29 juin 2020

Les Petites Versions des Femmes d'Alger

Henri Matisse meurt le 3 novembre 1954. Bavard sur son propre art mais secret sur ses réactions affectives, Picasso ne communique rien mais il semble que la mort de son vieux rival l'ait profondément choqué.

Picasso conçoit une oeuvre qui pourra apparaître comme la suite des scènes orientalistes de Matisse. Sa nouvelle muse, Jacqueline, ressemble à une des odalisques des Femmes d'Alger de Delacroix. Le nouveau projet sera un amalgame de ce Delacroix et du Nu bleu de Matisse.

Du 13 décembre 1954 au 18 janvier 1955, Picasso peint six esquisses 46 x 55 cm, parfois limitées à un détail. La veille de la fin de cette première phase, il peint une huile sur toile 54 x 65 cm qui préfigure l'oeuvre finale par sa composition d'ensemble, ses couleurs brillantes et l'imbrication post-cubiste des formes.

La phase suivante est consacrée aux formats plus grands, incluant des peintures en grisaille qui permettent de mettre au point les détails du dessin. La version finale, 114 x 146 cm, est peinte le 14 février 1955. Le résultat répond à l'objectif sans doute principal de Picasso de faire un contrepoids moderne aux Demoiselles d'Avignon.

Les quinze peintures sont exposées ensemble pour être vendues en un lot. Pour cela il ne faut pas les considérer comme quatorze esquisses et une peinture finale mais comme quinze versions sur un même thème, numérotées de A à O dans l'ordre chronologique de leur réalisation.

Ainsi la dispersion ne sera pas faite sous le contrôle de l'artiste ou de ses marchands mais par le couple Ganz qui achète l'ensemble en 1956 pour posséder la version finale (O). Les Ganz conserveront aussi pour leur collection une des esquisses les plus complètes (C), un style typique de l'époque de Marie-Thérèse (H) et deux grisailles de la phase finale (K et M).

La sélection des Ganz est extrêmement judicieuse. Elle n'inclut pas la version achevée 54 x 65 cm de la première phase (F), probablement parce qu'elle n'apporte pas grand chose à côté de la version O. La version F sera vendue par Christie's à New York le 10 juillet, lot 52. Le communiqué de presse du 15 mai consacré à une vue générale de la vente ONE annonce une estimation autour de $ 25M.

28 juin 2020

L'Expiation de Barnett Newman

Pour Barnett Newman, la création n'est pas un vain mot. Les atrocités de son temps rendent l'art figuratif inapproprié et indécent. Il développera un art expiatoire pour redéfinir le sublime.

Il trouve la solution en 1948 en couvrant la toile avec une peinture monochrome centrée d'une bande collante enduite d'une autre couleur. Cette zone sera plus tard appelée le zip. Pour exprimer au mieux les forces mystiques qui régissent l'univers, elle est rigoureusement verticale, axiale et complète du haut en bas de l'image.

Quand le zip est étroit, il est perçu comme un rassemblement des côtés gauche et droit et non comme une séparation. Pour sa première oeuvre zippée, Newman construit le néologisme Onement, une aphérèse d' "atonement" (expiation) qui évoque la globalité.

Onement II, III et IV sont des variations peintes en 1948 et 1949. En 1949 il peint sa première oeuvre avec deux zips verticaux, opportunément intitulée Galaxy. Cette huile sur toile 63 x 51 cm a été vendue pour $ 10M incluant premium par Sotheby's le 16 mai 2018. D'autres titres inviteront plus tard à une interprétation biblique.

Onement V est peinte en 1952, qui correspond par hasard ou par raffinement intellectuel à la cinquième année de la série. Le contraste est minimal entre le monochrome bleu et le zip vert-cyan. Son processus à cette date inclut un arrachement fulgurant de la bande collante.

Onement V, huile sur toile 152 x 96 cm, a été vendue pour $ 22,5M incluant premium par Christie's le 8 mai 2012, lot 24. Elle est estimée $ 30M à vendre par Christie's à New York le 10 juillet, lot 66.

Avec la même logique, l'apothéose de la série est Onement VI, peint pendant la sixième année de la création. Cette grande huile sur toile 300 x 260 cm est à nouveau bleue mais elle est centrée d'un lumineux zip blanc. Elle a été vendue pour $ 44M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2013.

Barnett Newman a le même but que Rothko d'intégrer le visiteur dans son espace mais son processus de réalisation est beaucoup plus simple. Son art minimaliste anticipe les monochromes d'Yves Klein et les lacérations de Lucio Fontana.

Musique Intime

Roy Lichtenstein s'approprie des images éditées ou peintes par d'autres. En les transformant, il leur donne une signification qui peut être totalement contraire à l'origine. L'agrandissement maintient la simplicité des traits qui était indispensable pour la lisibilité du minuscule original. Il atteint les fondements de l'art, sans verbiage et sans perdre son humour.

Roy offre aussi sa vision de l'histoire de l'art. Il aime les lignes pures des corps nus de La Danse de Matisse. Peinte en 1974, Artist's Studio - The Dance expose ce chef d'oeuvre d'un autre artiste sur le mur du fond, au-delà d'un grand fouillis. Sur le mur à droite, une image tronquée montre quelques notes de musique sur une portée.

En 1994 Roy redémarre un de ses thèmes les plus personnels : la jeune femme copiée d'une case de bande dessinée, colorées avec des points qui imitent les réseaux d'imprimerie. Dorénavant la femme est nue, parfois en présence d'une autre femme nue, jamais avec un homme.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend au lot 58 Nude with Joyous Painting, huile et acrylique 178 x 135 cm peinte en 1994. Le communiqué de presse du 15 mai annonce une estimation autour de $ 30M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Dans la bande dessinée, la jolie blonde avait un chagrin d'amour. Maintenant elle est nue et le texte explicatif n'est plus disponible : elle attend simplement quelque chose de non défini qui n'est probablement pas un partenaire. Elle est peut-être en train de terminer sa toilette après avoir mis un bandeau dans ses cheveux.

Le Joyous Painting annoncé par le titre est l'image d'une portée de musique qui forme des volutes, comme dans le pastiche de La Danse. Ce symbole musical apporte une sympathique impression d'intimité innocente.


27 juin 2020

La Vallée Secrète

La Grande Vallée est une série de peintures réalisées par Joan Mitchell en 1983 et 1984, exprimant des souvenirs d'enfance. Mais ces souvenirs ne sont pas ceux de l'artiste.

Les enfants adorent avoir un lieu secret à l'écart des adultes, où ils peuvent personnaliser leur univers. Gisèle Barreau passe son enfance en Bretagne, du côté de Nantes, où elle s'approprie une vallée cachée, utilisée pour faire paître les vaches au milieu de bois intouchés, avec des granges abandonnées et des fleurs sauvages.

Gisèle est musicienne. Elle devient l'assistante de Joan à Vétheuil pour les travaux de la vie de tous les jours.

Gisèle partageait son secret avec son cousin Jean-Philippe. Le jeune homme meurt en 1982 sans avoir pu revoir sa vallée. La même semaine, Joan perd sa soeur Sally Perry.

Depuis les années 1950 Joan est inspirée par les couleurs de la campagne française. Pour faire face au double deuil et conjurer la mort, elle imagine avec toutes les couleurs vibrantes du bonheur cette Grande Vallée qu'elle ne connaîtra jamais.

La série est constituée d'un unique triptyque, 5 diptyques et 15 toiles uniques. Cette ensemble a été construit avec une diversité de composition comparable aux Grandes Décorations de Monet. La présence de Monet à Vétheuil de 1878 à 1881 a certainement influencé l'installation de Joan dans le même village en 1968. Joan exprime la confrontation des couleurs vives dans des paysages abstraits qui ne s'appuient sur aucune réalité topographique, mais la tendance à l'abstraction dans les dernières oeuvres de Monet ne pouvaient pas la laisser indifférente.

La Grande Vallée VII, diptyque 260 x 260 cm de dimension totale peint en 1983, est estimée $ 10M à vendre par Christie's le 10 juillet dans sa vente mondiale ONE, lot 61.

L'opus XIV, qui est le seul triptyque, est au Centre Pompidou. Dominé par les couleurs des fleurs, l'opus XIII, 280 x 200 cm, a été vendu pour € 3,6M incluant premium par Sotheby's le 3 décembre 2013. L'opus XI à dominante bleue, 200 x 180 cm, a été vendu pour £ 2,6M incluant premium par Sotheby's le 27 février 2008.

26 juin 2020

Les Couleurs du Karmapa

L'empereur Yongle a besoin du Bouddhisme tibétain pour affirmer sa légitimité. En 1405 CE, après seulement trois ans de règne, il invite un des principaux dignitaires, le 5ème karmapa, pour une visite de prestige au cours de laquelle des miracles seront annoncés. Le jeune Bouddhiste est accueilli triomphalement à Nanking en 1407 par 10 000 moines. Il a 23 ans.

Rien n'est trop beau pour un visiteur d'une telle importance. Yongle introduit dans l'art bouddhiste un luxe sans précédent, avec une attention toute particulière pour la vivacité des couleurs. Un thangka emporté au Tibet avec la marque de présentation de l'empereur a été vendu pour HK$ 350M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2014.

Les récipients rituels sont également requis avec les couleurs les plus vives, qui ne sont pas encore développées pour la porcelaine. Ils seront faits en métal peint en cloisonné avec des émaux, une technique récemment importée en Chine probablement de Byzance. Les pièces survivantes sont extrêmement rares.

Le 3 avril 2018, Sotheby's a vendu pour HK$ 21,7M incluant premium un vase d'autel en cloisonné Ming de 25,5 cm de haut, avec un corps ovoïde et un bord agrémenté d'une collerette pendante qui imitent une forme rituelle tibétaine.

Le 11 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend une aiguière de 22,5 cm de haut avec son couvercle, lot 3626 estimé HK$ 20M. Le bec horizontal est conçu pour le versement facile d'un liquide chaud et l'ajustement du couvercle est parfait. Au côté des cinq couleurs classiques de l'arc-en-ciel Bouddhiste, l'obtention du rose par un mélange d'émaux blancs et rouges est exceptionnelle. Le fond est turquoise.

Cette théière a la forme d'une aiguière rituelle tibétaine. Son bord dit en chapeau de moine évoque la couronne noire qui est un des symboles majeurs du karmapa. Cette forme avait peut-être déjà été importée en Chine sous les Yuan mais la référence directe à la visite à Yongle est séduisante. Le vase d'autel cité ci-dessus était plutôt attribué à la période Yongle qu'à Xuande pour la finesse des détails. Cet argument peut certainement s'appliquer aussi à l'aiguière.

Le Bébé Eprouvette

L'embryologiste Robert Edwards était tout d'abord motivé par la prévention des syndromes anormaux du développement. Il entre à Cambridge en 1963 dans un laboratoire spécialisé dans les mécanismes de reproduction dans le but de contrôler la fertilité. Il fait équipe à partir de 1967 avec l'obstétricien Patrick Steptoe et l'ancienne infirmière Jean Purdy.

Les études post-doctorales d'Edwards l'avaient amené à considérer la fécondation in vitro pour les rongeurs. Avec sa nouvelle équipe, il met au point l'application pour les humains. Les risques de créer de nouveaux types d'anomalies sont importants et heurtent notamment l'éthique catholique.

Edwards, Steptoe et Purdy fiabilisent les différentes étapes : prélèvement de l'ovocyte et du sperme, fécondation dans une boîte de Petri, observation du début de développement de l'embryon. La clé du succès est d'insérer l'embryon dans l'utérus au moment le plus favorable dans le cycle hormonal de la mère porteuse.

Un couple est volontaire pour l'expérience. Mrs Brown est affectéee d'une obstruction de ses trompes de Fallope, qui est un des cas les plus fréquents d'infertilité des femmes. Louise nait le 25 juillet 1978. Cette toute première tentative d'obtenir une naissance après une fécondation in vitro est un succès total. Le bébé pèse 2,6 Kg et est en parfaite santé, sans anomalie.

Quatre ans plus tard les Brown donnent une soeur à Louise par le même processus de fécondation. La validation que l'équipe de Cambridge n'a pas créé de monstres est confirmée quand les deux soeurs, en 1999 et 2004, ont des enfants par fécondation naturelle.

Le prix Nobel de physiologie ou médecine est attribué en 2010 à Edwards, seul survivant de l'équipe. Sa médaille accompagnée du diplôme est estimée £ 500K, à vendre par Christie's dans une vente en ligne qui se terminera le 16 juillet, lot 58.

A sa mort trois ans plus tard, Louise Brown a dit : "(Their) work has brought happiness and joy to millions of people all over the world by enabling them to have children."

25 juin 2020

Investissement dans le Basketball

Les collectionneurs de cartes de sport n'ont pas cessé d'aimer les anciennes gloires. Les cartes les plus recherchées sont des raretés dans leur propre série, comme la T206 Wagner ou la Topps 1952 de Mickey Mantle. Les cartes conservées dans le meilleur état attirent depuis quelques années les investisseurs.

Les éditeurs modernes comme Upper Deck et Topps ajoutent des goodies qui permettent d'offrir des petites variantes sérialisées. Cet apport est souvent l'insertion dans la carte d'un élément qui appartenait auparavant à une autre catégorie de collection, comme l'autographe du joueur ou un morceau de son maillot. Il peut aussi être seulement une très petite variante dans le design de la carte.

Le nouveau collectionneur-investisseur voudra constituer pour un modèle de son choix un ensemble complet de toutes les variantes, et dans le meilleur état possible.

Le basketball a rejoint le baseball comme sport favori de l'Amérique. En 2003 Upper Deck inaugure sa marque Exquisite Collection sans omettre une identification Exquisite Rookie Patch pour les rookies. Le recto inclut une photo du joueur, sa signature, le morceau de son maillot et le numéro de série relatif à l'édition de la variante spécifique. Le verso inclut une autre photo, la garantie d'authenticité par Upper Deck de la signature et du maillot, et le logo de la NBA.

2003-2004 est aussi la saison rookie de LeBron James. Son Exquisite Rookie Patch est le haut de gamme de toutes les cartes de basketball, d'autant plus que Upper Deck avait débordé Topps et Fleer en obtenant l'exclusivité pour cette saison de son autographe sur une carte.

La version de base de l'Exquisite Rookie Patch de LeBron James est éditée en 99 exemplaires. La carte 05/99, gradée Mint 9 par BGS, a été vendue pour $ 264K incluant premium par Heritage le 22 février 2020.

Une variante très similaire identifiée comme Rookie Patch Parallel est plus rare avec seulement 23 exemplaires. La carte 16/23, gradée NM/MT+ 8.5 par BGS, a été vendue pour $ 264K incluant premium par Goldin en octobre 2019.

La carte 14/23, gradée Gem Mint 9.5 par BGS, est la meilleure du groupe. Elle est le lot 12 dans la vente en ligne par Goldin qui se terminera le 18 juillet. 23 jours avant la clôture, l'enchère est à $ 750K.

Avec une autre photo du joueur et sans pièce de maillot, la carte unique 1/1 Upper Deck Ultimate Collection, gradée Mint 9 par PSA, a été vendue pour $ 312K par Goldin en 2016.

24 juin 2020

Un Vase Longquan pour la Salle d'Audience

L'empereur Qianlong promouvait l'imitation des meilleures oeuvres d'art du passé avec les techniques les plus récentes afin que les réalisations de son règne apparaissent comme le sommet de la civilisation.

Le surintendant Tang Ying faisait faire à Jingdezhen les plus sensationnelles porcelaines capables de susciter une approbation personnelle de l'empereur. Une des réussites les plus remarquables de Tang Ying fut la mise au point des émaux de type yangcai, concurrençant pour moins cher le falangcai qui était fait dans un petit atelier du palais impérial.

Le double vase en porcelaine a été développé dans les fours de Longquan 350 à 400 ans avant Qianlong, à l'époque de transition entre les dynasties Yuan et Ming. Le vase extérieur céladon est percé pour offrir une visibilité sur le vase intérieur. Les potiers de Longquan souhaitaient sans doute produire des pièces de prestige pour concurrencer l'influence grandissante de Jingdezhen.

Tang Ying tente d'imiter ce double vase, qui sera identifié comme vase Longquan dans les archives impériales. La plus ancienne référence d'un vase Qianlong de type Longquan est la présentation d'une pièce à l'empereur par un eunuque pour l'usage de la très prestigieuse salle d'audiences et de banquets du palais. Cet évènement est daté du douzième jour du huitième mois de la septième année de Qianlong, 1742 CE.

Une seule pièce correspond à la description de ce premier vase dans les archives impériales. Le vase extérieur de 31,4 cm de haut est en forme de poire surmontée d'un col, avec deux anses dorées en forme de dragon. Une collerette est pendue à l'ouverture du col. Il est en yangcai incisé de sgraffiato sauf la partie réticulée qui est céladon. Le vase intérieur est un bleu et blanc de style Xuande.

Ce vase a été vendu pour £ 44 par Sotheby's en 1954. Il vient d'être redécouvert par un consultant basé à Amsterdam, dans une maison de campagne où il n'avait jamais attiré l'attention d'innombrables générations de chiens et de chats. Il est estimé HK$ 70M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 11 juillet, lot 1. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

En 1743 CE Tang Ying annonce dans un rapport officiel que la production des vases Longquan a un rendement extrêmement faible. L'empereur accepte d'arrêter ce style tout en demandant de réaliser un second exemplaire pour faire paire avec quelques vases déjà livrés. Le vase pour la salle d'audience, qui avait la forme la plus complexe, était sans doute le tout premier, réalisé avant que Tang Ying constate les difficultés techniques. La paire n'a probablement pas été constituée.


23 juin 2020

Il n'y a plus rien à gagner

Le succès de Warhol était un modèle pour Basquiat. Andy accepte d'aider son jeune collègue et ils créent des peintures à quatre mains en 1984 et 1985. L'échec d'une exposition de ces oeuvres sépare durablement les deux artistes.

Basquiat va mal. Les effets de la drogue sont déjà visibles en 1985 par des taches sombres sur son visage. Sa notoriété est un facteur aggravant. L'ancien artiste des rues ne sait pas quoi faire de son argent. Comme Rothko au plus haut de sa gloire, il observe que ses admirateurs ont cessé de décoder ses messages. Par réaction Jim Crow, peint en 1986, est une protestation sans ambiguïté contre l'esclavage.

La mort soudaine de Warhol en février 1987 a un effet catastrophique sur Basquiat. Le jeune homme comprend dorénavant que l'expression de sa révolte sociale par son art ne servira jamais à rien.

En 1981 ses thèmes avaient été dynamiques et truculents avec un sympathique enchevêtrement de couleurs vives. En 1986 il remplace le street art des adolescents par un street art de hobos, pour lequel il s'inspire d'un manuel de sémiotique, le Symbol Sourcebook par Henry Dreyfuss. Les hobos (homeless boys) sont les ouvriers journaliers itinérants, qui communiquent entre eux en dessinant sur les murs les symboles identifiant les dangers.

Victor 25448, acrylique, oilstick, cire et crayon sur papier tendu sur toile 183 x 333 cm, a été vendu pour $ 3,5M incluant premium par Christie's le 13 mai 2008 et est estimé $ 8M à vendre par Phillips à New York le 2 juillet, lot 10.

Cette oeuvre désespérée a été réalisée en 1987. Le personnage est défiguré, éborgné et écartelé, dans un monde sans espoir marqué à trois endroits du tag IDEAL sur des objets publicitaires qui symbolisent l'oppression capitaliste.

Dans le coin en bas à gauche, Basquiat a regroupé plusieurs des symboles hobos collectés par Dreyfuss avec leur signification. On trouve par exemple le très décourageant "Nothing to be gained here", que Basquiat a aussi utilisé la même année dans Riddle Me This Batman, et "A beating awaits you here".

Basquiat ne pouvait pas se passer de musique et il possédait 3000 disques. 25448 est la référence dans le catalogue de l'éditeur Victor d'une chanson enregistrée en 1936 par Al Bowlly.

22 juin 2020

Boîte Magique et Vinaigrette

Dans la décennie 1800, les mécaniciens suisses réalisent pour le marché chinois des boîtes à automates d'une complexité croissante. Le Théâtre est un bon thème pour supporter des animations. Une montre musicale faite vers 1800 probablement à Neuchâtel a été vendue pour HK$ 4,1M incluant premium par Christie's le 27 novembre 2013.

Ces mécanismes sont également intégrés dans d'autres types de boîtes, souvent décorées de lignes de perles. Une pièce à sept mouvements, en forme de bouclier, a été vendue pour CHF 750K incluant premium par Christie's le 9 mai 2010. Faite vers 1820, une boîte à tabac animée par les énigmes d'un magicien a été vendue pour CHF 1,2M incluant premium par Sotheby's le 8 juin 2016.

Le 14 juillet à Londres, Sotheby's vend une boîte à tabac de 8,4 cm de long qui contient plusieurs surprises. Elle est estimée £ 500K, lot 27. Elle avait été vendue dans la même salle de ventes le 9 novembre 2000 pour £ 640K incluant premium sur une estimation basse de £ 120K.

Elle a la forme d'un petit livre dont la couverture décorée d'un léopard s'ouvre pour découvrir un Temple de la Musique. Le déclenchement du mouvement ouvre la porte centrale du temple, actionnant le jeu d'un musicien avant que le fond de la scène coulisse pour révéler un sanctuaire abritant un autel enflammé.

Le dos du livre est divisé en quatre segments. Les deux parties du milieu s'ouvrent ensemble pour faire un compartiment de rangement pour une clé. Les parties haute et basse cachent respectivement une montre et une vinaigrette qui servait aux dames à renifler un parfum pour éviter la pâmoison.

Le boîtier a été fait par Sené et Neisser, deux bijoutiers qui étaient associés entre 1805 et 1808 à Genève. Le mouvement a peut-être été fait par Puyroche, un assembleur (ou établisseur) de Genève qui a signé un de ses composants.

Miss Mitchell en Ville

Joan Mitchell est passionnée par les couleurs des paysages, et par le traitement de la couleur par les grands maîtres, Turner, Monet et Van Gogh. Comme Pollock, elle exprime son sentiment de la nature par l'abstraction. Cet engagement d'une femme dans l'expressionnisme abstrait surprend les critiques d'art : ils l'appellent Miss Mitchell.

Joan est attirée par l'art européen et par les paysages de France où elle fait de fréquents séjours avant d'installer son atelier à Paris en 1959, dans un quartier excentré pour éviter d'autres influences sur sa créativité.

Pourtant les temps sont difficiles pour Joan, très affectée par la mauvaise santé de ses parents. Elle délaisse les impressions de la nature pour une abstraction d'une grande violence. Elle s'en souviendra plus tard comme d'une période de très grande colère.

En fait cette colère était contrôlée. Les oeuvres, souvent de très grande dimension, restent l'objet d'une minutieuse préparation. Les gestes qui créent l'illusion d'une explosion centrifuge ne débordent pas de l'esquisse préliminaire. Contrairement aux autres peintres abstraits, elle utilise toutes les techniques pour obtenir sur la toile l'effet désiré : lavis, impasto, projection, traits fins au pinceau, et probablement aussi les doigts. Le vert reste sa couleur préférée.

Pendant cette période parisienne, les titres des oeuvres sont définis a posteriori, seulement en cas de besoin et le plus souvent sans réelle signification. Certains confirment l'intérêt de l'artiste pour la poésie.

Un Untitled 250 x 204 cm peint en 1960 a été vendu pour $ 12M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014. Peint la même année, 12 Hawks at 3 O'Clock, 296 x 200 cm, dont le titre est une promotion pour la protection des rapaces dans une réserve naturelle américaine, a été vendue pour $ 14M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2018.

Noël, 205 x 200 cm peint en 1961 ou 1962, est estimé $ 9,5M à vendre par Phillips à New York le 2 juillet, lot 5. Garden Party, 165 x 130 cm peint à la même période, est estimé $ 4M à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin, lot 7.

21 juin 2020

Tournesols contre la Mélancolie

Henry Geldzahler meurt en 1994 d'un cancer du foie, à l'âge de 59 ans. David Hockney, qui a deux ans de moins, perd son plus efficace soutien en Amérique. Très choqué par cette disparition prématurée et inquiet pour la santé de sa propre mère, David réagit. En 1995 il peint une série de portraits de ses chiens qui n'ont aucune raison de suivre sa mélancolie.

Sa tristesse est profonde et ce premier remède n'est pas suffisant. Il cherche à prendre exemple sur ses prédécesseurs les plus illustres, en commençant par une exposition Monet à Chicago. Il fait un aller et retour à La Haye pour l'exposition Vermeer, dans laquelle il est subjugué par la transparence intacte des couches de couleurs.

Galvanisé par ces exemples, il réalise en 1996 une série de 25 peintures de fleurs. L'une des deux plus grandes montre 30 fleurs de tournesols réparties en cinq bouquets. Cette huile sur toile 183 x 183 cm a été vendue par Phillips de Pury le 12 mai 2011 pour $ 2,55M incluant premium, un très bon prix pour une oeuvre de Hockney à cette époque. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 9 juillet, lot 1118. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette peinture suit l'exemple de Monet en 1881 et de van Gogh en 1888 en réunissant plusieurs phases de la floraison, tandis qu'un tournesol fané sur la table à l'avant-plan rappelle Nature Morte à l'Espérance, la peinture tragique réalisée par Gauguin en 1901, deux ans avant sa mort.

Hockney a expliqué un jour le choix de ce thème : “I have always painted flowers for friends who were ill.” Sa capacité à la résilience s'est encore exprimée cette année pendant la crise sanitaire du Covid-19. Une peinture montrant des jonquilles dans un pré est intitulée "Do remember they can't cancel the spring".


20 juin 2020

L'Envol de la Shelby Mustang

En 1964, la vénérable Ford Motor Company fait une entrée fracassante dans le monde moderne. La nouveauté est la Ford Mustang, le "pony car" qui offre aux jeunes conducteurs américains la double utilisation en voiture de rue et en petite voiture sportive.

Les ambitions s'aiguisent. La Mustang de 1964 n'a pas été conçue pour la compétition, mais on sent bien qu'elle peut être modifiée. Ford retrouve une fois de plus Carroll Shelby et sa société Shelby American. Shelby avait mis son partenaire sur les circuits en installant un moteur Ford sur le chassis AC Cobra. En 1964 il avait re-conçu la Ford GT, future GT40, dont les premiers prototypes étaient inutilisables.

Ford laisse Shelby signer ses deux premiers modèles de Mustangs spéciales, la GT350R (Racing) et S (Street).

Le second prototype de la Shelby GT350R est dévoilé à la presse en janvier 1965. Cette voiture fait sa première sortie en compétition à Green Valley TX le mois suivant. Avec Ken Miles au volant, elle est photographiée avec les quatre roues à 30 cm au-dessus du sol, avant de gagner la course. Cet exploit lui vaut le surnom de Flying Mustang.

Revenue en usine, la Flying Mustang fait une belle carrière de mule d'essai pour le modèle GT350R. Elle sera vendue le 17 juillet par Mecum à Indianapolis, lot F140. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, incluant la première annonce de la vente par son président-fondateur Dana Mecum.



Tourbillon pour un Roi

Le régulateur à tourbillon, breveté par Breguet en 1801 après la réalisation d'un prototype, est une des plus importantes inventions de l'histoire des garde-temps. L'instrument, désormais protégé contre les variations de sa position et les fluctuations de la gravitation, peut être utilisé dans les voyages sans perte de précision.

Breguet développe après 1806 les applications de son tourbillon. La rotation en quatre minutes, remplaçant la rotation d'une minute, améliore la stabilité d'une façon décisive.

Les plus grands amateurs d'horlogerie sont informés de ce progrès. La France est en guerre contre l'Angleterre. Le roi George III utilise discrètement les services d'un intermédiaire nommé Recordon pour obtenir une de ces montres.

Breguet a retrouvé la référence de cette pièce dans ses archives. Vendue le 29 juin 1808 à Recordon pour le roi d'Angleterre, elle apparait comme le tout premier tourbillon à avoir été commercialisé. Elle inclut un thermomètre, qui est certainement une exigence spécifique du roi, et un échappement Robin que Breguet utilisait rarement. Pour pallier au risque d'interception par les douanes, la marque Breguet n'apparaît pas extérieurement et le cadran est signé par Recordon. Le paiement des 4800 francs a été terminé en 1813 par le Prince Régent.

Restée dans sa configuration d'origine, la montre Breguet de George III a été vendue pour £ 550K incluant premium par Sotheby's le 9 novembre 1999. Elle est estimée £ 700K à vendre par Sotheby's à Londres le 14 juillet, lot 28.

Une montre de la même période, avec un échappement Breguet et sans thermomètre, est sans doute la toute première à avoir incorporé le tourbillon à quatre minutes. Vendue pour 4600 francs le 12 février 1809 pour le comte Potocki, elle a été vendue pour CHF 820K incluant premium par Christie's le 12 mai 2014.

19 juin 2020

L'Expression des Ouragans

A la fin des années 1950 Zao Wou-Ki visite New York. Son marchand Samuel Kootz, qui représentait aussi Pierre Soulages, lui fait rencontrer les artistes de l'expressionnisme abstrait. Sa créativité est considérablement modifiée.

Auparavant il voulait représenter l'origine mystique du monde en complétant ses peintures par des traces pseudo-calligraphiques souvent centrifuges qui évoquent les plus anciens témoignages de la culture chinoise. Ce style est identifié comme la période des Oracle Bones.

Zao comprend intelligemment que les Oracle Bones ne pouvaient pas représenter un langage universel. Sa nouvelle série des Hurricanes offre une synthèse sans précédent de l'expressionnisme abstrait et de l'action painting, sur des toiles de grande dimension qui favorisent l'amplitude et la violence du geste.

La transition n'a pas été instantanée. 14.12.59, 130 x 162 cm, vendu pour HK$ 177M incluant premium par Christie's le 26 mai 2018 sur une estimation basse de HK$ 68M, est un des derniers chefs d'oeuvres de la série des Oracle Bones. Les exemples ci-dessous sont des Hurricanes.

Dans un format vertical, 3.4.60-1.2.69 évoque un tourbillon sans fin. Cette huile sur toile 195 x 130 cm a été vendue pour HK$ 71M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013 sur une estimation basse de HK$ 20M. Egalement verticale, 15.12.60 conserve des traces d'oracles. Cette huile sur toile 130 x 96 cm a été vendue pour HK$ 49M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2018 sur une estimation basse de HK$ 18M.

Le 8 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend deux Hurricanes, dans des formats horizontaux qui préfigurent les panoramas abstraits de la phase suivante, de 1963 à 1966. Avec une dominante bleu intense, 19.11.59, huile sur toile 114 x 146 cm, est estimée HK$ 60M, lot 1018. Avec les couleurs du feu, 20.03.60, huile sur toile 130 x 162 cm, est estimée HK$ 65M, lot 1017.

20.03.60 est illustré dans le tweet ci-dessous :

18 juin 2020

Les Cinq Premiers Eléments

Chu Teh-Chun arrive à Paris en 1955. Loin de renier son origine chinoise, il désire s'inspirer de la peinture occidentale pour moderniser l'art chinois. Il décide d'utiliser l'art abstrait.

La Révolution Culturelle avait brisé les liens entre la Chine et sa diaspora. La libéralisation rompt l'isolement culturel de Chu : il rencontre à Paris son ancien professeur Lin Fengmian en 1979 et son vieil ami Wu Guanzhong en 1982. En 1983 Chu Teh-Chun et Zao Wou-Ki font séparément un voyage en Chine. Zao rencontre Zhang Daqian.

La tendance est aux peintures monumentales, pouvant prendre la forme de polyptyques. Le triptyque 2,80 x 10 m peint en 1985 par Zao a été vendu pour HK$ 510M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2018.

Le 8 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1014 un pentaptyque 162 x 650 cm d'huiles sur toiles par Chu Teh-Chun. Il est daté 1983-1984, période de revigoration de la culture Chinoise de l'artiste. Ses oeuvres les plus importantes sont le résultat d'un développement qui peut durer plusieurs mois, voire plusieurs années. Il n'a pas l'impétuosité créatrice de Zao et aime travailler en écoutant l'Hymne à la joie de Beethoven.

Le titre, Les Eléments confédérés, explique cette division en cinq parties qui est unique dans l'art de Chu. Les cinq éléments qui constituent la nature dans la conception chinoise, bois, terre, eau, métal et feu, sont basiquement distincts, mais rien ne permet d'attribuer l'un d'entre eux à un panneau spécifique. Ils créent ensemble une harmonie indifférenciée, comme le yin et le yang dans un diptyque. Le vert et le bleu, couleurs traditionnelles des paysages dans l'art chinois, sont dominants.

Un des cinq éléments est facétieux : l'eau, qui peut se transformer en neige tombante et blanchir les paysages. En décembre 1985 le train dans lequel Chu traverse les Alpes Suisses est pris dans une tempête de neige. L'artiste traduira dans son art cette révélation de la complexité du monde, qui n'est pas limité à une simple confrontation des cinq éléments. Vertige neigeux, diptyque 2 x 4 m daté 1990-1999, a été vendu pour HK$ 92M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2016.

La Jungle Libérée de Wifredo Lam

Wifredo Lam vit en Espagne de 1923 à 1938. Il se sent proche de la révolte sociale de Goya et participe à la guerre d'Espagne. Entre la défaite des Républicains et la défaite de la France en juin 1940, il est à Paris où il s'approprie l'intense désir de liberté et de poésie des avant-gardes artistiques.  Picasso, qui n'aimait pourtant pas avoir des rivaux, approuve ouvertement le jeune artiste.

Il décide alors de rentrer dans son île natale, Cuba. Il fait escale à Fort-de-France où sa rencontre avec Aimé Césaire renforce son rejet du colonialisme et de l'esclavage.

Le Cubain athée aux ascendances Chinoises, Congolaises et Espagnoles peindra désormais la liberté du Tiers-Monde. Il met en scène son univers surréaliste personnel dans une jungle touffue qu'il peuple avec des dieux à la morphologie étrange. La Jungla, gouache 240 x 230 cm peinte en 1943, dissimule quatre êtres déshumanisés dans un dense réseau de cannes à sucre.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend Omi Obini, huile sur toile 183 x 125 cm peinte également en 1943, lot 1008 estimé $ 8M. Le titre désigne la déesse Yoruba de l'eau chargée de fertiliser la terre. La lisibilité n'est pas immédiate, marquant l'influence du cubisme analytique ou du futurisme.

Dans la jungle colorée, quelques zones plus pâles apparaissent, constituant une forme humanoïde éthérée. La tête est un croissant de lune et on ne saura pas si la figure du premier plan est un animal familier ou une chaise. Deux petits fruits ont chacun une paire d'yeux qui sont des menaces ou des reflets.

17 juin 2020

La Gloire Posthume de Sanyu

Les années 1950 sont très difficiles pour Sanyu. Revenu à Paris en 1950, il vit avec de petits travaux : peinture de meubles, charpenterie, promotion du ping pong. Il ne perd pas de vue qu'il est avant tout un artiste. Il n'a plus de client mais il sent en lui une nouvelle maturité. L'érotisme succède à l'innocence. Il est très isolé et ses oeuvres de cette période sont généralement impossibles à dater avec précision.

Sanyu meurt d'une intoxication au gaz en août 1966. Il n'a pas d'héritier et son atelier est dispersé le mois suivant aux enchères à l'Hôtel Drouot. Fort heureusement, un habitué de cette salle des ventes nommé Yves Bideau a le bon coup d'oeil : il achète plusieurs lots importants. Cet évènement marque le début de la renommée posthume de cet artiste qui a introduit la sensibilité chinoise dans l'art occidental.

Bideau a acheté notamment Léopard rose, Cinq nus et l'ultime Nu daté 4.1965. Les résultats récents incluant premium enregistrés sur ces oeuvres ont été respectivement HK$ 49M par Sotheby's le 31 mars 2018, HK$ 304M par Christie's le 23 novembre 2019 et HK$ 198M par Sotheby's le 5 octobre 2019.

Le 8 juillet à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1024 Quatre Nus, huile sur isorel 100 x 122 cm achetée à l'origine par Bideau à la même vente.

Les quatre femmes sont allongées côte à côte sur un fond vert émeraude qui évoque une sieste tranquille sur l'herbe par une chaude journée d'été. Deux d'entre elles bavardent, rompant avec l'habituelle inactivité des femmes de Sanyu.

Par comparaison avec les femmes debout des Cinq Nus évoqué ci-dessus, la couleur de la peau est chaude. La même volonté de montrer la diversité des couleurs de cheveux des femmes d'Europe indique que ces deux oeuvres ont été conçues pour une même série. Les yeux sont maladroits : Sanyu ne pouvait pas expliquer de façon convaincante pourquoi tant de ses femmes n'ont qu'un oeil. Ces deux oeuvres sont à rapprocher de la tendance au dévergondage du cinéma dans les années 1950.

Pendule au Rhinocéros par Saint-Germain

VENTE PASSEE

L'atelier Saint-Germain, à Paris, est une affaire familiale. Le père, Joseph de Saint-Germain, est nommé maître ébéniste en 1750. Le fils, Jean-Joseph de Saint-Germain, devient maître fondeur et ciseleur en 1748 à l'âge de 29 ans.

Jean-Joseph suit la mode du règne de Louis XV pour le luxe et le rococo. Il se spécialise dans les bronzes figuratifs qui équipent des pendules dont son père réalise les socles. Les thèmes sont souvent exotiques : rhinocéros, lion, éléphant, indien.

Le rhinocéros est à cette époque un animal un peu mystérieux. Avant 1747 Saint-Germain prend pour modèle l'image de Dürer. Une jeune femelle nommée Clara prélevée en Inde en 1741 fait un tour d'Europe triomphal qui durera jusqu'en 1758. Saint-Germain prend comme second modèle pour ses rhinocéros une porcelaine de Meissen faite lors du passage de Clara à Dresde.

Clara passe cinq mois à Paris en 1749 après avoir été reçue à Versailles par le roi lui-même. Les artistes, dont Oudry, font son portrait. La troisième série de rhinocéros par Saint-Germain est basée sur ces observations directes. Dans un souci de réalisme, l'animal est montré barrissant, la tête levée.

Le 16 juin 2020, Sotheby's a vendu pour €490K incluant premium sur une estimation basse de € 150K une pendule au rhinocéros du troisième type signée par Saint-Germain, lot 10.

Le rhinocéros en bronze patiné porte l'horloge qui est surmontée d'une figure de jeune indien en bronze doré. L'animal est monté sur une terrasse de style rocaille en bronze doré posée sur un socle qui contient un carillon activé par la pendule. Les mécanismes sont signés par Gille l'Ainé, reçu maître horloger en 1746. La hauteur totale est de 83 cm.

Voici deux résultats pour des pendules de construction très similaire attribuées à Saint-Germain avec une version antérieure du rhinocéros : £ 230K incluant premium par Christie's le 6 juillet 2006, lot 151 ; £ 300K incluant premium par Sotheby's le 3 juillet 2019, lot 16.

16 juin 2020

Le Printemps du Yunnan

Le Yunnan est une des provinces les plus reculées de la Chine. En 1905 la population totale est seulement d'environ 85 000 habitants. Le développement de cette région montagneuse est indispensable. Une usine de production de monnaie est installée à Kunming, la capitale régionale. De 1908 jusqu'à la chute des Qing en 1912 elle émet des dollars d'argent identifiant le nom de l'empereur.

La région est limitrophe du Tonkin. La ligne de chemin de fer reliant Haiphong à Kunming est un projet entièrement français avec l'autorisation du gouvernement chinois. Le rail atteint Kunming le 1er avril 1910 après sept ans de travaux dans des conditions extrêmement dangereuses.

Une pièce d'argent de 1 dollar fait surface en 1920. Ses caractéristiques sont inhabituelles. Une inscription en quatre caractères chinois au revers indique qu'elle a été faite au printemps d'une année correspondant à 1910, définie dans le cycle calendaire de 60 ans et pas par l'année du règne. C'est le seul cas connu d'une monnaie chinoise nommant une saison. Une inscription anglaise du côté du dragon rappelle la valeur chinoise de 7 mace et 2 candareens et la production dans la province de Yun-Nan.

Cette pièce était considérée comme unique, après que trois séries de contrefaçons aient été identifiées. Gradée AU55 par NGC, elle a été vendue pour US $ 1,06M incluant premium par Champion Hong Kong le 22 août 2010.

Quelques mois plus tard, un autre exemplaire a été authentifié. NGC et Champion ont attesté qu'elle avait été frappée avec les mêmes matrices. Gradée AU58 par NGC elle a été vendue pour $ 550K incluant premium par Heritage le 8 septembre 2011. Elle revient dans la même maison de ventes à Hong Kong le 11 juillet, lot 30141.

Les deux exemples ci-dessus sont certifiés Almost Uncirculated par NGC. Cette variété a ainsi les caractéristiques d'un pattern coin qui n'a pas été suivi d'une production. Champion soutient l'hypothèse très plausible d'un projet de pièce de présentation pour célébrer l'achèvement de la liaison ferroviaire.

Le nouveau catalogue de Heritage annonce une population totale de trois pièces certifiées par NGC et indique que la pièce qui revient en vente est la plus belle.

La Menace de l'Homme Bleu

En 1981 Jean-Michel Basquiat bénéficie de nouvelles conditions de travail qui le mènent immédiatement à la notoriété. Il s'amuse, et nous amuse, avec des thèmes inspirés de la rue.

Jean-Michel est un grand artiste parce qu'il maîtrise parfaitement la composition et la couleur et parce que sa connaissance de l'histoire de l'art le guide dans une direction féconde : l'important pour une figuration humaine, c'est la tête, qui révèle le psychisme et apporte les menaces.

1982 est l'année des têtes, avec tous leurs excès expressifs et jusqu'à leur décomposition. Peinte en janvier, une tête noire monumentale flottant dans l'espace, 183 x 173 cm, a été vendue pour $ 110M incluant premium par Christie's le 18 mai 2017. Peinte en mars, une composition panoramique 239 x 500 cm centrée sur la tête d'un diable noir a été vendue pour $ 57M incluant premium par Christie's le 10 mai 2016.

Il est un infatigable créateur. Au côté de ses peintures sur toile, il fait beaucoup de peintures sur papier, qui ne sont pas à proprement parler des esquisses mais plutôt un moyen de tester différents effets. Ce corpus inclut une série de 15 têtes de fous.

Un des plus grands, oilstick sur papier 109 x 78 cm peint en cinq couleurs en 1982, a été vendu pour $ 12M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013 sur une estimation basse de $ 7M et pour £ 6,2M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2016. On notera que le fou de Basquiat est de race blanche.

La Tête 76 x 56 cm à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin ne fait pas partie de la série des fous mais est de la même année que l'exemple ci-dessus, 1982. Ici l'artiste ne prend aucune position raciale : la peau est bleu vif. Il a utilisé sur papier la gamme de techniques de ses peintures sur toile, oilstick, encre et acrylique. Cette oeuvre à mi-chemin entre le dessin et l'oeuvre achevée est estimée $ 9M, lot 103.

15 juin 2020

Les Têtes Pahouines

Pour répondre au besoin de communiquer avec les morts, les sculpteurs du sous-groupe ethnique Fang-Betsi du Gabon ont produit des chefs d'oeuvres. Deux types de figures ont coexisté. Les statuettes en pied avaient un rôle rituel, tandis que les têtes, plus rares, servaient à une dévotion familiale.

Les têtes ont cette caractéristique remarquable d'apporter une individualisation des détails sur une forme générale qui est invariante : le front est large et bombé, les lèvres sont serrées, le menton est minimisé, le cou est un cylindre. Les artistes ont créé un superbe polissage sur des courbes géométriquement parfaites.

Au début du XXème siècle, quand plusieurs de ces têtes Fang, dites Pahouines à cette époque, ont pu être décrites et exposées ensemble, c'est bien l'observation simultanée de leurs similitudes et de leurs différences qui a bouleversé pour toujours l'art moderne européen.

Pour la famille qui conservait la tête, le défunt était identifiable à la fois par les traits du visage et par un attribut. Il est néanmoins impossible pour un observateur moderne de statuer si une tête est masculine ou féminine, malgré la diversité des coiffures.

Une tête Fang-Betsi de 23 cm de haut a été vendue pour $ 3,64M incluant premium par Sotheby's le 11 novembre 2014 sur une estimation basse de $ 600K. Le nez est inhabituellement gros et les yeux sont rapprochés. L'attribut spécifique est un bâton qui traverse les narines.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend une tête Fang-Betsi de 28 cm de haut, lot 116 estimé $ 2,5M. Les grands yeux apportent une expression hypnotisante. L'attribut spécifique est une paire d'ailes posées sur les oreilles et qui débordent largement derrière la nuque.

14 juin 2020

Une Fenêtre sur la Californie

Richard Diebenkorn passe sa jeunesse à San Francisco. Il termine ses études à la California School of Fine Arts où il est l'élève de Clyfford Still. Pendant toute sa carrière, il voudra s'inspirer de l'expressionnisme abstrait tout en transmettant son admiration pour les paysages de la côte ouest,  dont il exprime avec une grande subtilité les nuances de couleurs.

Peinte en 1955, Berkeley #32 est une oeuvre paysagiste, avec une succession de champs et de bois qui mènent à la mer. Cette huile sur toile 150 x 145 cm a été vendue pour $ 10M incluant premium par Christie's le 15 mai 2019 sur une estimation basse de $ 6M.

Diebenkorn trouve dans les paysages peints par Matisse la solution de sa recherche. La vue au travers d'une fenêtre apporte une illusion de proximité. L'effet de distance n'est pas nécessaire, permettant de minimiser les détails topographiques. Peint en 1959, Ocean through the window a été vendu pour $ 4M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 1998.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend View from a Porch, huile sut toile 177 x 168 cm également peinte en 1959, lot 113 estimé $ 9M. La véranda masque partiellement l'avant-plan du paysage et son poteau central apporte une symétrie qui banalise le reste de l'image.

De 1967 à 1985 à Santa Monica, Diebenkorn peint sa série de 140 opus intitulée Ocean Park. La Californie n'est plus exprimée que par ses couleurs et le paysage est remplacé par un assemblage de triangles et de quadrilatères, mais une partie de la fenêtre reste souvent visible.

Par exemple, sur Ocean Park #20, le montant vertical central sépare de façon surréaliste le bleu clair du ciel et le bleu plus profond de la mer. Cette huile sur toile 236 x 203 cm peinte en 1969 a été vendue pour $ 10,2M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2014.

L'Orage Intérieur de Clyfford Still

En 1944 Clyfford Still peint un éclair rouge sur fond noir. Cette huile sur toile 268 x 235 cm est sans antécédent dans l'histoire de l'art. Comme un éclair d'orage dans une nuit profonde, la balafre occupe une surface limitée et exclut la ligne droite. Cet orage est pourtant imaginaire : l'éclair est composé de couleurs vives, posées au couteau avec des variations d'épaisseur qui apportent des effets de lumière.

Cette image semble spontanée, mais elle résulte en fait d'une composition rigoureuse. Elle a été précédée d'une étude à l'huile sur papier et suivie d'une autre huile sur toile quasiment identique, 264 x 220 cm.

En 1946 Still devient professeur à la California School of Fine Arts. Il donne l'exemple par ses représentations picturales de l'énergie, totalement non figuratives. Les éclairs disparaissent, remplacées par des formes aux bords déchiquetés, toujours créées au couteau.

L'huile sur toile 174 x 150 cm identifiée sous les références PH-144 et 1947-Y-NO.1 dans la double nomenclature des oeuvres de l'artiste montre l'envahissement d'une zone claire par des figures bicolores noir et rouge sang. L'artiste préparait lui-même ses pigments, et la partie claire est composée de plusieurs nuances de blanc équilibrées par une éclaboussure jaune.

Still renouvelle ici son exploit de créer une oeuvre quasiment identique, malgré la complexité complètement non-figurative des formes. Elle est référencée PH-584 et 1947-Y-NO.2.

Still, Rothko et Pollock tentaient avec des techniques complètement différentes d'exprimer leur implosion intérieure, ce qui explique aussi leurs tempéraments irascibles. A l'époque leur entente était bonne. Pendant l'été 1949 Mark Rothko vient enseigner au côté de Still, qui lui prête 1947-Y-NO.1 pour décorer son logement à San Francisco puis à New York.

1947-Y-NO.1 est estimé $ 25M à vendre par Sotheby's à New York le 29 juin, lot 109. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. 1947-Y-NO.2 a été vendu pour $ 31,4M incluant premium par Sotheby's le 9 novembre 2011.

13 juin 2020

Eternelle Modernité d'Eschyle

Francis Bacon a longtemps cherché sa voie pour illustrer les faiblesses humaines et la souffrance. L'influence majeure de son art est l'Orestie d'Eschyle. Quand il découvre cette trilogie, il cesse de détruire ses propres productions. Ce n'est certainement pas un hasard si son oeuvre séminale, réalisée en 1944 à l'âge de 35 ans, est un triptyque.

Cette peinture est intitulée Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion. Par défi envers le christianisme, il ne montre pas la Passion mais des images des Furies qui poursuivent éternellement de leur vengeance le coupable Oreste.

En 1962 Bacon conçoit un nouveau format pour ses oeuvres achevées : le triptyque d'huiles sur toile de dimension 198 x 148 cm pour chaque élément. Il en réalisera 28. Eschyle continue à le hanter. Un triptyque peint en 1976 montrant sur le panneau central Prométhée dévoré par l'aigle en présence des Furies a été vendu pour $ 86M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008.

Le 29 juin à New York, Sotheby's vend Triptych inspired by the Oresteia of Aeschylus, peint en 1981, lot 105 estimé $ 60M. Je vous invite à regarder la vidéo First Look partagée par la maison de ventes.

Contrairement au Prométhée de l'exemple ci-dessus, l'artiste évite tout aspect narratif dans son Oresteia pour mieux se concentrer sur les sensations. La figure principale de chacun des trois éléments est constituée de fragments de nudités contorsionnées. Homosexuel, sado-masochiste et athée, Francis Bacon clame sa différence en prenant Eschyle comme référence d'interprétation des passions humaines et de l'impossibilité d'échapper aux Furies du destin.


Le Théâtre Rouge

Liu Ye finit ses études à Berlin en 1994. Inspiré par le surréalisme, il crée son monde dans lequel les enfants jouent sans rire le rôle des adultes. Son père était auteur de livres d'enfants et dramaturge. Le lourd rideau montre qu'on est au théâtre, un endroit où la fantaisie a remplacé la réalité. Les enfants sont parfois ailés.

Les couleurs sont des symboles : rouge pour le soleil et pour le drapeau chinois, bleu pour l'océan et le ciel. La lumière apportée par un éclairage de scène délimite une zone circulaire principale au centre de l'image.

Sur une oeuvre datée 1997-1998, un enfant marin écarte le rideau, dévoilant derrière la scène un immense bateau de guerre. A l'avant-plan à gauche, un garçon et une fille également habillés en marins ignorent la menace, le visage caché dans un livre ouvert. Cette huile sur toile 170 x 200 cm a été vendue pour HK$ 13M incluant premium par Sotheby's le 4 octobre 2008.

Le 8 juillet à Hong Kong, Phillips vend Choir of Angels, huile sur toile 170 x 200 cm peinte en 1999, lot 7 estimé HK$ 20M.

Onze filles ailées forment un choeur, sur deux rangs comme pour la photo d'une équipe de football. Elles sont toutes identiques, sans individualisation, et chantent à l'unisson avec la même position de la bouche. Elles tiennent la partition, sauf la fille à gauche au premier rang qui joue de l'accordéon : peut-être est-elle le chef. Derrière elles le rideau rouge est fermé. On ne saura pas pour quel public est cette représentation, ni ce que cache le rideau.

L'artiste a réutilisé le même groupe l'année suivante, devant un rideau bleu et sans éclairage de scène. Une petite peinture à l'acrylique, 38 x 45 cm, a été vendue pour HK$ 11,3M incluant premium par Christie's le 24 novembre 2019. Cette image plus paisible a été imprimée en 100 exemplaires en 2001.

12 juin 2020

La Femme en Bleu par Léger

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L'art a besoin d'un renouveau qui soit compatible avec les progrès techniques. Chacun des peintres de cette avant-garde imagine des solutions différentes, mais ils ont besoin de se regrouper dans les expositions pour rencontrer et séduire le public. Ainsi le cubisme est un mouvement disparate, farouchement opposé à l'impressionnisme.

Fernand Léger est un rebelle. En 1910 il veut pousser plus loin que Cézanne la construction d'une composition sur des éléments géométriques. Les critiques narquois le qualifient de tubiste. Il faut qu'il trouve autre chose. Il ne veut pas du futurisme, parce que l'expression d'un mouvement ne répond pas à son désir d'une peinture pure.

Le cubisme analytique de Picasso et Braque réduit la lisibilité de la figuration pour tenter de promouvoir une émotion. De 1911 à 1913, Léger prépare trois oeuvres majeures inspirées par ce style : les Fumeurs, la Femme en bleu, le Modèle nu dans l'atelier.

La Femme en bleu est une suite de trois huiles sur toile. La première, 131 x 99 cm, datée 1912, est intitulée Esquisse pour La Femme en bleu. Selon les principes du cubisme analytique, les éléments constituant une femme assise sont reconnaissables. La nouveauté par rapport à ce style est la grande surface bleu vif du vêtement. La Femme en bleu proprement dite, datée de la même année, est un agrandissement à 193 x 130 cm avec une perte significative de la lisibilité.

En 1913 Kandinsky, Kupka et Mondrian dépassent aussi les frontières de la figuration, chacun avec des motivations différentes. Léger est le premier cubiste à tenter une abstraction totale basée sur le rythme des couleurs, avec ses Contrastes de formes. Une huile sur toile de jute de cette série a été vendue pour $ 70M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2017.

Il retravaille sa Femme en bleu dans ces circonstances. Le troisième opus également intitulé Esquisse pour la femme en bleu n'est pas daté 1913 mais 12-13 pour marquer la date de la conception initiale. Les traits du visage et le verre à dents à côté de l'évier, proches de la première Esquisse, anticipent le retour définitif de Léger à la figuration. Cette ultime version, 130 x 97 cm, a été vendue pour $ 39M incluant premium par Sotheby's le 7 mai 2008, lot 16.

Les Sculptures Pendues de Ruth Asawa

Ruth Asawa nait en Californie dans une famille d'émigrés japonais. La vie est difficile. Le père est maraîcher et l'enfant, déja attirée par la création artistique, observe les formes oblongues des légumes. L'entrée en guerre du Japon génère des persécutions.

La jeune femme développe une technique nouvelle, inspirée par le minimalisme d'Albers et par les paniers d'osier. Elle apporte la troisième dimension en remplaçant le crayon par un fil métallique qu'elle crochète en une multitude de boucles.

Les sculptures d'Asawa sont des alignements de structures oblongues.qui pendent au plafond. Chaque élément peut contenir une ou deux formes intérieures successives sans perdre leur transparence. Ils sont reliés entre eux par des rétrécissements qui peuvent être limités à un fil linéaire unique.

Le 1er juillet à New York, Bonhams vend l'oeuvre enregistrée sous la référence S.408 par le Ruth Asawa Estate. Réalisée vers 1954, elle aligne cinq lobes en deux groupes reliés par une chaîne, pour une hauteur totale de 127 cm. Le lobe supérieur de chaque groupe intègre une autre forme oblongue. Elle est estimée $ 1M, lot 9.

S.387, réalisée vers 1955, assemble trois lobes en un seul groupe. Chaque lobe intègre deux petits éléments en forme de poire positionnés l'un dans l'autre. Cette oeuvre de 84 cm de hauteur totale a été vendue par Christie's le 14 novembre 2019 pour $ 4,1M incluant premium sur une estimation basse de $ 700K.

Dans la phase suivante, les formes élémentaires sont imbriquées. S.437, réalisée en 1956, 260 cm de haut, a été vendue par LAMA (Los Angeles Modern Auctions) pour $ 1,43M incluant premium le 23 février 2014, record à cette époque pour une oeuvre d'Asawa aux enchères.

11 juin 2020

Beautés du Bain

François-Xavier Lalanne joint la forme animale à la fonctionnalité du meuble. Pour les toilettes, il choisit La Mouche. Il conçoit en 1968 pour Marcel Duchamp une baignoire intégrée dans un hippopotame grandeur nature en résine bleue, en commentant que le cheval de fleuve est mieux approprié qu'un zèbre pour cette application.

La baignoire de Duchamp est un échec opérationnel. Elle est trop grande pour être installée dans la salle de bains, et Teeny, la veuve de Marcel, la laisse dans son salon. En 1969, Lalanne réalise une  baignoire-hippopotame en laiton et cuivre. Cette pièce unique 128 x 84 x 290 cm a été vendue pour $ 4,3M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2019.

Le sculpteur suisse Edouard-Marcel Sandoz avait aussi choisi comme thème principal les animaux dans une ambiance sympathique et heureuse. Son petit-fils fait connaissance de la fille des Lalanne, qui participe alors à l'ambiance festive soixante-huitarde du "Grand Magic Circus et ses animaux tristes". Vingt ans plus tard il demande à François-Xavier de réaliser une famille d'hippopotames pour sa salle de bain.

Il faut une baignoire, un bidet et une toilette. François-Xavier objecte sur les deux petits équipements parce que les hippopotames n'ont pas de jumeaux, mais il finit par accepter. L'ensemble de ces trois pièces réalisées en 1992 est vendu en un seul lot par Sotheby's à Paris le 25 juin, lot 115 estimé € 2M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette fois-ci l'ensemble est utilisable. Les bêtes sont en bronze patiné, cuivre et métal doré, avec des éléments amovibles. Voici les dimensions : 122 x 75 x 245 cm pour la maman baignoire et 61 x 40 x 123 cm pour chacun des deux bébés.



10 juin 2020

Tête Sculptée de Dora Maar

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Au début de 1941 Picasso transfère à son atelier de la rue des Grands Augustins sa série de bustes de Marie-Thérèse réalisée dix ans plus tôt à Boisgeloup. Il réalise la même année une tête en plâtre de Dora Maar de 80 cm de haut. Cette oeuvre dominatrice, plus grande que nature, est dans un style idéalisé qui est en opposition totale avec les portraits dramatiques ou allégoriques de Dora qu'il peint à la même période.

Ce plâtre est édité en bronze en deux exemplaires par Susse en 1958 plus deux exemplaires par Valsuani à une date non documentée.

Picasso avait une dette d'honneur envers Guillaume Apollinaire, mort en 1918. Il avait reçu une commande pour le monument funéraire de son ami au Père Lachaise mais aucun de ses projets n'avait été accepté. Au milieu des années 1950 il offre de fournir la statue de Dora comme symbole de la femme idéale pour un monument à Apollinaire dans le square de l'église de Saint-Germain des Prés.

Un des bronzes de Valsuani est installé dans le square en 1959. L'autre est conservé par l'artiste, ce qui laisse supposer que l'édition par Valsuani a été effectuée spécialement pour le projet Apollinaire.

L'exemplaire qui avait été conservé par Picasso a été vendu pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2007 sur une estimation basse de $ 20M, lot 22.

Les Illustrateurs de New Rochelle

New Rochelle, dans la banlieue nord de New York, développe une intense activité culturelle. Une société de production cinématographique y est créée dès 1909. Plusieurs illustrateurs et affichistes y ont leur atelier. Leyendecker, qui est alors le plus prolifique fournisseur de dessins de couverture pour le Saturday Evening Post, y installe son atelier en 1914.

Norman Rockwell rejoint cette confrérie informelle en 1915. Agé de 21 ans, il est déjà l'éditeur artistique du magazine des Boy Scouts of America. En 1916 le Post publie pour la première fois une de ses images en couverture, en impression duotone. Le thème, Boy with Baby Carriage, est familial.

Le thème des occupations innocentes dans le respect des valeurs familiales convient aux lecteurs. Désormais publié souvent par le Post, Rockwell travaille aussi pour plusieurs autres magazines.

Le 1er juillet à Dallas, Heritage vend Mother Tucking Children into Bed, également intitulée Mother's Little Angels, publiée le 29 janvier 1921 en couverture du Literary Digest. Restée jusqu'à ce jour dans la famille de l'éditeur, cette huile sur toile 72 x 62 cm est estimée $ 1,8M, lot 68161.

L'artiste a habilement associé tradition et modernisme. L'image circulaire est inscrite dans un carré qui simule un patchwork quilt. La scène est éclairée par une lumière électrique, qui rappelle que Rockwell fournit à la même époque des images publicitaires pour Edison Mazda Lightworks.

Pour la jeune mère attendrie et attentionnée qui se penche sur les deux chérubins endormis, Rockwell a pris comme modèle sa propre femme, Irene. La réalité familiale s'arrête là : Norman et Irene n'ont pas réussi à avoir des enfants et divorceront en 1930.

La couverture du Literary Digest est multicolore. Le Post, qui assure la gloire de Rockwell, aura sa première couverture en pleines couleurs en 1926.

9 juin 2020

Soulages prêt pour l'Amérique

1957 est une année clé dans la carrière de Pierre Soulages. Les Américains n'aiment pas la narration  intellectuelle qui prévaut dans l'art français, et les monochromes d'Yves Klein ne sont pas encore sortis d'Europe. Ils aiment la simplicité apparente de Soulages.

A New York la Kootz Gallery organise sa quatrième exposition solo de peintures de Soulages. Le MoMA, le musée Guggenheim et Nelson Rockefeller s'intéressent à son travail.  En novembre il fait son premier voyage aux Etats-Unis où il est impressionné par les gratte-ciel et rencontre Motherwell et Rothko. A Paris il s'installe dans un nouvel atelier, plus grand, plus propice au développement de son art.

Le 24 juin à Paris, Sotheby's vend Peinture 130 x 162 cm, 14 avril 1957, lot 7 estimé € 3M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette huile sur toile peinte avant son voyage est cependant déjà sous l'influence de l'expressionnisme abstrait, qu'elle rejoint par l'absence de narration et de perspective mais dont elle se démarque par son harmonie tranquille.

Vue de loin, cette oeuvre structurée en trois registres légèrement montants pourrait être une imitation de l'occupation gestuelle de l'espace par Franz Kline. Il n'en est rien. Les éléments bleus et noirs alignés sur les trois barres ne sont pas de violents coups de brosses mais des empilages soigneux incluant des transparences raffinées. La composition est très aérée, apportant une illusion de musicalité.

Le Drapeau flotte sur Baltimore

La guerre anglo-américaine dure depuis 1812. A l'aube du 13 septembre 1814, la British Navy commence un bombardement massif du Fort McHenry à Baltimore, occupé par 1000 soldats américains.

Francis Scott Key est un avocat américain. Il s'est rendu dans le camp ennemi avec un drapeau blanc pour négocier la libération d'un prisonnier. Les Britanniques le retiennent pendant l'attaque pour des raisons de sécurité militaire. Il assiste toute la nuit aux lâchers de bombes. A l'aube du 14 septembre, Key est émerveillé : le drapeau américain flotte encore sur McHenry. Les Américains ont gagné la bataille.

Key est un poète occasionnel. Il a déjà chanté le drapeau en 1805 pour célébrer les victoires de Decatur dans la guerre de Tripoli, avec l'air très entraînant d'une chanson à boire anglaise, Anacreon in Heaven. Pour célébrer le nouvel épisode glorieux, il compose sur le même air une chanson intitulée Defence of Fort M'Henry.

Le Baltimore Patriot and Evening Advertiser reprend le 20 septembre sa publication interrompue 10 jours plus tôt à cause de la guerre. Cette feuille 50 x 31 cm imprimée recto-verso avec cinq colonnes par page fournit les informations sur le bombardement ainsi que les annonces habituelles concernant les esclaves en fuite. Le poème de Key figure avec une introduction sur la colonne de gauche du verso.

Trois exemplaires de cette édition ont survécu. L'une d'elles, qui était en doublon dans la collection de l'American Antiquarian Society, sera vendue par Christie's en ligne le 18 juin, lot 103 estimé $ 300K. Je vous invite à regardée la vidéo préparée par la maison de ventes.

Defence of Fort M'Henry est un très bon exemple d'un poème patriotique capable par son texte et son air d'enthousiasmer les foules. Avec le titre moins circonstanciel de Star Spangled Banner, il deviendra en 1931 l'hymne national américain.

8 juin 2020

Portrait de Murat par Canova

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Pendant la campagne d'Italie, Joachim Murat est aide de camp du général Bonaparte. En 1797 il rend visite à Antonio Canova dans son atelier à Rome. Le jeune officier est ébloui par le travail du sculpteur dans le goût de l'antiquité. Il lui achète en 1801 deux groupes en marbre sur le thème de Cupidon et Psyché.

Joachim est un dandy qui s'imagine tout à fait dans le rôle de Cupidon. En 1797 il séduit la plus jeune soeur de Napoléon, Caroline, qui n'a que quinze ans. Ses exploits militaires sont utiles pour Napoléon, et il peut enfin épouser Caroline en 1800. Canova devient le portraitiste de la famille Bonaparte. La statue de Pauline Borghese, autre soeur de Napoléon, en Venus Victrix à moitié nue, terminé en 1808, est célèbre.

A l'apogée de son art, Canova commence sa série des Têtes Idéales en 1811. Murat devient roi de Naples en 1808. En 1813 il fait venir Canova à Naples pour faire son portrait et celui de Caroline. Les deux plâtres sont conservés au musée de Possagno, la ville natale de Canova. L'artiste revient à Rome pour réaliser les marbres.

Aucun des deux marbres n'avait été vu. Le portrait du roi Joachim avait été conservé par la famille Murat. Ce buste de 50 cm de haut en marbre de Carrare, entièrement conforme au plâtre, est monté sur un piédouche en marbre de 16 cm de haut. Il a été vendu pour € 4,3M incluant premium par Christie's le 28 novembre 2017, lot 714. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Ce portrait est d'un réalisme convaincant. Le visage est orgueilleux, presque vaniteux. Les cheveux luxuriants ont été ciselés avec la plus grande finesse. Canova a utilisé sa formule secrète de polissage pour donner à la peau une texture souple.

Le portrait en marbre de la reine Caroline n'a pas refait surface.



7 juin 2020

Une Montre Astronomique par Dent

La navigation est dangereuse si la position du bateau n'est pas connue avec précision. Les marins se repèrent à la position des étoiles. Le Board of Longitude, créé en 1714 par le Parlement Britannique, invite à la recherche de solutions horlogères. John Harrison est le premier à réaliser des chronomètres de marine avec la précision exigée.

La maison Dent est créée à Londres en 1814. Elle se spécialise dans les instruments de haute précision pour l'Amirauté et les observatoires, et contribue à la définition de la référence absolue du temps, le Greenwich Mean Time. Dent a également été le constructeur de Big Ben, la plus célèbre horloge du monde.

Le 16 juin à Genève, Sotheby's vend une montre ultra-compliquée faite par Dent en 1904, lot 34 estimé CHF 300K. Cette pièce de 8 cm de diamètre avec grande et petite sonneries inclut pas moins de 19 complications dont la lecture est répartie sur deux cadrans. La précision est de moins d'une heure sur 80 ans. Elle est en très bon état.

Le premier cadran affiche l'heure ainsi que le calendrier perpétuel incluant le cycle des années bissextiles. Le cadran astronomique inclut l'équation du temps et le signe du zodiaque indiqués par des aiguilles, plus quatre sous-cadrans pour le lever et le coucher du soleil et de la lune. Un guichet est affecté aux phases de la lune incluant son passage au méridien et l'apparition de la Grande Ourse, et deux autres ouvertures listent les planètes visibles le matin et le soir.

Cette montre est signée par Dent qui a agi en tant que maître d'oeuvre pour un client qui n'a pas été identifié. Les principaux sous-traitants sont connus.

Les mécanismes à roues dentées ont été réalisés par Léon Aubert au Brassus. Aubert concevait les mécanismes pour les calendriers perpétuels et l'horlogerie astronomique et était également fournisseur de Piguet et Patek Philippe. Capt, qui était aussi dans la vallée de Joux, a intégré les complications. Le cadran avec le calendrier a été fait à Londres par Willis.

Le tweet ci-dessous montre les deux cadrans de cette montre.

6 juin 2020

La Partie de Tennis par van Rysselberghe

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En 1886 à Paris, Théo van Rysselberghe visite la huitième exposition impressionniste. Il est vivement intéressé par les nouveaux effets démontrés par Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte et rencontre Seurat et Signac.

Van Rysselberghe était également inspiré par des séjours fréquents au Maroc. Il voit comme Signac la possibilité d'utiliser la technique divisionniste pour accentuer l'impression de lumière. Ses points seront larges, avec une prééminence de la lumière par rapport aux détails de la ligne.

Le 4 juin 2020 à Paris, Christie's a vendu pour € 5,2M sur une estimation basse de € 2M une huile sur toile 54 x 67 cm peinte en 1889, lot 344, intitulée A Thuin ou La Partie de Tennis.

Cette scène a pour thème une partie de raquettes dans un parc. Le terrain de jeu est délimité par de grands arbres. Les deux femmes ont des robes longues pour cette occupation qui n'est pas un sport mais un divertissement. Le flou pointilliste laisse d'ailleurs un doute sur la nature de ce jeu, vraisemblablement une partie de volant. Une petite fille regarde, avec un recul prudent par rapport à l'action.

La famille de Marie Monnom, qui devint la même année l'épouse de Théo, louait une maison de campagne à Thuin, près de Charleroi. Marie est probablement une des deux femmes de cette image.

Les couleurs sont irréelles, pour mieux accentuer les contrastes de lumière. Une influence des estampes japonaises est probable. Van Rysselberghe avait réussi en 1887 à capter la confiance de Toulouse-Lautrec qui fut le premier propriétaire de cette peinture.

La progression de l'art pointilliste de van Rysselberghe vers les lumières intenses chères à Signac ne s'arrête pas là. L'Escaut en amont d'Anvers le soir, huile sur toile 67 x 90 cm peinte in 1892, a été vendue pour £ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2017. Peinte la même année, une huile sur toile 60 x 70 cm montrant les Tartanes dans le port de Cette a été vendue pour $ 7,2M incluant premium le 14 novembre 2017, également par Sotheby's.

5 juin 2020

Violon et Guitare par Juan Gris

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Juan Gris est proche des artistes qui développent le cubisme : Braque, Léger, Metzinger. Il gagne d'abord sa vie avec des dessins satiriques pour les magazines. Il commence en 1911 à réaliser des peintures à l'huile. Kahnweiler signe en 1913 un contrat par lequel il achète toute l'oeuvre présente et future de ce jeune artiste, comme il avait fait précédemment avec Braque, Picasso et Léger.

Juan peut désormais se consacrer à son art avec un esprit plus libre. Il séjourne à Céret d'août à novembre 1913, sans franchir la frontière parce qu'il n'a pas fait son service militaire et est considéré comme un déserteur dans son pays d'origine.

Le choix de ce village n'est pas anodin : Picasso y a conçu le cubisme avec Braque en 1911 et y séjourne pour la troisième année consécutive. Juan déclare être un disciple de Pablo et tente de clamer à qui veut l'entendre tous les secrets du cubisme. Très agacé, Picasso évite ce jeune homme trop enthousiaste.

Pourtant Juan est aussi un innovateur. Ses oeuvres peintes à Céret offrent la transition entre le cubisme analytique, défini comme un aplatissement des formes, et le cubisme synthétique, par lequel les objets retrouvent des contours identifiables et des couleurs vives.

Le 3 novembre 2010, Christie's a vendu pour $ 28,6M incluant premium Violon et Guitare, huile sur toile 100 x 65 cm peinte par Juan Gris à Céret en septembre 1913, lot 23.

Kahnweiler est satisfait des progrès de Gris et Picasso ne peut plus ignorer son rival, sans toutefois mettre fin à son animosité unilatérale. Picasso avait voulu être considéré comme le meneur de ce cubisme qui ne pouvait intéresser que les théoriciens. Peu après Picasso, Braque et Gris tentent simultanément mais vainement de sauver le cubisme analytique en insérant sur leurs toiles des extraits de journaux, avatars ultimes de la destruction de la perspective.