement la sérénité des symétries. En 1954 il exprime une grande satisfaction quand un autre critique observe que la tension dans les relations de couleurs est si grande qu'elle donne l'impression d'une explosion imminente.

Dans la gloire, Rothko est devenu complètement misanthrope et frustré. En 1955, pour le simple plaisir de se fâcher avec cet ancien ami, Clyfford Still et Barnett Newman qualifient son art de commercial et bourgeois. Par la suite Rothko travaille avec acharnement à ses peintures sans recourir aux mots. Il ne divulguera jamais les causes réelles de son abandon unilatéral du projet des Seagram Murals en 1959, qui était certainement dû à la trop haute opinion qu'il avait de lui-même.

L'opus numéroté 11 dans la nomenclature de 1957 se rapporte à son style traditionnel, avec un fond de structures oranges incandescentes encore avivées par le contraste avec un rectangle luminescent. Cette huile sur toile 202 x 177 cm a été vendue pour $ 46M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013 sur une estimation basse de $ 25M, lot 21.

Rothko cherche encore et toujours à révéler les forces de la douleur, de la violence, de la tragédie et de l'extase. Egalement en 1957 il commence à expérimenter systématiquement l'existence d'une expression émotionnelle intense dans les couleurs sombres. L'opus numéroté 17 dans la nomenclature de cette année-là en est un exemple démonstratif. Cette huile sur toile 233 x 177 cm a été vendue pour $ 32,6M incluant premium par Christie's le 10 mai 2016.

Au Lapin Agile par Picasso

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Les cabarets ont occupé une place prépondérante dans la jeunesse de Picasso. C'est aux 4 Gats à Barcelone qu'il ressent l'envie de mener la vie de bohème à Montmartre.

Le Lapin Agile est parfaitement situé en plein coeur de Montmartre, rue des Saules. Avant 1900 sa réputation était sordide. Son nom est un jeu de mots sur l'enseigne créée par le caricaturiste André Gill montrant un joyeux lapin sautant d'une casserole.

Picasso arrive à Paris au moment où un nouveau gérant surnommé Frédé organise dans ce cabaret des veillées au cours desquelles les poètes, comédiens et artistes de Montmartre jouent de la musique, chantent, récitent des poèmes, bavardent avec convivialité. Frédé joue de la guitare et du violoncelle.

Au Lapin Agile est une huile sur toile 100 x 100 cm peinte par Picasso en 1905 sur commande de Frédé. Pablo l'a réalisée dans le style graphique des affiches de Toulouse-Lautrec, sans lien de style ni avec la période bleue ni avec la période rose. Elle a été vendue pour $ 41M incluant premium par Sotheby's le 27 novembre 1989.

Le couple au premier plan, attablé devant des verres de vin, est composé de Picasso habillé en Arlequin et de Germaine, la jeune femme qui avait repoussé Casagemas mais fut probablement la maîtresse de Pablo tout au long de la période bleue. Derrière eux, Frédé joue de la guitare.

La peinture de Picasso est restée accrochée au mur du cabaret jusqu'en 1912. Elle a donc été le témoin muet du plus célèbre canular de l'histoire de l'art.

En 1910 sur la terrasse du cabaret, l'écrivain Roland Dorgelès accompagné d'un comparse attache des pinceaux à la queue de Lolo, l'âne de Frédé. En présence d'un huissier, ils trempent les pinceaux dans des pots de peinture orange, jaune, rouge et bleu et offrent à l'animal une carotte.  Le mouvement frénétique de la queue crée sur une toile 54 x 81 cm le chef d'oeuvre intitulé Et le Soleil s'endormit sur l'Adriatique, signé J.R. Boronali, anagramme d'Aliboron, l'âne de Buridan.

Ils exposent ce Coucher de Soleil au Salon des Indépendants comme un manifeste de l'excessivisme. Les débats fructueux que le canular a suscité sur la signification de l'art sont une conséquence directe des rencontres d'artistes au Lapin Agile. La peinture de Picasso est un rare témoignage de cette ambiance.

8 mai 2020

Bar aux Autruches par Lalanne

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Créée vers 1882, la Pâte Nouvelle est une nouvelle pâte dure développée par la Manufacture de Porcelaine de Sèvres, préparée à une température plus basse que les porcelaines du siècle précédent. Vers 1965 Antoine d'Albis, chef du laboratoire de la Manufacture, développe sur un principe similaire une porcelaine très blanche, référencée PA.A. François-Xavier Lalanne est intéressé.

Georges Pompidou fut un grand protecteur de l'art contemporain. Son accession à la présidence de la république française en 1969 encourage les nouveaux projets.

En 1970 Lalanne édite deux bars de très grand prestige utilisant la nouvelle porcelaine ultra-blanche. Le Bar Sauterelle, 175 cm de long, est réalisé en deux exemplaires seulement. L'un d'eux a été offert par le président Pompidou à la reine Elizabeth II en 1972. L'autre a été vendu pour $ 1,64M incluant premium par Sotheby's le 24 mai 2018.

Le Bar aux Autruches, 194 cm de long hors tout, est une conception d'une grande originalité. Le plateau est tenu de chaque côté dans le bec d'une autruche. Les oiseaux debout se tournent le dos pour assurer l'équilibre. Les ailes pliantes ouvrent latéralement sur un casier à bouteilles. Le plateau est centré d'un seau à glace amovible en forme d'oeuf. Les autruches sont datées 1967 et portent la marque de la Manufacture de Sèvres.

Le Bar à Autruches a été édité en six unités. L'un d'eux est exposé dans les collections permanentes du Musée de Sèvres et un autre a été déposé au Palais de l'Elysée à la demande de Pompidou. Un autre exemplaire a été vendu pour € 6,2M incluant premium par Sotheby's le 21 novembre 2017 sur une estimation basse de € 700K, lot 40.

Yo Picasso

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Pablo Ruiz Picasso est attiré par la vie de bohème. Il fréquente le cabaret 4 Gats à Barcelone et partage un atelier avec Carlos Casagemas de janvier à septembre 1900. L'intitulé 4 Gats est une allusion au Chat Noir à Montmartre. Les deux amis explorent Paris en octobre 1900. C'est bien la ville idéale pour faire une carrière de peintre.

Carlos est le premier à revenir à Paris, en janvier 1901. Il se suicide d'un chagrin d'amour le 17 février.

Une période faste commence pour Pablo. En mai, le succès d'une exposition de ses pastels à Barcelone attise son ambition. Il revient à Paris fin mai.

Le talent du jeune homme est déjà évident. Il aura une exposition solo à la Galerie Vollard à partir du 24 juin. Il veut montrer tout son savoir-faire et prépare avec frénésie des peintures sur des thèmes variés : scènes de cabaret et de courses de chevaux, paysages, fleurs, femmes nues.

Il est prêt. Le nom de son père, Ruiz, est trop courant pour son ambition exubérante. Il le supprime de sa signature pour devenir Picasso.

L'exposition chez Vollard est dominée par un autoportrait à mi-corps devant son chevalet, marquant sans équivoque l'envie de l'artiste d'être connu et reconnu. L'attitude est fière, le regard fixe est intense et les couleurs sont vives. Il inscrira plus tard un titre sur cette peinture, Yo Picasso, confirmant sa propre insolence. Il est pardonnable : il n'avait pas encore 20 ans.

Non, décidément, quatre mois après la mort de Casagemas, il n'y avait dans cette oeuvre aucun signe avant-coureur de la période bleue. La grande dépression de Picasso commence vers le milieu de l'année 1901. Picasso l'attribuera plus tard au deuil de son ami, qui l'a tout de même considérablement perturbé, sans jamais dévoiler la vraie cause de son déclenchement. Un amour repoussé ?

Yo Picasso , huile sur toile 74 x 60 cm, a été vendue pour $ 48M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 1989.

7 mai 2020

Autoportrait sans Barbe par Van Gogh

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Van Gogh est interné à Saint-Rémy depuis le 8 mai 1889. Deux mois plus tard une accalmie de son état de santé permet une visite escortée à Arles. Mécontent à cause de rendez-vous manqués, il a une crise de démence le 16 juillet.

La crise est sévère. Vincent ne sort plus et ne peut pas reprendre ses pinceaux avant fin août. Par la fenêtre, il voit un homme libre, le seul homme libre qui passe dans son angle de vision, un laboureur avec son cheval et sa charrue. Laboureur dans un champ, huile sur toile 50 x 65 cm, a été vendue pour $ 81M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2017.

Il ressent une fois de plus une envie frénétique de peindre, comme antidote à sa maladie. Concerné aussi par les signes visibles de folie sur son visage, il réalise trois auto-portraits en buste, de biais pour cacher l'oreille droite.

Sur deux d'entre eux, il est barbu. Le fond est décoré de tourbillons dans son nouveau style. Sur le portrait qui est conservé au Musée d'Oslo, peut-être le premier de cette petite série, le regard est incontestablement psychotique. A propos de la peinture qui est actuellement au Musée d'Orsay, il écrit à Theo avec une remarquable lucidité que son visage est calmé mais que l'inquiétude reste visible dans le regard.

L'autre autoportrait est différent. Il l'a peint pour faire un cadeau d'anniversaire à sa mère, qui fête ses 70 ans le 10 septembre 1889. Pour paraître encore jeune et en bonne santé, le visage est glabre, ce qui ne signifie pas que cette caractéristique qui n'était pas dans la mode du temps correspondait à la réalité. Il voulait aussi faire croire à ses soignants et à Theo qu'il se sentait guéri.

Ce Portrait de l'artiste sans barbe, huile sur toile 65 x 54 cm, a été vendu pour $ 71,5M incluant premium par Christie's le 19 novembre 1998 sur une estimation basse de $ 20M. L'image est partagée par Wikimedia.

Vincent Willem van Gogh 102

Les Noces de Pierrette par Picasso

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La Période Bleue commence en 1901 avec le suicide de Casagemas. Picasso reste mélancolique. Son thème principal est la pauvreté, peinte avec des couleurs froides. Le thème associé est la vie contradictoire des acrobates du cirque, qui doivent amuser le public alors que leur vraie vie est misérable.

Les Noces de Pierrette, huile sur toile 115 x 195 cm, apparaît au premier coup d'oeil comme une oeuvre de la période bleue. Elle a pourtant été peinte en 1905, une année plutôt caractérisée par l'entrée de l'artiste dans sa Période Rose avec le retour d'une signification positive de la vie. Dans cette oeuvre de transition, Picasso fustige en fait le pouvoir de l'argent.

Cette peinture met en scène six personnages de cirque, trois hommes et trois femmes. Pendant la période bleue, les compositions excédaient rarement le couple, avec parfois un enfant ou un comparse.

La tension est apportée par la pâleur des visages, les expressions tristes, les couleurs sombres des vêtements et du fond. L'artiste interprète un drame. Pierrette épouse le patron du cirque mais son regard amoureux est pour Arlequin, qui lui envoie un baiser avec une main tout en serrant rageusement l'autre poing derrière son dos.

Les Noces de Pierrette ont été vendues le 30 novembre 1989 par Binoche et Godeau pour FF 315M incluant premium, valant US $ 52M. Le ministre de la culture avait accordé à cette oeuvre le droit de sortie du territoire en échange du don à l'Etat français par son propriétaire de La Célestine, une autre peinture de la période bleue considérée comme plus importante.

Contrairement à La Célestine, Pierrette n'est pas un personnage de la littérature. Elle serait plutôt un équivalent féminin de Pierrot, une Colombine en train de perdre son Arlequin, imaginée par Picasso.

6 mai 2020

Les Iris par Van Gogh

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Les crises hallucinatoires devenaient répétitives. Vincent comprenait qu'il avait perdu son autonomie. Sur la suggestion d'un ami et avec l'accord de Théo, il entre volontairement le 8 mai 1889 à l'asile de Saint-Rémy, un ancien monastère construit au XIème siècle.

La première impression est très bonne. Sa création picturale est un paratonnerre qui le protégera contre sa maladie. Il se met au travail avec une nouvelle ardeur. Le jardin de l'ancien monastère est beau en ce milieu du printemps, et peut-être pourra-t-il plus tard se promener dans les Alpilles qu'il voit à l'horizon.

Le parterre d'iris attire son attention. Il peint au tout début de son séjour avec un plaisir évident une huile sur toile 74 x 93 cm, apparemment sans dessin préparatoire. Les iris occupent le premier plan, dans une disposition variée et stylisée qui est certainement inspirée par le traitement des plans rapprochés et des angles dans les estampes Japonaises. L'image est partagée par Wikimedia.

Vincent sait depuis le séjour de Gauguin à la Maison Jaune quelques mois plus tôt que la vivacité des couleurs est devenue son point fort, et que les fleurs répondent parfaitement à ce critère. Les fleurs de ses iris sont bleu vif à l'exception d'une seule fleur blanche. Cette peinture est une étude de contrastes avec les feuilles vertes des mêmes plantes, peintes un peu plus claires que nature, les fleurs oranges des soucis à l'arrière-plan et la terre ocre.

Theo est d'autant plus émerveillé que les pulsions heureuses sont très rares pour Vincent dans cette période tragique. En septembre il expose ce chef d'oeuvre au côté de la Nuit Etoilée au Salon annuel de la Société des Artistes Indépendants.

Cette peinture été vendue pour $ 54M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 1987, sept mois après la vente record enregistrée par Christie's sur les Tournesols du même artiste pour l'équivalent de $ 40M. Elle est revenue dans la maison de ventes pour défaut de paiement de l'acquéreur, un homme d'affaires Australien, et a été acquise en 1990 par le J. Paul Getty Museum.

Irises-Vincent van Gogh

Un Tomahawk pour la Révolution

Le tomahawk est à l'origine une hache conçue par les Algonquins. Après la rencontre avec les colons, la lame de pierre est remplacée par du métal. L'installation d'un marteau, d'une pointe ou d'une pipe sur le manche de l'autre côté de la lame donne au tomahawk son apparence traditionnelle. Les armuriers de la frontière américaine fabriquent aussi des tomahawks pour faciliter le commerce avec les tribus natives.

A la fin des années 1760 Richard Butler devient armurier à Fort Pitt en Pennsylvanie. Au cours de la décennie suivante, il obtient un traité de neutralité avec les Indiens Shawnee et Delaware. Ses archives attestent de la production de tomahawks.

La guerre révolutionnaire éclate. Les nouveaux régiments s'équipent non sans difficulté. Les fusils du Battalion of Pennsylvania Riflemen ne sont pas compatibles avec des baïonnettes. Les soldats utilisent des tomahawks comme arme secondaire.

Le 27 mai à Denver PA, Morphy vend un tomahawk pipe, lot 1019 estimé $ 300K ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

Ce tomahawk réalisé pour un officier des Riflemen est monté en argent avec des incrustations décoratives du même métal. Le manche en érable est décoré avec des épines de porc-épic teintes en rouge, noir et blanc dans le goût Shawnee.

Il est signé par Butler et inscrit au nom du Lt Maclellan. John McClellan et Richard Butler étaient tous deux originaires de Carlisle PA, ce qui peut expliquer que l'armurier a réalisé une luxueuse pièce de présentation pour cet officier.

McClellan n'a pas profité longtemps de son tomahawk. Il fait partie des troupes qui quittent le siège de Boston le 11 septembre 1775 avec Benedict Arnold mais les conditions de la marche sur Québec sont trop dures et il meurt. Le tomahawk récupéré par son frère est pris par les Britanniques comme trophée de guerre pendant la bataille de Québec.

5 mai 2020

Une Batte pour le Vaudeville

Grâce à sa force et à son habileté de frappeur, Babe Ruth est le champion du home run. Il est le meilleur marqueur de homers en MLB tous les ans de 1918 à 1931 sauf 1922 et 1925. Les spectateurs sont passionnés par la comptabilité de ses home runs.

En 1920, pour sa première saison avec les New York Yankees, Ruth bat son record de home runs avant même l'amélioration des balles qui ouvre l'ère du live ball. Il termine la saison avec 54 homers. 1921 est encore meilleur, avec 59 homers. La batte associée à son 59ème home run a été vendue pour $ 720K incluant premium par Heritage le 21 février 2015.

Le 52ème homer de Ruth en 1921 n'est donc pas un record. Il est marqué le 7 septembre aux Polo Grounds à New York contre son ancienne équipe, les Boston Red Socks. Ruth a utilisé une batte Hillerich and Bradsby spécialement longue et lourde.

La suite est typique de l'humour profond mais très personnel du champion, suffisamment sûr de lui pour ne pas se laisser encombrer dans les détails.

Il n'a pas inscrit cette batte mais l'a conservée pendant quelques mois comme souvenir de ce home run. A Cincinnati en janvier 1922, un joueur amateur est récompensé comme meilleur frappeur de sa catégorie. Une cérémonie est organisée dans la salle locale du Keith's Theatre, un réseau de théâtres de vaudeville. Babe Ruth donne sa batte.

Il l'accompagne d'une lettre dactylographiée et signée, datée du 10 janvier, sur papier à en-tête de l'Hotel Ansonia à New York où il résidait fréquemment. Le lettre est adressée au manager local du Keith's, Ned Hastings, sans mentionner le jeune récipiendaire de la batte. Elle atteste de son utilisation pour le 52ème home run de 1921 avec une phrase amusante : "It served me well in baseball and I hope it will serve you as well in vaudeville".

Le risque de confusion est levé par une coupure de presse du Cincinnati Enquirer publiée le lendemain de la cérémonie, au cours de laquelle Hastings et Ruth ont remis ensemble cette batte spécifique au jeune joueur, avec des discours et des poignées de mains. Il est amusant de noter que Ruth est déjà identifié avec son surnom moqueur de Sultan of Swat dans cet article. Le jeune champion est qualifié de "Little Babe".

La batte accompagnée des deux documents d'époque évoqués ci-dessus est estimée $ 500K à vendre en ligne par Heritage le 8 mai, lot 57057.